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Episodio Nº46

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Bienvenidos y bienvenidas a una nueva entrada de Rock en Cadena. Hacia mucho tiempo que no dedicamos un episodio a los solistas (o solistas con banda) dentro del heavy/rock. Pues bien, en este episodio nos centraremos en uno de los guitarristas mas influyentes de los años 70/80. Miembro de dos grandes bandas europeas, decidió emprender una carrera en solitario a pesar de las muchas ofertas para entrar a formar parte de grandes grupos. Fácilmente reconocido por su inseparable Gibson Flying V, temperamental y prodigioso creador de los rifs y solos mas melódicos del heavy, aun hoy nos sigue deleitando con su creatividad. El es Michel Shenker y su banda Michael Schenker Group.

La aventura en solitario.

Tras abandonar UFO Michael Schenker regresó a Hannover en noviembre de 1978 para recuperarse de sus adicciones. Allí, volvió a unirse a Scorpions tocando en tres pistas del nuevo álbum «Lovedrive» y regresando a los escenarios con la banda en marzo de 1979 para una larga gira europea. Sin embargo, después de un par de fechas, Michael, colapsado por el cansancio, decidió que no quería tocar temas de «otros» lo que precipitó su salida de Scorpions por segunda vez. En septiembre de 1979, Michael hizo una prueba con Aerosmith en Nueva York tras la marcha de Joe Perry. Según el biógrafo de Aerosmith, Schenker se marchó enfadado después de que el productor Gary Lyons hiciera varios chistes sobre los nazis.

«Estuve sentado en una habitación de hotel durante cinco días y no pasó nada. Ese es un buen ejemplo de lo que hacen estas grandes bandas: se sientan durante horas y días, no hacen nada y gastan dinero.»

«Bajé, y entré en el estudio de ensayo, y por supuesto, todo el mundo estaba esperando a Steven Tyler. Bueno, al final, Steven Tyler entra, y estaba completamente «puesto» y fuera de sí, así que realmente no tenía sentido ensayar o hacer nada. Y para ser honesto, yo mismo no estaba realmente bien después de esperar durante cinco días en una habitación de hotel, así que básicamente, todos nos separamos, y volví a Inglaterra.»

Michael Schenker sobre su audición con Aerosmith

El manager de Schenker en esos días Peter Mensch y su socio Cliff Burnstein intentaron juntar a Michael con el batería Aynsley Dunbar (Journey, Jefferson Starship) y Sammy Hagar de Montrose en las voces, quien más tarde fuera vocalista de Van Halen. Además, Geddy Lee y Neil Part de Rush ofrecieron ayuda a Michael para grabar su primer álbum en solitario. Schenker se tomó un par de meses para pensar y a finales de 1979, decidió formar su propia banda. En Londres, reclutó al desconocido cantante Gary Barden, mientras que el bajista Billy Sheehan (Talas, Mr.Big) y el batería Danny Carmassi (ex-Montrose) volaron hasta allí para formar una primera alineación de Michael Schenker Group, algo que tan solo duró un mes, con Schenker obligado a regresar a Hannover para ser hospitalizado a principios de 1980 para tratar su adicción a las drogas y el alcohol.

Nace The Michael Schenker Group.

«Schenker a principios de los 80»

En abril de 1980, estaba de regreso en Londres grabando su álbum debut en solitario con Gary Barden, Don Airey a los teclados, Mo Foster al bajo y Simon Phillips a la batería. Producido por Roger Glover de Deep Purple, alcanzó el puesto número 8 en la lista del Reino Unido, Schenker salió de gira con su nueva banda, formada por Barden a la voz, el excompañero de Schenker en UFO Paul Raymond a la guitarra y los teclados, el bajista Chris Glen (ex-Sensational Alex Harvey Band) y el «veterano» batería Cozy Powell (Jeff Beck Group, Rainbow). La banda, compuesta en esos momentos por Gary Barden, Paul Raymond, Chris Glen, Cozy Powell y el propio Michael Schenker, grabaron un nuevo álbum, «MSG», publicado en septiembre de 1981. La producción corrió a cargo de Ron Nevison, quien se excedió en los gastos de producción haciendo que la grabación del álbum se excediera del presupuesto, generando una deuda que persiguió a la banda por el resto de su carrera profesional. Este segundo trabajo alcanzó el puesto 14 en las listas del Reino Unido, el 31 en Holanda, y el 81 en los Estados Unidos, mientras que en Japón logró el puesto 15 con ventas de 48 mil copias y once semanas en el top ten nipón. En agosto de 1981, mientras Ron Nevison mezclaba el nuevo álbum, Michael Schenker Group ya estaba despegando para tocar en Japón donde su éxito era masivo, grabando en vivo su actuación en el Nippon Budokan de Tokio ante más de 10 000 personas. Y todo esto antes de que se lanzara su segundo álbum de estudio. Su tercer trabajo y primer álbum en vivo fue «One Night at Budokan», editado en 1982 solo para el mercado japonés.

“Era como los Beatles, los fans estaban absolutamente locos y emocionados»

Michael Schenker sobre la gira por Japón en 1981.

El álbum comienza a venderse de importación en el resto del mundo a precios bastante altos, lo que obliga a su compañía Chrisalis a editarlo primero en el Reino Unido y luego en el resto del mundo. El álbum se coloca en febrero de 1982 en el número 5 de las listas británicas, consiguiendo el disco de plata tras superar las 60.000 copias vendidas. En 2001, un relanzamiento japonés agregó tanto «Tales Of Mystery», omitido del álbum original, como un solo de batería de Cozy Powell de un espectáculo de Osaka. Por esos días Gary Barden y Paul Raymond abandonan Michael Schenker Group por problemas con el manager de la banda, Peter Mensch, que quería un nuevo cantante para subir al grupo de categoría. El rumor es que el manager despidió a Barden y que el motivo de reclutar un vocalista de renombre era para recuperar rápidamente los enormes costos de grabación del álbum «MSG». Mensch sugirió a David Coverdale y Michael le pidió que se uniera a Michael Schenker Group, sin embargo este a su vez quería que Michael, Cozy y Chris se unieran a Whitesnake. Evidentemente ninguna de ambas cosas sucedió, y Schenker intentó reclutar al vocalista de Grand Prix, Robin McAuley, pero fue rechazado, por lo que Michael decidió formar equipo con el ex vocalista de Rainbow Graham Bonnet. Bajo la producción de Martin Birch, productor habitual de Iron Maiden, la banda se fue a Francia, al castillo Le Château d’Hérouville para comenzar a grabar el nuevo álbum. Cozy Powell abandona Michael Schenker Group, para unirse, esta vez sí, a Whitesnake. También el manager Peter Mensch deja de trabajar para la banda. El batería Ted McKenna excompañero de Chris Glen en The Sensational Alex Harvey Band se une a Michael Schenker Group. El teclista de sesión Tommy Eyre también colabora en el álbum. Durante la grabación Schenker recibe una llamada de Ozzy Osbourne en estado de shock por la muerte de Randy Rhoads. Ozzy, que aún tiene fechas contratadas para la gira, pide a Schenker que se una a su banda. Michael pide a Ozzy una serie de condiciones bastante estrafalarias y caras, con la intención de que Ozzy le diera un no como respuesta y así no ser el quien se negara a tocar en la banda de Ozzy.

“Muchas bandas querían que me uniera a ellas, pero tuve que rechazarlas a todas porque tenía la visión de obtener este desbordamiento de energía, de experimentos musicales, instrumentos acústicos, instrumentos eléctricos, tantas cosas”.

Michael Schenker.
«Efímero paso el de Grahan Bonnet por MSG»

El nuevo álbum «Assault Attack», publicado en 1982 llegó al numero 9 en las listas japonesas y al 14 en las listas del Reino Unido. Antes de comenzar la gira el grupo preparó un concierto de calentamiento a finales de agosto, dos días antes de su debut en el Reading Festival de 1982, el concierto de calentamiento celebrado en la Universidad de Sheffield fue un desastre, Bonnet y el resto de la banda estuvieron bebiendo antes del concierto, al comenzar Bonnet se horrorizó al ver que sus hojas con las letras que estaban pegadas a los monitores estaban arrugadas y rotas por los fans que se encontraban mas cerca del escenario. Bonnet recrimino a la audiencia de mala manera siendo reprendido por los fans, además la cremallera de su pantalón se rompió, haciendo que sus atributos fueran parte del «espectáculo», tras lo cual abandonó el escenario obligando al resto de la banda a terminar el concierto de manera instrumental. Bonnet se retiró al hotel de la banda y se marchó a la mañana siguiente en un tren a Londres, donde su manager le dijo que lo habían despedido. Pero existen varias versiones de lo ocurrido, una es que Bonnet se enojó cuando supo que Hugh, el hermano del batería Ted McKenna haría coros y por ello discutió con Michael, e incluso se dijo que ambos llegaron a las manos y que por ello Graham comenzó a esparcir el rumor de que en los conciertos de la banda el que en realidad tocaba la guitarra detrás del escenario era el roadie Steve Casey, algo que nos lleva a otra versión en la que un Bonnet borracho sacó a Steve Casey de detrás de los amplificadores y lo presentó al publico como el que realmente tocaba en la banda, para molestia de Schenker claro.

“Todos habíamos estado bebiendo esa tarde. A la hora del espectáculo, estaba borracho. Realmente hice el ridículo”.

Grahan Bonnet sobre su única actuación con MSG.

“Estaba tocando, miré a mi derecha y no había cantante. Así que terminamos tocando todo el show sin Graham. Y nunca lo vi después”.

Michael Schenker sobre el incidente de la Universidad de Sheffield.

“Comenzamos con Armed And Ready , hicimos otra canción y luego Let Sleeping Dogs Lie. Es uno de esos temas en los que hay un riff y luego una voz. Graham siempre entraba en el riff y decíamos: ‘No, eso está mal’. Lo hizo de nuevo en el concierto en Sheffield y la canción se detuvo. Graham dijo: ‘A la mierda’ y simplemente salió del escenario. Allí había 750 personas pensando qué carajo está pasando“.

Chris Glen sobre el incidente de la Universidad de Sheffield.

“Después del concierto, Ted y yo nos subimos a un Mercedes y debimos conducir a unas 120 mph para regresar a Londres y reunirnos con Gary Barden el jueves por la noche para ensayar con él el viernes y tocar en Reading el sábado”.

Chris Glen.

A falta de 48 horas para tocar en el festival de Reading, la banda recurre a Gary Barden, quien regresa a al banda salvando la actuación. En 1993 la BBC, que había grabado el concierto, lo publicó a través de la serie «BBC Radio One Live In Concert». Barden se reincorporó a MSG por el resto de la gira, al igual que el teclista Andy Nye. En esos días el manager Peter Mensch deja de trabajar para la banda. Con la inesperada partida de Bonnet (pasó a formar Alcatrazz), se decidió que Barden volvería a grabar todas las pistas vocales del cantante anterior para «Assault Attack», pero los costes de una nueva grabación eran altísimos y el álbum finalmente salió con la voz de Bonnet intacta.

«Una portada con historia»

Con el regreso de Gary Barden como vocalista, la banda grabó su cuarto álbum de estudio «Built to Destroy», publicado en octubre de 1983, llegando al puesto 23 en la lista de álbumes del Reino Unido. En eso días, MSG firmó un contrato de gestión con la empresa CCC Management, la cual estaba dispuesta a invertir en la banda, siempre y cuando ésta también hiciera ciertos cambios estructurales en su música, y el sonido del álbum se «suavizó», dando algo mas de protagonismo a los teclados. El vocalista de Ted Nugent, Derek St. Holmes, recomendado también por la nueva agencia del grupo, y que después se uniría a la posterior gira, canta uno de los temas, «Still Love That Little Devil», que apareció solo en la edición americana del álbum, donde fue mezclado de nuevo (la diferencia es inapreciable) y con el orden de las canciones alterado. También la canción «Rock Will Never Die» fue «renombrada» como «Walk the Stage» en la edición británica. Otro tema del álbum “Red Sky” fue coescrito por José Luis “Sherpa” Campuzano, bajista de Barón Rojo, aunque aparece como J.Luis, algo que según el no le reporta ninguna compensación económica. La portada del álbum es sin duda una de las mas impactantes, no solo de MSG, si no de la historia del heavy. En ella se puede ver al propio Schenker destrozando su Flying V contra el cristal trasero de su propio Mercedes 450 SL mientras una chica (la modelo Caroline Dodd) con la ropa rasgada y botella en mano es testigo de la escena. La idea de la portada fue del propio Michael, basándose en una historia «real».

“Fue una historia real que sucedió en medio de la noche. Tuve un problema con mi novia y, ya sabes, dejé salir mi ira, saliendo a la calle con la guitarra y estrellándola contra mi Mercedes y alejándome del lugar. En realidad, el coche de policía me siguió y uno de los agentes me dijo: ‘Oye, ¿sabes lo que acabas de hacer?’ Dije: ‘Sí, acabo de romper mi guitarra y mi auto’. Y se fueron. Fue increíble y luego pensé, si podemos capturar esto, de alguna manera, sería una gran portada de álbum. El título «Built to Destroy» (Construido para destruirse) es en realidad como hacen los budistas, construyen algo, luego lo destruyen, luego construyen algo de nuevo, luego lo destruyen, parece ser que eso es lo que hacemos los humanos”.

Michael Schenker sobre la portada de «Built to Destroy».

Derek St. Holmes abandonó la banda durante la parte final de tour europeo, ocupando su lugar, tan solo en un concierto, John Verity, ex vocalista y guitarrista de Argent. Terry Slesser (ex-Back Street Crawler) actuó como vocalista de apoyo, aunque oculto detrás de los amplificadores, durante el ultimo tramo de la gira europea de 1983, la gira por Japón en enero de 1984 y la posterior gira por los Estados Unidos que comenzó en febrero. Chris Glen abandonó repentinamente la banda en marzo, siendo sustituido para continuar la gira por el ex Balance, Dennis Feldman. Mas tarde, en abril, Gary Barden también dejó la banda. Al parecer, durante uno de los conciertos de la gira estadounidense abriendo para Ted Nugent, tuvo que ser suspendido tras una discusión entre Schenker, y Gary Barden y Chris Glen que se negaban a tocar molestos porque el equipo de gestión del grupo no pagaba para que sus esposas/novias viajaran con ellos, mientras que la esposa de Michael sí viajaba con él.

«Chris estaba loco y siempre hacía cosas estúpidas. Cuando yo era un borracho, jugaba y armaba jaleo con Chris. Pero, desde que dejé de beber alcohol hace seis meses, no soporto la estupidez de los chicos que se entregan a la bebida. Es como ver lo que yo era hace seis meses».

Michael Schenker sobre el despido de Chris Glen.

En ese momento Schenker estaba endeudado, sin manera alguna de poder pagar los anticipos recibidos por su compañía discográfica, Chrysalis. Tal vez su contrato con CCC, mas centrados en alcanzar el éxito en los Estados Unidos, acabó pasándole factura, afectando a su música y a las relaciones con el resto de miembros de la banda, produciéndose cambios constantes de integrantes. Para librarse de la deuda, Michael aceptó el lanzamiento del álbum en vivo «Rock Will Never Die», grabado durante dos noches en octubre de 1983 en el Hammersmith Odeon de Londres. El álbum fue lanzado en junio de 1984, publicándose también en VHS. La versión de UFO que cierra el álbum, «Doctor, doctor», cuenta con la colaboración de los Scorpions, Klaus Maine, y del hermano mayor de Schenker, Rudolf. El bajista Chris Glen, el batería Ted McKenna, Andy Nye a los teclados, y los vocalista Derek St. Holmes y Gary Bardem completaron la formación junto a Schenker. El álbum alcanzó el puesto 24 en la lista de éxitos del Reino Unido.

En junio de 1984, Ray Kennedy (ex KGB), ingresó como nuevo vocalista. Con él concluyeron el tour tras el cual, ingresaron en el Roundhouse Studio para grabar tres nuevos temas escritos por Kennedy. Con esta formación volvieron a Japón, como parte del festival Super Rock 84 junto a Scorpions, Whitesnake, Anvil y Bon Jovi. Tras regresar de Japón, Ray dejó la banda y a finales de año Feldman, Nye y McKenna también abandonaron MSG. Schenker se trasladó a Nueva York para ensayar con el vocalista Fran Cosmo, el bajista Bruce Smith y el guitarrista británico Roland Jones, grabando una demo en el estudio del vocalista de Mott The Hoople, Ian Hunter. Sin embargo, esta formación duró poco mas de seis meses. Mas tarde Schenker adicionó a varios vocalistas, entre ellos el ex vocalista de Airrace, Keith Murrell. Al final el elegido fue el ex vocalista de Grand Prix Robin McAuley…pero esa es otra historia.

Vuelta a empezar en los duros 90.

Despues de muchos años en los que Schenker se vio en vuelto en varios proyectos, volvió a la acción en 1996 y reclutó nuevos músicos para una nueva versión de Michael Schenker Group. Esta vez los elegidos fueron el ex vocalista sueco de Great King Rat, Leif Sundin, el bajista Barry Sparks (Yngwie Malmsteen, Dokken), y el batería Shane Gaalaas (Yngwie Malmsteen), con los que grabó el quinto álbum de estudio de MSG, «Written in the Sand», editado ese mismo año y que no significo demasiado en el regreso del guitarrista alemán. El álbum no fue del agrado de los viejos fans de la banda que aun quedaban, además de ser un momento difícil dentro del negocio musical para viejas glorias del heavy/hard de los 80. La gira estadounidense tuvo que cancelarse debido a que el visado de trabajo de Sundin fuera rechazada por las autoridades «yankis». Schenker no se rindió y realizó una gira por Estados Unidos presentando un espectáculo titulado «The Michael Schenker Story», donde hacia un repaso musical de toda su trayectoria. El puesto de vocalista para la gira fue ocupado por el cantante estadounidense David Van Landing. Sundin regresaría, junto con Van Landing, para la etapa japonesa de la gira.

«Los MSG de los 90: S, Gaalas, B. Sparks, M. Schenker y L. Sundin».

En 1997 se lanza a través de la propia compañía discográfica de Michael Schenker, «Michael Schenker Records», «The Michael Schenker Story Live» un doble CD en vivo de grabado durante la gira de marzo de 1997 por Japón. El espectáculo grabado fue el último de una serie de cinco conciertos realizados en el Nakano Sun Plaza en Tokio el 19 de marzo de 1997. El guitarrista ritmico y teclista Seth Bernstein acompañaba a Schenker junto a Sundin, Sparks, Gaalaas y Van Landing. El concierto fue filmado y lanzado en VHS en 1999 y en 2005 en DVD bajo el título «Live in Tokyo 1997», con imágenes de la gira mundial Unforgiven de 2000. Como curiosidad el álbum de lanzó de cinco maneras diferentes: en 1997 y 1999 (vendido en los conciertos de MSG) bajo el sello de Schenker, en 1999 con InsideOut en Japón, en 2000 con Cargo y en 2001 con SPV. Este ultimo presenta en la parte posterior del folleto a Shane Gaalaas como bajista. Otro error es la inclusion en la lista canciones de dos temas que no están presentes en el segundo CD. Las canciones que faltan son «Bijou Pleasurette» y «Lost Horizons». Ambas canciones se reproducen en el concierto, pero no aparecen en el CD, pero se si se incluyen en el DVD «Live in Tokyo 1997», lanzado en 2005.

En 1999 se lanzó un nuevo álbum de estudio titulado «The Unforgiven», con caras nuevas en la banda, el ex Baton Rouge Kelly Keeling, se ocupaba de las voces junto a Seth Bernstein en la guitarra rítmica y los teclados, John Onder en el bajo y Gaalas como único «superviviente» del trabajo anterior. Para la gira por Estados Unidos, Schenker recurrió al vocalista de Stealhouse Lane, Keith Slack. Durante la gira se graban en mayo de 1999 los tres concierto que el grupo realiza en The Edge, (Palo Alto – California), lanzado ese mismo año en formato doble CD. El álbum contiene temas de Scorpions, UFO, Michael Schenker Group y su propio trabajo en solitario. En el momento de la grabación MSG estaba compuesto por los vocalistas Keith Slack y Leif Sundin, Shane Gaalaas en la batería, Barry Sparks en el bajo y Wayne Findlay en los teclados y la guitarra rítmica.

Cambio de siglo.

De nuevo el guitarrista alemán renovó la banda contratando al vocalista Chris Logan, al batería Jeff Martin (vocalista de Racer X y batería de Badlands) y al bajista James «Reverend» Jones. Con esta formación graba y edita en 2001 el álbum «Be Aware Of Scorpions». La versión japonesa del álbum cuenta con un bonus track extra con Jeff Martin como vocalista principal. El titulo trajo una serie de controversias, por un lado se rumoreaba que la relacion de los hermanos Schenker iba de mal en peor y por ende con el resto de «escorpiones» y por otro lado se especulaba con la vuelta del pequeño de los Schenker a Scorpions. Pero todo eran conjeturas, ya que el titulo en realidad era una frase que el fotógrafo de la banda les dijo para captar su atención mientras realizaban la sesión fotográfica en el jardín de la casa de Michael en Arizona. Para promocionar el álbum se cerraron para finales de 2001 una serie de fechas en Japón como cabezas de cartel, sin embargo, Jeff Martin abandonó la banda cansado de soportar las adicciones a la bebida de Michael Schenker, por lo que la gira fue cancelada. Por el contrario la gira por USA comenzó con varios shows con entradas agotadas y criticas mas que favorables, pero el 6 de diciembre en Palo Alto en el Icon Supperclub comenzaron los contratiempos, el grupo abrió el espectáculo con «Into The Arena» pero Shenker no pudo terminarlo. Se le dijo a la audiencia que el guitarrista estaba enfermo y se reembolsaron las entradas. Algunos shows posteriores fueron reprogramados, pero poco después se cancelaron.

«Schenker y la Flying V…¿unidos al nacer?»

En esos días la vida de Schenker estaba patas arriba, el alemán subastó a través de internet una colección de guitarras e incluso un autobús de gira. La famosa Gibson Flying V nº1 de Schenker se vendió por 18.000 dólares. En 2003 el guitarrista puso a la venta más artículos personales, incluidas guitarras y ropa. En abril Schenker presentó una nueva formación de la banda formada por el vocalista Chris Logan, el bajista Stu Hamm y el batería Jeremy Colson, quienes grabarían el nuevo álbum de MSG titulado «Arachnophobia», lanzado en junio de 2003 y producido por el caza talentos de guitarristas, Mike Varney. El guitarrista de Night Ranger, Jeff Watson aparece acreditado en el disco como músico invitado, sin embargo, tiempo después se reveló que Schenker había desaparecido en medio de la grabación. Por lo que Watson tuvo que realizar la mayor parte del trabajo de guitarra en el disco, incluidos los solos.

«Michael estaba desapareció en combate. Algo sucedió y no pudo terminar su nuevo disco. Así que fui y lo terminé para él. Toqué todos los solos en aproximadamente la mitad del disco, incluida la canción principal. Toqué en las pistas 3, 5, 7 y 9. Asi que, si suena como Michael, soy yo».

Jeff Watson sobre su trabajo en el álbum «Arachnophobia».

«Lo que pasó fue que tuve depresión por la separación de mi esposa. Perdí mi estudio de grabación, que era un estudio de grabación de primera clase, y básicamente todo. Así que pasé por el proceso normal de sufrimiento, por el que tienes que pasar. Hicimos el disco en tres etapas. Estaba lidiando con mi vida privada en uno de esos descansos, y me derrumbé. Eso es básicamente lo que pasó».

Michael Schenker sobre el álbum «Arachnophobia».

El grupo anunció una serie de fechas en EE.UU. de noviembre a diciembre, de nuevo con una alineación renovada, con el vocalista Chris Logan y el bajista James «Rev» Jones el guitarrista y teclista Wayne Findlay y el ex batería de Black ‘n’ Blue, Pete Holmes. En mayo de 2004 Schenker comentó que su divorcio lo había dejado casi en la indigencia, y que en su peo momento sus posesiones personales ascendían a «una bicicleta, algunas camisas y algunos pantalones». MSG anunció planes de gira para el otoño de 2004, pero de nuevo comenzaron los viejos problemas. En principio, los dos primeros shows transcurrieron con normalidad, pero poco después Schenker fue hospitalizado tras una crisis. Pronto se le dio el alta para reanudar la gira, pero tuvo que regresar al hospital mientras se dirigían al próximo concierto. El 14 de noviembre, tras una actuación en Estocolmo, Suecia, el cantante Chris Logan abandonó la banda. Al día siguiente emitió un comunicado afirmando que había sido «gravemente herido» al ser «atacado dos veces por la espalda por un miembro de la gira». Según informaron el vocalista perdió varios de sus dientes. Schenker también emitió un comunicado asegurando que su ex compañero de banda Gary Barden ayudaría en los espectáculos del Reino Unido. Sin embargo, el propio Barden lo negó. Finalmente el vocalista Leif Sundin asumió las tareas vocales para el resto de la gira.

«Fui atacado dos veces por la espalda por un miembro de nuestra gira, que era demasiado grande y cobarde como para enfrentarse conmigo cara a cara. Me lastimé gravemente en el incidente, y no puedo seguir en las condiciones actuales».

Chris Logan sobre el incidente en Estocolmo.

«Realmente no lo sé. Estaba dormido cuando mi tour manager entró con un ojo morado. Y sé que Chris estaba borracho. Pero en realidad no sé qué pasó exactamente».

MIchael Schenker al ser preguntado sobre la pelea de Chris Logan.

En noviembre de 2004 se lanzó el DVD «World Wide Live 2004» grabado en marzo de ese mismo año en el Metalmania Festival, de Polonia. La lista de canciones incluye lo más destacado de todas las etapas de la carrera de Schenker: desde los éxitos de UFO hasta las canciones clásicas de MSG, incluidas sus composiciones en solitario. Ademas de contar con extras, el DVD presenta un CD con el audio del concierto. En mayo de 2005 Rev Jones (bajo) y Pete Holmes (batería) abandonaron el grupo «debido a las continuas fechas canceladas de la gira y las malas decisiones de la agencia de managers».

En julio de 2005 MSG publica el álbum de versiones «Heavy Hitters». Originalmente la idea era lanzar un álbum de versiones realizadas por Schenker y un grupo de «estrellas del rock» como músicos invitados», sin embargo el álbum fue etiquetado y comercializado como un álbum de MSG. El álbum fue producido por Brett Chassen y Bob Kulick y cuenta con versiones de temas de UFO, Nazaret, Elvis o Black Sabbath entre otros. En 2008 fue relanzado como un álbum en solitario de Michael Schenker bajo el título «Doctor Doctor: The Kulick Sessions» e incluía cuatro pistas adicionales. También existe una versión Deluxe de este lanzamiento disponible solo en formato digital bajo el título «Guitar Masters: The Kulick Sessions», con versiones instrumentales de todas las canciones del álbum excepto «Save Yourself». «Heavy Hitters» fue reeditado nuevamente en 2011 por el sello Store For Music con el título «By Invitation Only» , incluyendo la canción «Run to the Hills», que Schenker y McAuley habían grabado para el álbum tributo a Iron Maiden «Numbers from the Beast».

«Para ‘Heavy Hitters’ se me pidió que tocara todas las guitarras y recibí solo una pequeña paga. No tenía idea de que usarían el nombre de MSG para vender el álbum ganado 15 veces el dinero que me dieron a mi, y que hubiese ganado yo bajo circunstancias normales con MSG. Además al hacer lo que hicieron le dieron a MSG la etiqueta de banda de versiones. MSG fue creada por mi como una banda especial, para expresarme libremente basándome en mis decisiones. Ellos cogieron lo que logré en su propio beneficio. Está siendo estudiado por abogados. Espero que con esta acción yo y otros ganemos un poco más de respeto en este mundo de «sálvese quien pueda». Afortunadamente el álbum es bueno y tiene grandes músicos.»

Michael Schenker sobre el álbum «Heavy Hitters»

En marzo de 2005 se edita el álbum «Tales of Rock’n’Roll», coincidiendo con el 25 aniversario de la banda. El álbum contó con una nueva formación de MSG, con el propio Michael, el vocalista Jari Tiura, el teclista/guitarrista Wayne Findlay, el ex compañero de Schenker en UFO Pete Way al bajo y el batería Jeff Martín, además de la participación de todos los cantantes principales de las formaciones pasadas de MSG (Gary Barden, Graham Bonnet, Robin McAuley, Kelly Keelling, Leif Sundin y Chris Logan) donde cada uno de ellos escribió y cantó una canción. El bajista «Rev» Jones y el batería Pete Holmes se incorporaron a la banda para su posterior gira por Europa. Las fechas de EE.UU. fueron anunciadas para mas tarde ser canceladas. En agosto, el guitarrista publicó varios mensajes personales entre él y el cantante Jari Tiura en la pagina web de este, culpándolo por la cancelación de la gira. Después de decir «Dejé de tocar», Schenker continuó diciendo: «Estoy cansado de cambiar de músicos y cantantes. MSG terminó y ya no estoy inspirado». Poco después, todo el contenido se eliminó de la pagina web de Schenker y se reemplazó por un logotipo de MSG invertido. Posteriormente, los miembros de la banda declararon que la gira fracasó debido a problemas financieros. En noviembre de 2005 problemas legales obligaron al guitarrista a abandonar los EE.UU., Schenker publicó en su pagina web: «Me amenazan con la suspensión de mi pasaporte, la congelación de mis bienes y la cárcel». Sin embargo, al día siguiente Schenker declaró que todos los problemas se habían resuelto. Luego se anunciarían fechas para un gira en noviembre por Asia. Desafortunadamente, el 17 de noviembre, el concierto en el Nakano Sunplaza de Tokyo (Japón), fue cancelado después de solo tres canciones. El grupo interpretó «Assault Attack», «Ready To Rock» y «Let It Roll», sin que Schenker fuera capaz de interpretar los solos, antes de abandonar el escenario. Inmediatamente después, el bajista «Rev» Jones publicó un comunicado criticando al guitarrista. La banda actuó en Tailandia, y de nuevo el concierto fue criticado por las «habilidades» de Schenker. El ultimo concierto de la gira, en Taipei, el 25 de noviembre, también fue cancelado debido a una «enfermedad» de Schenker.

«Quiero pedir perdón a todos los fans que me han escrito y a todos los fans de Japón y Tailandia por el guitarrista sin talento que ocupó el escenario junto a mí en los últimos shows de MSG. Yo mismo no podía creer lo mal que estaba tocando Schenker. Aunque yo, Pete (Holmes, batería), Jari (Tiura, voz) y Wayne (Findley (guitarra/teclados) dimos el 110%, por lo que vi el dio menos del 1% y eso es tan irrespetuoso no sólo con la banda y con el equipo sino también con los fieles fans de MSG. Así que otra vez pido perdón por sus acciones porque él nunca pediría perdón por si mismo. Tenemos dos shows más y SE ACABÓ».

«Rev» Jones sobre los concierto en la gira Asiatica de 2006
«Todo un detalle por parte de Schenker compartir portada con Barden».

En enero de 2007 se presentó una nueva formación de MSG que incluía a Schenker, el vocalista Jari Tiura, el guitarrista y teclista Wayne Findlay, el bajista Barry Sparks y el bateria Bodo Schopf. Poco después, Frank Rummler reemplazó a Sparks. El 24 de abril de 2008 se lanzó el álbum «In The Midst Of Beauty» undécimo álbum de estudio de Michael Schenker Group, y que marcó el regreso de su primer vocalista, Gary Barden, después de haber participado en los dos primeros trabajos de la banda. El álbum se ubicó en Alemania en el número 78, en Suecia en el 60 y en Japón en el 30. En las listas de HMV Japan Rock y en las listas de Amazon Japan alcanzó el número 2. Además de Schenker y Barden el álbum cuenta con los veteranos Simon Phillips a la batería, Neil Murray al bajo y Don Airey a los teclados. En la portada del álbum figura el logo de la banda con los nombres de Schenker y Barden. A mediados de junio el ex batería de AC/DC Chris Slade, se unió a las filas de MSG para la gira de 2008 junto a Gary Barden, Chris Glen, Wayne Findlay y el propio Michael Schenker.

«Este título surgió a través de mi experiencia y me di cuenta de que, en medio de la belleza, la bestia siempre está esperando y lista para atacar».

Michael Schenker sobre el titulo del álbum «In The Midst Of Beauty».

