Episodio Nº43

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Bienvenidos y bienvenidas a una nueva entrada de Rock en Cadena. Este episodio esta dedicado a una de las ultimas bandas que surgieron a finales de los 80 dentro de aquel estilo conocido como «glam metal» o «hair metal». Pudieron ser grandes, pero un vocalista bastante polémico y un negocio musical cambiante hicieron que aquel sueño de adolescentes se desvaneciera…aunque vivieron algunos años de esplendor. Ellos son Skid Row.

Los primeros años.

El bajista Rachel Bolan y el guitarrista Dave Sabo formaron Skid Row en 1986. La pareja reclutó al guitarrista Scotti Hill y al batería Rob Affuso a través de anuncios en los periódicos. El vocalista Sebastian Bach, de tan solo 18 años, reemplazó al cantante original Matt Fallon (Anthrax) después de que los padres de John Bon Jovi vieran a Bach cantando en la boda del fotógrafo de rock Mark Weiss, y recomendaran a la banda su fichaje.

«Bach, DuBrow y Zakk Wylde en la boda que cambio el destino de Sebastian Bach»

Sabo y John Bon Jovi eran amigos desde adolescentes y Sabo fue brevemente miembro de Bon Jovi antes de ser reemplazado por Richie Sambora. Sabo y Bon Jovi acordaron que si uno de ellos triunfaba en el negocio de la música, ayudaría al otro, y así fue, mientras Skid Row teloneaban durante tres noches a Bon Jovi en su gira «Slippery When Wet Tour» de 1987 el manager de Bon Jovi Doc McGhee sugirió a Skid Row que reemplazara al cantante original Matt Fallon. Después de completar la alineación con Bach el grupo firmó con la editorial «Underground», propiedad de Richie Sambora y John Bon Jovi, otorgándoles la mayor parte de los royalties de los temas. Tiempo después Sambora cedió su parte a Skid Row.

Era un contrato de coedición; él se llevaba todo y nosotros nada.

Rob Affuso

En un momento dado Richie Sambora dijo: «¿Sabéis que? tachad mi nombre de esta lista. Tengo mas dinero del que pueda gastar. No necesito quitaros el vuestro.

Rachel Bolan

El manager de Bon Jovi, Doc McGhee, reclutó a Skid Row y tras negociar con A&M y Geffen Records, les aseguró un contrato discográfico con Atlantic Records en 1988.

Directos a la cima.

Antes de lanzar su álbum debut, la agencia de management del grupo pagó 35.000 dólares al guitarrista Gary Moore por los derechos del nombre de la banda, ya que Gary formó allá por los 70 su primera banda llamada «Skid Row». Skid Row grabó su primer álbum con el productor Michael Wagener. La banda usó el estudio Royal Recorders en Lake Geneva, (Wisconsin) con el productor Michael Wagener para grabar su álbum debut. El estudio, sin demasiadas pretensiones, estaba en la parte trasera de un hotel, donde se alojaba la banda. Skid Row funcionó de acuerdo con un programa elaborado por Wagener y se mantuvo «sobrio» durante la grabación. Las sesiones de grabación transcurrieron sin problemas ya que la banda había estado tocando e interpretando las canciones durante el último año. Inicialmente el sello imprimió 150.000 copias del álbum y reservó a la banda un puesto de apertura en el «New Jersey Syndicate Tour 1988-1989» de Bon Jovi.

«Unos primerizos Skid Row»

Tras su lanzamiento en enero de 1989, Skid Row no conectó de inmediato con los oyentes y recibió críticas mixtas de la prensa musical. Pero tras el éxito del sencillo «I Remember You», que entró en el Billboard Top 10 en el otoño de 1989, el álbum despegó vendiendo más de 5 millones de copias. Gracias a las intensas giras y la difusión de la banda en MTV, Skid Row se convirtió rápidamente en platino con el álbum en el top 10 Billboard tres meses después de su lanzamiento. El álbum generó tres sencillos: » Youth Gone Wild «, «18 and Life» y «I Remember You», de los cuales los dos últimos se ubicaron en el top 10 en el Billboard Hot 100. «Piece of Me» fue lanzado como sencillo promocional y también contó con un video musical. La gira mundial de 17 meses de duración incluyó una aparición en el Moscow Music Peace Festival de Moscú en agosto de 1989 ante una multitud de 70.000 personas. Skid Row hizo su debut en el Reino Unido en el Milton Keynes Bowl abriendo para Bon Jovi. Al día siguiente, realizó su famoso concierto en el Marquee Club de Londres. La gira junto a Bon Jovi estuvo plagada de incidentes, Bach no paraba de soltar palabrotas durante los conciertos, cosa que Jon no veía con buenos ojos ya que en esos días el grueso de sus fans estaba compuesto por adolescentes que iban acompañadas a los conciertos por sus padres. A todo esto se añadía el comportamiento fuera del escenario con continuas borracheas y destrozos en camerinos y hoteles, además de un incidente entre Bach y Jon cuando antes de salir a escena los empleados de Jon «bañaron» a Bach con una jarra de leche. Mientras presentaba «Piece of Me» Bach dijo: «Hey Jon Bon Jovi, why don´t you come get a Piece of me!!», frase que en ingles se utiliza para retar a alguien, pero que Jon entendió (o le contaron) que Bach dijo algo así como: «Hey Jon Bon Jovi why are you a piece of fag» (Oye Jon Bon Jovi ¿Por qué eres un pedazo de marica?). Al terminar el concierto, camino de los camerinos, Jon golpeo a Bach mientras el equipo de seguridad y el resto de Skid Row intentaban separarlos.

Pasamos a su lado y Sebastian le dijo algo como: «Me la has jugado..», refiriéndose a la broma de la leche, pero Jon lo llamó hijo de puta y le dio un puñetazo en la cara»

Scotti Hill

Skid Row regresó al Reino Unido tres meses después, abriendo junto a Mr. Big, para Mötley Crüe en su gira europea «Dr. Feelgood». Skid Row continuo de gira como cabezas de cartel en el Reino Unido que culminó con un espectáculo en el Hammersmith Odeon de Londres. Después Skid Row abrió para Aerosmith durante un año en su «Pump Tour». En diciembre de 1989 durante el concierto en Springfield, Massachusetts, un fan arrojó una botella al escenario durante el show de Skid Row. Bach arrojó la botella a la multitud y golpeó a una fan de 17 años en la cara. El incidente fue filmado por un fan y Bach fue arrestado después del espectáculo. Fue puesto en libertad con una fianza de 10.000 dólares y condenado a tres años de libertad condicional.

«La polémica camiseta «

En otro show en 1990, Bach usó una camiseta con el eslogan anti-gay «AIDS Kills Fags Dead». Bach dijo que se puso la camiseta después de que un fan la arrojara al escenario, pero luego lamentó el incidente y dijo que no apoya la homofobia. Gracias a las intensas giras y la difusión de la banda en MTV, Skid Row se convirtió rápidamente en platino con el álbum en el top 10 Billboard tres meses después de su lanzamiento. El álbum generó tres sencillos: » Youth Gone Wild «, «18 and Life» y «I Remember You», de los cuales los dos últimos se ubicaron en el top 10 en el Billboard Hot 100. «Piece of Me» fue lanzado como sencillo promocional y también contó con un video musical.

El 4 de diciembre de 1990 se lanza el VHS «Oh Say Can You Scream», un video con temas del álbum debut homónimo de la banda interpretadas en vivo en diferentes partes del mundo, además de imágenes detrás de escena (incluido el incidente de «la botella») y videoclips sin censura de «18 and Life», «Youth Gone Wild», «I Remember You» y «Piece of Me». Skid Row volvió al estudio con Wagener en 1990 para grabar su segundo álbum «Slave to the Grind», lanzado en junio de 1991 debutando en el número uno en el Billboard 200, alcanzando el doble platino sin ningún éxito radiofónico, vendiendo 134.000 copias en su primera semana. El álbum mostró un sonido más duro que su predecesor con letras que evitaban los clichés del hard rock, centrándose en textos más complejos que criticaban las formas de vida modernas, la autoridad, la política, las drogas y la religión organizada, entre otros temas. Se lanzaron dos versiones diferentes del álbum: la original y una versión «limpia», en la que «Get the Fuck Out» se reemplaza por el menos ofensivo «Beggar’s Day». En septiembre de 1992 se lanzó un E.P. de versiones llamado «B-Side Ourselves». Este trabajo no solo incluye versiones de canciones grabadas originalmente por artistas que influyeron en Skid Row, sino que es esencialmente una recopilación de pistas que habían aparecido previamente como caras B de los sencillos de la época de «Slave to the Grind», excepto «Little Wing» de Jimi Hendrix, inédito hasta ese momento. «B-Side Ourselves» alcanzó el puesto 58 en el Billboard 200 (la posición más baja en las listas de Skid Row hasta la fecha), y fue certificado oro seis meses después de su lanzamiento. «No Frills Video» VHS lanzado en 1993 cuenta con los videos musicales grabados para los cinco sencillos de «Slave to the Grind»: «Monkey Business», «Slave to the Grind», «Wasted Time», «In a Darkened Room» y «Quicksand Jesus», además de los videos del E.P. «B-Side Ourselves». El 16 de octubre de 1993 se lanza «Road Kill», otro VHS con actuaciones en vivo de Skid Row, además de clips promocionales, imágenes entre bastidores, videos de aficionados, amigos y fans, y lo más destacado de los conciertos en Japón, Brasil, Irlanda, Islandia y los Estados Unidos. «Road Kill» también incluye el video musical de «Psycho Love» en 3-D y las versiones de las canciones «Psycho Therapy» y «C’mon And Love Me», que se incluyeron en «B-Side Ourselves». El sello de Skid Row Atlantic Records, no apoyó la «transformación» del grupo cuando filmó el video de la canción principal. El sello quería una modelo en bikini para protagonizar el video, pero la idea fue rechazada por la banda ya que la canción no trataba sobre la sexualidad femenina. El padre de Sebastian Bach, David Bierk, pintó la portada, que en realidad es un mural largo, que continúa dentro del folleto del álbum. Aunque está ambientado en la época medieval, muestra a personas que usan dispositivos tecnológicos modernos. La portada se inspiró en la obra de Caravaggio «El Entierro de Santa Lucía» de 1608 y muestra a John F. Kennedy entre la multitud.

«Portada pintada por el papa de Sebastian Bach»

Una vez más, Skid Row realizó una gira mundial que duró más de un año, incluida una etapa como teloneros de Guns N’ Roses en 1991 y una aparición en Monsters of Rock en Castle Donington en 1992. Pantera, Soundgarden, L.A Guns y Love/Hate fueron las bandas encargadas de abrir para Skid Row en la gira de apoyo a «Slave to the Grind». Curiosamente Skid Row había pedido a Nirvana que abriera para ellos, pero estos se negaron, alegando que Skid Row era «demasiado homofóbico», en relación con el incidente de la camiseta de Sebastian Bach.

Los (malditos) 90.

Después de que la gira «Slave to the Grind» terminara en febrero de 1993 en Australia, donde nuevamente abrieron para Guns N’ Roses, Skid Row se tomó una larga pausa por recomendación de McGhee en un intento de que el movimiento grunge se desvaneciera. En 1994, la banda volvió al estudio con el productor Bob Rock para grabar su tercer álbum «Subhuman Race». Los miembros de Skid Row afirmaron que sus sesiones de grabación estuvieron llenas de fuertes tensiones entre los miembros de la banda y el productor, incluidos debates sobre la dirección musical del álbum, también durante esos días la relación de la banda con Bach se volvió mucho mas tensa. «Subhuman Race» fue lanzado en marzo de 1995 y debutó en el puesto 35 en el Billboard 200, permaneciendo en las listas durante nueve semanas. Se lanzaron tres sencillos: «My Enemy», » Breaking Down » y » Into Another «, siendo este último el último de la banda en aparecer en las listas de éxitos. En 1999, «Subhuman Race» había vendido 165,424 copias, quedando significativamente por debajo de trabajos anteriores, aun así el álbum recibió críticas positivas. Lanzado durante el declive del hard rock y el heavy metal, «Subhuman Race» marcó un cambio significativo en el sonido de la banda, con Bob Rock reemplazando a Michael Wagener como su productor, y asemejándose a una mezcla de heavy metal con grunge, alternativo, punk rock, thrash metal e influencias de groove metal, convirtiéndolo en el álbum mas oscuro de Skid Row.

«Ese disco fue una pesadilla. Internamente, la banda se había derrumbado, pero nos vimos obligados a entrar en el estudio y hacer otro disco y fue una pesadilla con la grabación, la escritura y la producción. Trabajamos con alguien con quien no habíamos trabajado antes después de tener tanto éxito con Michael (Wagener) y estábamos acostumbrados a la forma en que el hacía las cosas. No estoy menospreciando a Bob en absoluto, es un productor genial, pero fue un mal momento. No tuve el mejor momento, no fue culpa de nadie, así eran las cosas. Además, el disco apesta completamente»

Rachel Bolan

En ese momento, la banda pasó a actuar en lugares más pequeños y sus videos rara vez se reproducían en MTV, en parte debido al aumento de la popularidad del grunge y el posterior declive de muchos estilos de heavy metal de la década de 1980. Skid Row abrió para Van Halen en la etapa norteamericana de su gira «Balance». Finalmente, Bach dejó la banda a finales de 1996 después de una discusión con Bolan, quien rechazó un puesto para abrir a Kiss en su gira de reunión a pesar de que Bach ya la había reservado. Los otros miembros de la banda le dijeron a Bach que Skid Row era demasiado grande para ser un grupo telonero y que no iban a hacer el espectáculo. Mas tarde Bach dejó un mensaje en el contestador automático de Snake diciéndoles que la banda nunca sería lo suficiente grande como para abrir para Kiss junto con una serie de insultos. Tras este incidente Sabo comunico al resto de la banda que jamás volvería a trabajar con Bach.

No era una gira con Kiss, era un concierto.

Rachel Bolan

En 1995 lanzaron en Japón un E.P. en vivo titulado «Subhuman Beings on Tour» con temas en vivo de la gira «Subhuman Race» uno de los temas, «Delivering The Goods» (una versión de Judas Priest) cuenta con la participación del líder de Judas Priest, Rob Halford.

En 1998 Skid Row lanzó el recopilatorio «40 Seasons: The Best of Skid Row» sin la participación de Bach. El álbum incluye canciones de los primeros tres álbumes de estudio de Skid Row. Las pistas de «Subhuman Race» fueron remezcladas para este álbum con mezclas más «lights» y menos «sucias», presumiblemente para que encajaran mejor con las otras pistas. También incluye dos pistas inéditas, una de las sesiones de su álbum debut y otra de las sesiones de «Slave to the Grind». La versión japonesa cuenta con una pista adicional del E.P. «B-Side Ourselves». Los miembros restantes de Skid Row continuaron bajo el nombre de Ozone Monday con el cantante Shawn McCabe de Mars Needs Women. En 1998 y 1999, el grupo abrió bajo el nuevo nombre para Kiss y Mötley Crüe. Poco después el batería Rob Affuso abandonó la banda, quien no estaba de acuerdo con el despido de Bach ni con la dirección musical que estaba tomando la banda. Skid Row se volvió a formar en 1999 con dos nuevos miembros, el vocalista Johnny Solinger y el batería Phil Varone (ex Saigon Kick). Tras su Reunión, la banda abrió para Kiss en su gira de despedida «Farewell Tour» de 2000.

Ironías de la vida. ¡Pero fue alucinante!

Rachel Bolan sobre su gira con Kiss

Nuevo milenio.

«Scotti Hill, Dave Sabo, Johnny Solinger, Phil Varone y Rachel Bolan, los nuevos Skid Row.»

Tras ocho años sin publicar ningún trabajo Skid Row lanzó en el verano de 2003 su cuarto álbum de estudio, «Thickskin», colocándose en el puesto 46 en la lista de los mejores álbumes independientes. El sonido de la banda cambio por completo acercándose a un sonido post-grunge mas acorde con bandas como Foo Fighters, Silverchair o Creed. Días después del lanzamiento del álbum se publicó el DVD «Under the Skin (The Making of Thickskin)» con un «making off» de la grabación del álbum, galería de fotos, entrevistas, videos musicales del álbum y actuaciones en vivo.

«Dave Gara (con pañuelo) se incorpora a Skid Row.»

En 2004, Dave Gara fue anunciado como nuevo batería de Skid Row. Dos años mas tarde, el 24 de octubre de 2006 se lanza «Revolutions per Minute», un álbum que volvió a contar con Michael Wagener como productor tras 15 años desde que coprodujo el segundo álbum de la banda, «Slave to the Grind», en 1991. El álbum recibió críticas negativas y tan solo se ubicó en el puesto 266 en las listas de Japón. A diferencia de su predecesor, mas orientado al post grunge, «Revolutions per Minute» es un álbum mas diverso, con una combinación de elementos de punk clásico, post-punk, e incluso country. En febrero de 2013, Skid Row firmó con Megaforce Records y anuncio que el nuevo material se lanzaría como tres E.P.s separados. El primero, «United World Rebellion: Chapter One», se lanzó en abril de 2013 y vendió 1.500 copias en su primera semana en los Estados Unidos. Su continuación, «Rise of the Damnation Army – United World Rebellion: Chapter Two» fue lanzado el 5 de agosto de 2014 y vendió 1.300 copias en los EE. UU. en su primera semana. Ambos trabajos presentan una vuelta al sonido de «Slave to the Grind»

En abril, Solinger fue despedido de la banda, y el mismo día se anunció que Tony Harnell, ex TNT, seria el nuevo vocalista de la banda. Ese mismo mes, la banda lanzó como descarga gratuita una versión regrabada, con Harnell a la voz, de su primer sencillo, «18 and Life». Harnell dejó Skid Row en diciembre de 2015, y el ex vocalista de DragonForce, ZP Theart, se convirtió en el cantante del grupo para los conciertos de 2016. En enero de 2017, ZP Theart fue nombrado miembro oficial de la banda. En marzo de 2018, se anunció que el próximo lanzamiento de la banda para la trilogía «United World Rebellion» ahora sería un álbum de larga duración y se lanzaría durante 2019. En enero de 2019, se lanzó digitalmente una edición de lujo del álbum debut homónimo de Skid Row, que incluía el álbum original remasterizado (con el tema «Forever» incluido como pista adicional), así como la grabación de una actuación en The Marquee en Westminster, California, del 28 de enero de 1989. Los miembros de la banda declararon que no participaron en la reedición.

El 26 de junio de 2021, el ex vocalista de Skid Row Johnny Solinger murió a la edad de 55 años. En mayo, el cantante anunció en su página de Facebook que le habían diagnosticado insuficiencia hepática, que estaba tomando al menos siete medicamentos diferentes, que había perdido una cantidad significativa de fuerza y ​​requería fisioterapia y cuidados paliativos que su familia no podía pagar.

«Con gran pesar debo informar a todos lo que está pasando conmigo y mi salud. Estuve hospitalizado durante el último mes». «Me han diagnosticado insuficiencia hepática. Y el pronóstico no es nada bueno».

Johnny Solinger
«Erik Grönwall, ¿ultimo vocalista de Skid Row?»

El 23 de marzo de 2022, se anunció que la banda se había separado de ZP Theart. Erik Grönwall (ganador del reality show Sueco «Idol» y vocalista de la banda H.E.A.T.) se unió a la banda después de la partida de Theart. Después de que Grönwall se uniera a Skid Row, se estrenó en internet el sencillo «The Gang’s All Here». La banda también anunció que su nuevo álbum, «The Gang’s All Here», se lanzaría el 14 de octubre de 2022.

Skid Row logró el éxito comercial a finales de la década de los 80 y principios de los 90, con sus dos primeros álbumes «Skid Row» y «Slave to the Grind» certificados multiplatino, el último de los cuales alcanzó el número uno en el Billboard 200. A finales de 1996 la banda había vendido 20 millones de álbumes en todo el mundo. A pesar de sus cambios de formación y sus «incursiones» en el post-grunge y el post punk la banda aun continua siendo un referente dentro del hard rock de finales de los 80. Uno de los vocalistas que pasaron por las filas de Skid Row, Tony Harnell nos lleva a esta banda de la que formó parte, Morning Wood.

El guitarrista Al Pitrelli (Asia, Alice Cooper, Megadeth), el batería Chuck Bonfante (Saraya, Drive She Said) y el bajista Danny Miranda (Blue Oÿster Cult) formaron este proyecto como una diversión en directo para los tiempos muertos de sus principales bandas. Tony Harnell que había regresado a Estados Unidos tras el primer parón de los noruegos TNT (volverían a reunirse en 1997) fue reclutado para poner voz a las versiones acústicas que el grupo realizaba. Pero la reacción del público en sus conciertos y el buen ambiente entre ellos les llevó a meterse en estudio para grabar el que fue su primer y único álbum. La primera edición se lanzó en Japón en 1994 bajo el título «Morning Wood», años después, en 2002 y posteriormente en 2004, el sello Escape Music lo reeditó lanzándolo internacionalmente bajo el titulo de «Tony Harnell & Morning Wood», ambas ediciones contienen el mismo numero de canciones, doce, de las cuales ocho son versiones mas cuatro temas nuevos. Entre las versiones nos encontramos con temas de Allman Brothers Band, Nazareth, The Eagles, Supertramp o los mismísimos TNT. Sin duda una super banda con músicos de muy reconocidos dentro del negocio musical, uno de ellos, el batería Chuck Bonfante, nos lleva a una de sus primeras bandas, Saraya.

En 1987, la vocalista Sandi Saraya y el teclista Gregg Munier se unieron el ex guitarrista de Danger Danger, Tony «Bruno» Rey, el bajista Gary Taylor y el batería Chuck Bonfante para formar Saraya.La banda lanzó su álbum debut homónimo en PolyGram Records en 1989. Los ejecutivos de la compañia esperaban convertir a Sandi Saraya en un símbolo sexual, convirtiéndola en la «próxima Bon Jovi «. Su debut alcanzó cierto éxito, pasando 39 semanas en el Billboard 200, llagando al puesto 79. Su primer sencillo, «Love Has Taken Its Toll», alcanzó el puesto 64 en el Billboard 100, y el segundo, «Back to the Bullet» alcanzaron el puesto 63. La balada «Timeless Love», lanzada por EMI/SBK Records, en realidad se grabó como un proyecto en solitario de Sandi Saraya y estuvo acompañada por músicos de sesión, pero se le atribuyó al nombre de su banda. Aún así, «Timeless Love» se convirtió en su tercer y último sencillo en el Hot 100, manteniéndose aún más abajo en el puesto 85. La canción, producida y escrita por Desmond Child, fue parte de la banda sonora de la película de terror «Shocker». Después del primer álbum, el grupo paso por cambios de formación, Barry Dunaway (bajista de directo de Yngwie Malmsteen) reemplazó a Gary Taylor en el bajo. Munier grabó teclados y coros en el segundo álbum, «When the Blackbird Sings», lanzado en 1991, pero no estaba contento con la dirección de la música, ya que estaba más impulsada hacia la guitarra. Más tarde abandonó la banda y fue reemplazado por el guitarrista John Roggio. Al igual que la mayoría de bandas del estilo de Saraya desaparecieron bajo el tsunami del «grunge». El 3 de febrero de 2006, Gregg Munier murió a la edad de 44 años, por complicaciones de una neumonía. En octubre de 2010, Saraya planeó reunirse para el Firefest Music Festival en el Reino Unido. Sin embargo, problemas económicos entre Sandi Saraya y la organización del festival impidieron que la banda pudiera actuar. De los músicos que formaron parte de Saraya el guitarrista Tony Rey es sin duda el más prolífico de todos, tocando, escribiendo, grabando y produciendo a muchos de los artistas mas importantes de la industria de la música, desde Joan Jett hasta Enrique Iglesias o Rihanna. Pero quien nos interesa es la banda de donde provenía Tony Rey, Danger Danger.

Danger Danger se formó en 1987 por los ex miembros de Hotshot Mike Pont (vocalista), Bruno Ravel (bajista) y Steve West (batería) además del guitarrista Al Pitrelli y el teclista Kasey Smith. Mike Pont dejó la banda y fue reemplazado por Ted Poley, quien anteriormente tocaba la batería en la banda Prophet. Tras algunas demos consiguieron un contrato con Epic Records. En 1988, Pitrelli dejó Danger Danger siendo sustituido en 1989 por Tony Rey, quien grabó ese mismo año parte del álbum debut homónimo antes de ser sustituido por Andy Timmos quien completó la grabación. En 1990 se publica el E.P. «Down and Dirty Live» grabado durante la gira de su primer álbum. Su segundo trabajo «Screw It!» se lanzó en 1991. Después de la gira, el teclista Kasey Smith dejó la banda. En 1993 la banda había terminado de grabar su tercer álbum titulado «Cockroach», sin embargo, la banda despidió al cantante Ted Poley. Paul Laine ocupó su puesto y volvió a grabar las voces del nuevo álbum. Poley demandó a la compañía y al grupo impidiendo que se lanzara el álbum. Epic archivó el álbum y poco después prescindió de la banda. Además, el guitarrista Timmons dejó la banda para empezar su carrera en solitario. Los miembros restantes de Danger Danger, Ravel y West formaron su propio sello, Low Dice Records, y junto Laine lanzaron en 1995 «Dawn», un álbum con un sonido mas cercano al post grunge que al hard rock. El álbum se comercializó a través del club de fans y la pagina web de la banda. En 1997 se lanzó «Four the Hard Way», donde colaboran los ex miembros de la banda Andy Timmons, Tony Rey y Kasey Smith así como en «The Return of the Great Gildersleeves» de 2000 donde aparecen los dos ex guitarrista de la banda. En 2001, tras conversaciones con Epic se pudo lanzar «Cockroach». El álbum contó con dos discos con dos versiones del álbum, una con Laine en la voz y otra con Ted Poley. En 2003 se edita «Rare Cuts», una colección de pistas inéditas y rarezas que incluyen demos con el miembro original Al Pitrelli. En 2004, Laine dejó la banda volviendo a Danger Danger el cantante original Ted Poley. Aun así, en 2005, la banda lanzó «Live and Nude», un álbum en vivo grabado en 2003 con Paul Laine en la voz. El 19 de septiembre de 2009, el sello independiente Frontiers Records lanzó «Revolve», que presenta el regreso de Poley como cantante principal, así como el nuevo miembro, el guitarrista Rob Marcello (hermano del ex guitarrista de Europe Kee Marcello). La formación clásica de Danger Danger formada por Ted Poley, Bruno Ravel, Steve West, Andy Timmons y Kasey Smith se reunió en 2014 para una serie de giras. Continuamos este blog con el vocalista Ted Poley quien tras abandonar Danger Danger se vio envuelto en decenas de proyectos y colaboraciones como en este llamado Wolfpakk.

Proyecto fundado y formado en 2010 por Michael Voss (ex-Casanova, Mad Max) a la guitarra y la voz y Mark Sweeney ex vocalista de Crystal Ball a la voz. Este dúo alemán/suizo lanzó su álbum debut homónimo en 2011, con las colaboraciones de músicos de primer nivel como Paul Di’anno, Jeff Scott Soto, Tim Ripper Owens o Paul Shortino que añadían sus voces a las de los dos protagonistas de la banda Voss y Sweeney. Además contaban con guitarristas como Olaf Lenk (At Vance) o Tommy Denander y bajistas de la talla de Tony Franklin (ex-Blue Murder), Mat Sinner (Primal Fear) o Neil Murray (ex Whitesnake). Su siguiente álbum «Cry Wolf», lanzado en agosto de 2013, superó incluso a su álbum debut, ganándose los elogios tanto de los medios como de los fans. De nuevo contaron con estrellas del mundo del hard rock como Amanda Somerville, Ralf Scheepers de Primal Fear, Göran Edman, Kee Marcello (ex-Europe), Roland Grapow (Masterplan) o Hermann Rarebell. Siguiendo con la misma fórmula publicaron, «Rise Of The Animal» en 2015 donde aparecían entre otros Michael Kiske y Andi Deris de Helloween, Ted Poley (Danger Danger), Don Dokken (Dokken), Bob Daisley (ex-Gary Moore, Black Sabbath), John Norum (Europe), Doug Aldrich (ex Whitesnake) o Chris Slade (ex-AC/DC). Dos años después, el 28 de abril de 2017, se publica «Wolves Reign», álbum donde aparecen Claus Lessmann (ex-Bonfire), Biff Byford (Saxon), Ronnie Atkins (Pretty Maids), Rudy Sarzo (Ozzy Osbourne), George Lynch (ex-Dokken) y Alex Holzwarth (Rhapsody Of Fire)entre otros. Su último trabajo hasta la fecha «Nature Strikes Back» se lanzó el 24 de enero de 2020 y cuenta, como no, con un total de 32 músicos invitados de primer nivel. Michel Voss es uno de los grandes músicos de la escena del heavy melódico/hard rock alemán reconocido por aquella mítica banda de mediados de los 80 de la cual formó parte llamada Mad Max.

Banda formada en 1980, por el guitarrista Jürgen Breforth el vocalista Andreas Baesler, el guitarrista Wilfried Schneider, el bajista Thomas Hoffmann y el batería Uwe Starck quienes tocaban en una banda de versiones adoptando en 1981 el nombre de Mad Max inspirados en la película de 1979 protagonizada por Mel Gibson. En 1982 autoeditan su primer álbum «Heavy Metal» siendo relanzado un año después por «Roof Records», titulándolo simplemente con el nombre de la banda, además de con una nueva portada. El grupo suaviza su sonido y sustituye a su vocalista por Michael Voss publicando en 1984 su segundo trabajo «Rollin´ Thunder», seguido un año después por «Stormchild» que presenta al nuevo batería Axel Kruse. En 1987 y con la salida del guitarrista Wilfried Schneider, se edita su mejor y más conocido trabajo «Night of Passion» donde Michel Voss pasas a ocuparse de la guitarra además de las voces. El álbum no tuvo el éxito esperado, los 90 se acercaban y la banda decide poner punto final a su carrera. En 1999 el guitarrista y fundador Jürgen Breforth y el vocalista Michael Voss se reúne y editan «Never Say Never», presentandose como una de las primeras bandas alemanas de rock cristiano. A este trabajo le seguirían «Night Of White Rock» de 2006, «White Sands» de 2007, «Another Night Of Passion» de 2012 e «Interceptor» de 2013 todos ellos con la formación clásica del 87. Tras algunos cambios de formación publican «35» y «Stormchild Rising» en 2018 y 2020 respectivamente. A finales de 2021 Michel Voss abandona el grupo justo antes de comenzar la gira donde la banda celebraba el 40 aniversario de su formación. Continuamos con uno de los miembros de la mítica formación que grabó aquel «Night of Passion», el batería Axel Kruse y lo hacemos con esta banda llamada Jaded Heart.

Banda alemana formada en 1990 por Michael Bormann y su hermano, el guitarrista Dirk Bormann, a quienes un año más tarde se les unieron el bajista Michael Muller y el ex batería de Mad Max, Axel Kruse. Tras la publicación de su álbum debut, Inside out, de 1994 se incorporó el teclista Chris Ivo. Poco después el guitarrista Dirk Bormann abandona el grupo siendo sustituido por Alex Beyrodt. En 1996 llegaría su segundo trabajo, «Slaves and Masters» un álbum que permaneció en el Top Ten japonés de importación durante cuatro meses. En 1997 el grupo pasa a ser un cuarteto con Michael Bormann asumiendo el papel de guitarrista y vocalista, publicando ese mismo año «Mistery Eyes». Barish Kepic entró como nuevo guitarrista para grabar en 1999 el cuarto álbum de la banda titulado «IV» y «The Journey Will Never End» de 2002 con la incorporación de Henning Wanner como nuevo bajista. Con esta formación se grabó en 2004 «Trust», último trabajo de Michael Bormann antes de ser despedido del grupo. En 2005 el cantante sueco Johan Fahlberg fue reclutado por Jaded Heart grabando ese mismo año “Helluva Time”. Tras la publicación del álbum el guitarrista Barish Kepic dejó la banda por motivos personales siendo sustituido en 2006 por el guitarrista sueco Peter Östros. Con esta formación grabaron dos álbumes más: “Sinister Mind” en 2007 y “Perfect Insanity” en 2009. Su décimo álbum, «Common Destiny», fue lanzado en la primavera de 2012, seguido en 2013, del CD/DVD «Live In Cologne». En 2014 el batería Axel Kruse abandona Jaded Heart y es sustituido por Bodo Stricker, además el grupo incorporó a Masahiro Eto como segundo guitarrista. Con ellos grabarían «Fight The System» de 2014, Guilty By Design de 2016 y “Devil´s Gift” lanzado el 30 de marzo de 2018. Su último álbum «Stand Your Ground» se lanzó en todo el mundo el 27 de noviembre de 2020. Uno de los varios guitarristas que han pasado por este grupo alemán, Alex Beyrodt, guitarrista entre otros de Primal Fear, Silent Force o Sinner nos lleva a la siguiente banda con la que colaboró en 2001 llamada Heavenly.

Heavenly, banda francesa de power metal cuyos orígenes se remontan a 1993 cuando el vocalista Benjamin Sotto y el batería Maxence Pilo deciden formar un grupo de versiones bajo el nombre de Satan´s Lawyer, cambiando al poco tiempo el nombre por el de Twilight para mas tarde, en 1994, convertirse en Heavenly. Bajo este nombre se presentan a un concurso de demos cuyo premio es un contrato discográfico con Noise Records. La banda sale ganadora del concurso y en 1999 firma con dicha compañía. Un año mas tarde, con la incorporación del guitarrista Chris Savourey y el bajista Laurent Jean, se publica su álbum debut «Coming from the Sky», no muy bien recibido por la crítica ya que su sonido era una copia más de Helloween, Gamma Ray y Iron Savior, por el contrario el álbum resultó ser un éxito entre los fans del power metal. Ben Sotto y Maxence Pilo deciden renovar la banda por completo incorporando a un teclista, Frédéric Leclercq, y sustituyendo al bajista Laurent Jean por Piere-Emmanuel Pelisson. Tras la gira Heavenly Chris Savourey se fue de la banda mientras Frédéric Leclercq asumía su papel como guitarrista de la banda. Con esta formación graban “Sign of The Winner”, publicado en 2001 y en el que aparece el guitarrista alemán Alex Beyrodt colaborando en dos temas. Esta vez el álbum consigue la aprobación tanto de los fans como de la critica. Antes de comenzar la gira Charley Corbiaux se unió como segundo guitarrista. A principios de 2004 se lanzó su tercer álbum, «Dust to Dust», convirtiendo a Heavenly en una de las principales bandas de power metal de Francia. Dos años mas tarde se publica “Virus” en donde hubo no solo un cambio de estilo musical sino también de algunos miembros de la banda: el guitarrista Frédéric Leclercq, el bajista Pierre-Emmanuel Pélisson y uno de los fundadores del grupo, el batería Maxence Pilo abandonarían Heavenly siendo reemplazados respectivamente por Olivier Lapauze, Matthieu Plana y Thomas Das Neves. Bajo el título “Carpe Diem” llegaría en 2009 el ultimo trabajo de Heavenly, en el que al igual que su predecesor, deja a un lado sus influencias power metal para adentrarse aun mas en sonidos mas progresivos. Desde entonces la banda permanece inactiva. Como dato curioso deciros que tras abandonar Heavenly el guitarrista Frédéric Leclercq se convirtió en bajista de esta banda británica llamada DragonForce.

DragonForce fue fundado en 1999 por los guitarristas Herman Li y Sam Totman, uniéndose a ellos el vocalista ZP Theart, el batería Matej Setinc, el bajista Steve Scott y el teclista Steve Williams. Tras algunos cambios de formación el bajista Diccon Harper se unió a la banda en noviembre de 2000, y el teclista Vadim Pruzhanov en febrero de 2001, completando la formación que grabaría su álbum debut, no sin antes cambiar el nombre del grupo de DragonHeart a DragonForce en 2002, año en que la banda firmó con Noise Records publicando un año después su álbum debut «Valley of the Damned». Diccon Harper interpretó las pistas de bajo del álbum, pero dejó la banda antes de su publicación debido a un problema en un tendón que requirió cirugía. El segundo álbum de estudio de DragonForce, «Sonic Firestorm» de 2004, logro aún más éxito que su álbum anterior, y contó con la incorporación de dos nuevos miembros el bajista Adrian Lambert y el batería Dave Mackintosh. Después de firmar con Roadrunner Records se lanza el 28 de diciembre de 2005 su tercer álbum, «Inhuman Rampage». El primer sencillo del álbum, «Through the Fire and Flames», que alcanzó el oro en EE.UU. y Canadá es sin duda su canción más famosa hasta la fecha apareciendo en los videojuegos «Guitar Hero III: Legends of Rock», «Guitar Hero: Smash Hits» y «Brütal Legend», así como contenido descargable para la franquicia «Rock Band». Antes del lanzamiento del álbum, Adrian Lambert dejó la banda para cuidar a su hijo recién nacido. La banda reclutó a Frédéric Leclercq para la gira convirtiéndose en miembro oficial de la banda tras el lanzamiento de «Inhuman Rampage». «Ultra Beatdown», cuarto álbum de estudio de la banda se publicó en agosto de 2008 alcanzando el numero 9 en Japón, el 19 en las listas australianas y el 18 en las lista de álbumes del Reino Unido y el Billboard 200 estadounidense. La canción «Heroes of Our Time» fue nominada al premio Grammy a la Mejor Interpretación de Metal, perdiendo ante «My Apocalypse» de Metallica. El 8 de marzo de 2010, se anunció que el vocalista ZP Theart se había separado de DragonForce debido a «diferencias insuperables de opinión musical». En septiembre de 2010 la banda lanzó su primer álbum en vivo, «Twilight Dementia» en formato doble Cd. El álbum fue grabado en noviembre y diciembre de 2009 en diecinueve espectáculos diferentes en el Reino Unido durante la gira mundial «Ultra Beatdown». El 2 de marzo de 2011, DragonForce anunció a su nuevo vocalista, Marc Hudson, un músico no profesional. Meses después debutaría con ellos abriendo para Iron Maiden. En 2012 y 2014 DragonForce publican «The Power Within» y «Maximum Overload» este ultimo lanzado en tres versiones: CD físico o digital estándar, CD físico o digital de edición especial (solo en Japón con cinco temas extra y un DVD extra) y vinilo. El 3 de junio de 2014 el batería Dave Mackintosh anunció su salida de la banda siendo reemplazado por Gee Anzalone. «In the Line of Fire… Larger than Live» el primer álbum en vivo de la banda que presenta imágenes filmadas profesionalmente en uno de sus conciertos fue lanzado en 2015 y grabado el 18 de octubre de 2014 en el Loud Park Festival. Este trabajo fue lanzado en los formatos DVD y Blu-ray, y ambas versiones incluyeron el CD de audio. En abril de 2016, DragonForce lanzó el recopilatorio «Killer Elite: the Hits, the Highs, the Vids» un CD doble con sus grandes éxitos además de un DVD que contenía los videos lanzados por la banda. El 10 de junio de 2019, después de más de dos años sin estar involucrado en DragonForce, Pruzhanov declaro que había dejado oficialmente la banda en mayo de 2018.[46] El 27 de septiembre de 2019, se publicó el octavo álbum de estudio de la banda, «Extreme Power Metal». El teclista de Epica, Coen Janssen, grabó los teclados para el nuevo álbum. En agosto de 2019, Frédéric Leclercq anunció que dejaría la banda para dedicarse a otros proyectos; mas tarde la banda confirmó al músico y Youtuber Steve Terreberry como su reemplazo para las fechas de la gira estadounidense de la banda. Terreberry finalmente se retiró de la gira antes de tocar un solo concierto debido a su ansiedad. El bajista de Once Human, Damien Rainaud, que también produjo «Extreme Power Metal», se hizo cargo de las tareas de bajista. En enero de 2020, Alicia Vigil se convirtió en la nueva bajista de la banda para los directos. En marzo, Gee Anzalone fue ingresado en el hospital con miocarditis y se vio obligado a faltar a la gira de DragonForce por Estados Unidos, siendo Aquiles Priester quien le sustituyó en la gira hasta que se canceló debido a la pandemia de COVID-19. En febrero de 2022 Vigil fue anunciada como miembro oficial de la banda. Con uno de los miembros de esta banda cerramos el circulo y este blog, el vocalista ZP Threat y su paso como vocalista de la banda que protagoniza este episodio, Skid Row, con la que me despido hasta un nuevo episodio. Un saludo!!!

Episodio Nº42

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Bienvenidos una vez mas a este blog dedicado al podcast Rock en Cadena. viajamos por sonidos «progresivos» de la mano de una de las bandas mas importantes dentro de este genero en su vertiente «metalera». Conocidos como uno de los «Tres Grandes» del género, junto con Dream Theater y Fates Warning, son considerados como uno de los líderes de la escena del metal progresivo de mediados y finales de la década de 1980. Ellos son Queensrÿche. Comenzamos.

De The Mob a Queensrÿche.

Los cimientos de Queensrÿche comenzaron a finales de la década de los 70. El guitarrista Michael Wilton y el guitarrista Chris DeGarmo tocaban juntos en una banda allá por 1979. En 1980, Wilton conoció al bateria Scott Rockenfield y formaron una banda llamada Cross+Fire donde hacían versiones de canciones de populares bandas de heavy metal como Iron Maiden y Judas Priest. Al poco tiempo, DeGarmo y el bajista Eddie Jackson se unieron a Cross+Fire, y el nombre de la banda fue cambiado a The Mob, sacado de la canción de Black Sabbath «The Mob Rules». Al necesitar un cantante para una actuación en un festival de rock local, reclutaron al líder de Babylon, Geoff Tate. Tras la separación de Babylon, Tate realizó algunos shows con The Mob, pero se fue porque no estaba interesado en realizar versiones de heavy metal. En 1981, la banda reunió el dinero suficiente para grabar una demo. Todavía sin un cantante, Tate se ofreció una vez más para ayudar, en contra de lo que pensaba su banda en ese momento, Myth. El grupo grabó cuatro canciones «Queen of the Reich», «Nightrider», «Blinded» y «The Lady Wore Black», esta última con una letra de Tate. Durante todo un año, llevaron su demo a varios sellos y fueron rechazados por todos. Finalmente, Kim y Diana Harris, propietarios de Easy Street Records, ofrecieron a The Mob un contrato de management. Sin embargo, como Tate mantuvo su compromiso de quedarse en Myth, la banda no tuvo mas remedio que buscar a otro cantante. Debido a que el nombre The Mob esta registrado, su manager los instó a elegir un nombre diferente. Según cuentan, se quedaron sin ideas y decidieron nombrar a la banda igual que la primera canción en su demo, «Queen of the Reich». La ortografía «Queensreich» se modificó para evitar la asociación de la banda con el nazismo; «ryche» que significa significar «reino», o «imperio» se pronuncia igual que la palabra alemana «Reich». Queensrÿche está escrito con diéresis sobre la letra «y».

Sus primeros álbumes.

«Unos jovencísimos Queensrÿche»

Uno de los representantes de la banda, Kim Harris, envió la demo y una foto de la banda a un amigo que escribía para la revista Kerrang!, dando como resultado una sorprendente y excelente critica por parte del periodista. Tras esta reseña y la expectación creada hacia ellos tanto en los Estados Unidos como en Europa, sus representantes lanzaron en 1983 la demo de Queensrÿche como un E.P. homónimo en su sello independiente «206 Records». Después de que el EP obtuviera elogios internacionales, recibiera mucha difusión en las radios y vendiera una cantidad inusual de copias para un pequeño lanzamiento independiente, Tate decidió dejar Myth y convertirse en el cantante principal de Queensrÿche.

En junio de 1983, durante uno de los conciertos que la banda dio como teloneros de Zebra en Portland y Seattle, su manager, Kim Harris, convenció al A&R de EMI-America Mavis Brodey para que asistiera a uno de esos espectáculos. Brodey ofreció a Queensrÿche un contrato con EMI, por 15 años y siete álbumes. EMI relanzó el E.P. «Queensrÿche» con un éxito moderado, alcanzando el puesto 81 en las listas de Billboard. La banda realizó una gira con Quiet Riot por el sur de Estados Unidos y con Twisted Sister por la costa este y Canadá, además de abrir para Dio en Seattle. Después de la gira el grupo viajó a Londres para grabar su primer álbum de larga duración. La banda trabajó con el productor James Guthrie, quien había trabajado con Pink Floyd y Judas Priest. Lanzado en septiembre de 1984, «The Warning», que alcanzó el puesto 61 en la lista de álbumes de Billboard, continuaba con el sonido de heavy metal clásico característico en los primeros tiempos de la banda. Aun así la banda no quedó satisfecha con la mezcla del álbum. En 2003 el vocalista Geoff Tate declaro:

«Pasamos 300.000 dólares por encima del presupuesto y el sello discográfico nos quitó el disco de las manos y se lo dio a otra persona para que lo mezclara. El tipo que mezcló el álbum no tenía ni idea de lo que era Queensrÿche. Nunca escuchó música hard rock y no aceptó la opinión de nadie en el banda. Simplemente lo mezcló de acuerdo a cómo pensó que debería sonar. Nadie en la banda podía escuchar ese disco. Todos lo odiábamos».

Ninguno de los sencillos lanzados llegó a las listas de EE.UU. pero la canción, «Take Hold of the Flame» fue un éxito para la banda fuera de su pais, particularmente en Japón. En apoyo del lanzamiento, Queensrÿche realizó una gira mundial desde agosto de 1984 hasta julio de 1985. Durante la parte estadounidense de su gira, fueron los teloneros de Kiss en su «Animalize Tour de 1984–85» y de Iron Maiden en su gira «1984–85 World Slavery Tour», mientras que en Europa abrieron para Dio en su gira «The Last in Line» de 1984 y para Accept en su gira «Metal Heart» en 1985. «Rage for Order», lanzado en 1986, introdujo un aspecto y un sonido mucho más pulidos para Queensrÿche, mientras que la dirección de la banda los presionaba para que adoptara una imagen más asociada al glam metal que dominaba las listas de éxitos.

«Realmente íbamos con esa imagen y fallamos miserablemente».

Tate acerca de la imagen «glam» del grupo
«El habito no hace al monje

Sin embargo, el álbum en sí era un poco más progresivo que los lanzamientos anteriores de la banda, con una estructura musical compleja y con coros y con teclados casi tan presentes como las guitarras. El grupo filmó un video para la canción «Gonna Get Close to You», escrita y grabada originalmente en 1984 por Dalbello (una vocalista canadiense de pop/rock). Algunas pistas grabadas durante las sesiones de Rage for Order no se utilizaron en el álbum, «Prophecy» se lanzó como cara B de «Gonna Get Close to You» y luego se incluyó en la reedición de 1989 del E.P. «Queensrÿche». Otras canciones como «From the Darkside» y «The Dream» quedaron como demos. La canción «Rage for Order» fue escrita (y grabada en demo) para el álbum, pero no se incluyó en el lanzamiento final. El riff principal de esta canción se convirtió en una pieza instrumental que se tocó durante algunos shows de la gira en apoyo de este álbum y, finalmente, se transformó en la pista «Anarchy-X» de su siguiente álbum.

«Una de las primeras ediciones. Es cierto que las letras no se ven bien»

«Rage for Order» fue la primera portada de un álbum de Queensrÿche en presentar de manera destacada el logotipo de la banda: «Tri-Ryche» , como lo harían casi todas las portadas de álbumes posteriores, cada vez con cambios mas sutiles realizados en el logotipo. En principio la portada del álbum solo se utilizaría para un picture disc de 12 «, que nunca se editó, pero EMI-America lo usó sin permiso para la portada del álbum. Unos pocos miles de copias iniciales llevan un estandarte plateado/azulado que luego se cambió a negro, con el fin de facilitar la lectura del artista y el título. La edición casete también tenía todos los detalles dorados en la portada cambiados a blanco. Los C.Ds que llevan la tapa del anillo azul son aún más raros. Solo se imprimieron unos pocos cientos de copias antes de que el anillo se cambiara a negro. Queensrÿche salió de gira como teloneros de AC/DC, Bon Jovi, Ozzy Osbourne y Ratt, tocando con otras bandas como Black ‘n Blue, Fates Warning, Gang Green, Keel y Raven.

Días de éxito.

En 1988, Queensrÿche lanzó «Operation: Mindcrime», un álbum conceptual con un gran éxito comercial y de crítica. La historia del álbum gira en torno a un drogadicto llamada Nikki, un drogadicto desilusionado con la sociedad corrupta de su tiempo y enrolándose en un grupo revolucionario como asesino de líderes políticos. Nikki está dividido por su lealtad a la causa y su amor por Mary (la cantante Pamela Moore ponía voz al personaje) , una prostituta reformada convertida en monja, que se interpone en su camino. El estilo de metal progresivo de la banda se desarrolló completamente en este álbum. Queensrÿche realizó una gira durante gran parte de 1988 y 1989 con varias bandas, incluidas Def Leppard, Guns N ‘Roses y Metallica. El álbum fue certificado oro a principios de 1989, y platino dos años después. Los sencillos «Eyes of a Stranger» y «I Don’t Believe in Love» le dieron a Queensrÿche sus primeros éxitos en las listas de Estados Unidos. Ese mismo año se publicó el VHS «Video: Mindcrime» , donde se interpreta todo el álbum a modo de videoclips intercalándolos con imágenes que narran la historia.