30 aniversario, 50 aniversario…

En 2010 MSG sale de gira para celebrar el 30 aniversario de la banda. Durante su gira por Japón se graba la actuación del 13 de enero de ese mismo año en el Nakano Sun Plaza en Tokio, emitido el 27 de marzo por el canal de televisión japonés NHK-BS2. En esta gira, el grupo estaba formado por Michael Schenker, Gary Barden, Simon Phillips, Wayne Findlay y Neil Murray y de nuevo el set list estaba compuesto por temas de todas las etapas de la carrera de Schenker: desde éxitos de UFO y Scorpions, pasando por temas clásicos de MSG, hasta sus trabajos en solitario. En octubre se lanzó en doble CD dicha actuación, bajo el titulo de «The 30th Anniversary Concert – Live in Tokyo». También se lanzó en DVD y en Blu-ray, con material exclusivo de los ensayos en Los Ángeles e impresiones de los músicos en el backstage. Durante la gira Europea Chris Slade y Pete Holmes se turnaron en sustitución de Phillips mientras que la posición de bajista fue ocupada por Chris Glenn. Para el tramo americano de esa misma gira se unieron a MSG el mítico batería Carmine Appice y el bajista Elliott «Dean» Rubinson, director ejecutivo de Dean Guitars.

En 2011 MSG realiza una gira por USA en la que el antiguo compañero de Schenker en McAuley Schenker group, Robin McAuely, se encarga de las tareas vocales acompañados por Wayne Findlay a los teclados y las guitarras, Pete Holmes a la batería y Elliot Rubinson al bajo, quien falleció a causa de un cáncer el 6 de febrero de 2017. Anteriormente, el 17 de noviembre de 2015, el que fuera vocalista de MSG, David Van Landing, murió en un accidente de trafico tras chocar contra un camión de basura. El batería Ted McKenna falleció el 19 de enero de 2017 a los 68 años de edad. El músico se estaba sometiendo a una operación de hernia de rutina cuando una “ocurrencia anormal” causó una hemorragia que no se pudo detener, pese a intentar salvar su vida durante 10 horas. Otro de los músicos de MSG, el guitarrista y teclista Paul Raymond, murió el 13 de abril de 2019 a los 73 años de edad de un ataque al corazón. Un año mas tarde, el compañero de Raymond y Schenker en UFO, y ocasionalmente de MSG, Pete Way, fallecía el 14 de agosto de 2020 a consecuencia de unas heridas sufridas en un accidente de trafico dos meses antes de su muerte.

El 29 de enero de 2021 se lanzó el álbum «Immortal», coincidiendo con el 50 aniversario de Schenker como un musico. El álbum entro entró en las listas de en Japón (Nº3), Alemania (Nº8), Suiza (Nº8) y Suecia (Nº8).Para este trabajo Schenker cuenta con un variado elenco de estrellas del rock, a la voz están Ronnie Romero (Rainbow), Ralf Scheepers (Primal Fear), Joe Lynn Turner (ex Deep Purple) y Michael Voss (Mad Max) quien también produjo el disco. al bajo Barry Sparks (ex Dokken), al teclado a Derek Sherinian (ex Dream Theater) y a la batería, Simon Phillips (ex Toto) y Brian Tichy (ex Whitesnake), entre otros muchos. Para la gira mundial donde Schenker celebraba sus 50 años como musico, además de promocionar el ultimo trabajó de MSG, contó con una nueva formación encabezada por Schenker, apoyado por el vocalista Ronnie Romero, el guitarrista y teclista Steve Mann, el bajista Barend Courbois y el batería Bodo Schopf.

«Ultima formación de MSG, ¿ultima?»

El 27 de mayo y bajo el nombre de «Universal» se editaba el que hasta la fecha es el ultimo trabajo de MSG. Nuevamente producido, al igual que su trabajo anterior, por el propio Schenker y Michael Voss, el álbum cuenta, además de los músicos que acompañaron a Schenker en la anterior gira, con un buen puñado de invitados entre los que destacan los vocalistas Michael Kiske (Helloween) y Ralf Scheepers (Primal Fear), los baterias Simon Phillips (ex Toto, The Who), Brian Tichy (ex Whitesnake, ex Foreigner), Bobby Rondinelli (ex Rainbow), así como los legendarios bajistas Bob Daisley (ex Black Sabbath) y Barry Sparks (ex Yngwie Malmsteen, ex Dokken). Durante la gira Robin McAuley se encargó de las tareas vocales en algunos shows de MSG. y precisamente con el gran Robin McAuley continuamos.

Vocalista irlandés, principalmente conocido como el vocalista de McAuley Schenker Group de 1986 a 1993, cuando se unió a Michael Schenker y aprovechando la «inicial de»M» de McAuley, siguieron usando las iniciales MSG, que Michael usó para Michael Schenker Group. Junto a el lanzó que vio a la tres álbumes de estudio: «Perfect Timing», «Save Yourself» y MSG, un álbum en vivo «Unplugged Live» y un E.P. exclusivo para Japón «Nightmare: The Acoustic MSG». En 2012 hizo algunas apariciones con Schenker y también en 2016 tanto con Michael Schenker Fest, junto a los cantantes originales de MSG Gary Barden y Graham Bonnet, como en Michael Schenker’s Temple of Rock junto a Doogie White (ex Rainbow). McAuley también fue vocalista entre otros de Grand Prix y Far Corporation, quies ya aparecieron en el programa dedicado a Queen https://rockencadena.home.blog/2021/12/05/episodio-no-36/. En 1999, McAuley lanzó su primer álbum en solitario, «Business As Usual», escrito y grabado con la ayuda de Frankie Sullivan futuro compañero de McAuley en Survivor. McAuley también es miembro desde hace mucho tiempo del show de Las Vega Raiding the Rock Vault, un espectáculo de rock repleto de estrellas del genero. Además es el vocalista del proyecto llamado «Black Swan» junto al guitarrista Reb Beach y sus el bajista Jeff Pilson y el batería Matt Starr. En mayo de 2021 lanzó su segundo álbum en solitario bajo el titulo de «Standing on the Edge». En en 1991, grabó la balada «Teach Me How to Dream» que apareció en la banda sonora de la película «If Looks Could Kill» (Agente Juvenil), una comedia de acción de espías. En dicha banda sonora también aparecían Bang Tango y esta joven banda llamada Trixter.

Steve Brown y Doug «Dougie C.» Cowie, guitarrista y bajista respectivamente, formaron el grupo Rade, Brown and Cowie en 1983 en Paramus, Nueva Jersey. Pronto, reclutaron al batería Mike Pane y al cantante Pete Loran, quien después de un solo concierto, fue reemplazado por Mark «Gus» Scott y la banda cambió su nombre a Trixter. En tan solo tres años, se convirtieron en una banda fija en las salas de conciertos de L.A, ganándose el apoyo de los fans gracias a la fuerza de sus directos. En 1987, Trixter llenava salas con el cartel de «sold out», tocando junto a bandas como Kix o Skid Row. Gracias a esto la banda fue «tanteada» por varios sellos discográficos importantes. En 1988, Trixter comenzó a grabar lo que pretendía convertirse en su primer álbum de estudio titulado «Just Have Fun». El álbum nunca fue lanzado y en noviembre de 1988, el miembro fundador Dougie C. fue reemplazado por el bajista PJ Farley. En mayo de 1989, la banda firmó un contrato con MCA Records. En mayo de 1990, la banda lanzó su álbum debut homónimo, donde aparecían muchas de las canciones de aquel fallido «primer album». El primer sencillo escaló lentamente en las listas, alcanzando el número 1 en Z-Rocks Top 100 en julio de 1990. En septiembre, la banda comenzó una gira nacional y, después de dos semanas, consiguieron el puesto de teloneros de Stryper. A mediados de octubre Trixter se unió a Don Dokken en otra gira por los Estados Unidos. Durante esa gira MTV comenzó a emitir uno de los videos del grupo y en una semana, el video fue el número 1 en Dial MTV, ocupando esa posición durante cinco semanas seguidas. En diciembre de 1990, Trixter filmó el video del segundo sencillo del album, en un espectáculo en vivo en el condado de Rockland, Nueva York, agotando las entradas. La banda también grabó el tema, «One Mo Time», para la B.S.O de la película «If Looks Could Kill» del mismo año. La canción contó con Edgar Winter en el saxofón. En enero de 1991, el álbum había vendido 20.000 unidades por semana. El segundo video del grupo fue el Nº1 en MTV durante tres semanas. El álbum alcanzó el puesto 28 en la lista de álbumes Top 200 de Billboard y el primer sencillo fue un éxito Top 50 en la lista Top 100 Singles de Billboard. Mas tarde la banda se embarcó en una gira de cinco meses por USA como teloneros de Scorpions. En febrero su álbum debut se convirtió en disco de oro. En junio de 1991, Trixter inició la gira «Blood, Sweat & Beers» junto a Warrant y FireHouse. Se lanzaron el video y el sencillo de otro tema del álbum y, una vez más, el video llegó al número 1 en MTV durante dos semanas y el sencillo llegó al Top 100 en Billboard. En enero de 1992, Trixter comenzó la grabación de su segundo álbum, a la vez que renegoció su contrato discográfico con MCA Records. El nuevo álbum, «Hear!», fue lanzado en octubre de 1992, bajo la producción de James «Jimbo» Barton, productor entre otros de Rush y Queensrÿche. Trixter comenzó una segunda gira por USA, abriendo para Kiss y en enero de 1993 comenzaron una gira de clubes como cabezas de cartel. El álbum se vendió en Japón, por lo que la banda fue invitada a hacer dos shows: uno en Osaka y otro en Kawasaki. Trixter terminó la gira de su segundo álbum a finales de junio de 1993. «Hear!» no logró captar la atención del mercado de MTV, con el grunge de en pleno apogeo, alcanzando el puesto 109 en el Billboard 200. La banda fue despedida por su compañía de discos y cortó sus relaciones con su agencia de management. En octubre de 1994, la banda lanzó bajo el sello independiente Backstreet Records el E.P. de versiones «Undercovers» con temas de Supertramp, Paul Simon, The Beatles y AC/DC entre otros. En 1995 el grupo se separó. En 2008 los miembros originales de Trixter se reunieron para una pequeña gira, publicando ese mismo año el CD en directo «Alive in Japan» grabado durante sus dos concierto en Japon en 1993. El Cd incluye dos temas nuevos. Un año después se publica el recopilatorio «Best of Trixter». En 2012, el sello italiano Frontiers Records lanzó un nuevo álbum de estudio de Trixter titulado «New Audio Machine», publicando en 2015 lo que hasta hoy es su ultimo trabajo «Human Era». Con su líder y guitarrista, Steve Brown, continuamos y este proyecto llamado Tokyo Motor Fist.

Banda/proyecto de hard/AOR, con claras influencias de las grandes bandas de los 80, nacida de la alianza entre el cantante de Danger Danger, Ted Poley, y el guitarrista/productor Steve Brown de Trixter. Ted y Steve son amigos desde hace mucho tiempo, ya que con sus respectivas bandas, Danger Danger y Trixter, cuando ambas bandas comenzaban sus carreras. A lo largo de los años, mantuvieron una gran relación personal y la idea de hacer un disco juntos estuvo entre sus proyectos durante muchos años. Como no, Frontiers Records lo hizo realidad, publicando en 2017 el álbum debut homónimo de la banda. En 2020 el grupo publica su segundo trabajo titulado «Lions». El grupo no se prodiga en directo, centrándose sobre todo en festivales dedicados a bandas de los 80. Junto a Brown y Poley completan la banda la sección rítmica formada por el bajista Greg Smith ex Rainbow y el batería Chuck Burgi ex Rainbow, Blue Oyster Cult, Joe Lynn Turner y esta banda llamada Balance.

Formados a principios de los 80 por el cantante y guitarrista Peppy Castro (Blues Magoos) acompañado por al guitarrista Bob Kulick y el teclista Doug Katsaros, en un intento de emular el sonido (y el éxito) de bandas como Toto. El trío grabó su álbum debut homónimo con músicos de sesión, uno de los cuales, el baterista Andy Newmark, también coescribió una de las canciones del álbum y por poco tiempo fue miembro oficial de la banda. Newmark fue reemplazado por Gregg Gerson, quien dejó el grupo para tocar con Billy Idol. Antes de grabar su siguiente álbum, Balance incorporó al grupo al batería Chuck Burgi y al bajista Dennis Feldman (ex-Speedway Blvd., MSG). El álbum alcanzó el puesto 133 en el Billboard 200, y su primer sencillo al puesto 22 en la lista de sencillos Billboard Hot 100. El segundo single alcanzó el puesto 58. Desde entonces la banda no logró volver a las listas de éxitos. Su segundo álbum, «In For The Count» fue coproducido por Tony Bongiovi, (primo de Jon Bon Jovi). Tras el «Black Friday» donde CBS, Epic y Portrait despidieron a 200 empleados, Balance perdió los apoyos que tenia dentro del sello, sufriendo el álbum «In For The Count» las consecuencias. Aunque las cosas no pintaban bien en la compañía, esta, les pidió que escribieran una canción para un importante anuncio japonés de coches. La canción también se lanzó comercialmente a través de Polydor, como cara B del ultimo single del grupo. Balance realizó una breve gira por Japón antes de dejarlo debido a la falta de interés de su sello y su agencia de management. A raíz de la reedición de 2006 de «In For the Count», el sello italiano Frontiers Records lanzó en 2009 el álbum «Equilibrium», con los miembros originales Kulick, Castro y Katsaros, junto al batería Brett Chassen, quien también coprodujo el álbum con Kulick. El hermano de Bob, Bruce Kulick aparece como invitado en el álbum tocando el bajo, así como Jesse Castro en la batería. En 2014, la banda se reunió para sus primeros shows en vivo en 31 años para una breve gira de tres fechas en Suecia. Peppy Castro, Bob Kulick y Doug Katsaros se unieron a Dan Larsson en el bajo y Jonas Wikström en la batería. Bob Kulick murió el 28 de mayo de 2020, a los 70 años. En los años 90 Kulick y Feldman, este último bajo el nombre de Dennis St. James y como vocalista, volverían a formar equipo nuevamente en la banda Skull, cuyo único álbum, «No Bones About It», fue lanzado en 1991; Bruce Kulick y Chuck Burgi aparecen en el álbum como invitados en varias pistas. Castro, Katsaros, Burgi y Feldman (junto con el hermano menor de Bob Kulick, Bruce) volvieron a coincidir tras la primera separación de Balance cuando aparecieron en el álbum de 1985, «Everybody’s Crazy», de este vocalista llamado Michael Bolton.

Nacido como Michael Bolotin y conocido profesionalmente como Michael Bolton, comenzó su carrera mediados de la década de 1970 como líder de la banda de hard/AOR Blackjack, estilo con el que continuó, a mediados de los 80 y ya en solitario como Michael Bolton (sus dos primeros álbumes aparecen con su nombre original). Su primer álbum homónimo de 1983 (tercero en realidad) y primero bajo el nombre de Michael Bolton, contó con su ex compañero en Blackjack, Bruce Kulick a la guitarra, siendo reemplazado para la gira por Al Pitrelli (Alice Cooper, Megadeth), aunque la gira se canceló tras cuatro conciertos. Para su siguiente álbum de 1985, «Everybody’s Crazy», Bruce Kulick fue de nuevo el encargado de grabar las guitarras acompañado, entre otros, por su hermano Bob y los ex compañeros de este en Balance, Katsaro, Burgi y Feldman. La canción de daba titulo al álbum apareció en la película Back to School (Regreso a la escuela) de 1986. Dado el contraste en el estilo musical entre este álbum y la mayoría de la producción musical posterior (y más exitosa) de Bolton, las canciones del álbum rara vez aparecen en sus álbumes recopilatorios, según el productor del álbum Neil Kernon, Bolton no quería relanzar «Everybody’s Crazy» o su álbum homónimo de 1983 en C.D. por temor a confundir a sus «nuevos» fans. Después llegarían «The Hunger» y «Soul Provider», de 1987 y 1989 respectivamente, donde el estilo de Bolton empieza a orientarse mas hacia las baladas, gracias a lo cual ha vendido más de 75 millones de discos, colando ocho álbumes entre los 10 mejores y dos sencillos número uno en las listas de Billboard, además de ganar seis American Music Awards y dos premios Grammy. Pero no todo fue un camino de rosas en le éxito de Bolton, el 24 de febrero de 1992, el grupo estadounidense de R&B Isley Brothers, presentó una demanda contra Bolton, alegando que su exitosa canción de 1991 «Love Is a Wonderful Thing» plagió su canción de 1966 del mismo nombre. Dos años después un jurado de Los Ángeles falló a favor de los Isley Brothers. El jurado determinó que hubo cinco casos en los que la canción de Bolton plagió la melodía de los Isley Brothers. Bolton, el coautor Andrew Goldmark y Sony Publishing recibieron la orden de entregar a los Isley Brothers más de 5 millones de dólares de las ganancias de las ventas de la versión de Bolton. Fue el pago más grande de la historia por plagio en la industria de la música. Bolton, Goldmark y Sony apelaron el veredicto y la lucha judicial continuó durante casi siete años más. El caso concluyó el 22 de enero de 2001, cuando la apelación fue rechazada. En 1986 el compositor Gary William Friedman presentó una demanda contra Branigan, los compositores Bolton y Doug James y otras partes involucradas en la grabación, alegando que «How Am I Supposed to Live Without You» copió su canción «Promise Me I’ll Feel This Way Tomorrow». En su testimonio del juicio del 5 de agosto de 1986, Branigan interpretó la canción de Bolton y James y otras dos canciones grabadas por varios artistas. A finales de agosto de 1986, el jurado de un tribunal federal de Nueva York absolvieron a los acusados ​​de los cargos. En su época «rockera» Bolton supo arroparse de músicos de la escena, talles como: Bob y Bruce Kulick, Aldo Nova, Jonathan Cain y Neal Schon de Journey, Steve Lukather, Michael Landau, Dann Huff, Hugh McDonald y este magnifico teclista llamado Mark Mangold, miembro de Touch, American Tears, Drive, She Said y esta otra banda llamada The Sign.

Debido a que casi ninguno de los músicos de la escena Hard/AOR está en bandas que ocupan todo el año, tienen tiempo de inactividad para forjar todo tipo de colaboraciones interesantes entre ellos. Una de ellas es The Sign, supergrupo de AOR/Sinfónico formado por el teclista Mark Mangold (American Tears, Touch, Drive, She Said), el guitarrista, Randy Jackson (Zebra, China Rain) y el cantante Terry Brock (Strangeways) al que mas tarde se unieron Billy Greer (Kansas, Streets) y Bobby Rondinelli (Rainbow, Black Sabbath). Su álbum debut, lanzado en 2000, fue «Signs Of Life» a través del sello italiano Frontiers Records quien encargó a Mark Mangold la creación de este proyecto convertido en de The Sign. Su segundo álbum, «The Second Coming», lanzado en 2004 vio la salida del grupo de Billy Greer y Bobby Rondinelli. Mark Mangold se encargo de la batería (imagino que programada), para el bajo contaron con Teddy Cook y Mark Hermann, además de incorporar a un segundo guitarrista, Jon Bivona, que también grabó algunas pistas de bajo. Una vez más, la banda entrega un álbum conceptual en torno a Aryon, una niña salvada de un coma. En 2018 se reeditaron y se remasterizaron sus dos álbumes bajo el sello Scape Music, en formato de C.D. doble con el añadido de bonus track. El grupo no se prodiga mucho en directo, mas allá de algún que otro festival dedicado al hard/AOR. Y ya que estamos con proyectos continuamos con otro en el que Billy Greer (Kansas, Streets) esta involucrado, Seventh Key.

Banda formada por el guitarrista Mike Slamer (City Boy, Streets) y el bajista y vocalista Billy Greer de Kansas y compañero de Slammer en Streets. De nuevo Frontiers está detras de este proyecto, aportando hasta el nombre de la banda. En 2001 lanzan su álbum debut homónimo donde Mike Slammer también se ocupaba de la batería apareciendo bajo el seudónimo de Chet Wynd. Dave Manion, teclista ocasional de Kansas también colaboraba en el álbum. Su segundo trabajo, «The Raging Fire» de 2004, cuenta con el batería Jamie Thompson. En 2005 se edita el directo «Live in Atlanta», con 12 canciones en directo más tres temas nuevos en estudio a modo de bonus track. En el directo Seventh Key cuenta con Terry Brock a la guitarras y coros, algo que ya hacía en los álbumes en estudio, David Manion a los teclados y Pat MacDonald como batería. Además contaban con la colaboración del violinista de Kansas Robby Steinhardt y el hermano de Billy Greer, Johny Greer. El concierto se grabó el 23 de mayo de 2005 ante un grupo de amigos y familiares, editandose un año después en DVD. «I Will Survive» de 2013 es hasta el momento el último trabajo de Seventh Key, con Slammer de nuevo ocupándose de la batería bajo el seudónimo de Chet Wynd. El grupo tiene poca actividad en directo siendo un proyecto del que se ocupan cuándo tienen hueco en sus agendas tanto Greer con Kansas como Slammer produciendo y componiendo para otros grupos. Y con Mike Slammer continuamos y esta banda que formó a finales de los 90 llamada Steelhouse Lane.

Banda creada en 1990 por el guitarrista y productor Mike Slamer miembro entre otras bandas de City Boy y Streets (banda que formó con el cantante de Kansas Steve Walsh), como guitarrista «a sueldo», tocó las guitarras em los dos primeros álbumes de Warrant. Slamer pensó en crear el álbum de hard rock melódico perfecto, formando una banda para acompañarlo: Steelhouse Lane (llamado así por la calle donde Slammer solía vivir). Presentó su idea al director de A&R de MTM Music, Magnus Soderkvist. A Soderkvist, un gran admirador del trabajo de Slamer desde hace mucho tiempo, le encantó la idea. Los viejos amigos de Slamers, James Christian (House Of Lords) y el compañero de composición Mark Baker, le presentaron al joven cantante (a penas veinte años) Keith Slack, quien se convirtió en el vocalista de la banda, a el se unirían DeWayne Barron en la batería, el guitarrista Chris Lane y el bajista Alan Hearn. Para el álbum debut de la banda, «Metallic Blue», de 1998, Slammer decidió usar varias canciones nuevas con algunos temas antiguos que escribió para otros grupos y solistas como House Of Lords, Hardline, Wall Of Silence, Tower City y James Christian. El álbum fue producido por Mike Slamer (quien también contribuyó con guitarras y teclados/programación). Su segundo trabajo lanzado en 1999, «Slaves Of The New World», cuenta con la misma formación que su anterior trabajo y al igual que «Metallic Blue», también aparece un tema ya grabado anteriormente por la antigua banda de Slammer, Streets. Poco después la banda desaparece. En 2009 se reedito su segundo trabajo «Slaves Of The New World» con un bonus track de otra versión de Streets y en 2010 el sello Scape Music lanzó en formato digipack los dos álbumes de la banda, su debut del 98 con un bonus track y la reedición de 2009 de su segundo trabajo. Y con Steelhouse Lane y su vocalista llegamos a los protagonistas de este episodio, ya que Keith Slack fue vocalista de MSG y grabó aquel «Live The Unforgiven World Tour 1999». Con MSG me despido de vosotros y os invito a que no faltéis al próximo episodio donde celebraremos el 4º aniversario del programa. Os espero!!!…y recuerda, sube el volumen y disfruta!!

Episodio Nº45

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Bienvenidos y bienvenidas a una nueva entrada del blog de Rock en Cadena. Tras el especial al Metal Latino (solo publicado en podcast), volvemos con una banda que gran parte de su éxito se lo debe al publico de Latinoamérica y mas concretamente al de México. Banda mítica española que a principios de los 90 tuvo que emigrar para poder «subsistir» haciendo Heavy Metal, estilo que en España estaba herido de muerte. Ellos son Angeles del Infierno.

Los primeros días.

Formados a finales de 1970 en Lasarte (Guipúzcoa) por el guitarrista Robert Álvarez, quien había vivido 10 años en suiza y ya tenía experiencia con otra banda, y el bajista Santi Rubio. Ya en el País Vasco, el guitarrista recupero el nombre de aquella banda suiza, The Flood y en 1978 comenzó a elaborar un repertorio de versiones de temas de Deep Purple, Led Zeppelin o Jimi Hendrix. Tras varios cambios en la banda, la formación con la que comenzaron a rodar fue la compuesta por Robert Álvarez y Manu García a las guitarras, Santi Rubio al bajo y el batería Iñaki Munita. Juan Gallardo se ganó el puesto como vocalista después de que pasaran por la banda un total de 14 cantantes entre 1979 y 1982. En ese momento nace el tándem compositivo formado por Juan Gallardo y Robert Álvarez además de cambiar el nombre de la formación por el definitivo Angeles del infierno. Su primera grabación fue el tema «Rock’n’roll», que incluyeron en un recopilatorio titulado «Gipuzkoa Star 82» promovido por la Diputación de Guipúzcoa, en el que participaron 15 grupos de esa provincia.

«Angeles del Infierno y la portada de su primera grabación«

Esta grabación les ayudó a realizar 50 conciertos entre mayo del 1982 y enero de 1983. Tal era la popularidad del grupo que antes de tener nada grabado, se les presenta la oportunidad de abrir los conciertos de Mötorhead en noviembre de 1982 en el Palacio de los Deportes de Bilbao y de Saxon en abril de 1983 en el Velódromo de Anoeta de San Sebastián. Al igual que Asfalto años atrás, Angeles del Infierno tocaba con regularidad sin tener nada publicado por parte de ninguna compañía discográfica, ni lógicamente nadie que les hiciera ningún tipo de promoción. El grupo llenaba en todos sus conciertos, prueba de ello fue su actuación en el Festival de Mazarrock de 1983. A pesar de tocar a altas horas de la madrugada, lograron captar la atención del manager Jesús Caja, quien a partir de ese momento se hizo cargo de ellos, compartiendo oficina con grupos de la talla de Banzai, Barón Rojo y otros grupos importantes del heavy español. Todo esto no paso desapercibido para la multinacional WEA, que fichó al grupo por sugerencia del locutor y productor Vicente “Mariskal” Romero. «Pacto con le Diablo», el álbum debut de Angeles del Infierno, ya había sido grabado con anterioridad a su fichaje por la multinacional, que solo tuvo que firmar la exclusiva con el quinteto para comenzar a promocionarlo. El álbum, editado en 1984 fue grabado en los Mediterráneo Studios de Ibiza, donde Vicente Romero trabajaba como director del estudio y contó con un equipo de ingenieros de sonido compuesto por Brad Davis, y el dúo de ingenieros habituales de Judas Priest en esa época Mark Dodson y Dennis Herman. El disco se convierte en un éxito total, tanto a nivel de ventas como de crítica, liderado por el tema, «Maldito Sea Tu Nombre» convertido en todo un himno . El 18 de enero de 1984, antes de la publicación de su álbum debut actuaron en el Velódromo de Anoeta de San Sebastián ante aproximadamente 14.000 personas como teloneros de AC/DC en su primera visita a España.

«Portada de Diabólica, mas acorde con el titulo que Fuera de la Ley»

Su segundo trabajo, «Diabólica» de 1985 y que en principio iba a titularse «Fuera de la ley», fue grabado también en los Mediterráneo Studios de Ibiza, cuenta de nuevo con Brad Davis y Mark Dodson en los controles. Este trabajo continuo en la línea del anterior álbum en una mezcla del sonido de Judas Priest o Mötorhead combinado con unas letras que reflejaban el sentir de la juventud española de la época. Temas como «Con Las Botas Puestas», «Fuera De La Ley» o la balada «Al Otro Lado Del Silencio» llevaron a Angeles del Infierno a ganarse un hueco en el olimpo del heavy patrio. De nuevo el grupo vuelve a la carretera pero la competencia con bandas de su misma oficina de manager hace que las actuaciones se resientan. Aunque ese mismo año Banzai desaparece como banda y tres años después Barón Rojo rompe con Jesús Caja, convirtiendo a Angeles del Infierno en objetivo preferente del manager, aumentando así sus conciertos.

De Madrid a México.

En 1986 editaron el mini elepé «Instinto animal», con cuatro canciones que más tarde aparecerían en su siguiente disco, «Joven para morir», editado ese mismo año y que no funcionó tan bien como se esperaba, y es que la decisión de publicar el E.P. “Instinto Animal” fue bastante arriesgada, ya que dejó tan alto el listón que las ventas de su siguiente álbum se resintieron. Además este adelanto dejaba ver un cambio de estilo del quinteto.

«Portada de Joven para morir«

De hecho en la portada y contraportada de aquel L.P. se reflejaba el cambio estético del movimiento heavy, con una combinación visual de guantes sin dedos, mallas, vaqueros y botas John Smith que define perfectamente la estética de la época. De nuevo, una balada, «Pensando En Ti» vuelve a ser la gran baza para incrementar la venta de discos de Angeles del Infierno. De nuevo el álbum al igual que el E.P. fueron grabados en los Mediterráneo Studios, con Dennis Herman, otra vez, como ingeniero de sonido. En esos días comienzan a sonar los cantos de sirena procedentes de México, donde las ventas de “Diabólica” iban camino de las 100.000 copias. El público de Argentina y Venezuela también parecía conectar con el grupo en la distancia, mientras que en España la fiebre por «Angeles» pasaba de la euforia a un término más moderado. A todo esto, los músicos llevaban viviendo en Madrid desde 1986. Esta decisión estratégica les sirvió para situarse en la órbita de los medios especializados y los centros de poder del negocio, pero también a vivir intensamente la noche madrileña, como los propios Angeles del Infierno reconocían abiertamente. En 1987 se produjo la baja del batería Iñaki Munita. Su sustituto fue José Sánchez, de Bella Bestia cuya presencia no había dejado indiferente a nadie, aparecía enjaulado dentro de la batería con una máscara y le apodaban «La Bestia». Este hecho coincidió con la edición de su primer recopilatorio titulado «Lo Mejor De Angeles Del Infierno». El recopilatorio ofrecía como incentivo la inclusión del tema “Heavy Rock”, que había obtenido cierta popularidad entre sus fans al formar parte de su «set-list» de directo, además de tratarse de la cara B de su primer single: “Maldito Sea Tu Nombre”. En 1988 editan su cuarto álbum «666» producido y mezclado por Mark Dearnley ingeniero de grabación de AC/DC o Mötorhead entre otros muchos. El álbum, grabado en Madrid y no en los habituales Mediterráneo Studios de Ibiza, muestra un giro en el estilo de la banda con un sonido más suave y más cercano al hard rock y con unas letras más sencillas y alegres. Uno de los temas es la versión en español de «Mama, we’re all crazy now» de Sweet rebautizada como «Estamos todos locos». La imagen del grupo también sufrió un cambio: Juan Gallardo abandonó su característica gorra de cuero para raparse el pelo y dejarse una larga coleta; a su vez, el resto de la banda adoptó un look más refinado y elegante. Aun así, la difusión comercial de su música no se resintió. El disco estaba orientado a la búsqueda de un público más amplio y logró entrar con fuerza en el mercado latinoamericano y estadounidense.

En 1990 formaron parte de la gira organizada por la revista Metal Hammer junto a Sangre Azul y Manzano. Momento en el que se produce un nuevo cambio de batería: José Sánchez es sustituido por Javier Gómez «Cozy», ex Hamlet. La repercusión lograda con el álbum «666» es tal que la banda empieza a recibir discos de platino, no solo en España donde es el disco más vendido de Angeles del Infierno, sino también de diversos países de Latinoamérica, logrando así cruzar el Atlántico para llevar a cabo su primera gira por el continente americano. La acogida en México no puede ser mejor, siendo testigos directos del crecimiento de la comunidad latina del Metal, quienes les adoptaron como uno de sus grupos fetiche. La demanda de directos en México y Estados Unidos no dejaba de incrementar. Su segunda visita al pais azteca la hicieron en compañía de Sangre Azul, aprovechando para incidir en el circuito de clubs de la Costa Oeste californiana. A ellos regresaran en 1992, donde llenaron por completo sitios como el Hollywood Palace, ganándose a pulso un gran número de seguidores y aunque estos shows no se los puede catalogar de giras, sus actuaciones en ambos países les abrieron las puertas de un nuevo mercado llamémoslo “virgen”. Aquí es cuando llega el momento de tomar la decisión de continuar en España para seguir enfrentándose a los problemas de siempre (marginación del Rock en los medios, escasa infraestructura para conciertos, etc.) o centrarse en este nuevo mercado. Mientras se lo pensaban, en 1991 abandonó la formación uno de sus músicos de siempre, el guitarrista Manu García. Le sustituyó Guillermo Pascual, teclista de Júpiter, que en este caso pasó a encargarse de la segunda guitarra y los teclados, algo que ya hizo a modo de colaboración interpretando partes de teclado en el álbum «666».

Conquistando Latinoamérica.