El lanzamiento de «Empire» de 1990 llevó a Queensrÿche a la cima de su popularidad. El álbum alcanzó el puesto número 7 y vendió más de tres millones de copias en los Estados Unidos, más que sus cuatro lanzamientos anteriores juntos, y fue certificado plata en el Reino Unido. El sencillo principal, la balada «Silent Lucidity», alcanzó el número 1 en Mainstream Rock Tracks y el número 9 en Billboard Hot 100.»Silent Lucidity» también fue nominada en 1992 a los Premios Grammy a la Mejor Canción de Rock y Mejor Interpretación Vocal de Rock por un Dúo o Grupo. La gira posterior fue la primera gira completa con Queensrÿche como grupo principal (la banda había encabezado previamente una gira en Japón en apoyo de «Operation: Mindcrime» , además de algunos espectáculos en clubes y teatros de EE.UU. entre 1984 y 1988, y en el Reino Unido en 1988). El grupo usó condición de cabeza de cartel para interpretar «Operation: Mindcrime» en su totalidad, así como canciones de «Empire». El espectáculo en el escenario contó con video, animación y la cantante invitada Pamela Moore como la hermana Mary. La gira duró 18 meses, más que cualquier gira que la banda haya realizado antes o después. La gira también agregó una página negra a la historia de la banda, cuando el 20 de noviembre de 1990 durante un show en Bélgica, un fan estadounidense apuñaló durante una pelea a un fan belga en el pecho causándole la muerte. El tour manager de Queensrÿche detuvo inmediatamente el espectáculo ya que la banda solo llevaba siete canciones interpretadas. Ese mismo año se lanzó un álbum en vivo, grabado del 10 al 12 de mayo de 1991, bajo el titulo de «Operation: Livecrime». La gira también incluyó una aparición en MTV Unplugged el 27 de abril de 1992.

Nuevos tiempos, malos tiempos.

Tras tomarse un tiempo libre para descansar de la gira «Building Empires» y alejarse de otros problemas personales, la banda lanzó «Promised Land» en octubre de 1994, un álbum oscuro e intensamente personal, que reflejaba el estado mental de la banda en ese momento. Aunque el álbum debutó en el número 3 y finalmente fue certificado platino, no logró el éxito comercial que tuvo su anterior trabajo. Al igual que muchos otros grupos de heavy metal y hard rock, el éxito comercial de Queensrÿche se desvaneció con el aumento de la popularidad de géneros como el rock alternativo y el grunge. Queensrÿche lanzó su sexto álbum de estudio, «Hear in the Now Frontier», en marzo de 1997, con una recepción mixta de crítica y fans. El álbum debutó en el puesto 19 pero rápidamente desapareció de las listas. Toby Wright , quien produjo el álbum homónimo de 1995 de Alice in Chains, fue contratado como ingeniero. El resultado fue un sonido más seco y totalmente diferente a cualquier cosa que la banda haya lanzado. El sonido de guitarra, batería y voz que se había convertido en sinónimo de Queensrÿche había desaparecido, reemplazado por un estilo mucho más simple y menos poderoso. La canción «All I Want» cuenta con el guitarrista Chris DeGarmo en la voz principal, la única vez hasta la fecha que un miembro de la banda, además del vocalista principal, canta en un álbum. Además de las pobres ventas del álbum el grupo sufrió una serie de contratiempos, menos de un mes después de comenzar la gira, Tate enfermó gravemente y la banda se vio obligada a cancelar las fechas de los conciertos por primera vez. También durante la gira, su sello de toda la vida, EMI Records USA quebró y se fusionó con Virgin Records America. Queensrÿche se vio obligado a usar su propio dinero para financiar el resto de la gira. La banda tocó algunos shows en diciembre en América del Sur debido a obligaciones contractuales, y fue durante este tiempo, a finales de 1997, cuando el miembro fundador Chris DeGarmo anunció que dejaba Queensrÿche. Sin embargo, su partida no fue anunciada al público hasta el 24 de enero de 1998. Los miembros de la banda mencionaron más tarde el agotamiento y el deseo de perseguir intereses fuera de Queensrÿche como razones de su partida. Después de dejar Queensrÿche, DeGarmo comenzó una carrera como piloto profesional de aviones comerciales.

«Quería dedicarse a otras cosas. Sentía que había hecho lo que quería musicalmente en su vida y quería seguir adelante».

Rockenfield sobre la marcha de DeGarmo.
«Kelly Gray (segundo por la derecha) con unos renovados Queensrÿche»

DeGarmo fue reemplazado por el guitarrista y productor Kelly Gray, quien fuera guitarrista de Myth, banda en la que Tate militó antes de unirse a Queensrÿche. «Q2K» lanzado el 14 de septiembre de 1999 fue el primer álbum con su nuevo sello, Atlantic Records. Musicalmente se parecía poco al metal progresivo de antaño de la banda, con un sonido similar al de «Hear in the Now Frontier». La disminución de su popularidad obligó a la banda a realizar giras en clubes y teatros, en lugar de en los estadios y anfiteatros al aire libre donde tocaban antes.

En 2000 Queensrÿche lanza «Greatest Hits», un álbum recopilatorio que incluía material de todos los lanzamientos de estudio de la banda hasta 1997 (se excluye Q2K de 1999), así como la cara B de 1997 «Chasing Blue Sky» y una versión alternativa de  «Someone Else?» con la banda al completo (la original contaba con Tate en la voz y DeGarmo en el piano). Ese mismo año, Queensrÿche se embarcó en otra gira, esta vez abriendo para Iron Maiden. Esto permitió a la banda tocar en el Madison Square Garden por primera vez. Descontentos con la falta de apoyo por parte de Atlantic Records, Queensrÿche fichó por Sanctuary Records en 2001. En julio de ese año, la banda realizó varias fechas en el Teatro Moore en Seattle, Washington. Los conciertos fueron grabados y lanzados en septiembre de 2001 como Live Evolution, el segundo álbum en vivo de la banda. En el C.D., las pistas se recopilaron en suites, que representan diferentes momentos de la producción de la banda e incluyen una gran parte del álbum «Operation: Mindcrime». El DVD contiene imágenes filmadas en los mismos conciertos y presenta menos canciones. El guitarrista Kelly Gray fue despedido de la banda en mayo de 2002, al parecer debido a continuos problemas provocados por sus «malos hábitos».

En abril de 2003, el grupo anuncio que Chris DeGarmo se unió a ellos para colaborar en su nuevo álbum, aunque su futuro con la banda no se aclaró. El 22 de julio Queensrÿche lanzó «Tribe», primer y único álbum con el sello Sanctuary, producido por la propia banda. Con una fecha límite para entregar el álbum sumado a las tensas relaciones internas de la banda, se hizo una llamada al ex guitarrista Chris DeGarmo para ver si estaba interesado en contribuir con canciones al proyecto. Después de una reunión con Geoff Tate, aceptó y participó en las sesiones de escritura, contribuyendo con la música de varias canciones, coescribiendo la música de dos temas, y grabando partes de guitarra. A pesar de participar en una sesión de fotos con la banda y planea actuar en la etapa europea de la gira, DeGarmo se retiró de las sesiones antes de que se completara la grabación del álbum. Esto fue debido a los mismos problemas interpersonales similares que dieron como resultado su salida de la banda en 1997. Tras el lanzamiento del álbum, Sanctuary Records tergiversó la participación de DeGarmo como una «reunión» con Queensrÿche, algo que se vio como una campaña para incrementar las pobres ventas del álbum.

«Mike Stone (izqd), el nuevo compañero de Wilton»

Queensrÿche reemplazo a Gray por Mike Stone, quien acompañó a la banda en la gira Tribe como segundo guitarrista, aunque nunca fue miembro de pleno derecho de la banda. En junio de 2003, Queensrÿche comenzó una gira conjunta con Dream Theater. Las dos bandas alternaron los espacios de apertura y cierre, acabando los conciertos tocando algunas canciones juntos. Fates Warning fue el invitado especial de la gira. Una grabación de esta gira fue lanzada en 2004 como «The Art of Live» en C.D y DVD. La lista de canciones de ambos lanzamientos es casi idéntica, aunque el DVD omite «Anybody Listening?» e incluye dos versiones: «Comfortably Numb» (Pink Floyd) y «Won’t Get Fooled Again» (The Who), interpretadas junto a Dream Theater. El metraje del DVD está filmado íntegramente en sepia, algo que decepcionó tanto a los fans como a la critica.

Ante el anuncio de una secuela de «Operation: Mindcrime» la banda salió a la carretera en el otoño de 2004 con la gira «An Evening With Queensrÿche», donde interpretaban algunos grandes éxitos, seguido de un nuevo show de «Operation: Mindcrime» con actores en vivo y videos; Pamela Moore repitió su papel de la hermana Mary. La segunda etapa de la gira comenzó a principios de 2005. Antes de embarcarse en una tercera etapa en el otoño de 2005, Queensrÿche realizó una gira con Judas Priest por toda América del Norte. «Operation: Mindcrime II» se lanzó el 4 de abril de 2006 en los Estados Unidos, el 29 de marzo en Japón, el 31 de marzo en Alemania y el 3 de abril en el resto del mundo. El álbum fue el primero de Queensrÿche para su nuevo sello, Rhino Entertainment, con el que firmó un año antes. Ronnie James Dio proporcionó la voz de Dr. X, el villano de «Operation: Mindcrime I y II». El álbum debutó en el puesto 14, la posición más alta en las listas de éxitos para un álbum de Queensrÿche desde 1997. El álbum retoma la historia de su precuela, en la que Nikki había sido encarcelado por el asesinato de la hermana Mary, pero dieciocho años después, cuando Nikki sale de prisión y comienza a planear su venganza contra el Dr. X, que había tratado a Nikki como su títere. El productor del álbum el productor Jason Slater reveló años mas tarde que aparte de Tate y Mike Stone el resto de miembros de la banda aportaron muy poco al álbum. La mayoría de la música fue grabada por músicos de estudio debido a los problemas entre Tate y el resto de banda, reacios a continuar la historia original de Mindcrime y totalmente en desacuerdo con la idea de una secuela. El batería Scott Rockenfield no tocó en el álbum, además, la mayoría de las guitarras, incluidas las pistas de Michael Wilton, fueron regrabadas por el ingeniero Mitch Doran. Algunas de las pistas de bajo utilizadas en el álbum son grabaciones de demos interpretadas por Slater, mientras que la pista de batería de «I’m American» es una grabación MIDI realizada por Doran que originalmente no estaba destinada a usarse en el álbum. El grupo se embarcó en una gira como cabeza de cartel. La gira contó con presentaciones de ambos álbumes de «Mindcrime» en su totalidad. Dio apareció en el espectáculo del Anfiteatro Gibson en Universal City, California para interpretar su voz como Dr. X en el tema «The Chase», en los otros espectáculos aparecía en una pantalla de video. La aparición de Dio fue grabada e incluida como extra en el C.D/DVD de 2007 «Mindcrime at the Moore», grabado en vivo en octubre de 2006 durante las tres noches que Queensrÿche actuó en The Moore Theatre de Seattle. El grupo interpretó «Operation: Mindcrime I y II» en su totalidad, con el apoyo de un elenco de actores y del Seattle Seahawks Drumline. En el DVD se incluye un documental de la gira, otro sobre el paseo en motocicleta «Rock & Ride Across America» ​​de la banda para la Fundación benéfica VH1 Save The Music.

«Sign of the Times», un nuevo grandes éxitos, fue lanzado el 28 de agosto de 2007 junto a una edición especial para coleccionistas que incluía un disco adicional con varias demos, grabaciones en vivo y una nueva canción, «Justified», con Chris DeGarmo a la guitarra. El 13 de noviembre de 2007, la banda lanzó un álbum de covers titulado «Take Cover». El álbum contiene versiones de canciones de Queen, U2, The Police, Black Sabbath, Peter Gabriel y Pink Floyd. El 3 de febrero de 2009, Stone anunció su marcha de Queensrÿche para centrarse en su proyecto paralelo Speed-X, aunque más tarde declaraciones judiciales revelaron que Geoff y Susan Tate lo despidieron sin discutir su decisión con los otros miembros de la banda por «hacer demasiadas demandas». «American Soldier», undécimo álbum de estudio de la banda fue lanzado el 31 de marzo de 2009. Tras la salida de Mike Stone, este álbum fue el primero en ser grabado íntegramente por Queensrÿche como cuarteto. «American Soldier» es un álbum conceptual que gira en torno a las vidas y experiencias de aquellos que sirven o han servido en las fuerzas armadas de los Estados Unidos especialmente en la guerra de Irak. El álbum debutó en el puesto 25 en la lista Billboard 200.

«Wilton, Lundgren, Tate, Rockenfield y Jackson (de dch a izd)»

Parker Lundgren (quien tocó en la gira en solitario de Tate y además de ser novio de la hijastra de Tate, Miranda) reemplazó a Stone en la gira posterior. En noviembre de 2010, Queensrÿche realizó varios espectáculos para las tropas estadounidenses destinadas en Irak. El 28 de junio de 2011 se lanza «Dedicated to Chaos» bajo el sello Roadrunner/Loud & Proud Records, con quienes la banda había firmado en 2010. El álbum fue un cambio drástico en comparación a trabajos anteriores, con un mayor énfasis en el bajo y la batería, dejando en un segundo plano a la guitarra. El álbum recibió críticas mixtas, convirtiéndose en el álbum de la banda que mas bajo llego en las listas de ventas.

Los problemas estallan.

En una reunión de la banda el 12 de abril de 2012, a la que Tate no asistió, se despidió tanto a la hijastra de Tate, Miranda, que dirigía el club de fans, como a su esposa Susan, mánager de la banda desde 2005. Dos días después, antes de la prueba de sonido de un show en São Paulo, Brasil, Tate tuvo una discusión con los otros miembros sobre el despido de sus familiares, la discusión fue a mas con Tate derribando la batería, lanzando varios puñetazos y agrediendo físicamente y escupiendo a Rockenfield y Wilton. En el transcurso de los siguientes tres shows de la banda, Wilton, Rockenfield y Jackson vieron que Tate continuaba portándose mal y llegaron a la conclusión de que ya no podían trabajar o actuar con el vocalista. El 5 de junio convocaron una reunión de la banda, Tate que participaba telefónicamente, abandonó la reunión, tras lo cual los otros miembros de la banda votaron decidieron expulsar a Geoff Tate de la banda y continuar usando el nombre de Queensrÿche con un nuevo cantante, lo que llevó a Tate a emprender acciones legales.

«Durante los últimos tres años, llegamos a un punto en el que básicamente ya no teníamos voz en la banda. Todo estaba a cargo del cantante y su manager, la esposa».

Michael Wilton

Mientras Tate trabajaba en un próximo álbum en solitario, los otros miembros de Queensrÿche comenzaron un proyecto paralelo que finalmente se convirtió en «Rising West». Con una nueva oficina de management Queensrÿche firmó con Century Media. Aun en busca de un líder para el proyecto sin nombre en ese momento, Wilton recomendó a Todd La Torre a sus compañeros de banda. La banda escuchó algunas de las demos de La Torre en YouTube, y «se la jugó» reservando y anunciando dos shows en el Hard Rock Cafe de Seattle el 8 y 9 de junio de 2012, incluso antes de que La Torre conociera a los miembros de la banda. El proyecto inicialmente se llamaría West, que representaba a los cuatro miembros de la banda (Wilton, Eddie, Scott y Todd), pero luego pasó a llamarse Rising West por sugerencia de Jackson, que reflejaba la sensación de que el proyecto era algo «realmente nuevo», además, los miembros de la banda vivían en la costa oeste y ya que Lundgren también iba a participar en el proyecto el acrónimo «West» no tenia demasiado sentido. Mientras tanto, Tate, junto con su esposa, siguieron adelante con la demanda que habían presentado contra sus excompañeros de banda, reclamando el despido ilegal y una orden judicial preliminar para evitar que tanto él como los demás miembros de la banda usaran el nombre de Queensrÿche hasta que se resolviera el problema. El tribunal superior del estado de Washington rechazó esta moción el 13 de julio de 2012, también denegó una contra-moción para un juicio sumario preliminar presentado por la defensa (Wilton, Jackson y Rockenfield), estos fallos permitieron a ambas partes usar la marca Queensrÿche hasta que un fallo judicial o un acuerdo aclararon el asunto. Tras este veredicto, ambas partes realizaron giras entre junio de 2012 y abril de 2014 bajo el nombre de Queensrÿche, una compuesta por los miembros restantes de Queensrÿche liderados por La Torre, y la otra con Tate con su propia formación. Además, ambas versiones del grupo lanzaron álbumes de estudio durante este tiempo. Queensrÿche (los «originales) lanzaron su álbum homónimo a través de Century Media en formato digital y en CD (edición estándar y de lujo) y LP el 24 de junio en Europa, el 25 de junio de 2013 en Estados Unidos y Canadá, y el 21 de agosto en Japón a través de Avalon Records. El álbum, que era un regreso al sonido de la banda en los años 80 y principios de los 90, alcanzó el puesto 23 en la lista Billboard 200 permaneciendo durante tres semanas en las listas.

Finalmente el 17 de abril de 2014 se llegó a un acuerdo, publicándose el 28 de abril de 2014 una declaración de ambas partes. La ​​declaración anunciaba que Tate perdía la marca Queensrÿche ante Rockenfield, Wilton y Jackson, quienes junto con La Torre y Lundgren serián «la única banda que grabe y esté de gira como Queensryche«, mientras que el ex vocalista Tate solo tiene derecho a tocar «Operation: Mindcrime» y «Operation: Mindcrime II» en su totalidad «en presentaciones únicas». El segundo álbum de estudio grabado con el vocalista Todd La Torre, «Condition Hüman» fue lanzado el 2 de octubre de 2015. En las semanas previas al lanzamiento del álbum, la banda realizó una gira por América del Norte junto a Scorpions. Después del lanzamiento del álbum, la banda se embarcó en una gira por los Estados Unidos a principios de 2016, y una gira europea en septiembre de ese año. En octubre de 2016, la banda actuó en Australia y el Lejano Oriente. El 28 de marzo de 2017, la banda anunció que Rockenfield tomaría una «baja» por paternidad para cuidar a su hijo recién nacido, y que el batería de Kamelot, Casey Grillo, ocuparía su lugar para las próximas fechas en vivo. En agosto de 2018, el guitarrista Mike Stone regresó durante un par de meses reemplazando a Parker Lundgren, quien tenía «asuntos personales» de los que ocuparse. Su siguiente trabajo, «The Verdict», fue lanzado el 1 de marzo de 2019. El vocalista Todd La Torre grabó las partes de batería del álbum debido a la ausencia del batería Scott Rockenfield. El álbum tiene todas las características de los primeros clásicos de la banda: el poder del heavy metal y la delicadeza del rock progresivo, las armonías de guitarras y la voz cristalina. Rockenfield anunció su regreso a primeros de mayo de 2021 tras reaparecer en enero afirmando que no había dejado la banda, si embargo, en agosto de ese mismo año el guitarrista Michael Wilton confirmó que el batería Scott Rockenfield no volvería a la banda. Meses mas tarde Scott Rockenfield presentó una demanda contra sus antiguos compañeros Michael Wilton y Eddie Jackson, a las mujeres de ambos y a varias compañías relacionadas con la banda, Queensrÿche Holdings, LLC y Tri-Ryche Cooperation, Inc. Rockenfield acusó a los demandados de incumplimiento de contrato, presiones al accionista, despido injusto, ruptura del acuerdo de artistas y violación del acta de los derechos de personalidad de Washington, además de acusar a Wilton y Jackson de despedirle. En julio de 2021, Parker Lundgren anunció que había dejado la banda para dedicarse a «otras empresas comerciales». Mike Stone lo reemplazó en la gira posterior y luego se reincorporó como miembro de la banda. El 20 de mayo de 2022, la banda anunció que su nuevo álbum se titularía «Digital Noise Alliance» y que se lanzaría el 7 de octubre.

Logo Tri-ryche

«Uno de los símbolos mas reconocidos del Heavy Metal»

El logo de Queensrÿche, el llamado Tri-Ryche (escrito sin diéresis en la ‘y’), proviene de los primeros años de la banda. El artista Wes «Grizz» Griswold, que hizo la portada para el E.P. «Queensrÿche», solía firmar su trabajo con un garabato transformado a partir de un dibujo tosco de un halcón peregrino, esta «firma» también se usó para el escenario y el telón de fondo de la primera gira de Queensrÿche que el mismo diseñó. Tras la firma de la banda con la compañía discográfica, esta, adoptó la «firma» como el logotipo de la banda. A pesar de todo, el Tri-Ryche nunca ha sido registrado como marca registrada por Queensrÿche debido a una larga controversia sobre quién creó realmente el Tri-Ryche. Todd Rockenfield, el hermano del batería de Queensrÿche, quien diseñó el tipo de letra de la palabra «Queensryche» en la parte delantera y trasera del E.P., afirmó que el diseño del Tri-Ryche en su forma final era suyo, y que la banda reconoce su papel en el desarrollo del Tri-Ryche. El Tri-Ryche ocupa un lugar destacado en la mayoría de las portadas de los álbumes de Queensrÿche.

La banda ha lanzado 15 álbumes de estudio, un EP y varios DVDs y VHS, vendiendo más de 20 millones de álbumes en todo el mundo, incluidos más de 6 millones de álbumes en los Estados Unidos. Se les considera uno de los líderes de la escena del metal progresivo de mediados a finales de la década de 1980. La banda ha recibido tres nominaciones a los premios Grammy. En 1998, el batería Scott Rockenfield recibió una nominación individual al Grammy en la categoría de «Mejor video de formato largo» por un trabajo de música y video llamado «TeleVoid». Rockenfield es el fundador de Hollywood Loops, empresa especializa en efectos de sonido para la composición de películas, televisión y videojuegos. Rockenfield compuso y grabó pistas de batería para el videojuego «Call of Duty: Black Ops» y compuso la banda sonora del tráiler de las películas «After Earth» y «RoboCop». También es propietario de «RockenWraps», empresa que suministra hardcase de batería personalizados a artistas y compañías de baterías. En 2001, Rockenfield participo en un proyecto llamado Slave to the System.

Banda formada en 2000 por el batería Scott Rockenfield y el guitarrista Kelly Gray, tras el descanso de Queensrÿche, su banda en ese momento, después de terminar una gira de 6 meses en apoyo del álbum «Q2K». Gray había trabajado con la banda Brother Cane y sugirió al cantante y guitarrista Damon Johnson y al bajista Roman Glick que se unieran al proyecto completando la banda con el guitarrista Scott Heard. El nombre Slave to the System describe el efecto de las grandes compañías discográficas en la música de un artista reflejando la insatisfacción de los miembros de la banda con la industria musical. La banda envió demos a varios sellos discográficos tratando de negociar un contrato discográfico, al no obtener respuesta Slave to the System lanzó de forma independiente su álbum homónimo en 2002. En febrero de 2004, Heard se fue por razones no reveladas y continuaron como un cuarteto. En 2005, Slave to the System firmó con Spitfire Records, que hizo una nueva remezcla y remasterizo el álbum lanzándolo el 21 de febrero de 2006 además de incluir dos canciones nuevas. Ese mismo año, Johnson afirmó que el segundo álbum de la banda ya estaba terminado, pero hasta la fecha, ha permanecido inédito. El álbum recibió run buen apoyo en la radio y sus ventas llevaron el álbum al número 25 en las listas, mientras que su primer sencillo alcanzó el puesto 33 en las categorías Hot Mainstream Rock Tracks y Mainstream Rock. Durante la pequeña gira que la banda realizó por el sur y el medio oeste de Estados Unidos otros músicos reemplazaron a Glick y Rockenfield en algunos de los shows, debido a compromisos previos con otras bandas. En 2008, la banda lanzó dos nuevas canciones a través de MySpace, desde entonces no hay noticias del grupo. Uno de los miembros de Slave to the System, el cantante y guitarrista Damon Johnson nos lleva a nuestro siguiente protagonista, ya que Johnson además de formar parte de esta banda fue cofundador en la década de los 90 de Brother Cane, miembro de la banda de Alice Cooper, cofundador y guitarrista principal del grupo de hard rock Black Star Riders de 2012 a 2018, grabar discos en solitario y lanzado varios álbumes en solitario y componer para muchos artistas, incluidos Stevie Nicks, Carlos Santana y este famoso vocalista llamado Sammy Hagar.

Sammy Hagar conocido como «The Red Rocker», cantante y guitarrista que saltó a la fama a principios de la década de 1970 con la banda de hard rock Montrose. Posteriormente lanzó una exitosa carrera en solitario, logrando un éxito en 1984 con el tema «I Can’t Drive 55». En 1985 reemplazó a David Lee Roth como cantante principal de Van Halen, abandonando el grupo en 1996 regresando en 2003 para de nuevo irse en 2005. El 12 de marzo de 2007, Hagar fue incluido en el Rock and Roll Hall of Fame como miembro de Van Halen. Como empresario, Hagar fundó cadena de restaurantes y la marca de tequila «Cabo Wabo», así como el ron «Sammy’s Beach Bar». Hagar también es el presentador de «Rock & Roll Road Trip with Sammy Hagar» en el canal de televisión por cable AXS TV. Actualmente Hagar es el cantante principal de Chickenfoot y Sammy Hagar and the Circle. En 1997 Sammy Hagar lanzó «Marching to Mars», su décimo álbum de estudio y su primer álbum en solitario tras su incorporación a Van Halen. El álbum fue publicado por MCA Records, que en ese momento había adquirido su antiguo sello, Geffen Records. El sencillo «Little White Lie» fue un gran éxito, encabezando la lista de pistas de Mainstream Rock durante cinco semanas. El álbum cuenta con numerosas colaboraciones, entre ellas la de los miembros de Montrose, el mencionado anteriormente Damon Johnson, los baterías Denni Carmasi y Matt Sorum o el guitarrista Slash. Entre los temas del álbum se encuentra «Amnesty Is Granted» escrita mientras Hagar aún estaba en Van Halen, y que anteriormente fue grabada por el tristemente fallecido, Meat Loaf.

Meat Loaf, cantante, compositor y actor estadounidense reconocido por su poderosa y amplia voz y por sus espectáculos teatrales y que nos dejaba el 20 de enero de 2022. Meat Loaf está en la lista de los artistas musicales más vendidos. Su trilogía «Bat Out of Hell» — «Bat Out of Hell» (1977), «Bat Out of Hell II: Back into Hell» (1993) y «Bat Out of Hell III: The Monster Is Loose» (2006) — ha vendido más de 65 millones de álbumes en todo el mundo. El primer álbum permaneció en las listas durante más de nueve años, y todavía vende aproximadamente 200.000 copias al año siendo uno de los discos mas vendidos de la historia. Después del éxito de sus dos primeros «Bat Out of Hell» y de ganar un premio Grammy a la Mejor Interpretación Solista Vocal de Rock por la canción «I’d Do Anything for Love», la carrera de Meat Loaf experimentó un descenso de popularidad dentro de los Estados Unidos, sin embargo en Europa su éxito aumento, especialmente en Gran Bretaña e Irlanda. En 1994 recibió el Brit Award en el Reino Unido por álbum y sencillo más vendido. Marvin Lee Aday (su verdadero nombre) apareció en más de 50 películas y programas de televisión, en ocasiones interpretándose a si mismo y otras con personajes que se asemejan a su rol en el escenario. Sin duda su papel mas importante fue el de Eddie en «The Rocky Horror Picture Show» (1975) tanto en la película como en la obra de teatro de Broadway. También apareció en el musical «Hair», tanto dentro como fuera de Broadway. El álbum donde aparecía el tema compuesto por Sammy Hagar, «Welcome to the Neighborhood» se lanzo en 1995 tras el mega éxito «Bat Out of Hell II: Back into Hell». El álbum fue platino en los Estados Unidos y el Reino Unido. Este trabajo esta catalogado como un álbum conceptual, ya que todas las canciones cuentan una historia sobre una relación a lo largo de los años. Se lanzaron tres sencillos que alcanzaron los números 2, 7 y 21 en las listas del Reino Unido, dos de ellos fueron escritos por Diane Warren. De las doce canciones del álbum, dos son versiones de canciones de proyectos de Jim Steinman, el colaborador de Meat Loaf ; «Original Sin» apareció por primera vez en el álbum «Original Sin» de Pandora’s Box y «Left in the Dark» apareció por primera vez en el propio álbum de Steinman «Bad for Good». El álbum cuenta con la colaboración de Sammy Hagar y Steven Van Zandt (Little Steven, miembro de la E Street Band de Bruce Springsteen) además de su banda de directo The Neverland Express con Pat Thrall a la guitarra y Patti Russo como vocalista femenina y músicos de estudio como el guitarrista Tim Pierce o el batería Kenny Aronoff, miembro de la banda de John Cougar durante 17 años y que a lo largo de su carrera, ha realizado giras o grabado con artistas como Smashing Pumpkins, Bob Seger, Willie Nelson, John Fogerty , Tony Iommi, Stryper, Jerry Lee Lewis y este otro archiconocido vocalista llamado Jon Bon Jovi.

Jon Bon Jovi, cantante, compositor, guitarrista y actor mundialmente conocido como el fundador y líder de la banda de rock Bon Jovi. En 1990, Jon Bon Jovi grabó la banda sonora de la película «Young Guns II». Su amigo, el actor Emilio Estévez, le pidió «prestada» la canción «Wanted Dead or Alive» como tema principal de su próxima película, Jon creía que la letra de la canción no era la apropiada; sin embargo, se inspiró en el guion y decidió escribir una nueva canción para la película que estuviera más acorde con la época y el escenario. La canción fue «Blaze of Glory» que interpretó con guitarra acústica en el desierto de Nuevo México para Estévez y John Fusco (director de la película), el tema gustó tanto que la productora le encargó la B.S.O., lo que termino convirtiéndose en el primer álbum en solitario de Jon Bon Jovi. El álbum contó con invitados como Elton John, Little Richard y Jeff Beck además de músicos de la talla de Kenny Aronoff, Robbin Crosby (Ratt) o Randy Jackson. El álbum alcanzó el puesto número 3 en el Billboard 200 y el número 2 en la lista de álbumes del Reino Unido. La canción principal «Blaze of Glory» fue lanzada como el primer sencillo y alcanzó el número 1 en las listas Billboard Hot 100 y Mainstream rock . «Miracle», el segundo sencillo, se ubicó en el puesto 12 en el Billboard Hot 100 y en el puesto 20 en las listas de rock de Mainstream mientras que el tercer sencillo «Never Say Die» entró en las listas de Australia, Canadá y Polonia, pero no en los EE.UU. En 1991, «Blaze of Glory» ganó un premio al sencillo favorito de pop/rock en los American Music Awards además de conseguir un Globo de Oro. La canción también le valió una nominación a los Oscar de Hollywood y dos nominaciones a los Premio Grammy como Mejor interpretación vocal masculina de rock y Mejor canción escrita para medios visuales. En 1991, Jon Bon Jovi fundó su propio sello, Jambco Records, y produjo el álbum «Blood on the Bricks» de Aldo Nova y el álbum «Pretty Blue World» de Billy Falcon, anteriormente Jon había producido y escrito junto a su compañero en Bon Jovi, Richie Sambora un tema para el grupo soviético Gorky Park.

En 1987, el guitarrista Alexey Belov, el vocalista Nikolay Noskov, el bajista Alexander «Big Sasha» Minkov, el guitarrista Yan Yanenkov y el batería Alexander Lvov se unieron para formar Gorky Park. Stas Namin, un famoso músico soviético de la década de los 70, se convirtió en el mánager de la banda. Gracias a la «Perestroika», impulsada en esos años, muchas bandas de rock pudieron salir de la clandestinidad ganando así mucha mas popularidad. Ese mismo año, la banda se fue de Rusia a los Estados Unidos en busca de un contrato discográfico. La banda hizo algunas conexiones en el negocio discográfico. Una de las primeras personas en fijarse en ellos fue el músico Frank Zappa, mientras que Jon Bon Jovi y Richie Sambora también les ayudaron a conseguir un contrato con Mercury Records además de componerles y producirles un tema para el álbum. La banda lanzó su álbum debut homónimo en 1989, con las iniciales «GP» estilizadas como una hoz y un martillo en la portada. Con la caída del Telón de Acero y un creciente interés por «lo soviético» en los países occidentales, Gorky Park alcanzó el éxito internacional. La banda parecía ser una especie de símbolo de la amistad estadounidense-rusa. El primer video de la banda, «Bang», recibió bastante difusión en MTV mientras que sus siguientes dos sencillos, «Try to Find Me» y el tema escrito por Jon y Richie «Peace in Our Time», sonaron asiduamente en las principales estaciones de radio. La banda continuó en 1990 de gira con Bon Jovi. Los espectáculos en vivo de Gorky Park presentaban a la banda vestida al estilo tradicional ruso (versión moderna, claro está) equipados con guitarras eléctricas con forma de balalaikas además de llenar en escenario de banderas soviéticas y estadounidenses. Cuando la era de la «Perestroika» llegó a su fin, la fama del grupo en Estados Unidos disminuyó con bastante rapidez. El vocalista Nikolai Noskov dejó la banda en 1990, pero Gorky Park permaneció activo y siguió lanzando álbumes en la década de 1990, con el bajista Alexander Minkov asumiendo el cargo de vocalista principal. «Moscow Calling» de 1992, producido por Fee Waybill, vendió 500.000 copias fuera de los Estados Unidos. Su siguiente álbum, «Stare», fue lanzado en 1996, pero solo en Rusia,al igual que su predecesor de 1998, «Protivofazza», ambos con un sonido totalmente aljedao del hard rock de sus dos primeros trabajos. Nunca se afirmó oficialmente que Gorky Park se disolviera, pero ha estado inactivo desde 2001. Sin duda uno de los mayores acontecimientos para Gorky Park fue su participación en el Moscow Music Peace Festival de 1991 junto a Bon Jovi, Mötley Crüe, Skid Row, Cinderella, Ozzy Osbourne y Scorpions. Gorky Park contribuyó con una versión de «My Generation» de The Who en el álbum recopilatorio del festival «Stairway to Heaven/Highway to Hell». Este álbum incluía a cada banda interpretando una canción de un artista que murió o una banda que perdió a un miembro por problemas de drogas. Y al igual que Gorky Park otra banda aportó un tema de The Who, los alemanes Scorpions.

Scorpions, banda que ya fue protagonista en otra entrada del blog https://rockencadena.home.blog/2020/11/05/programa-no23/ y que participó con la versión de The Who «I Can´t Explain» en el álbum recopilatorio de 1989 «Stairway to Heaven/Highway to Hell» casi al mismo tiempo que lanzaban su recopilatorio «Best of Rockers ‘n’ Ballads» donde volvía a aparecer este tema además de rarezas y material nunca antes lanzado. Todas las canciones de este álbum son de su periodo en Mercury Records, de 1979 a 1988. El disco fue lanzado con diferentes listados de canciones en diferentes regiones: La lista de canciones y los tiempos de ejecución de cada tema difieren entre las ediciones de EE.UU., Europa y Asia. La edición europea presenta 14 pistas en el L.P y 15 en el C.D., falta la versión original de «Hey You» que es reemplazada por un remix e incluye la versión de «China White», con un solo diferente, únicamente editado en las ediciones estadounidenses de «Blackout». La versión estadounidense y japonesa solo presenta doce pistas y omite la versión regrabada de «Is There Anybody There?» así como «Another Piece of Meat» y «China White», pero incluye la versión original (más larga y que se lanzó en 1980 como sencillo) de «Hey You», convirtiendo a este C.D. en el único donde se puede encontrar la versión original. La edición europea fue relanzada con el título «The Essential Scorpions» en 2003. «Best of Rockers ‘n’ Ballads» alcanzó el platino en los Estados Unidos. Scorpions lanzó su ultimo trabajo «Rock Believer» el 22 de febrero de 2022 en el Reino Unido y el 25 de febrero en el resto del mundo, convirtiéndose en el decimonoveno álbum de estudio de la banda y su primer álbum de estudio en siete años desde «Return to Forever» (2015), lo que lo convierte en la brecha más larga entre álbumes de estudio. «Rock Believer» es el primer álbum de estudio de la banda con el batería Mikkey Dee, quien reemplazó a James Kottak en 2016. Dee ha sido miembro de Mötorhead y King Diamond además de grabar y girar para gente como Don Dokken, John Norum y los compatriotas de Scorpions, Helloween.

Helloween, otra banda que también tuvo su episodio https://rockencadena.home.blog/2019/05/05/programa-no7/ y que al igual que con Scorpions hablaremos de este álbum en el que tocó Mikkey Dee llamado «Rabbit Don’t Come Easy», décimo álbum de estudio de la banda, lanzado en 2003. Es el primer álbum de Helloween con Sascha Gerstner (ex- Freedom Call) en las guitarras, quien reemplazó a Roland Grapow tras la finalización de la anterior gira, cuando junto al batería Uli Kusch fueron despedidos de Helloween. Ningún batería figura en la formación de la banda para este álbum. Mark Cross fue contratado para el puesto antes de grabar, pero solo logró completar dos pistas antes de verse obligado a irse debido a una mononucleosis. Mikkey Dee (de Motörhead en esos días) tocó el resto de las canciones del álbum. A pesar de una respuesta algo tibia al álbum, Helloween realizó una exitosa gira mundial, destacada por el regreso de canciones clásicas al set list de sus actuaciones. Además, la banda realizó una gira por los Estados Unidos por primera vez desde 1989, tocando ante miles de personas con entradas agotadas en casi todos los lugares. El álbum es una vuelta a los origines de la banda tras el controvertido trabajo anterior, «The Dark Ride» mucho mas oscuro. Al parecer tanto la banda como la compañía querían recuperar el típico sonido «happy, happy Helloween» característico de la banda. La versión japonesa del C.D. contiene una versión de Accept., «Fast as a Shark», interpretada por el nuevo batería de la banda, Stefan Schwarzmann ex batería precisamente de Accept y Running Wild. Con el batería que no pudo completar el álbum seguimos, Mark Cross y su paso por esta otra banda alemana llamada At Vance.

At Vance, banda alemana de power metal neoclásico creada por el guitarrista Olaf Lenk y el vocalista Oliver Hartmann en 1998. Un año después y junto a Rainald König (guitarra), Uli Müller (teclados), Jochen Schnur (bajo) y Spoony (batería y seudónimo de Mark Cross) publican su álbum debut «No Escape». El álbum tuvo bastante éxito en toda Europa, y su segundo trabajo, «Heart of Steel» de 2000 (con el nuevo batería Jurgen Lucas) se convirtió en un inesperado éxito en Japón. En 2001 se publica «Dragonchaser» de 2001, ultimo con su compañía de siempre Shark Records. Al año siguiente, la banda firmó con AFM Records, publicando su cuarto álbum «Only Human». En 2003 se producen varios cambios de personal, Mats Levén sustituye al vocalista Oliver Hartmann y Sascha Feldmann al bajista Jochen Schnur, publicando ese mismo año «The Evil in You». De nuevo en 2005 se producen cambios en la banda, Olaf prescinde del teclista y el guitarrista rítmico, asumiendo el esos roles, además de incorporar a un nuevo bajista, John ABC Smith, y un nuevo batería, Marck Cross (quien estuvo en la banda bajo el seudónimo de Spoony). Ese mismo año se púbica «Chained». «VII», publicado en mayo de 2007 presenta al joven cantante Rick Altzi en la voz, en sustitución de Mats Levén, con Olaf Lenk haciéndose cargo de los demás instrumentos al igual que en su siguiente álbum de 2009 «Ride the Sky», esta vez con el añadido del bajista Wolfman Black. 2010 ve la publicación de su primer «grandes éxitos», «Decade», un doble C.D. que además de sus mejores temas cuenta con versiones (que aparecen en sus álbumes), temas en vivo y rarezas. Su ultimo trabajo hasta la fecha, «Facing Your Enemy» de 2012 cuenta con Chris Hill al bajo y Casey Grillo en la batería, musico que actualmente graba y gira con los protagonistas de este episodio, Queensrÿche, con los que me despido de vosotros hasta otro episodio. Un saludo!!!!

Episodio Nº41

Bienvenidos y bienvenidas a una nueva entrada de Rock en Cadena. Dedicamos este episodio a una de las mejores bandas de AOR, originalmente creada como una banda de rock progresivo, flirteando incluso con el jazz fusión, se convirtieron en 1978 en una de las bandas comerciales de rock/pop más queridas (y a veces odiadas) de Estados Unidos cuando redefinieron su sonido adoptando arreglos pop en su cuarto álbum. Creadores de verdaderos himnos que sobrepasan el mundo del rock, ellos son Journey. Comenzamos.

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Formación.

Formados originalmente como Golden Gate Rhythm Section y con la intención de servir como grupo de respaldo para artistas reconocidos del Bay Area de San Francisco, se reunieron en 1973 bajo los auspicios del ex manager de Santana, Herbie Herbert. La banda incluía a los ex Santana Neal Schon en la guitarra y Gregg Rolie en los teclados y la voz principal. El bajista Ross Valory y el guitarrista rítmico George Tickner, ambos de Frumious Bandersnatch, completaron el grupo. Prairie Prince de The Tubes ocupó el puesto de batería. Tras una actuación en Hawái, la banda abandonó el concepto de «grupo de respaldo» y desarrolló un estilo cercano al jazz fusión. Después de un concurso fallido de radio en busca de un nombre para el grupo, el roadie John Villanueva sugirió el nombre Journey. La primera aparición pública de la banda se produjo en la víspera de Año Nuevo de 1973. Prairie Prince se reincorporó a The Tubes poco después, y el 1 de febrero de 1974, la banda contrató al batería británico Aynsley Dunbar, (David Bowie, Mothers of Invention).

«Unos primerizos Journey (1975)»

El 5 de febrero de 1974, la nueva formación hizo su debut en el Great American Music Hall frente a los ejecutivos de Columbia Records asegurándose tras la presentación un contrato de grabación con el sello, además de actuaciones por el Bay Area. Journey lanzó su álbum debut homónimo en abril de 1975 entrando en las listas Billboard en el número 138. Este trabajo es una mezcla de jazz/rock progresivo. El guitarrista rítmico George Tickner dejó el grupo debido a la gran cantidad de giras que la banda estaba haciendo para promocionar el álbum, lo que le permitió a Schon asumir todas las funciones de guitarra. Su segundo trabajo «Look into the Future» , algo menos progresivo, se lanzó en enero de 1976 y entró en las listas Billboard Top 200 en el número 100. La banda promocionó el álbum con una presentación de dos horas en el Teatro Paramount de Seattle. El tercer álbum de estudio de Journey, «Next», lanzado en febrero de 1977, fue producido por la propia banda (al igual que el anterior) y se ubicó en el número 85 del Billboard Top 200. El sonido del álbum, mucho más comercial, mantenía sus raíces de jazz fusión y rock progresivo. Sin embargo, las ventas no mejoraron y Columbia Records estuvo a punto de despedir a la banda.

Nuevos miembros y cambio de estilo.

Debido a las escasas ventas de álbumes de Journey, Columbia Records recomendó que cambiaran su estilo musical y agregaran un vocalista para compartir la voz principal con Rolie. La banda contrató a Robert Fleischman y cambió a un estilo más popular, similar al de Foreigner y Boston. En 1977 Fleischman estuvo de gira con Journey abriendo para bandas como Black Sabbath, Target, Judas Priest y Emerson, Lake & Palmer. Las diferencias entre Fleischman y el manager Herbie Herbert dieron como resultado la salida de Fleischman de la banda ese año. Journey contrató a Steve Perry como su nuevo cantante principal. Herbie Herbert, el mánager de la banda, contrató a Roy Thomas Baker como productor para agregar a la banda un sonido similar al de la banda anterior de Baker, Queen. El cuarto álbum de estudio de la banda, «Infinity», lanzado en enero de 1978, alcanzó el puesto 21 en la lista Billboard. La banda se embarcó en una gira en apoyo del álbum, actuando por primera vez como cabezas de cartel.

«Steve Perry, sin duda la voz de Journey»

Según el manager de la banda, Herbie Herbert, hubo desacuerdos entre Aynsley Dunbar y la banda debido al cambio en la dirección musical del grupo. Dunbar comenzó a tocar de manera errática y a hablar despectivamente de los otros miembros. Tras la gira, el manager de la banda despidió a Dunbar, quien fue reemplazado por el batería graduado en Berklee y miembro de Montrose, Steve Smith. Su quinto álbum de estudio «Evolution», lanzado en marzo de 1979, alcanzando el número 20 en la lista Billboard. El álbum, le dio a la banda su primer sencillo en Top 20 de la lista Billboard Hot 100. La gira en apoyo del álbum recaudo más de 5 millones de dólares. Ese mismo año se lanzó el primer recopilatorio de la banda «In the Beginning» con temas de los primeros tres álbumes del grupo. En marzo de 1980 se lanzó «Departure», que alcanzó el puesto número 8 en la lista Billboard. El primer sencillo del álbum, «Any Way You Want It», alcanzó el puesto 23 en el Billboard Hot 100.

«Dream, After Dream», lanzado en 1980 es el álbum de la banda sonora de la película de fantasía japonesa «Yume, Yume No Ato», dirigida por el diseñador de moda Kenzo Takada. La banda sonora eclipsó totalmente a la propia película, que gozó de poca fama. El álbum fue una desviación significativa del hard rock que caracterizó a los tres álbumes anteriores de la banda, remontándose a sus comienzos de rock progresivo y basándose en una musicalidad e instrumentales mas complejas. El teclista Gregg Rolie dejó la banda después de la gira de «Departure». Stevie «Keys» Roseman fue contratado para grabar la única pista de estudio que aparece en el álbum en vivo de la banda «Captured» lanzado el 30 de enero de 1981. El álbum alcanzó el número 9 en la lista de álbumes Billboard 200, vendiendo dos millones de copias. El álbum fue grabado durante la gira «Departure» de 1980. Este fue el último álbum de Journey para el teclista y fundador Gregg Rolie, quien sugirió a Jonathan Cain de The Babys como su reemplazo, convirtiéndose en el nuevo miembro de la banda.

«Cain, Valory, Schon Perry y Smith, sin duda la formación mas clásica de Journey»

Lanzado en 1981, «Escape» (escrito como E5C4P3 en la portada del álbum) encabezó la lista Billboard 200 además de «colar» cuatro sencillos en la lista Billboard Hot 100: «Don’t Stop Believin'» ( Nº 9), «Who’s Crying Now» (Nº 4), «Still They Ride» (Nº 19) y «Open Arms» (Nº2). En julio de 2021, «Escape» fue certificado diamante en EE.UU, convirtiéndolo en el álbum de estudio más exitoso de la banda y el segundo en general detrás de «Greatest Hits». Además de su gira como cabezas de cartel Journey abrió para The Rolling Stones el 25 de septiembre de 1981. . MTV grabó en uno de sus dos shows que la banda realizó en Houston el 6 de noviembre de 1981, frente a más de 20.000 fans, mas tarde se lanzaría en DVD.

Tras el éxito de la gira de 1981, se formó un club de fans oficial llamado «Journey Force». Mientras continuaba de gira en 1982 Journey lanzó «Only Solutions» y «1990s Theme» para la película de Disney de 1982 «Tron». «Frontiers», octavo álbum de estudio de Journey se lanzo en febrero de 1983. El álbum alcanzó el número 2 en la lista Billboard 200 y obtuvo cuatro sencillos entre los 40 principales: «After the Fall»(N°23), «Send Her My Love» (Nº23), «Faithfully» (N°12), y «Separate Ways (Worlds Apart)» (Nº8). El álbum lograría la certificación de seis veces platino en Estados Unidos además de convertirse el álbum de la banda que más alto llego en las listas del Reino Unido, alcanzando el número 6 en la lista de aquel pais. Con el álbum a punto de lanzarse el A&R de Journey, Michael Dillbeck, decidió sustituir dos canciones de la grabación original, «Ask the Lonely» y «Only the Young». Estas dos pistas fueron reemplazadas por «Back Talk» y «Troubled Child». «Ask the Lonely» se utilizó en la banda sonora de la película «Two of a Kind». «Only the Young» entró en el Top Ten dos años después, como parte de la banda sonora de la película «Vision Quest». Journey comenzó la gira en Japón y continuó en América del Norte con Bryan Adams como telonero. Durante la gira, se grabó un video documental de su vida en la carretera, titulado «Frontiers and Beyond» , filmando escenas en el estadio JFK en Filadelfia, ante más de 80.000 fans. Después de la gira la banda se tomó un tiempo libre, algo que hizo saltar las alarmas sobre una posible separación de la banda.

«De ninguna manera Journey terminará. Estamos demasiado comprometidos con esta banda para permitir que eso suceda. De hecho, uno de las razones por las que decidimos ir en direcciones separadas por un tiempo fue para mantener a la banda tan fuerte como siempre».

Neal Schon

Tres años después de su anterior trabajo, Journey lanzó en abril de 1986 «Raised on Radio». El álbum llegó al Nº4 en la lista Billboard 200 y fue certificado doble platino en los EE.UU. con tres sencillos en el top 20: «Girl Can’t Help It» (Nº17), «I’ll Be Alright Without You» (Nº14) y «Suzanne» (Nº17). También colocó un sencillo entre los diez primeros «Be Good to Yourself» (Nº9) [5] Llegó al No. 4 en la lista Billboard 200. La banda decidió que Perry era el más adecuado para producir el álbum lo que hizo que comenzara a tomar más control sobre la dirección de la banda. Perry cambió el título original del álbum de «Freedom» a «Raised on Radio», lo que provocó el enfado de Herbert y algunos de los miembros del grupo ya que variaba la temática de nombrar sus álbumes con una sola palabra. El bajista Ross Valory y el bateria Steve Smith fueron despedidos de la banda, en contra de los deseos del manager Herbie Herbert.

«No estaban contentos con el tipo de música que tocábamos y no estaban muy interesados ​​en hacer giras»

Steve Perry sobre Valory y Smith

«Hubo mucha presión para hacerlo de la manera que Steve Perry quería, con lo cual tuve muchos problemas porque sentí que debería ser un disco grupal, como todos los discos anteriores»

Steve Smith

Valory y Smith fueron reemplazados por varios músicos de estudio para la grabación del álbum, Randy Jackson y Bob Glaub en el bajo y Larrie Londin y Mike Baird en la batería. La gira comenzó en en agosto de 1986 y realizaría espectáculos con entradas agotadas en todo Estados Unidos antes de concluir con dos espectáculos en Anchorage a principios de 1987. La gira contó con Randy Jackson en el bajo y Mike Baird en la batería, y fue grabada en video por MTV para un documental que incluía entrevistas con los miembros de la banda que se llamó, al igual que el álbum, «Raised on Radio». Tras la conclusión de la gira y con las tensiones entre Perry, la banda y el mánager de la banda, Herbie Herbert, en su punto más alto, Perry no pudo o no quiso seguir participando activamente en la banda cansado de la gira, ya que estaba afectando su salud y su voz. La banda hizo una pausa después de la gira y Columbia Records lanzó en noviembre de 1988 el recopilatorio «Greatest Hits», que se convirtió, además del álbum mas vendido de la banda, en uno de los álbumes de grandes éxitos más vendidos de la historia con más de 15 millones de copias vendidas y que a día de hoy continua vendiendo entre medio millón y un millón de copias por año. El álbum pasó 750 semanas en las listas de álbumes de Billboard hasta 2008 más que cualquier otro álbum recopilatorio en la historia, a excepción de Legend de Bob Marley and the Wailers. A 19 de abril de 2022 el álbum registro 1348 semanas en la lista de álbumes de Billboard. El 22 de abril de 2008, Greatest Hits consiguió ser 15 veces Platino en USA por ventas de 15 millones de copias en los Estados Unidos. 1 de diciembre de 1992 se lanzó la caja «Time 3» (también conocido como Time Cubed ), un recopilatorio de tres CD de con pistas de estudio y en vivo ordenadas cronológicamente, además se incluye un folleto que documenta la historia de la banda y los detalles de cada canción. La caja también incluye varias canciones inéditas de Journey, versiones alternativas y demos.

Segunda reunión y mas cambios.

Perry tomó la decisión de reunirse con Journey con la condición de que Herbie Herbert dejara de ser el mánager de la banda. En octubre de 1995 el grupo contrató a Irving Azoff, mánager de Eagles durante mucho tiempo, como nuevo mánager de la banda. Los antiguos miembros Steve Smith y Ross Valory se reunieron de nuevo a Journey. Su nuevo álbum, «Trial by Fire» fue lanzado a finales de octubre de 1996, alcanzando el número tres en las listas de álbumes Billboard 200, siendo certificado platino. El sencillo «When You Love a Woman» alcanzó el número 12 en las listas Billboard Hot 100, y fue nominado en 1997 a un premio Grammy a la Mejor Interpretación Pop de un Dúo o Grupo Vocal. Otros tres singles entraron en el top 40 de rock (Nº18, Nº33 y Nº38). A pesar de ello, «Trial by Fire» fue el álbum peor vendido de Journey ya que no logró igualar el encanto de trabajos anteriores de la banda. Schon admitiría más tarde que el álbum tenía demasiadas baladas y que los fans querían escuchar un sonido mas rock.

«Incluso en nuestro último disco, Trial By Fire, muchas de los temas de rock se archivaron y terminaron siendo como veinte baladas, no sé cuántas baladas»

Neal Schon

«Trial by Fire» es el único álbum de Journey que no fue acompañado de una gira (originalmente programada para el verano y el otoño de 1997). Perry descubrió un año antes que tenía una afección ósea degenerativa y no podía actuar sin una cirugía de reemplazo de cadera, a la que durante algún tiempo se negó a someterse, mas tarde admitió que tenía otros problemas físicos. De hecho el accidente provocó el retraso de la fecha de lanzamiento del álbum. La banda estaba inquieta por esperar una respuesta de Perry con respecto a la gira, la cual no habría comenzado hasta más de un año después del lanzamiento del álbum. Debió a las disputas sobre la gira, y tras una llamada telefónica entre Cain y Perry, este anunció que dejaría Journey, pensando que lo estaban obligando a irse debido a la presión de hacer una gira lo antes posible, ya que el no estaba seguro de someterse a la cirugía necesaria, tomando además la decisión de retirarse parcialmente del negocio de la música, desapareciendo nuevamente del ojo público. Steve Smith también dejaría la banda, alegando que Journey no sería Journey sin Perry. El segundo álbum en vivo de Journey «Greatest Hits Live» se lanzó 24 de marzo de 1998, con grabaciones realizadas entre 1981 y 1983. El álbum alcanzó el puesto 79 en la lista Billboard 200 de EE.UU.

«Castronovo (atrás) y Augery (segundo por la derecha)»

Para reemplazar a Steve Smith la banda contrató al batería Deen Castronovo. Después de audicionar a varios candidatos de «alto nivel», como Geoff Tate (Queensryche), Kevin Chalfant (The Storm) y John West (Artension), Journey reemplazó a Perry por Steve Augeri (Tyketto y Tall Stories), grabando con el «Remember Me», tema que aparecería en la banda sonora de la película de 1998 «Armageddon». El primer álbum con la nueva formación fue «Arrival» , lanzado en Japón a finales de 2000, seguido del lanzamiento norteamericano en abril de 2001. El álbum alcanzó el puesto 56 en las listas de Billboard. El sencillo del álbum «All the Way» pasó 13 semanas en las listas Billboard, alcanzando el puesto 22, pero no logró impulsar las ventas del álbum que tan solo alcanzó el puesto 56 en la lista de álbumes de Billboard. «Arrival» fue el primer álbum de la banda en convertirse en disco de oro desde «Next» de 1977, esto se consideró una decepción con opiniones encontradas con respecto al álbum, un intento de dar con un himno rock mezclado con baladas sin ningún resultado, lo que hizo que Sony/Columbia sacara a la banda de su sello.

«¡¡Hollywood!!«

En 2002 Journey editó bajo su propio sello, Journey Music, su primer E.P. titulado «Red 13», grabado por la banda como agradecimiento a sus fans por apoyar a Journey, y lanzado únicamente en su pagina web para más tarde, y con una portada diferente, lanzarlo para la venta minorista. «Greatest Hits DVD 1978–1997 – Music Videos and Live Performances» es el segundo DVD de Journey. Fue lanzado en 2003 y contiene videos musicales y actuaciones en vivo con el vocalista principal Steve Perry. Este DVD es el más vendido de Journey, siendo cuatro veces Platino desde su lanzamiento. En 2005, los miembros de Journey fueron incluidos en el Paseo de la Fama de Hollywood junto con los ex miembros Perry, Dunbar, Tickner, Steve Smith y Fleischmann. Rolie fue el único miembro que no apareció en la ceremonia.

El 29 de agosto en Europa y el 4 de octubre en América del Norte, Journey lanzó su duodécimo álbum de estudio, «Generations». El álbum alcanzó el puesto 170 en las listas de Billboard. Para promocionar el álbum y celebrar el 30 aniversario de la banda, Journey se embarcó en una gira que comenzó en en junio y concluyó en octubre. Cada concierto de la gira duró tres horas con un intermedio, repasando temas clásicos y nuevos. En 2006, la banda realizó una gira por Europa y luego se unió a Def Leppard en una gira por América del Norte. Sin embargo, durante las giras, comenzaron los rumores sobre que Augeri no estaba cantando, sino que estaba usando pistas de acompañamiento para «tapar» su voz deteriorada, lo que provocó criticas por parte de los fans. Augeri había estado sufriendo problemas de desgaste vocal antes de que la banda comenzara la gira con Def Leppard. El ex manager de Journey, Herbie Herbert, insiste en que la acusación era cierta. Por el contrario Valory negó las acusaciones, afirmando que se trataba de un falso rumor y que la voz de Augeri estaba bien. En un comunicado de prensa, la banda anunció más tarde que Augeri tuvo que renunciar como cantante principal de Journey y dejar la gira para recuperarse. Augeri realizó su último show con la banda el 4 de julio de 2006.

«Paso efímero el de Soto por Journey»

Con la exitosa gira aún en curso, la banda se apresuró a contratar como su vocalista principal a Jeff Scott Soto (Yngwie Malmsteen, Talisman). Actuó como vocalista de Journey por primera vez el 7 de julio de 2006. La gira, por su éxito y popularidad se extendería posteriormente hasta noviembre. Más tarde, Soto sería anunciado oficialmente como el nuevo vocalista de la banda en diciembre de 2006. Pero sorprendentemente después de giras por Europa y Estados Unidos en 2007, la banda anunció el 12 de junio de ese mismo año que Soto ya no estaba con ellos.

Nuevo vocalista y un pequeño resurgir.

De nuevo Journey volvió a quedarse sin vocalista principal. Neal Schon comenzó a buscar en YouTube un nuevo vocalista hasta dar con Jeremey Hunsicker de la banda tributo a Journey «Frontiers» quien probó con la banda llegando incluso a pasar una semana escribiendo material con ellos. Hunsicker afirma que se le ofreció formalmente el puesto, pero fracasó poco después debido a problemas entre el y Schon. Una de las pistas coescritas con Hunsicker, «Never Walk Away», aparecería más tarde en el álbum «Revelation». De nuevo en su búsqueda, Schon encontró al cantante filipino Arnel Pineda, vocalista de la banda de versiones The Zoo. Schon quedó tan impresionado con una de las interpretaciones de Arnel de un tema de Journey que se puso en contacto con el para programar dos días de audiciones. La prueba satisfactoria, y el 5 de diciembre de 2007 se convirtió en el vocalista principal de Journey. Aunque Pineda no fue el primer extranjero en convertirse en miembro de Journey (el ex batería Aynsley Dunbar es británico), ni siquiera el primero no blanco (el bajista Randy Jackson es afroamericano), su reclutamiento hizo que algunos fans de Journey hicieran comentarios racistas hacia el nuevo vocalista.

«Nos hemos convertido en una banda mundial. Ahora somos internacionales. No somos de un solo color».

Jonathan Cain sobre los comentarios racistas hacia Arnel Pineda

Con Pineda como vocalista, Journey lanzó «Revelation», lanzado en los Estados Unidos el 3 de junio de 2008 por Nomota LLC (el sello discográfico personal de Schon) exclusivamente a través de Wal-Mart, y en Europa el 6 de junio de 2008 a través de Frontiers Records. Además, Wal-Mart también lanzó un reproductor de MP3 ZVUE de 1 gigabyte de edición limitada precargado con los discos 1 y 2 de «Revelation». El álbum cuenta con 11 canciones nuevas («Faith in the Heartland» se grabó previamente con Steve Augeri ), 11 grandes éxitos regrabados (todos con Pineda) y un DVD (solo versión norteamericana) grabado el 8 de marzo de 2008 en un concierto en Las Vegas con la formación en ese momento de la banda. El álbum debutó en el N°1 en la lista de álbumes independientes de Billboard, en el Nº2 en la lista de álbumes de rock de Billboard y en el Nº5 en el Billboard 200, donde permaneció durante 42 semanas. El álbum no solo fue un gran éxito en los Estados Unidos, sino que también llegó a las listas de 9 países diferentes.»Revelation» vendió más de 196.000 unidades en sus primeras dos semanas y permaneciendo en el top 20 durante seis semanas. El 18 de diciembre de 2008, el álbum fue certificado platino en USA, convirtiéndolo en la primera certificación de Journey desde su álbum de 1996 «Trial by Fire».

La banda comenzó la gira en el Reino Unido en junio, continuando en América del Norte, Asia, Europa y América del Sur, concluyendo la primera etapa de esta en octubre. Los ingresos de la gira de 2008 fueron de más de 35. millones de dólares, convirtiéndose en una de las giras más taquilleras del año. Journey actuó en el espectáculo previo de la Super Bowl XLIII en Tampa, el 1 de febrero de 2009. La banda continuó su gira en mayo y la concluyó en octubre de 2009. Durante la gira se grabó el show en Manila, frente a 30.000 fans, publicado como «Live in Manila» el 2 de octubre de 2009 exclusivamente a través de Walmart en América del Norte. La banda interpreta más de dos horas de concierto. «Live In Manila» también documenta el regreso a casa del actual vocalista principal de la banda, Arnel Pineda. El 15 de octubre de 2009, el DVD debutó en el número 1 en las listas de videos de Billboard. El 9 de septiembre de 2016, Eagle Rock Entertainment, relanzó el álbum en un solo DVD, un Blu-ray y doble CD. «Eclipse» (escrito como ECL1P53), decimocuarto álbum de estudio de Journey, fue lanzado en los Estados Unidos (exclusivamente en Wal-Mart) y Canadá el 24 de mayo de 2011, el 27 de mayo de 2011, en Japón, el 30 de mayo de 2011 en el Reino Unido e internacionalmente el 3 de junio de 2011. El álbum vendió 21.400 copias en los Estados Unidos en su semana de debut, alcanzando el número 13 en la lista Billboard 200, siendo el segundo álbum consecutivo en entrar en el Top 20. A nivel internacional, «Eclipse» ingresó a las listas de álbumes Top 40 en cinco países diferentes. A pesar de las altas posiciones en las listas, descendió rápidamente de ellas en cuestión de semanas. «Eclipse» no pudo igualar el éxito de «Revelation», vendiendo apenas 100.000 copias, una octava parte de las ventas del álbum anterior. El grupo vio su falta de éxito como un revés en su carrera. Se volvieron escépticos de grabar un nuevo álbum, centrándose principalmente en shows en vivo.

El 1 de noviembre de 2011, (23 años después de «Greatest Hits») Columbia Records lanzó en CD, descarga digital y en una edición de doble vinilo desplegable, «Greatest Hits 2», con los éxitos que quedaron fuera del primer recopilatorio de 1988. El 8 de marzo de 2013, se estrenó el documental «Don’t Stop Believin’: Everyman’s Journey», dirigida por Ramona S. Diaz, que narra el descubrimiento de Arnel Pineda y su primer año con Journey. En junio de 2015, Deen Castronovo fue arrestado tras un altercado doméstico lo que hizo que fuera despedido de la banda en agosto de ese año, siendo reemplazado por Omar Hakim para el resto de la gira. En 2016, Steve Smith regresó nuevamente como batería de Journey, reuniendo a todos los miembros de la formación «Escape-Frontiers-Trial by Fire» excepto el cantante principal Steve Perry. En 2018, durante la gira norteamericana con Def Leppard, Journey encabezó la lista Billboard Hot Tours por recaudar más de 30 millones de dólares en 17 espectáculos.

Mas cambios… y mas disputas.

El 3 de marzo de 2020, Schon y Cain anunciaron que habían despedido a Smith y Valory, además de demandarlos por más de 10 millones de dólares por daños y perjuicios por un supuesto «intento de golpe de estado corporativo» afirmando que el dúo había “destruido la química, cohesión y los vínculos que la banda necesitaba para tocar”. La demanda alegaba que Smith y Valory intentaron asumir el control de Nightmare Productions (la entidad de eventos creada en diciembre de 2019 por el ex manager de Journey Herbei Herbert,) creyendo que esta controlaba el nombre y la marca de Journey en un intento de «mantener el nombre de Journey como rehén y beneficiarse, asegurándose unos ingresos después de que dejaran de actuar». Sin embargo, el ex cantante Steve Perry había firmado un acuerdo con Schon y Cain en 1998 que les otorgaba «el derecho único, exclusivo e irrevocable de controlar la marca Journey, incluido el nombre de Journey«. Valory y Smith impugnaron los despidos, con el apoyo del ex gerente Herbie Herbert y el ex cantante principal Steve Perry. Los documentos judiciales revelaron que a Steve Perry se le había pagado como miembro de la banda durante años a pesar de no actuar. Valory presento su propia demanda, afirmando que las alegaciones de sus ex-compañeros “no tenían base legal” y que las acciones de Schon y Cain habían sido “atroces”, causándole “una severa aflicción emocional”, además reclamó ser parte de la propiedad de la marca comercial y el nombre de Journey, cuando esa asociación, Elmo Partners, era solo el licenciatario de la marca de 1985 a 1994, cuando Herbie Herbert de Nightmare Productions, propietarios de la marca y el nombre, rescindió la licencia. Valory también demandó a Schon por usar similitudes con la marca y el nombre de Journey para su proyecto paralelo, Neal Schon: Journey Through Time. En una carta abierta, Schon y Cain declararon que Smith y Valory «ya no son miembros de Journey; y que Schon y Cain han perdido la confianza en ambos y no están dispuestos a volver a actuar con ellos». Trece meses después, las dos partes llegaron a un acuerdo, cuyos términos no fueron revelados.

«Los miembros de la banda Journey que fueron partes en una demanda reciente (Neal Schon, Jonathan Cain, Steve Smith y Ross Valory) se complacen en anunciar que han resuelto sus diferencias y llegado a un acuerdo de solución amistosa. Neal Schon y Jonathan Cain reconocen las valiosas contribuciones que tanto Ross Valory como Steve Smith han hecho a la música y al legado de Journey. Ross Valory y Steve Smith les desean a sus antiguos compañeros de banda lo mejor y mucho éxito en el futuro. Journey espera continuar con la gira y hacer nueva música para sus fans de todo el mundo».

Comunicado de Q Prime (oficina de management de Journey).

En mayo de 2020, Schon y Cain anunciaron que el bajista Randy Jackson volvería a unirse a la banda reemplazando a Valory y al batería Narada Michael Walden como nuevo miembro oficial de Journey reemplazando a Smith. El sencillo adelanto de su nuevo trabajo, «The Way We Used to Be», fue lanzado el 24 de junio de 2021. En julio de 2021, Schon confirmó que Deen Castronovo, que anteriormente había estado en la banda, se reincorporaba de nuevo como segundo batería, también, ese verano el bajista Marco Mendoza sustituyó a Randy Jackson mientras este se recuperaba de una cirugía de espalda. El 1 de diciembre de 2021 Journey inició su residencia de un mes en The Theatre de Virgin Hotels en Las Vegas. El 16 de febrero de 2022, la banda anunció el título y la lista de canciones de su nuevo álbum de estudio «Freedom», que se lanzará el 8 de julio de 2022. El álbum ha sido grabado por Neal Schon, Arnel Pineda y Jonathan Cain junto con el batería y productor Narada Michael Walden, el bajista Randy Jackson y el teclista y cantante Jason Derlatka. El 1 de marzo de 2022, Cain confirmó que tanto Walden como Jackson ya no formaban parte del grupo. El segundo sencillo del álbum «You Got the Best of Me» fue lanzado el 26 de abril de 2022. Actualmente Journey, que cuentan con un segundo teclista llamado Jason Derlatka y con un nuevo bajista, Todd Jensen (David Lee Roth, Alice Cooper), se encuentra de gira junto a Toto.

Las canciones Journey se han mencionado o han aparecido en numerosas películas, series de televisión, videojuegos e incluso en Broadway. Las canciones de la banda han sido versionadas por varios artistas y adoptadas por equipos deportivos. En particular, «Don’t Stop Believin'» se escuchó en el episodio final de «Los Soprano», ha sido adaptada por la serie de televisión «Glee», cantada por el elenco de «Family Guy» (Padre de familia), interpretada en el musical de Broadway (y la película) «Rock of Ages» y adoptado como el himno no oficial de los equipos Chicago White Sox y San Francisco Giants, campeones de las Series Mundiales de la Major League Baseball’s de 2005 y 2010 respectivamente.

Las ventas de Journey han dado como resultado veinticinco álbumes de oro y platino, además del álbum «Greatest Hits» de 1988, que recibió quince veces platino en USA, obteniendo así la certificación de Diamante. Han tenido diecinueve sencillos Top 40 en los EE.UU. (La segunda mayor cantidad sin un sencillo número uno de Billboard Hot 100 detrás de Electric Light Orchestra con 20), seis de los cuales alcanzaron el Top 10 de la lista de EE.UU. y dos de los cuales alcanzaron el Nº1 en otras listas de Billboard, ademas de alcanzar el Nº6 en la lista de singles del Reino Unido con «Don’t Stop Believin'». En 2005, «Don’t Stop Believin'» alcanzó el número 3 en las descargas de iTunes. Originalmente creada como una banda de rock progresivo, Journey redefinió su sonido adoptando arreglos pop en su cuarto álbum «Infinity» de 1978, ganándose una reputación como una de las bandas comerciales de rock/pop más queridas (y a veces odiadas) de Estados Unidos. Journey ha vendido 48 millones de álbumes en los EE.UU., lo que los convierte en la banda número 25 con mayores ventas. Sus ventas mundiales han alcanzado más de 80 millones de discos, lo que los convierte en una de las bandas más vendidas de todos los tiempos. Journey es sin duda una de las mejores (para mi la mejor) bandas de AOR, o como dicen en américa Rock Arena, de todos los tiempos. La mezcla de voces, melodías, guitarras de hard rock y virtuosismo difícilmente han sido o puedan ser igualadas por ninguna otra banda. Journey ha contado y cuenta con músicos de un nivel excepcional, como es le caso de su guitarrista y fundador Neil Schon, con el que podríamos ir enlazando bandas y proyectos en los que ha participado y dedicar el blog enteramente a el, pero eso seria bastante aburrido (aunque ya os adelanto que aparecerá en varias ocasiones en el blog), así que continuamos con esta banda en la que militó llamada Hardline.

Banda creada por los hermanos Johnny Gioeli y Joey Gioeli, voz y guitarra respectivamente, quienes anteriormente tocaron en las bandas Killerhit y Brunette, además de aparecer en la película «Smash Crash and Burn» como la banda Royal Smash, película dirigida por Roman Coppola, hijo del director Francis Ford Coppola, y que nunca fue estrenada. Hardline también incluía al guitarrista Neal Schon, el bajista Todd Jensen y el batería Deen Castronovo. Su álbum debut «Double Eclipse» fue lanzado el 28 de abril de 1992 y fue bien recibido por el público, además de contar con una gran difusión en emisoras de radio, teniendo en cuenta el cambio de dirección musical en esos días. Dos de las canciones del grupo aparecen en la película «Rapid Fire» a petición de su protagonista, el hijo de Bruce Lee, Brandon Lee. Otro de sus temas apareció en un episodio de la serie de televisión «Baywatch». Aunque actuaron principalmente como teloneros de otros artistas, también hicieron sus propios espectáculos e incluso se hicieron planes para una gira por Japón y Europa, pero fracasaron después de que la banda se separase a finales de 1992 debido a problemas con su manager y Neal Schon, mientras grababan las canciones para un segundo álbum. Diez años después del álbum debut de Hardline se lanza en 2002 «II», segundo álbum de la banda inicialmente llamado «Hyperspace», pero el vocalista Johnny Gioeli decidió cambiar el nombre a simplemente «II». El álbum, que en principio iba a ser gravado por el virtuoso guitarrista Joey Tafolla, fue grabado por el batería Bobby Rock, el bajista Christopher Maloney, el ex teclista de Angel, Michael T. Ross y el guitarrista Josh Ramos ademas de los hermanos Gioeli. El 2 de junio de 2002 Hardline fue el cabeza de cartel del Gods Festival celebrado en Bradford, Inglaterra. La banda trató de revivir la formación original de Hardline para la actuación, pero las cosas no salieron según lo planeado. El productor de «II» Bob Burch tocó el bajo en el festival en lugar de Christopher Maloney .En 2003 esa actuación se editó en DVD y CD. «Leaving the End Open», tercer álbum de estudio de Hardline, fue lanzado el 17 de abril de 2009 en el Reino Unido y el 2 de mayo en los Estados Unidos. Este álbum cuenta con dos nuevos miembros, Jamie Brown en el bajo y Atma Anur en la batería. Joey Gioeli, quien iba a contribuir con letras y guitarras rítmicas, se retiró de la industria de la música antes de la grabación del álbum, dejando a su hermano Johnny como único miembro original de Hardline. Lanzado el 18 de mayo de 2012 por Frontiers Records, «Danger Zone» contó con la incorporación del teclista y productor italiano Alessandro Del Vecchio, fan de Hardline, quien escribió y compuso canciones con la voz de Gioeli específicamente en mente, y luego procedió a grabar demos para enviárselos al presidente de Frontiers Records, Serafino Perugino quien tras escuchar y aprobar las demos, se las envió a Gioeli, quien de inmediato se interesó en reformar Hardline y grabar las canciones para un nuevo álbum. A Gioeli y Del Vecchio se unieron Thorsten Koehne a la guitarra, Anna Portalupi al bajo y Francesco Jovino a la batería. El 14 de octubre de 2016, Hardline lanzó su quinto álbum llamado «Human Nature» con el regreso del guitarrista Josh Ramos. El 6 de mayo de 2018, se anunció que Josh Ramos dejaría Hardline debido a diferencias creativas y a conflictos por motivos de producción. Ramos fue reemplazado por el guitarrista Mario Percudani. El CD y DVD en vivo, lanzado en febrero de 2020, «Life Live'» fue grabado y filmado en 2019 en el Frontiers Rock Festival de Milán, Italia. Su ultimo trabajo «Heart, Mind and Soul», lanzado el 9 de julio de 2021 cuenta con la incorporación de Marco Di Salvia en la batería. Y precisamente otro batería, el primero que tuvo la banda, nos lleva a la siguiente banda, el magnifico Deen Castronovo y Bad English.

Tras la disolución de Journey Jonathan Cain y el guitarrista Neal Schon, formaron en 1987 Bad English, junto al vocalista John Waite, el bajista Ricky Phillips, que había tocado el bajo para The Babys en dos álbumes con Waite and Cain, y el batería Deen Castronovo. Su álbum debut homónimo fue un éxito de ventas gracias al sencillo «When I See You Smile», que alcanzó el Nº1 en la lista Bilboard Hot 100. El sencillo fue certificado oro en EE.UU. mientras que el álbum fue certificado platino. El álbum tuvo otros dos éxitos en el top 40, «Price of Love» y «Possession», que alcanzaron el puesto 5 y 21, respectivamente. El primer sencillo del álbum, «Forget Me Not», se estancó fuera del Top 40 en el puesto 45, pero alcanzó el puesto Nº2 en la lista Mainstream Rock. Uno de los temas del álbum aparece durante los créditos de la película «Tango & Cash» de 1989, protagonizada por Sylvester Stallone y Kurt Russell. El segundo álbum de la banda, «Backlash», de 1991, pasó totalmente desapercibido. El único sencillo no entro en el top 40, únicamente alcanzando el puesto 42. Ricky Phillips declaró que el grupo se separó antes de que se mezclara el segundo álbum. Tanto Phillips como el guitarrista Neal Schon querían un toque más duro en las canciones de la banda, expresando su frustración con el «aire pop» que al final tuvieron. Por el contrario el vocalista John Waite declaró que, aunque le encantaba tocar para grandes audiencias, se sentía incómodo con la imagen de glam/rock que la banda presentaba. Al final, todo esto resultó ser la perdición de la banda, ya que todos se fueron para dedicarse a otros proyectos. Ya que hablamos de «supergrupos» vamos con este otro en el que participó el bajista Ricky Phillips, Elements of Friction.

Otra «superbanda» o proyecto de músicos talentosos formado por Robin McAuley a la voz (MSG, Grand Prix), Ricky Phillips al bajo (Bad English, Coverdale/Page, The Babys), Tommy Aldrich a la batería (Ozzy Osbourne, Whitesnake) y Marcus Nand ,(Freak Of Nature) mientras que Neal Schon y Jonathan Cain (Journey, Bad English), Dann Huff (Giant), John Waite (Bad English), James Christian y Gregg Giuffria (House Of Lords) y otros, son el equipo de composición de canciones. Su álbum debut homónimo se editó en 2001 y a no ser que seas muy fan de bandas con un sonido mas cercano al AOR que al hard rock este trabajo te parecerá bastante «flojito», aun así con el elenco de músicos que participan tanto en la ejecución como en la composición, los temas son unas autenticas joyas dentro del estilo. Y ya que estamos con «proyectos» continuamos con este creado por el mítico batería Tommy Aldrich y este «supergrupo» llamado M.A.R.S.

Proyecto formado en 1985 por una de las secciones rítmicas mas conocidas y reputadas del heavy metal/hard rock la compuesta por el batería Tommy Aldridge y el bajista Rudy Sarzo. Llamados en principio Driver, la primera encarnación de la banda contaba con Kurt James (Steller, Stryper) a la guitarra y Jeff Scott Soto a la voz, quienes pronto abandonan la banda siendo reemplazados por Jeff Fenholt, vocalista conocido por interpretar a Jesús en el musical de Broadway «Jesucristo Superstar» y haber grabado maquetas con Tony Iommi para Black Sabbath, y el guitarrista Craig Goldy (Giuffria). Tras la grabación de una demo Fenholt decide probar suerte en solitario y Glody pasa a formar parte de la banda de Dio dejando de nuevo a Sarzo y Aldridge sin musicos para su proyecto. Con la ayuda de Mike Varney, productor discográfico, fundador del sello Shrapnel Records y responsable de popularizar el boom de los «guitar heros» de mediados de la década de 1980, reclutan al virtuoso guitarrista Tony MacAlpine quien recomienda al vocalista Rob Rock. En 1986, y tras cambiar su nombre (otra banda tenia el nombre registrado) a M.A.R.S., un anacronismo compuesto por la inicial del apellido de cada músico: MacAlpine, Aldridge, Rock y Sarzo, se publica su primer álbum titulado «Project: Driver». El titulo hace referencia al primer nombre de la banda: Driver, y al titulo que tenían pensado para el primer álbum; «Project». El sonido del álbum es mas cercano al heavy metal que al hard rock que dominaba el mercado aquellos años, aunque algunos temas se acercan a ese sonido» comercial» de la época. Debido a las escasa ventas del álbum, el proyecto no tuvo continuidad, ya que las grandes compañías discográficas no encontraron el producto lo suficientemente atractivo como para firmar un contrato con el que competir con bandas de mayor calado, además a todo esto se unió que John Kalodner, A&R de Geffen, ofreció a Rudy y Tommy la posibilidad de incorporarse a Whitesnake, algo que era imposible rechazar (aunque ya lo habían hecho con anterioridad, pero claro, la cosa había cambiado). Si Aldrich nos trajo hasta M.A.R.S., Sarzo nos lleva a otro proyecto en el que participo (¿¿¿otro???) llamado A New Revenge.

Proyecto inicialmente formado por el guitarrista Keri Kelli (Alice Cooper, Slash) y el batería James Kottack (Kingdom Come, Scorpions) quienes se acompañan del ex vocalista de Judas Priest Tim Owens y el bajista Rudy Sarzo (Quiet Riot, Ozzy, Whitesnake). En principio la banda tocaba temas de todas las bandas con las que habían estado relacionados sus miembros e incluso giraron bajo el nombre de Projet Rock y Rockstar. Pronto les «picó el gusanillo» de componer temas propios, cosa que hicieron publicando a finales de marzo de 2019 su álbum «Enemies & Lovers», un trabajo repleto de temas hard rock de gran calidad. Tras la publicación del álbum y debido a problemas de agenda Rudy Sarzo, fue sustituido por Phil Soussan, (Ozzy) quién aparece en los vídeos que ha publicado la banda. Continuamos con uno de los miembros de la banda, el batería James Kottack, otro de los músicos embarcado en decenas de grupos, proyectos y colaboraciones como la que hizo junto a este musico, no demasiado conocido, llamado Willie Basse y su banda Black Sheep.

Willie Basse, vocalista, bajista, productor musical, ingeniero y compositor líder de Black Sheep, una banda de metal de la década de los 80 que contó con varios músicos notables a lo largo de sus cambios de formación entre ellos Slash, Paul Gilbert, Randy Castillo, Kurt James o Mitch Perry. Willie Basse fue uno de los pocos músicos de color en la escena Angelina de los 80. En 1985, la banda lanzó su álbum debut, «Trouble In The Streets» en el cual aparecen Todd DeVito a la batería, Basse al bajo y la voz y los guitarristas Paul Gilbert y Kurt James. En 1999 Basse reforma el grupo y lanza el E.P. «Sacrifice» con Marshall Harrison y Brian Conroy a las guitarras y James Kottak a la batería. En 2008 publico un álbum en solitario titulado «The Money Grind». Después publicó algunos singles, uno de ellos con la colaboración del guitarrista George Lynch. Willie Basse falleció el 29 de octubre de 2018, tenía 62 años. Como os decía Lynch colaboró en un single lanzado por Basse además de haber colaborado a modo de compositor en el primer álbum de Black Sheep, así que ya que hablamos de el vamos a continuar con su banda Lynch Mob.

Ya conocéis mi predilección por George Lynch y Dokken, y en cuanto puedo hablo de ellos. ya lo hice de la banda de George Lynch, Lynch Mob en el episodio dedicado a Warrant, https://rockencadena.home.blog/2021/10/05/programa-no-34/ , así que como viene siendo habitual os contaré algo relacionado con la banda y mas concretamente con el álbum «Smoke and Mirrors», quinto álbum de estudio de Lynch Mob lanzado en 2009, trabajo que supuso el regreso del vocalista original Oni Logan desde su primer álbum, Wicked Sensation, así como la vuelta al sonido característico de hard rock de la banda. El bajista Marco Mendoza (Blue Murder, Whitesnake) y el bateria Scot Coogan (Brides Of Destruction) completaban la formación que grabó el álbum que fue co-producido por el guitarrista Bob Kulick. En principio la reunión de Dokken estaba lista para tocar en el festival Rocklahoma 2008 en Pryor, Oklahoma y hacer una gira durante el verano, sin embargo, esos planes se desmoronaron. George aprovechó la oportunidad para reunir a Lynch Mob, (con el vocalista original Oni Logan pero sin los miembros originales Esposito y Brown) para actuar en dicho festival. Marco Mendoza en el bajo y Fred Coury en la batería fueron sus sustitutos. Coury realizó la ira de «Smoke and Mirrors» en 2009, hasta que en 2010 el batería Brian Tichy se unió a Lynch Mob, al igual que el bajista James Lomenzo quien reemplazando a Marco Mendoza, quien en 2003 formo parte de esta increíble banda llamada Soul SirkUs.

El guitarrista Neal Schon (si, ya se que es la tercera vez que aparece, pero este hombre no para!!) formó Soul SirkUs tras el fallido proyecto Planet Us con Sammy Hagar. Schon estaba decidido a que el material que había escrito cobrara vida.

«Estaba enojado porque teníamos planes y había trabajado mucho. Escribí muchas canciones, unas 30 o más, y puse mucho esfuerzo y energía en eso. Unos días más tarde me calmé y simplemente me centré y puse las piezas del rompecabezas nuevamente en su sitio con otros tipos diferentes»

Neal Schon

Schon había oído hablar de la reputación de Jeff Scott Soto. En el NAMM de 2004 en Los Ángeles, Schon tocó junto a Soto en una pequeña jam session.

«Jeff trajo a su batería y a su bajista y, aunque no tuvimos tiempo para ensayar, preparamos un pequeño set. Hicimos algunas canciones de Led Zeppelin y Journey algunas de Stevie Wondery y algo de blues. Tocamos un pequeño set de 45 minutos y la gente enloqueció. Inmediatamente, supe que teníamos algo de química y que funcionaría»

Neal Schon

Schon también asistió a una exhibición del bajista Marco Mendoza y quedó impresionado con su habilidad. Tras reclutar a Soto, Mendoza y al batería de Journey, Deen Castronovo, la nueva banda comenzó a ensayar y finalmente grabó 11 canciones para su álbum debut de 2004, «World Play», únicamente disponible a través de la pagina web de la banda. Aunque todas las pistas del álbum se escribieron originalmente para Planet Us, solo una canción se usó para el debut de Soul SirkUS, Peephole», originalmente titulada «Peeping Through a Hole» en la versión de Planet Us. A principios de 2005 la banda se vio obligada a posponer su primera gira cuando Castronovo enfermó debido al agotamiento extremo. Poco después, Castronovo abandonó el grupo por recomendación de su médico y fue reemplazado por el batería australiano Virgil Donati. Schon decidió aprovechar el estilo de Donati y remezcló el álbum «World Play» con las pistas de batería de Donati, además de cinco canciones nuevas. El álbum fue relanzado con nueva portada en el sello Frontiers Records. La nueva alineación realizó una breve pero bien recibida gira por los Estados Unidos y Europa. Durante la gira se grabó un concierto en el famoso teatro Fillmore de San Francisco para un posible DVD que la banda aún no ha lanzado y según parece nunca lanzará. Desde el final de la gira de 2005, la banda no se ha vuelto a reunirse debido a otros compromisos de sus miembros. En realidad cualquiera de los miembros de esta banda nos valdría para cerrar este episodio, Schon es el fundador de Journey, Castronovo y Mendoza son o fueron miembros de Journey tanto oficiales como músicos de directo y Soto fue el vocalista encargado de sustituir a Augeri tras su marcha, siendo por algún tiempo miembro oficial de la banda hasta el anuncio de un nuevo cantante en la persona de Arnel Pineda. Y de esta manera terminamos el episodio deseando que os haya gustado tanto como a mi. Y ya sabes, sube el volumen y disfruta!!!…hasta la próxima!!

Episodio Nº40

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Bienvenidos y bienvenidas a una nueva entrada de Rock en Cadena. Si estas leyendo esto, muchas gracias. Cada vez sois mas los que os acercáis a este rincón dedicado al heavy y al rock, y yo solo puedo estar agradecido a tod@s vosotros. Este episodio lo dedicamos a una banda que se auto denominan «Los Reyes del verdadero Metal». Con su «grito» de: «muerte al falso metal», han conseguido una fiel legión de fans o como ellos los denominan «brothers of metal» (hermanos del metal) desde principios de los 80. Aun hoy siguen despertando admiración y repulsa apartes iguales, ellos son Manowar.

El inicio de un sueño.

En 1980, Joey DeMaio (futuro bajista de la banda), conoció al guitarrista Ross the Boss mientras trabajaba como técnico de bajos y encargado de fuegos artificiales para Black Sabbath en el Heaven & Hell Tour. Ross the Boss, ex miembro de la banda de punk rock The Dictators, era el guitarrista de la banda telonera de Black Sabbath, Shakin’ Street. Los dos, con intereses musicales muy parecidos, se hicieron amigos y decidieron formar una banda por sugerencia y consejo de Ronnie James Dio durante la gira. Al final del tour con Black Sabbath, el dúo se reunió para formar Manowar, junto al bateria Donnie Hamzik ​​y al cantante Eric Adams, ex compañero de clase y amigo de DeMaio. El luthier, John «Dawk» Stillwell, sugirió el nombre Manowar a Joey DeMaio y Ross the Boss.

«Manowar 1982«

Con su primera demo, Manowar aseguró en 1981 un contrato de grabación con el sello Liberty Records. La discográfica presionó a la banda para que produjera una buena cantidad de canciones en poco tiempo para un álbum debut. El álbum resultante, «Battle Hymns», fue lanzado al año siguiente. El legendario actor y director Orson Welles desempeñó el papel de narrador en el tema «Dark Avenger». Poco después del lanzamiento del álbum, Manowar participó en su primera gira. La banda tocó como teloneros de Ted Nugent, pero su colaboración duró solo unos meses. Manowar decidió organizar una pequeña gira por sí mismos. A pesar de algunos contratiempos, la banda ganó fama nacional en esta breve gira y también comenzó a conseguir sus primeros fans europeos, particularmente en el Reino Unido y Alemania. Estresado por la tensión de las continuas actuaciones, Hamzik ​​decidió dejar la banda al final de la gira y fue reemplazado por Scott Columbus.

«La letra con sangre entra«

En 1983, la banda dejó Liberty Records y llegó a un acuerdo con Megaforce Records en los EE.UU. y Music for Nations en Europa, firmando el contrato con su propia sangre, lo que les sirvió para ser portada en el número 47 de julio-agosto de 1983 de la prestigiosa revista británica Kerrang!. Manowar regresó a casa con la intención de producir lo que, en principio, hubiera sido un simple E.P., pero por la cantidad y calidad de los temas realizados en ese período, se convirtió en el segundo álbum de la banda, «Into Glory Ride» publicado en 1983. De hecho, se publicó un E.P. en 1983 con el título «Defender» que contenía, como tema principal, la canción homónima y como cara B uno de los temas del álbum «Gloves of Metal» que se convirtió en el primer video clip de la banda. Orson Welles quien accedió a grabar la narración de en Dark Avenger en su álbum debut, grabó en esa misma sesión dos piezas más: una introducción para los directos (que la banda ha usado desde entonces) y la narración de una segunda canción, «Defender».

La atmósfera del álbum evocaba la mitología y la fantasía heroica clásica, y sirvió como predecesor del viking metal. Contenía varias características innovadoras, tanto en estilo como en sonido, y provocó un gran aumento en el número de fans del grupo, particularmente en el Reino Unido, donde la banda planeó una larga gira que finalmente fue cancelada. La canción «Defender» fue posteriormente regrabada e incluida en el álbum «Fighting the World» de 1987.

«El lio de las banderas»

Como disculpa por el fracaso de su gira por el Reino Unido, Manowar decidió dedicar su próximo álbum al Reino Unido. El álbum, «Hail to England», fue grabado y mezclado en solo seis días y fue lanzado a principios de 1984. El título del álbum es un tributo al país en el que los miembros de la banda estadounidense se conocieron y formaron la banda, y en particular a la NWOBHM que surgió a principios de la década de los 80. Sin embargo, la portada del álbum en realidad presenta la bandera del Reino Unido y no la bandera de Inglaterra. El álbum alcanzó el puesto 83 en las listas de álbumes del Reino Unido. Tan solo diez meses después de lanzar su anterior álbum y tras dejar Music for Nations, Manowar lanzó «Sign of the Hammer» (1985).

Tiempos gloriosos.

Tras desacuerdos con su nuevo sello, el grupo fichó por Atlantic Records en 1987, con quienes lanzaron ese mismo año «Fighting the World», que disfrutó de una distribución más amplia y aumentó la popularidad de la banda dentro de la escena internacional del heavy metal. La carátula del álbum fue diseñada por Ken Kelly, un artista estadounidense centrado especialmente en dibujos fantásticos y de fantasía heroica. Desde entonces, todas las portadas de los álbumes de Manowar han sido pintadas por Ken Kelly. «Fighting the World» fue uno de los primeros álbumes de heavy metal grabados y mezclados completamente en equipos digitales. La canción «Defender» cuenta con la narración del actor y director estadounidense Orson Welles. El álbum fue lanzado 2 años después de la muerte de Welles, por lo que la grabación de Welles se reutilizó a partir de la demos original de la canción de 1982. En 1988, Manowar lanzó el álbum «Kings of Metal», sin duda el trabajo más conocido de la banda, así como el más vendido en todo el mundo. Manowar se embarcó en una gira mundial, por un período de aproximadamente tres años, visitando casi todos los paises europeos. Durante esa gira, Joey DeMaio «despidió» a Ross the Boss.

«Joey sintió que Manowar estaría mejor sin mí».

Ross the Boss en 2008
«Shankle y Rhino..y su paso fugaz por Manowar»

Fue reemplazado por David Shankle , quien fue elegido por los miembros de la banda entre unos 150 candidatos. Más tarde, Scott Columbus también decidió dejar la banda durante la gira. El propio Columbus eligió a su reemplazo Kenny Earl Edwards conocido como «Rhino». Junto con los dos miembros nuevos DeMaio y Adams publican en 1992 «The Triumph of Steel». El álbum obtuvo cierto éxito y contiene la canción más larga y más compleja de Manowar «Achilles, Agony and Ecstasy in Eight Parts» (28 minutos y 38 segundos), inspirada en los acontecimientos de la Ilíada y el héroe Aquiles. La canción atrajo la atención de un grupo de académicos de la Universidad de Bolonia (Italia). La Sra. Eleonora Cavallini, Profesora de Clásicas, ha escrito sobre esta canción:

La letra de Joey DeMaio implica una lectura atenta y escrupulosa de la Ilíada. El cantautor ha centrado su atención esencialmente en la crucial lucha entre Héctor y Aquiles, ha parafraseado algunos pasajes del poema adaptándolos a la estructura melódica con cierta fluidez y reinterpretándolos en parte, pero nunca alterando o trastornando el argumento de Homero.

Sra. Eleonora Cavallini, profesora de Antropología Histórica del Mundo Griego.

Después de este lanzamiento, la banda realizó una gira mundial durante dos años. En 1992 también se publica el primer recopilatorio de Manowar titilado «Manowar Kills». Tras finalizar su contrato con Atlantic, la banda firmó con Geffen Records. En 1994, Shankle inesperadamente dejó la banda para formar su propio grupo. Fue reemplazado por Karl Logan. Ese mismo año Scott Columbus regreso al banda sustituyendo a «Rhino». «The Hell of Steel: Best of Manowar» otro recopilatorio de Manowar, fue lanzado en 1994 por Atlantic Records debido a obligaciones contractuales (por eso la banda no lo considera un lanzamiento oficial) y contó con 14 pistas de álbumes lanzados bajo el sello Atlantic («Fighting the World», «Kings of Metal» y «The Triumph of Steel»). Aunque las pistas no se presentan en orden cronológico, el álbum comienza con la primera pista de «Fighting the World» y termina con la pista final de «The Triumph of Steel». En 1996, lanzaron «Louder Than Hell», su primer álbum de estudio en cuatro años. Tres de los temas del álbum ya habían sido grabadas en demos y tocadas en vivo por la banda en 1986, 10 años antes del lanzamiento oficial del álbum. A pesar de las buenas ventas, el álbum fue criticado por su estilo sencillo y repetitivo. A pesar de tales críticas, Manowar lanzó en 1997 un nuevo recopilatorio, llamado «Anthology» , y su primer álbum en vivo, «Hell on Wheels», un doble cd lanzado por BMG International. Al no tener tiempo para grabar un nuevo álbum de estudio debido a la gira promocional en curso, Manowar lanzó en 1998 un segundo álbum en vivo, «Hell on Stage». En algunos países europeos, se empaquetó junto a un C.D. E.P. adicional que contenía canciones grabadas en vivo en esos países. Ese mismo año se editaron dos recopilatorios «The Kingdom of Steel: The Very Best of Manowar» y «Steel Warriors» que incluye solo canciones de los álbumes «Into Glory Ride» y «Hail to England».

Nuevo milenio.

En 2002, seis años después del último álbum de estudio, Manowar lanzó el álbum «Warriors of the World», con un sonido un tanto renovado en estilo, pero mantuvo la habitual energía y potencia. El álbum contiene el aria de Puccini «Nessun Dorma», versionada en honor a los fans italianos. El álbum alcanzó el puesto número 2 en las listas alemanas. Manowar comenzó una larga gira mundial, llamada «Warriors of the World United Tour» que los mantuvo ocupados y alejados de un estudio de grabación durante mucho tiempo. Para compensar la falta de álbumes de estudio, la banda lanzó varios DVD: en 2002 el doble DVD «Fire and Blood», el primer DVD es un documental que presenta la parte 2 de la serie «Hell on Earth». Con casi dos horas de duración, «Hell on Earth Part II» documenta la gira europea «Hell on Stage» de 1998 con casi 30 espectáculos. El segundo DVD, Blood in Brazil es su presentación en vivo en Philips Monsters Of Rock en São Paulo, Brasil, el 26 de septiembre de 1998. En 2003 «Hell on Earth Part III» otro doble DVD con un primer disco que cubre el ciclo de la gira Warriors of the World y un segundo con un concierto en el Ringfest. En 2005 «Hell on Earth Part IV» que sigue la temática de trabajos anteriores. Estos (y todos los DVDs desde el año 2000) fueron dirigidos por Neil Johnson y todos han obtenido la certificación Oro en Alemania.

En 2003, DeMaio fundó su propio sello discográfico, Magic Circle Music, que se convirtió en el sitio oficial de la banda, habiendo sido creado para satisfacer las necesidades de Manowar y otras bandas de género similar. Bajo el sello Magic Circle también se lanzó el E.P. «The Sons of Odin» que incluye lo más destacado de la convención Manowar, una reunión anual de fanáticos de Manowar en todo el mundo, un avance del DVD Earthshaker y entrevistas con la banda. En 2006 se publica el DVD «The Day the Earth Shook – The Absolute Power» grabado en vivo en el Earthshaker Fest 2005 en Alemania el 23 de julio de 2005. La banda tocó una selección de canciones con el acompañamiento de la Orquesta Filarmónica Bohuslav Martinů de 50 miembros. Durante el concierto, la banda estuvo acompañada en el escenario por los ex miembros de Manowar Ross «The Boss» , David Shankle, Donnie Hamzik ​​y Kenny Earl «Rhino» Edwards. El DVD extra contiene un documental de 45 minutos sobre la realización del festival, un documental de tres horas sobre la Convención de Fans y otras imágenes. Manowar lanzó en 2007 «Gods of War» a través de Magic Circle Music. La música del álbum presenta influencias de metal sinfónico, como el uso de teclados, coros y orquesta sinfónica. El álbum esta centrado en Odín, rey de los dioses y principal dios de la guerra en la mitología nórdica. Se suponía que «Gods of War» sería el primero de una serie de álbumes conceptuales dedicados a diferentes dioses de la guerra de varias mitologías, pero finalmente sus secuelas no se lanzaron. Todo el texto del folleto esta escrito en el alfabeto rúnico. En 2009 Manowar lanzó «Thunder in the Sky» un E.P. para promocionar el próximo álbum «The Lord of Steel». Sin embargo, ninguna de las canciones se incluyó en ese álbum ni en cualquier álbum de Manowar, con la excepción de la versión original de «Crown and the Ring». El E.P. contiene 16 versiones diferentes de la canción «Father», todas cantadas en diferentes idiomas. Además de la versión en inglés, también se cantó en: búlgaro, croata, finlandés, francés, alemán, griego, húngaro, italiano, japonés, noruego, polaco, portugués brasileño, rumano, español y turco. Eric Adams fue guiado a través del proceso de canto por fans de cada país que se ofrecieron como voluntarios para traducir. El E.P. se vendió durante la gira Death to Infidels Tour. «Hell on Earth Part V», la quinta entrega de la saga de DVDs de Manowar se lanzó en 2009 en formato de doble DVD. El primer disco contiene principalmente imágenes recogidas en sus actuaciones en diferentes países europeos y Norteamérica e incluye un documental sobre la preparación del barco vikingo que fue la estrella del escenario en el “Demons, Dragons and Warriors” tour de 2007. La sección puramente documental está recogida en el segundo disco con imágenes de la preparación de las grabaciones orquestales, nuevos secretos de grabación y entrevistas a los componentes del grupo.