«ADI 1992»

No sería hasta 1993 cuando publican un nuevo álbum “A cara o cruz”. Esta vez las tareas de producción corrieron a cargo de Stephan Galfas, conocido por sus trabajos con gente de la talla de Cher, The Allman Brothers Band, Meat Loaf, Stryper o Saxon entre muchos otros. El álbum se grabó en los estudios Carriage House Stamford, de Connecticut con un nuevo y cuarto batería, Tony Montalvo. En este punto todo era ya muy americano, tanto por sus objetivos musicales y comerciales, como por la actitud y la estética también más acordes a los años 90. El álbum no obtiene el resultado esperado en España. No obstante, la acogida de «A cara o cruz» es mucho más favorable al otro lado del Atlántico. En España cada vez se tenían menos noticias de Angeles Del Infierno y algunos comenzaron a darlos por desaparecidos. Las idas y venidas de miembros en la banda se suceden, en 1995 se produce, como no, otro cambio de batería, Rafa Delgado sustituye a Tony Montalvo, y en 1996 Guillermo Pascual abandona el grupo siendo sustituido por Alfonso Polo. Todo esto motiva que la banda decida afincarse en el continente americano con el fin de explotar las enormes posibilidades que esas tierras les ofrece, fijando su residencia en Miami. Mientras su éxito en México y Estados Unidos se cimienta con potentes descargas, los problemas con la discográfica, con la que el grupo no quiere continuar, les imposibilita sacar nuevo material. La compañía, a la vista del millón de discos que la banda logra vender en el continente americano, se muestra reacia a dejarles marchar, editando en 1997 un nuevo recopilatorio de la banda, “Lo mejor de Ángeles del Infierno: 1984-1993”. Ese mismo año, el bajista y cofundador de Angeles del Infierno, Santi Rubio, decide abandonar el grupo. Su puesto es ocupado por Alfonso Polo que pasa de guitarrista a bajista, incorporándose Ix Valieri, más tarde en Zero3Siete como nuevo guitarrista. En 1998, con Juan Gallardo y Robert Álvarez como únicos supervivientes de los «angeles» originales se embarcan en una nueva y extensa gira por el territorio americano, México principalmente, acompañados ahora por Alfonso Polo al bajo, Gustavo Hermosillo a la guitarra rítmica y Gerardo García a la batería quienes culminarían esa gira cerrando el festival Vive Latino 98. Al año siguiente continúan otra exitosa gira por México y Estados Unidos. El grupo quería abandonar Warner, pero la compañía no quería dejar marchar a una fuente de ingresos tan rentable e inesperada en el mercado latinoamericano. En realidad, pocos grupos habrán dado tanto dinero a Warner con una inversión casi mínima. La propia compañía reconoce ventas multiplatino de Angeles Del Infierno en todo el mundo, principalmente en toda América. Finalmente en el año 2000, el grupo consigue por fin la carta de libertad de la discográfica, en ese momento la banda se plantea la grabación de un nuevo disco. Pero el éxito logrado en Estados Unidos los lleva de nuevo a la carretera, encabezando una de las fechas del prestigioso festival March Metal Meltdown. Ese mismo año, y tras muchos de ausencia, la banda vuelve a España para participar en el Viñarock 2000, en una emotiva actuación. En 2001 se publica una reedición del recopilatorio «Lo mejor de Ángeles del Infierno: 1984-1993» bajo el título de «Éxitos Diabólicos», con una nueva portada y la orden de los temas alterada respecto a la original. Durante el 2001 y el 2002 y ante la continua expansión del grupo en ambos países se suceden de nuevo las giras por México y Estados Unidos, para volver, por segunda vez a España para otra actuación en el Viñarock 2002, donde la banda presentó algunos temas de lo que en breve seria su nuevo disco. En ese año su ex compañía publica «Discografía 1984-1993», 5 C.D,s en formato box set con todos los álbumes publicados hasta la fecha por el grupo.

Todos somos Angeles.

Por fin en 2003 se publica su esperado álbum titulado «Todos somos Angeles», que para sorpresa de propios y extraños fue editado por Warner, la “compañía del conejito de la suerte” como la llama el guitarrista Robert Álvarez. El álbum fue grabado en Miami de nuevo bajo la producción y mezclas de Stephan Galfas. Junto a Juan Gallardo y Robert Álvarez estaban el guitarrista Gus Santana, que también se encargó del bajo, el batería Rafa Delgado y un viejo conocido, Guillermo Pascual que colaboró tanto en los teclados como en las guitarras. El álbum refleja el nuevo estilo de Angeles Del Infierno, que ofrece una cara que poco tiene que ver con el pasado, el tiempo dirá si trata de una evolución o simplemente algo pasajero. El C.D. incluye una versión rockera de “El Rey”, la popular canción mexicana de José Alfredo Jiménez que el grupo llevaba años tocando en sus directos. En septiembre de ese mismo año Angeles del Infierno recibió un disco multiplatino de parte de su discográfica Warner Music por sus ventas en todo el mundo. En 2004 repiten de nuevo en el Viña rock, al igual que en la edición de 2006, año en el que también tocan en España en el festival Metal Way, celebrado en Jerez y Gernika el 28 y 29 de julio. En 2007 se publica «20 años de Rock & Roll en la Carretera discografía completa 1984-2003», de nuevo en formato box set con toda la discografía del grupo más dos caras Bs «Angel del infierno», nunca antes editada en cd y «Heavy Rock». También se incluye el video del tema «A cara o cruz» y una entrevista con el grupo de 1993 con motivo del lanzamiento del álbum del mismo nombre. En 2011 una vez más tocan en el festival Viña rock, volviendo en 2015 al festival Rock Fest de Barcelona. Actualmente Angeles del Infierno está formado por los incombustibles Gallardo y Alvarez, Foley a la guitarra, quien fuera bajista tras la publicación de «Todos somos Angeles» hasta que en 2008 paso a ocupar la posición de guitarrista, Alex al bajo, Gerardo García a la batería y Eddie a los teclados. Continuamos con uno de los muchos músicos que han pasado por las filas de Angeles del Infierno, el batería José Sánchez quien antes de formar parte de la banda procedía de los míticos Bella Bestia.

Formados en el madrileño barrio de Vallecas en 1983 por el bajista José María San Segundo más conocido como Pepemari y el guitarrista Tony Acebes musico curtido en el rock madrileño por su paso por bandas como Unión Pacific, Ñu o Piel Metal grupo embrión de Bella Bestia. A ellos se les unen Manolo Arias a la guitarra quien más tarde formaría Niagara, el batería Enrique Ballesteros (ex-Banzai), y el vocalista Elías Sánchez. Con un sonido y estética glamrock comienzan a dar conciertos por Madrid con relativo éxito. Poco después el cantante Elías es expulsado de la banda por no dar la imagen que el grupo quería y es sustituido por Tony Cuevas ex Furia Animal y futuro compañero de Arias en Niagara. En 1984 y con esa formación, Bella Bestia graba y edita su primer álbum homónimo del cual solo se imprimieron mil copias, convirtiéndolo hoy en día en una joya de coleccionismo, aunque la compañía Avispa lo reeditó en formato CD en el año 2000. Con el álbum en la calle, empiezan a dar conciertos pero Tony Cuevas se marcha a la mili y el grupo decide volver a cambiar de cantante, siendo el elegido es Pancho Martín. También por aquellas fechas Enrique Ballesteros deja la batería y le sustituye José Sánchez (La Bestia), ya os comentaba antes que aparecía en directo con una mascara y enjaulado en la batería, para dar mas «veracidad» al asunto se inventaron que «la bestia» en realidad era un desequilibrado mental que salía del manicomio solo para los directos, de hecho siempre llegaba en una ambulancia, y era llevado al escenario en camilla. Con esta nueva formación graban el 27 de septiembre de 1985 en la mítica sala Canciller de Madrid lo que estaba predestinado a ser un álbum en directo y segundo en su carrera, pero fue un desastre tanto de grabación como de producción y nunca vio la luz. Poco después Manolo Arias decide dejar Bella Bestia, según sus ex compañeros nunca terminó de gustarle la imagen del glam y es sustituido por Pepe Rubio. En 1986 se edita lo para mucha gente es el mejor álbum de la banda «Lista para matar». El disco se lanzó junto con un maxi de 4 temas grabados en la sala Canciller unos meses antes. En este L.P. la formación de grupo estaba compuesta por Pancho Martín a la voz, La Bestia a la batería, Pepe Rubio y Tony Acebes a las guitarras y José María San Segundo al bajo. El álbum cuenta con una versión del tema «Fox on the run» de Sweet y en el maxi en directo aparece un tema que nunca salió en estudio «El gran mago». Comienzan los buenos tiempos para la banda con continuos conciertos llenando cada vez que ofrecían algún concierto en Madrid. De nuevo se produce un cambio en la batería (La Bestia) deja la banda y le sustituye Lamberto, aunque la gente le sigue llamando «La Bestia». Las puestas en escena eran espectaculares, el batería seguía encerrado en una jaula, había explosiones, pirotecnia, todo muy glam. Pero a lo largo de 1987 Bella Bestia dejan de hacer directos y la gente empieza a olvidarse de ellos. Con algunos temas terminados pero no como para llenar un L.P., la compañía les mete prisa para grabar un nuevo álbum, a todo esto se une que el guitarra Pepe Rubio abandona la banda al parecer por diferencias musicales. Los cuatro miembros restantes Pancho a la voz, José María San Segundo al bajo, Tony Acebes a la guitarra y Lamberto a la batería se meten en el estudio para grabar el tercer álbum de Bella Bestia, «No, cariño no», editado en 1988. Pero las prisas no son buenas y el álbum no tuvo la aceptación que se esperaba y además de una escasa, por no decir nula promoción por parte de la compañía. A esto hay que unirle que en aquellas fechas el heavy/rock ya estaba en declive. Para este disco la banda deja a un lado los maquillajes, quizás debido a ciertas críticas que les acusaban de ser solo imagen, para ocultar sus limitaciones. Uno de los fundadores del grupo y compositor de la gran mayoría de temas Tony Acebes abandona Bella Bestia y el resto decide disolverse. Todo esto antes de la publicación del álbum. En 1996 Pepe Mari, Pepe Rubio, Lamberto y Pancho consideran la opción de resucitar a Bella Bestia junto a la estética de los 80. Pero la idea no funciona y dos años más tarde el grupo decide aparcar definitivamente el proyecto. En 2004 Pepe Mari, Lamberto y Pancho se vuelven a reunir junto a dos nuevos guitarristas y el grupo hace un concierto especial en el festival Viña Rock, con unas criticas nada favorables. Posteriormente en 2008 cerrarían el festival Leyendas del Rock, ya sin Lamberto en la formación y con el resto de la banda formada por miembros y ex miembros del grupo de Pepe Mari en esos momentos. En 2011 aun con Pepe Mari y Pancho como únicos supervivientes se intenta grabar un álbum en vivo con colaboraciones de casi todos los ex miembros de la banda, pero el resultado final no convence y la grabación se queda en nada. En 2013 Bella Bestia lanza a través de VMP Music su cuarto álbum, el primero desde 1988, titulado «Violando la ley», grabado por César Ortiz (ex Nocturnia) a la voz, Pepe Mari al bajo, el batería Mario del Amo y los guitarristas Miguel Ángel López «Cachorro» (Panzer, Harakiri, Coz) y Ángel Funes (ex Venganza y Muro). Tras la publicación del álbum el vocalista Cesar Ortiz abandona la banda siendo sustituido por David Valera quien aparece en el video promocional del álbum. El 7 de octubre de 2017 Bella Bestia graba en la sala Cool Stage de Madrid lo que más adelante seria su doble DVD en directo, celebrando el 30 aniversario de su segundo trabajo «Lista para Matar». En ese momento la banda estaba compuesta por Pepe Mari al bajo, David Valera a la voz, Pol DQ de Megara y ex Black Rock a la batería, y los guitarristas Roberto Gutiérrez y Miguel Ángel López «Cachorro». El concierto contó como invitados con Pepe Rubio y Tony Cuevas ex Bella Bestia y Chino ex vocalista de Banzai. El doble DVD titulado «30 Aniversario Lista para Matar», se lanzó de forma limitada a tan solo 500 copias. El primer DVD cuenta con el concierto integro y el segundo con making off, entrevistas, fotos, videos, etc. En 2018 se reedito el primer álbum de la banda bajo el título de «El principio de las cosas» con una nueva portada y el orden de los temas alterado respecto al original. Ya en 2004 se lanzó un doble cd con el segundo y tercer trabajo de la banda. Actualmente el grupo está de gira celebrando su 40 aniversario con Fran Vázquez ex Cherokee, Nova Era y Katie King como nuevo vocalista de la banda. El incombustible Pepe Mari nos lleva a nuestra siguiente banda, Beethoven R.

Banda formada a principios de 1998, tras una corta reunión de Bella Bestia que derivó en una nueva formación que incluía a Pepe Mari San Segundo (bajo) y José Luis Saiz (guitarra), a quienes se les unen Antonio Alcoba (batería ex Reina de Corazones) y Javier Kiercheben a la guitarra. Al poco tiempo se incorpora el vocalista Iván Urbistondo. Tras algunos conciertos para darse a conocer, la banda decide cambiar de nombre, pasando ese mismo verano a ser Beethoven R. Tras esto graban su primera maqueta titulada «JA, JA» con cuatro temas, uno de ellos la versión de «El Gran Mago» de Bella Bestia. En junio de 1999 se edita su primer álbum titulado igual que la primera maqueta, «Ja Ja», que curiosamente incluye tres de los cuatro temas de esta, quedando fuera la versión de Bella Bestia. En 2001 y producido por un ex Bella Bestia, Pepe Rubio se edita «Un Poco Más editado» . Ese mismo año, y tras la publicación del álbum, el vocalista Iván Urbistondo abandona el grupo, siendo sustituido por Kiko Hagall. Lo mismo ocurre un año después cuando Javier Kiercheben abandona el grupo descontento con la línea musical que el grupo estaba llevando. En 2003 se incorpora como guitarrista de gira José Ignacio Carlos “Nacho” y en 2004 aparece su tercer álbum «El legado de Judas». El disco es grabado como cuarteto ya que se grabó antes de la entrada de Nacho al grupo y por ciertos problemas se editó bastante tarde. En mitad de la gira y con Nacho ya como guitarrista oficial del grupo, el vocalista Kiko Hagall abandona el grupo volviendo de nuevo Iván a ocuparse de las tareas vocales. A principios de 2005 Beethoven R. rompe con Avispa y se pone en busca de una nueva compañía, algo que no llega debido al mal momento que atraviesa el heavy nacional. En diciembre de 2007 se produce la marcha de Nacho, sustituido en enero de 2008 por Jesús González Chechu (ex Knell Oyssey), cuya entrada coincide con el décimo aniversario de Beethoven R. Precisamente en el concierto de celebración de dicho aniversario Pepe Mari sufre un infarto que le tendrá apartado del grupo durante varios meses. Ese mismo año la banda graba un nuevo álbum que de nuevo por ciertos problemas no verá la luz hasta años más tarde. En 2008 la compañía Avispa edita un recopilatorio titulado «Larga Vida», con temas de sus tres álbumes más un tema inédito, dos de su primera maqueta y una versión en piano del tema «Qué quieres de mí», de su último trabajo. En octubre de 2008 se produce la salida del grupo de su bajista y fundador, Pepe Mari por discrepancias con el resto de los miembros de la banda. Su sustituto es Juan Carlos Adeva, más conocido como «El Moreno», quien ya había sustituido a Pepe Mari en alguna ocasión. Finalmente en agosto 2009, vio la luz su nuevo álbum titulado «Más vale tarde…que nunca!». Tras la gira el vocalista Iván Urbistondo abandona de nuevo la banda y más tarde lo haría el guitarrista Jesús González Chechu, ocupando sus puestos Alberto García y Javier Oliva respectivamente. El 1 de octubre de 2011 en la Sala Caracol de Madrid se graba lo que será su primer álbum en directo editado en 2012 en formato CD+DVD, el primero contiene 12 canciones mas tres temas en estudio grabados con la nueva formación y el DVD 23 canciones, tres temas menos de los que tocaron el día de la grabación.

«La portada de la controversia»

En 2016 aparece el ultimo trabajo de Beethoven R, «A fuego en la piel» con la misma formación que el anterior trabajo. El álbum tuvo muy poca repercusión y esa poca no estuvo exenta de polémica. Una activista denunció por machista la portada del disco, donde aparece una mujer siendo marcada a fuego con el logotipo del grupo, además de reproducir parte de la letra de una de las canciones de la formación. Las acusaciones responsabilizan a los autores de incitar a la violencia contra las mujeres. La denuncia vino a través de un twitt en el twitter oficial del festival Leyendas del Rock, donde denunció la presencia de la banda en el cartel pidiendo su exclusión del mismo. Esto solo fue una acción individual que generó una polémica con los músicos implicados. En Twitter se sucedieron opiniones a favor y en contra entre los usuarios de uno y otro bando. El problema vino cuando los organizadores del festival filtraron públicamente parte de una conversación con los datos de esa persona (algo rectificaron debido a la Ley de Protección de datos) lo que propicio que el grupo le escribiese un mensaje para advertirle que la denunciarían por «apología al feminismo», un motivo por el que aún no se ha registrado ninguna denuncia en España ni el resto del mundo. Además un miembro del grupo se despidió en el mensaje con «un pollazo para ti». Lógicamente la denuncia por parte del grupo se quedó en nada, anunciando más tarde en un comunicado, el grupo estaba «muy arrepentido».

«Cuando hemos ido a poner la denuncia nos han inflado a collejas y nos han hecho entender que nuestra postura era errónea».

«También pedimos disculpas por lo del pollazo, es que sólo sabemos pensar con esa parte».

Parte del comunicado de Beethoven R.

En septiembre de 2019 Beethoven R. deciden desaparecer como banda anunciándolo en un comunicado, citando «el poco apoyo, repercusión, aceptación y valoración de un trabajo que hemos realizado con mucha ilusión y con no poco esfuerzo». Continuamos con la banda por la que el vocalista Iván Urbistondo dejo Beethoven R. y a la cual abandonó para regresar de nuevo, Cuatro Gatos.

Formados a finales de 2001 por tres ex componentes de Ñu, el teclista Juan Miguel Rodríguez, el guitarrista Pedro Vela y el batería Joaquín Arellano. El nombre escogido para el nuevo grupo viene del disco homónimo publicado por Ñu en ese mismo verano de 2001. A la banda se unen el bajista Javier Canseco, y a mediados de 2002 Iván Urbistondo, hasta entonces cantante de Beethoven R. En 2003 la banda firma con la discográfica Avispa Music y se embarca en la realización de su primer álbum, «La Caja de Música», que finalmente es lanzado a la venta en septiembre de 2003. Tras el lanzamiento del álbum la repercusión es escasa realizando algunos conciertos junto a Mägo de Oz y poco más. En febrero de 2004 presentan su disco en Madrid y tras una temporada sin conciertos, tocan en el festival Viña Rock, actuación que sería la última con la formación original ya que, pocos días después, el cantante Iván Urbistondo anuncia su salida de la banda y su vuelta a Beethoven R. En agosto de 2004 se anuncia la incorporación a la banda del vocalista uruguayo Alex Fracchia, con quien comienzan a trabajar en su nuevo álbum, basado en una historia conceptual creada por Juan Miguel Rodríguez en la cual se relataba la historia de un individuo angustiado por la falta de sentido de su vida. En principio el álbum iba a llamarse “Phobia”, en referencia a un tema donde se habla de la insoportable sensación del protagonista de que alguien pudiera contaminarlo si lo tocaba. Finalmente el álbum llevaría por título «Esférica», publicándose el 4 de abril de 2005. Este trabajo no tiene la acogida por parte del público que la banda esperaba no ya a nivel de críticas, las cuales fueron generalmente buenas, sino en cuanto al desconocimiento por parte de muchos de los seguidores del lanzamiento del álbum. Musicalmente el álbum, es más complejo de escuchar que su debut, y tal vez por eso tuvieron ciertas dificultades para llegar a más público. Además, Alex Fracchia abandona la banda a principios del año 2006, a causa de ciertas críticas realizadas por su diferencia vocal con Iván Urbistondo. Tras la marcha del vocalista se incorpora finales de 2006 J.F. Bejarano “El Jota”, pero su estancia en el grupo es muy corta, abandonando Cuatro Gatos en 2007. Tras la renuncia del cantante, el resto de los componentes se reúne para decidir el futuro de la banda. Finalmente, y tras sopesar incluso la disolución, se decide que Juan Miguel Rodríguez se ocupe de las tareas vocales acompañado de una voz femenina, siendo la elegida Covadonga Martínez. Además, Carlos Álvarez, teclista de Arion, se hace cargo de los teclados en las actuaciones en directo. Una vez grabado el álbum, se decide lanzar un maxi con dos canciones del disco, que no encajaban con el proyecto inicial más dos temas inéditos. El 26 de enero de 2009 sale a la venta el maxi «Mañana quizá sea peor», y poco después, el 23 de febrero, se edita el C.D. «El sueño de la razón» que incluye un DVD con dos videoclips y diversos contenidos. En septiembre de 2009 el bajista Javier Canseco abandona la banda para dedicarse a otros proyectos, así como Carlos Álvarez, teclista en los directos, quien se despide de Cuatro Gatos en febrero de 2010, incorporando a la banda ese mismo mes al teclista Ismael Filteau “Filtho” y al bajista Óscar Salas «Cherokee». En octubre del 2010 Cuatro Gatos publica «Me arriesgaré» un trabajo acústico con temas ya grabados por la banda además de versiones y un único tema nuevo, que da título al álbum. A finales de 2014 el grupo se separa. Uno de sus fundadores, el batería Joaquín Arellano «El Niño», nos lleva a la siguiente banda, Saratoga.

Saratoga, banda que apareció en el episodio Nº4 dedicado a Barón Rojo https://rockencadena.home.blog/2019/02/03/programa-no4/. Como de costumbre os hablare un poco sobre su álbum debut homónimo de 1995 que contaba con Fortu Sánchez a las voces, líder de Obús, Jero Ramiro a las guitarras, Niko Del Hierro, al bajo, y Joaquín Arellano «El Niño» a la batería. La producción corría a cargo de la propia banda, y de Carlos Martínez, habitual productor de la compañía Avispa. El sonido del álbum no deja de ser heavy clásico, con toques de hard rock, con un Fortu cantando no tan crudo como en Obús y con Jero y Niko intentando emular los duelos de guitarra y bajo de por ejemplo Mr. Big. Tal vez lo mas «flojo» del álbum sean las letras, con temas demasiado trillados y otras tal vez demasiado profundas o intentando ser demasiado poéticos. Sin duda el cambio y el éxito de Saratoga llegaron con la incorporación de Leo y Dani (voz y batería) y su «cambio» a sonidos más potentes. Lógicamente dicha «evolución» en gran parte es gracias a Jero y Niko quienes durante años han llevado el peso de la banda lo llevan y lo llevaron Jero y Niko. Precisamente estos dos veteranos del heavy español continuamos, y lo hacemos con la banda donde ambos militaron, Ñu.

Los legendarios Ñu de Jose Carlos Molina, un grande sin duda dentro del panorama del rock español. Ñu también apareció en el aquel episodio dedicado a Barón Rojo, https://rockencadena.home.blog/2019/02/03/programa-no4/ . Como decíamos Jero y Kiko coincidieron en Ñu, precisamente en la grabación del album «Dos años de destierro» de 1990, primer y único trabajo de Ñu para la compañía Avispa, y, como no, contó con la coproducción de Carlos Martínez. En este álbum Ñu se vio reducido a trío, con Jerónimo Ramiro (guitarra) y Niko del Hierro (bajo) acompañando al cantante y líder José Carlos Molina, quien además de encargarse de la voz, flauta y teclados fue también coproductor y se encargó de la programación de ritmos. De hecho en los créditos del disco no se menciona ningún batería. Según parece Molina no se fiaba de las posibilidades de los estudios para grabar la batería acústica. La publicación del álbum no estuvo exenta de polémica, el disco lo editó Avispa, aunque mantenían contrato con Barrabás, al parecer estos no les prestaban mucha atención y decidieron grabar con Avispa lo que provocó que cuando el disco está preparado el mítico y tristemente fallecido locutor Mariano García en representación de Barrabás reclamó a Avispa el derecho de publicarlo. No hubo trato, el disco salió con Avispa y Barrabás denunció. El disco vendió 12.000 copias. Tras su publicación el grupo se embarcó en una gira con Medina Azahara llamada «Moros y cristianos», que no funcionó nada bien, y de la que se apartaron por diferencias con los cordobeses. Ñu continuo tocando en directo con una gira desastrosa en la que cabe destacar un concierto en la Carpa de Leganés en el que las condiciones eran tan malas que Molina se fue a casa con la intención de no tocar ante la pasividad de los organizadores y ante los charcos que se crearon después de una lluvia torrencial. Al final los compañeros de grupo le convencieron para tocar por respeto al público, pero durante el concierto Molina lanzó varios mensajes contra los organizadores, lo cual molestó a los músicos. Esta actuación terminó con la ruptura de la banda, con Avispa y con el manager de entonces. En esos días le acompañaban en el directo además de Jero y Niko, Enrique ballesteros a la batería y José Barta ex Júpiter a los teclados, quien colaboró en los coros en el álbum «Dos años de destierro». El álbum fue reeditado en mayo de 2022 en formato vinilo a color, remasterizado y con un tema más respecto a la edición original. En alguna ocasión he hablado de la infinidad de músicos que han pasado por las filas de Ñu, pues bien, vamos con uno de ellos, el guitarrista Jose Antonio Casal, quien militó en bandas como Marshall Monroe, Muro, además de ser el autor de su clásico «Mirada Asesina», y esta otra mítica banda llamada, Panzer.

Formados en 1981 por el vocalista Carlos Pina, el batería Rafael Ramos, el bajista Fernando Diaz-Valdés, el teclista José Segura y el guitarrista Juan Leal, al parecer en las oficinas del tristemente fallecido y todopoderoso manager de los 80 Jesús Galvez. A los pocos meses de su formación ganan el Primer Festival de Rock del Barrio de San Blas en Madrid y firman con la filial rockera de Zafiro, Chapa por cinco álbumes. Ya en 1982 graban su primer álbum titulado «Al pie del Cañón» producido por Luis Soler y mezclado en Londres. Para su segundo trabajo «Sálvese quien pueda» de 1983 se prescinde de los teclados y se da entrada al joven guitarrista Jesús Díaz “Suso”. El álbum se graba en los estudios Eurosonic siendo mezclado y grabado por Bob Broglia, encargado del estudio de Ian Gillan. Con este álbum el grupo se consolida en la escena rock de España tras la buena acogida por parte de público y crítica, lo que le sirvió para ganar una gran popularidad y poder realizar una extensa gira. El disco además se puso a la venta en Inglaterra y varios países europeos gracias a la compañía belga Mousoleum Records quien hiciera lo mismo con los discos «Metalmorfosis» de Barón Rojo y «El que más» de Obús.

«Mítica portada»

En 1985 el grupo pasa a ser un cuarteto tras la marcha del guitarrista Juan Leal. Ese mismo año se publica su tercer trabajo «Toca madera», grabado en los Estudios Mediterráneo de Ibiza en tan solo en siete días, cinco de grabación y dos de mezcla. El álbum cuenta con la participación del ingeniero de la casa Denis Herman. Una de las cosas que convirtió a este álbum en mítico fue sin duda la portada, donde aparece «la abuela Angeles», con cazadora de cuero, la famosa gorra de cuero de Carlos Pina, muñequera de tachuelas y como no haciendo el símbolo de los cuernos. La canción que daba título al disco «Toca madera» contó con la colaboración en la letra del conocido locutor de radio Juan Pablo Ordúñez «El pirata», y para los que no sepáis es una parodia a ese «gafe» del que todo el mundo habla sobre el grupo Panzer, también conocidos como «los innombrables» ya que esa «mala suerte» no solo los acompañaba a ellos si no a quienes estaban cerca. De nuevo se producen cambios en Panzer cuando el guitarrista Jesús Díaz “Suso” tiene que abandonar el grupo para cumplir el servicio militar y es sustituido por Jose Antonio Casal quien graba con el grupo «Caballeros de Sangre» de 1986. Tras cuatro álbumes con Zafiro/Chapa, piden la carta de libertad, y deciden grabar un disco en directo con el sello que había creado su manager Javier Gálvez, Lady Alicia Records bajo la distribución de Avispa. El 27 de junio de 1987 Panzer graba en Madrid, mas concretamente en el Anfiteatro Egaleo de Leganés, su primer álbum en directo titulado «Sábado Negro» editado ese mismo año y que cuenta con dos nuevos guitarras, Pepe Rubio (ex Bella Bestia) y Alfonso Samos. La grabación del concierto fue caótica, de hecho el titulo refleja lo vivido allí, con un sonido pésimo e incluso con corte de luz incluido durante su clásico «Junto a ti». En principio el álbum tenía que haber sido doble pero se editó en formato sencillo. Mas tarde Pepe Rubio fue expulsado de la banda en el propio estudio donde se realizaba la mezcla del disco. Lo mismo ocurrió con el bajista Fernando Diaz-Valdés quien abandona la banda siendo sustituido muy brevemente por Niko del Hierro. Tras esto Panzer se separa, volviendo a los escenarios en 2007 con los miembros originales Carlos Pina y Rafa Ramos, voz y batería, más Mario al bajo y los guitarristas Miguel Angel Lopez “Cachorro” y Paco Ramos. En 2009 Mario y Paco abandonan Panzer volviendo dos ex miembros, el bajista y fundador Fernando Díaz-Valdés y el antiguo guitarrista Jesús Diaz «Suso» aunque este lo hace de manera esporádica. Ese mismo año, más concretamente el 30 de mayo, se graba, también en el anfiteatro Egaleo de Leganés, donde se registró aquel «Sábado Negro», el primer DVD de Panzer titulado «De infierno a Infinito», publicado de manera independiente en 2010. Como músicos invitados aparecen Juan Leal, ex guitarra de Panzer, Óscar Sancho, vocalista de Lujuria y Juan Olmos, vocalista de Antigua, y que además fue el encargado de editar el sonido del concierto junto a Jorge Escobedo guitarra de Sober. En ese momento el grupo lo componían Carlos Pina a la voz, Miguel Ángel «Cachorro» a la guitarra, Fernando Díaz-Valdés al bajo y Rafa Ramos a la batería. En 2018 fallece Juan Leal, primer guitarrista de Panzer. Hoy en día la banda sigue activa realizando algún que otro concierto y actuando en festivales. Vamos a continuar con el único teclista que pasó por la banda Jose Segura y su trabajo como teclista y productor del álbum en solitario esta pionera del heavy en España llamada Azuzena.

Azucena Martín-Dorado Calvo, conocida artísticamente como Azuzena, cantante de rock española, más conocida como la vocalista del grupo Santa, convirtiéndose en la voz femenina más emblemática del heavy metal español de la década de los 80. En 1986 comenzaron los problemas con los demás miembros de la banda, especialmente con el guitarrista Jerónimo Ramiro, que pretendía dar a Santa un sonido más comercial, cosa que se hizo evidente en el segundo álbum, «No hay piedad para los condenados». Pese a que con este nuevo trabajo la popularidad de la banda disminuyó por no tocar el Heavy Metal clásico que hacían en un inicio, para el tercer álbum Ramiro insistió en comercializar aún más el sonido de la banda. Esto llevó a Azucena a tomar la decisión de retirarse y lanzarse como solista, siendo apoyada por músicos de Casablanca, LaBanda o Raza además de por varios grupos de acompañamiento como Polvo Blanco, Cráneo o Esfinge. Los problemas económicos y las presiones de la compañía discográfica la llevaron a intentar suavizar su estilo para hacerlo más comercial, para su debut de 1988 titulado «La estrella del rock», hizo uso de composiciones de Manolo Tena o Hilario Camacho entre otros, lo que significó un giro de estilo que no obtuvo la repercusión esperada y que generó la incomprensión de sus seguidores. La compañía donde Azucena grabó sus discos, Luna Discos, fue fundada por una fan de Santa expresamente para lanzar los discos en solitario de Azucena. En 1989 edita «Liberación», disco en el que regresa al rock duro, pero el cual no logró mucha acogida entre público, sobre todo porque la distribución tuvo que hacerse prácticamente a través de ella misma, por no contar con el respaldo de la discográfica. Al parecer la responsable de su compañía de discos tuvo problemas de salud y no pudo centrarse en Azuzena. Entre los músicos que grabaron ese disco se encontraban el primer teclista de Panzer, José Segura que además fue coproductor del disco, o el guitarrista Pedro Andrea, quien más tarde fuera musico de Miguel Bosé, además de contar con la colaboración del guitarrista Jaume Pla, fundador de una mítica escuela de música de Madrid. Agotados sus recursos económicos y anímicos se retiró de la música y pasó a dedicarse a la hostelería, montando primero un pub en Madrid y más tarde otro en la playa de Alicante, donde residía y donde se retiró de la vida pública. Azucena regresa a su ciudad, Madrid, para hacer un último intento de relanzar su carrera musical. En 2004 el programa de Mariano García, Disco-Cross, emite un mensaje de ella: “Hola, soy Azucena. Espero que os acordéis de mí. Dentro de poco tendréis noticias mías”. Al parecer pretendía regresar bajo el nombre de Santazuzena. Desgraciadamente, meses después de ese anuncio, más concretamente el 31 de enero de 2005 fue hallada muerta en su domicilio de Madrid victima de un edema pulmonar agudo. Tenía 49 años. Un par de curiosidades sobre el segundo álbum en solitario de Azuzena, el tema «Salvaje y cruel» estaba firmado por Fortu y Jose Luis Serrano, vocalista y bajista de Obús y padrinos de Santa, de hecho este tema apareció en la primera demo de Santa cuando aun se llamaban Viuda Negra con Jero y Azucena más Jose Luis y Fernando, bajista y batería de Obús. El álbum también cuenta con temas escritos por el humorista y showman Moncho Alpuente, el guitarrista Eduardo Pinilla actualmente en Burning y ex Ñu y Coz y José Barta teclista de Goliath y Júpiter que además formó parte de la banda de directo de Azuzena. Precisamente el, José Barta nos lleva a esta banda llamada Júpiter.