«Donnie Hamzik de vuelta al redil»

El 1 de junio de 2010, la revista Classic Rock publicó una entrevista con el baterista Scott Columbus, quien dijo que no había trabajado con la banda desde abril de 2008 y que había dejado la banda. También aseguró que las declaraciones hechas en el pasado, sobre su ruptura en 1990 y 2008 a causa de una enfermedad y una tragedia personal, eran en gran medida falsas y se hicieron sin su consentimiento. El 15 de octubre de 2010, Joey DeMaio anunció en Facebook que el batería Donnie Hamzik ​​era oficialmente miembro de Manowar nuevamente después de una ausencia de 26 años. El 4 de abril de 2011, Scott Columbus murió a la edad de 54 años. El 5 de abril de 2020, la hija de Columbus, Teresa, anunció públicamente que la causa de la muerte de su padre fue el suicidio a causa de la depresión que sufría.

«D.E.P.»

El siguiente lanzamiento de Manowar fue una regrabación de su álbum debut de 1982, «Battle Hymns». Este álbum se lanzó el 26 de noviembre de 2010 y fue titulado formalmente «Battle Hymns MMXI». El tema «Dark Avenger» contaba con la narración de Sir Christopher Lee. El 21 de julio de 2011, la banda se embarcó en una gira por el Reino Unido por primera vez en 16 años e interpretó el álbum «Battle Hymns» en su totalidad. El siguiente álbum de estudio de Manowar, «The Lord of Steel», de 2012, se lanzó por primera vez como descarga digital el 16 de junio de 2012 y el C.D de edición especial de prelanzamiento de edición limitada de la revista británica de heavy metal Metal Hammer el 26 de junio de 2012. La edición comercial llegó a las tiendas el 19 de octubre de 2012 en C.D, vinilo de edición limitada y álbum digital, con un folleto de 24 páginas, una nueva ilustración, una nueva canción, mezclas completamente diferentes y muchos arreglos nuevos en comparación con el prelanzamiento limitado. El álbum marca un cambio en el sonido de la banda, alejándose del sonido sinfónico de «Gods of War» y volviendo al estilo de «Louder Than Hell» con la calidad de producción de «Thunder In The Sky». La canción «El Gringo» fue utilizada en los créditos de la película de 2011 del mismo nombre. En febrero de 2014 Manowar lanzó «Kings of Metal MMXIV» la regrabación de su álbum «Kings of Metal» de 1988. En apoyo del álbum, la banda comenzó su «Kings Of Metal MMXIV World Tour».

En 2016, la banda recluto al batería Marcus Castellani de la banda tributo Kings of Steel como su batería para la gira. El 9 de agosto de 2018, el guitarrista Karl Logan fue arrestado en Charlotte, Carolina del Norte, por presunta posesión de pornografía infantil y fue acusado de seis cargos de explotación de un menor en tercer grado. Manowar emitió un comunicado anunciando que Logan no actuaría con ellos. El 1 de enero de 2019, Manowar anunció que el guitarrista EV Martel se uniría a ellos en su gira. El 22 de marzo de 2019, la banda anunció que lanzaría una trilogía de E.P.s basados ​​en la gira que realizaban en esos días «The Final Battle World Tour». El primer E.P., «The Final Battle I», se lanzó el 29 de marzo en una preventa exclusiva en el puesto de merchandising de la banda en sus conciertos. Ese mismo día fue lanzado en iTunes en todo el mundo. El E.P. se lanzó digital y físicamente el 30 de mayo. Poco después el ex batería de HammerFall e Yngwie Malmsteen Anders Johansson, fue anunciado como el nuevo batería en vivo de la banda. A pesar del nombre de la gira, el bajista Joey DeMaio desestimó cualquier rumor sobre el retiro de Manowar, principalmente debido a las demandas de los fans de que siguieran actuando. En mayo de 2020, Manowar anunció que se embarcarían en una gira, que comenzaría en abril de 2021 en Europa, para celebrar su 40 aniversario.

El mundo Manowar.

Sin duda Manowar a creado su propio universo en el cual son los únicos y verdaderos reyes del Metal. Tanto es así que su líder DeMaio ha creado su propio sello discográfico donde lanzar los trabajos de la banda y su propio estudio de grabación donde dar rienda suelta a todas sus «excentricidades». Todo esto arropado por el aliento de miles de fans que siguen a la banda de manera casi religiosa.

«The Faceless Warrior», también conocido como el Rey del Metal, es la mascota de la banda. El personaje apareció por primera vez en 1988 en la portada del álbum «Kings Of Metal», y desde entonces ha aparecido en la portada de casi todos los álbumes posteriores de Manowar, así como en el merchandising y en casi todos los shows en vivo de Manowar. «The Sign of the Hammer» es un gesto desarrollado en los primeros años de la banda, tras el lanzamiento de su cuarto álbum del mismo nombre, y se convierto en la firma de la banda firma de la banda. Lo más probable es que el gesto fuera creado por el vocalista Eric Adams. El gesto se forma levantando el puño derecho por encima de la cabeza, mientras se usa la mano izquierda para agarrar la parte posterior de la muñeca derecha. La primera aparición oficial del gesto fue en la portada del quinto álbum de la banda, «Fighting the world», donde se muestra al vocalista Eric Adams haciendo el gesto en un dibujo de los miembros de la banda. Mas tarde apareció en el video musical del tema «Blow your speakers», realizado por los miembros de la banda y la audiencia durante un concierto, así como en la portada completa del álbum «The Triump of Steel». Desde entonces, el gesto aparece en casi todos los videos musicales de la banda.

Manowar es una de las bandas más exitosas e influyentes en su género con más de 20 millones de discos vendidos y numerosas certificaciones de platino, oro y plata. Manowar tiene un lugar muy importante en la historia y evolución de la música heavy metal y son una gran influencia en el género Heavy Metal, especialmente en subgéneros como: Power Metal, Epic/ Symphonic/Melodic Metal, Viking metal, Doom Metal, Gothic Metal o Death Metal. La influencia de Manowar esta presente en una gran cantidad de bandas y artistas de Heavy Metal de todo el mundo, como: Sabaton, Rhapsody of Fire, Amon Amarth, Symphony X o Firewind entre otras. Manowar fueron los primeros en «idolatrar», y basarse en gran medida en los antiguos y los místicos cuentos nórdicos. También fueron la primera banda de metal en actuar y posar blandiendo espadas vestidos simplemente con taparrabos y pieles.

Queríamos ser más salvajes que solo vaqueros y cuero. ¿Qué sería más salvaje? ¡Piel de animal!»

Ross «The Boss» ex-guitarrista 2020

“Queríamos parecer algo nunca antes visto en el heavy metal”

Ross «The Boss» ex-guitarrista 2020

“Queríamos estar un paso más allá, de lo que pasaba en ese momento…”

Ross «The Boss» ex-guitarrista 2012

Manowar es la banda de heavy metal más ruidosa del mundo (récord que han batido en tres ocasiones distintas). En el año de 1984, en Alemania, superaron el récord de The Who cuando dos especialistas en sonido los midieron tocando a 129,5 dB. En el año 2008, durante la prueba de sonido en el Magic Circle Festival, Manowar supuestamente alcanzó los 139 dB. En el año 2008, en Bulgaria dieron la actuación de heavy metal más larga en un concierto de cinco horas y un minuto frente a 20.000 personas con un set list de más de 40 canciones, una selección que refleja la historia de la banda y todos sus álbumes de estudio. Los representantes del Guinness World Records estuvieron presentes para presenciar el evento. El líder y bajista Joey DeMaio nos lleva a la siguiente banda, ya que además de tener su propio sello discográfico y su propio estudio de grabación es también manager de bandas como esta, Rhapsody of Fire.

Rhapsody of Fire (anteriormente conocida como Rhapsody) se formó en 1993 como Thundercross por el guitarrista Luca Turilli y el teclista Alex Staropoli, con un sonido claramente power metal sinfónico. Desde sus inicios la banda ha lanzado doce álbumes de estudio, dos álbumes en vivo, tres EP. y un DVD en vivo. Rhapsody of Fire es conocida por sus letras conceptuales que constituyen una historia de fantasía a lo largo de todos sus álbumes desde 1997 hasta 2011 . Después de actuar bajo el nombre de Rhapsody durante casi diez años, la banda cambió su nombre a Rhapsody of Fire en 2006 debido a problemas de marca registrada con otra banda norteamericana. En 2011, tras el lanzamiento de su álbum «From Chaos to Eternity» que concluyó «The Dark Secret Saga», y después de 18 años como co-líder de la banda, Turilli dejó Rhapsody of Fire (en buenos términos) para formar una nueva banda llamada Luca Turilli’s Rhapsody, junto a otros dos integrantes de Rhapsody que se fueron con él. Turillis describe su discografía como una continuación paralela de la discografía de Rhapsody of Fire, siendo su primer álbum «el álbum número 11 de Rhapsody» y considera que no dejaron la banda, sino que se dividieron amistosamente en dos. En 2016, otros miembros clásicos de Rhapsody, el vocalista Fabio Lione y el bateria Alex Holzwarth, dejaron la banda y se unieron a Luca Turilli’s Rhapsody, para tocar nuevamente bajo el nombre de Rhapsody en su gira de despedida del 20 aniversario; en diciembre de 2018, varios meses después de anunciar que Luca Turilli’s Rhapsody, estaba inactiva, Turilli anunció la creación de una nueva banda también paralela a Rhapsody llamada Turilli/Lione Rhapsody , con la formación de su gira de despedida del 20 aniversario, recreando la alineación de 2002 a 2011 de Rhapsody of Fire, menos claro esta, el único superviviente de los «verdaderos» Rhapsody of Fire, el teclista Alex Staropoli.

«Sir Christopher Lee»

En su sexto álbum de estudio lanzado en 2004 y ultimo como Rhapsody «Symphony of Enchanted Lands II – The Dark Secret», contaron con Christopher Lee como narrados a lo largo de este álbum. También aparece cantante invitado en la versión single de la canción «The Magic of the Wizard’s Dream». También en el primer álbum que la banda lanzó después de su cambio de nombre, «Triumph or Agony» de 2006, presenta una variedad de narradores invitados y actores de personajes, incluidos varios actores de la escena teatral de Londres, como Susannah York (Madre de Superman), además de contar de nuevo con el reconocido actor Christopher Lee, quien repetiría en «The Frozen Tears of Angels» y «The Cold Embrace of Fear – A Dark Romantic Symphony» ambos de 2010, «From Chaos to Eternity» de 2011 y de manera póstuma en «The Eighth Mountain» de 2019. Tras abandonar Rhapsody of Fire el vocalista Fabio Lione volvió de nuevo a esta otra banda italiana en la que ya militó llamada Vision Divine.

Vision Divine nació como un proyecto en solitario de Olaf Thörsen (Carlo Andrea Magnani) guitarrista de Labyrinth, al que se unió su antiguo compañero en Labyrinth Fabio Lione. Muy pronto este proyecto se convierte rápidamente en una banda, tomando su nuevo nombre del nombre anterior de Labyrinth (Vision) y del título que se suponía que se le daría al primer álbum en solitario de Olaf (Divine). En sus primeros tres años, la banda lanzó dos álbumes y comenzó a hacer giras. A finales de 2002, Olaf decidió dejar Labyrinth, para enfocarse solo en Vision Divine, mientras que por el contrario el vocalista Fabio Lione decide abandonar la banda un año después, siendo sustituido por Michele Luppi (actual teclista de Whitesnake) quien abandona Vision Divine en mayo de 2008, volviendo de nuevo a la banda Fabio Lione. A mediados de 2018 Lione de nuevo abandona el grupo siendo sustituido meses después por Ivan Giannini, quien graba con Vision Divine lo que hasta la fecha es su ultimo trabajo, «When All The Heroes Are Dead» de 2019, que cuenta con el prestigioso batería Mike Terrana quien se incorporó a la banda en 2016 y quien nos lleva a una de las innumerables bandas en las que ha militado, The Ferrymen.

El guitarrista y productor Magnus Karlsson (Primal Fear) el vocalista Ronnie Romero (Lords of Black, Rainbow) y el batería Mike Terrana (Rage, Axel Rudi Pell y muchos más) unen sus fuerzas en este proyecto llamado The Ferrymen, bajo el paraguas del sello discográfico especializado en «mezclar» a músicos talentosos, Frontiers Records. Hasta el momento han publicado tres álbumes, su debut homónimo de 2017, «A New Evil» de 2019 y «One More River to Cross» de 2022. En todos ellos predominan la melodía y la fuerza de las guitarras convirtiendo a esta «banda» en una de las mejores dentro del heavy melódico, que tristemente al tratarse de un proyecto, no tiene la continuidad ni por supuesto las giras como si de una banda convencional se tratase. En todos los álbumes el guitarrista Magnus Karlsson se encarga de los teclados y los bajos. Y precisamente el nos lleva a otro de los proyectos en los que esta involucrado, Starbreaker.

Starbreaker también comenzó como el proyecto paralelo del vocalista Tony Harnell mientras aún estaba en TNT, después de grabar el álbum de TNT «All the Way to the Sun» en 2005. Inicialmente, Harnell estaba trabajando en un disco en solitario, pero junto al guitarrista Magnus Karlsson, el ex batería de TNT John Macaluso y el bajista Fabrizio Grossi formaron una nueva banda en lugar de un proyecto en solitario de Harnell. La banda lanzó su primer álbum de estudio homónimo en 2005. Tras el lanzamiento del álbum, Harnell volvió a TNT, pero dejó la banda en abril de 2006. A finales de 2007, volvió a retomar Starbreaker como su principal proyecto musical, publicando en 2008 su segundo álbum titulado «Love’s Dying Wish» . El álbum contó con el nuevo bajista Jonni Lightfoot, quien reemplazó a Grossi. En 2009 se lanzó «Dysphoria», ultimo trabajo de la banda que cuenta con Anders Köllerfors como nuevo batería en sustitución de Macaluso, un musico que ha grabado más de 200 discos y tocado en múltiples giras mundiales con decenas de bandas y artistas, entre ellos este virtuoso de la guitarra llamado Michael Romeo.

Guitarrista estadounidense y miembro fundador del grupo de metal progresivo Symphony X, grabó su primer álbum en solitario «The Dark Chapter» en 1994. Originalmente fue grabado en 1992 como una demo que Romeo había enviado a varias publicaciones de guitarra, la demo que eventualmente se convertiría en su primer álbum atrajo la atención de un sello discográfico japonés llamado Zero Corporation, quien expresó interés en más material. Romeo se unió al teclista Michael Pinnella para volver a grabar el álbum para un lanzamiento en CD a través de Zero en 1994, después de lo cual ambos músicos formaron Symphony X. Este primer trabajo es completamente instrumental y tiene muchas similitudes con los estilos de metal progresivo exhibidos por Symphony X. «War of the Worlds, Pt. 1» es el segundo álbum en solitario de Michael Romeo, lanzado en 2018, más de dos décadas después de su primer álbum en solitario. En este álbum tan solo dos temas son instrumentales ya que Romeo se hace acompañar de Rick Castellano a la voz, John Macaluso a la batería y el bajista John DeServio, con quien Romeo fue a la escuela secundaria. Su ultimo trabajo «War of the Worlds, Pt. 2» de 2022, vuelve a contar con los servicios de Macaluso y DeServio pero esta vez las tareas vocales corren a cargo del joven cantante croata Dino Jelusick. El álbum sigue con el sonido de su predecesor, de nuevo, muy cercano al de su banda Symphony X con la que continuamos.

Tras publicar su primer trabajo en solitario en 1994 junto al teclista Michael Pinnella, Michael Romeo reclutó al bajista Thomas Miller, al batería Jason Rullo y al vocalista Rod Tyler. Su álbum debut homónimo fue grabado en el mismo año y lanzado en Japón por la ahora desaparecida compañía discográfica Zero Corporation. El segundo álbum de estudio de la banda, «The Damnation Game», se publicó seis meses después (ya en 1995). El cantante Rod Tyler había dejado la banda para entonces y fue reemplazado por el actual cantante Russell Allen. A finales de 1996 se publica «The Divine Wings of Tragedy» , álbum que introdujo a Symphony X en los círculos del metal. La respuesta positiva de la prensa especializada sirvió para consolidar a la banda en Europa mientras su éxito en Japón seguía creciendo. A fines de 1997 y durante parte del año siguiente, el batería Jason Rullo, tuvo que abandonar la banda por problemas personales siendo reemplazado temporalmente por Thomas Walling, quien grabó con ellos el álbum «Twilight in Olympus», lanzado a principios de 1998. Ese año también vio las primeras presentaciones en vivo de la banda. Su primer show oficial ocurrió en 1998, en Japón. Ese año el bajista Thomas Miller dejó la banda y fue reemplazado por Michael Lepond. Tambien en 1998 se lanzó el recopilatorio «Prelude to the Millennium», que incluía una versión de una canción del primer álbum, con Russell Allen en la voz. Jason Rullo volvió a la batería para el quinto álbum de la banda, «V: The New Mythology Suite», lanzado en 2000, bajo el importante sello progresivo InsideOut Music. El álbum fue su primer álbum conceptual, que trata sobre el mito de la Atlántida, la mitología del antiguo Egipto y la astrología. Durante la gira se grabó su primer álbum en vivo, «Live on the Edge of Forever», publicado un año después. En 2002, la banda lanzó «The Odyssey» y cinco años mas tarde «Paradise Lost», primer álbum de la banda en figurar en el Billboard 200 de EE.UU., alcanzando el puesto 123 y permaneciendo en esa lista durante una semana, además de alcanzar el número 1 en el Billboard Heatseekers y el top 100 en otros cinco países. «Iconoclast», se lanzó en Europa el 17 de junio y en América del Norte el 21 de junio como Standard Edition, así como en Digipack de 2 CD. «Iconoclast» debutó en el número 76 en la lista de álbumes Billboard 200 en los Estados Unidos, vendiendo más de 7.300 copias en su primera semana. El disco también debutó en el número 7 en el Top Hard Rock Chart, el número 19 en el Top Rock Chart y el número 13 en el Top Independent Chart. El noveno álbum de estudio de Symphony X «Underworld», fue lanzado en 2015. Tras la gira la banda se tomó u descanso que dura hasta este 2022. Durante todo ese tiempo los miembros de la banda han formado otras bandas o colaborado en ellas, además de participar en otros proyectos, como en el caso del bajista Michael Lepond quien grabó dos álbumes con el guitarrista Ross Friedman mas conocido como Ross the Boss.

Guitarrista norteamericano guitarrista, fundador tanto de la banda de punk The Dictators como de la banda de heavy metal protagonista de este episodio, Manowar. Después de que DeMaio le pidiera que «dejara la banda» después del álbum de 1988 «Kings of Metal», Ross se vio involucrado en decenas de bandas y proyectos durante los 90 y principios del nuevo milenio como su vuelta a The Dictators, Wild Kingdom, Heyday, Brain Surgeons, Thunderboss o The Thunderbolts entre otras. En 2008 publica su álbum debut como Ross The Boss «New Metal Leader» con músicos alemanes bajo el nombre de «The Ross the Boss Band» con quienes repite en su siguiente trabajo de 2010 «Hailstorm». En 2018 y 2020 publica «By Blood Sworn» y «Born of Fire» respectivamente. Ambos álbumes cuentan con una banda reformada compuesta por los músicos americanos Marc Lopes en la voz, Michael Lepond al bajo y en la batería Steve Bolognese.

Y Ross the Boss nos lleva a la banda protagonista de este episodio la cual fundo junto al bajista Joey DeMaio allá por 1980. Espero que os haya gustado y halláis disfrutado de la lectura y la música. Nos vemos en la próxima!!!

Episodio Nº39

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Hola a tod@s y bienvenid@s a una nueva entrada de Rock en Cadena. Esta vez lo hacemos con una banda que sin duda tiene un hueco en la historia del hard rock americano de principios de los 80, abriendo las puertas de la fama a decenas de bandas con un sonido y una imagen que reinaron durante muchos años en la escena metalera mundial. Activos hoy en día siguen peleando por que la llama de aquella fama «efímera» no se apague. Ellos son Quiet Riot.

Los primeros años con Randy Rhoads.

En 1973, el guitarrista Randy Rhoads y el bajista Kelly Garni forman una banda llamada Mach 1, el nombre pronto se cambió a Little Women antes de que finalmente se decidieran por Quiet Riot en mayo de 1975. El nombre de la banda se inspiró en una cita de Rick Parfitt de Status Quo. Parfitt declaró que pensó que el nombre «Quite Right» sería un buen nombre para la banda y el término se escuchó mal como «Quiet Riot». A la banda le gustó y eligió este como su nuevo nombre. A mediados y finales de la década de los 70, Quiet Riot ya se había convertido en uno de los grupos de hard rock más exitosos de Los Ángeles. Drew Forsyth, que anteriormente había tocado con Rhoads y Garni en una banda llamada Mildred Pierce, fue contratado como batería del grupo, y un fotógrafo de Los Ángeles llamado Kevin DuBrow fue contratado como vocalista. DuBrow no era para nada lo que Rhoads tenía en mente para su nueva banda, y no era del agrado de sus compañeros de Quiet Riot, situación que provocó mucha tensión dentro de la banda. Rhoads quería un líder en la línea de Alice Cooper o David Bowie, pero Dubrow fue persistente y no aceptaba un no por respuesta. Al final, Rhoads y Garni decidieron que, al menos, DuBrow compartía su entusiasmo y lo contrataron.

«Rhoads y sus característicos lunares»

Rhoads se convirtió en el punto de atención de la banda, tanto musical como visualmente. El tema de «lunares» que incorporó en el escenario se convirtió en la firma visual de Quiet Riot durante su tiempo en el circuito de clubes de Los Ángeles, con muchos fans que asistían a los shows de la banda con pajaritas y chalecos de lunares para emular lo que llevaba puesto el guitarrista en el escenario. Musicalmente, el talento de Rhoads como guitarrista comenzó a difundirse de boca en boca, haciendo que los fans del hard rock de todo Los Ángeles comenzaron a frecuentar los conciertos de la banda para escuchar al virtuoso guitarrista. En la década de los 70, Quiet Riot desarrolló una rivalidad amistosa pero intensa con Van Halen, banda con la que tocaban a menudo en varios clubes de Los Ángeles, antes de que cualquiera de los dos firmara un contrato discográfico. Mientras que Van Halen firmó con Warner Bros. en 1977 y lanzó un álbum debut que lograría alcanzar el Oro, el contrato de Quiet Riot con Sony vería sus primeros dos álbumes lanzados solo en Japón, álbumes que hasta hoy nunca han sido lanzados en los Estados Unidos. La banda grabó su álbum debut «Quiet Riot», o «QR I», en 1977 con un sonido mas cercano al «glam pop» que al hard rock o el glam rock.

Junto con su incapacidad para asegurar un contrato de grabación estadounidense, las tensiones entre el vocalista DuBrow y el bajista Garni comenzaron a dividir a la banda.

«Constante quería sacarlo de la banda y conseguir un cantante diferente. Lo odiaba, él me odiaba y no encontrábamos ninguna forma de llevarnos bien, lo que generaba mucha tensión en el grupo, generando mucho estrés en Randy para tratar de ser neutral».

Garni sobre su relación con DuBrow

Mientras se grababa «Quiet Riot II», la relación entre Garni y DuBrow finalmente llegó a su punto final. Después de robar licor en un bar, un Garni borracho intentó sin éxito convencer a Rhoads de que reemplazara al vocalista. Garni, borracho y portando una pistola, disparó al techo y se produjo una pelea a puñetazos entre él y Rhoads. Después, Garni quiso cruzar la ciudad hasta el estudio de grabación y matar a DuBrow, que estaba allí grabando voces para el nuevo album. Garni fue arrestado por conducir ebrio antes de llegar al estudio, y el plan para matar a su compañero de banda se desvaneció después de que recuperara la sobriedad. No obstante, el tiempo de Garni en Quiet Riot llegó a su fin rápidamente. Aunque su reemplazo, Rudy Sarzo, fue fotografiado y acreditado en «QR II», en realidad fue Garni quien tocó en el álbum. Su segundo álbum «Quiet Riot II», o «QR II» , fue lanzado en Japón en 1978.

«Sarzo entra en escena»

En 1979, Rhoads comenzó a cansarse de la situación dentro de Quiet Riot, así como de su incapacidad para firmar un contrato de grabación en Estados Unidos. A finales de ese año, audicionó para la banda de Ozzy Osbourne, quien quedó impresionado por el talento del guitarrista y lo contrató de inmediato. Poco después, el bajista Rudy Sarzo siguió a Rhoads a la banda de Osbourne, dejando en el aire el futuro de Quiet Riot. parecía muy incierto. Rhoads incorporó muchos riffs y fragmentos del material inicial de Quiet Riot en el nuevo material en el que estaba trabajando con Osbourne.

«Muchas de las canciones de Quiet Riot terminaron en los álbumes de Osbourne con diferentes títulos. Obviamente, Randy pensó que nunca volveríamos a usar esas canciones, así que le dio los riffs a Ozzy, quien incorporó sus letras. Por ejemplo, el riff principal de la canción de Osbourne «Suicide Solution» se originó como un riff secundario durante el verso de una demo de Quiet Riot titulada «Force of Habit».

Rudy Sarzo

Según DuBrow, la salida de Rhoads de Quiet Riot en 1979 parecía ser el final de la banda. Él y Forsyth intentaron continuar bajo el nombre de Quiet Riot con la incorporación del guitarrista Greg Leon. Pero la cosa duró poco y la banda se separara oficialmente en 1980. Sin Rhoads, los fans perdieron interés.

Éxito y caída.

A principios de 1982, después de haber reclutado al bateria Frankie Banali, al bajista Chuck Wright y al guitarrista Carlos Cavazo, DuBrow se puso en contacto con Rhoads para preguntarle si tenía alguna objeción en utilizar el nombre Quiet Riot para su nueva banda. Rhoads le dio su bendición, pero dijo que primero quería consultar con Rudy Sarzo. Sarzo no tuvo objeciones, y así Quiet Riot renació después de una pausa de dos años. Rhoads murió en un accidente aéreo mientras estaba de gira con Osbourne en marzo de 1982, y Sarzo dejó la banda de Osbourne unos meses después, teniendo dificultades para sobrellevar el dolor de perder a su amigo cercano y compañero de banda. Los «nuevos» Quiet Riot estaban grabando una nueva canción llamada «Thunderbird» como tributo a Rhoads, y DuBrow llamó a Sarzo para preguntarle si le gustaría participar en la grabación. La formación de DuBrow, Sarzo, Cavazo y Banali se divirtió tanto grabando la pista que terminaron grabando juntos más de la mitad del nuevo álbum. El bajista Chuck Wright ya había sido reemplazado brevemente por Gary Van Dyke, pero no estaba funcionando y Sarzo fue incorporado de nuevo a Quiet Riot como su nuevo bajista. Al estar tan reciente la muerte de Rhoads, hubo algunas dudas sobre la idoneidad de que la banda usara el nombre de Quiet Riot. La madre de Rhoads, Dolores, animó a la banda, y al final se decidió el continuar con el nombre.

«Sin duda la formación mas reconocida de Quiet Riot»

En septiembre de 1982, con la ayuda del productor Spencer Proffer, Quiet Riot finalmente firmó un contrato de grabación en Estados Unidos con CBS Records. El primer álbum con su nuevo sello fue «Metal Health» lanzado el 11 de marzo de 1983. El sencillo, «Cum On Feel the Noize» (una versión de una canción de 1973 de Slade) fue lanzado en agosto. El 27 de noviembre de 1983, este pasó dos semanas en el número 5 en la lista Billboard Hot 100 en noviembre de 1983 e hizo historia como la primera canción de heavy metal en romper el Hot 100. El éxito de el sencillo fue fundamental para marcar el comienzo de una nueva era de éxito sin precedentes para la música heavy metal en la década de los 80 y ayudó a llevar el álbum «Metal Health» a la cima de la lista de álbumes Billboard, lo que lo convierte en el primer álbum debut de heavy metal estadounidense en alcanzar el número 1 en los Estados Unidos. El 26 de noviembre de 1983, Quiet Riot se convirtió en la primera banda de heavy metal en tener un éxito entre los 5 primeros y un álbum número 1 en la misma semana. Su éxito fue ayudado en gran parte por la gran difusión del video «Cum on Feel the Noize» en MTV. Además el tema que daba titulo al álbum apareció en la popular película Footloose. «Metal Health» desplazó a «Synchronicity» de The Police en el n.° 1 y permaneció allí solo una semana hasta que «Can’t Slow Down» de Lionel Richie ocupó el puesto número 1. Su versión de Slade tiene su historia: Según cuenta Frankie Banali, el grupo no quería grabarla. Fue el productor Spencer Proffer el que les instó a que lo hicieran, tanto es así que incluso se saltaron uno de los versos del tema.

«Nunca me gustó esa canción pero tampoco es que pensara que fuéramos los mejores compositores del mundo. En aquellos tiempos siempre estaba cabreado.»

Dubrow sobre «Cum on feel the Noize».

«El productor quería que la grabáramos. No me importó demasiado pero Kevin rechazó la idea. Slade no era el tipo de grupo que solíamos escuchar. Todos quedamos en decirle al productor que estábamos trabajando en la versión aunque no era cierto. Cuando llegó el momento de la grabación nuestra idea era hacerlo tan mal que el productor no pudiera incluirla en el disco. De hecho, yo mismo entré en la cabina para decirle que no habíamos hecho nada y que íbamos a meter la pata. Le dije que se podría meter en el disco como algo divertido y me dijo que estaba de acuerdo. Kevin quería que no tocáramos bien pero no lo hicimos. En mi ADN están las ganas de hacer las cosas bien y decidí tocar a mi manera. Cuando terminamos el productor dijo que había quedado todo muy bien. El ingeniero de sonido había grabado la toma. La escuchamos y nos gustó. Kevin estaba furioso.»

Banali sobre «Cum on feel the Noize».
«Metal mask man, o lo que es lo mismo, la mascota de Quiet Riot»

El siguiente álbum, «Condition Critical», fue lanzado el 7 de julio de 1984. Aunque tuvo éxito, fue una decepción comercial y crítica, vendiendo 1 millón de unidades y alcanzando solo el número 15 en la lista de álbumes de Billboard. Este lanzamiento incluyó otra versión de Slade, «Mama Weer All Crazee Now». La portada mostraba al mismo hombre con una máscara de metal que ya aparecía en la portada del anterior álbum, así como en muchas de las portadas de álbumes posteriores de la banda, lo que lo convierte en la mascota de la banda.

Frustrado por el fracaso del álbum al no conseguir el éxito de su predecesor, DuBrow comenzó a expresar su opinión en la prensa de heavy metal de que muchas bandas en la escena del metal de Los Ángeles debían su éxito a las puertas que Quiet Riot les abría. En un momento incluso comparó a su banda con The Beatles. Los ataques verbales de DuBrow enfurecieron a muchos de los contemporáneos musicales de Quiet Riot haciendo que los fans siguieran su ejemplo. Las «opiniones» de DuBrow provocaron una reacción violenta de los fans además de enfrentamientos en los medios con varias otras bandas de metal con sede en Los Ángeles. Esto provocó la salida de Rudy Sarzo del grupo en marzo de 1985. Sarzo fue reemplazado por Chuck Wright, que volvía después de cinco años de ausencia de la banda. También se agregó temporalmente al teclista John Purdell para su gira de 1986. Ese año se lanzó el disco «QR III», que se convirtió en otra decepción comercial. Las ventas fueron aún más bajas que su anterior lanzamiento, alcanzando solo el puesto 31 en las listas de EE.UU. sin lograr ninguna certificación. Marcó el salto final de Quiet Riot desde el estrellato, ya que los siguientes lanzamientos de la banda no entrarían en las listas.

Hartos de las payasadas de DuBrow, la presión de los managers y el sello discográfico de la banda, el resto de Quiet Riot despidió a DuBrow de su propia banda en febrero de 1987 y lo reemplazó por el ex vocalista de Rough Cutt, Paul Shortino, sin dejar miembros originales en la banda. Chuck Wright dejó el grupo poco después y Sarzo fue invitado a regresar. Sarzo estuvo de acuerdo, y aunque técnicamente estaba de vuelta en la banda e incluso apareció en algunas fotos de prensa para este breve enlace, también estaba comprometido en ese momento con Whitesnake y no podía continuar.

«McNabb, Banali, Shortino y Cavazo, así acabaron los 80 Quiet Riot»

Posteriormente el grupo reclutó a Sean McNabb para el puesto de bajista. La banda renovada lanzó su segundo álbum homónimo, «Quiet Riot» (también conocido como «QR IV»), en octubre de 1988. El álbum no logró devolver a la banda a su gloria comercial. En abril de 1989, los miembros de la banda se separaron. Un espectáculo de su gira final fue lanzado más tarde en un DVD titulado «’89 Live in Japan». Mas tarde, Kevin DuBrow luchó en los tribunales para mantener el control del nombre de la banda.

Reunión y nueva disolución.

Habiendo ganado los derechos del nombre de la banda, DuBrow se unió al guitarrista inglés de 21 años Sean Manning, el bajista Kenny Hillery y el batería Pat Ashby para reformar Quiet Riot. Durante la gira el grupo usó el nombre Little Women (un nombre que Rhoads y DuBrow usaron en la década de los 70 antes de decidirse por Quiet Riot) para evitar cualquier publicidad adversa, DuBrow y Manning comenzaron a escribir temas para un nuevo álbum. Al comenzar los 90, la relación entre los ex compañeros de banda Carlos Cavazo y Kevin DuBrow, se volvió mas relajada y comenzaron a comunicarse nuevamente. Eventualmente formaron la banda Heat en 1991 con el bajista Kenny Hillery y el batería Bobby Rondinelli. Este cuarteto volvió a llamarse Quiet Riot al año siguiente y lanzó «Terrified» en 1993 con Banali reincorporándose a la batería después de que Bobby Rondinelli se uniera a Black Sabbath. Aun así Rondinelli grabó algunos temas del álbum. Este trabajo fue producido por DuBrow y de nuevo volvia a acontar con una version, esta vez de Samal Faces. Muchas de las canciones del álbum aparecieron en la película «Dollman vs. Demonic Toys» de hecho, el álbum se lanzó en Moonstone Records, discográfica que editaba las bandas sonoras de la compañía cinematográfica Full Moon Entertainment. Chuck Wright se unió al grupo para la gira de 1994.

«Los Quiet Riot de los 90…no serán los únicos»

Ese mismo año, DuBrow lanzó «The Randy Rhoads Years», una recopilación con pistas remezcladas de los dos lanzamientos exclusivos de Quiet Riot en Japón junto con material inédito, la mayoría con voces regrabadas. La banda lanzó el álbum «Down to the Bone» en marzo de 1995 y el recopilatorio «Greatest Hits» en febrero de 1996. Este ultimo solo contenía material de los años de CBS, incluidas tres pistas del álbum de 1988 con Shortino y dos pistas en vivo publicadas anteriormente solo de manera promocional. El ex bajista Kenny Hillery, que había dejado el grupo en 1994, se suicidó el 5 de junio de 1996 con tan solo 26 años. Rudy Sarzo se reincorporó a la banda nuevamente en enero de 1997, reuniendo la formación de «Metal Health». En marzo de 1999, la banda lanzó el álbum «Alive and Well», que presentaba nuevas canciones y varios éxitos regrabados. La misma formación lanzó el álbum «Guilty Pleasures» en mayo de 2001. En agosto de 2002, el ex vocalista Shortino reemplazó a DuBrow en tres conciertos cuando este enfermó de gripe. En septiembre de 2002 se filmó una actuación del grupo en el Key Club de Los Ángeles. El resultado fue el DVD en vivo «Live in the 21st Century» que fue lanzado el 11 de noviembre de 2003. Quiet Riot se disolvió de nuevo de manera oficial en septiembre de 2003.

De nuevo en acción.

En octubre de 2004 se anunció una nueva reunión de Quiet Riot que incluía a Kevin DuBrow, Frankie Banali, Chuck Wright, y el nuevo guitarrista Alex Grossi. En diciembre de 2005, el guitarrista Tracii Guns de L.A. Guns se unió brevemente a Quiet Riot. Guns se fue después de menos de un mes debido a diferencias musicales. Wright y Grossi dejaron la banda a principios de 2006. Durante este período, Quiet Riot también incluyó a los guitarristas Billy Morris y Neil Citron y a los bajistas Sean McNabb y Wayne Carver. . Quiet Riot lanzó el 3 de octubre de 2006 el álbum «Rehab», con una formación de DuBrow, Banali, Neil Citron y Tony Franklin, ex bajista de The Firm y Blue Murder, como musico de sesión. A finales de 2006, Wright y Grossi regresaron a la banda para la gira en apoyo del álbum.

«Sin duda uno de los iconos del Heavy. D.E.P.»

El 25 de noviembre de 2007, Kevin DuBrow fue encontrado muerto en su apartamento de Las Vegas, los informes de los medios determinaron que había muerto por una sobredosis de cocaína aproximadamente seis días antes de que encontraran su cuerpo. Tras la muerte del cantante, Banali aseguró que no se planteaba una reunión de Quiet Riot. A pesar de ello Banali anunció en septiembre de 2010 una nueva versión de Quiet Riot con él mismo en la batería, Chuck Wright en el bajo, Alex Grossi en la guitarra y el nuevo vocalista Mark Huff (anteriormente miembro de la banda tributo a Van Halen 5150). Al parecer la madre de DuBrow animó a Banali a revivir la banda. En enero de 2012, mientras Huff esperaba para una cirugía cerebral, Quiet Riot emitió un comunicado, anunciando que se habían separado de Huff y que lo reemplazarían para las próximas fechas con Keith St. John (anteriormente en Montrose). Huff se enteró de su despido por internet. En marzo de 2012, Banali contrató al desconocido vocalista Scott Vokoun para reemplazar a Huff como nuevo vocalista de la banda. En noviembre de 2013, se anunció que Scott Vokoun se había separado amistosamente de Quiet Riot, y que su reemplazo sería el vocalista de Love/Hate, Jizzy Pearl. El 29 de abril de 2014 se estrenó en el Festival de Cine de Newport Beach una película documental de Quiet Riot, titulada «Well Now You’re Here, There’s No Way Back» (llamada así en referencia a la letra de la canción de la banda «Bang Your Head (Metal Health)»). El documental esta dirigido y producido por la prometida de Banali, Regina Russell.

Cambios de vocalistas y últimos años.

En junio de 2014, la banda lanzó su nuevo álbum, titulado «Quiet Riot 10» (también conocido como «10» o «Quiet Riot Number 10»), su primer lanzamiento de estudio en ocho años y el primero desde su reforma más reciente. Aunque es un álbum de estudio, las últimas cuatro pistas de «Quiet Riot 10» son presentaciones en vivo tomadas de algunos de los shows finales de la banda con DuBrow en 2007. Las pistas de bajo se dividieron entre Rudy Sarzo, Tony Franklin y Chuck Wright con dos temas cada uno, además este ultimo aparece en las grabaciones en vivo.

«Pearl, Vokoun, Nicols y Huff, vocalistas de Quiet Riot»

El vocalista Jizzy Pearl dejó la banda a finales de 2016 y fue reemplazado por el ex vocalista de Adler’s Appetite, Seann Nicols. El 13 de febrero de 2017, la banda anunció que lanzaría un nuevo álbum, sin embargo, en marzo, se anunció que Nicols había dejado la banda y que James Durbin (participante del talent show norteamericano American Idol) sería el nuevo cantante. Posteriormente, la banda anunció que el álbum se retrasaría hasta el verano de 2017 para que todas las voces de Nicols pudieran ser reemplazadas por las de Durbin con nuevas letras y melodías. Finalmente «Road Rage», decimotercer álbum de estudio de Quiet Riot, se lanzó el 4 de agosto de 2017.

«Quiet Riot con Durbin como vocalista»

Banali se vio obligado a no asistir a varios shows de Quiet Riot a lo largo de 2019 mientras recibía tratamiento para el cáncer de páncreas en etapa IV, aunque no reveló su diagnóstico hasta octubre de ese año. Fue reemplazado por el ex batería de Type O Negative, Johnny Kelly, o el ex batería de W.A.S.P., Mike Dupke , según la disponibilidad de cada cada uno. En septiembre de 2019, Durbin dejó la banda y Pearl fue contratado de nuevo como vocalista principal. Dos meses después, se lanzó «Hollywood Cowboys», el decimocuarto álbum de estudio de Quiet Riot, y el segundo y último en presentar a Durbin como vocalista.

«Toda una leyenda del Heavy Metal y de la batería. D.E.P.»

El 20 de agosto de 2020, Banali murió de cáncer de páncreas, diagnosticado dieciséis meses antes, convirtiéndose en el segundo miembro de la alineación de la era «Metal Health» en morir, tras la muerte de DuBrow en 2007. El 9 de septiembre de 2020, Quiet Riot anunció que continuaría sin Banali, quien deseaba mantener viva la música y el legado de la banda. Fue reemplazado por Johnny Kelly , quien había reemplazado a Banali en las giras de 2019 y 2020. El 2 de agosto de 2021, Quiet Riot anunció que el ex bajista Rudy Sarzo se reincorporaría a la banda reemplazando una vez más a Chuck Wright.

Seria un error no reconocer la importancia de Quiet Riot dentro del Heavy Metal o mas concretamente del «glam rock» o el «hair metal» que triunfó en los 80 no solo en U.S.A. si no también en todo el mundo, pero si es cierto que podría considerarse a Quiet Riot como una «one hit wonder band» (banda de un solo éxito), ya que mas allá de su versión de Slade y el éxito que supuso el álbum «Metal Health» poco mas se puede decir de su aportación a la música. Evidentemente abrieron el camino para que decenas de bandas lograran alcanzar el estrellato en esa década. Continuamos de la mano del vocalista que tuvo la difícil tarea de sustituir por primera vez a Kevin Dubrow, y lo hacemos con la banda de la cual provenía, Rough Cutt.

Paul Shortino fue vocalista de Quiet Riot tras el despido de DuBrow, pero antes de eso Shortino entró en el «show bussines» de la mano de esta banda, Rough Cutt, de la cual os hablé en el episodio dedicado a DIO, https://rockencadena.home.blog/2021/05/05/programa-no-29/, así que como siempre os contaré algún dato sobre ellos. La banda firmó con Warner Bros. Records en 1984 y el 1 de enero de ese mismo año actuaron en el programa de televisión «Rock Palace», presentado por el comediante Howie Mandel interpretando varias canciones, algo que les sirvió como escaparate a nivel nacional. También en 1984 Rough Cutt actuó en el famoso Marquee Club de Londres y en el Fabrik de Hamburgo, mucho antes de grabar su primer álbum de estudio. Después de esperar durante un año para trabajar con el productor Ted Templeman, Rough Cutt decidió grabar su álbum debut, «Rough Cutt» (1985), con Tom Allom, mas conocido por producir durante la década de los 80 a Judas Priest. El álbum contaba con un tema coescrito por Ronnie James Dio (quien «apadrinó» al grupo), dos mas coescritas por Wendy Dio, la esposa de Ronnie y también manager de la banda en ese momento, además de dos versiones, una de Erma Franklin (hermana de Aretha Franklin), aunque el tema es mas conocido por la versión de Janis Joplin y otra de la banda australiana The Choirboys. Tras la publicación de un segundo álbum, donde la banda hacia aparición con uno de sus temas en la famosa serie de televisión «Fama», y tras su gira por Japón, Shortino tomó la decisión de dejar la banda debido a diferencias internas sobre la dirección que debería tomar su música. Tras algunos intentos de continuar sin Shortino, tres miembros de Rough Cutt decidieron montar esta banda llamada Jailhouse.

Banda de Los Ángeles fundada en 1988 por el guitarrista Amir Derakh, el bajista Matt Thorr y el batería David Alford, todos ellos ex Rough Cutt. La banda la completaban el guitarrista Michael Raphael y el cantante Danny Simon. Jailhouse lanzó en 1989 el mini álbum en vivo titulado «Alive In A Mad World», grabado en el Roxy Club de Hollywood. El disco incluía cuatro temas en vivo y un tema acústico. Las ganancias de este álbum se donaron a las fundaciones «National Runaway Switchboard» y «Options House» para ayudar a los niños necesitados. Jailhouse obtuvo bastante difusión tanto en radio como en televisión (gracias a MTV) lo que les llevó a firmar un acuerdo con Enigma Records, pero poco después la discográfica se declaró en bancarrota, debido a esto y al surgimiento del movimiento grunge, el grupo se separó en 1991. En 1998, aquel álbum que nunca vio la luz se publicó bajo el nombre de «Jailhouse». Dos de los fundadores de la banda, el batería David Alford y el bajista Matt Thor fueron miembros de la primera formación de Ratt, entre 1978 y 1981, cuando el grupo todavía se llamaba Mickey Ratt. Precisamente el cantante de Ratt, Stephen Pearcy coescribió un tema de Jailhouse y Matt Thor fue productor y bajista de uno de los álbumes en solitario de Pearcy.

Stephen Pearcy formó en 1977 Mickey Ratt donde coincidió con el bajista Matt Thorr y el batería David Alford. En 1981 cambiaria el nombre de la banda a Ratt, y durante los siguientes diez años lanzaron cuatro discos multiplatino y tres álbumes de oro. Pearcy dejó la banda en 1992 y se reunió de nuevo en 1996 abandonando de nuevo la banda por segunda vez en 2000. Pearcy se reincorporó a Ratt en 2006 antes de irse nuevamente en 2014. Desde entonces Pearcy ha grabado cuatro discos en solitario bajo su propio sello independiente «Top Fuel Records». El último, «View to a Thrill», se lanzó en Frontiers Music/Top Fuel Records en noviembre de 2018. En 2005 se lanzó el álbum «Rat Attack – greatest hits» (Rat con una sola «T» ya que Pearcy no dispone de los derechos del nombre de la banda). El álbum, producido por el mismo y Matt Thorr, es una recopilación de temas clásicos de Ratt con un aire mas moderno. La banda que acompaña a Pearcy en solitario, Rat Bastards se une a él en varios cortes, además del ex guitarrista de Dokken, George Lynch y el ex guitarrista de L.A. Guns, Tracii Guns. Precisamente este ultimo nos lleva a esta banda con la cual colabora habitualmente llamados, Shameless.

Banda de glam rock formada en 1989 por el bajista Alexx «Skunk» Michael en Munich, Alemania. Tras la ruptura del grupo, Michael decidió reformar Shameless en 1998 junto al guitarrista BC. Alexx contó con la ayuda del batería Eric Singer (Kiss, Alice Cooper, Black Sabbath), quien presentó a Alexx a los vocalistas Steve «Sex» Summers (Pretty Boy Floyd) y Stevie Rachelle (Tuff) iniciando así una relación musical que dura hasta hoy. Desde entonces, la banda ha lanzado siete álbumes, un disco en vivo y dos recopilaciones. Todos los lanzamientos cuentan con apariciones especiales de miembros de Warrant, Guns & Roses, L.A. Guns, W.A.S.P., Motley Crue, Stryper, The Runaways o Kiss. Eric Singer es sin duda la persona que mas ayudó a esta banda a contar en sus trabajos con gente de grupos tan grandes como los mencionados anteriormente. Como ya os he contado en mas de una ocasión, Singer es tal vez de los baterías que mas han grabado, girado y colaborado con mas bandas a lo largo de su carrera, una de ellas es esta llamada Stream.

Proyecto formado por el guitarrista francés Peter Scheithauer quien en 1988 grabó su primer trabajo homónimo con músicos franceses y un segundo álbum en 1995, «Take It Or Leave It» junto a los músicos americanos Dave Spitz en el bajo (ex Black Sabbath), David Reece, ex Accept a la voz, y los baterías Stet Howland, ex W.A.S.P. y Jay Schellen ex Hurricane. Diez años después de crear este proyecto, se publica en 1998 «Nothing Sacred». En este trabajo el guitarrista se acompaña del ex vocalista de Guiffria David Gleen Eisley, Eric Singer a la batería y el mítico bajista Bob Daisley (Ozzy Osbourne, Gary Moore, Rainbow). También colaboran en este trabajo un ex Quiet Riot, el bajista Chuck Wright y el tristemente fallecido Pat Torpey, batería de Mr. Big, el cual también colaboró, ese mismo año, 1998, en el álbum de su más tarde compañero en Mr. Big, Richie Kotzen.

Richie Kotzen, guitarrista, cantante, compositor, y productor, descubierto por Mike Varney de Shrapnel Records, con quien grabó su primer álbum en solitario a la edad de 19 años. Un año después, en 1988 se publicó un segundo álbum llamado «Fever Dream», el primero en presentar temas vocales con el mismo como voz principal. En 1991, a los 21 años, Kotzen se unió a la banda de glam metal Poison , coescribiendo y actuando en el álbum «Native Tongue». A finales de 1993, Rikki Rockett, bateria de Poison, descubrió que Kotzen estaba teniendo una relación con la entonces prometida de Rockett, Deanna Eve. Kotzen fue despedido de la banda debido a este incidente. Kotzen se centró en su carrera en solitario, lanzando regularmente álbumes de rock melódico influenciados por el R&B/soul/blues y funk. También hizo apariciones especiales en varios álbumes de artistas como Glenn Hughes, Stevie Salas, TM Stevens y otros. En 1995 y 1997 colaboró ​​con el guitarrista Greg Howe en dos álbumes de jazz rock fusión. En 1999, Kotzen reemplazó a Paul Gilbert como guitarrista de Mr. Big. Tras la disolución de Mr. Big Kotzen siguió grabando y produciendo discos. En 2012 formó el supergrupo de rock The Winery Dogs junto a Mike Portnoy (ex Dream Theater) y Billy Sheehan compañero en Mr. Big y miembro fundados de esta banda con la que «debutó» en el mundo del rock llamada Talas.

Power trio formado en Buffalo en 1974 con Dave Constantino en la guitarra, Paul Varga en la batería y Billy Sheehan en el bajo, los tres se alternaban en la voz principal. En sus primeros días la banda tocaba una mezcla de versiones y material original. La banda se hizo muy popular en los 70 a nivel local, fama que se extendió que se extendió al noreste de los EE.UU. y a Canadá. A finales de los 70, después de que Sheehan regresara a Talas tras su paso por una banda llamada Light Years, abrieron un concierto para UFO en Buffalo. Esto llevó a Sheehan a asociarse con el guitarrista Michael Schenker y también lo ayudó a conseguir el puesto como bajista en la gira de UFO en 1983. La presentación a nivel nacional de Talas ocurrió en 1980, cuando abrieron treinta espectáculos para Van Halen. Sin embargo el éxito no llegaba, a pesar de que en esos días el hard rock «reinaba» en USA. Talas seguía sin firmar contrato discográfico, en parte debido a la mala gestión de sus managers. En 1979 lanzaron de forma independiente su L.P debut «Talas» en y «Sink Your Teeth into That» en 1982. Sheehan quería llevar a la banda a un nivel superior, mas allá del éxito como banda «local» y reformó Talas con otro batería (Mark Miller), otro guitarrista (Mitch Perry) y un cantante solista, Phil Naro, con quien Sheehan había trabajado a finales de la década de 1970 en su proyecto paralelo The Billy Sheehan Band. Talas lanzaría solo un álbum más, el directo «Live Speed ​​on Ice». Después, Mitch Perry dejó la banda, y fue reemplazado por Johnny Angel, quien tocó la guitarra con ellos en su gira por Estados Unidos en 1985/86 como teloneros de Yngwie Malmsteen. Hubo un cuarto disco de Talas, «supuestamente» titulado «Lights, Camera, Action» pero nunca se editó, quedándose únicamente como una demo debido a que Sheehan se fue para unirse a la banda de David Lee Roth. Antes de disolverse Talas continuó brevemente sin Sheehan, tan solo con Phil Naro además de Al Pitrelli en la guitarra, Bruno Ravel en el bajo, Jimmy Degrasso en la batería y Gary Bivona en los teclados. En 1988 la formación original de Talas (Sheehan, Varga y Constantino) se reunieron para una serie de conciertos «nostálgicos» dando como resultado el álbum en vivo «If We Only Knew Then What We Know Now…» que presentaba temas clásicos mas algunos compuestos para la ocasión. El guitarrista de Talas Mitch Perry nos lleva a la siguiente banda, Badd Boyz.

Badd Boyz, banda formada por Paul Shortino y el bajista Sean McNabb cuando ambos abandonaron Quiet Riot. El grupo contaba además con los guitarristas Mitch Perry (Steller, Talas) y Michael Guy (Shark Island, House of Lords) y el batería Rich Carlton. Dirigidos por Wendy Dio, la banda tenía un contrato con una discográfica, pero el álbum no fue editado, así que la banda se separó. La mayoría de las canciones fueron grabadas en 1989, otras fueron completadas más tarde por Shortino con diferentes músicos y más tarde editadas por un sello japonés en 1993, siendo Japon el unico lugar donde se publico el trabajo de Badd Boyz. En 2021 Shortino se encargó de publicar el álbum remasterizado para su distribución mundial con una nueva portada y bajo el titulo «No, No, Nikkie». Y son Sean McNabb y Paul Shortino, dos ex Quiet Riot, los que nos llevan a los protagonistas de este episodio, Quiet Riot. Si has llegado hasta aquí, gracias por tu lectura y recuerda…sube el volumen y disfruta!!, hasta el próximo episodio!

Episodio Nº38

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Bienvenidos y bienvenidas a una nueva entrada de Rock en Cadena. Estas vez nos centraremos en una banda «relativamente joven», ya que su irrupción en el mundo de la música se dio a mediados de la década de los 90. Sin duda es una de las bandas mas influyentes dentro del metal sinfónico combinando la dureza del metal con voces operísticas principalmente realizadas por mujeres. Ellos son Nightwish.

Formación.

Después de tocar teclados en varias bandas de heavy metal en la década de 1990, Tuomas Holopainen decidió crear en 1996 su propio proyecto, este seria de música acústica experimental, pero con un sonido y una atmósfera distintos. La banda sería acústica y no sería heavy metal: tendría guitarra acústica, algunas flautas, cuerdas, piano, teclados y por supuesto una vocalista femenina. Pronto invitó a su amigo y compañero de escuela Erno «Emppu» Vuorinen a tocar guitarras acústicas, y a la vocalista clásica Tarja Turunen, con quien había compartido el mismo profesor de música unos años antes. Los tres grabaron su demo acústica homónima a finales de 1996. El nombre Nightwish derivó de su primera canción juntos. Tras el lanzamiento de su demo a principios de 1997, el batería Jukka «Julius» Nevalainen se unió a la banda, al tiempo que la guitarra acústica era reemplazada por una guitarra eléctrica. La adición de elementos de heavy metal al estilo experimental existente de la banda le dio un sonido diferente, formando el núcleo del sonido Nightwish.

«Unos jovencísimos Nightwish allá por 1997/98»

La banda ingresó al estudio en abril de 1997 para grabar siete canciones para su segundo demo, «Angels Fall First». Meses despues, la demo llegó al sello discográfico finlandés Spinefarm Records, que quería lanzarlo como el álbum debut de la banda del mismo nombre. El sello le ofreció a Nightwish un contrato discográfico y la banda volvió al estudio para grabar cuatro canciones más para acompañar las pistas de la demo. El álbum fue lanzado en noviembre de 1997 y alcanzó el número 31 en las listas de álbumes finlandeses, uno de los sencillos del álbum alcanzó el número 3 en la lista de sencillos finlandeses. Este álbum cuenta con la voz de Holopainen, que aparece en cuatro de las once pistas del álbum junto con la de Turunen. Para los directos el bajista Samppa Hirvonen se unió a ellos como musico de sesión. Marianna Pellinen también fue miembro de sesión en vivo como teclista adicional y corista de Turunen. En principio Hirvonen iba a convertirse en miembro permanente de la banda, pero se unió al ejército como parte del servicio militar finlandés justo cuando comenzaron a grabar su segundo trabajo, por lo que le pidieron a Sami Vänskä que se uniera a la banda. En 1998 Nightwish realizó solo siete shows ya que en ese momento, Turunen estaba terminando sus estudios y Nevalainen y Vuorinen estaban cumpliendo con el servicio militar obligatorio de su pais.

Comienza la fama.

Ya como quinteto Nightwish lanzó el 7 de octubre de 1998, su segundo álbum titulado «Oceanborn». El sonido, más técnico y progresivo, vio a la banda abandonar gran parte de los elementos ambientales y folk presentes en su lanzamiento debut. En contraste con las voces femeninas de Turunen, el álbum también contó con la voz gutural de Tapio Wilska (ex vocalista de Fintroll), ya que Tuomas no quería volver a cantar. «Oceanborn» fue todo un éxito en Finlandia, alcanzando el Nº5 en las listas de álbumes. El primer sencillo del álbum, alcanzó el Nº1 en las listas finlandesas de sencillos, donde permaneció durante varias semanas. El lanzamiento del álbum se limitó inicialmente a Finlandia, pero debido al éxito de otro de los sencillos del álbum, este se lanzó internacionalmente en la primavera de 1999 y en marzo de 2001 en los Estados Unidos. Tanto el álbum como dos de los sencillos fueron certificados oro en Finlandia en agosto de 1999. El 2 de agosto de 1999 , Nightwish lanzó el sencillo «Sleeping Sun (Four Ballads of the Eclipse)», (el cuarto del álbum), como maxi single con otras tres canciones para coincidir con el eclipse solar total que ocurriría el 11 de agosto. En tan solo un mes el sencillo vendió 15.000 copias solo en Alemania, alcanzando el número 69 en las listas oficiales de singles alemanas logrando el disco de Oro. En Finlandia alcanzó el puesto número dos en las listas y fue certificado como disco de Oro con más de 5.000 copias vendidas.

En el año 2000, Nightwish entró en la final de preselección para representar a Finlandia en el Festival de la Canción de Eurovisión con el tema «Sleepwalker». A pesar de ganar el voto público, Nightwish finalmente terminó en tercer lugar. El 19 de mayo de 2000, Nightwish lanzó su tercer álbum de estudio «Wishmaster», debutando en el Nº1 en las listas de álbumes de Finlandia, siendo certificado oro después de tres semanas en dicha posición. «Wishmaster» también debutó en las listas europeas en el puesto 21 en Alemania y en el puesto 66 en Francia. De nuevo, el álbum se lanzó primero en Finlandia para mas tarde hacerlo en el resto de Europa, Japon y en 2001 en EE.UU. También en 2000 se publicó el primer recopilatorio de la banda, «Wishmastour 2000», de tan solo seis pistas. Solo una canción (Wishmaster) apareció en un álbum oficial, el resto de canciones eran bonus tracks de versiones extranjeras de «Angels Fall First» y «Oceanborn» o versiones inéditas de canciones de los tres álbumes. Mas tarde Nightwish se embarcó en su primera gira mundial, tocando fechas en América del Sur, México, Canadá y la primera gira europea como cabeza de cartel. «From Wishes to Eternity – Live» de 2001 es el primer trabajo en vivo de la banda. Fue grabado en Tampere, Finlandia el 29 de diciembre de 2000 y se lanzó en DVD/VHS/CD. El CD fue lanzado como una edición limitada de 10.000 copias, disponible solo en Finlandia, a finales de 2005, su compañía logró lanzarlo en Europa.

Tiempo de cambios.

«Over the Hills and Far Away» es el primer E.P. de Nightwish, lanzado el 25 de junio de 2001. Ademas de la versión de Gary Moore el EP tiene dos canciones nuevas y una versión de «Astral Romance» de «Angels Fall First», cantada por Tony Kakko (originalmente cantada por Tuomas Holopainen) junto a Tarja Turunen . El E.P. debutó en el número uno en la lista de singles finlandeses y pasó doce semanas entre los tres primeros, superándolo durante otras cuatro semanas y pasando seis semanas en el número dos. Estuvo en las listas durante un total de 49 semanas, incluidas dos semanas a principios de 2004. El E.P. ha obtenido la certificación de doble platino en Finlandia y ha vendido más de 36.000 copias hasta la fecha, convirtiéndose en el sexto sencillo más vendido de todos los tiempos en Finlandia. «Over the Hills and Far Away» entró también en las listas europeas, en el Top 100 de Alemania, Austria, Francia y Suiza. Poco después del lanzamiento de «Over the Hills and Far Away», Nightwish pasó por tiempos difíciles como banda, los problemas se centraron en el bajista, Sami Vänskä, quien había comenzado (según Holopainen), a faltar a los ensayos y a no tomarse los conciertos tan en serio como los demás. Después de que la banda discutiera varias veces con Vänskä a cerca de su comportamiento, sin obtener ningún cambio, a todos simplemente les dejó de importar y las tensiones entre ellos crecieron. Mientras tanto, el guitarrista Emppu Vuorinen había comenzado a quejarse de su papel en Nightwish, sintiéndose como un «mercenario» sin ningún peso dentro de la banda. Tras el último concierto de la gira de 2001, Holopainen llamó a los sellos discográficos de Nightwish para informarlos extraoficialmente de que la banda había terminado. Les dijo que podría producir otro álbum, pero que nunca volvería a realizar otro espectáculo con la banda. El mismo mensaje también transmitido a la banda. Holopainen decidió que no podía renunciar a Nightwish tan fácilmente, poco después recibió una llamada telefónica de Ewo Pohjola, director ejecutivo de uno de los sellos de la banda, ofreciéndose como manager del grupo y ayudarlo a arreglar las cosas. Holopainen estuvo de acuerdo, pero decidió que era necesario hacer algunos cambios. Además de elegir a Ewo como su nuevo manager, también le pidió a Vänskä que dejara la banda. Marko Hietala (Tarot) reemplazó a Vänskä. Además de tocar el bajo, Hietala también interpretaría voces masculinas.

«Sin duda la formación clásica de Nightwish»

En 2002, Nightwish lanzó «Century Child», el álbum fue certificado oro dos horas después de su lanzamiento, y platino dos semanas después. También estableció un récord en las listas de álbumes finlandeses: nunca antes un álbum en primer lugar había estado tan lejos del segundo lugar. En Finlandia fue el segundo álbum más vendido de 2002, desde entonces «Century Child» ha vendido más de 80.000 copias solo en Finlandia y entre 2002 y 2003 vendió más de 350.000 copias en todo el mundo. Este es el primer trabajo de Nightwish en contar con una orquesta en varios de los temas del álbum. En 2003, Nightwish lanzó su segundo DVD, el documental «End of Innocence», que cuenta la historia de la banda en palabras de Holopainen, Nevalainen y Tapio Wilska. El documental también presenta fragmentos de conciertos en vivo, imágenes exclusivas, etc. Un nuevo álbum, «Once», fue lanzado el 7 de junio de 2004, junto con su primer sencillo, «Nemo», que encabezó las listas en Finlandia y Hungría y alcanzó las listas en seis países mas. «Nemo» sigue siendo el lanzamiento de sencillos más exitoso de la banda hasta la fecha. Nightwish utilizó una orquesta completa en nueve de las once canciones del álbum. A diferencia de «Century Child», la banda decidió buscar una orquesta fuera de Finlandia, eligiendo la Orquesta Filarmónica de Londres. También es su segundo álbum en contar con una canción en finlandés. «Once» fue triple platino en Finlandia, platino en Alemania y oro en otros 6 países, también alcanzó el número 1 en las listas de álbumes griegas, noruegas y alemanas, alcanzando el Top 10 en Francia, Hungría y Suecia. «Once» fue el primer álbum de Nightwish en las listas de Estados Unidos, alcanzando el puesto 42 en la lista Billboard Top Heatseekers, así como el primer álbum de la banda en las listas del Reino Unido, alcanzando el puesto 8 en la lista de Rock. El coste de producción de «Once» ascendió a aproximadamente 250.000 euros (más de 1.000.000 incluyendo la producción de vídeo), lo que la convierte en la grabación más cara de la historia de Finlandia. Sin embargo, más adelante la banda volvería a romper este récord. Desde de 2013, «Once» ha vendido 2,3 millones de copias en todo el mundo, siendo el álbum con más éxito de Nightwish hasta la fecha. Durante la gira que siguió al álbum Nightwish actuó en la ceremonia de apertura del Campeonato Mundial de Atletismo de 2005, celebrado en Helsinki.

También en 2004 se publica «Tales from the Elvenpath», primer recopilatorio de larga duración de Nightwish. Elvenpath es también el nombre de otra canción de Nightwish, y aunque el álbum toma su nombre de esa canción, esta no aparece en el disco, porque esa canción es del álbum debut, «Angels Fall First», que fue grabado con otro sello discográfico, y ningún tema de ese álbum aparece en el recopilatorio. «Tales from the Elvenpath» fue disco de Oro en Finlandia y Alemania. Un año después se publica el tercer álbum recopilatorio de la banda titulado «Highest Hopes: The Best of Nightwish». Este recopilatorio si contiene canciones de todos los álbumes de Nightwish lanzados anteriormente (a diferencia del publicado un año antes), además de una versión en vivo de «High Hopes» de Pink Floyd. «Highest Hopes» se lanzó en tres formatos diferentes: Standard, Special Edition y Extended 2 CD. Además de la versión normal, se lanzó una edición especial, sustituyendo un tema por otro. También contiene un DVD adicional con tres canciones, filmadas en vivo en 2003, en el Festival Mera Luna en Hildesheim, Alemania. La versión extendida consta de dos CDs, el primero igual que la versión estándar más un segundo CD de ocho pistas, e incluye un DVD adicional que contiene diez pistas de video (Tres filmadas en vivo en el Festival Mera Luna en Hildesheim , Alemania en 2003 (Idéntico al bonos DVD de la edición especial pero en un orden de ejecución alterado), tres videos de estudio y otras cuatro canciones en vivo filmadas en el Festival Summer Breeze en Alemania en 2002. Todas las versiones cuentan con una nueva grabación (2005) de la canción «Sleeping Sun» y una versión en vivo de «High Hopes» de Pink Floyd, de la cual toma su nombre esta recopilación. El álbum fue certificado platino en Finlandia el mismo día de su lanzamiento, llegando al oro en Noruega. También fue el álbum más vendido de Finlandia en 2005, con más de 65.000 copias vendidas. Actualmente ha vendido más de 103.000 copias.

Ruptura y éxito.

Los otros cuatro miembros de Nightwish habían decidido que era mejor continuar la banda sin Turunen. Después de un concierto en el Hartwall Areena (Helsinki) el 21 de octubre de 2005, grabado para el DVD en vivo «End of an Era» (lanzado en junio de 2006), expresaron su decisión a través de una carta abierta que Holopainen entregó a Turunen y que luego publicó en la pagina web de la banda. La carta fue escrita por Holopainen y firmado por los cuatro miembros de la banda. La principal justificación dada en la carta para el despido de Turunen fue que la banda sintió que tanto su esposo Marcelo Cabuli (un empresario argentino) como los intereses comerciales habían cambiado su actitud hacia la banda. Turunen respondió al incidente durante conferencias de prensa en Finlandia y Alemania, asegurando que su despido fue un shock para ella, dado que no había sido notificada antes de que le entregaran la carta, además de sentir que los ataques personales contra su esposo no estaban justificados y que exponer el problema en público era «una crueldad sin sentido». Expresó estos sentimientos a través de su propia carta abierta, que se publicó en su pagina web personal, y a través de varias entrevistas en televisión, revistas y periódicos.

«Hola Anette, adiós Tarja»

Para encontrar un reemplazo para Turunen como vocalista femenina de la banda, el 17 de marzo de 2006, la banda permitió a los vocalistas interesados ​​​​en el puesto enviar demos como audición. Finalmente la elegida fue la sueca de 35 años Anette Olzon, ex cantante de Alyson Avenue. En mayo de 2007, Anette Olzon fue anunciada como nueva vocalista de la banda. Un día después del anuncio, se publico el sencillo «Eva». Inicialmente, el sencillo solo se lanzó en Internet y radio, con fecha de lanzamiento para el 30 de mayo de 2007, junto con la revelación de la identidad de la nueva vocalista, pero debido a una filtración el 23 de mayo, esta se adelantó al 24 de mayo y la canción fue lanzada el 25. Todos los ingresos europeos de este lanzamiento se donaron a organizaciones benéficas (Child Charity Foundation), y los ingresos de las ventas finlandesas por Internet se donaron a dos hogares infantiles en Finlandia. El segundo sencillo se estrenó en Finlandia el 22 de agosto e incluía como bonus track el tema principal del largometraje «Lieksa!». El sencillo alcanzó el estatus de oro en Finlandia después de menos de dos días en las tiendas. El álbum, «Dark Passion Play» se lanzó en Europa la última semana de septiembre de 2007. Los pedidos anticipados de «Dark Passion Play» obtuvieron la certificación de oro en Finlandia incluso antes de su lanzamiento. Obtuvo el doble platino en Finlandia el segundo día después de su lanzamiento y se llevó el número uno en las listas de Alemania, Finlandia, Suiza, Hungría y Croacia y entró en el top 100 en otros 16 países, incluido Estados Unidos. En febrero de 2008, el álbum fue certificado cuádruple platino en Finlandia, tras haber vendido más de 120.000 copias, lo que lo convierte en uno de los 40 álbumes más vendidos de todos los tiempos en el país. En todo el mundo, ha vendido casi 2 millones de copias desde su lanzamiento. Ha sido certificado Platino en Alemania y Hungría, y Oro en Austria, Polonia, Suecia y Suiza; «Dark Passion Play» es también el álbum de Nightwish con más éxito en el Reino Unido y EE.UU. con ventas en los Estados Unidos de más de 134.000 copias. «Dark Passion Play» también rompió el récord anterior de la banda como la grabación más cara de Finlandia, con un costo de producción final de más de 500.000 euros (el doble del costo de «Once», el récord anterior). En este álbum, el bajista Marko Hietala tuvo más libertad en el uso de su voz, de hecho, antes de que la banda encontrara al nuevo cantante y se grabara el álbum, Marko cantó en todas las versiones demos excepto en dos temas interpretados por Holopainen. La gira de promoción resultó ser la gira más larga de Nightwish hasta el momento, desde finales de 2007 hasta septiembre de 2009.

En marzo de 2009, Nightwish lanzó un nuevo E.P/DVD en vivo titulado «Made in Hong Kong (And in Various Other Places)». El álbum contiene un CD y un DVD: el CD consta de ocho canciones grabadas en vivo durante su gira «Dark Passion Play» en 2008, dos pistas lanzadas anteriormente como caras B y una demo de un tema del álbum anterior a la incorporación de Anette Olzon a la banda y, por lo tanto, cantada por el bajista Marko Hietala. El DVD contiene tres videos musicales y un mini documental de 40 minutos de duración que relata las aventuras de Nightwish durante su gira «Dark Passion Play» de 2007 a 2008 llamado «Back in the Day… is Now». Entre los temas tratados a lo largo del documental se encuentra el incidente durante el show de la banda en Brasil, el 10 de noviembre de 2008. La película muestra un video de YouTube de Anette Olzon saliendo durante la interpretación de la banda de «The Poet and the Pendulum», Olzon explica que una máquina de humo mal colocada interfirió en sus cuerdas vocales haciéndola perder la voz. Las malas lenguas aseguraron que Anette no era capaz de soportar la presión de ser la sustituta de Tarja así como las exigencias de la banda hacia ella. Otra de las versiones es el mal momento emocional por el que estaba pasando la vocalista tras perder la custodia de su hijo de siete años, el tema que cantaba en ese momento dice: «Calla, hijo mío, estás en casa. Al final siempre te querré». Tras la «fuga» de la vocalista, el bajista Marko se dirigió a la audiencia diciendo que: «Anette está teniendo problemas bastante serios», lo que hizo mas fuertes estos últimos rumores.

«Imaginaerum», séptimo álbum de estudio de Nightwish, fue lanzado el 30 de noviembre de 2011. Se trata de un álbum conceptual que cuenta la historia de un viejo compositor que recuerda su juventud en su lecho de muerte. El álbum fue producido junto con la película del mismo nombre, el álbum y la película comparten los mismos temas e historia. «Imaginaerum» vendió más de 50.000 copias en Finlandia durante el primer día después de su lanzamiento. En un principio el álbum tendría que haberse llamado «Imaginarium», pero cambiaron a «Imaginaerum» «para evitar confusiones con varias cosas llamadas Imaginarium». Durante la gira por Estados Unidos, la cantante Anette Olzon enfermó andes del espectáculo en Denver el 28 de septiembre de 2012. Elize Ryd (Amaranthe) y Alissa White-Gluz (Ex The agonist, Arc Enemy), en ese momento coristas de Kamelot, banda que abrió para ellos en la gira, ocuparon el lugar de Anette. Después del show de Denver, Nightwish publicó el siguiente mensaje en su página de Facebook:

«Estábamos en el infierno [ayer]. La vocalista en un hospital. El show a punto de ser cancelado… Pero nadie cedió ni un ápice. Con la ayuda de las damas Elize y Alissa de Kamelot, ¡realmente logramos sacar un gran espectáculo! El publico cantando con la banda fue absolutamente increíble. Nos sentimos honrados y agradecidos al mismo tiempo. Esta es la unión y la ayuda entre amigos y fans.»

Nightwish

Dos días después, Nightwish anunció a través de su página de Facebook que se separaban de Olzon. con Floor Jansen (After Forever, ReVamp) siendo llamada para terminar la gira en su lugar.

 «Se ha vuelto cada vez más evidente que la dirección y las necesidades de la banda estaban en conflicto, y esto ha llevado a una división de la que no podemos recuperarnos»

Comunicado de la banda en su pagina de Facebook

El 11 de enero de 2013, Olzon anunció en su blog oficial que estaba embarazada de su tercer hijo, lo que, según ella, fue un factor que contribuyó a su despido. Mas tarde, la banda publicó una declaración en su web en la que argumentaba que la razón que dio Olzon para su despido y otras declaraciones que hizo no eran ciertas y que la propia Olzon había aceptado ayudar a encontrar un reemplazo mientras estaba de baja por maternidad. Después, Olzon concedió varias entrevistas en las que dijo que nunca estuvo de acuerdo con un reemplazo, incluso cuando estaba embarazada, y propuso a la banda posponer la gira, lo que culminó con su despido. También agregó que estaba en contra de que Jansen se uniera a la banda en su período de maternidad, principalmente por la diferencia en sus estilos vocales.

Nueva era…

El 9 de octubre de 2013, Nightwish anunció a Floor Jansen como su nueva vocalista. Troy Donockley (multi instrumentista ingles especializado en instrumentos folk y que ya había trabajado anterior mente con la banda) también fue anunciado como miembro a tiempo completo, convirtiendo a la banda en un sexteto. En una entrevista posterior, Tuomas dijo que el trabajo anterior de Donockley con Nightwish ya lo había convertido en «un miembro de la banda», por lo que Nightwish simplemente «lo hizo oficial».

«Nightwish como sexteto»

A finales de noviembre, la banda lanzó el álbum en vivo «Showtime, Storytime» como un doble Blu-ray, DVD y CD. El álbum también contiene un documental de 120 minutos sobre los primeros días de Jansen en la banda, todavía como vocalista en vivo, y su proceso de adaptación en la banda, llamado «Please Learn the Setlist in 48 Hours». A pesar de que la grabación se realizó cuando solo eran cuatro miembros, es el primer lanzamiento de Nightwish que presenta a Jansen y Donockley como miembros de la banda. El 6 de agosto de 2014, la banda anunció que el miembro fundador y batería Jukka Nevalainen no formaría parte del próximo álbum debido a su enfermedad (insomnio). Kai Hahto (Wintersun) ocuparía su lugar en el álbum y en la próxima gira.

«Endless Forms Most Beautiful» , octavo álbum de estudio de Nightwish, fue lanzado a finales de marzo de 2015. El álbum es el primero de la banda con Floor Jansen y Troy Donockley, asi como el primero sin el batería Jukka Nevalainen, que estuvo a cargo de Kai Hahto. Por este motivo el álbum incluye solo cinco miembros de Nightwish, a pesar de ser su primer lanzamiento como sexteto. El álbum cuenta con la participación del grupo coral «The Metro Voices» de Londres, el «Coro de Niños de Jóvenes Músicos» de Londres y la «Orchestre De Grandeur», dirigida por Pip Williams, quien enseña música y tecnología musical en el London College of Music. «Endless Forms Most Beautiful» aborda la ciencia y la razón, centrándose en las teorías evolutivas de Charles Darwin y Richard Dawkins, quien narra la introducción a la apertura y al cierre del álbum. En su primera semana, el álbum vendió 18.342 copias en los EE.UU. y debutó en el puesto 34 en el Billboard 200, convirtiéndolo en el tercer álbum de Nightwish en figurar en esta categoría. En la República Checa, el álbum debutó en la cima de las listas y recibió el Disco de oro después de solo dos días. El álbum también se ubicó en el top 10 en otros países, incluidos Finlandia, Países Bajos, Polonia, Austria y México. Además de una edición regular con 11 temas, editada en C.D. y descarga digital, el álbum fue lanzado como un doble L.P. en diferentes colores, una edición digibook con un CD instrumental y dos ediciones earbook (una incluía un C.D. con versiones instrumentales y orquestales de las pistas, y otro de lujo, incluía un L.P. de vinilo). . En diciembre de 2015, Nightwish se convirtió en la primera banda finlandesa en encabezar un espectáculo en el Wembley Arena de Londres. Los espectáculos de Tampere y Londres fueron filmados para el lanzamiento de un álbum en vivo llamado «Vehicle of Spirit», lanzado en audio y video en diciembre de 2016 en Europa y en enero de 2017 en Norteamérica.

En 2017 la banda se tomó un descanso y anunció para 2018 una gira mundial de nueve meses titulada Decades: World Tour, además del lanzamiento de un nuevo álbum recopilatorio, titulado «Decades» con versiones remasterizadas del material original. Como curiosidad la lista de canciones se presenta en orden cronológico inverso. La gira contó con «material no tocado habitualmente» y un set especial para los fans; en la etapa norteamericana de la gira, la entrada a sus conciertos incluía de forma gratuita el álbum «Decades». Durante la etapa latinoamericana de la gira, el espectáculo de Buenos Aires se filmó para un DVD en vivo titulado como «Decades: Live in Buenos Aires», que se lanzó el 6 de diciembre de 2019.

…Nuevos cambios.

El 15 de julio de 2019, la banda anunció que Kai Hahto reemplazaría permanentemente a Jukka Nevalainen como batería de la banda. En un comunicado, Nevalainen explicó que si bien estaba manejando muy bien su insomnio y tenía pocos problemas, no quería «tentar a la suerte» regresando a la banda como miembro a tiempo completo. Sí confirmó, sin embargo, que continuaría en su papel de encargarse de los negocios relacionados con la banda. El nuevo álbum, «Human :II: Nature» , se lanzó el 10 de abril de 2020, debutando en el top 10 de las listas como número uno en Finlandia, España, Suiza y Alemania, además de figurar en las listas de otros países, incluidos Canadá, Austria, Hungría, Polonia y los Estados Unidos. Es el primer álbum doble de la banda, con el segundo C.D. completo con música orquestal. Nightwish se convirtieron en la primera banda en recibir permiso para hacer una sesión de fotos en el legendaria Museo de Historia Natural de Londres, donde tuvieron cuatro horas para su sesión. El 10 de julio de 2020, una nueva especie de cangrejo, Tanidromites nightwishorum, descubierta por el Dr. Adiel A. Klompmaker del Museo de Historia Natural de Alabama, fue bautizado en honor a la banda, en particular por su álbum de 2015 «Endless Forms Most Beautiful». El 12 de agosto de 2020, un refugio rocoso prehistórico llamado Alpenglow Rockshelter, que se descubrió en Pensilvania, EE.UU., recibió el nombre en honor a la novena canción del mismo disco, «Alpenglow». El 12 de enero de 2021, Marko Hietala anunció su salida de la banda, citando su lucha contra la depresión crónica y su desilusión con la escena musical en general. La banda emitió otro comunicado, «habrá un miembro temporal en vivo para reemplazar el bajo en la gira». En su declaración, Hietala escribió:

«Conspiración» es la palabra del día. Para aquellos que les interese, debo decir que mi 55 cumpleaños es ahora el 14 de enero y sinceramente he cumplido mi tiempo por ahora. Culpar, por ejemplo, a Tuomas es un insulto tanto para él como para mi libertad de pensamiento. Esto también es algo muy triste para todos. Tenga cuidado por favor. Hay un par de cosas acordadas que haré en 2021. Por otro lado, con amabilidad y respeto pido a los medios, bandas, proyectos de artistas, etc. que no me pidan nada durante el próximo año. Tengo que reinventarme. Espero contarles sobre esto en 2022. Sin embargo, no es una promesa. Siento mucho todo esto.

Parte de la carta renuncia de Marko Hietala

La banda comenzó su gira mundial en mayo de 2021 con una transmisión en vivo interactiva en una taberna construida en realidad virtual donde se presentaron canciones del álbum, y se reveló la identidad del bajista de sesión, Jukka Koskinen. Ambas actuaciones batieron récords atrayendo a 150.000 espectadores y estableciéndola como la actuación virtual más vista en Finlandia, con una taquilla superior al millón de euros. Originalmente, la gira estaba programada para comenzar en la primavera de 2020, pero debido a la pandemia de COVID-19 , la banda pospuso la gira para el siguiente año.

Nightwish interpreta metal sinfónico con voces operísticas femeninas. Su música ha sido descrita como «grandiosa, sinfónica y cinematográfica, con teclados y cuerdas que crean una atmósfera gótica». También han «mezclado» power metal con folk metal y gothic metal. El uso de una vocalista femenina se ha convertido en una especie de marca registrada, aunque menos desde el estallido de nuevas bandas de metal con mujeres al frente a mediados de la década de 2000 con bandas como Evanescence y Within Temptation, así como varias bandas de metal gótico que mezclan voces femeninas y voces masculinas, como Lacuna Coil, Epica o After Forever. Nightwish también se ha destacado como una fuente de inspiración para otras bandas, en particular entre las nombradas anteriormente. Nightwish es la tercera banda más vendida en Finlandia con ventas certificadas de casi 900.000 copias. El grupo es también la banda finlandesa más exitosa del mundo, vendiendo más de 10 millones de discos y recibiendo más de 60 premios de oro y platino, habiendo lanzado seis números 1 álbumes y trece sencillos número 1.

Y continuamos con la persona que tuvo la difícil tarea de sustituir a Tarja, la sueca Anette Olzon.

Cantante sueca, más conocida como la ex vocalista principal de Nightwish de 2007 a 2012. Anteriormente había sido la vocalista de la banda sueca de hard/AOR Alyson Avenue. Tras su salida de Nightwish, Olzon comenzó a escribir y grabar material para un futuro álbum en solitario. El álbum, titulado «Shine», fue lanzado en 2014 con una mezcla de pop rock o pop metal como la propia Anette califico este trabajo. En2016, Olzon lanzó un E.P. con solo dos canciones, una canción en sueco y otra en inglés solo disponible para descarga digital. En 2017 Olzon anunció que colaboraría con el ex guitarrista de Sonata Arctica, Jani Liimatainen, en un proyecto conocido como The Dark Element. Olzon también colaboró en 2020 ​​​​con el vocalista de Symphony X, Russell Allen, bajo el nombre de Allen/Olzon, publicando ese mismo año su primer trabajo juntos. «Strong» , segundo álbum en solitario de Anette Olzon, fue lanzado el 10 de septiembre de 2021 a través de Frontiers Records. El álbum tiene un enfoque más pesado que su debut de 2014, inspirado en bandas como Dimmu Borgir e In Flames, todo esto alentada por su esposo Johan Husgafvel (que toca el bajo y canta voces guturales en el álbum). El álbum fue escrito por Olzon y el guitarrista y productor Magnus Karlsson. En un principio, Frontiers había seleccionado a otro músico para escribir el álbum, pero Olzon no se adaptó a su material por lo que exigió a la discográfica que asignara a su compatriota Karlsson para el papel. Ambos habían trabajado juntos antes en «Worlds Apart», el álbum a dúo que lanzó con Russell Allen en 2020. Debido a la pandemia y a los conflictos de programación con los músicos involucrados en el proyecto, no se planean giras para el álbum. Ya que hablamos de Magnus Karlsson vamos a continuar con el y con la banda en la cual milita actualmente llamada Primal Fear.

Primal Fear fue fundada en octubre de 1997 por el cantante Ralf Scheepers y el bajista y productor Mat Sinner. Scheepers y Sinner, dos nombres clásicos dentro de la escena del heavy metal alemán antes de que se fundara la banda, siendo miembros de grupos tan conocidos como Gamma Ray (Ralf Scheepers) o Sinner (Matt Sinner). A finales de 1997 Firmaron un contrato discográfico con Nuclear Blast Records, debutando un año después con su álbum debut homónimo, que entró en las listas de éxitos alemanas en el puesto 48, lo que lo convirtió en una de las entradas más altas de un álbum debut en el metal alemán. En julio de 1999, se lanzó el segundo álbum «Jaws of Death». Poco después de su lanzamiento, el guitarrista Tom Naumann dejó la banda por problemas de salud, siendo sustituido en la gira por Alex Beyrodt. En enero de 2000, el guitarrista Henny Wolter se unió a la banda como reemplazo de Naumann. A principios de 2001, se lanzó el tercer álbum «Nuclear Fire», en cuya gira la banda tocó en los EE.UU. por primera vez. El siguiente álbum, «Black Sun», fue lanzado en 2002. El mismo año, Henny Wolter dejó la banda y fue reemplazado por el regreso de Tom Naumann. Durante el Tour por los EE.UU. y Canadá de 2003, el batería Klaus Sperling fue reemplazado por Randy Black. Después de la gira, Randy se unió a la banda de forma permanente. En febrero de 2004, se lanzó su quinto álbum «Devil’s Ground» y un año después «Seven Seals». En julio de 2006, sorprendentemente la banda dejó Nuclear Blast Records y firmó un contrato con Frontiers Records. Como «regalo de despedida», Nuclear Blast lanzó ese mismo año el recopilatorio «Metal is Forever». En febrero de 2007, durante las grabaciones del próximo álbum New Religion (lanzado ese año), la banda decidió después de largas discusiones sobre el futuro de la banda que (de nuevo) Henny Wolter regresaría como segundo guitarrista y Tom Naumann dejaría la banda. A principios de marzo de 2008, la banda anunció que el guitarrista Stefan Leibing había dejado la banda. En futuros lanzamientos y giras, sería reemplazado por el guitarra sueco, Magnus Karlsson, quien ya contribuyó con 2 solos de guitarra en el ultimo álbum. En 2009 aparece «16.6 (Before the Devil Knows You’re Dead)», el álbum alcanzó el puesto 46 en Alemania, el puesto 52 en Suecia y el puesto 28 en las listas de álbumes japonesas. En 2010 se publica el cd/dvd «Live in the USA», grabado durante su anterior gira. En 2011 y 2013 editan «Unbreakable» y «Delivering the Black» respectivamente, ya con Alex Beyrodt a la guitarra en sustitución de Henny Wolter. El 11 de agosto de 2014, el batería Randy Black se separó de la banda debido a «diferencias irreconciliables» entre él y Ralf Scheepers. El 13 de junio de 2015, la banda anunció que el ex batería de UDO, Francesco Jovino, lo reemplazaría, a la vez del regreso del guitarrista original, Tom Naumann, para su tercera etapa con la banda, grabando en 2016, lanzó el undécimo álbum de estudio de la banda, «Rulebreaker», el primero en presentar tres guitarristas. El segundo directo de la banda se publica en 2017 bajo el nombre de «Angels Of Mercy – Live In Germany» lanzado como CD/DVD/Blu-ray, vinilo y una caja en edición limitada. En 2018 se publica «Apocalypse» y en 2020 «Metal Commando», primer álbum con el batería Michael Ehré, en sustitución de Francesco Jovino, y primer álbum en su nueva etapa en Nuclear Blast. En2021, Primal Fear lanzó un E.P. titulado «I will be gone», con Tarja Turunen como invitada en el tema que da nombre al E.P. Uno de los fundadores de Primal Fear, el bajista y productor Mat Sinner, nos lleva a la siguiente banda formada por dos excelentes vocalistas Amanda Somerville y Michael Kiske.

Kiske/Somerville, proyecto a dúo de heavy metal melódico, formado por el vocalista Michael Kiske (Helloween, Unisonic, Place Vendome) y la cantante estadounidense Amanda Somerville (HDK, Trillium). A finales de 2009, Serafino Perugino (presidente del sello discográfico italiano Frontiers Records ) contrató a Mat Sinner (Sinner, Primal Fear) y Magnus Karlsson (Primal Fear) para proporcionar la composición de un proyecto a dúo entre Michael Kiske y Amanda Somerville. El ex guitarrista de After Forever, Sander Gommans (marido de Somerville), y la propia Amanda Somerville también colaboraron en la composición de del primer álbum del dúo titulado «Kiske/Somerville». Junto a Sinner y Karlsson participaban en el álbum el guitarrista Sander Gommans, el batería Ramy Ali y el teclista Jimmy Kresic. El segundo álbum titulado «City of Heroes» fue lanzado en 2015, de nuevo con la pareja Sinner/ Karlsson a cargo de la composición, con una canción escrita por Amanda Somerville y Sander Gommans. Karlsson también está a cargo de los teclados, mientras que Veronika Lukesova es la batería del álbum. Somerville ha escrito y grabado con bandas como After Forever, Edguy, Kamelot, Epica, Avantasia y este interesante proyecto llamado Ayreon.

Proyecto musical del compositor, cantante, músico y productor discográfico holandés Arjen Anthony Lucassen. Cada álbum de Ayreon cuenta una historia diferente, pero todos, con la excepción de «Actual Fantasy», «The Theory of Everything» y «Transitus», tienen lugar en el mismo universo ficticio de ciencia ficción; además, el álbum en solitario de Lucassen «Lost in the New Real» también está ambientado en el universo de Ayreon. Lucassen escribe la música y las letras, canta y toca la mayoría de los instrumentos en todos los álbumes de Ayreon, junto con muchos músicos invitados. Debido a la naturaleza particular del proyecto, las presentaciones en vivo de Ayreon son raras y no hubo un show en vivo oficial de Ayreon hasta 2017. Varias canciones de Ayreon se incluyeron por primera vez en dos álbumes en vivo de otras bandas de Lucassen: «Live on Earth» de Star One (2003) y «Live in the real world» de Stream of Passion (2006). Su ultimo trabajo, «Transitus» de 2020, va acompañado de un cómic de 25 páginas, no incluido en el C.D. ni el vinilo. La trama del álbum es una de las pocas que no está conectada con la historia principal de Ayreon; en cambio, presenta una historia de ciencia ficción/terror gótico parcialmente ambientada en el siglo XIX. El actor britanico Tom Baker, proporciona la voces habladas como el personaje de «The Storyteller», el resto del elenco incluye a Tommy Karevik de Kamelot como el personaje principal, Cammie Gilbert de Oceans of Slumber, Amanda Somerville, el batería de Threshold Johanne James, Simone Simons de Epica, Dee Snider de Twisted Sister, Joe Satriani, el ex Megadeth Marty Friedman y Marcela Bovio, antigua vocalista de la banda de Lucassen, Stream of Passion, de la cual os hablo a continuación.

Banda holandesa de metal progresivo con influencias sinfónicas y góticas fundada por el guitarrista y compositor Arjen Anthony Lucassen y la cantante, violinista y letrista mexicana Marcela Bovio. Ambos habían colaborado previamente en el álbum de Ayreon «The Human Equation», para el cual Bovio fue seleccionado por Lucassen a través de un concurso por Internet. Lucassen decidió entonces crear una nueva banda con ella como vocalista principal, y seleccionó a otros músicos para formar el resto de la banda: Johan van Stratum, el teclista Alejandro Millán (compañero de Bovio en su anterior banda), la guitarrista Lori Linstruth (pareja y manager de Lucassen) y el batería Davy Mickers. Debido a que los músicos de la banda vivían a miles de kilómetros de distancia, Lucassen compuso el álbum debut del grupo en 2005, «Embrace the Storm», a través de Internet, con Bovio escribiendo todas las letras. Al año siguiente se lanzó un álbum en vivo titulado «Live in the Real World», con temas de los otros proyectos de Lucassen, Ayreon y Star One. En 2007, la mitad de la formación de Stream of Passion decidió irse: Lucassen, Linstruth y Millán, mientras que Bovio, su novio (luego esposo) el bajista Johan van Stratum y el productor Joost van den Broek (teclista de After Forever) se encargaron de las tareas de composición. En 2009 se lanza «The Flame Within» y en 2011 «Darker Days». «A War of Our Own» es el cuarto y último álbum de estudio de la banda, lanzado después de dejar Napalm Records, financiándolo a través de crowdfunding. Las donaciones a la campaña permanecieron abiertas durante 3 meses, con el objetivo de recaudar 25.000 euros para producir el nuevo álbum. La campaña finalmente generó casi el doble del objetivo, finalizando en 43.881 euros. Como recompensa para sus fans tras superar su objetivo secundario de 40.000 euros, la banda grabó un conjunto acústico de canciones, exclusivamente para aquellos que habían contribuido a la financiación del álbum. La banda lanzó un álbum en vivo titulado «Memento» y realizó un espectáculo final el 28 de diciembre de 2016, momento en el que la banda dejó de existir. Actualmente Marcela Bovio es miembro de la banda holandesa de death metal sinfónico MaYaN.

Otra banda holandesa de death metal sinfónico fundada por el vocalista y guitarrista Mark Jansen, el guitarrista Frank Schiphorst y el teclista Jack Driessen. La banda cuenta con muchos vocalistas diferentes (ya sean miembros de tiempo completo o invitados) en una mezcla de voces limpias, y voces guturales, apoyados por una instrumentación que combina elementos de death metal y metal sinfónico. Creada en 2010, la banda ha lanzado tres álbumes de estudio hasta la fecha, «Quarterpast» en 2011, «Antagonize» en 2014 y «Dhyana» en 2018. En 2013, la soprano italiana Laura Macrì y el vocalista Henning Basse, quienes fueron invitados y miembros de la gira del primer álbum, se convirtieron en miembros a tiempo completo de la banda. Ese mismo año el guitarrista de la banda Isaac Delahaye (Epica) abandona la banda, la guitarrista Merel Bechtold (Purest of Pain) lo sustituyó en la gira, y se convirtió en miembro permanente. En 2015, Rob van der Loo (Epica) abandona el grupo, Roel Käller tomó su lugar como bajista. Además de eso, George Oosthoek (ex- Orphanage) se unió a la banda como vocalista gutural. En 2017 Marcela Bovio, colaboradora habitual de la banda desde 2013, se convertía en nuevo miembro de MaYaN. El vocalista Henning Basse dejó la banda en 2018, citando conflictos de programación, mientras seguía apareciendo como invitado. Adam Denlinger, quien comenzó a hacer giras con una banda en 2017, se convirtió en el nuevo vocalista. La mayoría de componentes (presentes y pasados) de MaYaN esta o han estado en esta otra banda Holandesa llamada Epica.

Inicialmente llamados Sahara Dust y con Helena Michaelsen de Trail of Tears como vocalista, pero que fue reemplazada por la entonces desconocida Simone Simons, quien era la novia de Jansen en ese momento. La formación de la banda la completaron el guitarrista Ad Sluijter, el batería Jeroen Simons, el bajista Yves Huts y el teclista Coen Janssen. Posteriormente, el nombre se cambió a Epica, inspirado en el álbum del mismo nombre de Kamelot. «The Phantom Agony», lanzado en 2003 es el primer álbum de Epica. «Consign to Oblivion» siguió en 2005 y debutó en el puesto 12 en las listas holandesas. También en 2005 lanzan «The Score – An Epic Journey», la banda sonora de una película holandesa llamada «Joyride» que consta de temas instrumentales a excepción de cuatro canciones. En 2007, lanzaron su tercer álbum de estudio, «The Divine Conspiracy», que se ubicó en el número 9 en los Países Bajos. En 2008, Epica grabó «The Classical Conspiracy», su primer álbum en vivo lanzado en 2009. El show en vivo tuvo lugar en Miskolc, Hungría el 14 de junio de 2008, en el marco del Festival de Ópera de Miskolc. Incluía una orquesta de 40 piezas y un coro de 30 piezas, y el setlist contenía no solo las canciones de la banda, sino también música clásica, extractos de óperas y bandas sonoras de películas. «Design Your Universe» de 2009 obtuvo un éxito aún mayor, debutando en el número 8 en la lista de álbumes holandeses y en las listas de Europa. El quinto álbum de estudio de Epica «Requiem for the Indifferent» fue lanzado en 2012, alcanzando el éxito internacional, ingresando en el Billboard 200 de EE.UU. en el numero 104 y en la lista de álbumes de Japón en el numero 172. Para celebrar su décimo aniversario Epica lanzo su tercer álbum en vivo, «Retrospect», grabado en Eindhoven, Países Bajos, el 23 de marzo de 2013. Epica se presentó en el escenario con la misma orquesta que acompañó al grupo en su anterior directo extendida de 70 piezas, y al igual que entonces Epica tocó algo de música clásica, extractos de óperas y bandas sonoras de películas. El álbum fue lanzado en CD, DVD y Blu-ray. A principios de mayo de 2014, la banda lanzó su sexto álbum, «The Quantum Enigma», que fue un gran éxito internacional, debutando en el puesto 110 en el Billboard 200 de EE.UU. y alcanzando el puesto 4 en Holanda, la tierra natal de Epica. Su séptimo álbum, «The Holographic Principle», fue lanzado en septiembre de 2016 con un éxito internacional continuo, igualando la posición máxima en las listas de éxitos establecida por su predecesor en los Países Bajos. En 2017, la banda lanzó su primer E.P. «The Solace System» con 6 canciones que no fueron incluidas en su anterior trabajo. Tambien se lanzó otro E.P. en Japón titulado «Epica vs Attack on Titan Songs», con versiones de canciones del anime «Attack on Titan». El E.P. se lanzó en todo el mundo el 20 de julio de 2018. La banda publicó su octavo álbum, «Omega», en febrero de 2021. Debido a las numerosas cancelaciones por la pandemia, Epica decidió grabar un espectáculo en streaming titulado «Omega Alive» que fue publicado en cd/vinilo/dvd y blue ray. Sin duda Mark Jansen es el «genio» detrás de Epica, banda que formó tras abandonar After Forever.