Formados en 1986 por el guitarrista Javier Ponce y el teclista José Barta ambos ex Goliath más el vocalista Narci López el bajista José Rubio y el batería Juan Jesús García. Esta formación se aleja de los sonidos heavys que predominaban a principios de los 80 centrándose más en el Hard Rock, ya que por aquel entonces era lo que triunfaba. En 1987 grabaron su primer disco homónimo con el locutor Mariano García como productor bajo el sello Producciones Twins. Del disco se extraen dos sencillos «Destrozado por tu pasión» y «Suspenso en amor», tema que obtuvo gran difusión tanto en radio formula como en televisión. Dicho tema formó parte del disco recopilatorio de su compañía Twins ‘Éxitos del año 87’. También se publica en Venezuela un recopilatorio titulado «Rock del mundo latino» a través de CBS, donde Júpiter incluyo otro tema de su debut titulado «Entre sabanas». Su segundo trabajo vio la luz un año después tras fichar por el sello Polygram con cambios en la formación, entra Carlos León a la batería y como teclista Guillermo Pascual, que no grabó el disco pero que si aparece en la foto de la contraportada. «Radio Rock and Roll», título de su segundo trabajo, fue grabado en Londres bajo la producción de John Eden, que ya había trabajado con bandas como Status Quo y con Mariano García como productor ejecutivo. En 1989, la discográfica Smash edita en formato cassette «¡¡Con toda la fuerza!! Mazo & Júpiter», donde Júpiter aporta 5 temas y Mazo tres. Polygram piensa en editar una versión inglesa para lanzar el álbum en Europa, pero si con el primer álbum lograron cierta repercusión, con este segundo trabajo las ventas fueran flojas y sus conciertos escasos en salas medio vacías. El sello apostó por ellos al menos en la grabación sonando mucho mejor que su debut, pero en cuanto a la promoción fue bastante escasa y » solo» vendieron 13.000 álbumes. Poco después el grupo se separa. El guitarrista y fundador del grupo Javier Ponce, falleció en 2003 después de estar, durante muchos años, totalmente alejado del mundo de la música, dedicándose a la profesión de policía. En 2016, Leyenda Records reedita el segundo L.p. del grupo, con varios extras a modo de maquetas, y en 2017, repite la operación con el primer L.p. Precisamente en la presentación de este último se anuncia la reunión de Júpiter para un concierto en el festival Leyendas del Rock 2018 cosa que se produce con el teclista José Barta, el vocalista Narci López, el bajista José Rubio, los baterías Juan Jesús García y Carlos Leon más la incorporación del guitarrista de Tritón Javier Mira en sustitución del fallecido Javier Ponce. El 17 de febrero de 2019 se celebra en Madrid un nuevo concierto de Júpiter en homenaje a su guitarrista fallecido Javier Ponce y donde celebraban los 30 años de la banda. Respecto al concierto del festival leyendas del rock Álex Morell (The Val) sustituyó al bajista original Pepe Rubio. Durante el concierto se vendió el C.D. «30 años» bajo el sello Red Sky Producciones, este trabajo consta de los dos álbumes del grupo con el orden de las canciones alterado mas un DVD con el documental «Júpiter 30 años después». Y llegamos al final del episodio de la mano del único miembro de Júpiter que no estuvo en la reunión, el teclista Guillermo Pascual quien tras la separación del grupo pasó a formar parte como teclista y guitarrista de nuestros protagonistas Angeles del Infierno. Espero que hayáis disfrutado del blog. Hasta la próxima!!! y recuerda, sube el volumen y disfruta!!!

Episodio Nº44

Bienvenidos y bienvenidas a una nueva entrada del blog Rock en Cadena. Dedicamos este episodio a una banda puntera dentro del Hard Rock de Los Angeles a mediados de los 80. Liderados por un guapo cantante y un virtuoso guitarrista fueron testigos directos del auge y la caída del glamour de Sunsent Street. Ellos son White Lion.

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“El grunge no se cargó a todas las bandas de hair metal. Algunas se suicidaron.”

Brad Tolinski (Redactor Jefe de la revista Guitar World).

De Dinamarca a U.S.A.

En 1982 el vocalista danés Mike Tramp se mudó a Los Ángeles desde España, pais al que se había llegado desde su Dinamarca natal después de pasar por el grupo de pop Mabel, al que se unió en 1976 como vocalista principal tras una breve carrera en solitario, lo que le convirtió en un ídolo local adolescente. En 1978, Mabel ganó el Festival de la Canción Danesa y representó a Dinamarca en el Festival de la Canción de Eurovisión ese mismo año. Debido al éxito logrado por el grupo, Mabel se mudó a España y se convirtió en Studs, lanzando su álbum debut homónimo en 1981. En 1982 el grupo se mudó a la ciudad de Nueva York y se convirtió en Danish Lions. Después de grabar demos, la banda regresó a Dinamarca, sin embargo, Tramp decidió quedarse en América. En noviembre de ese año Tramp conoció al guitarrista de Dreamer Vito Bratta y juntos decidieron formar una nueva banda a la que llamaron White Lion reclutando al batería Nicki Capozzi y al bajista Felix Robinson (ex Angel). White Lion firmó con Elektra Records en 1984 y grabó su álbum debut «Fight to Survive». Elektra no estaba contenta con la grabación final y, tras negarse a lanzar el álbum, rescindió el contrato de la banda. Su manager logró obtener el derecho a licenciar el álbum y lanzarlo en Japón. El álbum finalmente fue lanzado en Japón en 1985 por Victor Company Ltd, (JVC Records). El álbum salió a la luz en Europa antes que en los EE.UU. gracias a las criticas de las revistas especializadas. En 1985, Felix Robinson se fue después de que Elektra los abandonara y fue reemplazado por el bajista Dave Spitz (hermano del guitarrista de Anthrax, Dan Spitz). Esta nueva formación grabó una serie de demos y continuó tocando en Nueva York mientras buscaba un nuevo contrato discográfico.

«Spitz, Tramp, D´Angelo y Bratta»

Esta encarnación de White Lion fue contratada para interpretar a una banda ficticia en la película de Tom Hanks y Shelley Long «The Money Pit» («Esta casa es una ruina»), que se estrenó un año después. La banda sonora presenta la canción «Web of Desire» (acreditada a «White Lion and Robey» e interpretada por Louise Robey). La banda sonora de la película nunca se lanzó oficialmente, aunque la canción se reproduce en la película durante dos escenas. Grand Slamm Records, con sede en Filadelfia, compró el álbum a Elektra y lo lanzó en Estados Unidos en 1986, bajo licencia de Elektra/Asylum Records. Unos meses después, Grand Slamm Records quebró. «Fight to Survive» se ubicó en el número 151 en Billboard 200. La canción «Broken Heart» fue lanzada como sencillo y contó con un video musical en el que aparecen el batería Greg D’Angelo (quien había sustituido al despedido Nicki Capozzi) y el bajista Dave Spitz, quien abandonó White Lion a finales de 1985 para unirse a Black Sabbath, fue reemplazado por James LoMenzo.

Los buenos tiempos.

«Los «verdaderos» White Lion»

A principios de 1987, la banda firmó por Atlantic Records. El 21 de junio de 1987 se lanzó su segundo álbum «Pride». El primer sencillo, «Wait», fue lanzado el 1 de junio de 1987. La gira «Pride» comenzó en julio de 1987 con White Lion abriendo para Frehley’s Comet. El siguiente año y medio estuvo plagado de giras, abriendo para bandas como Aerosmith, Ozzy Osbourne, Stryper y Kiss. En enero de 1988, White Lion abrió para AC/DC en su gira estadounidense «Blow Up Your Video». Durante la gira con AC/DC, el álbum «Pride» y el sencillo «Wait» finalmente entraron en las listas, debido en gran parte a que MTV transmitió el video musical «Wait» de manera regular. Casi siete meses después del lanzamiento del sencillo «Wait» alcanzó el número 8 en la lista de sencillos, mientras que «Pride» alcanzó el número 11 en las listas de álbumes, permaneciendo en las listas de álbumes Top 200 de Billboard durante un año completo. En agosto de 1988, más de un año después del lanzamiento del álbum, el segundo sencillo «Tell Me» también con un video musical alcanzó el puesto 58. El tercer sencillo de «Pride», la balada acústica «When the Children Cry», llegó hasta el número 3, nuevamente impulsado por la fuerte difusión del video musical en MTV. El éxito de «When the Children Cry» impulsó las ventas de «Pride» por encima de los dos millones en los EE.UU., alcanzando el doble platino.

«Parecía que Pride estaba condenado al fracaso, pero entonces una emisora de Minneapolis empezó a pinchar Wait a todas horas. Fue un pequeño milagro.»

Jason Flom (Directivo de Atlatic Records)

En la primavera de 1989, la gira «Pride» finalmente terminó y la banda lanzó sus primeros trabajos en VHS titulados «Live at the Ritz» (filmado en Nueva York en febrero de 1988 para un concierto especial de MTV) y «One Night in Tokyo.

«En sus letras, Mike hablaba de los abusos a los que la gente es sometida en otras partes del planeta y animaba a no mirar hacia otro lado. Yo les decía al resto de mis compañeros: «Es danés. Ve el mundo de otra manera». A mi eso me gustaba. Me hacia sentir muy cómodo tener a alguien que no se dedicaba solo a mirase el ombligo.»

James Lomenzo

En agosto de 1989, White Lion lanzó su tercer álbum, «Big Game», musicalmente una continuación de su anterior trabajo. «Big Game» incluía el sencillo «Little Fighter» (que alcanzó el puesto 52), un tema dedicado al «Rainbow Warrior», el barco de Greenpeace que fue destruido por los servicios secretos franceses. «Radar Love», una versión de Golden Earring (que alcanzó el puesto 59) fue lanzada como segundo sencillo y «Cry for Freedom», una canción sobre el apartheid en Sudáfrica fue el tercer sencillo. «Going Home Tonight» fue el último sencillo del álbum. «Big Game» se convirtió rápidamente en disco de oro, alcanzando el puesto 19 en la lista de álbumes Billboard 200, el 28 en Canadá y el puesto 47 en el Reino Unido. En esos momentos el éxito de la banda llegó a su punto mas alto.

“Tío, dile a Tramp que salvar a las ballenas no vende discos, los pantalones de cuero sí.”

John Kalodner (A&R) a Vito Bratta

«Yo tenia un Lamborghini como el conduzco en el video, pero estaba en un concesionario protegido con una lona. El que aparece en el video es el de la película Rain Man

Vito Bratta sobre el video de «Radar Love»

«Yo salgo conduciendo una moto a 200 kilómetros por hora sin cazadora y sin casco, como un puto gilipollas.»

Mike Tramp sobre el video de «Radar Love»

Dos años, en la primavera de 1991, White Lion lanzó su cuarto álbum «Mane Attraction» que incluía los sencillos «Love Don’t Come Easy», que alcanzó el puesto 24 en la lista de Mainstream Rock, «Lights and Thunder» (un tema de ocho minutos) y una versión regrabada del sencillo debut de la banda «Broken Heart», todos ellos incluyeron videos musicales. El álbum también contenía la única canción instrumental de White Lion, «Blue Monday», en memoria de Stevie Ray Vaughan, que murió mientras la banda escribía el álbum. Las dos baladas del álbum, «You’re All I Need» y «Till Death Do Us Part», fueron bastantes populares en Indonesia y Filipinas. El álbum alcanzó el puesto 61 en el Billboard 200 en EE.UU. y el puesto 31 en el Reino Unido.

«Yo pensaba que iba a ser un bombazo y acabo siendo nuestro peor disco.»

Vitto Bratta sobre «Mane Attraction»
«Lo cierto es que la nueva formación prometía»

Greg D’Angelo y James Lomenzo dejaron la banda poco después del lanzamiento del álbum, citando «diferencias musicales», pero Tramp y Bratta continuaron con el bajista Tommy «T-Bone» Caradonna (musico de directo de Lita Ford y Alice Cooper) y el batería Jimmy DeGrasso (Megadeth , Alice Cooper , Suicidal Tendencies , Y&T). Después de una breve gira en apoyo de «Mane Attraction», Tramp y Bratta decidieron acabar con el grupo. Su último concierto se llevó a cabo en Boston en el Channel Club en septiembre de 1991.

«Querían renegociar y Vito se negó.»

Mike Tramp sobre la salida de Lomenzo y D´Angelo.

«Se tomó una decisión y básicamente fue como: «Bueno, nos haremos cargo de uno de vosotros, pero no de los dos». Decidí que ya había tenido bastante.»

James Lomenzo sobre su salida de White Lion.

«Todo se reduce siempre al dinero.»

Greg D´Angelo sobre su salida de White Lion.

Exactamente un año después, en septiembre de 1992, se lanzó el primer álbum recopilatorio de la banda, titulado «The best of White Lion», que cuenta con todos los sencillos de White Lion de sus tres primeros álbumes, además de las versiones en vivo de «Lady of the Valley» y «All You Need Is Rock’N Roll». En algunos países, «You’re All I Need» (del último álbum de estudio de la banda) se incluye como la primera pista del álbum y a veces como una pista oculta (no listada). También se lanzó un VHS titulado «Escape from Brooklyn» con imágenes de conciertos, entrevistas y todos los videos musicales de la banda.

Los «nuevos» White Lion y los problemas legales.

En 1999, tras su carrera en solitario, Mike Tramp, con nuevos músicos, lanzó «Remembering White Lion», con nuevas versiones de algunas de las canciones clásicas de White Lion, comenzando lo que sería una larga batalla para reformar White Lion. En 2000, el impulso para un nuevo White Lion continuó con el lanzamiento de un segundo recopilatorio titulado «White Lion Hits» seguido de otra titulada «The Essential White Lion». En octubre de 2003, Tramp anunció una reunión de White Lion con los miembros originales, algo que rápidamente fue negado por los otros ex miembros. Con los festivales de verano en Europa ya reservados, Tramp intentó formar un «nuevo White Lion» con los ex miembros James LoMenzo y Jimmy DeGrasso junto con Warren DeMartini de Ratt. Vito Bratta presentó una demanda reclamando la propiedad parcial del nombre y la gira fue cancelada.

«Remenbering White Lion» o «Last Roar» editado con varias portadas»

En 2004, debido a problemas legales, el álbum «Remembering White Lion» fue relanzado con un nuevo título «Last Roar», y bajo el nombre de Tramp’s White Lion. A finales de 2004, Mike Tramp reunió otro grupo de músicos desconocidos y continuó con un nuevo White Lion bajo el nombre de Tramp’s White Lion, sin embargo, esto no detuvo los continuos problemas legales con sus ex compañeros de banda. A pesar de todos los problemas, Tramp’s White Lion (también conocidos como White Lion 2) tocó, volvió a grabar canciones de White Lion, estuvo de gira y lanzó una caja titulada «The Bootleg Series» en 2004 y un CD doble en vivo titulado «Rocking the USA» en 2005 (en 2007, se lanzó una edición de un solo disco del álbum bajo el título «White Lion: Live Extended Versions»). También en 2005, se lanzó el DVD «Concert Anthology» seguido en 2006 del álbum «Anthology» con canciones nunca antes lanzadas y demos de canciones clásicas de White Lion. La banda tuvo varios conciertos cancelados a finales de 2005 cuando los promotores se retiraron debido a la amenaza de posibles acciones legales. Para finales de año, Tramp había renunciado casi por completo a White Lion, pero seis meses después reservó una gira europea para noviembre y diciembre de 2006.

«Vito Bratta, sin duda uno de los mejores guitarristas de hard rock»

El 16 de febrero de 2007, Vito Bratta apareció en el programa de radio del famoso locutor Eddie Trunk, siendo su primera entrevista en más de 12 años. Algunos de los motivos de su ausencia de la vida publica y su alejamiento de la industria musical fueron la enfermedad que por la que pasó su madre (5 años que requirieron una gran cantidad de tiempo personal y compromiso tanto emocional como financiero), una lesión de muñeca en 1997 que le impedía tocar la guitarra con normalidad y sobre todo la desilusión que tuvo con la industria musical, cuando ignoró a las bandas de hard rock, cuando el grunge el mercado. Además, aclaró que nunca descartó una reunión de White Lion junto a Mike Tramp y que no habían sido imposibles debido a las obligaciones familiares y su lesión en la muñeca. El 6 y 7 de abril de 2007, Bratta hizo sus primeras apariciones públicas en más de 15 años. Durante esos años se oyeron cantidad de rumores sobre la vida del virtuoso guitarrista, desde trabajar como informático o empleado de una pizzería a dueño de una cadena de Supermercados.

Mas problemas legales y el final de White Lion.

En 2007 se lanzó un nuevo recopilatorio de White Lion titulado «The Definitive Rock Collection», además la banda preparaba una gira de verano junto a Poison y Ratt, pero la promotora de la gira (Live Nation) retiró a White Lion del cartel después de que el ex guitarrista, Vito Bratta, amenazara con emprender acciones legales por el nombre de la banda. Al parecer la decisión de los promotores de la gira, no se basó en ninguna controversia sobre si Mike Tramp tenia el derecho legal de actuar como White Lion, simplemente se basó en la amenaza de demanda de Vito Bratta. Aunque Live Nation creía que la demanda de Bratta era frívola y había confirmado que Mike Tramp poseia el derecho legal de actuar como White Lion, no querían gastar «un dólar» en litigios. Ante la cancelación de la gira, los abogados de la banda negociaron un trato con Vito Bratta para retirar su amenaza de demanda. Sin embargo, incluso con la amenaza de litigio eliminada, Live Nation no reincorporó a White Lion a la gira.

«Lo ultimo de White Lion…¿o no?»

Un nuevo álbum de estudio titulado «Return of the Pride» fue lanzado el 14 de marzo de 2008, ya con la banda nuevamente conocida simplemente como White Lion. Durante la gira mundial para promocionar el álbum el grupo realizó una gira por la India actuando ante 42.000 espectadores en Shillong, y ante más de 30.000 espectadores en el estadio Dimapur de Nagaland. La banda fue invitada a la India por el jefe de la familia real de Tripura, el maharajá Kirit Pradyot Deb Burman. El 5 de diciembre de 2008 se publicó el DVD en vivo «Bang Your Head Festival 2005». El show es el concierto de regreso de White Lion en el festival Bang Your Head de 2005 en Alemania. El DVD también incluye una entrevista completa con Mike Tramp, fotos e interpretaciones de canciones de la gira por Estados Unidos, además de contar con un video musical en vivo de la canción «Lights and Thunder» que muestra a la banda tocando en los Estados Unidos. Tras el lanzamiento de «Return of the Pride», Tramp se enfrentó a un momento de indecisión profesional mientras intentaba decidir entre continuar su carrera en solitario o volcar su energía en «su nuevo» White Lion. Finalmente Tramp continuó con su carrera en solitario y en 2013 anunció en varias entrevistas que ya no habría un White Lion de ningún tipo, incluido el «nuevo» White Lion o cualquier posible reunión de la formación clásica. En 2014, Tramp confirmó una vez más que White Lion no volvería a existir como banda.

Principalmente activos a finales de la década de los 80 y principios de la de los 90, White Lion se diferenció del resto de las bandas de su estilo en unas letras (en muchas ocasiones) mas maduras y comprometidas con los problemas sociales de la época, alejándose de los clichés de sexo, drogas y R&R. Tal vez White Lion sean el mejor ejemplo de la banda que toca el cielo para después bajar a los infiernos, aun así nos dejo unos buenísimos temas compuestos por unos grandes músicos, entre ellos dos con los que continuamos, la base rítmica compuesta por James LoMenzo y Greg D´Angelo en esta banda a la que se unieron tras abandonar White Lion.

Pride & Glory fue un proyecto formado en 1991 por el vocalista y guitarrista Zakk Wylde durante su estancia en la banda de Ozzy Osbourne. Wylde reclutó a los ex White Lion James LoMenzo y Greg D’Angelo al bajo y la batería respectivamente. Originalmente el nombre de la banda era Lynyrd Skynhead , ya que este proyecto de «power trio» de rock sureño estaba inspirado en la banda Lynyrd Skynyrd. Esta formación grabó dos canciones, una instrumental titulada «Farm Fiddlin'» para un álbum recopilatorio de 1991 titulado «The Guitars That Rule the World», y una versión del clásico de blues «Baby, Please Don’t Go» para el álbum de 1992 «L.A. Blues Authority Vol. 1». A principios de 1994, la banda cambio su nombre a Pride & Glory, momento en el que D’Angelo abandonó el proyecto y fue reemplazado por Brian Tichy. En junio de ese año, Pride & Glory lanzó su único álbum a través de Geffen Records y actuó en el Monsters of Rock Festival en Donington, Inglaterra. En noviembre de 1994, LoMenzo se fue después de una gira por Japón, tres días antes de que Pride & Glory comenzara su gira por Estados Unidos. Wylde reemplazo a LoMenzo por John DeServio, quien creció con Wylde en Nueva Jersey. Pride & Glory realizó su último concierto el 10 de diciembre de 1994 en Los Ángeles. El 31 de enero de 1998, Wylde, LoMenzo y Tichy tocaron en un concierto de reunión único en el Whiskey a Go Go de Hollywood. Precisamente uno de estos músicos, el batería Brian Tichy nos lleva a este otro proyecto en el que participó llamado T&N.

T&N, banda formada en 2011 por ex miembros de Dokken y que originalmente llamaron Tooth and Nail, (igual que el segundo álbum de 1984 de Dokken) pero se vieron obligados a cambiarlo en marzo de 2012 debido a problemas legales, ya que el nombre era una marca registrada. El 31 de octubre de 2012, se publicó su álbum debut «Slave to the Empire», que además de contar con los ex Dokken, Pilson, Lynch y Brown contaba con Brian Tichy en la batería (en algunos temas) y la participación de los vocalistas Tim “Ripper” Owens (ex Judas Priest), Doug Pinnick de Kings X, Sebastian Bach (ex Skid Row) y Robert Mason (ex Lynch Mob y actual cantante de Warrant). todos ellos interpretando versiones «actualizadas» de clásicos de Dokken. Jeff Pilson se encarga de la voz en los temas propios de la banda además de interpretar una versión de Dokken. Mick Brown, que comparte las tares de batería con Tichy y que abandonó el grupo en junio de 2019, a pesar de que el grupo llevaba inactivo desde 2013, también aparece como vocalista en uno de los temas nuevos del álbum. Y ya que hemos hablado de Dokken, que mejor manera que continuar con ellos.

Dokken, banda que fue protagonista en el primer episodio del podcast y del blog allá por 2018 https://rockencadena.home.blog/2018/12/02/programa-no1/ y de la que también hablamos en el episodio dedicado a Whitesnake https://rockencadena.home.blog/2021/04/05/programa-no28/. Precisamente en ese episodio hablamos sobre «Erase the Slate», séptimo álbum de estudio de la banda lanzado en 1999, y único álbum de estudio de Dokken que presenta al ex guitarrista de Winger, Reb Beach, y el último con el bajista Jeff Pilson. Ya os hablé sobre esa etapa de Dokken, asi que ahora os cuento algo más sobre este álbum que significó el regreso al sonido tradicional del Dokken de los 80, alejándose de su anterior trabajo «Shadowlife», con un sonido mas cercano al grunge. Mick Brown aparece en un tema como vocalista principal. Además el álbum cuenta con el tema «One», una versión de la banda Three Dog Night, un grupo rock de mediados de los 60. La gira de Dokken en apoyo de «Erase The Slate» fue capturada para el cd y dvd en vivo de 2000 «Live From The Sun», grabado en el Sun Theatre en Anaheim, California. Desafortunadamente, «Live From The Sun» fue el último álbum de Dokken con Reb Beach y el bajista Jeff Pilson, quienes dejaron el grupo poco después de su lanzamiento. Con Reb Beach y «su» banda continuamos.

Banda formada en 1986 por el bajista y vocalista Kip Winger, ex miembro de la banda de Alice Cooper, junto a su compañero en Alice Cooper Paul Taylor (guitarrista/teclista), Reb Beach (guitarra) y Rod Morgenstein, (batería de Dixie Dregs). Su álbum debut, «Winger», (en la carpeta puede leerse «Sahara» uno de los nombres que barajó la banda antes de decidirse por Winger) fue lanzado el 10 de agosto de 1988. El disco fue un éxito, alcanzando el disco de platino en los Estados Unidos y el de oro en Japón y Canadá. Un año después apareció el VHS «Winger – The Videos: Volume One» con todos los videos de su primer álbum. Su segundo trabajo «In the Heart of the Young» (también conocido como «Winger II») se publicó en 1990. Aunque la salida del álbum se produjo en el declive de la escena glam metal en los EE.UU. «In the Heart of the Young» fue todo un éxito siendo certificado platino, lo que ayudó a la banda a realizar una extensa gira. La gira mundial duró 13 meses, tocando con otros grupos de heavy metal como Kiss, Scorpions, Extreme, Slaughter y con el grupo de hard rock ZZ Top. De nuevo se lanzó una colección de videos musicales en dos volúmenes de VHS separados, «In the Heart of the Young, vol. 1» en 1990 y «In the Heart of the Young, Vol. 2» en 1991, año en que también se publicó en VHS el directo «Live In Tokyo». Paul Taylor dejó la banda después de la gira, lo que hizo que su siguiente álbum, «Pull» (1993), fuese grabado como un trío. El álbum no tuvo tanto éxito de ventas como los álbumes anteriores. En la siguiente gira, John Roth reemplazó a Paul Taylor en la guitarra rítmica. El álbum coincidió con el surgimiento del grunge, algo totalmente opuesto a lo que Winger representaba. También en 1993 se publico «The Making of Pull» un VHS con imágenes de películas caseras de la banda en el estudio grabando el álbum «Pull», además de los videos promocionales del álbum. En los 90, Winger fue objeto de burlas en serie animada de MTV Beavis and Butt-head. Stewart, uno de los personajes del programa caracterizado como un cobarde que admiraba a Beavis y Butt-head y que era objeto de sus burlas, usaba una camiseta de Winger en un intento de emular al dúo, cuyas camisetas tenían los logotipos de AC/DC y Metallica. Además de eso, el batería de Metallica, Lars Ulrich, aparece en el video de «Nothing Else Matters» lanzando dardos a una diana con un poster de Kip Winger pegado en ella. Tras disolverse en 1994, se publicó en 2001 el recopilatorio «The Very Best of Winger», que contiene el tema «On the Inside» grabado para la ocasión por todos los miembros originales de la banda incluido John Roth. En 2002, los cinco miembros se embarcaron en una gira de reunión por los EE.UU. y Canadá. En 2006, se confirmó que Winger volveria a grabar y girar sin uno de sus miembros originales, Paul Taylor. En octubre de ese año se lanzó el álbum «IV», y en 2007 «Demo Anthology», una colección de éxitos y demos inéditas y el doble CD y DVD en directo «Winger Live» grabado en la gira de reunión de Winger en 2007 por los Estados Unidos. Mas adelante llegarían «Karma», de 2009 y «Better Days Comin'», de 2014 convirtiéndose a día de hoy en su ultimo trabajo. Al igual que con White Lion continuamos no con un musico de la banda si no con dos, Paul Taylor y Kip Winger y su paso por la banda des este mítico vocalista llamado Alice Cooper.

Paul Taylor y Kip Winger coincidieron en la banda de Alice Cooper en la grabación de «Raise Your Fist and Yell» décimo álbum de estudio de Alice Cooper, lanzado el 5 de septiembre de 1987. El álbum contaba con el batería Ken Mary y el guitarrista Kane Roberts, quien ya coincidió con Kip Winger en el anterior álbum de Cooper. «Raise Your Fist and Yell» tenía un sonido aún más áspero que su predecesor, las letras se inspiraban en gran medida en las películas de terror slasher de la época, como las sagas de Viernes 13 y Pesadilla en Elm Street. La canción «Lock Me Up» cuenta con la aparición especial de Robert Englund, quien interpretó a Freddy Krueger en la saga de Pesadilla en Elm Street. Otro de los temas del álbum «Prince of Darkness», aparece brevemente en la película de John Carpenter del mismo nombre, en la que Cooper tiene un cameo como un vagabundo asesino. La canción se puede escuchar en el walkman de una de sus víctimas. La gira del álbum, denominada «Live in the Flesh», fue especialmente controvertida en Europa en 1988 por su violencia gráfica y teatralidad. El espectáculo incluyó muchos de los viejos trucos de Cooper, como la horca (usada por primera vez desde 1972), además otros nuevos como empalar a una persona con una bicicleta (algo que aparecía en la película «Prince of Darkness» de John Carpenter, donde Cooper en un cameo como un vagabundo, mataba así a uno de los personajes). La mayoría de los trucos más violentos de la gira se inspiraron en las películas de terror de la época, al incluir muertes gráficas en el escenario y grandes cantidades de sangre. En Gran Bretaña, el diputado laborista David Blunkett pidió que se prohibiera el concierto. El gobierno alemán logró eliminar algunos de los segmentos más sangrientos del espectáculo. Durante el tramo londinense de la gira, Cooper sufrió un accidente casi fatal en el ensayo de la secuencia de ejecución en la horca cuando una de las cuerdas de seguridad se partió.

«Estoy horrorizado por su comportamiento, va más allá de los límites del entretenimiento»

David Blunkett, diputado laborista ingles sobre los conciertos de Alice Cooper.

A finales de 1988 toda la banda que grabó «Raise Your Fist and Yell» abandonó a Alice Cooper. Kip Winger, junto a Paul Taylor, formó su propia banda, Roberts comenzó su carrera en solitario y el batería Ken Mary entró a formar parte de House of Lords además de grabar para Chastain y esta banda, no muy conocida, llamada Magdallan.

Supergrupo estadounidense de metal cristiano formado en 1990 como un proyecto de estudio entre el vocalista Ken Tamplin (Shout) y Lanny Cordola (ex House of Lords).La formación original de la banda estaba formada además de por Tamplin y Cordola por el bajista Brian Bromberg y el batería Ken Mary, compañero de Cordola en House of Lords. El primer lanzamiento de la banda, «Big Bang», publicado en 1992, fue uno de los álbumes cristianos más caros producidos en ese momento, con un presupuesto aproximado de 250.000 dólares. El álbum recibió algunas críticas por haber sido sobre producido. Sin embargo, «Big Bang» fue nominado a un premio GMA Dove (los Grammys católicos) al Mejor Álbum de Metal/Hard Rock en 1992, pero no ganó. Tras el lanzamiento del primer álbum, Tamplin dejó la banda, ya que pensaba que Intense Records, la compañía que editó «Big Band», había dejado de lado el álbum después de dos años de duro trabajo. Después de la partida de Tamplin, Magdallan, que era un proyecto de estudio, se convirtió en una banda completa cambiando su nombre a Magdalen. Phillip Bardowell asumió las funciones vocales y Chuck Wright, otro House of Lords, reemplazaría al bajista Brian Bromberg. En 1993 llegaría el primer álbum bajo el nuevo nombre de la banda titulado «Revolution Mind» y el 1995 el E.P. «The Dirt». En 1999, se lanzó un álbum recopilatorio, «End of the Age», con el antiguo nombre (Magdallan). Lenny Cordola co-fundador de la banda fue guitarrista de este grupo llamado Giuffria.

Banda formada en 1981 por el teclista Gregg Giuffria después de abandonar la banda Angel. Ya os hablé de Giuffria en el episodio Nº 16 dedicado a Kiss https://rockencadena.home.blog/2020/04/05/programa-no16/ así que nos centraremos en el segundo álbum de la banda «Silk + Steel» lanzado en 1986 y el primero en contar con Lenny Cordola en las guitarras tras la marcha del anterior guitarrista, Craig Goldy a la banda de Dio. Antes de la grabacion del álbum el bajista Chuck Wright regresó a Quiet Riot y fue reemplazado por Rick Bozzo y luego por David Sikes, quien grabó el segundo álbum. «Silk + Steel» contiene la versión «I Must Be Dreaming», una canción de Willy DeVille que alcanzó el puesto 52 en el Billboard Hot 100. El 21 de junio de 1986 el álbum alcanzó el puesto 60 en The Billboard 200, su posición mas alta. Se lanzó un segundo sencillo, «Love You Forever», pero la promoción del sello fue deficiente y el sencillo no llegó al Hot 100. Giuffria dejó su compañía, MCA Records en 1987 y se disolvió poco después de grabar demos para un tercer álbum, que incluía el regreso del bajista Chuck Wright y el debut del batería Ken Mary, quien había reemplazado a Alan Krigger. Algunas de estas demos aparecerían en el álbum debut de House of Lords (banda que formó Gregg Giuffria tras Giuffria) y nueve pistas de las sesiones de «Giuffria III» (titulo de un tercer álbum de Guifrria jamás lanzado) se incluyeron en el lanzamiento del vocalista de Guiffria, David Glen Eisley, en su album de 2003 «The Lost Tapes». Y ya que toda esta historia gira en torno a Gregg Giuffria vamos a continuar con la banda que abandonó para formar su proyecto, Angel.