Formados en 1995 como una banda de versiones de death metal bajo el nombre de Apocalypse, pero que con la incorporación de la vocalista Floor Jansen en 1997, su estilo y sonido cambiaron hacia el metal gótico sinfónico, para dar protagonismo a su voz de soprano, en contraste con las voces guturales de Sander Gommans y Mark Jansen. Pronto, la banda comenzó a componer sus propias canciones y cambiaron su nombre a After Forever. Su álbum debut «Prison of Desire» fue editado en 2000 y le siguieron, «Decipher» un año mas tarde, «Invisible Circles» en 2004, «Remagine» en 2005 y «After Forever» en 2007. Poco después del lanzamiento de su segundo álbum, el fundador y guitarrista Mark Jansen tuvo un fuerte enfrentamiento creativo con el resto de la banda. Mark Jansen pretendía explorar más a fondo las interacciones complejas entre instrumentos clásicos, coros en latín y elementos de death metal, mientras que Gommans y los demás preferían un enfoque más directo y agresivo de la música, conservando algunos elementos que hicieron reconocible el sonido de la banda, pero expandiéndolo en nuevas y diferentes direcciones. Estas diferencias musicales llevaron a Mark Jansen a dejar la banda. A principios de 2008, After Forever anunció que se tomaría un descanso de al menos un año, principalmente para evaluar los problemas de salud del vocalista y guitarrista Sander Gommans, quien había estado ausente durante la mayor parte de la gira del ultimo álbum «After Forever». El 5 de febrero de 2009, After Forever anunció que decidían dejarlo. La pausa durante 2008 y 2009, les había hecho darse cuenta de que ya no sentían la misma pasión por la banda. Floor Jansen comenzó una nueva banda llamada ReVamp y firmó un contrato con Nuclear Blast en 2010 para su primer álbum homónimo, mas tarde, desde finales de 2012 hasta el verano de 2013, realizó una gira con Nightwish para después convertirse en su vocalista.

Y hasta aquí el blog de este mes, espero que os haya gustado y ya sabéis…Sube el volumen y disfruta!!!…hasta la próxima!!

Episodio Nº37

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Bienvenidos y bienvenidas al blog de Rock en Cadena. Comenzamos el año con una de las bandas mas populares de la escena del Glam Metal americano de mediados de los 80. Su imagen y sobre todo sus letras fueron objeto de amor y odio a partes iguales, convirtiéndose en la primera banda de rock cristiano en llamar la atención del mundo del heavy metal. Ellos son Stryper.

De Roxx Regime a Stryper.

«Eric Johnson, Robert y Michael Sweet (1981)»

Alrededor de 1978/79 los hermanos Sweet, Michael (voz y guitarra) y Robert (batería) ya tocaban en salas de Hollywood bajo el nombre de Roxx junto al bajista Eric Johnson y el guitarrista Richard Ordoubeghan (aunque se dice que el primer nombre que utilizaron fue Firestorm). Ya en los 80 cambian a Roxx Regime para evitar confusiones con otra banda. El guitarrista Richard Ordoubeghan, fue uno de esos integrantes que salió antes de iniciarse el grupo dejando a Roxx Regime como trio. En 1982 Eric Johnson abandona el grupo, uniéndose dos nuevos miembros: John Voorgees (bajo) y Scott Lane (guitarra). Con el nombre de Roxx Regime, la banda comenzó a tocar en clubes nocturnos de Los Ángeles, compartiendo escenario con bandas como Bon Jovi, Poison, Ratt, Motley Crue o Metallica.

«Michael Sweet, Scott Lane, John Voorgees y Robert Sweet»

Inspirándose en bandas como Van Halen, pero no conformes con su mensaje, los hermanos Sweet deciden enfocar a la banda hacia su visión de la vida cristiana y sus fuertes creencias religiosas. Mas adelante el guitarrista Richard Martinez (mas conocido como Oz Fox) se unió a la banda. Antes, varios guitarristas estuvieron a las puertas de unirse a Roxx Regime, incluidos Doug Aldrich (Dio, Whitesnake) y C.C. DeVille (Poison). Poco después entra en la banda el bajista Tim Gaines, completando así la formación «clásica» de la banda.

«Tim, Robert, Michael y Oz antes de convertirse en Stryper»

Al mismo tiempo el grupo decide cambiar su nombre a Stryper, sacado de un pasaje de Isaías 53:5 de una versión de la Biblia conocida como «King James Version» (una traducción al inglés de la Biblia cristiana para la Iglesia de Inglaterra, que se encargó en 1604 y se publicó en 1611, por encargo del rey Jacobo VI de Inglaterra). En una de las partes del pasaje dice: «By His stripes we are healed» (por sus heridas fuimos sanados). El batería Robert Sweet creo un anacronismo del nombre de la banda: «Salvation Through Redemption, Yielding Peace, Encouragement and Righteousness» («la salvación por medio de la redención, que da paz, aliento y justicia»). La banda atrae la atención del sello Enigma, que los ficha, sugiriendo un cambio de nombre, cosa que no es aceptada por la banda. El 21 de julio de 1984, lanzaron el E.P «The Yellow and Black Attack» que incluia seis canciones, y del que se imprimieron menos de 20.000 copias, ya que su sello no estaba seguro del mercado potencial del metal cristiano. Durante este período, Stryper abrió para bandas como Ratt y Bon Jovi, lo que llevó a algunos fans y críticos a afirmar que no eran una verdadera banda cristiana.

Primer álbum y directos a la fama.

El primer álbum de larga duración de Stryper, «Soldiers Under Command», lanzado el 15 de mayo de 1985, fue el primer disco de oro de la banda, convirtiéndose además en el primer álbum de metal cristiano en alcanzar dicha distinción. El álbum se publicó originalmente en vinilo blanco. Aprovechando este inesperado éxito, y en un intento de compensar el lanzamiento extremadamente limitado del E.P. anterior, su sello discográfico relanzó «The Yellow and Black Attack» el 10 de agosto de 1986 con dos nuevos temas y una nueva portada. Ese mismo año se publica el video en directo «Live in Japan», filmado el 8 de julio de 1985 durante la gira de Stryper en apoyo de su primer álbum.

El tercer álbum de Stryper, «To Hell with the Devil», fue lanzado el 24 de octubre de 1986 y fue platino después de pasar tres meses en las listas de álbumes de Billboard, finalmente vendió más de 2 millones de copias. Además de ser el disco más exitoso de Stryper, fue tanto el primer álbum de música cristiana contemporánea como de metal cristiano en lograr esta hazaña, y se mantuvo como el disco de metal cristiano más vendido hasta la publicación del álbum de POD «Satellite» de 2001. Los tres sencillos fueron éxitos tremendamente populares de MTV en 1987, siendo de las canciones más solicitadas en el programa Dial MTV. También fueron la segunda banda cristiana en salir en MTV. El sencillo «Honestly» es la canción más alta en listas de Stryper, alcanzando el puesto 23 en las listas Top 40. El álbum recibió una nominación a los Grammy a la mejor interpretación gospel por un dúo, grupo o coro.

«Matt Hurich y sus 15 minutos de gloria»

El bajista Tim Gaines no participó en la grabación de «To Hell with the Devil», al parecer Michel Sweet pensaba que no era el bajista adecuado para la grabación del álbum. Durante un breve período de tiempo antes del lanzamiento del disco fue reemplazado por Matt Hurich. Hurich no estuvo con la banda más de un mes, aunque se le «equipó» con un bajo rayado y un traje de carreras amarillo y negro e incluso aprecio en fotos promocionales del álbum. Finalmente Brad Cobb tocó el bajo en el álbum. Sin embargo, cuando se tomaron las fotos promocionales del álbum, Gaines regresó a la banda y posteriormente participó en su exitosa gira mundial. En 1987, la banda encabezó el Dynamo Open Air Festival en los Países Bajos. A mediados de 1986, Kenny Metcalf (teclista de directo desde los inicios de la banda) abandonó la gira y fue reemplazado por Brent Jeffers, quien luego estuvo de gira con Stryper hasta 1990.

El cuarto álbum de Stryper, «In God We Trust», lanzado el 28 de junio de 1988, también fue oro, y la canción «Always There for You» entró brevemente en los niveles más bajos de las listas de éxitos, alcanzando el puesto 71 a pesar de ser otro gran éxito en MTV. Sin embargo, el sonido del álbum estaba más orientado al pop que los lanzamientos anteriores y varios críticos, así como fans de Stryper, criticaron el disco por estar sobre producido. Además, la imagen de la banda se acercaba aún más al look glam metal de la época, dando a los fans algo más que criticar. Estos factores llevaron a menores ventas, y el álbum pasó solo cinco semanas en las listas de Billboard. El segundo sencillo alcanzó su punto máximo en el puesto 88 y un tercer sencillo ni tan siquiera llegó a las listas. Como en el disco anterior, Tim Gaines no participó en la grabación (Brad Cobb volvió a tocar el bajo) pero luego se reincorporó al grupo para otra gira mundial. In God We Trust obtuvo dos premios GMA Dove (algo así como los Grammys católicos) por «Hard Music Album» y «Hard Music Song» por la canción que daba titulo al álbum.

Declive y ruptura.

«Adios al amarillo y negro»

El 21 de agosto de 1990, Stryper lanzó el controvertido álbum «Against the Law», que cambió drásticamente la imagen y el mensaje lírico de la banda. Si bien todos sus álbumes anteriores tenían colores amarillo y negro en las portadas y la letra hablaba de Dios y la salvación, «Against the Law» presentaba a la banda con ropa de cuero negro y sin ninguna mención de la palabra «Dios» en sus letras. El sonido de la banda también era más pesado, más cercano al metal clásico. El bateria Robert Sweet dijo que el cambio de imagen y sonido fue en respuesta a las críticas del álbum anterior y un intento de dejar atrás su imagen de glam metal. El álbum se vendió mal. Esto se debió en parte a los rumores en la prensa (tanto convencional como cristiana) de que la música de Stryper tenía una tendencia hacia un sonido más convencional a medida que su fe cristiana se debilitaba. Los singles y sus correspondientes videos no tuvieron en MTV la repercusión de antaño. A pesar de todo ello, muchos críticos consideraban el álbum como la mejor producción musical de Stryper hasta la fecha.

El 20 de julio de 1991, después de firmar con Hollywood Records por el ejecutivo del sello Wesley Hein (quien originalmente los había firmado para Enigma Records ), Stryper lanzó una colección de grandes éxitos llamada «Can’t Stop the Rock», que incluía dos nuevas canciones. La banda continuó de gira hasta febrero de 1992, cuando el líder Michael Sweet dejó la banda para emprender una carrera en solitario citando diferencias artísticas. A principios de 1992, Stryper cumplió algunos compromisos en Europa como trío con Oz Fox como voz principal así como dos shows en Estados Unidos con Dale Thompson, vocalista de la banda de metal cristiano Bride, con la esperanza de que se uniera a la banda. Durante uno de los conciertos Robert Sweet anunció inesperadamente que Dale Thompson sería su nuevo cantante principal. Esto, sin embargo, fue luego negado por Thompson. A principios de 1993, la banda tocó en varias fechas europeas más como un trío con su último concierto el 27 de marzo de 1993 en Suiza. Al regresar a los Estados Unidos, los miembros restantes decidieron tomar caminos separados.

Reunión.

En 2000, se llevó a cabo la primera «Stryper Expo» en Nueva Jersey, y por primera vez en 8 años se subió al escenario la alineación completa de Stryper. Ese mismo año, se realizó un concierto en Costa Rica en el que tocaron los cuatro integrantes. Una segunda «Stryper Expo» tuvo lugar en Los Ángeles en 2001. En 2003 Hollywood Records pidió a los ex miembros de Stryper que grabaran pistas para un nuevo grandes éxitos. El recopilatorio fue lanzado ese mismo año bajo el titulo de «7: The Best of Stryper», con el añadido de dos nuevas canciones, marcando la primera música nueva de Stryper desde principios de la década de 1990. A este nuevo lanzamiento le siguió una gira de apoyo, tocando 36 shows en los Estados Unidos y acabando la gira en San Juan, Puerto Rico. En 2004 se lanzó «7 Weeks: Live in America, 2003» el octavo lanzamiento y el primer álbum en vivo de la banda, registrado durante la gira de reunión de la banda en 2003. Además se grabó un DVD en vivo, titulado «Stryper: Live in Puerto Rico» durante su concierto en San Juan, Puerto Rico. En principio debía de acompañar al C.D. Finalmente el DVD se lanzó en septiembre de 2006. Ese espectáculo en Puerto Rico resultó ser el último de la formación original de Stryper ya que Gaines y la banda se separaron en 2004. El bajista Tracy Ferrie lo reemplazó.

La banda decidió continuar de gira en 2004 y en 2005 su publica «Reborn», el primer álbum de larga duración con material nuevo desde «Against the Law» en 1990. «Reborn» estaba programado para ser un disco en solitario de Michael Sweet, pero el resto de la banda lo vio como un disco de Stryper. Michael Sweet convenció a su discográfica (Big3 Records), que lo había contratado para un lanzamiento en solitario, de convertirlo en un contrato discográfico con Stryper. El sonido del álbum es más contemporáneo en comparación con sus discos anteriores. También es más pesado con un sonido más maduro que su material anterior. «Reborn» fue lanzado con una variedad de carátulas, según el formato y la región. La portada alternativa de EE.UU. se creó para los medios discográficos (como las librerías cristianas) donde la portada original podía haber sido percibida como demasiado perturbadora u ofensiva.

El 21 de julio de 2009 se publico «Murder by Pride». Un año antes, el primer sencillo del álbum, «Peace of Mind», debutó en el numero 27 en Christianrock.net el y alcanzó el puesto 1 el 22 de febrero de 2009. La pista es una versión de Boston. Michael Sweet fue miembro de gira de Boston durante varios años, antes de separarse amistosamente en 2011. Robert Sweet no tocó en el álbum porque perdió el C.D. con las demos y no pudo aprender el material a tiempo para grabar. Según Michael Sweet , habría tardado entre siete y diez días más en grabar la batería con Robert, pero no tenían el tiempo ni el presupuesto para hacerlo. Como resultado, Kenny Aronoff grabó las partes de batería en tan solo tres días. Robert Sweet estuvo presente en la gira que apoyó el álbum, así como en la conmemoración del 25 aniversario de Stryper. En 2010 Tim Gaines vuelve a la banda publicando principios de 2011 «The Covering», una colección de doce versiones de bandas que inspiraron y ayudaron a Stryper a dar forma al sonido y la identidad musical de la banda. El álbum también incluye un nuevo tema. La banda, cambio de compañía y firmó un contrato con Frontiers Records quien lanzó en 2013 «Second Coming» con catorce canciones clásicas regrabadas, así como dos canciones nuevas. A finales de año se pone a la venta un nuevo álbum «No More Hell to Pay», de nuevo con un sonido mas moderno y maduro, sin perder las melodías y el sello característico de Stryper. El álbum vendió alrededor de 9,600 copias en los Estados Unidos en su primera semana de lanzamiento, debutando en la posición numero 35 en la lista Billboard 200, siendo el segundo álbum cristiano más vendido la misma semana. En las otras listas, fue el álbum numero 6 más vendido en la lista Top Rock Albums, el numero 3 Top Hard Rock Albums, y se ubicó en el numero 6 en la lista de los álbumes independientes.

En 2014 se lanzó el CD/DVD «Live at the Whiskey», grabado en el mítico Whiskey A Go Go. Un año mas tarde se publica «Fallen». El álbum continua con el sonido de su anterior trabajo. En septiembre de 2016, Michael Sweet anunció que la banda haría una pausa debido a problemas personales que afectaban al bajista Timothy Gaines. La pausa comenzó cuando la banda completó la gira del 30 aniversario de «To Hell With the Devil». Sweet dijo que no continuarán sin Gaines ya que la banda hizo un pacto para permanecer juntos. Gaines confirmó mas tarde que ya no era miembro de la banda. El resto de componentes emitió un comunicado informando que Gaines había sido despedido de la banda. Gaines afirmó que lo habían expulsado de la banda después de recibir un ultimátum. Perry Richardson (ex Firehouse) fue anunciado como el nuevo bajista el 30 de octubre de 2017. en 2018 se publica «God Damn Evil» con John O’Boyle como bajista, ya que Perry Richardson no pudo hacerlo debido a conflictos de programación. El título del álbum («Maldita sea la maldad») fue objeto de controversia y algunas tiendas de música cristiana e incluso la cadena de supermercados Walmart se negaron a vender el C.D.

«Lo mas reciente de Stryper»

En 2020 se publicó «Even the Devil Believes», ultimo trabajo de Stryper hasta la fecha. El guitarrista Oz Fox se sometió a principios de marzo de 2021 a una primera cirugía cerebral para extraer dos tumores que le fueron detectados en 2018. El guitarrista Howie Simon, habitual miembro de la banda de Jeff Scott Soto, sustituyó a Fox en varios conciertos. A día de hoy Fox esta totalmente recuperado. Hace escasamente unos meses Stryper informo de la creación de un documental de la banda en forma de crowfunding, donde además los fans pueden contar sus vivencias y anécdotas relacionadas con el grupo.

Musica, imagen y religion.

«¿De lado se toca mejor?»

Durante la década de 1980, Stryper representó el popular estilo glam metal de la época, caracterizado por interpretaciones altamente visuales, melenas que desafiaban a la ley de la gravedad, solos dobles de guitarra y los gritos agudos de Michael Sweet. Un elemento característico de la banda era que todos sus atuendos, decorados e instrumentos estaban pintados con rayas amarillas y negras. La banda explicó el simbolismo de las rayas: una referencia directa a los latigazos que Poncio Pilato ordeno dar a Jesús. Una característica de los directos de la banda fue la práctica del batería Robert Sweet de girar su enorme batería de lado a la audiencia para que la multitud pudiera verlo tocar.

«Con salmos y proverbios…metal y salvación»

Otra de sus peculiaridades de sus actuaciones era la de arrojar al publico Biblias (ediciones del Nuevo Testamento con las etiquetas adhesivas del logotipo de la banda adheridas a ellas. Como protesta contra los símbolos «666» populares entre muchos fanáticos del heavy metal de la época, Stryper promovió un símbolo numerológico alternativo: el numero «777», que posteriormente se volvió bastante popular entre los metaleros cristianos. Aunque la Biblia no hace referencia al número «777» (a diferencia del 666, que se menciona en El libro de Apocalipsis como El número de la bestia ), el número «777» es tradicionalmente (en el simbolismo cristiano) asociado con la perfección divina. En algunos de los escenarios de la banda aparecen tachados el «666» o la palabra «DEVIL» (diablo).

«El grupo consigue que los huraños fans de Twisted Sister aplaudan y señalen con los dedos rechonchos hacia el cielo, una refutación del saludo con dos dedos de los «cuernos del diablo» de muchos grupos de metal.

Los Angeles Times (1985)

Stryper fue la primera banda de heavy metal abiertamente cristiana en ganar reconocimiento en el mundo de la música convencional. «The Yellow and Black Attack» fue impulsado por el éxito del grupo en Japón, que se debió en gran parte al respaldo de la banda por parte del famoso crítico de rock Masa Itoh, el hombre que gobernó la escena del hard rock/ metal japonés. Itoh había oído hablar de Stryper, se puso en contacto con su manager Daryn Hinton y le gustó lo que escuchó. Cuando le dio a la banda una crítica positiva en la biblia del heavy metal de Japón, la revista ¡Burrn! y «pinchó» el álbum en su programa de radio, Stryper de repente se encontró en la cima del metal en Japón con un disco que estaba vendiendo más que Mötley Crüe, Bon Jovi y todas las demás bandas de metal. Esto llevó a la banda a firma con CBS Sony en Japón. Stryper no ha estado libre de controversias. Muchos críticos cristianos no aprobaron la asociación del grupo con la subcultura del heavy metal, que a menudo se ha asociado con imágenes satánicas. Otros detractores cristianos vieron los llamativos trajes de la banda como incongruentes con la modestia en la vestimenta que a menudo se asocia con los practicantes sinceros del cristianismo devoto. ​​El televangelista Jimmy Swaggart fue especialmente crítico con la banda, comparando la práctica de Stryper de distribuir el Nuevo Testamento en sus shows con «arrojar perlas a los cerdos». Sin embargo, la critica de Swaggart no fue una sorpresa, ya que Stryper fue apoyado por el rival de Swaggart, Jim Bakker, quien aparecía en los agradecimientos de varios álbumes del grupo. Stryper ha vendido más de 10 millones de discos en todo el mundo, y se estima que dos tercios de sus álbumes fueron comprados por no cristianos. El ultimo miembro den incorporarse a Stryper, Perry Richardson, nos lleva a la siguiente banda, FireHouse.

Formados en 1984 por el guitarrista Bill Leverty y el batería Michael Foster miembros de White Heat a quienes se les unieron el vocalista C.J. Snare y el bajista Perry Richardson procedentes de la banda Maxx Warrior. Dado que el nombre de la banda de Leverty y Foster (White Heat) estaba registrado, la banda eligió FireHouse en su lugar. En diciembre de 1989, Michael Caplan de Epic Records vio a la banda en directo e inmediatamente les ofreció un contrato discográfico. En 1990, se lanzó el álbum debut homónimo de la banda con gran recibimiento por parte de la critica, vendiendo más de dos millones de copias en los Estados Unidos siendo certificado doble platino. El tercer y más exitoso single de la banda, alcanzó el tercer lugar vendiendo más de 500.000 copias. El álbum se convirtió en oro en Canadá, Singapur y Japón. La banda siguió su impresionante debut con «Hold Your Fire» de 1992. Aunque no alcanzó el éxito de su predecesor, debido a la reciente explosión del grunge y el rock alternativo, «Hold Your Fire» produjo tres sencillos y fue certificado oro en los Estados Unidos. La balada «When I Look into Your Eyes» se convirtió en el único single en llegar al Top 10 en los Estados Unidos. En 1995 se publica su tercer álbum titulado «3» y a pesar de ser algo mas flojo que los anteriores lanzamientos y de la disminución de éxito en Estados Unidos este álbum les dio mas éxito en el exterior que ningún otro. Fue certificado oro en varios países asiáticos, lo que le dio a la banda la oportunidad de realizar giras en países como India y Tailandia. El sencillo principal del álbum fue la tercera balada Top 20 de la banda en los Estados Unidos. FireHouse fue la única banda de su género que logró tener un éxito Top 20 en 1995, sin haber hecho cambios drásticos en su sonido. «Good Acoustics» Fue lanzado en 1996. El álbum contó con versiones acústicas de varios de los mayores éxitos de la banda además de incluir cuatro canciones nuevas. El álbum fue certificado oro en seis países de todo el mundo, incluidos Malasia, Tailandia y Filipinas lo que hizo que la banda realizaras mas giras por el sudeste Asiático. Poco después, la banda pidió ser liberada de su contrato debido a la falta de promoción de su sello en los Estados Unidos, firmando con Pony Canyon de Japón, con los que lanzaron en 1998 (en 1999 en los Estados Unidos) «Category 5». El álbum presentaba un sonido diferente y más experimental en comparación con los álbumes de hard rock anteriores de la banda. El 22 de abril de 1999, FireHouse grabó un show en vivo en Osaka, Japón y lo lanzó a finales de ese año bajo el título de «Bring ‘Em Out Live». En 2000, la banda se separó del bajista Perry Richardson debido a un conflicto personal y contrató a Bruce Waibel, quien había tocado en The Gregg Allman Band durante 10 años. Ese mismo año lanzan su siguiente álbum, «O2». Tras la gira de 2002, Waibel se separó de la banda para pasar más tiempo con su familia. Un año después, Waibel murió inesperadamente a los 45 años. Inicialmente, Waibel fue reemplazado por el brasileño Dario Seixas, quien tocó el bajo en el siguiente álbum de la banda publicado en 2003 (de nuevo editado un año mas tarde en EE.UU.), «Prime Time», pero Seixas dejó la banda poco después, por lo que FireHouse anunció a Allen McKenzie como nuevo bajista. En 2011, la banda lanzó su octavo álbum de estudio titulado «Full Circle», que incluía versiones regrabadas de algunas de sus canciones más populares. Uno de sus ex componentes, el bajista brasileño Dario Seixas, nos lleva a la siguiente banda o mejor dicho al proyecto del ex batería de Scorpions Herman Rarebell y su proyecto en solitario.

Bajo el nombre de Herman Rarebell & Friends se presenta el que fuera batería de Scorpions, Herman Rarebell con álbum publicado en 2014 titulado «Herman’s Scorpions Songs», donde se incluyen, además de un tema nuevo, versiones de clásicos de su ex banda con diferentes vocalistas, incluyendo Don Dokken (Dokken), Jack Russell (Great White), Tony Martin (Black Sabbath) o Doogie White (Rainbow). También cuenta con el ya mencionado Dario Seixas al bajo, el guitarrista Chris Hasler y el español José Antonio Rodríguez (guitarrista de flamenco que ya participó en el anterior trabajo del alemán donde también tocaba temas de Scorpions en formato acústico). Quien participa en el álbum, y de forma muy activa, es el musico alemán Michael Voss (Mad Max) cantando uno de los temas además de tocar la guitarra y el bajo, grabar, mezclar y masterizar el álbum. Voss fue en los 90 musico de gira de Bonfire y miembro de esta banda de hard rock llamada Casanova.

Banda creada a principios de la década de 1990 por el productor Henry Staroste, y formada por el cantante y guitarrista Michael Voss el batería Michael Eurich, el bajista Jochen Mayer y el guitarrista Stephan Neumeier. El álbum debut homónimo de la banda fue lanzado en 1991 por WEA Records. Casanova ganó un gran numero de fans en el territorio asiático, dando como resultado el E.P. en vivo «Inbetween», también lanzado en 1991. En 1992 se publica el siguiente álbum, “One Night Stand” que vio al bajista Jurgen Attig dejar la banda siendo reemplazado por Jochen Mayer, además de otro E.P. «One of These Days». En 1993 se lanza el disco acústico «Some Like It Different…Acoustic», que fue producido por el guitarrista de Accept Wolf Hoffmann. La era del grunge puso punto y final en la relación entre la banda y el sello discográfico. Años después la escena musical volvió un poco a la normalidad y una fantástica oferta de Japón en 1999 dio como resultado un nuevo álbum que se tituló «Heroes», seguido del E.P. «Sway». En 2004 se publico «All Beauty Must Die» lo que a día de hoy es su ultimo trabajo. El batería de Casanova, Michael Eurich fue miembro de esta otra banda germana llamada Warlock.

El primer núcleo de la banda se formó bajo el nombre de Snakebite en Düsseldorf, Alemania, en 1980, y estaba compuesto por Doro Pesch a la voz, Michael Bastian a la guitarra, Frank Rittel al bajo y Thomas Franke a la batería. Franke pronto fue reemplazado por Michael Eurich y, justo antes de disolverse, Snakebite adquirió al zurdo Peter Szigeti como segundo guitarrista. En octubre de 1982 Pesch, Szigeti y Eurich formaron una nueva banda con Thomas Studier al bajo y el guitarrista Rudy Graf, a quien se le ocurrió el nombre de Warlock. Después de grabar una demo de cuatro temas y enviarla a varios sellos discográficos y revistas de música, la banda obtuvo un contrato con el sello independiente belga Mausoleum Records. Frank Rittel se unió a Warlock en el bajo antes de que comenzaran a grabar su álbum debut «Burning the Witches» publicado en 1984. El álbum fue bien recibido por la crítica y los fans y Warlock realizaron una gira por primera vez fuera de Alemania. Desafortunadamente, la mala distribución y la mala financiación de la gira por parte del sello discográfico paralizaron el potencial comercial del álbum, dejando a la banda profundamente insatisfecha con Mausoleum. A principios de 1985, la banda firmó un contrato con el sello Phonogram y grabó su segundo álbum «Hellbound», lanzado en mayo de 1985 por Vertigo Records en Europa. La banda comenzó a recibir atención de los medios y apareció en programas de televisión en el Reino Unido y Alemania. Su primera gira europea los llevó al Camden Palace Theatre de Londres, donde se filmó el concierto para el primer video de Warlock, «Metal Racer». La presentación en vivo de Warlock fue recibida con una crítica muy positiva en la revista británica Kerrang!. Tras la gira el guitarrista Rudy Graf dejó la banda y fue reemplazado por Niko Arvanitis. Esta formación grabó el álbum «True as Steel» publicado en 1986 y mezclado en Estados Unidos por Michael Wagener. El álbum no fue un gran éxito, pero en Alemania se convirtió en el álbum de Warlock que más alto llego en las listas de ventas, alcanzando el número 18, además de obtener una buena difusión en la radio en los EE.UU. El 16 de agosto de 1986, Doro Pesch fue la primera mujer en encabezar una banda en el festival Monsters of Rock en Castle Donington, Inglaterra, donde Warlock tocó en el mismo escenario de Motörhead, Def Leppard, Ozzy Osbourne y Scorpions. Después de la gira de «True as Steel», Pesch pasó un tiempo en los Estados Unidos con el nuevo manager Alex Grob para promover la banda y organizar giras y grabaciones en Estados Unidos. Al mismo tiempo, Szigeti y Rittel decidieron dejar la banda, aparentemente reacios a afrontar el compromiso que implicaría un traslado a Estados Unidos. Fueron reemplazados por los músicos estadounidenses Tommy Bolan y Tommy Henriksen.

«El triunfo y la agonía»

Con la nueva formación, Warlock grabó en Estados Unidos su cuarto y último álbum de estudio, «Triumph and Agony» , publicado en 1987 y convirtiéndose en el álbum más vendido de Warlock, obteniendo el oro en Alemania y el puesto 80 en la lista de álbumes Billboard 200 de EE.UU. Tras la gira Eurich y Arvanitis abandonaron la banda y fueron reemplazados por el batería Bobby Rondinelli (ex Rainbow) y el guitarrista Jon Levin (actual guitarrista de Dokken que a veces aparecía etiquetado erróneamente como Jon Devin). A finales de 1988, Doro Pesch seguía siendo el único miembro original y el único alemán que seguía en la banda. En ese momento, Peter Zimmermann, el ex-mánager de la banda, demandó por los derechos del nombre y el merchandiding de la banda, y ganó. Pesch continuó luchando por el nombre, pero aceptó la proposición del sello discográfico para cambiar el nombre de la banda a DORO para continuar su carrera en solitario. Doro Pesch se reunió con Szigeti, Arvanitis, Rittel y Eurich para actuar como Warlock en su concierto de celebración del 20 aniversario en Düsseldorf el 13 de diciembre de 2003 y más tarde en el festival Wacken Open Air de 2004. Más problemas legales sobre el uso del nombre Warlock se produjeron con el ex guitarrista de la banda Rudy Graf y desde entonces las apariciones de la banda reunida en festivales y conciertos especiales fueron anunciadas como Warlock 1986. En 2011, después de años de batallas legales, Pesch finalmente recuperó los derechos sobre el nombre de Warlock. Frank Rittel, Peter Szigeti y el ex batería de Snakebite (germen de Warlock) Thomas Franke tocaron en 1987 en el primer álbum en solitario del ex cantante de Accept Udo Dirkschneider.

Tras la salida de Udo Dirkschneider de Accept en 1987, formó su propia banda llamada UDO. Reclutó a los guitarristas Mathias Dieth y Peter Szigeti, al bajista Frank Rittel y al batería Thomas Franke. Lanzaron su álbum debut titulado «Animal House» en 1987, que fue escrito íntegramente por el tandem habitual de compositores de Accept., los propios miembros de la banda Accept y Deaffy (Gaby Hoffmann, manager de la banda y casada con su guitarrista Wolf Hoffmann). El siguiente álbum, «Mean Machine», fue lanzado en 1989. La banda cambió a un enfoque más ligero con el tercer álbum «Faceless World», publicado en 1990, logrando un gran éxito, convirtiéndose en su álbum más vendido hasta ahora. Fue producido por el ex batería de Accept Stefan Kaufmann, quien mas tarde pasaría a formar parte de la banda como guitarrista. El cuarto álbum «Timebomb» se publicó un año después. En 1996, tras su segunda salida de Accept, Dirkschneider reactivó UDO, publicando en 1997 «Solid», al que siguió «No Limits» de 1998 y «Holy» de 1999. La gira generó el primer álbum en vivo «Live from Russia», un doble CD con muchas de las canciones clásicas de Accept que fue lanzado en 2001,. Mas tarde llegarían «Man and Machine» (2002), «Thunderball» (2004) y «Mission No. X» (2005), acabando la segunda década del año 2000 con «Mastercutor» de 2007 y «Dominator» de 2009. El decimotercer álbum de estudio de UDO, «Rev-Raptor» fue lanzado en 2011. En 2012, Stefan Kaufmann anunció su salida de la banda por motivos de salud, un año mas tarde UDO publica «Steelhammer». En 2015, coincidiendo con la incorporación a la banda del hijo de Udo Dirkschneider, Sven a la batería, se publica el decimoquinto álbum de estudio de UDO, «Decadent». «Steelfactory» se editó en 2018 y durante la gira de 2020 se graba en vivo la actuación del 18 de septiembre en Plovdiv (Bulgaria), para lanzarlo en 2021 bajo el titulo de «Live In Bulgaria 2020 – Pandemic Survival Show». El decimoséptimo álbum de estudio «Game Over» fue lanzado poco después. Udo Dirkschneider saltó a la fama como vocalista de la banda Accept, quienes ya fueron protagonistas de uno de los episodios del blog https://rockencadena.home.blog/2018/12/19/programa-no2/, y precisamente con ellos continuamos y con el álbum que el grupo publicó tras la salida del pequeño Dirkschneider.

Tras la marcha de Udo Accept comenzó a audicionar vocalistas. La banda probó a algunos cantantes, incluidos Michael White (vocalista de The Boyz, banda de los Dokken Lynch y Brown), Ken Tamplin (Shout) y Rob Armitage, con el que grabaron algunas demos e incluso presentaron en fotos promocionales y entrevistas de revistas de metal. Armitage también actuó en vivo con la banda y uno de los shows con él fue reseñado por la revista Metal Hammer. Sin embargo, se eligió al vocalista estadounidense David Reece y esta nueva formación grabó y lanzó «Eat the Heat» en 1989.

«Accept 1989»

Fue grabado en Dierks-Studios, propiedad del famoso productor alemán Dieter Dierks (quien produjo el álbum). A pesar de que Jim Stacey se presenta como guitarra ritmica en el álbum, en los créditos se indica que todo el trabajo de guitarra fue interpretado por Wolf Hoffmann. Jim Stacey tocó en vivo con la banda hasta «Blood of the Nations» de 2010. Udo contribuye en los coros de uno de los temas del álbum e incluso tocó uno de ellos con su banda UDO en la recopilación de 2001 «A Tribute to Accept II». Accept más tarde grabó «Generation Clash II» basado en «Generation Clash» con Udo Dirkschneider en la voz para su álbum de 1994 «Death Row». La primera etapa de la gira consistió en actuaciones de la banda como cabeza de cartel en pequeños clubes de los Estados Unidos durante aproximadamente dos meses. Kaufmann sufrió una lesión en la espalda durante este período y fue reemplazado por el batería de House of Lords, Ken Mary. Accept luego comenzó la gira norteamericana de W.A.S.P como grupo invitado junto a Metal Church. La gira en general fue una decepción, plagada de bajas cifras de asistencia y una incapacidad para conquistar al publico estadounidenses al que la banda esperaba atraer con esta nueva formación. La banda decidió que sin Kaufmann, y con las diferencias que surgieron con Reece (incluida una supuesta pelea detrás del escenario en el Vic Theatre de Chicago entre Reece y Baltes), era hora de cesar sus actividades por el momento lo que llevó a la banda a separarse, cancelando la gira poco después. Poco después el bajista Peter Baltes pasó a formar parte de la banda que acompaño al vocalista de Dokken en su primer trabajo en solitario.

A finales de la década de 1980, la tensión personal entre Dokken y Lynch pasó factura a la banda. En 1988, después de la gira Monsters of Rock Tour y un nuevo álbum de platino, Don Dokken decidió romper la banda y los miembros de Dokken tomaron caminos separados. Don Dokken originalmente quería continuar bajo el apodo de Dokken, pero dado que los otros tres miembros compartían la propiedad parcial sobre el nombre del grupo se vio obligado a publicar su próximo álbum con su propio nombre, convirtiéndose en su primer álbum en solitario. El álbum, titulado «Up from the Ashes», fue lanzado en 1990 y era muy similar al sonido de Dokken. Este proyecto era una especie de supergrupo, formado por los guitarristas John Norum (ex Europe en ese momento y mas tarde miembro de Dokken) y Billy White (ex Watchtower), el bajista Peter Baltes (ex Accept) y el batería Mikkey Dee (ex King Diamond, Motörhead y Scorpions). El batería original de la banda de Don Dokken fue Hempo Hildén, anteriormente en la banda de John Norum, pero fue reemplazado después de algunas sesiones de fotos y no toca en el álbum. El álbum no logró el éxito comercial logrado por Dokken, pero alcanzó el Top 50 en la lista de álbumes Billboard 200 en los EE.UU. Estos factores unidos a la baja popularidad del estilo en esos días y a que tres de los cinco miembros residían en Europa (haciendo mas caros los desplazamientos para ensayos y demás) hicieron que el proyecto durara tan solo una gira. Sin duda de todos los músicos involucrados en este proyecto el mas «polifacético» es sin duda el batería Mikkey Dee, el cual ha participado en innumerables bandas, proyectos y álbumes, como en este de la banda norteamericana Liberty ´n Justice.

Banda cristiana de hard rock fundada en 1991 por el bajista Justin Murr y el vocalista Patrick Marchand. Hasta el 2001 la banda lanzó cuatro discos con varios músicos entre sus filas. Principalmente el grupo era conocido dentro de la comunidad cristiana de Estados Unidos donde realizaba giras y conciertos. En 2002, Murr continuó con el nombre de Liberty N ‘Justice, y se puso en contacto con varios artistas conocidos para que se unieran a él, desde entonces los trabajos de Liberty n´ Justice han contado entre otros con los vocalistas Jamie Rowe de Guardian y AdrianGale, Lou Gramm de Foreigner, Robert Fleischman de Journey, Sebastian Bach de Skid Row, Oni Logan de Lynch Mob o Jani Lane de Warrant, siendo uno de los temas de esta banda la ultima grabación de Lane antes de morir. También contaba con guitarristas como Tommy Denander, JK Northrup, Bill Leverty de Firehouse, Chris Holmes de W.A.S.P., Eddie Ojeda de Twisted Sister, Pete Lesperance de Harem Scarem o Phil Collen de Def Leppard, asi como bajistas de la talla de Jeff Pilson de Dokken o Jerry Dixon de Warrant y baterías como el antes mencionado Mikkey Dee. Y entre todos estos músicos miembros de la banda protagonista de este episodio, Stryper, con los que finalizamos este blog. Espero que hayáis disfrutado con la lectura, y ya sabes, sube el volumen y disfruta!!!…Feliz 2022!!!

Episodio Nº36

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Bienvenidos a tod@s. Estamos de celebración en el podcast, nada mas y nada menos que tres años desde aquel primer episodio dedicado a Dokken. Y como viene siendo habitual intento darme un capricho dedicándoselo a bandas muy ligadas a mi. Esta vez lo hacemos con una banda que ha sido capaz de «tocar» todos los estilos musicales haciendo de su grupo el mas grande de la historia, con unas harmonías vocales únicas convirtieron muchos de sus temas en himnos atemporales. Ellos son Queen.

«Es raro que tengas dificultades para etiquetar una banda. Si eres una banda de heavy metal, debes parecer y sonar como una banda de heavy metal, pero no puedes llamar a Queen de ninguna manera. Podrían ser una banda de pop un día o la banda que escribió ‘Bicycle Race’ al día siguiente y una banda de metal en toda regla al siguiente. En términos de la profundidad del panorama musical que cubrieron, era muy similar hasta cierto punto a los Beatles».

Rob Halford sobre Queen.

Fundacion.

Los miembros fundadores de Queen se conocieron en el oeste de Londres a finales de la década de los 60. El guitarrista Brian May formó en 1964 el grupo 1984 (llamado así por la novela de Orwell ) con el cantante Tim Staffell, mas tarde se convertirían en Smile con Staffell (ahora tocando el bajo) y el teclista Chris Smith. Tras colocar un anuncio buscando batería, Roger Taylor, audicionó y consiguió el puesto. Smith dejó el grupo a principios de 1969. Freddie Bulsara, compañero de estudios de Staffell, se convirtió en una gran fan de Smile, intentando incluso conseguir el puesto de cantante principal, pero May pensaba que Staffell no renunciaría a ese papel. En 1970, Staffell dejó Smile, mas interesado en Soul y R&B que en el sonido de hard rock del grupo. Los miembros restantes aceptaron a Bulsara como cantante principal y reclutaron al amigo de Taylor, Mike Grose, como bajista. Bulsara sugirió que el grupo debería cambiarse de nombre a Queen, algo que en principio no fue visto con buenos ojos por el resto de la banda. Al mismo tiempo, Bulsara, decidió cambiar su apellido a Mercury. El grupo atrajo la atención del productor John Anthony, quien estaba interesado en el sonido del grupo pero pensó que tenían al bajista equivocado. Grose decidió no continuar con la banda y fue reemplazado por Barry Mitchell. A su vez, Mitchell se fue en enero de 1971 y fue reemplazado por Doug Bogie en dos conciertos. En febrero de 1971, John Deacon se unió a Queen.

Los 70. Comienza la leyenda.

«Comienza la leyenda»

May llamó a Terry Yeadon, un ingeniero de «Pye Studios» donde Smile había grabado anteriormente, para ver si sabía dónde podía grabar Queen. Yeadon se había mudado a las nuevas instalaciones de «De Lane Lea Studios» en Wembley , y necesitaban un grupo para probar el equipo y las salas de grabación, así que propuso a Queen grabar algunas demos a cambio de las pruebas acústicas del estudio. Grabaron cinco de sus propias canciones, y durante la grabación, John Anthony visitó la banda con el famoso productor Roy Thomas Baker. Este último pensó que «Keep Yourself Alive» sería un éxito y comenzó a mover el grupo por las discográficas.

El promotor Ken Testi contactó con Charisma Records, quien ofreció a Queen un anticipo de alrededor de 25.000 libras, pero el grupo los rechazó al darse cuenta de que el sello promocionaría mas a Genesis, en ese momento su banda estrella. Anthony y Baker recomendaron a Queen a Barry y Norman Sheffield, propietarios de los estudios Trident. Testi negoció con ellos, ofreciendo a la banda un acuerdo de management con Neptuno Producciones, una subsidiaria de Trident, para gestionar la banda y así poder utilizar sus instalaciones, mientras se buscaba un acuerdo con alguna compañía discográfica. Esto convenía a ambas partes, ya que Trident se estaba expandiendo hacia la representación de bandas y Queen podía hacer uso de las instalaciones de grabación de alta tecnología, aunque solo podían grabar durante el tiempo de inactividad, cuando nadie más estaba usando el estudio, que generalmente era entre las 3 am y las 7 am. Queen, aún sin firmar, promocionó el álbum inédito en febrero de 1973 en BBC Radio 1. Al mes siguiente, Trident logró llegar a un acuerdo con EMI Records y con Elektra Records en los Estados Unidos. Su álbum debut homónimo «Queen», lanzado el 13 de julio de 1973, fue producido por Roy Thomas Baker, John Anthony y los propios miembros de la banda. A pesar de grabarse mayoritariamente en Trident Studios, algunos de los temas se rescataron de las demos grabadas en De Lane Lea Music Centre. Deacon fue acreditado como «Deacon John» mientras que Taylor usó su nombre completo, Roger Meddows-Taylor. [29] El álbum fue bien recibido por la crítica, sin embargo, atrajo poco la atención del publico. El álbum fue certificado oro en el Reino Unido y los Estados Unidos.

«Queen II», segundo álbum de estudio de la banda, fue lanzado el 8 de marzo de 1974 y grabado en Trident Studios y Langham 1 Studios, de Londres, con los coproductores Roy Thomas Baker y Robin Geoffrey Cable. Este sea posiblemente el álbum más pesado de Queen, combinando un sonido de hard rock con elementos de rock progresivo. Los dos lados del L.P. estaban etiquetados como «Side White» y «Side Black» (en lugar de los lados convencionales «A» y «B»), con las correspondientes fotos de la banda vestida de blanco o negro en cada lado del disco. El álbum alcanzó el número cinco en la lista de álbumes británica y se convirtió en el primer álbum de Queen en las listas de Reino Unido. El sencillo principal alcanzó el número 10 en el Reino Unido, lo que le dio a la banda su primer éxito. En mayo de 1974, un mes después de la primera gira estadounidense de la banda como teloneros de Mott the Hoople, May enfermó y fue diagnosticada de hepatitis, lo que obligó a que toda la gira terminara antes. Gran parte del álbum fue escrito mientras May se recuperaba en el hospital. En 1974 se lanzó «Sheer Heart Attack». Partiendo de los temas progresivos de sus dos primeros álbumes, la banda compuso pistas de rock más convencionales y centradas en el pop experimentando con una variedad de géneros musicales, lo que marcó un paso hacia el sonido «clásico» de Queen. El primer sencillo del álbum, alcanzó el número 2 en las listas británicas y les proporcionó su primer éxito entre los 20 primeros en los EE. UU., alcanzando el número 12 en la lista de sencillos de Billboard, siendo el primer álbum de Queen en llegar al top 20 de EE. UU., alcanzando el número 12 en 1975. El álbum fue un éxito en ambos lados del Atlántico, lo que dio a la banda su primera experiencia real de éxito internacional.

A pesar del éxito, Queen todavía estaba atada al trato y los salarios de Trident. La banda era consciente de que el dinero no estaba siendo bien administrado ya que apenas disponían del suficiente como para vivir de su trabajo. EMI contactó al abogado Jim Beach, que trató de encontrar una forma de sacarlos de su contrato. Trident argumentó que habían invertido 200.000 libras en Queen y querían que les devolvieran su dinero. En agosto de 1975, después de su ruptura con Trident, la banda negoció su contrato y buscó una nueva agencia de management. Una de las opciones fue una oferta del manager de Led Zeppelin, Peter Grant , quien quería que firmaran con la propia compañia de Led Zeppelin, Swan Song Records. La banda sabia que seria una prioridad menor que Led Zeppelin y Bad Company (quien también firmó con Swan Song) y en su lugar se puso en contacto con el manager de Elton John, John Reid, quien aceptó el puesto. El cuarto álbum de estudio de Queen «A Night at the Opera» fue publicado el 21 de noviembre de 1975 y producido por Roy Thomas Baker y Queen, convirtiéndose en el momento de su lanzamiento en el álbum más caro jamás grabado, costando 40.000 libras y usando tres estudios diferentes. Las canciones incorporaron una amplia gama de estilos, como baladas, music hall, dixieland, influencias del hard rock y el rock progresivo. Tras su lanzamiento, «A Night at the Opera» encabezó la lista de álbumes del Reino Unido durante cuatro semanas no consecutivas. Alcanzó el puesto número cuatro en el Billboard 200 de los EE. UU. convirtiéndose en el primer álbum de la banda en ser certificado platino en los EE. UU. llegando al triple platino. La canción más conocida del álbum, «Bohemian Rhapsody «, fue inicialmente rechazada por EMI para ser lanzada como single, ya que era demasiado larga, exigiendo una edición de radio, a lo que Queen se negó. El amigo de Mercury, y D.J. de radio Kenny Everett , jugó un papel fundamental en la difusión del tema, ya que se le dio una copia promocional con la condición de que no la pinchara, pero terminó haciéndolo catorce veces durante un solo fin de semana. La centralita se colapso con llamadas de fans preguntando cuándo se lanzaría la canción. Con EMI obligado a lanzar «Bohemian Rhapsody» debido a la demanda del público, el sencillo alcanzó el número uno en el Reino Unido durante nueve semanas. Es el tercer sencillo más vendido de todos los tiempos en el Reino Unido, y el sencillo comercial más vendido (es decir, no con fines benéficos) en el Reino Unido. También alcanzó el número nueve en los Estados Unidos (un relanzamiento de 1992 alcanzó el número dos en el Billboard Hot 100 durante cinco semanas). Es el único sencillo que ha vendido un millón de copias en dos ocasiones distintas, y se convirtió en el número uno de Navidad dos veces en el Reino Unido, el único sencillo en hacerlo. El segundo sencillo del álbum alcanzó el puesto número dieciséis en el Billboard Hot 100 de EE. UU., entrando en el «top ten» de éxitos mundiales. El video se filmó en tres horas y costó 3.500 libras, cinco veces el presupuesto promocional típico.

El 10 de diciembre de 1976 se publicó «A Day at the Races» , convirtiéndose en el primer álbum completamente autoproducido de la banda y el primero en no contar con el productor Roy Thomas Baker. El álbum, al igual que su predecesor «A Night at the Opera», toman sus nombres de películas de los hermanos Marx, ( el más conocido de los hermanos Marx, Groucho Marx , invitó a Queen a visitarlo en su casa de Los Ángeles en marzo de 1977) además de compartir empaques parecidos y temas musicales similares. El álbum alcanzó el número uno en el Reino Unido, Japón y los Países Bajos, y el número cinco en el Billboard 200 de EE. UU., siendo el tercer álbum de Queen en convertirse en oro en los EE. UU., alcanzando posteriormente la certificación platino.

«Gracias Hermanos Marx»

Queen tocó un concierto histórico el 18 de septiembre de 1976, un concierto gratuito en Hyde Park , Londres, organizado por el empresario Richard Branson. El show estableció un récord de asistencia con 150.000 personas confirmadas en la audiencia. Queen llegó tarde al escenario y se quedó sin tiempo para tocar un bis; la policía informó a Mercury que sería arrestado si intentaba volver a subir al escenario.

El sexto álbum de estudio de la banda, «News of the World», fue lanzado en 1977, siendo cuatro veces platino en los Estados Unidos y dos veces en el Reino Unido. El álbum contenía dos de los himnos más reconocidos del rock, «We Will Rock You» y «We Are the Champions», que se convirtieron en himnos deportivos internacionales, este último alcanzó el número cuatro en Estados Unidos. La llegada del punk rock, liderado por los Sex Pistols, hizo que losa temas del álbum se alejaran del rock progresivo y más hacia la música rock más simple. Queen fue visto como la antítesis del punk, particularmente en sus influencias «gay» y su elaborada producción. En 1978 recibieron el premio Madison Square Garden Gold Ticket Award por superar las ventas de entradas de más de 100.000 unidades en el Madison Square Garden. En 1978, la banda lanzó «Jazz», que alcanzó el número dos en el Reino Unido y el número seis en el Billboard 200 en los Estados Unidos. El álbum fue de nuevo producido por por Roy Thomas Baker.

«Al menos parece que ese día hacia sol»
«Portada con retoque incluido»

Para promover el álbum (y el primer sencillo «Fat Bottomed Girls»/ «Bicycle Race») se llevó a cabo una carrera de bicicletas con mujeres desnudas. Mas tarde, se incluyó un póster en el L.P. del inicio de la carrera. El lanzamiento estadounidense no incluyó el póster, pero sí un formulario de pedido. Una porción más pequeña de la imagen del póster también se usó como portada alternativa para «Bicycle Race». La portada mostraba una vista trasera de una de las mujeres en su bicicleta, pero se pintaron unas bragas rojas para evitar la protesta pública. Cuenta la leyenda que la banda tomó prestadas las bicicletas de una tienda («Halfords», según las notas del álbum), pero al devolverlas se les informó que tendrían que comprar todos los asientos, ya que habían sido usados ​​de manera inapropiada (es decir, sin ropa).

En 1978, Queen realizó una gira por Estados Unidos y Canadá, y pasó gran parte de 1979 de gira por Europa y Japón. En 1979 lanzaron su primer álbum doble en vivo, «Live Killers», autoproducido por la banda y el primero en ser mezclado en sus propios estudios, Mountain Studios en Montreux, Suiza. El álbum alcanzó el número 3 en la lista de álbumes del Reino Unido y el número 16 en el Billboard 200 en los Estados Unidos, siendo certificado como doble platino en los Estados Unidos. Fuera de los Estados Unidos, Europa y Canadá, Elektra Records relanzó en 1985 una versión más corta y editada del álbum titulado «Queen Live».

Los años 80.

«Los 80…y Flash Gordon»

Queen debutó en la década de 1980 con «The Game». Contó con los sencillos «Crazy Little Thing Called Love» (lanzado un año antes convirtiéndose en el primer sencillo número uno de la banda en los Estados Unidos, donde encabezó el Billboard Hot 100 durante cuatro semanas) y «Another One Bites the Dust» , que en octubre de 1980 pasó tres semanas en el número uno, y que fue lanzado como single por sugerencia de Michael Jackson a Mercury en el backstage después de asistir a un concierto de Queen en Los Ángeles. El álbum encabezó el Billboard 200 durante cinco semanas, y vendió más de cuatro millones de copias en los Estados Unidos. También fue la primera aparición de un sintetizador en un álbum de Queen. Hasta ese momento, sus álbumes presentaban un distintivo en la portada que decía: «No Synthesisers!» (sin sintetizadores). En septiembre de 1980, Queen realizó tres espectáculos con entradas agotadas en el Madison Square Garden. En 1980, Queen también lanzó la banda sonora para la película «Flash Gordon», con tan solo dos pistas con letra. El álbum alcanzó el número 10 en las listas de éxitos del Reino Unido y el número 23 en los EE. UU.

En febrero de 1981, Queen viajó a Sudamérica como parte de «The Game Tour» y se convirtió en la primera banda de rock importante en tocar en estadios latinoamericanos. La gira incluyó cinco espectáculos en Argentina, uno de los cuales atrajo a la mayor multitud a un concierto en la historia argentina con una audiencia de 300.000 personas y dos conciertos en el Estadio Morumbi en São Paulo, Brasil, donde tocaron para más de 131.000 personas en la primera noche (entonces la audiencia de pago más grande para una sola banda en cualquier parte del mundo) y más de 120.000 personas la noche siguiente. Queen grabó con David Bowie en 1981 el sencillo «Under Pressure». Tras su lanzamiento, la canción tuvo un gran éxito, alcanzando el número uno en el Reino Unido. Aunque la canción era en principio un proyecto ajeno al grupo el tema se incluyó en su siguiente álbum «Hot Space».

«Imprescindible en los hogares británicos»

En octubre de ese año, Queen lanzó su primer álbum recopilatorio, titulado «Greatest Hits», con sus temas más destacados de 1974 a 1981. Es el álbum más vendido en la historia de las listas de éxitos del Reino Unido y (en agosto de 2020) había pasado más de 900 semanas en la lista de álbumes del Reino Unido, la mayor cantidad de semanas hasta la fecha. Aproximadamente una de cada tres familias en el Reino Unido posee una copia. El álbum está certificado nueve veces platino en los Estados Unidos y ha vendido más de 25 millones de copias en todo el mundo. A día de hoy ha pasado más de 450 semanas en el Billboard 200 de EE.UU.

En 1982, la banda lanzó el álbum «Hot Space», alejándose de su sonido característico de los setenta, esta vez siendo una mezcla de pop rock, dance, disco, funk y R&B . Esto hizo que el álbum fuera menos popular entre los fans (con ventas estimadas en 3,5 millones de copias) que preferían el estilo de rock tradicional, sello de identidad de la banda. Taylor y May no contentos con el nuevo sonido, criticaron la influencia que el manager personal de Mercury, Paul Prenter, tuvo en el cantante. Según Mack , el productor de Queen, Prenter detestaba la música rock e influyó en Mercury durante las sesiones de grabación. May también criticó a Prenter, por desestimar la importancia de las estaciones de radio y su conexión entre el artista y su publico, y por negarles el acceso a Mercury.

«Este tipo, en el transcurso de una gira , le dijo a todas las estaciones de grabación que se fueran a la mierda». Pero no solo «a la mierda» , sino «Freddie dice, «a la mierda».

Brian May sobre Paul Prender

El 14 y 15 de septiembre de 1982, la banda realizó sus dos últimos conciertos en los Estados Unidos con Mercury como voz principal, tocando en The Forum en Inglewood, California. La banda dejó de viajar por América del Norte después de su «Hot Space Tour», ya que su éxito allí había disminuido, aunque actuarían en la televisión estadounidense por única vez durante el estreno de la octava temporada de «Saturday Night Live» el 25 de septiembre del mismo año. Su caída en popularidad en los EE.UU. se debió en gran parte a una homofobia hacia Mercury. En algunos espectáculos de la gira estadounidense de la banda en 1980, varios fans arrojaron cuchillas de afeitar desechables al escenario: no les gustaba la identidad de Mercury, ya que lo percibían como un héroe del rock & roll descaradamente gay, y eso no gustaba. Después de trabajar de manera constante durante más de diez años, Queen decidió no realizar ningún espectáculo en vivo en 1983. Queen dejó Elektra Records, su sello en los EE.UU., Canadá, Japón, Australia y Nueva Zelanda, y firmó con EMI/Capitol Records.

En febrero de 1984, Queen lanzó su undécimo álbum de estudio, «The Works». En el Reino Unido, obtuvo el triple platino y permaneció en la lista de álbumes durante dos años. A pesar de la buena aceptación y los singles de éxito, el álbum no tuvo buenas ventas en los EE.UU., donde, además de los problemas con su nuevo sello discográfico Capitol Records, el video de «I Want to Break Free», una parodia de la telenovela británica «Coronation Street», (donde los miembros de la banda a parecen disfrazados de mujer) generó mucha polémica y fue prohibido por MTV. Ese año, Queen añadió a la gira al teclista Spike Edney como músico adicional. La gira contó con nueve fechas agotadas en octubre en Bophuthatswana, Sudáfrica, en el estadio de Sun City. Al regresar a Inglaterra, fueron «increpados», por tocar en Sudáfrica durante el apogeo del apartheid y en violación de los esfuerzos de desinversión en todo el mundo y del boicot cultural de las Naciones Unidas. La banda respondió a las críticas afirmando que fueron a tocar para sus fans en Sudáfrica, y también enfatizaron que los conciertos se realizaron con audiencias integradas. Queen realizó una donación a una escuela para sordos y ciegos como gesto filantrópico, pero fue multada por la Unión de Músicos Británica y colocada en la lista negra de artistas de las Naciones Unidas.

1985: Live Aid y de nuevo a lo mas alto.

En enero de 1985, Queen encabezó dos noches del primer festival Rock in Rio en Río de Janeiro, Brasil, actuando frente a más de 300.000 personas cada noche. Lo más destacado de ambas noches fue transmitido por MTV en los Estados Unidos y lanzado en VHS como «Queen: Live in Rio». En «Live Aid», celebrado en Wembley el 13 de julio de 1985, frente a la audiencia televisiva más grande de la historia de aproximadamente 1.900 millones de espectadores, Queen interpretó algunos de sus grandes éxitos. La banda se revitalizó tras el «Live Aid», con el consiguiente aumento en las ventas de discos.

«Desde nuestra perspectiva, el hecho de que Live Aid sucediera cuando sucedió fue realmente afortunado. Salió de la nada para salvarnos. Seguro que fue un punto de inflexión. Podría decirse que en la historia de Queen, fue un momento realmente especial».

Freddie Mercury

El 2 de diciembre de 1985, EMI Records lanzó lo que entonces era la caja definitiva de Queen «The Complete Works», con los 11 álbumes de estudio de la banda, su álbum en vivo «Live Killers» y un disco adicional titulado «Complete Vision», que contenía todas las caras A y B que no aparecían en lo álbumes. Además, la banda firmó solo 600 copias (en la portada de Complete Vision), que ahora se han convertido en artículos de colección. Además, la caja incluía dos libros, el primero con todas las ilustraciones, letras e imágenes de los álbumes; el otro tenía un mapa del mundo en color que mostraba dónde tocaba Queen trazando un itinerario de la gira mundial hasta ese momento, con una lista del equipo que llevaban consigo. Cada álbum fue remasterizado digitalmente y revestido en blanco con un escudo en relieve y números romanos dorados. Su siguiente álbum de estudio «A Kind of Magic», fue lanzado el 2 de junio de 1986. Fue su primer álbum de estudio grabado digitalmente. En realidad es una banda sonora no oficial para la película Highlander de 1986 (en España titulada «Los Inmortales»), para la cual no se lanzó ningún álbum de banda sonora oficial. Seis de las nueve canciones del álbum aparecieron en la película, aunque en diferentes versiones. Una de las tres canciones que no aparecieron fue «One Vision», que apareció un año antes en la película «Iron Eagle». Por el contrario, una grabación de el tema «Nueva York, Nueva York» fue creado específicamente para una escena de la película y no aparece en «A Kind of Magic» y, de hecho, nunca se ha lanzado en forma de álbum hasta la fecha. El álbum fue todo un éxito en el Reino Unido, pasando directamente al número uno y vendiendo 100.000 copias en su primera semana. Permaneció en las listas de éxitos del Reino Unido durante 63 semanas, vendiendo 600.000 ejemplares sólo en el Reino Unido. El álbum tuvo menos éxito en Estados Unidos donde llego al numero 46 en las listas de ese pais.

Más de un millón de personas vieron a Queen en la gira: 400.000 sólo en el Reino Unido, un récord en ese momento. El punto culminante del Magic Tour fue en el estadio de Wembley, dando como resultado el álbum doble en vivo «Queen at Wembley», lanzado en CD y en VHS/DVD, siendo cinco veces platino en los EE.UU. y cuatro veces platino en el Reino Unido. Queen no pudo reservar Wembley para una tercera noche, pero tocó en Knebworth Park el 9 de agosto. El espectáculo se agotó en dos horas y más de 120.000 fans llenaron el parque para lo que fue la actuación final de Queen con Mercury.

«En Knebworth, de alguna manera sentí que iba a ser el último concierto para todos nosotros»

Peter Hince (roadie de Queen)

«No voy a estar haciendo esto para siempre. Esta es probablemente la última vez».

Freddie Mercury sobre el concierto de Knebworth

Los últimos años de Mercury.

En 1988 era evidente la apariencia cada vez más demacrada de Mercury en 1988, los medios informaron que Mercury estaba gravemente enfermo, y que el SIDA se mencionaba con frecuencia como causa de su enfermedad. Mercury lo negó, insistiendo en que estaba simplemente «exhausto» y demasiado ocupado para proporcionar entrevistas. De hecho, Mercury había sido diagnosticado de VIH positivo en 1987, pero no hizo pública su enfermedad, y solo su círculo íntimo de colegas y amigos estaba al tanto de su enfermedad. La banda lanzó «The Miracle» el 22 de mayo de 1989 por Parlophone Records en el Reino Unido y Capitol Records y en los EE.UU., siendo el primer y último álbum de estudio de la banda lanzado en esas etiquetas respectivamente. El álbum originalmente se llamaría «The Invisible Men», pero tres semanas antes del lanzamiento, según Roger Taylor, decidieron cambiar el nombre a «The Miracle». También fue el último álbum de Queen con una foto de la banda en la portada. Este trabajo continuó la dirección de «A Kind of Magic», utilizando un sonido pop-rock mezclado con algunos temas pesados. «The Miracle» también inició un cambio en la dirección de la filosofía de composición de Queen, anteriormente casi todas las canciones habían sido escritas y acreditadas a un solo miembro, pero con este álbum, su composición se volvió más colaborativa, y decidieron acreditar el producto final solo a Queen como grupo. «The Miracle» alcanzó el número uno en el Reino Unido, Austria, Alemania, los Países Bajos y Suiza, y el número 24 en la lista Billboard 200 de Estados Unidos.

«Ultima aparición publica de Mercury. Era innegable que algo le ocurría.»

En 1990, Queen finalizó su contrato con Capitol y firmó con Hollywood Records; A través del acuerdo, Disney adquirió los derechos de distribución en América del Norte del catálogo de Queen por 10 millones de dólares y siendo aun hoy el propietario y distribuidor del catálogo de música del grupo en Estados Unidos y Canadá. En febrero de ese año, Mercury hizo su última aparición pública cuando se unió al resto de la banda en el escenario del Dominion Theatre de Londres para recoger el Brit Award por su destacada contribución a la música Británica.

Su decimocuarto álbum de estudio, «Innuendo», fue lanzado a principios de 1991. El primer single (que daba titulo al álbum) debutó en el número uno en la lista de singles del Reino Unido, siendo el primer número uno de la banda desde «Under Pressure» en 1981. El guitarrista Steve Howe (Yes/Asia) toca la parte de guitarra flamenca en esta canción y se convirtió en el único musico ajeno a Queen en tocar la guitarra en una grabación de estudio del grupo. El siguiente sencillo «The Show Must Go On», lanzado como un precursor de «Greatest Hits II», presentaba imágenes de archivo de las actuaciones de Queen entre 1981 y 1989, y junto con la forma de sus letras, alimentaba los rumores de que Mercury se estaba muriendo. Freddy estaba cada vez más enfermo y apenas podía caminar cuando la banda grabó «The Show Must Go On» en 1990. El resto de la banda estaba listo para grabar cuando Mercury se sentía capaz de entrar al estudio, durante una o dos horas seguidas.

«Él seguía diciendo: Escríbeme más, escríbeme cosas. Solo quiero cantar esto y hacerlo y cuando me vaya, puedes terminarlo. En realidad, no tenía miedo».

Brian May sobre el estado de salud de Mercury

El segundo grandes éxitos de la banda, «Greatest Hits II», se lanzó en octubre de 1991, convirtiéndose en el décimo álbum más vendido en el Reino Unido, el séptimo álbum más vendido en Alemania y el decimotercer álbum más vendido en Francia, vendiendo 16 millones de copias en todo el mundo.

«El mas grande. De eso no hay duda»

El 23 de noviembre de 1991, en una declaración hecha en su lecho de muerte, Mercury confirmó que tenía SIDA. Dentro de las 24 horas siguientes a la declaración, murió de neumonía bronquial, producida por una complicación de la enfermedad. Su funeral, celebrado el 27 de noviembre en Kensal Green, en el oeste de Londres, fue privado y se llevó a cabo de acuerdo con la fe religiosa zoroástrica de su familia. «Bohemian Rhapsody» fue relanzado como single poco después de la muerte de Mercury. El single llegó al número uno en el Reino Unido, permaneciendo allí durante cinco semanas, la única grabación que encabezó la lista navideña dos veces y la única en ser el número uno en cuatro años diferentes (1975, 1976, 1991 y 1992). Las ganancias iniciales del single, aproximadamente 1 millón de libras fueron donadas a Terrence Higgins Trust, una organización benéfica contra el SIDA.

La popularidad de Queen aumentó en Norteamérica cuando «Bohemian Rhapsody» apareció en la película de 1992 «Wayne’s World». Su inclusión ayudó a la canción a alcanzar ese año el número dos en el Billboard Hot 100 durante cinco semanas (junto al numero de semanas que pasó en 1976, permaneció en el Hot 100 durante 41 semanas combinadas). El álbum recopilatorio «Classic Queen» (una versión estadounidense de «Greatest Hits II») fue publicado para capitalizar la renovada popularidad de Queen. El álbum alcanzó el número cuatro en el Billboard 200 de los EE.UU., siendo certificado tres veces platino alli y cinco veces platino en Canadá. Las ventas acumuladas de «Greatest Hits II» y «Classic Queen» (para EE.UU. y Canadá) superan los 25 millones en todo el mundo.

«The show must go on»

El 20 de abril de 1992, se celebró el concierto tributo a Freddie Mercury en el estadio de Wembley de Londres ante una multitud de 72.000 personas. Algunos de los artistas incluidos fueron Def Leppard, Robert Plant, Tony Iommi, Roger Daltrey, Guns N ‘Roses, Elton John, David Bowie, George Michael, Annie Lennox, Seal, Extreme y Metallica, quienes interpretaron varias canciones de Queen junto con las tres miembros de la banda. El concierto aparece en el Libro Guinness de los Récords como «El concierto benéfico más grande en memoria de una estrella de rock», ya que fue televisado a más de 1.200 millones de espectadores en todo el mundo, recaudando más de 20 millones de libras para organizaciones benéficas contra el SIDA.

Tras la muerte Freddie.

El último álbum de Queen con Mercury, titulado «Made in Heaven», fue lanzado en 1995, cuatro años después de su muerte. El álbum se construyó a partir de las grabaciones finales de Mercury en 1991, material sobrante de sus trabajos anteriores y material reelaborado por May y Taylor. El álbum también incluía la canción «Mother Love», la última grabación vocal que hizo Mercury, que completó usando una caja de ritmos, sobre la cual May, Taylor y Deacon agregaron la pista instrumental. Después de completar el penúltimo verso, Mercury le dijo a la banda que «no se sentía tan bien» asegurando: «Lo terminaré cuando vuelva, la próxima vez». Mercury nunca regresó al estudio y fue May quien grabó el verso final de la canción. Ambas etapas de grabación, antes y después de la muerte de Mercury, se completaron en el estudio de la banda en Montreux, Suiza.

«La estatua de Freddie»

El álbum alcanzó el número uno en el Reino Unido después de su lanzamiento (su noveno álbum número uno) donde alcanzó el cuádruple platino vendiendo 1,2 millones de copias, además de vender 20 millones de copias en todo el mundo. La portada del álbum tiene dos fotos diferentes: la foto de portada del CD fue tomada al anochecer, mostrando la escultura de Mercury ubicada en el lago de Ginebra en Montreux, Suiza, en la contra portada aparecen May, Taylor y Deacon mirando a los Alpes; Mientras tanto, la foto de portada de L.P. se tomó en el mismo lugar al amanecer, mostrando la misma estatua pero con May, Taylor y Deacon mirando el amanecer en la contraportada. El 25 de noviembre de 1996, casi cinco años después de su muerte, se inauguró una estatua de Mercury en Montreux con vistas al lago de Ginebra.

En 1997, Queen regresó al estudio para grabar «No-One but You (Only the Good Die Young)», una canción dedicada a Mercury y todos aquellos que mueren demasiado pronto. Fue lanzado como un bonus track en el álbum recopilatorio «Queen Rocks» de ese mismo año. En enero de 1997, Queen interpretó en vivo en París «The Show Must Go On» con Elton John y el Ballet Béjart, en una noche en la que Mercury fue recordado, siendo la última actuación y aparición pública de John Deacon, quien decidió retirarse de la música. El concierto de París fue la segunda vez que Queen tocó en vivo desde la muerte de Mercury, lo que llevó a Elton John a instarlos a actuar nuevamente.

Brian May y Roger Taylor actuaron juntos en varias ceremonias de premios y conciertos benéficos, compartiendo voces con varios cantantes invitados. Durante ese tiempo, fueron presentados como «Queen +» seguido del nombre del cantante invitado. En noviembre de 1999, se lanzó «Greatest Hits III». En este punto, la gran cantidad de ventas de discos de Queen los convirtió en el segundo artista más vendido de todos los tiempos en el Reino Unido, detrás de los Beatles. En noviembre de 2000, la banda lanzó la caja, «The Platinum Collection», certificado siete veces platino en el Reino Unido y cinco veces platino en los EE.UU.

Desde la muerte de Mercury se han lanzado números recopilatorios y directos tanto en formato C.D. como Dvd/Blue Ray. Para mi la historia de Queen acaba aquí, es decir, no voy a hablar sobre las reuniones con Paul Rodgers o Adam Lambert ya que considero que Queen son los cuatro miembros originales. Queen compuso música que se inspiró en muchos géneros musicales diferentes, a menudo con una actitud irónica, como el rock progresivo (también conocido como rock sinfónico), art rock, glam rock, heavy metal, pop rock o rockabilly, aunque también escribió canciones inspiradas en diversos estilos musicales que no se asocian típicamente con grupos de rock, como la ópera, music hall, música folck, gospel, ragtime o música disco. La banda ha lanzado un total de 18 álbumes número uno, 18 sencillos número uno y 10 DVD número uno en todo el mundo, lo que los convierte en uno de los artistas musicales más vendidos del mundo. En 2004 las estimaciones de ventas de discos los situaba entre los 170 y los 300 millones de discos en todo el mundo, incluidos 34,5 millones de álbumes en los EE.UU. En 2001 fueron incluidos en el Rock y Roll Hall of Fame. Queen es el único grupo en el que cada miembro ha compuesto más de un single que encabeza las listas de éxitos. En 2003 los cuatro miembros fueron incluidos en el Songwriters Hall of Fame. En enero de 2020, Queen se convirtió en la primera banda en unirse a la reina Isabel II en una moneda británica. Emitida por la Royal Mint, la moneda conmemorativa de 5 libras presenta los instrumentos de los cuatro miembros de la banda. En julio de 2020, Queen se convirtió en la tercera banda (después de los Beatles y Pink Floyd) en aparecer en una serie de sellos postales del Reino Unido emitidos por Royal Mail.

Queen sin duda ha sido una fuente de inspiración importante para géneros como el hard rock y el heavy metal. La banda ha sido citada como una influencia por muchas bandas como: Judas Priest, Iron Maiden, Dream Theater, Rage Against the Machine, Guns N ‘Roses, Def Leppard, Mötley Crüe, Foo Fighters, Red Hot Chili Peppers o Marilyn Manson. Asi como para bandas de otros estilos como The Killers, My Chemical Romance, Faith Hill, George Michael, Robbie Williams, Adele, Lady Gaga o Katy Perry.

Pero vamos a continuar con la cabeza visible de Queen, con le permiso de Mercury, el guitarrista Brian May y no lo hacemos con su trabajo en solitario sino con esta colaboración en este proyecto llamado Phenomena.

Phenomena es un proyecto de hard rock/AOR formado por el productor Tom Galley y su hermano, el ex guitarrista de Whitesnake, Mel Galley. Durante la grabación de su primer trabajo se les unió el fundador de la revista «Metal Hammer», Wilfried Rimensberger. El homónimo debut de este proyecto, lanzado en 1985, resultó un absoluto éxito, con participaciones de músicos tan prestigiosos como Cozy Powell, el mencionado Mel Galley, Neil Murray, Don Airey o Ted McKenna, además de contar con la impecable voz de Glenn Hughes. Tres años después regresaron con “Phenomena II: Dream Runner”, en esta ocasión contaba con aún más participantes, destacando las voces de Hughes, John Wetton, Ray Gillen y Max Bacon. La tercera parte tardó seis años en llegar, bajo el título de “Phenomena III: Inner Vision”, dónde destacan las guitarras de Brian May y Scott Gorham, ex guitarrista de Thin Lizzy, además de volver al formato de un solo vocalista, con Keith Murrel, ex Mama’s Boys, cómo cantante. en este ultimo trabajo aparecían el batería Michael Sturgis y el bajista Leif Johansson, compañeros de Gorham en esta banda llamada 21 Guns.

Formados a principios de la década de 1990 por el guitarrista de Thin Lizzy, Scott Gorham, el bajista Leif Johanson y el bateria Mike Sturgis, quienes se conocieron a través de su trabajo en Phenomena, mas el vocalista Tommy La Verdi. La banda debuto en 1990 con el álbum «Salute», con un sonido de hard rock melódico, con tintes AOR. Para el segundo álbum de 1997 «Nothing’s Real», La Verdi fue reemplazado por el cantante Hans-Olav Solli y el sonido del grupo se volvió mas rockero y menos AOR. La banda se disolvió en 2000, publicando en 2002 «Demolition», un álbum con demos que no entraron en sus dos anteriores trabajos. Vamos con una curiosidad, uno de los temas de su primer álbum «Just a Wish» fue regrabada en este curioso proyecto llamado Far Corporation.

Banda «internacional» creada por el productor alemán Frank Farian, quien creó las bandas Boney M. y Milli Vanilli. El nombre fue abreviado de «Frank Farian Corporation», que originalmente se creó para grabar una versión de «Mother and Child Reunion» de Paul Simon como un disco benéfico, con el que logró entrar en el top 10 en varios países europeos. El principal logro de Far Corporation fue su versión de «Stairway to Heaven» de Led Zeppelin. Curiosamente, Far Corporation fue en realidad el primer grupo en llegar a las listas de sencillos con esta canción, ya que Led Zeppelin nunca la había lanzado como sencillo. De hecho, fue la única versión de la canción que se ubicó en el Billboard Hot 100 de EE.UU. , alcanzando el puesto 89 en octubre de 1986. Algunos de los músicos que Farian reunió fueron los vocalistas Robin McAuley y Henry Gorman, el batería Simon Phillips y tres miembros de Toto, el vocalista Bobby Kimball, el teclista David Paichy el guitarrista Steve Lukather. Far Corporation lanzó su primer álbum «Division One» en 1985 y su versión de «Stairway to Heaven» alcanzó el puesto numero 8 en la lista de singles del Reino Unido. El segundo sencillo del álbum fue otra versión, «Fire and Water» de Free. En 1987 se lanzaron dos sencillos en adelanto de un siguiente álbum, pero ninguno llegó a las listas de éxitos, y el álbum finalmente fue descartado. En 1994 se lanzó ese segundo trabajo «Solitude» coincidiendo con 25 aniversario de Farian como productor. En realidad este proyecto no tiene mucho que ver con el rock, ya que muchos temas eran una mezcla de pop rock con sonidos disco de la época, pero es curioso ver como músicos de hard rock o incluso heavy se involucran en este tipo de proyectos. Precisamente uno de esos musicos nos lleva a la siguiente banda, el batería Simon Phillips y su paso por los míticos Judas Priest.

Banda a la que se le dedico el programa numero 15 https://rockencadena.home.blog/2020/02/05/programa-no-15/ y en la que nos centraremos en su tercer álbum de estudio publicado el 8 de abril de 1977. Después de lanzar sus dos primeros álbumes con el sello Gull, Judas Priest vio una falta de apoyo financiero por parte de su compañía discográfica. Su álbum anterior, «Sad Wings of Destiny», llamó la atención de CBS Records, y con la ayuda del nuevo manager David Hemmings, la banda firmó con CBS y recibió un presupuesto de 60.000 libras para el siguiente álbum, cuyo titulo esta sacado de la letra de la canción «Genocide» de su anterior trabajo. La firma requirió romper su contrato con Gull, lo que resultó en que los derechos de los dos primeros álbumes y todas las grabaciones relacionadas, incluidas las demos, se convirtieran en propiedad de Gull, quien reempaquetaba y relanzaba periódicamente el material de estos álbumes. La grabación comenzó en enero de 1977 en los Rampart Studios de Londres, propiedad de la banda The Who. El bajista de Deep Purple, Roger Glover, fue contratado para producir el álbum aunque la banda inicialmente estaba bastante interesada ​​en producir «Sin After Sin». CBS, sin embargo, insistió en un productor experimentado, sugiriendo a Roger Glover. La banda estuvo de acuerdo, pero después de una sesión, despidió a Glover, continuando por su cuenta. Después de algunas semanas de no sacar nada en claro, la banda llamó a Glover y las sesiones comenzaron de nuevo, a tan solo seis días de acabar el tiempo reservado en el estudio. Durante este período la banda se separó del batería Alan Moore, ya que su técnica era demasiado limitada para el sonido que la banda tenia pensado. El batería de sesión Simon Phillips fue contratado para terminar las grabaciones quien se negó a convertirse en miembro permanente de Judas Priest, por lo que la banda contrató a Les Binks por recomendación de Glover. El álbum incluye una versión de la canción de Joan Baez «Diamonds & Rust», decisión que fue alentada por el productor Roger Glover con el interés de agregar un tema con potencial comercial. De hecho, «Diamonds & Rust» fue la primera canción de Judas Priest en ser emitida en la radio. «Sin After Sin» fue el lanzamiento más exitoso de Judas Priest hasta ese momento, alcanzando el puesto 23 en la lista de álbumes del Reino Unido. Ese éxito fue difícil de duplicar en los EE.UU., donde el álbum no se entró en las listas. En el Reino Unido, también se enfrentaron a una recepción algo hostil además de ser ignorados por una prensa musical que en ese momento estaba muy centrada en un nuevo género que se extendió por Gran Bretaña a fines de la década de 1970, el punk rock. Aunque tardaría varios años, «Sin After Sin» es el primero de once álbumes consecutivos de Judas Priest en ser certificado oro o superior. «Sin After Sin» fue el último álbum de Judas Priest que incluyó su logotipo original de «letra cursiva gótica». Continuamos con el «culpable» del éxito (o parte) de este álbum, el bajista y productor Roger Glover, y como con su banda Deep Purple.

Otra banda que tuvo su programa https://rockencadena.home.blog/2020/05/05/programa-no17/ así que ya sabéis lo que toca…hablar de la reunión de la banda a mediados de los 80. En abril de 1984, ocho años después de la desaparición de Deep Purple, tuvo lugar una reunión con la formación «clásica» (Mark II que dicen los anglosajones) de principios de la década de 1970: Gillan, Lord, Blackmore, Glover y Paice. La banda firmó un contrato mundial con PolyGram, con Mercury Records lanzando sus álbumes en los Estados Unidos y Polydor Records en el Reino Unido y otros países. El álbum «Perfect Strangers» fue lanzado en octubre de 1984. El álbum fue un éxito comercial, alcanzando el número 5 en la lista de álbumes del Reino Unido y el número 12 en el Billboard 200 en los Estados Unidos, convirtiéndose en el segundo álbum de estudio de la banda en ser platino en los Estados Unidos, después de «Machine Head» de 1972. La gira fue tan exitosa que la banda tuvo que reservar fechas adicionales para la gira por estadios en Estados Unidos, ya que las entradas se agotaron muy rápidamente. Su gira por Estados Unidos en 1985 superó a todos los artistas de ese año, excepto a Bruce Springsteen. Con esta formación «clásica» se lanzando «The House of Blue Light» en 1987, y otro álbum en vivo, «Nobody’s Perfect» de 1988. En el Reino Unido se lanzó una nueva versión de «Hush» (con Gillan en la voz principal) para conmemorar los 20 años de la banda. Gillan fue despedido en 1989; sus relaciones con Blackmore se habían agriado de nuevo y sus diferencias musicales habían divergido demasiado. Y precisamente con el vocalista que sustituyo a Gillan la primera vez que abandono la banda continuamos, el gran David Coverdale y sus Whitesnake.

Después de la desaparición de Deep Purple, Coverdale se embarcó en una carrera en solitario. Lanzó su primer álbum en febrero de 1977, titulado «White Snake» y en 1978, su segundo álbum titulado «Northwinds». Después de grabar el álbum, Coverdale formó la banda Whitesnake, lanzando a principios de 1978, el E.P. «Snakebite»…y hasta aquí la historia de Whitesnake, porque como ya sabéis dedicamos un programa a la banda hace tiempo https://rockencadena.home.blog/2021/04/05/programa-no28/ y allí podéis encontrar todo lo relacionado con la banda. Pero nos vamos a centrar en uno de sus mejores álbumes «Slide it in», un álbum lleno de historias que os cuento a continuación. Las grabaciones de «Slide It In» comenzaron en 1983 en Musicland Studios en Munich, Alemania con el productor Eddie Kramer, quien había sido sugerido a David Coverdale por John Kalodnerel A&R de Geffen Records, la nueva compañía de la banda en los Estados Unidos. Poco después Kramer fue sustituido por el productor británico Martin Birch. El guitarrista Micky Moody completó la grabación de todo el álbum con el nuevo productor Martin Birch, pero las cosas llegaron a un punto crítico a finales de 1983. Según Moody, la personalidad de Coverdale había cambiado en comparación con cuando se conocieron en 1976. Moody finalmente decidió dejar Whitesnake cuando Coverdale lo avergonzó frente al guitarrista de Thin Lizzy, John Sykes, que estaba de gira junto a Whitesnake. Poco después de la partida de Moody, John Sykes fue anunciado a la prensa como el nuevo guitarrista de la banda. Al mismo tiempo, el bajista Colin Hodgkinson fue despedido, ya que Coverdale vio que su estilo no encajaba con el nuevo sonido de Whitesnake. Como resultado de la partida de Hodgkinson, se le pidió a Neil Murray que se reincorporara de nuevo al grupo. Cuando «Slide It In» salió en el Reino Unido, fue un éxito en las listas, siendo su cuarto álbum entre los 10 primeros en el Reino Unido, alcanzando el número 9, pero fue muy criticado por sus «letras y títulos llenos de doble sentido» y por la mezcla del álbum, que se consideró «absolutamente plana». Esto pronto cambiaría, ya que el sello estadounidense de Whitesnake, Geffen Records, insistió en que el álbum fuera remezclado. Con la ayuda del famoso productor Keith Olsen, «Slide It In» renovó su sonido, ahora más duro y a la vez más moderno, además de darle a John Sykes y Neil Murray la oportunidad de reemplazar las partes de guitarra de Moody y las partes de bajo de Hodgkinson respectivamente.

«La banda con la que empezó 1984…»
«…y la banda con la que terminó 1984»

La edición europea del álbum contiene la mezcla original. Esta mezcla presenta una presencia más fuerte de teclados de Jon Lord, y el bajo es más notorio. El orden de las pistas también es diferente al de la mezcla de EE.UU. La mezcla estadounidense baja los teclados y el bajo en la mezcla, y está más orientada a las guitarras y la batería. La versión estadounidense presenta algunos solos de guitarra diferentes a la edición europea, con la incorporación de John Sykes como tercer guitarrista superpuesto a las partes de guitarra originales grabadas por Mel Galley y Micky Moody. Las partes de bajo que originalmente fueron grabadas por Colin Hodgkinson fueron reemplazadas por las partes de bajo de Neil Murray. La versión estadounidense también incluyó algunas partes de teclado nuevas de Bill Cuomo. La versión remezclada de «Slide It In» alcanzó el puesto 40 en la lista Billboard 200. En 1988, el álbum volvió a entrar en las listas de Estados Unidos debido al éxito de su álbum homónimo de 1987, siendo certificado como doble platino. Fue la última grabación de Whitesnake que usó el logo «serpiente» original de la banda. El álbum finalmente vendió más de cuatro millones de discos. Whitesnake se embarcó en una gira europea con la formación de Coverdale/Sykes/ Galley/ Murray/ Lord/Powell, pero la banda tuvo problemas cuando Mel Galley se vio envuelto en un accidente que le dañó algunos nervios en el brazo y le impidió tocar la guitarra. Continuó como miembro de Whitesnake por un tiempo, pero fue despedido poco después. El grupo continuó de gira hasta abril de 1984, cuando hubo otro cambio de formación, Jon Lord abandonó el grupo, lo que dejó a Whitesnake como un cuarteto. Después de que terminó la gira, Cozy Powell se separó de la banda, un musico que entre sus muchas bandas y colaboraciones se encuentra este proyecto llamado SAS Band.

All-Star Band fundada en 1994 por el teclista de de directo de Queen, Spike Edney y bautizada como SAS Band (Spike’s All Stars). La banda original de directo incluía a Cozy Powell a la batería, Neil Murray al bajo y Jamie Moses a la guitarra, con los que grabó en 1997 el primer álbum además de contar con la colaboración de muchos y variados músicos de la escena musical británica del rock y del pop, entre ellos se encuentran miembros de Queen, Whitesnake, Free, Roxy Music, Toto y Spandau Ballet, y artistas solistas como Fish, Bruce Dickinson, Kiki Dee, Paul Young, Lionel Richie o Bob Geldof. En el año 2000 aparece su segundo trabajo titulado «The Show». Tanto en los álbumes como en los directos SAS Band interpreta versiones y temas propios de los músicos que colaboran en el proyecto. A mediados de la década de 1970, Spike Edney grabó y realizó giras con The Tymes y Ben E. King, tocando teclados, bajo, guitarra y trombón. Posteriormente, a finales de la década de 1970, fue director musical de Edwin Starr y, a principios de la década de 1980, trabajó con Duran Duran, The Boomtown Rats y The Rolling Stones. Desde 1984, durante la gira The Works de Queen, Edney se convirtió en su teclista de directo hasta los ultimo shows de Mercury. Tras la muerte de Freddie Mercury, Edney asumió el papel de Mercury en el piano durante las giras de Queen + Paul Rodgers en 2005, 2006 y 2008, Queen + Adam Lambert en 2012, 2014 y la gira 2015-2020. También ha sido el teclista de la producción londinense de We Will Rock You desde que se inauguró en 2002. Edney también es el director musical de la banda tributo oficial a Queen, Queen Extravaganza, además de formar parte de la banda de Brian May en las giras de 1993 y 1998, así como del proyecto paralelo de Roger Taylor, The Cross.

Taylor formó The Cross mientras Queen estaba en un descanso después del Magic Tour a mediados de 1987. Reclutó al teclista de gira de Queen, Spike Edney, el guitarrista Clayton Moss, el bajista Peter Noone y el batería Josh Macrae. El primer álbum, «Shove It», fue lanzado en 1988. Dos pistas incluyeron a miembros de Queen: Freddie Mercury y Brian May. En gran parte este trabajo era un proyecto en solitario, grabado principalmente por Taylor antes de reclutar al resto de la banda. El álbum y los tres sencillos que generó llegaron a las listas de éxitos en el Reino Unido, donde también recibió cierta prensa positiva. El segundo álbum de estudio, «Mad, Bad and Dangerous to Know» lanzado en 1990, es a diferencia de su anterior trabajo, un álbum mas orientado al rock donde cada miembro de la banda contribuye a la composición. Tras las malas ventas en el Reino Unido, EMI prescindió de la banda se negó a lanzar un tercer álbum de la banda. Sin embargo, como la banda había disfrutado de un éxito moderado en Alemania, la filial alemana de EMI, EMI Electrola, lanzó su tercer trabajo, Blue Rock (1991), en ese país además de en Japón, Italia (solo vinilo) y Francia (solo casete).»Blue Rock» continua con el sonido rock de su predecesor. Spike Edney contribuyó mucho más al disco, escribiendo o co-escribiendo siete de las diez pistas del álbum. «Blue Rock» tampoco logró vender muchas copias. Esto contribuyó a la disolución de The Cross dos años después. Y como no su fundador Roger Taylor nos lleva a la banda protagonista de este blog, Queen. Espero que hayáis disfrutado con la lectura. Hasta la próxima!!

Episodio Nº35

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Bienvenidos a una nueva entrada de Rock en Cadena. Volvemos a la vieja Europa de la mano de una banda que tal vez no tuvo el reconocimiento que se merece. En ocasiones citados como un referente del hard rock, fueron un punto de unión entre este estilo y el incipiente sonido de la NWOBHM. Tras 53 años de carrera aun hoy siguen dando «guerra». Ellos son UFO.

Los comienzos.

En 1968 el cantante Phil Mogg, el guitarrista Mick Bolton, el bajista Pete Way y el bateria Andy Parker formaron la banda Hocus Pocus. Un año después el grupo cambió su nombre a UFO, en honor al club de Londres donde fueron descubiertos por Noel Moore, quien los fichó con el sello Beacon Records. Su primer álbum, «UFO 1», lanzado en 1970, es un ejemplo típico de lo que mas tarde se conocería como hard rock. En Estados Unidos se editó 1971. A pesar de que álbum no entró en las listas de U.K ni U.S.A, el álbum se convirtió en un éxito en Alemania y Japón. Lanzado en 1971, «UFO 2: Flying» (subtitulado Space Rock) y también conocido como «UFO 2» o «Flying», es el segundo álbum de UFO . Este álbum se distingue por su canción principal, ya que esta dura 26:30 minutos, convirtiéndose en una de las pistas más largas grabadas en música rock hasta ese momento e indudablemente la canción más larga que la banda haya grabado. En 1971 se publica «Live» la primera grabación en vivo del grupo, lanzado exclusivamente en Japón en diciembre de ese año y titulado «UFO Landed Japan». El álbum fue lanzado meses después en el resto del mundo, con títulos, como «UFO Live in Japón» y «UFO Lands en Tokio». Sus primeros trabajos estuvieron fuertemente influenciados por el «rock espacial», pero la banda se dio cuenta de que el estilo era algo limitado. Mick Bolton dejó el grupo en enero de 1972, y UFO comenzó la búsqueda de un guitarrista que pudiera proporcionar a la banda un sonido de rock más duro.

«UFO 1970»

Después de una breve prueba con Larry Wallis (febrero-octubre de 1972) y el guitarrista de Whitesnake Bernie Marsden (quien estuvo de gira con UFO en Europa y grabó un par de demos), la banda reclutó en junio de 1973 al guitarrista de Scorpions Michael Schenker, quien en ese momento tenia tan solo 18 años. En un nuevo sello, Chrysalis Records, los nuevos UFO grabaron un sencillo en 1973, «Give Her the Gun» y «Sweet Little Thing». En 1974 UFO grabó «Phenomenon», con un sonido de guitarra más duro. Durante la gira «Phenomenon», el ex guitarrista de Skid Row Paul «Tonka» Chapman se unió al grupo, pero se fue en enero de 1975.

«Force It», cuarto álbum de estudio de la banda, lanzado en 1975, se convirtió en el primer álbum de UFO en entrar en las listas de Estados Unidos. La portada, donde aparecían un hombre y una mujer semidesnudos en una bañera, fue censurada en U.S.A. donde se mostraba a la pareja de forma transparente. En 1976 se edita «No Heavy Petting», primer álbum de la banda en contar con un teclista (Danny Peyronel) como miembro de la banda, lo que lo convierte en su primer disco como un grupo de cinco componentes. banda. Estos dos trabajos, mas sus correspondientes giras, hicieron a UFO mas populares tanto en U.S.A como en U.K. En julio de 1976 la banda reclutó al teclista y guitarrista Paul Raymond, grabando en 1977 «Lights Out», llegando al número 23 en el Billboard 200, siendo el álbum de la banda que mas alto llegó en los Estados Unidos. En el Reino Unido alcanzó el número 54 y permaneció en la lista durante dos semanas. Este álbum es sin duda el trabajo que mas éxito dio a la banda. La gira les llevo a tocar en grandes escenarios de los Estados Unidos y Europa, abriendo para bandas como Rush y AC/DC. La banda volvió al estudio para grabar su próximo álbum «Obsession» (1978). Si bien «Obsession» no tuvo tanto éxito como «Lights Out», la banda continuó girando por grandes recintos tocando nuevamente con AC/DC y Rush y con otras bandas como Blue Öyster Cult, Styx, Foghat, Jethro Tull, REO Speedwagon y Molly Hatchet.

«Schenker, Mogg, Parker, Way y Raymond…la formación clásica»

Durante la gira, UFO grabó el álbum en vivo, «Strangers in the Night», lanzado en enero de 1979, convirtiéndose en un éxito comercial y de crítica alcanzando, un mes después de su publicación, el número 7 en la lista de álbumes del Reino Unido. La gira les llevo a tocar junto a bandas tan importantes como AC/DC, Kiss, Cheap Trick, Journey, Thin Lizzy, Nazareth y Judas Priest y a participar en el California World Music Festival con Aerosmith, Van Halen, Toto y April Wine.

La fuga de Schenker y el principio del declive.

A finales de la década de los 70 las tensiones comenzaron a crecer entre Mogg y Schenker, debido a que Schenker a menudo se iba antes o durante los espectáculos. Poco después del show de UFO en Palo Alto, California, el 29 de octubre de 1978, Schenker dejó la banda. Después de la salida de Schenker, UFO volvió a contratar a Paul Chapman en la guitarra. En enero de 1980 lanzaron su siguiente L.P., «No Place to Run», producido por el ex productor de los Beatles George Martin. El álbum no pudo igualar el éxito de sus predecesores, aunque entró el UK Top 10. Paul Raymond dejó la banda al final de la gira y fue reemplazado por John Sloman de Uriah Heep en los teclados durante un par de meses y mas tarde por el guitarrista y teclista Neil Carter (ex Wild Horses), quien ayudó a llenar el vacío en la composición dejado por la partida de Schenker. Carter debutó con UFO el 23 de agosto de 1980 en el Festival de Reading. A principios del año siguiente, UFO lanzó «The Wild, the Willing and the Innocent», producido por la banda, con un sonido de rock más ligero. El álbum logró entrar en el Top 20 del Reino Unido. En febrero de 1982, la banda lanzó «Mechanix». Tuvo éxito en el Reino Unido, donde alcanzó el octavo lugar, la posición más alta de la banda. Ese año, tras finalizar la gira, el miembro fundador Pete Way dejó la banda, siendo reemplazado por el bajista de Talas Billy Sheehan. UFO lanzó «Making Contact» en 1983, con Paul Chapman encargándose de grabar el bajo. El álbum fue un fracaso comercial y crítico. En marzo de ese año, UFO decidió disolverse. La banda realizó una gira de despedida por el Reino Unido con Paul Gray (ex bajista de Eddie and the Hot Rods y The Damned).

La separación del grupo resultó ser una breve pausa, poco menos de dos años después, a finales de 1984, Mogg reunió una nueva formación de UFO, de nuevo con Paul Gray en el bajo, el ex batería de Diamond Head Robbie France (reemplazado en 1985 por el ex batería de Magnum Jim Simpson) y Atomik Tommy M. (Tommy McClendon) en la guitarra, con Paul Raymond uniéndose a la banda poco después. Con esta formacion UFO lanzó en 1986 «Misdemeanor». Raymond se fue de nuevo en 1986 y fue reemplazado por David Jacobson, quien junto con Gray se iría en 1987, con Pete Way regresando a la banda. Antes de la partida de Gray, la banda grabó el E.P. «Ain’t Misbehavin ‘» lanzado en 1988. A pesar de los continuos cambios de la banda, ninguno de los lanzamientos tuvo éxito y UFO se disolvió nuevamente en 1989 después de que una serie de guitarristas reemplazaran a McClendon: Myke Gray de Jagged Edge a finales de 1987, Rik Sandford, ex guitarrista de Starfighters y Tony Glidewell en 1988, y finalmente en 1989 el futuro guitarrista de Cold Sweat, Erik Gamans.

Reunión.