Banda de glam/rock , formada a mediados de la década de los 70 por el guitarrista Punky Meadows y el bajista Mickie Jones. Angel fueron descubiertos por el bajista de Kiss, Gene Simmons, mientras actuaban en un club nocturno lo que hizo que el grupo firmara con el mismo sello que Kiss, Casablanca. La imagen de Angel, que vestían completamente de blanco, además de una imagen andrógina y bastante extravagante en el escenario, contrastaba deliberadamente con Kiss, que vestía de negro. Su primer álbum homónimo publicado en 1975 contaba con el guitarrista Punky Meadows, el bajista Mickie Jones, el vocalista Frank DiMino, el teclista Gregg Giuffria y el batería Barry Brandt. Esta formación se mantendría para los siguientes dos álbumes, «Helluva Band» (1976) y «On Earth as It Is in Heaven» (1977), después de lo cual el fundador y bajista Mickie Jones fue reemplazado por Felix Robinson, quien grabó con la banda «White Hot» de 1978 y «Sinful» de 1979. «Live Without a Net» (1980) fue el primer álbum en vivo de la banda y el último álbum antes de separarse en 1981. Tras esto DiMino y Meadows dejaron la banda y los miembros restantes incorporaron al vocalista Fergie Frederiksen (Toto) y al guitarrista Ricky Phillips (bajista de The Babys, Bad English, Styx), pero esta formación no lanzó material nuevo y se disolvió poco después. A finales de la década de los 90, Angel se reformó con una nueva formación: Frank DiMino a la voz, Barry Brandt a la batería, Randy Gregg al bajo, Steve Blaze a las guitarras y el teclista Gordon GG Gebert, quien dejó la banda en 2002 y fue reemplazado por Michael T. Ross. El lanzamiento de la banda de 1999, «In ​​the Beginning», cuenta con la colaboración del guitarrista original Punky Meadows, así como del bajista Felix Robinson. En 2000 llegó el lanzamiento de «Angel: The Collection», un recopilatorio de grandes éxitos de Angel. En 2006 llegaria «Angel: The Singles Collection Volume 1» y «Angel: The Singles Collection Volume 2», con todos los singles del grupo. El bajista y miembro fundador Mickie Jones, murió el 5 de septiembre de 2009, a la edad de 56 años tras una larga batalla contra el cáncer de hígado. En 2018, Meadows y DiMino realizaron una gira juntos bajo el nombre de Punky Meadows and Frank DiMino of Angel, acompañados por Danny Farrow en la guitarra rítmica, Charlie Calv en los teclados, Steve Ojane en el bajo y Billy Orrico en la batería e interpretando un conjunto de canciones clásicas de Angel y temas de sus carreras en solitario. En 2019, con la misma formación, la banda volvió a llamarse Angel, volvió a vestirse completamente de blanco y lanzó un nuevo álbum, «Risen», con críticas muy favorables ocupando varias posiciones en las listas de Billboard.

«Así no tenéis que voltear la pantalla del PC»

Angel nunca logró un éxito comercial masivo, pero adquirió y gran numero de seguidores lo que la convirtieron en una banda de culto. Angel fueron criticados por los críticos de rock y Frank Zappa ridiculizó la apariencia femenina de la banda en la canción «Punky’s Whips». Como curiosidad deciros que el logo de Angel es ambigramático (se lee igual cuando está al revés que cuando se ve normalmente). Llegamos al final de esta entrada de la mano del bajista de Angel, Felix Robinson, quien grabó el primer álbum de nuestros protagonistas, White Lion. Con ellos me despido de vosotros hasta otro episodio de Rock en Cadena. Un saludo a tod@s!!!. Sube el volumen y disfruta!!

Episodio Nº43

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Bienvenidos y bienvenidas a una nueva entrada de Rock en Cadena. Este episodio esta dedicado a una de las ultimas bandas que surgieron a finales de los 80 dentro de aquel estilo conocido como «glam metal» o «hair metal». Pudieron ser grandes, pero un vocalista bastante polémico y un negocio musical cambiante hicieron que aquel sueño de adolescentes se desvaneciera…aunque vivieron algunos años de esplendor. Ellos son Skid Row.

Los primeros años.

El bajista Rachel Bolan y el guitarrista Dave Sabo formaron Skid Row en 1986. La pareja reclutó al guitarrista Scotti Hill y al batería Rob Affuso a través de anuncios en los periódicos. El vocalista Sebastian Bach, de tan solo 18 años, reemplazó al cantante original Matt Fallon (Anthrax) después de que los padres de John Bon Jovi vieran a Bach cantando en la boda del fotógrafo de rock Mark Weiss, y recomendaran a la banda su fichaje.

«Bach, DuBrow y Zakk Wylde en la boda que cambio el destino de Sebastian Bach»

Sabo y John Bon Jovi eran amigos desde adolescentes y Sabo fue brevemente miembro de Bon Jovi antes de ser reemplazado por Richie Sambora. Sabo y Bon Jovi acordaron que si uno de ellos triunfaba en el negocio de la música, ayudaría al otro, y así fue, mientras Skid Row teloneaban durante tres noches a Bon Jovi en su gira «Slippery When Wet Tour» de 1987 el manager de Bon Jovi Doc McGhee sugirió a Skid Row que reemplazara al cantante original Matt Fallon. Después de completar la alineación con Bach el grupo firmó con la editorial «Underground», propiedad de Richie Sambora y John Bon Jovi, otorgándoles la mayor parte de los royalties de los temas. Tiempo después Sambora cedió su parte a Skid Row.

Era un contrato de coedición; él se llevaba todo y nosotros nada.

Rob Affuso

En un momento dado Richie Sambora dijo: «¿Sabéis que? tachad mi nombre de esta lista. Tengo mas dinero del que pueda gastar. No necesito quitaros el vuestro.

Rachel Bolan

El manager de Bon Jovi, Doc McGhee, reclutó a Skid Row y tras negociar con A&M y Geffen Records, les aseguró un contrato discográfico con Atlantic Records en 1988.

Directos a la cima.

Antes de lanzar su álbum debut, la agencia de management del grupo pagó 35.000 dólares al guitarrista Gary Moore por los derechos del nombre de la banda, ya que Gary formó allá por los 70 su primera banda llamada «Skid Row». Skid Row grabó su primer álbum con el productor Michael Wagener. La banda usó el estudio Royal Recorders en Lake Geneva, (Wisconsin) con el productor Michael Wagener para grabar su álbum debut. El estudio, sin demasiadas pretensiones, estaba en la parte trasera de un hotel, donde se alojaba la banda. Skid Row funcionó de acuerdo con un programa elaborado por Wagener y se mantuvo «sobrio» durante la grabación. Las sesiones de grabación transcurrieron sin problemas ya que la banda había estado tocando e interpretando las canciones durante el último año. Inicialmente el sello imprimió 150.000 copias del álbum y reservó a la banda un puesto de apertura en el «New Jersey Syndicate Tour 1988-1989» de Bon Jovi.

«Unos primerizos Skid Row»

Tras su lanzamiento en enero de 1989, Skid Row no conectó de inmediato con los oyentes y recibió críticas mixtas de la prensa musical. Pero tras el éxito del sencillo «I Remember You», que entró en el Billboard Top 10 en el otoño de 1989, el álbum despegó vendiendo más de 5 millones de copias. Gracias a las intensas giras y la difusión de la banda en MTV, Skid Row se convirtió rápidamente en platino con el álbum en el top 10 Billboard tres meses después de su lanzamiento. El álbum generó tres sencillos: » Youth Gone Wild «, «18 and Life» y «I Remember You», de los cuales los dos últimos se ubicaron en el top 10 en el Billboard Hot 100. «Piece of Me» fue lanzado como sencillo promocional y también contó con un video musical. La gira mundial de 17 meses de duración incluyó una aparición en el Moscow Music Peace Festival de Moscú en agosto de 1989 ante una multitud de 70.000 personas. Skid Row hizo su debut en el Reino Unido en el Milton Keynes Bowl abriendo para Bon Jovi. Al día siguiente, realizó su famoso concierto en el Marquee Club de Londres. La gira junto a Bon Jovi estuvo plagada de incidentes, Bach no paraba de soltar palabrotas durante los conciertos, cosa que Jon no veía con buenos ojos ya que en esos días el grueso de sus fans estaba compuesto por adolescentes que iban acompañadas a los conciertos por sus padres. A todo esto se añadía el comportamiento fuera del escenario con continuas borracheas y destrozos en camerinos y hoteles, además de un incidente entre Bach y Jon cuando antes de salir a escena los empleados de Jon «bañaron» a Bach con una jarra de leche. Mientras presentaba «Piece of Me» Bach dijo: «Hey Jon Bon Jovi, why don´t you come get a Piece of me!!», frase que en ingles se utiliza para retar a alguien, pero que Jon entendió (o le contaron) que Bach dijo algo así como: «Hey Jon Bon Jovi why are you a piece of fag» (Oye Jon Bon Jovi ¿Por qué eres un pedazo de marica?). Al terminar el concierto, camino de los camerinos, Jon golpeo a Bach mientras el equipo de seguridad y el resto de Skid Row intentaban separarlos.

Pasamos a su lado y Sebastian le dijo algo como: «Me la has jugado..», refiriéndose a la broma de la leche, pero Jon lo llamó hijo de puta y le dio un puñetazo en la cara»

Scotti Hill

Skid Row regresó al Reino Unido tres meses después, abriendo junto a Mr. Big, para Mötley Crüe en su gira europea «Dr. Feelgood». Skid Row continuo de gira como cabezas de cartel en el Reino Unido que culminó con un espectáculo en el Hammersmith Odeon de Londres. Después Skid Row abrió para Aerosmith durante un año en su «Pump Tour». En diciembre de 1989 durante el concierto en Springfield, Massachusetts, un fan arrojó una botella al escenario durante el show de Skid Row. Bach arrojó la botella a la multitud y golpeó a una fan de 17 años en la cara. El incidente fue filmado por un fan y Bach fue arrestado después del espectáculo. Fue puesto en libertad con una fianza de 10.000 dólares y condenado a tres años de libertad condicional.

«La polémica camiseta «

En otro show en 1990, Bach usó una camiseta con el eslogan anti-gay «AIDS Kills Fags Dead». Bach dijo que se puso la camiseta después de que un fan la arrojara al escenario, pero luego lamentó el incidente y dijo que no apoya la homofobia. Gracias a las intensas giras y la difusión de la banda en MTV, Skid Row se convirtió rápidamente en platino con el álbum en el top 10 Billboard tres meses después de su lanzamiento. El álbum generó tres sencillos: » Youth Gone Wild «, «18 and Life» y «I Remember You», de los cuales los dos últimos se ubicaron en el top 10 en el Billboard Hot 100. «Piece of Me» fue lanzado como sencillo promocional y también contó con un video musical.

El 4 de diciembre de 1990 se lanza el VHS «Oh Say Can You Scream», un video con temas del álbum debut homónimo de la banda interpretadas en vivo en diferentes partes del mundo, además de imágenes detrás de escena (incluido el incidente de «la botella») y videoclips sin censura de «18 and Life», «Youth Gone Wild», «I Remember You» y «Piece of Me». Skid Row volvió al estudio con Wagener en 1990 para grabar su segundo álbum «Slave to the Grind», lanzado en junio de 1991 debutando en el número uno en el Billboard 200, alcanzando el doble platino sin ningún éxito radiofónico, vendiendo 134.000 copias en su primera semana. El álbum mostró un sonido más duro que su predecesor con letras que evitaban los clichés del hard rock, centrándose en textos más complejos que criticaban las formas de vida modernas, la autoridad, la política, las drogas y la religión organizada, entre otros temas. Se lanzaron dos versiones diferentes del álbum: la original y una versión «limpia», en la que «Get the Fuck Out» se reemplaza por el menos ofensivo «Beggar’s Day». En septiembre de 1992 se lanzó un E.P. de versiones llamado «B-Side Ourselves». Este trabajo no solo incluye versiones de canciones grabadas originalmente por artistas que influyeron en Skid Row, sino que es esencialmente una recopilación de pistas que habían aparecido previamente como caras B de los sencillos de la época de «Slave to the Grind», excepto «Little Wing» de Jimi Hendrix, inédito hasta ese momento. «B-Side Ourselves» alcanzó el puesto 58 en el Billboard 200 (la posición más baja en las listas de Skid Row hasta la fecha), y fue certificado oro seis meses después de su lanzamiento. «No Frills Video» VHS lanzado en 1993 cuenta con los videos musicales grabados para los cinco sencillos de «Slave to the Grind»: «Monkey Business», «Slave to the Grind», «Wasted Time», «In a Darkened Room» y «Quicksand Jesus», además de los videos del E.P. «B-Side Ourselves». El 16 de octubre de 1993 se lanza «Road Kill», otro VHS con actuaciones en vivo de Skid Row, además de clips promocionales, imágenes entre bastidores, videos de aficionados, amigos y fans, y lo más destacado de los conciertos en Japón, Brasil, Irlanda, Islandia y los Estados Unidos. «Road Kill» también incluye el video musical de «Psycho Love» en 3-D y las versiones de las canciones «Psycho Therapy» y «C’mon And Love Me», que se incluyeron en «B-Side Ourselves». El sello de Skid Row Atlantic Records, no apoyó la «transformación» del grupo cuando filmó el video de la canción principal. El sello quería una modelo en bikini para protagonizar el video, pero la idea fue rechazada por la banda ya que la canción no trataba sobre la sexualidad femenina. El padre de Sebastian Bach, David Bierk, pintó la portada, que en realidad es un mural largo, que continúa dentro del folleto del álbum. Aunque está ambientado en la época medieval, muestra a personas que usan dispositivos tecnológicos modernos. La portada se inspiró en la obra de Caravaggio «El Entierro de Santa Lucía» de 1608 y muestra a John F. Kennedy entre la multitud.

«Portada pintada por el papa de Sebastian Bach»

Una vez más, Skid Row realizó una gira mundial que duró más de un año, incluida una etapa como teloneros de Guns N’ Roses en 1991 y una aparición en Monsters of Rock en Castle Donington en 1992. Pantera, Soundgarden, L.A Guns y Love/Hate fueron las bandas encargadas de abrir para Skid Row en la gira de apoyo a «Slave to the Grind». Curiosamente Skid Row había pedido a Nirvana que abriera para ellos, pero estos se negaron, alegando que Skid Row era «demasiado homofóbico», en relación con el incidente de la camiseta de Sebastian Bach.

Los (malditos) 90.

Después de que la gira «Slave to the Grind» terminara en febrero de 1993 en Australia, donde nuevamente abrieron para Guns N’ Roses, Skid Row se tomó una larga pausa por recomendación de McGhee en un intento de que el movimiento grunge se desvaneciera. En 1994, la banda volvió al estudio con el productor Bob Rock para grabar su tercer álbum «Subhuman Race». Los miembros de Skid Row afirmaron que sus sesiones de grabación estuvieron llenas de fuertes tensiones entre los miembros de la banda y el productor, incluidos debates sobre la dirección musical del álbum, también durante esos días la relación de la banda con Bach se volvió mucho mas tensa. «Subhuman Race» fue lanzado en marzo de 1995 y debutó en el puesto 35 en el Billboard 200, permaneciendo en las listas durante nueve semanas. Se lanzaron tres sencillos: «My Enemy», » Breaking Down » y » Into Another «, siendo este último el último de la banda en aparecer en las listas de éxitos. En 1999, «Subhuman Race» había vendido 165,424 copias, quedando significativamente por debajo de trabajos anteriores, aun así el álbum recibió críticas positivas. Lanzado durante el declive del hard rock y el heavy metal, «Subhuman Race» marcó un cambio significativo en el sonido de la banda, con Bob Rock reemplazando a Michael Wagener como su productor, y asemejándose a una mezcla de heavy metal con grunge, alternativo, punk rock, thrash metal e influencias de groove metal, convirtiéndolo en el álbum mas oscuro de Skid Row.

«Ese disco fue una pesadilla. Internamente, la banda se había derrumbado, pero nos vimos obligados a entrar en el estudio y hacer otro disco y fue una pesadilla con la grabación, la escritura y la producción. Trabajamos con alguien con quien no habíamos trabajado antes después de tener tanto éxito con Michael (Wagener) y estábamos acostumbrados a la forma en que el hacía las cosas. No estoy menospreciando a Bob en absoluto, es un productor genial, pero fue un mal momento. No tuve el mejor momento, no fue culpa de nadie, así eran las cosas. Además, el disco apesta completamente»

Rachel Bolan

En ese momento, la banda pasó a actuar en lugares más pequeños y sus videos rara vez se reproducían en MTV, en parte debido al aumento de la popularidad del grunge y el posterior declive de muchos estilos de heavy metal de la década de 1980. Skid Row abrió para Van Halen en la etapa norteamericana de su gira «Balance». Finalmente, Bach dejó la banda a finales de 1996 después de una discusión con Bolan, quien rechazó un puesto para abrir a Kiss en su gira de reunión a pesar de que Bach ya la había reservado. Los otros miembros de la banda le dijeron a Bach que Skid Row era demasiado grande para ser un grupo telonero y que no iban a hacer el espectáculo. Mas tarde Bach dejó un mensaje en el contestador automático de Snake diciéndoles que la banda nunca sería lo suficiente grande como para abrir para Kiss junto con una serie de insultos. Tras este incidente Sabo comunico al resto de la banda que jamás volvería a trabajar con Bach.

No era una gira con Kiss, era un concierto.

Rachel Bolan

En 1995 lanzaron en Japón un E.P. en vivo titulado «Subhuman Beings on Tour» con temas en vivo de la gira «Subhuman Race» uno de los temas, «Delivering The Goods» (una versión de Judas Priest) cuenta con la participación del líder de Judas Priest, Rob Halford.

En 1998 Skid Row lanzó el recopilatorio «40 Seasons: The Best of Skid Row» sin la participación de Bach. El álbum incluye canciones de los primeros tres álbumes de estudio de Skid Row. Las pistas de «Subhuman Race» fueron remezcladas para este álbum con mezclas más «lights» y menos «sucias», presumiblemente para que encajaran mejor con las otras pistas. También incluye dos pistas inéditas, una de las sesiones de su álbum debut y otra de las sesiones de «Slave to the Grind». La versión japonesa cuenta con una pista adicional del E.P. «B-Side Ourselves». Los miembros restantes de Skid Row continuaron bajo el nombre de Ozone Monday con el cantante Shawn McCabe de Mars Needs Women. En 1998 y 1999, el grupo abrió bajo el nuevo nombre para Kiss y Mötley Crüe. Poco después el batería Rob Affuso abandonó la banda, quien no estaba de acuerdo con el despido de Bach ni con la dirección musical que estaba tomando la banda. Skid Row se volvió a formar en 1999 con dos nuevos miembros, el vocalista Johnny Solinger y el batería Phil Varone (ex Saigon Kick). Tras su Reunión, la banda abrió para Kiss en su gira de despedida «Farewell Tour» de 2000.

Ironías de la vida. ¡Pero fue alucinante!

Rachel Bolan sobre su gira con Kiss

Nuevo milenio.

«Scotti Hill, Dave Sabo, Johnny Solinger, Phil Varone y Rachel Bolan, los nuevos Skid Row.»

Tras ocho años sin publicar ningún trabajo Skid Row lanzó en el verano de 2003 su cuarto álbum de estudio, «Thickskin», colocándose en el puesto 46 en la lista de los mejores álbumes independientes. El sonido de la banda cambio por completo acercándose a un sonido post-grunge mas acorde con bandas como Foo Fighters, Silverchair o Creed. Días después del lanzamiento del álbum se publicó el DVD «Under the Skin (The Making of Thickskin)» con un «making off» de la grabación del álbum, galería de fotos, entrevistas, videos musicales del álbum y actuaciones en vivo.

«Dave Gara (con pañuelo) se incorpora a Skid Row.»

En 2004, Dave Gara fue anunciado como nuevo batería de Skid Row. Dos años mas tarde, el 24 de octubre de 2006 se lanza «Revolutions per Minute», un álbum que volvió a contar con Michael Wagener como productor tras 15 años desde que coprodujo el segundo álbum de la banda, «Slave to the Grind», en 1991. El álbum recibió críticas negativas y tan solo se ubicó en el puesto 266 en las listas de Japón. A diferencia de su predecesor, mas orientado al post grunge, «Revolutions per Minute» es un álbum mas diverso, con una combinación de elementos de punk clásico, post-punk, e incluso country. En febrero de 2013, Skid Row firmó con Megaforce Records y anuncio que el nuevo material se lanzaría como tres E.P.s separados. El primero, «United World Rebellion: Chapter One», se lanzó en abril de 2013 y vendió 1.500 copias en su primera semana en los Estados Unidos. Su continuación, «Rise of the Damnation Army – United World Rebellion: Chapter Two» fue lanzado el 5 de agosto de 2014 y vendió 1.300 copias en los EE. UU. en su primera semana. Ambos trabajos presentan una vuelta al sonido de «Slave to the Grind»

En abril, Solinger fue despedido de la banda, y el mismo día se anunció que Tony Harnell, ex TNT, seria el nuevo vocalista de la banda. Ese mismo mes, la banda lanzó como descarga gratuita una versión regrabada, con Harnell a la voz, de su primer sencillo, «18 and Life». Harnell dejó Skid Row en diciembre de 2015, y el ex vocalista de DragonForce, ZP Theart, se convirtió en el cantante del grupo para los conciertos de 2016. En enero de 2017, ZP Theart fue nombrado miembro oficial de la banda. En marzo de 2018, se anunció que el próximo lanzamiento de la banda para la trilogía «United World Rebellion» ahora sería un álbum de larga duración y se lanzaría durante 2019. En enero de 2019, se lanzó digitalmente una edición de lujo del álbum debut homónimo de Skid Row, que incluía el álbum original remasterizado (con el tema «Forever» incluido como pista adicional), así como la grabación de una actuación en The Marquee en Westminster, California, del 28 de enero de 1989. Los miembros de la banda declararon que no participaron en la reedición.

El 26 de junio de 2021, el ex vocalista de Skid Row Johnny Solinger murió a la edad de 55 años. En mayo, el cantante anunció en su página de Facebook que le habían diagnosticado insuficiencia hepática, que estaba tomando al menos siete medicamentos diferentes, que había perdido una cantidad significativa de fuerza y ​​requería fisioterapia y cuidados paliativos que su familia no podía pagar.

«Con gran pesar debo informar a todos lo que está pasando conmigo y mi salud. Estuve hospitalizado durante el último mes». «Me han diagnosticado insuficiencia hepática. Y el pronóstico no es nada bueno».

Johnny Solinger
«Erik Grönwall, ¿ultimo vocalista de Skid Row?»

El 23 de marzo de 2022, se anunció que la banda se había separado de ZP Theart. Erik Grönwall (ganador del reality show Sueco «Idol» y vocalista de la banda H.E.A.T.) se unió a la banda después de la partida de Theart. Después de que Grönwall se uniera a Skid Row, se estrenó en internet el sencillo «The Gang’s All Here». La banda también anunció que su nuevo álbum, «The Gang’s All Here», se lanzaría el 14 de octubre de 2022.

Skid Row logró el éxito comercial a finales de la década de los 80 y principios de los 90, con sus dos primeros álbumes «Skid Row» y «Slave to the Grind» certificados multiplatino, el último de los cuales alcanzó el número uno en el Billboard 200. A finales de 1996 la banda había vendido 20 millones de álbumes en todo el mundo. A pesar de sus cambios de formación y sus «incursiones» en el post-grunge y el post punk la banda aun continua siendo un referente dentro del hard rock de finales de los 80. Uno de los vocalistas que pasaron por las filas de Skid Row, Tony Harnell nos lleva a esta banda de la que formó parte, Morning Wood.

El guitarrista Al Pitrelli (Asia, Alice Cooper, Megadeth), el batería Chuck Bonfante (Saraya, Drive She Said) y el bajista Danny Miranda (Blue Oÿster Cult) formaron este proyecto como una diversión en directo para los tiempos muertos de sus principales bandas. Tony Harnell que había regresado a Estados Unidos tras el primer parón de los noruegos TNT (volverían a reunirse en 1997) fue reclutado para poner voz a las versiones acústicas que el grupo realizaba. Pero la reacción del público en sus conciertos y el buen ambiente entre ellos les llevó a meterse en estudio para grabar el que fue su primer y único álbum. La primera edición se lanzó en Japón en 1994 bajo el título «Morning Wood», años después, en 2002 y posteriormente en 2004, el sello Escape Music lo reeditó lanzándolo internacionalmente bajo el titulo de «Tony Harnell & Morning Wood», ambas ediciones contienen el mismo numero de canciones, doce, de las cuales ocho son versiones mas cuatro temas nuevos. Entre las versiones nos encontramos con temas de Allman Brothers Band, Nazareth, The Eagles, Supertramp o los mismísimos TNT. Sin duda una super banda con músicos de muy reconocidos dentro del negocio musical, uno de ellos, el batería Chuck Bonfante, nos lleva a una de sus primeras bandas, Saraya.

En 1987, la vocalista Sandi Saraya y el teclista Gregg Munier se unieron el ex guitarrista de Danger Danger, Tony «Bruno» Rey, el bajista Gary Taylor y el batería Chuck Bonfante para formar Saraya.La banda lanzó su álbum debut homónimo en PolyGram Records en 1989. Los ejecutivos de la compañia esperaban convertir a Sandi Saraya en un símbolo sexual, convirtiéndola en la «próxima Bon Jovi «. Su debut alcanzó cierto éxito, pasando 39 semanas en el Billboard 200, llagando al puesto 79. Su primer sencillo, «Love Has Taken Its Toll», alcanzó el puesto 64 en el Billboard 100, y el segundo, «Back to the Bullet» alcanzaron el puesto 63. La balada «Timeless Love», lanzada por EMI/SBK Records, en realidad se grabó como un proyecto en solitario de Sandi Saraya y estuvo acompañada por músicos de sesión, pero se le atribuyó al nombre de su banda. Aún así, «Timeless Love» se convirtió en su tercer y último sencillo en el Hot 100, manteniéndose aún más abajo en el puesto 85. La canción, producida y escrita por Desmond Child, fue parte de la banda sonora de la película de terror «Shocker». Después del primer álbum, el grupo paso por cambios de formación, Barry Dunaway (bajista de directo de Yngwie Malmsteen) reemplazó a Gary Taylor en el bajo. Munier grabó teclados y coros en el segundo álbum, «When the Blackbird Sings», lanzado en 1991, pero no estaba contento con la dirección de la música, ya que estaba más impulsada hacia la guitarra. Más tarde abandonó la banda y fue reemplazado por el guitarrista John Roggio. Al igual que la mayoría de bandas del estilo de Saraya desaparecieron bajo el tsunami del «grunge». El 3 de febrero de 2006, Gregg Munier murió a la edad de 44 años, por complicaciones de una neumonía. En octubre de 2010, Saraya planeó reunirse para el Firefest Music Festival en el Reino Unido. Sin embargo, problemas económicos entre Sandi Saraya y la organización del festival impidieron que la banda pudiera actuar. De los músicos que formaron parte de Saraya el guitarrista Tony Rey es sin duda el más prolífico de todos, tocando, escribiendo, grabando y produciendo a muchos de los artistas mas importantes de la industria de la música, desde Joan Jett hasta Enrique Iglesias o Rihanna. Pero quien nos interesa es la banda de donde provenía Tony Rey, Danger Danger.

Danger Danger se formó en 1987 por los ex miembros de Hotshot Mike Pont (vocalista), Bruno Ravel (bajista) y Steve West (batería) además del guitarrista Al Pitrelli y el teclista Kasey Smith. Mike Pont dejó la banda y fue reemplazado por Ted Poley, quien anteriormente tocaba la batería en la banda Prophet. Tras algunas demos consiguieron un contrato con Epic Records. En 1988, Pitrelli dejó Danger Danger siendo sustituido en 1989 por Tony Rey, quien grabó ese mismo año parte del álbum debut homónimo antes de ser sustituido por Andy Timmos quien completó la grabación. En 1990 se publica el E.P. «Down and Dirty Live» grabado durante la gira de su primer álbum. Su segundo trabajo «Screw It!» se lanzó en 1991. Después de la gira, el teclista Kasey Smith dejó la banda. En 1993 la banda había terminado de grabar su tercer álbum titulado «Cockroach», sin embargo, la banda despidió al cantante Ted Poley. Paul Laine ocupó su puesto y volvió a grabar las voces del nuevo álbum. Poley demandó a la compañía y al grupo impidiendo que se lanzara el álbum. Epic archivó el álbum y poco después prescindió de la banda. Además, el guitarrista Timmons dejó la banda para empezar su carrera en solitario. Los miembros restantes de Danger Danger, Ravel y West formaron su propio sello, Low Dice Records, y junto Laine lanzaron en 1995 «Dawn», un álbum con un sonido mas cercano al post grunge que al hard rock. El álbum se comercializó a través del club de fans y la pagina web de la banda. En 1997 se lanzó «Four the Hard Way», donde colaboran los ex miembros de la banda Andy Timmons, Tony Rey y Kasey Smith así como en «The Return of the Great Gildersleeves» de 2000 donde aparecen los dos ex guitarrista de la banda. En 2001, tras conversaciones con Epic se pudo lanzar «Cockroach». El álbum contó con dos discos con dos versiones del álbum, una con Laine en la voz y otra con Ted Poley. En 2003 se edita «Rare Cuts», una colección de pistas inéditas y rarezas que incluyen demos con el miembro original Al Pitrelli. En 2004, Laine dejó la banda volviendo a Danger Danger el cantante original Ted Poley. Aun así, en 2005, la banda lanzó «Live and Nude», un álbum en vivo grabado en 2003 con Paul Laine en la voz. El 19 de septiembre de 2009, el sello independiente Frontiers Records lanzó «Revolve», que presenta el regreso de Poley como cantante principal, así como el nuevo miembro, el guitarrista Rob Marcello (hermano del ex guitarrista de Europe Kee Marcello). La formación clásica de Danger Danger formada por Ted Poley, Bruno Ravel, Steve West, Andy Timmons y Kasey Smith se reunió en 2014 para una serie de giras. Continuamos este blog con el vocalista Ted Poley quien tras abandonar Danger Danger se vio envuelto en decenas de proyectos y colaboraciones como en este llamado Wolfpakk.

Proyecto fundado y formado en 2010 por Michael Voss (ex-Casanova, Mad Max) a la guitarra y la voz y Mark Sweeney ex vocalista de Crystal Ball a la voz. Este dúo alemán/suizo lanzó su álbum debut homónimo en 2011, con las colaboraciones de músicos de primer nivel como Paul Di’anno, Jeff Scott Soto, Tim Ripper Owens o Paul Shortino que añadían sus voces a las de los dos protagonistas de la banda Voss y Sweeney. Además contaban con guitarristas como Olaf Lenk (At Vance) o Tommy Denander y bajistas de la talla de Tony Franklin (ex-Blue Murder), Mat Sinner (Primal Fear) o Neil Murray (ex Whitesnake). Su siguiente álbum «Cry Wolf», lanzado en agosto de 2013, superó incluso a su álbum debut, ganándose los elogios tanto de los medios como de los fans. De nuevo contaron con estrellas del mundo del hard rock como Amanda Somerville, Ralf Scheepers de Primal Fear, Göran Edman, Kee Marcello (ex-Europe), Roland Grapow (Masterplan) o Hermann Rarebell. Siguiendo con la misma fórmula publicaron, «Rise Of The Animal» en 2015 donde aparecían entre otros Michael Kiske y Andi Deris de Helloween, Ted Poley (Danger Danger), Don Dokken (Dokken), Bob Daisley (ex-Gary Moore, Black Sabbath), John Norum (Europe), Doug Aldrich (ex Whitesnake) o Chris Slade (ex-AC/DC). Dos años después, el 28 de abril de 2017, se publica «Wolves Reign», álbum donde aparecen Claus Lessmann (ex-Bonfire), Biff Byford (Saxon), Ronnie Atkins (Pretty Maids), Rudy Sarzo (Ozzy Osbourne), George Lynch (ex-Dokken) y Alex Holzwarth (Rhapsody Of Fire)entre otros. Su último trabajo hasta la fecha «Nature Strikes Back» se lanzó el 24 de enero de 2020 y cuenta, como no, con un total de 32 músicos invitados de primer nivel. Michel Voss es uno de los grandes músicos de la escena del heavy melódico/hard rock alemán reconocido por aquella mítica banda de mediados de los 80 de la cual formó parte llamada Mad Max.