«El pequeño de los Schenker, un tipo difícil de tratar»

En 1991, Mogg y Way decidieron reflotar de nuevo a UFO junto con los antiguos miembros de Wild Horses, Clive Edwards a la batería y Laurence Archer a la guitarra. Con esta formación lanzaron en 1992 «High Stakes & Dangerous Men». Aunque se lanzó en un pequeño sello independiente, el album genero una «nueva esperanza» a los fans de la banda. Al año siguiente, la formación clásica de UFO de finales de los 70, Mogg, Schenker, Way, Raymond y Parker, se reunió de nuevo, editando en 1995 «Walk on Water» en principio solo en Japón para en 1997 hacerlo en el resto del mundo. Esta alineación (salvo el reemplazo en la batería de Parker por Simon Wright de AC/DC) hizo una gira mundial. Sin embargo, las tensiones volvieron a surgir, y Schenker dejó a la banda tras solo cuatro shows, saliendo del escenario a mitad del set en la misma ciudad, Palo Alto, California, donde a finales de los 70 abandonó a UFO por primera vez.

Sin embargo, Schenker regresó al redil en 1998 y la banda se embarcó en otra gira, con Parker nuevamente reemplazado por un nuevo batería. En 2000, Schenker se reincorporó a UFO nuevamente y la banda lanzó el doble C.D. «Covenant» (con Aynsley Dunbar a la batería), con el disco 1, titulado «Covenant», con material completamente nuevo, y el disco 2, titulado «Live USA», que contiene una colección de clásicos interpretados en vivo. En 2002, la banda publicó «Sharks», pero poco después de su lanzamiento, Schenker dejó la banda una vez más y fue reemplazado por Vinnie Moore, el anuncio oficial se hizo en julio de 2003.

Nuevo milenio y despedida.

En 2004, UFO lanzó su álbum de estudio número 17, «You Are Here», con su nuevo guitarrista Vinnie Moore y Jason Bonham en la batería (de forma intermitente). UFO grabó su set en vivo y lanzó en 2005 una grabación en doble DVD y doble C.D. titulada «Showtime», mezclando una serie de canciones de estudio regrabadas. En noviembre de 2005, Andy Parker regresó a la banda. El décimo octavo álbum de estudio de UFO, titulado «The Monkey Puzzle» , fue lanzado en 2006. En la gira de 2008, Pete Way no pudo obtener el permiso de trabajo para ingresar a los Estados Unidos, y Rob De Luca lo reemplazó. UFO lanzó, «The Visitor», en junio de 2009. Las pistas de bajo del álbum fueron interpretadas por Peter Pichl, y ni Pete Way ni ningún otro bajista fue acreditado como miembro de la banda. «The Visitor» fue el regreso de UFO a la lista de álbumes del Reino Unido por primera vez en casi 15 años. La gira por el Reino Unido que siguió a la publicación del álbum fue realizada sin Pete Way, por problemas médicos. En julio de 2009, se lanzó una caja de conciertos en vivo de seis C.D.s, que contenía grabaciones de seis conciertos entre 1975 y 1982, así como canciones en vivo inéditas. En su gira de 2011, fueron acompañados por Barry Sparks tocando el bajo. En 2012 se publica «Seven Deadly», con Lars Lehmann en el bajo, un trabajo que supero el éxito de su anterior álbum. Su ultimo trabajo con material inédito se publicó en 2015 bajo el titulo de «A Conspiracy of Stars» ya con Rob de Luca como miembro de la banda. En 2016 UFO publica «The Salentino Cuts», un álbum de versiones de bandas tales como The Yardbirds, The Doors , , Steppenwolf , ZZ Top y The Animals entre otros. En mayo de 2018, el vocalista Phil Mogg anunció que la gira del 50 aniversario de UFO en 2019 sería la última como líder de la banda, asegurando que UFO podría separarse o seguir adelante con un nuevo vocalista. A dia de hoy Phil Mogg es aun miembro de UFO, quienes reanudarán sus actividades de gira en el verano y otoño de 2022, ya que se habían retrasado de un año antes debido a la pandemia de COVID-19. El último show de UFO tendrá lugar el 29 de octubre de 2022 en Atenas, Grecia, donde la banda realizó su primer show con el actual guitarrista Vinnie Moore dieciocho años antes.

«UFO 2020

El teclista y guitarrista Paul Raymond murió de un ataque al corazón el 13 de abril de 2019 a la edad de 73 años. Dos semanas después, se anunció que el reemplazo inicial de Raymond, Neil Carter, se reincorporaría a UFO durante el resto de la gira final de la banda. El ex guitarrista Paul Chapman murió en su 66 cumpleaños el 9 de junio de 2020. Dos meses más tarde el bajista original Pete Way, murió por las lesiones sufridas en un accidente una semana después de cumplir 69 años. Durante una carrera que abarca 53 años, UFO ha lanzado 22 álbumes de estudio, 14 grabaciones en vivo, 16 álbumes recopilatorios y un álbum de versiones. Alcanzaron un éxito moderado a finales de la década de 1970 y principios de la de 1980 con varios álbumes y sencillos en las listas de los 40 principales del Reino Unido y Estados Unidos, vendiendo más de 20 millones de discos en todo el mundo. UFO ha sido para muchos grupos y músicos un referente dentro del hard rock, sin duda ayudados por la incorporación de Michael Schenker a la banda, considerado por los fans como «el guitarrista» de UFO, además de un guitarrista y compositor imprescindibles dentro de la historia del hard rock. Asi que con el guitarrista alemán continuamos y su andadura en solitario.

Michael Schenker, mítico guitarrista que sin duda se merece un episodio en Rock en Cadena. Schenker, que tras su marcha en 1978 de UFO fundó su propia banda llamada Michael Schenker Group volvió a rearmarla en 1996 con el álbum «Written in the Sand» tras su aventura como McAuley Schenker Group y algunas idas y venidas de UFO. El título del disco proviene de una entrevista en la que Michael aseguró: «No importa que pasó con nosotros, seguimos escritos en la arena». En un principio el álbum solo se lanzó para el mercado japonés, donde alcanzó el puesto 22 en la lista de ese pais.​ Meses más tarde se relanzó en varios mercados europeos y en los Estados Unidos apareció en abril de 1999. Para esta nueva aventura el guitarrista alemán se acompaño de Leif Sundin en la voz, Shane Gaalaas en la batería y Barry Sparks en el bajo, precisamente Gaalaas y Sparks fueron años antes la base rítmica de otro «maestro» de las seis cuerdas, el sueco Yngwie Malmsteen.

Shane Gaalaas y Barry Sparks acompañaron a Yngwie Malmsteen en su álbum «Magnum Opus», octavo álbum de estudio del guitarrista, lanzado en 1995. El álbum alcanzó los números 11 y 17 en la lista de álbumes de Finlandia y Suecia, respectivamente. A pesar de su éxito inicial y continuo en Europa y Asia, a principios de la década de 1990, los estilos de heavy metal, como el metal neoclásico y los guitarristas virtuosos, habían pasado de moda en Estados Unidos. No así en Japón donde Yngwie seguía teniendo una gran cantidad de fans. «Magnum Opus» fue el segundo álbum de Yngwie Malmsteen con Mike Vescera como voz principal. Los otros miembros de la banda son Barry Sparks en el bajo, Shane Gaalaas en la batería y Mats Olausson en los teclados. Quizás este álbum fue el ultimo trabajo del guitarrista sueco digno de mención ya que desde entonces todas sus publicaciones han sido un intento de recuperar un éxito y un tiempo ya pasados. Precisamente con uno de los vocalistas de la epoca dorada de Yngwie continuamos, Joe Lynn Turner y este proyecto a dúo con le gran Glenn Hughes.

Glenn Hughes y Joe Lynn Turner habían planeado por primera vez lanzar un álbum juntos en 1989, escribieron algunas demos, pero nada de esto se editó. En 2000/2001, Hughes realizó una gira por Japón con Turner, con apariciones conjuntas durante en la gira Voices of Classic Rock. En ese momento los dos decidieron comenzar a trabajar juntos. El dúo lanzó su primer álbum a principios de 2002, titulado simplemente «HTP». El álbum contó con el guitarrista J.J. Marsh, quien contribuyó a gran parte de la composición de las canciones, el bateria Shane Gaalaas y el teclista Vince DiCola, así como de los guitarristas invitados John Sykes, Paul Gilbert y Akira Kajiyama. La gira japonesa, contó con los músicos nativos Akira Kajiyama, Toshio Egawa y Yoshihiro Kudo. Sus shows en Shibuya Club Quattro en Tokio fueron grabados para un álbum en vivo que fue lanzado en agosto de 2002, titulado «Live In Tokyo». Hughes Turner Project continuó su gira por Rusia y Europa, esta vez acompañados por el guitarrista J.J. Marsh, el teclista Joakim Svalberg y el batería Tomas Broman. El siguiente álbum, titulado «HTP 2», fue lanzado en septiembre de 2003, contando de nuevo con J.J. Marsh, Shane Gaalaas y el teclista Ed Roth. Esta vez los invitados especiales fueron Steve Vai, Jeff Kollman y el batería de Red Hot Chili Peppers, Chad Smith. Tras la gira, que comenzó en 2004, le dúo decidió detener la actividad de la banda para centrarse en otros proyectos. Aunque en septiembre de 2004 la pareja viajó a Moscú para grabar las voces de un álbum compuesto y organizado por el teniente de alcalde de Moscú, Mikhail Men, quien había escrito la mayor parte del material para el proyecto en la década de 1980 y, después de conocer a la pareja en su gira por Rusia, había solicitado sus servicios para el álbum. Las voces de Hughes y Turner se arreglaron de manera similar a los álbumes de HTP y ambos contribuyeron con la mayoría de las letras. El álbum, titulado «Made In Moscow», fue lanzado en julio de 2005 solo en Rusia y hasta la fecha no se ha editado fuera del país. Y ya que Turner nos trajo hasta HTP, Hughes no lleva a la banda en la que estuvo a mediados de los 80, Black Sabbath.

Black Sabbath, una banda que lógicamente ya tuvo un programa dedicado a ellos https://rockencadena.home.blog/2019/03/27/programa-no5/ así que hablaremos un poco del álbum que los ingleses publicaron tras la marcha de Glenn Hughes como vocalista en su anterior trabajo «Seventh Star» que originalmente fue escrito, grabado y destinado a ser el primer álbum en solitario de Tony Iommi., pero que tras las presiones de Warner Bros. Records y la sugerencia del manager de la banda Don Arden, el disco fue anunciado como «Black Sabbath con Tony Iommi». Tras esto la banda contó con un nuevo vocalista, Tony Martin, publicando en noviembre de 1987 «The Eternal Idol». EL álbum pasó seis semanas en la lista Billboard 200, alcanzando el puesto 168. También fue el último álbum completo de material nuevo de Black Sabbath lanzado por Warner Bros. Records (en Norteamérica), y el ultimo álbum a través de su sello original Vertigo Records hasta el lanzamiento de «13» en 2013.

«La portada de la intoxicación»

La portada del álbum presenta dos modelos en pintura de bronce que recrean la escultura de 1889 de Auguste Rodin «El ídolo eterno». Debido a la toxicidad de la pintura, los modelos fueron hospitalizados después del rodaje. Una fotografía de la escultura original estaba destinada a ser la portada, pero no se pudo obtener el permiso para su utilización. La portada acredita a Dave Spitz como bajista, pero todas las partes de bajo fueron de Bob Daisley. Eric Singer tocaba la batería. El álbum originalmente iba a ser grabado con Spitz y el vocalista Ray Gillen, que al parecer había tenido problemas para grabar las partes vocales y la gerencia no le pagaba. Gillen renunció poco después a continuar en la banda. El tema «Nightmare» se escribió inicialmente para la tercera película de «Nightmare on Elm Street». El batería Bev Bevan y el bajista original de Sabbath Geezer Butler fueron contratados para una gira de 1987 en apoyo del álbum, sin embargo, Butler se echó atrás al enterarse de que Sabbath había reservado fechas en la Sudáfrica de la era del apartheid. El teclista Geoff Nicholls tocó el bajo en algunos shows antes de que contrataran a Jo Burt. Posteriormente, Bevan fue reemplazado por el ex baterista de The Clash, Terry Chimes, quien aparece en el video musical de «The Shining», donde además aparece un bajista desconocido.

El bajista en el video de «Shining'», era un tipo que sacamos a rastras de la calle. No recuerdo su nombre, pero tenia imagen. Dijo que era guitarrista. Nunca lo volvimos a ver «.

Tony Martin

Al parecer este personaje, del que nadie conoce su nombre, pidió un audición para ocupar el puesto de bajista en la banda, cosa que tras la prueba no ocurrió. El álbum se volvió a publicar el 1 de noviembre de 2010 en Europa como un conjunto expandido de dos discos. El contenido adicional del disco 1 incluye los lados B de los singles. El disco 2 contiene el álbum grabado con Ray Gillen en la voz. Y ya que hablamos de vocalistas de Black Sabbath no podemos olvidarnos del original, el loco Ozzy Osbourne.

Ozzy sin duda también tendrá un lugar en Rock en Cadena, así que vamos con el primer álbum en solitario del «príncipe de la tinieblas». A finales de 1979, bajo la dirección del manager Don Arden (mas tarde suegro de Ozzy), Osbourne formó Blizzard of Ozz, con el batería Lee Kerslake (Uriah Heep), el bajista Bob Daisley (Rainbow), el teclista Don Airey (Rainbow), y el guitarrista Randy Rhoads (Quiet Riot). Su primer trabajo, coescrito con Daisley y Rhoads, le dio a Osbourne un éxito considerable. Aunque generalmente se dice que Osbourne y Rhoads comenzaron la banda, Daisley afirmó más tarde que él y Osbourne formaron la banda en Inglaterra antes de que Rhoads se uniera oficialmente. El álbum fue lanzado en septiembre de 1980 en el Reino Unido y el 27 de marzo de 1981 en los Estados Unidos, siendo certificado cuatro veces Platino en ese pais en 1997 y cinco veces Platino en 2000. En el Reino Unido, fue el primero de cuatro álbumes de Osbourne en obtener la certificación Silver (60.000 unidades vendidas), logrando esto en agosto de 1981. En el momento de la grabación del álbum, la banda en sí se anunciaba como The Blizzard of Ozz, y el álbum estaba destinado a ser acreditado a la banda con el nombre de Osbourne en letra más pequeña. De hecho, cuando la banda apareció en el Reading Festival en 1980, fueron anunciados simplemente como «la nueva banda de Ozzy Osborne». Segun Daisley «Cuando se lanzó el álbum, las palabras «Ozzy Osbourne» estaban en letras más grandes que The Blizzard of Ozz, lo que hizo que pareciera un álbum de Ozzy Osbourne llamado «The Blizzard of Ozz». Randy Rhoads nunca fue de los que se mueven en el barco. Sabía que estaba en una situación que era una buena oportunidad para él siendo relativamente desconocido, así que cuando Lee Kerslake y yo fuimos destituidos, Randy no tenía aliados y el grupo se convirtió en Ozzy Osbourne y no en una banda». En 1986, Daisley y Kerslake demandaron a Osbourne por derechos de autor impagados, y finalmente se acreditaron como compositores en «Blizzard of Ozz» y «Diary of a Madman». Posteriormente, se realizó una reedición en 2002 de estos álbumes que reemplazó las partes originales de bajo y batería de Daisley y Kerslake con partes nuevas grabadas por el entonces baterista de Osbourne, Mike Bordin, y el bajista Robert Trujillo. En 2003, la demanda de Daisley y Kerslake fue desestimada por el Tribunal de Distrito de los Estados Unidos en Los Ángeles. Sin embargo, las pistas originales de bajo y batería se restablecieron para el lanzamiento de 2011 debido a las protestas de los fans sobre la grabaciones alteradas. De nuevo una sección rítmica nos lleva a la siguiente banda, Uriah Heep, donde Kerslake primero y Daisley después, militaron.

Uriah Heep se formó en Londres en 1969 y se destaca por ser parte de la escena del rock de principios de la década de los 70 (junto con otras bandas británicas como Led Zeppelin, Black Sabbath y Deep Purple), además de ser considerados como pioneros de los géneros hard rock, heavy metal y rock progresivo. Uriah Heep ha lanzado veinticuatro álbumes de estudio (de material original), veinte álbumes en vivo y cuarenta y un álbumes recopilatorios. Doce de los álbumes de estudio de la banda han llegado a la lista de álbumes del Reino Unido («Return to Fantasy» alcanzó el número 7 en 1975), mientras que de los quince álbumes de Uriah Heep en el Billboard 200, «Demons and Wizards» fue el más exitoso, alcanzando el número 23 en 1972. A finales de los 70, la banda tuvo un gran éxito en Alemania, donde el sencillo » Lady in Black » fue todo un éxito. La banda ha vendido más de 45 millones de álbumes en todo el mundo con más de cuatro millones en los Estados Unidos. La música de Uriah Heep ha sido descrita como rock progresivo y heavy metal con influencias del acid rock, blues y folk. Las características distintivas de Uriah Heep siempre han incluido el sonido predominante del teclado, grandes armonías vocales y (en los primeros años) la voz «operística» de David Byron. Uriah Heep ha sido reconocida como una influencia por numerosos grupos, como Iron Maiden, Queen, Accept, Dio, King Diamond y Demons & Wizards (llamados así por el álbum de la banda con el mismo nombre ). La banda ha experimentado numerosos cambios de alineación a lo largo de su 52 años de carrera, dejando al guitarrista Mick Box como el único miembro original en activo. Entre los ex miembros de la banda se encuentran los vocalistas David Byron y John Sloman , los bajistas John Wetton y Bob Daisley los bateristas Lee Kerslake y Chris Slade , y los teclistas Ken Hensley y John Sinclair. Su formación actual incluye al guitarrista Mick Box, el teclista Phil Lanzon, el batería Russell Gilbrook, el bajista Dave Rimmer y el vocalista Bernie Shaw, quien junto al teclista Phil Lanzon coincidieron en esta banda llamada Grand Prix.

Grand Prix se fundó en 1978 bajo el nombre de París. Cambiaron su nombre a Grand Prix en 1980 con la formación de Bernie Shaw en la voz principal, Michael O’Donoghue en la guitarra, Ralph Hood en el bajo, Andy Beirne en la batería y Phil Lanzon en los teclados. En 1980, la banda lanzó su álbum debut homónimo en RCA Records. Un año después Shaw dejó la banda y fue reemplazado por Robin McAuley, quien grabaría dos álbumes más con el grupo, «There for None to See» (1982) y «Samurai» (1983)». En 1984 la banda se disolvió. Lanzon, McAuley, y O’Donoghue siguieron juntos bajo el nombre de Operator reclutando al ex batería de Motörhead Phil Taylor y al ex bajista de The Sensational Alex Harvey Band y Michael Schenker Group Chris Glen. El proyecto no cuajó y McAuley formaría GMT con Phil Taylor y Chris Glen, mas tarde McAuley formó parte del proyecto Far Corporation, ademas de unir fuerzas con el virtuoso de la guitarra Michael Schenker para formar McAuley Schenker Group. Shaw y Lanzon terminarían uniéndose a Uriah Heep. O’Donoghue se unió a Bronz y a principios de los noventa pasó un año con Ian Gillan grabando el álbum «Naked Thunder», acreditado como Mick O’Donoghue. Hood se convirtió en miembro de la banda con la que continuamos, Tarzen.

Formados en Madrid en 1985 por dos miembros de la recién separada banda Banzai, el guitarrista Salvador Domínguez en guitarra y el teclista Danny Peyronel quien además en Tarzen ejercía como vocalista principal. A ellos se les unieron el también argentino y hermano de Danny, Michel Peyronel y el bajista Ralph Hood. Phill Carson, manager de The Firm (la banda de Jimmy Page y Paul Rodgers) y director de Atlatic Recors en Europa fue el encargado de fichar a la banda, publicando en 1985 su primer álbum homónimo, siendo editado en países como los Estados Unidos, Alemania, Argentina, Brasil, el Reino Unido o Canadá, alcanzando cierta fama internacional, lo cual les otorgó la posibilidad de irse de gira por los Estados Unidos como teloneros de Twisted Sister con Dokken como banda invitada. A finales del 1986 problemas de Phil Carson hacen que la historia con el y la compañía se acaben, dejando al grupo a la búsqueda de una nueva compañía, además Salvador tiene ciertos problemas con los hermanos Peyronel que deciden apartarlo de la banda, sustituyéndole por Lawrence Archer. Pocos mese después Salvador hizo las «paces» con Danny y Michel volviendo a la banda, pero en ese momento Hood había dejado el proyecto siendo sustituido por otro bajista ingles, Gary Leedeman. En 1989 publican su segundo disco «Madrid» ya con Tarzen convertido en trio con Salvador y los hermanos Peyronel como únicos miembros de la banda aunque para la grabación (y los directos) cuentan con el bajista argentino Vitico, además de reforzar su sonido en directo con la incorporación de los también Argentinos Gady Pampillon a las guitarras y Pablo Duchofny a los teclados. El álbum, bajo la discográfica BMG, fue editado en Argentina, Chile, Méjico, España y el Reino Unido. Aunque la «fama» internacional del grupo había disminuido bastante, Tarzen graba para Latinoamérica una versión en castellano de «Madrid» titulada «Es una selva ahí fuera» lo que les sirvió para girar por ese continente además de ser teloneros de la gira de Bon Jovi por Latinoamérica. En 1990 la banda se separa.

Su teclista y vocalista Danny Peyronel nos lleva a nuestra banda protagonista ya que fue miembro de UFO de 1975 a 1976 grabando el álbum «No heavy Petting» y convirtiéndose en el primer teclista oficial de la banda además de contribuir a «refinar» el sonido de UFO. Espero que hayáis disfrutado con la lectura, os espero en la proxima!!

Episodio Nº34

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Bienvenidos a una nueva entrada del blog de Rock en Cadena. Esta vez dedicado a una banda que tal vez no sea de las mas grandes del rock o del heavy metal en cualquiera de sus vertientes, pero si es una de las bandas mas importantes del hard/glam rock de L. A. cuando los videos de grupos con peinados que desafiaban la gravedad, cuero, tejanos y botas de cowboy dominaban la MTV. Ellos son Warrant. Comenzamos.

Los comienzos.

En 1984 el batería Max Ashe formó Warrant junto al vocalista Adam Shore, los guitarristas Josh Lewis y Erik Turner y el bajista Chris Vincent, quien fue rápidamente reemplazado por Jerry Dixon. La banda tocó en California como teloneros de bandas como Hurricane, Ted Nugent, Stryper y Black ‘n Blue, entre otros. En septiembre de 1986, Shore y Asher abandonan el grupo ocupando su lugar el cantante Jani Lane y el bateria Steven Sweet procedentes de una banda llamada Plain Jane. En septiembre de 1986 Lane y Sweet, junto con el guitarrista Joey Allen, quien reemplazó a Lewis, completaron la alineación «clásica» de Warrant. La entrada de Lane resultó fundamental en el futuro de la banda, ya que asumió el papel de compositor principal.

«los días de clubs de Warrant»

Después de alcanzar un nombre en la escena de clubes de Los Ángeles, la banda grabó una demo en septiembre de 1987 para Paisley Park Records, un sello discográfico propiedad del músico Prince. Con los principales sellos interesados ​​y después de grabar temas para A&M Records, la banda también hizo una demo para la banda sonora de la película «Bill and Ted’s Excellent Adventure». Finalmente la banda firmó con Columbia en enero de 1988. Jani Lane gastó el adelanto en un Corvette negro que estrelló a los pocos días.

Años de gloria.

Su álbum debut «Dirty Rotten Filthy Stinking Rich», fue lanzado el 31 de enero de 1989 y fue todo un éxito al ubicarse en el número 10 del Billboard 200. El álbum lego al doble platino y generó cuatro sencillos en las listas de Estados Unidos, en el número 2, número 20, número 27 y el número 30. Desde el punto de vista de la imagen, Warrant se convirtió en un gran éxito al instante y encajó directamente en la tendencia de las bandas de hard rock con cabello largo y cuero, todo esto ayudado por sus videos musicales, con una gran cobertura en la MTV. El disco fue producido por Beau Hill, quien también contribuyó con teclados y coros. Durante la grabación del álbum, la vocalista Jani Lane sorprendió a su novia en la cama con su mejor amigo, provocándole una crisis nerviosa y depresión que le acompañaría el resto de su vida, debido a esto, el lanzamiento del álbum se retrasó varios meses mientras Lane se recuperaba. El álbum fue lanzado en medio de cierta controversia. Se rumoreaba que los guitarristas Erik Turner y Joey Allen no habían tocado una nota en el álbum y que todo el trabajo de guitarra había sido interpretado por el ex guitarrista de Streets y músico de sesión Mike Slamer. La esposa de Slamer confirmó en 1998 que su esposo tocaba la guitarra en el disco y Mike Slamer declaró en entrevistas que tocaba la guitarra y los solos principales del álbum. El productor Beau Hill declaró en una entrevista de 2012 que Slamer sí tocó en el álbum, con el beneplácito de la banda.

«Las canciones son realmente geniales, pero creo que fallamos en la parte de solos y por eso me gustaría traer a alguien».

Beau Hill

En 1990 se lanzó en VHS y Laserdisc «Warrant: Live – Dirty Rotten Filthy Stinking Rich», el video era una actuación en vivo de la banda. El VHS fue certificado platino. El impulso de la banda en ese momento los llevó a un mayor éxito con el esperado segundo álbum «Cherry Pie» de 1990. De nuevo producido por Beau Hill, la canción principal del álbum fue lanzada como el primer sencillo e inmediatamente se impulsó al numero diez en el top 10 de la lista estadounidense de sencillos.

«Puritanismo yanki»

El álbum llegó al número 7 en el Billboard 200, vendiendo tres millones de copias. En principio el titulo del álbum seria «Uncle Tom’s Cabin», sin embargo, el sello quería una pista que fuera un «himno de rock», y Lane compuso en 15 minutos el tema «Cherry Pie». El video de la canción cuenta con la actriz y modelo Bobbie Brown, con quien Lane se casaría poco después. El álbum llevaba una pegatina de advertencia para los padres en los Estados Unidos, debido a la pista final, «Ode to Tipper Gore», que consistía en una colección de palabrotas sacadas de las actuaciones en vivo de la banda. También existía una versión «limpia» del álbum, con la pista final eliminada, y un «bip» audible de una maldición en una canción anterior. La undécima canción del álbum, «Train, Train», incluía al principio la frase «All a-fucking-board», que fue eliminada de la versión limpia. De nuevo los rumores de una posible «no ejecución» de los temas por parte de los dos guitarristas de la banda salto a la palestra con Mike Slammer grabando «supuestamente» de nuevo los solos y las guitarras del álbum. En 1991 la banda lanzó su segundo VHS, «Cherry Pie: Quality You Can Taste». El video cuenta con entrevistas en el backstages, clips de conciertos y todos los videos musicales del álbum «Cherry Pie».

«Adios al spray para el pelo»

En 1992, Warrant lanzó su tercer álbum, «Dog Eat Dog», con gran aceptación tanto por los fans como por la crítica. El disco logró sólo un éxito comercial moderado en comparación con los dos primeros álbumes, pero aún así vendió más de 500.000 copias alcanzando el disco de Oro y el puesto 25 en las listas de Estados Unidos. Si bien el disco sufrió un bajo rendimiento de ventas en Estados Unidos, es sin duda el trabajo más duro de Warrant y uno de los favoritos entre los fans. La imagen y el sonido cambiaron en Warrant, con un aspecto mas «maduro» cambiando las botas de cowboy por deportivas o botas militares y las vestimentas estrafalarias por camisetas cortadas además de un sonido, que sin dejar atrás la melodía, escapaba de los estereotipos compositivos del sonido hard rock de los primeros trabajos del grupo. Conscientes del rumor ampliamente difundido de que Joey Allen y Erik Turner no habían tocado en los dos primeros discos de Warrant, la banda hizo que Michael Wagener (productor del disco) incluyera una nota en los créditos expresando que «ningún artista, excepto los que figuran en la lista, actuó en este álbum». Jani Lane escribió también en los créditos: «Este álbum está dedicado a Joey Allen, uno de los guitarristas más subestimados del rock actual». Poco después del lanzamiento del álbum, Lane descubrió que un gran póster enmarcado de Warrant había sido retirado del vestíbulo de Columbia Records en Los Ángeles y había sido reemplazado por un póster de la banda de Seattle Alice in Chains. Fue en este momento, según Lane, que se dio cuenta de que aquello no pintaba bien para la banda. En ausencia del apoyo del sello de la banda, la radio y MTV, y sin una gira importante para respaldar el disco, las ventas del álbum fueron lentas en comparación con los dos primeros álbumes. Warrant también grabó dos pistas para la película «Gladiator» (1992), «The Power» y una versión del himno de Queen » We Will Rock You».

Tiempos de cambio.

«¡¡Abran paso al grunge!!»

Después de la gira mundial, Lane dejó temporalmente la banda para comenzar su carrera en solitario. En esos días, tras la llegada del grunge y la muerte del veterano manager de Warrant, Tom Hulettla, la banda fue despedida de Columbia. En septiembre de 1993, Lane regresó a la banda, pero en mayo de 1994, el guitarrista Joey Allen dejó Warrant, seguido al mes siguiente por el batería Steven Sweet. En noviembre de 1994 fueron reemplazados por los ex Kingdom Come, Rick Steier (guitarra) y James Kottak, (batería). El cuarto álbum de la banda, «Ultraphobic», fue lanzado en marzo de 1995 y, aunque fue aclamado por la crítica, no tuvo tanto éxito como sus predecesores. El álbum (producido de nuevo por un Beau Hill) vio a Warrant rindiéndose al fenómeno grunge con un disco con una fuerte influencia del sonido Seattle, aunque seguía siendo una progresión natural de «Dog Eat Dog». El batería James Kottak dejó la banda en marzo de 1996 y fue reemplazado por Bobby Borg, ex Beggars & Thieves. En 1996 se lanza el primer álbum recopilatorio de la banda «The Best Of Warrant» con los éxitos de sus tres primeros álbumes además de dos pistas adicionales: «Thin Disguise», cara B del sencillo de Cherry Pie (no incluido en ningún álbum de estudio) y la versión del tema de Queen» We Will Rock You», y una versión de «I Saw Red» en versión acústica previamente lanzada como cara B del single de la misma canción. El álbum fue de nuevo un éxito en ventas.

«Borrando el pasado»

Adoptando el apodo oficial de WARRANT 96 (para afianzar la nueva dirección musical del grupo), el grupo presentó su quinto álbum de estudio, «Belly to Belly» en octubre de 1996. El disco prescindió de las sutilezas del rock melódico de trabajos anteriores, adoptando un sonido marcadamente alternativo en consonancia con el movimiento grunge de la época. En julio de 1997, Warrant lanzó su primer álbum en vivo titulado «Warrant Live 86-97», grabado en vivo en Harpos Concert Theatre, Detroit, Michigan el 22 de noviembre de 1996. En 1999, Warrant lanzó el álbum «Greatest & Latest» con nuevas versiones regrabadas de algunas de sus canciones clásicas mas tres pistas nuevas.

Nuevo milenio.

El guitarrista Rick Steier dejo la banda en enero de 2000. Keri Kelli reemplazó a Steier en las guitarras como miembro de gira, quien solo estuvo en la banda durante 8 meses, siendo reemplazado a su vez por Billy Morris. Mike Fasano se convirtió en el nuevo batería del grupo dentro de una larga lista de músicos que ocuparon esa posición. El siguiente disco de Warrant fue un álbum de versiones, «Under the Influence» , lanzado en mayo de 2001, que también incluía dos nuevos temas originales. En 2002 Lane entró en un centro de rehabilitación por agotamiento relacionado con el alcohol y las drogas. En enero de 2004, después de la rehabilitación, Lane nuevamente renunció a Warrant. Lane intentó reiniciar su propia versión de Warrant, que sería detenida por acciones legales de sus antiguos compañeros de banda. Mike Fasano, quien había sido sustituido en 2003 por Kevan Phares, volvió brevemente a la banda a principios de 2004, antes de que Steven Sweet se reincorporara de nuevo a Warrant. Joey Allen también se reincorporó en febrero de 2004 y Lane fue reemplazado por el ex vocalista de Black N ‘Blue, Jaime St. James.

Warrant lanzó su séptimo álbum de estudio titulado «Born Again» el 4 de febrero de 2006. El álbum recibió una recepción generalmente positiva, y los críticos elogiaron el regreso de la banda a un sonido tradicional de hard rock. Mas adelante se lanzó el DVD «Born Again: Delvis Video Diaries» para el cual se grabaron videos musicales de todas las canciones del álbum de «Born Again», junto con imágenes en backstage, clips de la gira y el making of del álbum.

«y colorín colorado…»

En enero de 2008, se confirmando el regreso de Jani Lane a la banda para el 20 aniversario, pero parte la gira se canceló y Laine volvió a a dejar la banda en Septiembre de ese año, dejando en el recuerdo tan solo un DVD de la reunión titulado «They Came from Hollywood». Días después Robert Mason (ex Lynch Mob) fue presentado como el nuevo vocalista de la banda. En mayo de 2011 se publicó el octavo álbum de estudio de Warrant, «Rockaholic» con Robert Mason haciéndose cargo de la voz principal. El 11 de agosto de 2011, el Departamento de Policía de Los Ángeles anunció que Jani Lane, de 47 años, había sido encontrado muerto en un hotel de Ventura Boulevard en Woodland Hills, California. Lane murió de intoxicación alcohólica aguda. El 12 de mayo de 2017, Warrant lanzó su noveno álbum de estudio, «Louder Harder Faster». A día de hoy la banda sigue en activo.

Puede que Warrant no sea considerada una banda mítica de rock o hard rock, pero es innegable que de 1988 a 1996 experimentó un éxito arrollador con cinco álbumes que alcanzaron ventas internacionales de más de 10 millones. Su álbum debut fue doble platino y uno de sus sencillos alcanzó el número 2 en el Billboard Hot 100. El éxito de la banda continuó a principios de la década de 1990 con un segundo álbum también certificado como doble platino. Después de un tercer álbum que «tan solo» alcanzó el oro en ventas, y a pesar de la caída en popularidad con la llegada del grunge, lanzaron un álbum mas en 1995 y un exitoso álbum de grandes éxitos en 1996.

Dos de los miembros de Warrant nos llevan a la siguiente banda, Rick Steier y James Kottak, ambos ex Kingdom Come.

Grupo formado en 1987 por Lenny Wolf, después de la ruptura de su anterior proyecto Stone Fury, para ello Wolf reclutó al bajista Johnny B. Frank, los guitarristas Danny Stag y Rick Steier y al batería James Kottak. En 1988, la banda lanzó su L.P debut, «Kingdom Come», convirtiéndose en disco de Oro y mas tarde Platino. La banda fue elegida para abrir la gira norteamericana «Monsters of Rock Tour 1988», como teloneros de Dokken, Scorpions, Metallica y Van Halen. En 1989, Kingdom Come lanzó su segundo álbum llamado «In Your Face», quedándose a tan sólo 14.000 unidades de lograr su segundo L.P. de oro. En agosto de 1989 la banda se separó repentinamente, al parecer por razones personales. En 1990, Wolf reformó Kingdom Come con una nueva formación, grabando con PolyGram, un álbum titulado «Hands of Time», lanzado en 1991. El álbum fue grabado con varios guitarristas y baterías de sesión, incluido el futuro guitarrista de Poison, Blues Saraceno. Lenny Wolf fue el encargado de grabar las partes de bajo. En 1993, Wolf volvió a Alemania, y reunió una nueva formación, en su mayoría alemana, manteniendo activo a Kingdom Come con varios lanzamientos y giras por Europa hasta 2013. En 2014, la banda se reunió una vez más con el guitarrista Danny Stag, el bajista Johnny B. Frank y el batería Hendrik Thiesbrummel para una serie de conciertos en todo el mundo. El estilo musical del álbum debut de Kingdom Come estaba muy cerca del estilo de blues-rock de Led Zeppelin, hasta el punto de que algunos oyentes inicialmente pensaron que Kingdom Come era en realidad una reunión de Led Zeppelin. Esto llevó a los críticos, y a la prensa a apodar a la banda «Kingdom Clone».

«Obviamente, puede llegar al punto en el que deja de ser un cumplido y llega a ser bastante molesto, cuando tienes cosas como Kingdom Come, destrozando riffs, eso es algo completamente diferente».

Jimmy Page en 1988 sobre Kingdom Come

Gary Moore fue un paso más allá con el tema «Led Clones» de su álbum «After the War». Moore, con Ozzy Osbourne como voz principal, se burla de bandas como Kingdom Come, criticando su uso descarado del sonido y la imagen de Led Zeppelin. El vocalista Lenny Wolf «calentó» aún más la situación cuando en una entrevista con la revista Kerrang, alegaba que nunca había oído hablar de Led Zeppelin, e insistió en que sus mayores influencias y las del grupo fueron The Beatles y AC/DC, en particular la era de Bon Scott.

En agosto de 2016, Lenny Wolf declaró que Kingdom Come había terminado, sin embargo, en junio de 2018, la formación original de la banda (menos Wolf) anunció planes de gira para ese año y para 2019 celebrando así el 30 aniversario de su álbum debut. Keith St John reemplazó a Wolf en las tareas vocales, un cantante que entre otras bandas se encuentra esta llamada Burning Rain.

Fundada en 1998 por el guitarrista Doug Aldrich y el vocalista Keith St. John. Después de conocerse a través de amigos en común, Aldrich y St. John comenzaron a trabajar junto al batería Alex Makarovich (ex Steelheart) y el bajista Ian Mayo (ex Hericane Alice) en el bajo, en lo que se convertiría en su álbum debut homónimo de 1999. Aunque el álbum fue limitado en su lanzamiento, recibió buenas críticas tanto de fans como de los críticos. Al año siguiente, Burning Rain lanzó su segundo trabajo, «Pleasure To Burn», recibiendo aún más elogios que el primer álbum a pesar de que ambos álbumes solo se editaron en Japón y Europa. Tras una pausa debido a la participación de Aldrich tanto con Dio como con Whitesnake, Burning Rain lanzó en 2013 «Epic Obsession», su tercer lanzamiento con una nueva sección rítmica, el veterano bajista Sean McNabb (Dokken) y el batería Matt Starr (Mr. Big). En 2018, la banda se reunió de nuevo, esta vez con el batería de Slaughter Blas Elias y el bajista Brad Lang (Y&T) editando en 2019 su ultimo trabajo hasta la fecha, «Face The Music». Continuamos con el bajista que grabó los dos primeros trabajos de la banda, Ian Mayo y el grupo donde militó, Huricane Alice.

 Hurricane Alice se formó originalmente en Minnesota como un trío compuesto por Leni Dimancari (guitarra y voz), Scott Werner (bajo) y Rusty Miller (batería). Tras la búsqueda de un cantante, Bruce Naumann decidió incorporarse al grupo que comenzó a conseguir mas fans e incluso llamar la atención de Atlantic Records, pero las tensiones internas en el grupo llevó a Dimancari a dejar la banda. En 1988, los miembros restantes viajaron a Los Ángeles. Una vez allí Scott Werner y Rusty Miller abandonaron el grupo. Naumann, siguió adelante con los nuevos miembros Danny Gill (guitarra), Ian Mayo (bajo) y Jackie Ramos (batería). La banda decidió cambiar su nombre a Hericane Alice debido a una demanda interpuesta por otra banda de Los Angeles llamada Hurricane (el grupo de Robert Sarzo hermano de Rudy Sarzo). La nueva ortografía fue de hecho sugerida por Stevie Nicks, vocalista de Fleetwood Mac, con quien la banda compartía management. En 1990 lanzaron su álbum debut «Tear the House Down» pero el disco paso desapercibido y Hericane Alice se disolvió tras acabar la gira. En 2020, Hericane Alice se volvió a reunir y lanzó un mini álbum titulado «Gotta Be Real». Tras la primera separación del grupo el guitarrista Danny Gill forma parte de esta banda llamada Medicine Wheel.

Tras un periodo de inactividad, el guitarrista Marc Ferrari formó Medicine Wheel y para ello contó con el vocalista Michael Mulholland, el guitarrista Danny Gill, el bajista y le batería Ray Luzier. Su primer álbum, titulado «First Things First» fue lanzado en 1994, e incluía varias canciones coescritas por Tommy Thayer (ex-Black ‘n Blue y actualmente guitarrista Kiss). El álbum fue lanzado por un sello japonés. En 1996 publican su segundo álbum «Immoral Fabric» con un sonido mas cercano al creciente movimiento grunge de la época y que además contaba con un nuevo vocalista, Keith St. John. En 1998 publican su tercer y último C.D. titulado «Small Talk», que no fue lanzado en Europa y que de nuevo se adentraba en sonidos alternativos, contando, una vez mas, con nuevo vocalista, David Isaacs y nuevo bajista, Ian Mayo. Medicine Wheel es otra de las muchas bandas que a principios y mediados de los 90 no tuvieron un sitio en la Industria de la música, dedicada a contratar bandas de grunge. Su fundador Marc Ferrari fue miembro de esta banda llamada Keel.

Grupo formado por el ex vocalista de Steeler, Ron Keel. Tras varios cambios de formacion la banda quedó formada por Ron Keel en la voz, Bryan Jay y Marc Ferrari en las guitarras, Bobby Marks en la batería y Kenny Chaisson en el bajo. Esta fue la alineación de su álbum debut de 1984 «Lay Down the Law». Después del lanzamiento del álbum, Marks se fue y fue reemplazado por Steven Riley, quien tras la grabación del segundo álbum fue reemplazado por Dwain Miller, formando una alineación que se mantendría estable durante casi cuatro años. Su álbum debut llamó la atención de Gene Simmons, quien se encargó de la producción de su segundo disco, «The Right To Rock», publicado en 1985. La banda solo había escrito tres canciones cuando el sello les envió al estudio, Gene Simmons les cedió tres temas y la banda volvió a grabar tres canciones de su álbum debut, una de ellas una versión de Rolling Stones. Su tercer álbum también producido por Simmons «The Final Frontier» fue publicado en 1986. En 1987, la canción «Rock & Roll Outlaw» (una versión de Rose Tattoo) apareció en la banda sonora de la película «Dudes». Su cuarto álbum, Keel, fue lanzado en 1987. Los guitarristas Marc Ferrari y Bryan Jay se marcharon en 1988, y fueron reemplazados por el teclista Scott Warren y el guitarrista Tony Palmucci. Su quinto álbum, «Larger Than Live», fue lanzado en 1989 con seis nuevas grabaciones de estudio, mas seis pistas en vivo grabadas en marzo de 1989. Poco después de la publicación del álbum Ron Keel anunció la disolución del grupo. En 1998, los miembros de Keel se reunieron para lanzar su sexto álbum «Keel VI: Back in Action», que consistía principalmente en material inédito de sus álbumes anteriores, incluido el tema «Proud To Be Loud» que Marc Ferrari compuso para el álbum debut de la banda Pantera. A finales de 2008, Keel se reunió para celebrar el 25 aniversario de la banda. Todos los miembros de la era de «The Right to Rock» se habían reincorporado excepto el bajista Chaisson, quien fue sustituido por Geno Arce. En 2010 se publico su ultimo álbum, «Streets of Rock & Roll». Keel continua actuando esporádicamente, sin embargo, la banda no tiene planes de grabar. Vamos con una curiosidad, cuando la banda comenzó a grabar su segundo álbum, el baterista Bobby Marks se fue, y fue reemplazado por diferentes baterías: Fred Coury (quien luego se unió a Cinderella), Barry Brandt (de Angel) y Steve Riley (quien toca en todo el álbum pero luego se fue para unirse a la banda W.A.S.P). Dwain Miller finalmente se convirtió en el batería de la banda justo antes de que se lanzara el álbum. Y con Steve Riley continuamos, ya que tras abandonar W.A.S.P se unió a esta banda llamada L.A. Guns.

Banda que ya apareció en el blog dedicado a Guns & Roses https://rockencadena.home.blog/2019/01/07/programa-no3/ así que vamos a hablar del primer álbum en el que apareció Steve Riley, «Cocked & Loaded» lanzado el 22 de agosto de 1989. Tras su lanzamiento, el álbum alcanzó el puesto 38 en el Billboard 200 y fue certificado oro en 1990. Los dos singles llegaron al top 50 del Billboard Mainstream Rock chart, y uno de ellos llego al número 33 en el Billboard Hot 100. Fuera de los Estados Unidos, el álbum alcanzó el puesto 23 en la lista de álbumes japoneses y el número 38 en la lista de álbumes del Reino Unido. L.A. Guns alcanzo un éxito moderado en las listas a finales de la década de los 80 y principios de los 90. Sin embargo, el grupo pasó por numerosos cambios de alineación, con Riley siendo el miembro más consistente y no pudo recuperar la atención general. En 1991 el tema de L.A. Guns «Over the Edge» apareció en la B.S.O. de la película «Point Break», protagonizada por Patrick Swayze y Keanu Reeves. En la banda sonora aparecen además de L.A. Guns, Little Caesar y Ratt con los que continuamos.

Otra banda que apareció nada mas y nada menos que en el primer episodio de Rock en Cadena https://rockencadena.home.blog/2018/12/02/programa-no1/ , así que os hablaré un poco sobre el tema que apareció en la película y que de alguna manera fue el comienzo del fin de Ratt, o al menos del éxito que cosechó años antes. El tema, que sonaba en los créditos finales de la película «Point Break» (Le llaman Bodhi), era «Nobody Rides for Free» escrita varios años antes por el compositor Steve Caton, quien con su banda Climate of Crisis la interpretó anteriormente en varios clubes de Los Ángeles y Hollywood. Más tarde, cuando la canción fue presentada a Ratt para la banda sonora de Point Break, Stephen Pearcy, Warren DeMartini y Juan Croucier le hicieron sus propios cambios, principalmente en la letra. Este fue el primer sencillo de Ratt grabado sin el guitarrista Robbin Crosby, quien dejó la banda el año anterior debido a su adicción a las drogas, y quien ni tan siquiera aparece en el video musical que se hizo de la canción. En 1994, a Crosby le diagnosticaron VIH, en 2001 anunció públicamente que era VIH positivo. Murió el 6 de junio de 2002 por sobredosis de heroína con tan solo 42 años. Anteriormente, en 1992, la banda se separó momentáneamente y en 1996, los cinco miembros de la era clásica de Ratt planearon una reunión y un álbum posterior. Finalmente el grupo acabo siendo un cuarteto, con los miembros originales Pearcy, DeMartini y Blotzer, junto con el nuevo miembro Robbie Crane en el bajo. . En 2012 Robbie Crane anunció su salida de Ratt para centrarse en la banda con la que continuamos, Lynch Mob.

Banda formada en 1989 por el guitarrista George Lynch tras su «fuga» de Dokken. La formación original incluía al ex batería de Dokken, Mick Brown, al bajista Anthony Esposito y el vocalista Oni Logan. El primer álbum de Lynch Mob, «Wicked Sensation», fue lanzado en 1990 y el segundo, homónimo, en 1992 que contaba con el nuevo vocalista Robert Mason. Sin embargo, con la escasa popularidad del género en esos días, los dos álbumes no captaron una audiencia generalizada y Lynch Mob se disolvió después de la gira del álbum. En 1998, Lynch intentó reformar la formación original de Lynch Mob. La banda se separó después de un ensayo, aunque los frutos de esa sesión acabaron siendo un E.P. de tres canciones que se lanzó ese mismo año bajo el titulo de «Syzygy». Lynch formó una tercera encarnación del grupo con miembros nuevos y desconocidos que llevaron la música a una dirección de rap metal y nu metal. En 1999, se editó «Smoke This» toda una decepción para fans y críticos. Tras la gira el grupo se disolvió nuevamente. En 2003, el vocalista Robert Mason, el bajista original Anthony Esposito y Lynch se unieron para grabar material nuevo de Lynch Mob, con Michael Frowein como batería, publicando «REvolution» con versiones reelaboradas de los dos primeros álbumes de la banda y canciones de Dokken, más pesadas y rápidas que las originales. Frowein fue reemplazado por Chas Stumbo para el REvolution Tour 2003. En 2006 se lanzó «Revolution Live», un CD/DVD en vivo del espectáculo final de esa gira, aunque el audio era de una actuación diferente y en algunas escenas lo que se escucha no coincide con las imágenes. En 2009, Lynch Mob publica «Smoke and Mirrors» , esta vez con la vuelta de Oni Logan a la voz, Marco Mendoza en el bajo y Scot Coogan a la batería. En 2013 se edita el segundo E.P. de Lynch Mob titulado «Unplugged: Live From Sugarhill Studios» con versiones acústicas de sus canciones. El batería Scot Coogan dejó la banda y Brian Tichy lo reemplazó, aunque en este E.P. toca la guitarra. «Sun Red Sun», tercer E.P. de Lynch Mob publicado en 2014, contaba de nuevo con Scot Coogan como batería, en 2014 fue de nuevo sustituido por Brian Tichy grabando el álbum «Rebel», en el que el ex compañero de Lynch en Dokken Jeff Pilson aparecía como nuevo bajista. «The Brotherhood», ultimo trabajo del grupo hasta la fecha, volvía a cambiar la sección rítmica con los veteranos Sean McNabb y Jimmy D’Anda al bajo y la batería respectivamente. En agosto de 2020, George Lynch reveló que ya no lanzaría música ni realizaría giras con el nombre de la banda debido a sus connotaciones raciales, (Lynch Mob se puede traducir como «linchamiento»). En definitiva George Lynch es el único miembro permanente de la banda, algo que deja claro que Lynch Mob es descaradamente un proyecto del propio George Lynch. De entre todos los músicos que le han acompañado a lo largo de estos años, uno de ellos nos lleva a la banda a la cual dedicamos este blog, Warrant, ya que Robert Mason es el actual vocalista del grupo.

Espero que hayáis disfrutado del blog, os espero en el próximo, no faltéis y recuerda, sube el volumen y disfruta!!

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