Banda formada en 1980, por el guitarrista Jürgen Breforth el vocalista Andreas Baesler, el guitarrista Wilfried Schneider, el bajista Thomas Hoffmann y el batería Uwe Starck quienes tocaban en una banda de versiones adoptando en 1981 el nombre de Mad Max inspirados en la película de 1979 protagonizada por Mel Gibson. En 1982 autoeditan su primer álbum «Heavy Metal» siendo relanzado un año después por «Roof Records», titulándolo simplemente con el nombre de la banda, además de con una nueva portada. El grupo suaviza su sonido y sustituye a su vocalista por Michael Voss publicando en 1984 su segundo trabajo «Rollin´ Thunder», seguido un año después por «Stormchild» que presenta al nuevo batería Axel Kruse. En 1987 y con la salida del guitarrista Wilfried Schneider, se edita su mejor y más conocido trabajo «Night of Passion» donde Michel Voss pasas a ocuparse de la guitarra además de las voces. El álbum no tuvo el éxito esperado, los 90 se acercaban y la banda decide poner punto final a su carrera. En 1999 el guitarrista y fundador Jürgen Breforth y el vocalista Michael Voss se reúne y editan «Never Say Never», presentandose como una de las primeras bandas alemanas de rock cristiano. A este trabajo le seguirían «Night Of White Rock» de 2006, «White Sands» de 2007, «Another Night Of Passion» de 2012 e «Interceptor» de 2013 todos ellos con la formación clásica del 87. Tras algunos cambios de formación publican «35» y «Stormchild Rising» en 2018 y 2020 respectivamente. A finales de 2021 Michel Voss abandona el grupo justo antes de comenzar la gira donde la banda celebraba el 40 aniversario de su formación. Continuamos con uno de los miembros de la mítica formación que grabó aquel «Night of Passion», el batería Axel Kruse y lo hacemos con esta banda llamada Jaded Heart.

Banda alemana formada en 1990 por Michael Bormann y su hermano, el guitarrista Dirk Bormann, a quienes un año más tarde se les unieron el bajista Michael Muller y el ex batería de Mad Max, Axel Kruse. Tras la publicación de su álbum debut, Inside out, de 1994 se incorporó el teclista Chris Ivo. Poco después el guitarrista Dirk Bormann abandona el grupo siendo sustituido por Alex Beyrodt. En 1996 llegaría su segundo trabajo, «Slaves and Masters» un álbum que permaneció en el Top Ten japonés de importación durante cuatro meses. En 1997 el grupo pasa a ser un cuarteto con Michael Bormann asumiendo el papel de guitarrista y vocalista, publicando ese mismo año «Mistery Eyes». Barish Kepic entró como nuevo guitarrista para grabar en 1999 el cuarto álbum de la banda titulado «IV» y «The Journey Will Never End» de 2002 con la incorporación de Henning Wanner como nuevo bajista. Con esta formación se grabó en 2004 «Trust», último trabajo de Michael Bormann antes de ser despedido del grupo. En 2005 el cantante sueco Johan Fahlberg fue reclutado por Jaded Heart grabando ese mismo año “Helluva Time”. Tras la publicación del álbum el guitarrista Barish Kepic dejó la banda por motivos personales siendo sustituido en 2006 por el guitarrista sueco Peter Östros. Con esta formación grabaron dos álbumes más: “Sinister Mind” en 2007 y “Perfect Insanity” en 2009. Su décimo álbum, «Common Destiny», fue lanzado en la primavera de 2012, seguido en 2013, del CD/DVD «Live In Cologne». En 2014 el batería Axel Kruse abandona Jaded Heart y es sustituido por Bodo Stricker, además el grupo incorporó a Masahiro Eto como segundo guitarrista. Con ellos grabarían «Fight The System» de 2014, Guilty By Design de 2016 y “Devil´s Gift” lanzado el 30 de marzo de 2018. Su último álbum «Stand Your Ground» se lanzó en todo el mundo el 27 de noviembre de 2020. Uno de los varios guitarristas que han pasado por este grupo alemán, Alex Beyrodt, guitarrista entre otros de Primal Fear, Silent Force o Sinner nos lleva a la siguiente banda con la que colaboró en 2001 llamada Heavenly.

Heavenly, banda francesa de power metal cuyos orígenes se remontan a 1993 cuando el vocalista Benjamin Sotto y el batería Maxence Pilo deciden formar un grupo de versiones bajo el nombre de Satan´s Lawyer, cambiando al poco tiempo el nombre por el de Twilight para mas tarde, en 1994, convertirse en Heavenly. Bajo este nombre se presentan a un concurso de demos cuyo premio es un contrato discográfico con Noise Records. La banda sale ganadora del concurso y en 1999 firma con dicha compañía. Un año mas tarde, con la incorporación del guitarrista Chris Savourey y el bajista Laurent Jean, se publica su álbum debut «Coming from the Sky», no muy bien recibido por la crítica ya que su sonido era una copia más de Helloween, Gamma Ray y Iron Savior, por el contrario el álbum resultó ser un éxito entre los fans del power metal. Ben Sotto y Maxence Pilo deciden renovar la banda por completo incorporando a un teclista, Frédéric Leclercq, y sustituyendo al bajista Laurent Jean por Piere-Emmanuel Pelisson. Tras la gira Heavenly Chris Savourey se fue de la banda mientras Frédéric Leclercq asumía su papel como guitarrista de la banda. Con esta formación graban “Sign of The Winner”, publicado en 2001 y en el que aparece el guitarrista alemán Alex Beyrodt colaborando en dos temas. Esta vez el álbum consigue la aprobación tanto de los fans como de la critica. Antes de comenzar la gira Charley Corbiaux se unió como segundo guitarrista. A principios de 2004 se lanzó su tercer álbum, «Dust to Dust», convirtiendo a Heavenly en una de las principales bandas de power metal de Francia. Dos años mas tarde se publica “Virus” en donde hubo no solo un cambio de estilo musical sino también de algunos miembros de la banda: el guitarrista Frédéric Leclercq, el bajista Pierre-Emmanuel Pélisson y uno de los fundadores del grupo, el batería Maxence Pilo abandonarían Heavenly siendo reemplazados respectivamente por Olivier Lapauze, Matthieu Plana y Thomas Das Neves. Bajo el título “Carpe Diem” llegaría en 2009 el ultimo trabajo de Heavenly, en el que al igual que su predecesor, deja a un lado sus influencias power metal para adentrarse aun mas en sonidos mas progresivos. Desde entonces la banda permanece inactiva. Como dato curioso deciros que tras abandonar Heavenly el guitarrista Frédéric Leclercq se convirtió en bajista de esta banda británica llamada DragonForce.

DragonForce fue fundado en 1999 por los guitarristas Herman Li y Sam Totman, uniéndose a ellos el vocalista ZP Theart, el batería Matej Setinc, el bajista Steve Scott y el teclista Steve Williams. Tras algunos cambios de formación el bajista Diccon Harper se unió a la banda en noviembre de 2000, y el teclista Vadim Pruzhanov en febrero de 2001, completando la formación que grabaría su álbum debut, no sin antes cambiar el nombre del grupo de DragonHeart a DragonForce en 2002, año en que la banda firmó con Noise Records publicando un año después su álbum debut «Valley of the Damned». Diccon Harper interpretó las pistas de bajo del álbum, pero dejó la banda antes de su publicación debido a un problema en un tendón que requirió cirugía. El segundo álbum de estudio de DragonForce, «Sonic Firestorm» de 2004, logro aún más éxito que su álbum anterior, y contó con la incorporación de dos nuevos miembros el bajista Adrian Lambert y el batería Dave Mackintosh. Después de firmar con Roadrunner Records se lanza el 28 de diciembre de 2005 su tercer álbum, «Inhuman Rampage». El primer sencillo del álbum, «Through the Fire and Flames», que alcanzó el oro en EE.UU. y Canadá es sin duda su canción más famosa hasta la fecha apareciendo en los videojuegos «Guitar Hero III: Legends of Rock», «Guitar Hero: Smash Hits» y «Brütal Legend», así como contenido descargable para la franquicia «Rock Band». Antes del lanzamiento del álbum, Adrian Lambert dejó la banda para cuidar a su hijo recién nacido. La banda reclutó a Frédéric Leclercq para la gira convirtiéndose en miembro oficial de la banda tras el lanzamiento de «Inhuman Rampage». «Ultra Beatdown», cuarto álbum de estudio de la banda se publicó en agosto de 2008 alcanzando el numero 9 en Japón, el 19 en las listas australianas y el 18 en las lista de álbumes del Reino Unido y el Billboard 200 estadounidense. La canción «Heroes of Our Time» fue nominada al premio Grammy a la Mejor Interpretación de Metal, perdiendo ante «My Apocalypse» de Metallica. El 8 de marzo de 2010, se anunció que el vocalista ZP Theart se había separado de DragonForce debido a «diferencias insuperables de opinión musical». En septiembre de 2010 la banda lanzó su primer álbum en vivo, «Twilight Dementia» en formato doble Cd. El álbum fue grabado en noviembre y diciembre de 2009 en diecinueve espectáculos diferentes en el Reino Unido durante la gira mundial «Ultra Beatdown». El 2 de marzo de 2011, DragonForce anunció a su nuevo vocalista, Marc Hudson, un músico no profesional. Meses después debutaría con ellos abriendo para Iron Maiden. En 2012 y 2014 DragonForce publican «The Power Within» y «Maximum Overload» este ultimo lanzado en tres versiones: CD físico o digital estándar, CD físico o digital de edición especial (solo en Japón con cinco temas extra y un DVD extra) y vinilo. El 3 de junio de 2014 el batería Dave Mackintosh anunció su salida de la banda siendo reemplazado por Gee Anzalone. «In the Line of Fire… Larger than Live» el primer álbum en vivo de la banda que presenta imágenes filmadas profesionalmente en uno de sus conciertos fue lanzado en 2015 y grabado el 18 de octubre de 2014 en el Loud Park Festival. Este trabajo fue lanzado en los formatos DVD y Blu-ray, y ambas versiones incluyeron el CD de audio. En abril de 2016, DragonForce lanzó el recopilatorio «Killer Elite: the Hits, the Highs, the Vids» un CD doble con sus grandes éxitos además de un DVD que contenía los videos lanzados por la banda. El 10 de junio de 2019, después de más de dos años sin estar involucrado en DragonForce, Pruzhanov declaro que había dejado oficialmente la banda en mayo de 2018.[46] El 27 de septiembre de 2019, se publicó el octavo álbum de estudio de la banda, «Extreme Power Metal». El teclista de Epica, Coen Janssen, grabó los teclados para el nuevo álbum. En agosto de 2019, Frédéric Leclercq anunció que dejaría la banda para dedicarse a otros proyectos; mas tarde la banda confirmó al músico y Youtuber Steve Terreberry como su reemplazo para las fechas de la gira estadounidense de la banda. Terreberry finalmente se retiró de la gira antes de tocar un solo concierto debido a su ansiedad. El bajista de Once Human, Damien Rainaud, que también produjo «Extreme Power Metal», se hizo cargo de las tareas de bajista. En enero de 2020, Alicia Vigil se convirtió en la nueva bajista de la banda para los directos. En marzo, Gee Anzalone fue ingresado en el hospital con miocarditis y se vio obligado a faltar a la gira de DragonForce por Estados Unidos, siendo Aquiles Priester quien le sustituyó en la gira hasta que se canceló debido a la pandemia de COVID-19. En febrero de 2022 Vigil fue anunciada como miembro oficial de la banda. Con uno de los miembros de esta banda cerramos el circulo y este blog, el vocalista ZP Threat y su paso como vocalista de la banda que protagoniza este episodio, Skid Row, con la que me despido hasta un nuevo episodio. Un saludo!!!

Episodio Nº42

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Bienvenidos una vez mas a este blog dedicado al podcast Rock en Cadena. viajamos por sonidos «progresivos» de la mano de una de las bandas mas importantes dentro de este genero en su vertiente «metalera». Conocidos como uno de los «Tres Grandes» del género, junto con Dream Theater y Fates Warning, son considerados como uno de los líderes de la escena del metal progresivo de mediados y finales de la década de 1980. Ellos son Queensrÿche. Comenzamos.

De The Mob a Queensrÿche.

Los cimientos de Queensrÿche comenzaron a finales de la década de los 70. El guitarrista Michael Wilton y el guitarrista Chris DeGarmo tocaban juntos en una banda allá por 1979. En 1980, Wilton conoció al bateria Scott Rockenfield y formaron una banda llamada Cross+Fire donde hacían versiones de canciones de populares bandas de heavy metal como Iron Maiden y Judas Priest. Al poco tiempo, DeGarmo y el bajista Eddie Jackson se unieron a Cross+Fire, y el nombre de la banda fue cambiado a The Mob, sacado de la canción de Black Sabbath «The Mob Rules». Al necesitar un cantante para una actuación en un festival de rock local, reclutaron al líder de Babylon, Geoff Tate. Tras la separación de Babylon, Tate realizó algunos shows con The Mob, pero se fue porque no estaba interesado en realizar versiones de heavy metal. En 1981, la banda reunió el dinero suficiente para grabar una demo. Todavía sin un cantante, Tate se ofreció una vez más para ayudar, en contra de lo que pensaba su banda en ese momento, Myth. El grupo grabó cuatro canciones «Queen of the Reich», «Nightrider», «Blinded» y «The Lady Wore Black», esta última con una letra de Tate. Durante todo un año, llevaron su demo a varios sellos y fueron rechazados por todos. Finalmente, Kim y Diana Harris, propietarios de Easy Street Records, ofrecieron a The Mob un contrato de management. Sin embargo, como Tate mantuvo su compromiso de quedarse en Myth, la banda no tuvo mas remedio que buscar a otro cantante. Debido a que el nombre The Mob esta registrado, su manager los instó a elegir un nombre diferente. Según cuentan, se quedaron sin ideas y decidieron nombrar a la banda igual que la primera canción en su demo, «Queen of the Reich». La ortografía «Queensreich» se modificó para evitar la asociación de la banda con el nazismo; «ryche» que significa significar «reino», o «imperio» se pronuncia igual que la palabra alemana «Reich». Queensrÿche está escrito con diéresis sobre la letra «y».

Sus primeros álbumes.

«Unos jovencísimos Queensrÿche»

Uno de los representantes de la banda, Kim Harris, envió la demo y una foto de la banda a un amigo que escribía para la revista Kerrang!, dando como resultado una sorprendente y excelente critica por parte del periodista. Tras esta reseña y la expectación creada hacia ellos tanto en los Estados Unidos como en Europa, sus representantes lanzaron en 1983 la demo de Queensrÿche como un E.P. homónimo en su sello independiente «206 Records». Después de que el EP obtuviera elogios internacionales, recibiera mucha difusión en las radios y vendiera una cantidad inusual de copias para un pequeño lanzamiento independiente, Tate decidió dejar Myth y convertirse en el cantante principal de Queensrÿche.

En junio de 1983, durante uno de los conciertos que la banda dio como teloneros de Zebra en Portland y Seattle, su manager, Kim Harris, convenció al A&R de EMI-America Mavis Brodey para que asistiera a uno de esos espectáculos. Brodey ofreció a Queensrÿche un contrato con EMI, por 15 años y siete álbumes. EMI relanzó el E.P. «Queensrÿche» con un éxito moderado, alcanzando el puesto 81 en las listas de Billboard. La banda realizó una gira con Quiet Riot por el sur de Estados Unidos y con Twisted Sister por la costa este y Canadá, además de abrir para Dio en Seattle. Después de la gira el grupo viajó a Londres para grabar su primer álbum de larga duración. La banda trabajó con el productor James Guthrie, quien había trabajado con Pink Floyd y Judas Priest. Lanzado en septiembre de 1984, «The Warning», que alcanzó el puesto 61 en la lista de álbumes de Billboard, continuaba con el sonido de heavy metal clásico característico en los primeros tiempos de la banda. Aun así la banda no quedó satisfecha con la mezcla del álbum. En 2003 el vocalista Geoff Tate declaro:

«Pasamos 300.000 dólares por encima del presupuesto y el sello discográfico nos quitó el disco de las manos y se lo dio a otra persona para que lo mezclara. El tipo que mezcló el álbum no tenía ni idea de lo que era Queensrÿche. Nunca escuchó música hard rock y no aceptó la opinión de nadie en el banda. Simplemente lo mezcló de acuerdo a cómo pensó que debería sonar. Nadie en la banda podía escuchar ese disco. Todos lo odiábamos».

Ninguno de los sencillos lanzados llegó a las listas de EE.UU. pero la canción, «Take Hold of the Flame» fue un éxito para la banda fuera de su pais, particularmente en Japón. En apoyo del lanzamiento, Queensrÿche realizó una gira mundial desde agosto de 1984 hasta julio de 1985. Durante la parte estadounidense de su gira, fueron los teloneros de Kiss en su «Animalize Tour de 1984–85» y de Iron Maiden en su gira «1984–85 World Slavery Tour», mientras que en Europa abrieron para Dio en su gira «The Last in Line» de 1984 y para Accept en su gira «Metal Heart» en 1985. «Rage for Order», lanzado en 1986, introdujo un aspecto y un sonido mucho más pulidos para Queensrÿche, mientras que la dirección de la banda los presionaba para que adoptara una imagen más asociada al glam metal que dominaba las listas de éxitos.

«Realmente íbamos con esa imagen y fallamos miserablemente».

Tate acerca de la imagen «glam» del grupo
«El habito no hace al monje

Sin embargo, el álbum en sí era un poco más progresivo que los lanzamientos anteriores de la banda, con una estructura musical compleja y con coros y con teclados casi tan presentes como las guitarras. El grupo filmó un video para la canción «Gonna Get Close to You», escrita y grabada originalmente en 1984 por Dalbello (una vocalista canadiense de pop/rock). Algunas pistas grabadas durante las sesiones de Rage for Order no se utilizaron en el álbum, «Prophecy» se lanzó como cara B de «Gonna Get Close to You» y luego se incluyó en la reedición de 1989 del E.P. «Queensrÿche». Otras canciones como «From the Darkside» y «The Dream» quedaron como demos. La canción «Rage for Order» fue escrita (y grabada en demo) para el álbum, pero no se incluyó en el lanzamiento final. El riff principal de esta canción se convirtió en una pieza instrumental que se tocó durante algunos shows de la gira en apoyo de este álbum y, finalmente, se transformó en la pista «Anarchy-X» de su siguiente álbum.

«Una de las primeras ediciones. Es cierto que las letras no se ven bien»

«Rage for Order» fue la primera portada de un álbum de Queensrÿche en presentar de manera destacada el logotipo de la banda: «Tri-Ryche» , como lo harían casi todas las portadas de álbumes posteriores, cada vez con cambios mas sutiles realizados en el logotipo. En principio la portada del álbum solo se utilizaría para un picture disc de 12 «, que nunca se editó, pero EMI-America lo usó sin permiso para la portada del álbum. Unos pocos miles de copias iniciales llevan un estandarte plateado/azulado que luego se cambió a negro, con el fin de facilitar la lectura del artista y el título. La edición casete también tenía todos los detalles dorados en la portada cambiados a blanco. Los C.Ds que llevan la tapa del anillo azul son aún más raros. Solo se imprimieron unos pocos cientos de copias antes de que el anillo se cambiara a negro. Queensrÿche salió de gira como teloneros de AC/DC, Bon Jovi, Ozzy Osbourne y Ratt, tocando con otras bandas como Black ‘n Blue, Fates Warning, Gang Green, Keel y Raven.

Días de éxito.

En 1988, Queensrÿche lanzó «Operation: Mindcrime», un álbum conceptual con un gran éxito comercial y de crítica. La historia del álbum gira en torno a un drogadicto llamada Nikki, un drogadicto desilusionado con la sociedad corrupta de su tiempo y enrolándose en un grupo revolucionario como asesino de líderes políticos. Nikki está dividido por su lealtad a la causa y su amor por Mary (la cantante Pamela Moore ponía voz al personaje) , una prostituta reformada convertida en monja, que se interpone en su camino. El estilo de metal progresivo de la banda se desarrolló completamente en este álbum. Queensrÿche realizó una gira durante gran parte de 1988 y 1989 con varias bandas, incluidas Def Leppard, Guns N ‘Roses y Metallica. El álbum fue certificado oro a principios de 1989, y platino dos años después. Los sencillos «Eyes of a Stranger» y «I Don’t Believe in Love» le dieron a Queensrÿche sus primeros éxitos en las listas de Estados Unidos. Ese mismo año se publicó el VHS «Video: Mindcrime» , donde se interpreta todo el álbum a modo de videoclips intercalándolos con imágenes que narran la historia.

El lanzamiento de «Empire» de 1990 llevó a Queensrÿche a la cima de su popularidad. El álbum alcanzó el puesto número 7 y vendió más de tres millones de copias en los Estados Unidos, más que sus cuatro lanzamientos anteriores juntos, y fue certificado plata en el Reino Unido. El sencillo principal, la balada «Silent Lucidity», alcanzó el número 1 en Mainstream Rock Tracks y el número 9 en Billboard Hot 100.»Silent Lucidity» también fue nominada en 1992 a los Premios Grammy a la Mejor Canción de Rock y Mejor Interpretación Vocal de Rock por un Dúo o Grupo. La gira posterior fue la primera gira completa con Queensrÿche como grupo principal (la banda había encabezado previamente una gira en Japón en apoyo de «Operation: Mindcrime» , además de algunos espectáculos en clubes y teatros de EE.UU. entre 1984 y 1988, y en el Reino Unido en 1988). El grupo usó condición de cabeza de cartel para interpretar «Operation: Mindcrime» en su totalidad, así como canciones de «Empire». El espectáculo en el escenario contó con video, animación y la cantante invitada Pamela Moore como la hermana Mary. La gira duró 18 meses, más que cualquier gira que la banda haya realizado antes o después. La gira también agregó una página negra a la historia de la banda, cuando el 20 de noviembre de 1990 durante un show en Bélgica, un fan estadounidense apuñaló durante una pelea a un fan belga en el pecho causándole la muerte. El tour manager de Queensrÿche detuvo inmediatamente el espectáculo ya que la banda solo llevaba siete canciones interpretadas. Ese mismo año se lanzó un álbum en vivo, grabado del 10 al 12 de mayo de 1991, bajo el titulo de «Operation: Livecrime». La gira también incluyó una aparición en MTV Unplugged el 27 de abril de 1992.

Nuevos tiempos, malos tiempos.

Tras tomarse un tiempo libre para descansar de la gira «Building Empires» y alejarse de otros problemas personales, la banda lanzó «Promised Land» en octubre de 1994, un álbum oscuro e intensamente personal, que reflejaba el estado mental de la banda en ese momento. Aunque el álbum debutó en el número 3 y finalmente fue certificado platino, no logró el éxito comercial que tuvo su anterior trabajo. Al igual que muchos otros grupos de heavy metal y hard rock, el éxito comercial de Queensrÿche se desvaneció con el aumento de la popularidad de géneros como el rock alternativo y el grunge. Queensrÿche lanzó su sexto álbum de estudio, «Hear in the Now Frontier», en marzo de 1997, con una recepción mixta de crítica y fans. El álbum debutó en el puesto 19 pero rápidamente desapareció de las listas. Toby Wright , quien produjo el álbum homónimo de 1995 de Alice in Chains, fue contratado como ingeniero. El resultado fue un sonido más seco y totalmente diferente a cualquier cosa que la banda haya lanzado. El sonido de guitarra, batería y voz que se había convertido en sinónimo de Queensrÿche había desaparecido, reemplazado por un estilo mucho más simple y menos poderoso. La canción «All I Want» cuenta con el guitarrista Chris DeGarmo en la voz principal, la única vez hasta la fecha que un miembro de la banda, además del vocalista principal, canta en un álbum. Además de las pobres ventas del álbum el grupo sufrió una serie de contratiempos, menos de un mes después de comenzar la gira, Tate enfermó gravemente y la banda se vio obligada a cancelar las fechas de los conciertos por primera vez. También durante la gira, su sello de toda la vida, EMI Records USA quebró y se fusionó con Virgin Records America. Queensrÿche se vio obligado a usar su propio dinero para financiar el resto de la gira. La banda tocó algunos shows en diciembre en América del Sur debido a obligaciones contractuales, y fue durante este tiempo, a finales de 1997, cuando el miembro fundador Chris DeGarmo anunció que dejaba Queensrÿche. Sin embargo, su partida no fue anunciada al público hasta el 24 de enero de 1998. Los miembros de la banda mencionaron más tarde el agotamiento y el deseo de perseguir intereses fuera de Queensrÿche como razones de su partida. Después de dejar Queensrÿche, DeGarmo comenzó una carrera como piloto profesional de aviones comerciales.

«Quería dedicarse a otras cosas. Sentía que había hecho lo que quería musicalmente en su vida y quería seguir adelante».

Rockenfield sobre la marcha de DeGarmo.
«Kelly Gray (segundo por la derecha) con unos renovados Queensrÿche»

DeGarmo fue reemplazado por el guitarrista y productor Kelly Gray, quien fuera guitarrista de Myth, banda en la que Tate militó antes de unirse a Queensrÿche. «Q2K» lanzado el 14 de septiembre de 1999 fue el primer álbum con su nuevo sello, Atlantic Records. Musicalmente se parecía poco al metal progresivo de antaño de la banda, con un sonido similar al de «Hear in the Now Frontier». La disminución de su popularidad obligó a la banda a realizar giras en clubes y teatros, en lugar de en los estadios y anfiteatros al aire libre donde tocaban antes.

En 2000 Queensrÿche lanza «Greatest Hits», un álbum recopilatorio que incluía material de todos los lanzamientos de estudio de la banda hasta 1997 (se excluye Q2K de 1999), así como la cara B de 1997 «Chasing Blue Sky» y una versión alternativa de  «Someone Else?» con la banda al completo (la original contaba con Tate en la voz y DeGarmo en el piano). Ese mismo año, Queensrÿche se embarcó en otra gira, esta vez abriendo para Iron Maiden. Esto permitió a la banda tocar en el Madison Square Garden por primera vez. Descontentos con la falta de apoyo por parte de Atlantic Records, Queensrÿche fichó por Sanctuary Records en 2001. En julio de ese año, la banda realizó varias fechas en el Teatro Moore en Seattle, Washington. Los conciertos fueron grabados y lanzados en septiembre de 2001 como Live Evolution, el segundo álbum en vivo de la banda. En el C.D., las pistas se recopilaron en suites, que representan diferentes momentos de la producción de la banda e incluyen una gran parte del álbum «Operation: Mindcrime». El DVD contiene imágenes filmadas en los mismos conciertos y presenta menos canciones. El guitarrista Kelly Gray fue despedido de la banda en mayo de 2002, al parecer debido a continuos problemas provocados por sus «malos hábitos».

En abril de 2003, el grupo anuncio que Chris DeGarmo se unió a ellos para colaborar en su nuevo álbum, aunque su futuro con la banda no se aclaró. El 22 de julio Queensrÿche lanzó «Tribe», primer y único álbum con el sello Sanctuary, producido por la propia banda. Con una fecha límite para entregar el álbum sumado a las tensas relaciones internas de la banda, se hizo una llamada al ex guitarrista Chris DeGarmo para ver si estaba interesado en contribuir con canciones al proyecto. Después de una reunión con Geoff Tate, aceptó y participó en las sesiones de escritura, contribuyendo con la música de varias canciones, coescribiendo la música de dos temas, y grabando partes de guitarra. A pesar de participar en una sesión de fotos con la banda y planea actuar en la etapa europea de la gira, DeGarmo se retiró de las sesiones antes de que se completara la grabación del álbum. Esto fue debido a los mismos problemas interpersonales similares que dieron como resultado su salida de la banda en 1997. Tras el lanzamiento del álbum, Sanctuary Records tergiversó la participación de DeGarmo como una «reunión» con Queensrÿche, algo que se vio como una campaña para incrementar las pobres ventas del álbum.

«Mike Stone (izqd), el nuevo compañero de Wilton»

Queensrÿche reemplazo a Gray por Mike Stone, quien acompañó a la banda en la gira Tribe como segundo guitarrista, aunque nunca fue miembro de pleno derecho de la banda. En junio de 2003, Queensrÿche comenzó una gira conjunta con Dream Theater. Las dos bandas alternaron los espacios de apertura y cierre, acabando los conciertos tocando algunas canciones juntos. Fates Warning fue el invitado especial de la gira. Una grabación de esta gira fue lanzada en 2004 como «The Art of Live» en C.D y DVD. La lista de canciones de ambos lanzamientos es casi idéntica, aunque el DVD omite «Anybody Listening?» e incluye dos versiones: «Comfortably Numb» (Pink Floyd) y «Won’t Get Fooled Again» (The Who), interpretadas junto a Dream Theater. El metraje del DVD está filmado íntegramente en sepia, algo que decepcionó tanto a los fans como a la critica.

Ante el anuncio de una secuela de «Operation: Mindcrime» la banda salió a la carretera en el otoño de 2004 con la gira «An Evening With Queensrÿche», donde interpretaban algunos grandes éxitos, seguido de un nuevo show de «Operation: Mindcrime» con actores en vivo y videos; Pamela Moore repitió su papel de la hermana Mary. La segunda etapa de la gira comenzó a principios de 2005. Antes de embarcarse en una tercera etapa en el otoño de 2005, Queensrÿche realizó una gira con Judas Priest por toda América del Norte. «Operation: Mindcrime II» se lanzó el 4 de abril de 2006 en los Estados Unidos, el 29 de marzo en Japón, el 31 de marzo en Alemania y el 3 de abril en el resto del mundo. El álbum fue el primero de Queensrÿche para su nuevo sello, Rhino Entertainment, con el que firmó un año antes. Ronnie James Dio proporcionó la voz de Dr. X, el villano de «Operation: Mindcrime I y II». El álbum debutó en el puesto 14, la posición más alta en las listas de éxitos para un álbum de Queensrÿche desde 1997. El álbum retoma la historia de su precuela, en la que Nikki había sido encarcelado por el asesinato de la hermana Mary, pero dieciocho años después, cuando Nikki sale de prisión y comienza a planear su venganza contra el Dr. X, que había tratado a Nikki como su títere. El productor del álbum el productor Jason Slater reveló años mas tarde que aparte de Tate y Mike Stone el resto de miembros de la banda aportaron muy poco al álbum. La mayoría de la música fue grabada por músicos de estudio debido a los problemas entre Tate y el resto de banda, reacios a continuar la historia original de Mindcrime y totalmente en desacuerdo con la idea de una secuela. El batería Scott Rockenfield no tocó en el álbum, además, la mayoría de las guitarras, incluidas las pistas de Michael Wilton, fueron regrabadas por el ingeniero Mitch Doran. Algunas de las pistas de bajo utilizadas en el álbum son grabaciones de demos interpretadas por Slater, mientras que la pista de batería de «I’m American» es una grabación MIDI realizada por Doran que originalmente no estaba destinada a usarse en el álbum. El grupo se embarcó en una gira como cabeza de cartel. La gira contó con presentaciones de ambos álbumes de «Mindcrime» en su totalidad. Dio apareció en el espectáculo del Anfiteatro Gibson en Universal City, California para interpretar su voz como Dr. X en el tema «The Chase», en los otros espectáculos aparecía en una pantalla de video. La aparición de Dio fue grabada e incluida como extra en el C.D/DVD de 2007 «Mindcrime at the Moore», grabado en vivo en octubre de 2006 durante las tres noches que Queensrÿche actuó en The Moore Theatre de Seattle. El grupo interpretó «Operation: Mindcrime I y II» en su totalidad, con el apoyo de un elenco de actores y del Seattle Seahawks Drumline. En el DVD se incluye un documental de la gira, otro sobre el paseo en motocicleta «Rock & Ride Across America» ​​de la banda para la Fundación benéfica VH1 Save The Music.

«Sign of the Times», un nuevo grandes éxitos, fue lanzado el 28 de agosto de 2007 junto a una edición especial para coleccionistas que incluía un disco adicional con varias demos, grabaciones en vivo y una nueva canción, «Justified», con Chris DeGarmo a la guitarra. El 13 de noviembre de 2007, la banda lanzó un álbum de covers titulado «Take Cover». El álbum contiene versiones de canciones de Queen, U2, The Police, Black Sabbath, Peter Gabriel y Pink Floyd. El 3 de febrero de 2009, Stone anunció su marcha de Queensrÿche para centrarse en su proyecto paralelo Speed-X, aunque más tarde declaraciones judiciales revelaron que Geoff y Susan Tate lo despidieron sin discutir su decisión con los otros miembros de la banda por «hacer demasiadas demandas». «American Soldier», undécimo álbum de estudio de la banda fue lanzado el 31 de marzo de 2009. Tras la salida de Mike Stone, este álbum fue el primero en ser grabado íntegramente por Queensrÿche como cuarteto. «American Soldier» es un álbum conceptual que gira en torno a las vidas y experiencias de aquellos que sirven o han servido en las fuerzas armadas de los Estados Unidos especialmente en la guerra de Irak. El álbum debutó en el puesto 25 en la lista Billboard 200.

«Wilton, Lundgren, Tate, Rockenfield y Jackson (de dch a izd)»

Parker Lundgren (quien tocó en la gira en solitario de Tate y además de ser novio de la hijastra de Tate, Miranda) reemplazó a Stone en la gira posterior. En noviembre de 2010, Queensrÿche realizó varios espectáculos para las tropas estadounidenses destinadas en Irak. El 28 de junio de 2011 se lanza «Dedicated to Chaos» bajo el sello Roadrunner/Loud & Proud Records, con quienes la banda había firmado en 2010. El álbum fue un cambio drástico en comparación a trabajos anteriores, con un mayor énfasis en el bajo y la batería, dejando en un segundo plano a la guitarra. El álbum recibió críticas mixtas, convirtiéndose en el álbum de la banda que mas bajo llego en las listas de ventas.

Los problemas estallan.

En una reunión de la banda el 12 de abril de 2012, a la que Tate no asistió, se despidió tanto a la hijastra de Tate, Miranda, que dirigía el club de fans, como a su esposa Susan, mánager de la banda desde 2005. Dos días después, antes de la prueba de sonido de un show en São Paulo, Brasil, Tate tuvo una discusión con los otros miembros sobre el despido de sus familiares, la discusión fue a mas con Tate derribando la batería, lanzando varios puñetazos y agrediendo físicamente y escupiendo a Rockenfield y Wilton. En el transcurso de los siguientes tres shows de la banda, Wilton, Rockenfield y Jackson vieron que Tate continuaba portándose mal y llegaron a la conclusión de que ya no podían trabajar o actuar con el vocalista. El 5 de junio convocaron una reunión de la banda, Tate que participaba telefónicamente, abandonó la reunión, tras lo cual los otros miembros de la banda votaron decidieron expulsar a Geoff Tate de la banda y continuar usando el nombre de Queensrÿche con un nuevo cantante, lo que llevó a Tate a emprender acciones legales.

«Durante los últimos tres años, llegamos a un punto en el que básicamente ya no teníamos voz en la banda. Todo estaba a cargo del cantante y su manager, la esposa».

Michael Wilton

Mientras Tate trabajaba en un próximo álbum en solitario, los otros miembros de Queensrÿche comenzaron un proyecto paralelo que finalmente se convirtió en «Rising West». Con una nueva oficina de management Queensrÿche firmó con Century Media. Aun en busca de un líder para el proyecto sin nombre en ese momento, Wilton recomendó a Todd La Torre a sus compañeros de banda. La banda escuchó algunas de las demos de La Torre en YouTube, y «se la jugó» reservando y anunciando dos shows en el Hard Rock Cafe de Seattle el 8 y 9 de junio de 2012, incluso antes de que La Torre conociera a los miembros de la banda. El proyecto inicialmente se llamaría West, que representaba a los cuatro miembros de la banda (Wilton, Eddie, Scott y Todd), pero luego pasó a llamarse Rising West por sugerencia de Jackson, que reflejaba la sensación de que el proyecto era algo «realmente nuevo», además, los miembros de la banda vivían en la costa oeste y ya que Lundgren también iba a participar en el proyecto el acrónimo «West» no tenia demasiado sentido. Mientras tanto, Tate, junto con su esposa, siguieron adelante con la demanda que habían presentado contra sus excompañeros de banda, reclamando el despido ilegal y una orden judicial preliminar para evitar que tanto él como los demás miembros de la banda usaran el nombre de Queensrÿche hasta que se resolviera el problema. El tribunal superior del estado de Washington rechazó esta moción el 13 de julio de 2012, también denegó una contra-moción para un juicio sumario preliminar presentado por la defensa (Wilton, Jackson y Rockenfield), estos fallos permitieron a ambas partes usar la marca Queensrÿche hasta que un fallo judicial o un acuerdo aclararon el asunto. Tras este veredicto, ambas partes realizaron giras entre junio de 2012 y abril de 2014 bajo el nombre de Queensrÿche, una compuesta por los miembros restantes de Queensrÿche liderados por La Torre, y la otra con Tate con su propia formación. Además, ambas versiones del grupo lanzaron álbumes de estudio durante este tiempo. Queensrÿche (los «originales) lanzaron su álbum homónimo a través de Century Media en formato digital y en CD (edición estándar y de lujo) y LP el 24 de junio en Europa, el 25 de junio de 2013 en Estados Unidos y Canadá, y el 21 de agosto en Japón a través de Avalon Records. El álbum, que era un regreso al sonido de la banda en los años 80 y principios de los 90, alcanzó el puesto 23 en la lista Billboard 200 permaneciendo durante tres semanas en las listas.

Finalmente el 17 de abril de 2014 se llegó a un acuerdo, publicándose el 28 de abril de 2014 una declaración de ambas partes. La ​​declaración anunciaba que Tate perdía la marca Queensrÿche ante Rockenfield, Wilton y Jackson, quienes junto con La Torre y Lundgren serián «la única banda que grabe y esté de gira como Queensryche«, mientras que el ex vocalista Tate solo tiene derecho a tocar «Operation: Mindcrime» y «Operation: Mindcrime II» en su totalidad «en presentaciones únicas». El segundo álbum de estudio grabado con el vocalista Todd La Torre, «Condition Hüman» fue lanzado el 2 de octubre de 2015. En las semanas previas al lanzamiento del álbum, la banda realizó una gira por América del Norte junto a Scorpions. Después del lanzamiento del álbum, la banda se embarcó en una gira por los Estados Unidos a principios de 2016, y una gira europea en septiembre de ese año. En octubre de 2016, la banda actuó en Australia y el Lejano Oriente. El 28 de marzo de 2017, la banda anunció que Rockenfield tomaría una «baja» por paternidad para cuidar a su hijo recién nacido, y que el batería de Kamelot, Casey Grillo, ocuparía su lugar para las próximas fechas en vivo. En agosto de 2018, el guitarrista Mike Stone regresó durante un par de meses reemplazando a Parker Lundgren, quien tenía «asuntos personales» de los que ocuparse. Su siguiente trabajo, «The Verdict», fue lanzado el 1 de marzo de 2019. El vocalista Todd La Torre grabó las partes de batería del álbum debido a la ausencia del batería Scott Rockenfield. El álbum tiene todas las características de los primeros clásicos de la banda: el poder del heavy metal y la delicadeza del rock progresivo, las armonías de guitarras y la voz cristalina. Rockenfield anunció su regreso a primeros de mayo de 2021 tras reaparecer en enero afirmando que no había dejado la banda, si embargo, en agosto de ese mismo año el guitarrista Michael Wilton confirmó que el batería Scott Rockenfield no volvería a la banda. Meses mas tarde Scott Rockenfield presentó una demanda contra sus antiguos compañeros Michael Wilton y Eddie Jackson, a las mujeres de ambos y a varias compañías relacionadas con la banda, Queensrÿche Holdings, LLC y Tri-Ryche Cooperation, Inc. Rockenfield acusó a los demandados de incumplimiento de contrato, presiones al accionista, despido injusto, ruptura del acuerdo de artistas y violación del acta de los derechos de personalidad de Washington, además de acusar a Wilton y Jackson de despedirle. En julio de 2021, Parker Lundgren anunció que había dejado la banda para dedicarse a «otras empresas comerciales». Mike Stone lo reemplazó en la gira posterior y luego se reincorporó como miembro de la banda. El 20 de mayo de 2022, la banda anunció que su nuevo álbum se titularía «Digital Noise Alliance» y que se lanzaría el 7 de octubre.

Logo Tri-ryche

«Uno de los símbolos mas reconocidos del Heavy Metal»

El logo de Queensrÿche, el llamado Tri-Ryche (escrito sin diéresis en la ‘y’), proviene de los primeros años de la banda. El artista Wes «Grizz» Griswold, que hizo la portada para el E.P. «Queensrÿche», solía firmar su trabajo con un garabato transformado a partir de un dibujo tosco de un halcón peregrino, esta «firma» también se usó para el escenario y el telón de fondo de la primera gira de Queensrÿche que el mismo diseñó. Tras la firma de la banda con la compañía discográfica, esta, adoptó la «firma» como el logotipo de la banda. A pesar de todo, el Tri-Ryche nunca ha sido registrado como marca registrada por Queensrÿche debido a una larga controversia sobre quién creó realmente el Tri-Ryche. Todd Rockenfield, el hermano del batería de Queensrÿche, quien diseñó el tipo de letra de la palabra «Queensryche» en la parte delantera y trasera del E.P., afirmó que el diseño del Tri-Ryche en su forma final era suyo, y que la banda reconoce su papel en el desarrollo del Tri-Ryche. El Tri-Ryche ocupa un lugar destacado en la mayoría de las portadas de los álbumes de Queensrÿche.

La banda ha lanzado 15 álbumes de estudio, un EP y varios DVDs y VHS, vendiendo más de 20 millones de álbumes en todo el mundo, incluidos más de 6 millones de álbumes en los Estados Unidos. Se les considera uno de los líderes de la escena del metal progresivo de mediados a finales de la década de 1980. La banda ha recibido tres nominaciones a los premios Grammy. En 1998, el batería Scott Rockenfield recibió una nominación individual al Grammy en la categoría de «Mejor video de formato largo» por un trabajo de música y video llamado «TeleVoid». Rockenfield es el fundador de Hollywood Loops, empresa especializa en efectos de sonido para la composición de películas, televisión y videojuegos. Rockenfield compuso y grabó pistas de batería para el videojuego «Call of Duty: Black Ops» y compuso la banda sonora del tráiler de las películas «After Earth» y «RoboCop». También es propietario de «RockenWraps», empresa que suministra hardcase de batería personalizados a artistas y compañías de baterías. En 2001, Rockenfield participo en un proyecto llamado Slave to the System.

Banda formada en 2000 por el batería Scott Rockenfield y el guitarrista Kelly Gray, tras el descanso de Queensrÿche, su banda en ese momento, después de terminar una gira de 6 meses en apoyo del álbum «Q2K». Gray había trabajado con la banda Brother Cane y sugirió al cantante y guitarrista Damon Johnson y al bajista Roman Glick que se unieran al proyecto completando la banda con el guitarrista Scott Heard. El nombre Slave to the System describe el efecto de las grandes compañías discográficas en la música de un artista reflejando la insatisfacción de los miembros de la banda con la industria musical. La banda envió demos a varios sellos discográficos tratando de negociar un contrato discográfico, al no obtener respuesta Slave to the System lanzó de forma independiente su álbum homónimo en 2002. En febrero de 2004, Heard se fue por razones no reveladas y continuaron como un cuarteto. En 2005, Slave to the System firmó con Spitfire Records, que hizo una nueva remezcla y remasterizo el álbum lanzándolo el 21 de febrero de 2006 además de incluir dos canciones nuevas. Ese mismo año, Johnson afirmó que el segundo álbum de la banda ya estaba terminado, pero hasta la fecha, ha permanecido inédito. El álbum recibió run buen apoyo en la radio y sus ventas llevaron el álbum al número 25 en las listas, mientras que su primer sencillo alcanzó el puesto 33 en las categorías Hot Mainstream Rock Tracks y Mainstream Rock. Durante la pequeña gira que la banda realizó por el sur y el medio oeste de Estados Unidos otros músicos reemplazaron a Glick y Rockenfield en algunos de los shows, debido a compromisos previos con otras bandas. En 2008, la banda lanzó dos nuevas canciones a través de MySpace, desde entonces no hay noticias del grupo. Uno de los miembros de Slave to the System, el cantante y guitarrista Damon Johnson nos lleva a nuestro siguiente protagonista, ya que Johnson además de formar parte de esta banda fue cofundador en la década de los 90 de Brother Cane, miembro de la banda de Alice Cooper, cofundador y guitarrista principal del grupo de hard rock Black Star Riders de 2012 a 2018, grabar discos en solitario y lanzado varios álbumes en solitario y componer para muchos artistas, incluidos Stevie Nicks, Carlos Santana y este famoso vocalista llamado Sammy Hagar.

Sammy Hagar conocido como «The Red Rocker», cantante y guitarrista que saltó a la fama a principios de la década de 1970 con la banda de hard rock Montrose. Posteriormente lanzó una exitosa carrera en solitario, logrando un éxito en 1984 con el tema «I Can’t Drive 55». En 1985 reemplazó a David Lee Roth como cantante principal de Van Halen, abandonando el grupo en 1996 regresando en 2003 para de nuevo irse en 2005. El 12 de marzo de 2007, Hagar fue incluido en el Rock and Roll Hall of Fame como miembro de Van Halen. Como empresario, Hagar fundó cadena de restaurantes y la marca de tequila «Cabo Wabo», así como el ron «Sammy’s Beach Bar». Hagar también es el presentador de «Rock & Roll Road Trip with Sammy Hagar» en el canal de televisión por cable AXS TV. Actualmente Hagar es el cantante principal de Chickenfoot y Sammy Hagar and the Circle. En 1997 Sammy Hagar lanzó «Marching to Mars», su décimo álbum de estudio y su primer álbum en solitario tras su incorporación a Van Halen. El álbum fue publicado por MCA Records, que en ese momento había adquirido su antiguo sello, Geffen Records. El sencillo «Little White Lie» fue un gran éxito, encabezando la lista de pistas de Mainstream Rock durante cinco semanas. El álbum cuenta con numerosas colaboraciones, entre ellas la de los miembros de Montrose, el mencionado anteriormente Damon Johnson, los baterías Denni Carmasi y Matt Sorum o el guitarrista Slash. Entre los temas del álbum se encuentra «Amnesty Is Granted» escrita mientras Hagar aún estaba en Van Halen, y que anteriormente fue grabada por el tristemente fallecido, Meat Loaf.

Meat Loaf, cantante, compositor y actor estadounidense reconocido por su poderosa y amplia voz y por sus espectáculos teatrales y que nos dejaba el 20 de enero de 2022. Meat Loaf está en la lista de los artistas musicales más vendidos. Su trilogía «Bat Out of Hell» — «Bat Out of Hell» (1977), «Bat Out of Hell II: Back into Hell» (1993) y «Bat Out of Hell III: The Monster Is Loose» (2006) — ha vendido más de 65 millones de álbumes en todo el mundo. El primer álbum permaneció en las listas durante más de nueve años, y todavía vende aproximadamente 200.000 copias al año siendo uno de los discos mas vendidos de la historia. Después del éxito de sus dos primeros «Bat Out of Hell» y de ganar un premio Grammy a la Mejor Interpretación Solista Vocal de Rock por la canción «I’d Do Anything for Love», la carrera de Meat Loaf experimentó un descenso de popularidad dentro de los Estados Unidos, sin embargo en Europa su éxito aumento, especialmente en Gran Bretaña e Irlanda. En 1994 recibió el Brit Award en el Reino Unido por álbum y sencillo más vendido. Marvin Lee Aday (su verdadero nombre) apareció en más de 50 películas y programas de televisión, en ocasiones interpretándose a si mismo y otras con personajes que se asemejan a su rol en el escenario. Sin duda su papel mas importante fue el de Eddie en «The Rocky Horror Picture Show» (1975) tanto en la película como en la obra de teatro de Broadway. También apareció en el musical «Hair», tanto dentro como fuera de Broadway. El álbum donde aparecía el tema compuesto por Sammy Hagar, «Welcome to the Neighborhood» se lanzo en 1995 tras el mega éxito «Bat Out of Hell II: Back into Hell». El álbum fue platino en los Estados Unidos y el Reino Unido. Este trabajo esta catalogado como un álbum conceptual, ya que todas las canciones cuentan una historia sobre una relación a lo largo de los años. Se lanzaron tres sencillos que alcanzaron los números 2, 7 y 21 en las listas del Reino Unido, dos de ellos fueron escritos por Diane Warren. De las doce canciones del álbum, dos son versiones de canciones de proyectos de Jim Steinman, el colaborador de Meat Loaf ; «Original Sin» apareció por primera vez en el álbum «Original Sin» de Pandora’s Box y «Left in the Dark» apareció por primera vez en el propio álbum de Steinman «Bad for Good». El álbum cuenta con la colaboración de Sammy Hagar y Steven Van Zandt (Little Steven, miembro de la E Street Band de Bruce Springsteen) además de su banda de directo The Neverland Express con Pat Thrall a la guitarra y Patti Russo como vocalista femenina y músicos de estudio como el guitarrista Tim Pierce o el batería Kenny Aronoff, miembro de la banda de John Cougar durante 17 años y que a lo largo de su carrera, ha realizado giras o grabado con artistas como Smashing Pumpkins, Bob Seger, Willie Nelson, John Fogerty , Tony Iommi, Stryper, Jerry Lee Lewis y este otro archiconocido vocalista llamado Jon Bon Jovi.

Jon Bon Jovi, cantante, compositor, guitarrista y actor mundialmente conocido como el fundador y líder de la banda de rock Bon Jovi. En 1990, Jon Bon Jovi grabó la banda sonora de la película «Young Guns II». Su amigo, el actor Emilio Estévez, le pidió «prestada» la canción «Wanted Dead or Alive» como tema principal de su próxima película, Jon creía que la letra de la canción no era la apropiada; sin embargo, se inspiró en el guion y decidió escribir una nueva canción para la película que estuviera más acorde con la época y el escenario. La canción fue «Blaze of Glory» que interpretó con guitarra acústica en el desierto de Nuevo México para Estévez y John Fusco (director de la película), el tema gustó tanto que la productora le encargó la B.S.O., lo que termino convirtiéndose en el primer álbum en solitario de Jon Bon Jovi. El álbum contó con invitados como Elton John, Little Richard y Jeff Beck además de músicos de la talla de Kenny Aronoff, Robbin Crosby (Ratt) o Randy Jackson. El álbum alcanzó el puesto número 3 en el Billboard 200 y el número 2 en la lista de álbumes del Reino Unido. La canción principal «Blaze of Glory» fue lanzada como el primer sencillo y alcanzó el número 1 en las listas Billboard Hot 100 y Mainstream rock . «Miracle», el segundo sencillo, se ubicó en el puesto 12 en el Billboard Hot 100 y en el puesto 20 en las listas de rock de Mainstream mientras que el tercer sencillo «Never Say Die» entró en las listas de Australia, Canadá y Polonia, pero no en los EE.UU. En 1991, «Blaze of Glory» ganó un premio al sencillo favorito de pop/rock en los American Music Awards además de conseguir un Globo de Oro. La canción también le valió una nominación a los Oscar de Hollywood y dos nominaciones a los Premio Grammy como Mejor interpretación vocal masculina de rock y Mejor canción escrita para medios visuales. En 1991, Jon Bon Jovi fundó su propio sello, Jambco Records, y produjo el álbum «Blood on the Bricks» de Aldo Nova y el álbum «Pretty Blue World» de Billy Falcon, anteriormente Jon había producido y escrito junto a su compañero en Bon Jovi, Richie Sambora un tema para el grupo soviético Gorky Park.

En 1987, el guitarrista Alexey Belov, el vocalista Nikolay Noskov, el bajista Alexander «Big Sasha» Minkov, el guitarrista Yan Yanenkov y el batería Alexander Lvov se unieron para formar Gorky Park. Stas Namin, un famoso músico soviético de la década de los 70, se convirtió en el mánager de la banda. Gracias a la «Perestroika», impulsada en esos años, muchas bandas de rock pudieron salir de la clandestinidad ganando así mucha mas popularidad. Ese mismo año, la banda se fue de Rusia a los Estados Unidos en busca de un contrato discográfico. La banda hizo algunas conexiones en el negocio discográfico. Una de las primeras personas en fijarse en ellos fue el músico Frank Zappa, mientras que Jon Bon Jovi y Richie Sambora también les ayudaron a conseguir un contrato con Mercury Records además de componerles y producirles un tema para el álbum. La banda lanzó su álbum debut homónimo en 1989, con las iniciales «GP» estilizadas como una hoz y un martillo en la portada. Con la caída del Telón de Acero y un creciente interés por «lo soviético» en los países occidentales, Gorky Park alcanzó el éxito internacional. La banda parecía ser una especie de símbolo de la amistad estadounidense-rusa. El primer video de la banda, «Bang», recibió bastante difusión en MTV mientras que sus siguientes dos sencillos, «Try to Find Me» y el tema escrito por Jon y Richie «Peace in Our Time», sonaron asiduamente en las principales estaciones de radio. La banda continuó en 1990 de gira con Bon Jovi. Los espectáculos en vivo de Gorky Park presentaban a la banda vestida al estilo tradicional ruso (versión moderna, claro está) equipados con guitarras eléctricas con forma de balalaikas además de llenar en escenario de banderas soviéticas y estadounidenses. Cuando la era de la «Perestroika» llegó a su fin, la fama del grupo en Estados Unidos disminuyó con bastante rapidez. El vocalista Nikolai Noskov dejó la banda en 1990, pero Gorky Park permaneció activo y siguió lanzando álbumes en la década de 1990, con el bajista Alexander Minkov asumiendo el cargo de vocalista principal. «Moscow Calling» de 1992, producido por Fee Waybill, vendió 500.000 copias fuera de los Estados Unidos. Su siguiente álbum, «Stare», fue lanzado en 1996, pero solo en Rusia,al igual que su predecesor de 1998, «Protivofazza», ambos con un sonido totalmente aljedao del hard rock de sus dos primeros trabajos. Nunca se afirmó oficialmente que Gorky Park se disolviera, pero ha estado inactivo desde 2001. Sin duda uno de los mayores acontecimientos para Gorky Park fue su participación en el Moscow Music Peace Festival de 1991 junto a Bon Jovi, Mötley Crüe, Skid Row, Cinderella, Ozzy Osbourne y Scorpions. Gorky Park contribuyó con una versión de «My Generation» de The Who en el álbum recopilatorio del festival «Stairway to Heaven/Highway to Hell». Este álbum incluía a cada banda interpretando una canción de un artista que murió o una banda que perdió a un miembro por problemas de drogas. Y al igual que Gorky Park otra banda aportó un tema de The Who, los alemanes Scorpions.

Scorpions, banda que ya fue protagonista en otra entrada del blog https://rockencadena.home.blog/2020/11/05/programa-no23/ y que participó con la versión de The Who «I Can´t Explain» en el álbum recopilatorio de 1989 «Stairway to Heaven/Highway to Hell» casi al mismo tiempo que lanzaban su recopilatorio «Best of Rockers ‘n’ Ballads» donde volvía a aparecer este tema además de rarezas y material nunca antes lanzado. Todas las canciones de este álbum son de su periodo en Mercury Records, de 1979 a 1988. El disco fue lanzado con diferentes listados de canciones en diferentes regiones: La lista de canciones y los tiempos de ejecución de cada tema difieren entre las ediciones de EE.UU., Europa y Asia. La edición europea presenta 14 pistas en el L.P y 15 en el C.D., falta la versión original de «Hey You» que es reemplazada por un remix e incluye la versión de «China White», con un solo diferente, únicamente editado en las ediciones estadounidenses de «Blackout». La versión estadounidense y japonesa solo presenta doce pistas y omite la versión regrabada de «Is There Anybody There?» así como «Another Piece of Meat» y «China White», pero incluye la versión original (más larga y que se lanzó en 1980 como sencillo) de «Hey You», convirtiendo a este C.D. en el único donde se puede encontrar la versión original. La edición europea fue relanzada con el título «The Essential Scorpions» en 2003. «Best of Rockers ‘n’ Ballads» alcanzó el platino en los Estados Unidos. Scorpions lanzó su ultimo trabajo «Rock Believer» el 22 de febrero de 2022 en el Reino Unido y el 25 de febrero en el resto del mundo, convirtiéndose en el decimonoveno álbum de estudio de la banda y su primer álbum de estudio en siete años desde «Return to Forever» (2015), lo que lo convierte en la brecha más larga entre álbumes de estudio. «Rock Believer» es el primer álbum de estudio de la banda con el batería Mikkey Dee, quien reemplazó a James Kottak en 2016. Dee ha sido miembro de Mötorhead y King Diamond además de grabar y girar para gente como Don Dokken, John Norum y los compatriotas de Scorpions, Helloween.

Helloween, otra banda que también tuvo su episodio https://rockencadena.home.blog/2019/05/05/programa-no7/ y que al igual que con Scorpions hablaremos de este álbum en el que tocó Mikkey Dee llamado «Rabbit Don’t Come Easy», décimo álbum de estudio de la banda, lanzado en 2003. Es el primer álbum de Helloween con Sascha Gerstner (ex- Freedom Call) en las guitarras, quien reemplazó a Roland Grapow tras la finalización de la anterior gira, cuando junto al batería Uli Kusch fueron despedidos de Helloween. Ningún batería figura en la formación de la banda para este álbum. Mark Cross fue contratado para el puesto antes de grabar, pero solo logró completar dos pistas antes de verse obligado a irse debido a una mononucleosis. Mikkey Dee (de Motörhead en esos días) tocó el resto de las canciones del álbum. A pesar de una respuesta algo tibia al álbum, Helloween realizó una exitosa gira mundial, destacada por el regreso de canciones clásicas al set list de sus actuaciones. Además, la banda realizó una gira por los Estados Unidos por primera vez desde 1989, tocando ante miles de personas con entradas agotadas en casi todos los lugares. El álbum es una vuelta a los origines de la banda tras el controvertido trabajo anterior, «The Dark Ride» mucho mas oscuro. Al parecer tanto la banda como la compañía querían recuperar el típico sonido «happy, happy Helloween» característico de la banda. La versión japonesa del C.D. contiene una versión de Accept., «Fast as a Shark», interpretada por el nuevo batería de la banda, Stefan Schwarzmann ex batería precisamente de Accept y Running Wild. Con el batería que no pudo completar el álbum seguimos, Mark Cross y su paso por esta otra banda alemana llamada At Vance.

At Vance, banda alemana de power metal neoclásico creada por el guitarrista Olaf Lenk y el vocalista Oliver Hartmann en 1998. Un año después y junto a Rainald König (guitarra), Uli Müller (teclados), Jochen Schnur (bajo) y Spoony (batería y seudónimo de Mark Cross) publican su álbum debut «No Escape». El álbum tuvo bastante éxito en toda Europa, y su segundo trabajo, «Heart of Steel» de 2000 (con el nuevo batería Jurgen Lucas) se convirtió en un inesperado éxito en Japón. En 2001 se publica «Dragonchaser» de 2001, ultimo con su compañía de siempre Shark Records. Al año siguiente, la banda firmó con AFM Records, publicando su cuarto álbum «Only Human». En 2003 se producen varios cambios de personal, Mats Levén sustituye al vocalista Oliver Hartmann y Sascha Feldmann al bajista Jochen Schnur, publicando ese mismo año «The Evil in You». De nuevo en 2005 se producen cambios en la banda, Olaf prescinde del teclista y el guitarrista rítmico, asumiendo el esos roles, además de incorporar a un nuevo bajista, John ABC Smith, y un nuevo batería, Marck Cross (quien estuvo en la banda bajo el seudónimo de Spoony). Ese mismo año se púbica «Chained». «VII», publicado en mayo de 2007 presenta al joven cantante Rick Altzi en la voz, en sustitución de Mats Levén, con Olaf Lenk haciéndose cargo de los demás instrumentos al igual que en su siguiente álbum de 2009 «Ride the Sky», esta vez con el añadido del bajista Wolfman Black. 2010 ve la publicación de su primer «grandes éxitos», «Decade», un doble C.D. que además de sus mejores temas cuenta con versiones (que aparecen en sus álbumes), temas en vivo y rarezas. Su ultimo trabajo hasta la fecha, «Facing Your Enemy» de 2012 cuenta con Chris Hill al bajo y Casey Grillo en la batería, musico que actualmente graba y gira con los protagonistas de este episodio, Queensrÿche, con los que me despido de vosotros hasta otro episodio. Un saludo!!!!

Episodio Nº41

Bienvenidos y bienvenidas a una nueva entrada de Rock en Cadena. Dedicamos este episodio a una de las mejores bandas de AOR, originalmente creada como una banda de rock progresivo, flirteando incluso con el jazz fusión, se convirtieron en 1978 en una de las bandas comerciales de rock/pop más queridas (y a veces odiadas) de Estados Unidos cuando redefinieron su sonido adoptando arreglos pop en su cuarto álbum. Creadores de verdaderos himnos que sobrepasan el mundo del rock, ellos son Journey. Comenzamos.

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Formación.

Formados originalmente como Golden Gate Rhythm Section y con la intención de servir como grupo de respaldo para artistas reconocidos del Bay Area de San Francisco, se reunieron en 1973 bajo los auspicios del ex manager de Santana, Herbie Herbert. La banda incluía a los ex Santana Neal Schon en la guitarra y Gregg Rolie en los teclados y la voz principal. El bajista Ross Valory y el guitarrista rítmico George Tickner, ambos de Frumious Bandersnatch, completaron el grupo. Prairie Prince de The Tubes ocupó el puesto de batería. Tras una actuación en Hawái, la banda abandonó el concepto de «grupo de respaldo» y desarrolló un estilo cercano al jazz fusión. Después de un concurso fallido de radio en busca de un nombre para el grupo, el roadie John Villanueva sugirió el nombre Journey. La primera aparición pública de la banda se produjo en la víspera de Año Nuevo de 1973. Prairie Prince se reincorporó a The Tubes poco después, y el 1 de febrero de 1974, la banda contrató al batería británico Aynsley Dunbar, (David Bowie, Mothers of Invention).

«Unos primerizos Journey (1975)»

El 5 de febrero de 1974, la nueva formación hizo su debut en el Great American Music Hall frente a los ejecutivos de Columbia Records asegurándose tras la presentación un contrato de grabación con el sello, además de actuaciones por el Bay Area. Journey lanzó su álbum debut homónimo en abril de 1975 entrando en las listas Billboard en el número 138. Este trabajo es una mezcla de jazz/rock progresivo. El guitarrista rítmico George Tickner dejó el grupo debido a la gran cantidad de giras que la banda estaba haciendo para promocionar el álbum, lo que le permitió a Schon asumir todas las funciones de guitarra. Su segundo trabajo «Look into the Future» , algo menos progresivo, se lanzó en enero de 1976 y entró en las listas Billboard Top 200 en el número 100. La banda promocionó el álbum con una presentación de dos horas en el Teatro Paramount de Seattle. El tercer álbum de estudio de Journey, «Next», lanzado en febrero de 1977, fue producido por la propia banda (al igual que el anterior) y se ubicó en el número 85 del Billboard Top 200. El sonido del álbum, mucho más comercial, mantenía sus raíces de jazz fusión y rock progresivo. Sin embargo, las ventas no mejoraron y Columbia Records estuvo a punto de despedir a la banda.

Nuevos miembros y cambio de estilo.

Debido a las escasas ventas de álbumes de Journey, Columbia Records recomendó que cambiaran su estilo musical y agregaran un vocalista para compartir la voz principal con Rolie. La banda contrató a Robert Fleischman y cambió a un estilo más popular, similar al de Foreigner y Boston. En 1977 Fleischman estuvo de gira con Journey abriendo para bandas como Black Sabbath, Target, Judas Priest y Emerson, Lake & Palmer. Las diferencias entre Fleischman y el manager Herbie Herbert dieron como resultado la salida de Fleischman de la banda ese año. Journey contrató a Steve Perry como su nuevo cantante principal. Herbie Herbert, el mánager de la banda, contrató a Roy Thomas Baker como productor para agregar a la banda un sonido similar al de la banda anterior de Baker, Queen. El cuarto álbum de estudio de la banda, «Infinity», lanzado en enero de 1978, alcanzó el puesto 21 en la lista Billboard. La banda se embarcó en una gira en apoyo del álbum, actuando por primera vez como cabezas de cartel.

«Steve Perry, sin duda la voz de Journey»

Según el manager de la banda, Herbie Herbert, hubo desacuerdos entre Aynsley Dunbar y la banda debido al cambio en la dirección musical del grupo. Dunbar comenzó a tocar de manera errática y a hablar despectivamente de los otros miembros. Tras la gira, el manager de la banda despidió a Dunbar, quien fue reemplazado por el batería graduado en Berklee y miembro de Montrose, Steve Smith. Su quinto álbum de estudio «Evolution», lanzado en marzo de 1979, alcanzando el número 20 en la lista Billboard. El álbum, le dio a la banda su primer sencillo en Top 20 de la lista Billboard Hot 100. La gira en apoyo del álbum recaudo más de 5 millones de dólares. Ese mismo año se lanzó el primer recopilatorio de la banda «In the Beginning» con temas de los primeros tres álbumes del grupo. En marzo de 1980 se lanzó «Departure», que alcanzó el puesto número 8 en la lista Billboard. El primer sencillo del álbum, «Any Way You Want It», alcanzó el puesto 23 en el Billboard Hot 100.

«Dream, After Dream», lanzado en 1980 es el álbum de la banda sonora de la película de fantasía japonesa «Yume, Yume No Ato», dirigida por el diseñador de moda Kenzo Takada. La banda sonora eclipsó totalmente a la propia película, que gozó de poca fama. El álbum fue una desviación significativa del hard rock que caracterizó a los tres álbumes anteriores de la banda, remontándose a sus comienzos de rock progresivo y basándose en una musicalidad e instrumentales mas complejas. El teclista Gregg Rolie dejó la banda después de la gira de «Departure». Stevie «Keys» Roseman fue contratado para grabar la única pista de estudio que aparece en el álbum en vivo de la banda «Captured» lanzado el 30 de enero de 1981. El álbum alcanzó el número 9 en la lista de álbumes Billboard 200, vendiendo dos millones de copias. El álbum fue grabado durante la gira «Departure» de 1980. Este fue el último álbum de Journey para el teclista y fundador Gregg Rolie, quien sugirió a Jonathan Cain de The Babys como su reemplazo, convirtiéndose en el nuevo miembro de la banda.

«Cain, Valory, Schon Perry y Smith, sin duda la formación mas clásica de Journey»

Lanzado en 1981, «Escape» (escrito como E5C4P3 en la portada del álbum) encabezó la lista Billboard 200 además de «colar» cuatro sencillos en la lista Billboard Hot 100: «Don’t Stop Believin'» ( Nº 9), «Who’s Crying Now» (Nº 4), «Still They Ride» (Nº 19) y «Open Arms» (Nº2). En julio de 2021, «Escape» fue certificado diamante en EE.UU, convirtiéndolo en el álbum de estudio más exitoso de la banda y el segundo en general detrás de «Greatest Hits». Además de su gira como cabezas de cartel Journey abrió para The Rolling Stones el 25 de septiembre de 1981. . MTV grabó en uno de sus dos shows que la banda realizó en Houston el 6 de noviembre de 1981, frente a más de 20.000 fans, mas tarde se lanzaría en DVD.

Tras el éxito de la gira de 1981, se formó un club de fans oficial llamado «Journey Force». Mientras continuaba de gira en 1982 Journey lanzó «Only Solutions» y «1990s Theme» para la película de Disney de 1982 «Tron». «Frontiers», octavo álbum de estudio de Journey se lanzo en febrero de 1983. El álbum alcanzó el número 2 en la lista Billboard 200 y obtuvo cuatro sencillos entre los 40 principales: «After the Fall»(N°23), «Send Her My Love» (Nº23), «Faithfully» (N°12), y «Separate Ways (Worlds Apart)» (Nº8). El álbum lograría la certificación de seis veces platino en Estados Unidos además de convertirse el álbum de la banda que más alto llego en las listas del Reino Unido, alcanzando el número 6 en la lista de aquel pais. Con el álbum a punto de lanzarse el A&R de Journey, Michael Dillbeck, decidió sustituir dos canciones de la grabación original, «Ask the Lonely» y «Only the Young». Estas dos pistas fueron reemplazadas por «Back Talk» y «Troubled Child». «Ask the Lonely» se utilizó en la banda sonora de la película «Two of a Kind». «Only the Young» entró en el Top Ten dos años después, como parte de la banda sonora de la película «Vision Quest». Journey comenzó la gira en Japón y continuó en América del Norte con Bryan Adams como telonero. Durante la gira, se grabó un video documental de su vida en la carretera, titulado «Frontiers and Beyond» , filmando escenas en el estadio JFK en Filadelfia, ante más de 80.000 fans. Después de la gira la banda se tomó un tiempo libre, algo que hizo saltar las alarmas sobre una posible separación de la banda.

«De ninguna manera Journey terminará. Estamos demasiado comprometidos con esta banda para permitir que eso suceda. De hecho, uno de las razones por las que decidimos ir en direcciones separadas por un tiempo fue para mantener a la banda tan fuerte como siempre».

Neal Schon

Tres años después de su anterior trabajo, Journey lanzó en abril de 1986 «Raised on Radio». El álbum llegó al Nº4 en la lista Billboard 200 y fue certificado doble platino en los EE.UU. con tres sencillos en el top 20: «Girl Can’t Help It» (Nº17), «I’ll Be Alright Without You» (Nº14) y «Suzanne» (Nº17). También colocó un sencillo entre los diez primeros «Be Good to Yourself» (Nº9) [5] Llegó al No. 4 en la lista Billboard 200. La banda decidió que Perry era el más adecuado para producir el álbum lo que hizo que comenzara a tomar más control sobre la dirección de la banda. Perry cambió el título original del álbum de «Freedom» a «Raised on Radio», lo que provocó el enfado de Herbert y algunos de los miembros del grupo ya que variaba la temática de nombrar sus álbumes con una sola palabra. El bajista Ross Valory y el bateria Steve Smith fueron despedidos de la banda, en contra de los deseos del manager Herbie Herbert.

«No estaban contentos con el tipo de música que tocábamos y no estaban muy interesados ​​en hacer giras»

Steve Perry sobre Valory y Smith

«Hubo mucha presión para hacerlo de la manera que Steve Perry quería, con lo cual tuve muchos problemas porque sentí que debería ser un disco grupal, como todos los discos anteriores»

Steve Smith

Valory y Smith fueron reemplazados por varios músicos de estudio para la grabación del álbum, Randy Jackson y Bob Glaub en el bajo y Larrie Londin y Mike Baird en la batería. La gira comenzó en en agosto de 1986 y realizaría espectáculos con entradas agotadas en todo Estados Unidos antes de concluir con dos espectáculos en Anchorage a principios de 1987. La gira contó con Randy Jackson en el bajo y Mike Baird en la batería, y fue grabada en video por MTV para un documental que incluía entrevistas con los miembros de la banda que se llamó, al igual que el álbum, «Raised on Radio». Tras la conclusión de la gira y con las tensiones entre Perry, la banda y el mánager de la banda, Herbie Herbert, en su punto más alto, Perry no pudo o no quiso seguir participando activamente en la banda cansado de la gira, ya que estaba afectando su salud y su voz. La banda hizo una pausa después de la gira y Columbia Records lanzó en noviembre de 1988 el recopilatorio «Greatest Hits», que se convirtió, además del álbum mas vendido de la banda, en uno de los álbumes de grandes éxitos más vendidos de la historia con más de 15 millones de copias vendidas y que a día de hoy continua vendiendo entre medio millón y un millón de copias por año. El álbum pasó 750 semanas en las listas de álbumes de Billboard hasta 2008 más que cualquier otro álbum recopilatorio en la historia, a excepción de Legend de Bob Marley and the Wailers. A 19 de abril de 2022 el álbum registro 1348 semanas en la lista de álbumes de Billboard. El 22 de abril de 2008, Greatest Hits consiguió ser 15 veces Platino en USA por ventas de 15 millones de copias en los Estados Unidos. 1 de diciembre de 1992 se lanzó la caja «Time 3» (también conocido como Time Cubed ), un recopilatorio de tres CD de con pistas de estudio y en vivo ordenadas cronológicamente, además se incluye un folleto que documenta la historia de la banda y los detalles de cada canción. La caja también incluye varias canciones inéditas de Journey, versiones alternativas y demos.

Segunda reunión y mas cambios.

Perry tomó la decisión de reunirse con Journey con la condición de que Herbie Herbert dejara de ser el mánager de la banda. En octubre de 1995 el grupo contrató a Irving Azoff, mánager de Eagles durante mucho tiempo, como nuevo mánager de la banda. Los antiguos miembros Steve Smith y Ross Valory se reunieron de nuevo a Journey. Su nuevo álbum, «Trial by Fire» fue lanzado a finales de octubre de 1996, alcanzando el número tres en las listas de álbumes Billboard 200, siendo certificado platino. El sencillo «When You Love a Woman» alcanzó el número 12 en las listas Billboard Hot 100, y fue nominado en 1997 a un premio Grammy a la Mejor Interpretación Pop de un Dúo o Grupo Vocal. Otros tres singles entraron en el top 40 de rock (Nº18, Nº33 y Nº38). A pesar de ello, «Trial by Fire» fue el álbum peor vendido de Journey ya que no logró igualar el encanto de trabajos anteriores de la banda. Schon admitiría más tarde que el álbum tenía demasiadas baladas y que los fans querían escuchar un sonido mas rock.

«Incluso en nuestro último disco, Trial By Fire, muchas de los temas de rock se archivaron y terminaron siendo como veinte baladas, no sé cuántas baladas»

Neal Schon

«Trial by Fire» es el único álbum de Journey que no fue acompañado de una gira (originalmente programada para el verano y el otoño de 1997). Perry descubrió un año antes que tenía una afección ósea degenerativa y no podía actuar sin una cirugía de reemplazo de cadera, a la que durante algún tiempo se negó a someterse, mas tarde admitió que tenía otros problemas físicos. De hecho el accidente provocó el retraso de la fecha de lanzamiento del álbum. La banda estaba inquieta por esperar una respuesta de Perry con respecto a la gira, la cual no habría comenzado hasta más de un año después del lanzamiento del álbum. Debió a las disputas sobre la gira, y tras una llamada telefónica entre Cain y Perry, este anunció que dejaría Journey, pensando que lo estaban obligando a irse debido a la presión de hacer una gira lo antes posible, ya que el no estaba seguro de someterse a la cirugía necesaria, tomando además la decisión de retirarse parcialmente del negocio de la música, desapareciendo nuevamente del ojo público. Steve Smith también dejaría la banda, alegando que Journey no sería Journey sin Perry. El segundo álbum en vivo de Journey «Greatest Hits Live» se lanzó 24 de marzo de 1998, con grabaciones realizadas entre 1981 y 1983. El álbum alcanzó el puesto 79 en la lista Billboard 200 de EE.UU.

«Castronovo (atrás) y Augery (segundo por la derecha)»

Para reemplazar a Steve Smith la banda contrató al batería Deen Castronovo. Después de audicionar a varios candidatos de «alto nivel», como Geoff Tate (Queensryche), Kevin Chalfant (The Storm) y John West (Artension), Journey reemplazó a Perry por Steve Augeri (Tyketto y Tall Stories), grabando con el «Remember Me», tema que aparecería en la banda sonora de la película de 1998 «Armageddon». El primer álbum con la nueva formación fue «Arrival» , lanzado en Japón a finales de 2000, seguido del lanzamiento norteamericano en abril de 2001. El álbum alcanzó el puesto 56 en las listas de Billboard. El sencillo del álbum «All the Way» pasó 13 semanas en las listas Billboard, alcanzando el puesto 22, pero no logró impulsar las ventas del álbum que tan solo alcanzó el puesto 56 en la lista de álbumes de Billboard. «Arrival» fue el primer álbum de la banda en convertirse en disco de oro desde «Next» de 1977, esto se consideró una decepción con opiniones encontradas con respecto al álbum, un intento de dar con un himno rock mezclado con baladas sin ningún resultado, lo que hizo que Sony/Columbia sacara a la banda de su sello.

«¡¡Hollywood!!«

En 2002 Journey editó bajo su propio sello, Journey Music, su primer E.P. titulado «Red 13», grabado por la banda como agradecimiento a sus fans por apoyar a Journey, y lanzado únicamente en su pagina web para más tarde, y con una portada diferente, lanzarlo para la venta minorista. «Greatest Hits DVD 1978–1997 – Music Videos and Live Performances» es el segundo DVD de Journey. Fue lanzado en 2003 y contiene videos musicales y actuaciones en vivo con el vocalista principal Steve Perry. Este DVD es el más vendido de Journey, siendo cuatro veces Platino desde su lanzamiento. En 2005, los miembros de Journey fueron incluidos en el Paseo de la Fama de Hollywood junto con los ex miembros Perry, Dunbar, Tickner, Steve Smith y Fleischmann. Rolie fue el único miembro que no apareció en la ceremonia.

El 29 de agosto en Europa y el 4 de octubre en América del Norte, Journey lanzó su duodécimo álbum de estudio, «Generations». El álbum alcanzó el puesto 170 en las listas de Billboard. Para promocionar el álbum y celebrar el 30 aniversario de la banda, Journey se embarcó en una gira que comenzó en en junio y concluyó en octubre. Cada concierto de la gira duró tres horas con un intermedio, repasando temas clásicos y nuevos. En 2006, la banda realizó una gira por Europa y luego se unió a Def Leppard en una gira por América del Norte. Sin embargo, durante las giras, comenzaron los rumores sobre que Augeri no estaba cantando, sino que estaba usando pistas de acompañamiento para «tapar» su voz deteriorada, lo que provocó criticas por parte de los fans. Augeri había estado sufriendo problemas de desgaste vocal antes de que la banda comenzara la gira con Def Leppard. El ex manager de Journey, Herbie Herbert, insiste en que la acusación era cierta. Por el contrario Valory negó las acusaciones, afirmando que se trataba de un falso rumor y que la voz de Augeri estaba bien. En un comunicado de prensa, la banda anunció más tarde que Augeri tuvo que renunciar como cantante principal de Journey y dejar la gira para recuperarse. Augeri realizó su último show con la banda el 4 de julio de 2006.

«Paso efímero el de Soto por Journey»

Con la exitosa gira aún en curso, la banda se apresuró a contratar como su vocalista principal a Jeff Scott Soto (Yngwie Malmsteen, Talisman). Actuó como vocalista de Journey por primera vez el 7 de julio de 2006. La gira, por su éxito y popularidad se extendería posteriormente hasta noviembre. Más tarde, Soto sería anunciado oficialmente como el nuevo vocalista de la banda en diciembre de 2006. Pero sorprendentemente después de giras por Europa y Estados Unidos en 2007, la banda anunció el 12 de junio de ese mismo año que Soto ya no estaba con ellos.

Nuevo vocalista y un pequeño resurgir.

De nuevo Journey volvió a quedarse sin vocalista principal. Neal Schon comenzó a buscar en YouTube un nuevo vocalista hasta dar con Jeremey Hunsicker de la banda tributo a Journey «Frontiers» quien probó con la banda llegando incluso a pasar una semana escribiendo material con ellos. Hunsicker afirma que se le ofreció formalmente el puesto, pero fracasó poco después debido a problemas entre el y Schon. Una de las pistas coescritas con Hunsicker, «Never Walk Away», aparecería más tarde en el álbum «Revelation». De nuevo en su búsqueda, Schon encontró al cantante filipino Arnel Pineda, vocalista de la banda de versiones The Zoo. Schon quedó tan impresionado con una de las interpretaciones de Arnel de un tema de Journey que se puso en contacto con el para programar dos días de audiciones. La prueba satisfactoria, y el 5 de diciembre de 2007 se convirtió en el vocalista principal de Journey. Aunque Pineda no fue el primer extranjero en convertirse en miembro de Journey (el ex batería Aynsley Dunbar es británico), ni siquiera el primero no blanco (el bajista Randy Jackson es afroamericano), su reclutamiento hizo que algunos fans de Journey hicieran comentarios racistas hacia el nuevo vocalista.

«Nos hemos convertido en una banda mundial. Ahora somos internacionales. No somos de un solo color».

Jonathan Cain sobre los comentarios racistas hacia Arnel Pineda

Con Pineda como vocalista, Journey lanzó «Revelation», lanzado en los Estados Unidos el 3 de junio de 2008 por Nomota LLC (el sello discográfico personal de Schon) exclusivamente a través de Wal-Mart, y en Europa el 6 de junio de 2008 a través de Frontiers Records. Además, Wal-Mart también lanzó un reproductor de MP3 ZVUE de 1 gigabyte de edición limitada precargado con los discos 1 y 2 de «Revelation». El álbum cuenta con 11 canciones nuevas («Faith in the Heartland» se grabó previamente con Steve Augeri ), 11 grandes éxitos regrabados (todos con Pineda) y un DVD (solo versión norteamericana) grabado el 8 de marzo de 2008 en un concierto en Las Vegas con la formación en ese momento de la banda. El álbum debutó en el N°1 en la lista de álbumes independientes de Billboard, en el Nº2 en la lista de álbumes de rock de Billboard y en el Nº5 en el Billboard 200, donde permaneció durante 42 semanas. El álbum no solo fue un gran éxito en los Estados Unidos, sino que también llegó a las listas de 9 países diferentes.»Revelation» vendió más de 196.000 unidades en sus primeras dos semanas y permaneciendo en el top 20 durante seis semanas. El 18 de diciembre de 2008, el álbum fue certificado platino en USA, convirtiéndolo en la primera certificación de Journey desde su álbum de 1996 «Trial by Fire».

La banda comenzó la gira en el Reino Unido en junio, continuando en América del Norte, Asia, Europa y América del Sur, concluyendo la primera etapa de esta en octubre. Los ingresos de la gira de 2008 fueron de más de 35. millones de dólares, convirtiéndose en una de las giras más taquilleras del año. Journey actuó en el espectáculo previo de la Super Bowl XLIII en Tampa, el 1 de febrero de 2009. La banda continuó su gira en mayo y la concluyó en octubre de 2009. Durante la gira se grabó el show en Manila, frente a 30.000 fans, publicado como «Live in Manila» el 2 de octubre de 2009 exclusivamente a través de Walmart en América del Norte. La banda interpreta más de dos horas de concierto. «Live In Manila» también documenta el regreso a casa del actual vocalista principal de la banda, Arnel Pineda. El 15 de octubre de 2009, el DVD debutó en el número 1 en las listas de videos de Billboard. El 9 de septiembre de 2016, Eagle Rock Entertainment, relanzó el álbum en un solo DVD, un Blu-ray y doble CD. «Eclipse» (escrito como ECL1P53), decimocuarto álbum de estudio de Journey, fue lanzado en los Estados Unidos (exclusivamente en Wal-Mart) y Canadá el 24 de mayo de 2011, el 27 de mayo de 2011, en Japón, el 30 de mayo de 2011 en el Reino Unido e internacionalmente el 3 de junio de 2011. El álbum vendió 21.400 copias en los Estados Unidos en su semana de debut, alcanzando el número 13 en la lista Billboard 200, siendo el segundo álbum consecutivo en entrar en el Top 20. A nivel internacional, «Eclipse» ingresó a las listas de álbumes Top 40 en cinco países diferentes. A pesar de las altas posiciones en las listas, descendió rápidamente de ellas en cuestión de semanas. «Eclipse» no pudo igualar el éxito de «Revelation», vendiendo apenas 100.000 copias, una octava parte de las ventas del álbum anterior. El grupo vio su falta de éxito como un revés en su carrera. Se volvieron escépticos de grabar un nuevo álbum, centrándose principalmente en shows en vivo.

El 1 de noviembre de 2011, (23 años después de «Greatest Hits») Columbia Records lanzó en CD, descarga digital y en una edición de doble vinilo desplegable, «Greatest Hits 2», con los éxitos que quedaron fuera del primer recopilatorio de 1988. El 8 de marzo de 2013, se estrenó el documental «Don’t Stop Believin’: Everyman’s Journey», dirigida por Ramona S. Diaz, que narra el descubrimiento de Arnel Pineda y su primer año con Journey. En junio de 2015, Deen Castronovo fue arrestado tras un altercado doméstico lo que hizo que fuera despedido de la banda en agosto de ese año, siendo reemplazado por Omar Hakim para el resto de la gira. En 2016, Steve Smith regresó nuevamente como batería de Journey, reuniendo a todos los miembros de la formación «Escape-Frontiers-Trial by Fire» excepto el cantante principal Steve Perry. En 2018, durante la gira norteamericana con Def Leppard, Journey encabezó la lista Billboard Hot Tours por recaudar más de 30 millones de dólares en 17 espectáculos.

Mas cambios… y mas disputas.

El 3 de marzo de 2020, Schon y Cain anunciaron que habían despedido a Smith y Valory, además de demandarlos por más de 10 millones de dólares por daños y perjuicios por un supuesto «intento de golpe de estado corporativo» afirmando que el dúo había “destruido la química, cohesión y los vínculos que la banda necesitaba para tocar”. La demanda alegaba que Smith y Valory intentaron asumir el control de Nightmare Productions (la entidad de eventos creada en diciembre de 2019 por el ex manager de Journey Herbei Herbert,) creyendo que esta controlaba el nombre y la marca de Journey en un intento de «mantener el nombre de Journey como rehén y beneficiarse, asegurándose unos ingresos después de que dejaran de actuar». Sin embargo, el ex cantante Steve Perry había firmado un acuerdo con Schon y Cain en 1998 que les otorgaba «el derecho único, exclusivo e irrevocable de controlar la marca Journey, incluido el nombre de Journey«. Valory y Smith impugnaron los despidos, con el apoyo del ex gerente Herbie Herbert y el ex cantante principal Steve Perry. Los documentos judiciales revelaron que a Steve Perry se le había pagado como miembro de la banda durante años a pesar de no actuar. Valory presento su propia demanda, afirmando que las alegaciones de sus ex-compañeros “no tenían base legal” y que las acciones de Schon y Cain habían sido “atroces”, causándole “una severa aflicción emocional”, además reclamó ser parte de la propiedad de la marca comercial y el nombre de Journey, cuando esa asociación, Elmo Partners, era solo el licenciatario de la marca de 1985 a 1994, cuando Herbie Herbert de Nightmare Productions, propietarios de la marca y el nombre, rescindió la licencia. Valory también demandó a Schon por usar similitudes con la marca y el nombre de Journey para su proyecto paralelo, Neal Schon: Journey Through Time. En una carta abierta, Schon y Cain declararon que Smith y Valory «ya no son miembros de Journey; y que Schon y Cain han perdido la confianza en ambos y no están dispuestos a volver a actuar con ellos». Trece meses después, las dos partes llegaron a un acuerdo, cuyos términos no fueron revelados.

«Los miembros de la banda Journey que fueron partes en una demanda reciente (Neal Schon, Jonathan Cain, Steve Smith y Ross Valory) se complacen en anunciar que han resuelto sus diferencias y llegado a un acuerdo de solución amistosa. Neal Schon y Jonathan Cain reconocen las valiosas contribuciones que tanto Ross Valory como Steve Smith han hecho a la música y al legado de Journey. Ross Valory y Steve Smith les desean a sus antiguos compañeros de banda lo mejor y mucho éxito en el futuro. Journey espera continuar con la gira y hacer nueva música para sus fans de todo el mundo».

Comunicado de Q Prime (oficina de management de Journey).

En mayo de 2020, Schon y Cain anunciaron que el bajista Randy Jackson volvería a unirse a la banda reemplazando a Valory y al batería Narada Michael Walden como nuevo miembro oficial de Journey reemplazando a Smith. El sencillo adelanto de su nuevo trabajo, «The Way We Used to Be», fue lanzado el 24 de junio de 2021. En julio de 2021, Schon confirmó que Deen Castronovo, que anteriormente había estado en la banda, se reincorporaba de nuevo como segundo batería, también, ese verano el bajista Marco Mendoza sustituyó a Randy Jackson mientras este se recuperaba de una cirugía de espalda. El 1 de diciembre de 2021 Journey inició su residencia de un mes en The Theatre de Virgin Hotels en Las Vegas. El 16 de febrero de 2022, la banda anunció el título y la lista de canciones de su nuevo álbum de estudio «Freedom», que se lanzará el 8 de julio de 2022. El álbum ha sido grabado por Neal Schon, Arnel Pineda y Jonathan Cain junto con el batería y productor Narada Michael Walden, el bajista Randy Jackson y el teclista y cantante Jason Derlatka. El 1 de marzo de 2022, Cain confirmó que tanto Walden como Jackson ya no formaban parte del grupo. El segundo sencillo del álbum «You Got the Best of Me» fue lanzado el 26 de abril de 2022. Actualmente Journey, que cuentan con un segundo teclista llamado Jason Derlatka y con un nuevo bajista, Todd Jensen (David Lee Roth, Alice Cooper), se encuentra de gira junto a Toto.

Las canciones Journey se han mencionado o han aparecido en numerosas películas, series de televisión, videojuegos e incluso en Broadway. Las canciones de la banda han sido versionadas por varios artistas y adoptadas por equipos deportivos. En particular, «Don’t Stop Believin'» se escuchó en el episodio final de «Los Soprano», ha sido adaptada por la serie de televisión «Glee», cantada por el elenco de «Family Guy» (Padre de familia), interpretada en el musical de Broadway (y la película) «Rock of Ages» y adoptado como el himno no oficial de los equipos Chicago White Sox y San Francisco Giants, campeones de las Series Mundiales de la Major League Baseball’s de 2005 y 2010 respectivamente.

Las ventas de Journey han dado como resultado veinticinco álbumes de oro y platino, además del álbum «Greatest Hits» de 1988, que recibió quince veces platino en USA, obteniendo así la certificación de Diamante. Han tenido diecinueve sencillos Top 40 en los EE.UU. (La segunda mayor cantidad sin un sencillo número uno de Billboard Hot 100 detrás de Electric Light Orchestra con 20), seis de los cuales alcanzaron el Top 10 de la lista de EE.UU. y dos de los cuales alcanzaron el Nº1 en otras listas de Billboard, ademas de alcanzar el Nº6 en la lista de singles del Reino Unido con «Don’t Stop Believin'». En 2005, «Don’t Stop Believin'» alcanzó el número 3 en las descargas de iTunes. Originalmente creada como una banda de rock progresivo, Journey redefinió su sonido adoptando arreglos pop en su cuarto álbum «Infinity» de 1978, ganándose una reputación como una de las bandas comerciales de rock/pop más queridas (y a veces odiadas) de Estados Unidos. Journey ha vendido 48 millones de álbumes en los EE.UU., lo que los convierte en la banda número 25 con mayores ventas. Sus ventas mundiales han alcanzado más de 80 millones de discos, lo que los convierte en una de las bandas más vendidas de todos los tiempos. Journey es sin duda una de las mejores (para mi la mejor) bandas de AOR, o como dicen en américa Rock Arena, de todos los tiempos. La mezcla de voces, melodías, guitarras de hard rock y virtuosismo difícilmente han sido o puedan ser igualadas por ninguna otra banda. Journey ha contado y cuenta con músicos de un nivel excepcional, como es le caso de su guitarrista y fundador Neil Schon, con el que podríamos ir enlazando bandas y proyectos en los que ha participado y dedicar el blog enteramente a el, pero eso seria bastante aburrido (aunque ya os adelanto que aparecerá en varias ocasiones en el blog), así que continuamos con esta banda en la que militó llamada Hardline.

Banda creada por los hermanos Johnny Gioeli y Joey Gioeli, voz y guitarra respectivamente, quienes anteriormente tocaron en las bandas Killerhit y Brunette, además de aparecer en la película «Smash Crash and Burn» como la banda Royal Smash, película dirigida por Roman Coppola, hijo del director Francis Ford Coppola, y que nunca fue estrenada. Hardline también incluía al guitarrista Neal Schon, el bajista Todd Jensen y el batería Deen Castronovo. Su álbum debut «Double Eclipse» fue lanzado el 28 de abril de 1992 y fue bien recibido por el público, además de contar con una gran difusión en emisoras de radio, teniendo en cuenta el cambio de dirección musical en esos días. Dos de las canciones del grupo aparecen en la película «Rapid Fire» a petición de su protagonista, el hijo de Bruce Lee, Brandon Lee. Otro de sus temas apareció en un episodio de la serie de televisión «Baywatch». Aunque actuaron principalmente como teloneros de otros artistas, también hicieron sus propios espectáculos e incluso se hicieron planes para una gira por Japón y Europa, pero fracasaron después de que la banda se separase a finales de 1992 debido a problemas con su manager y Neal Schon, mientras grababan las canciones para un segundo álbum. Diez años después del álbum debut de Hardline se lanza en 2002 «II», segundo álbum de la banda inicialmente llamado «Hyperspace», pero el vocalista Johnny Gioeli decidió cambiar el nombre a simplemente «II». El álbum, que en principio iba a ser gravado por el virtuoso guitarrista Joey Tafolla, fue grabado por el batería Bobby Rock, el bajista Christopher Maloney, el ex teclista de Angel, Michael T. Ross y el guitarrista Josh Ramos ademas de los hermanos Gioeli. El 2 de junio de 2002 Hardline fue el cabeza de cartel del Gods Festival celebrado en Bradford, Inglaterra. La banda trató de revivir la formación original de Hardline para la actuación, pero las cosas no salieron según lo planeado. El productor de «II» Bob Burch tocó el bajo en el festival en lugar de Christopher Maloney .En 2003 esa actuación se editó en DVD y CD. «Leaving the End Open», tercer álbum de estudio de Hardline, fue lanzado el 17 de abril de 2009 en el Reino Unido y el 2 de mayo en los Estados Unidos. Este álbum cuenta con dos nuevos miembros, Jamie Brown en el bajo y Atma Anur en la batería. Joey Gioeli, quien iba a contribuir con letras y guitarras rítmicas, se retiró de la industria de la música antes de la grabación del álbum, dejando a su hermano Johnny como único miembro original de Hardline. Lanzado el 18 de mayo de 2012 por Frontiers Records, «Danger Zone» contó con la incorporación del teclista y productor italiano Alessandro Del Vecchio, fan de Hardline, quien escribió y compuso canciones con la voz de Gioeli específicamente en mente, y luego procedió a grabar demos para enviárselos al presidente de Frontiers Records, Serafino Perugino quien tras escuchar y aprobar las demos, se las envió a Gioeli, quien de inmediato se interesó en reformar Hardline y grabar las canciones para un nuevo álbum. A Gioeli y Del Vecchio se unieron Thorsten Koehne a la guitarra, Anna Portalupi al bajo y Francesco Jovino a la batería. El 14 de octubre de 2016, Hardline lanzó su quinto álbum llamado «Human Nature» con el regreso del guitarrista Josh Ramos. El 6 de mayo de 2018, se anunció que Josh Ramos dejaría Hardline debido a diferencias creativas y a conflictos por motivos de producción. Ramos fue reemplazado por el guitarrista Mario Percudani. El CD y DVD en vivo, lanzado en febrero de 2020, «Life Live'» fue grabado y filmado en 2019 en el Frontiers Rock Festival de Milán, Italia. Su ultimo trabajo «Heart, Mind and Soul», lanzado el 9 de julio de 2021 cuenta con la incorporación de Marco Di Salvia en la batería. Y precisamente otro batería, el primero que tuvo la banda, nos lleva a la siguiente banda, el magnifico Deen Castronovo y Bad English.

Tras la disolución de Journey Jonathan Cain y el guitarrista Neal Schon, formaron en 1987 Bad English, junto al vocalista John Waite, el bajista Ricky Phillips, que había tocado el bajo para The Babys en dos álbumes con Waite and Cain, y el batería Deen Castronovo. Su álbum debut homónimo fue un éxito de ventas gracias al sencillo «When I See You Smile», que alcanzó el Nº1 en la lista Bilboard Hot 100. El sencillo fue certificado oro en EE.UU. mientras que el álbum fue certificado platino. El álbum tuvo otros dos éxitos en el top 40, «Price of Love» y «Possession», que alcanzaron el puesto 5 y 21, respectivamente. El primer sencillo del álbum, «Forget Me Not», se estancó fuera del Top 40 en el puesto 45, pero alcanzó el puesto Nº2 en la lista Mainstream Rock. Uno de los temas del álbum aparece durante los créditos de la película «Tango & Cash» de 1989, protagonizada por Sylvester Stallone y Kurt Russell. El segundo álbum de la banda, «Backlash», de 1991, pasó totalmente desapercibido. El único sencillo no entro en el top 40, únicamente alcanzando el puesto 42. Ricky Phillips declaró que el grupo se separó antes de que se mezclara el segundo álbum. Tanto Phillips como el guitarrista Neal Schon querían un toque más duro en las canciones de la banda, expresando su frustración con el «aire pop» que al final tuvieron. Por el contrario el vocalista John Waite declaró que, aunque le encantaba tocar para grandes audiencias, se sentía incómodo con la imagen de glam/rock que la banda presentaba. Al final, todo esto resultó ser la perdición de la banda, ya que todos se fueron para dedicarse a otros proyectos. Ya que hablamos de «supergrupos» vamos con este otro en el que participó el bajista Ricky Phillips, Elements of Friction.

Otra «superbanda» o proyecto de músicos talentosos formado por Robin McAuley a la voz (MSG, Grand Prix), Ricky Phillips al bajo (Bad English, Coverdale/Page, The Babys), Tommy Aldrich a la batería (Ozzy Osbourne, Whitesnake) y Marcus Nand ,(Freak Of Nature) mientras que Neal Schon y Jonathan Cain (Journey, Bad English), Dann Huff (Giant), John Waite (Bad English), James Christian y Gregg Giuffria (House Of Lords) y otros, son el equipo de composición de canciones. Su álbum debut homónimo se editó en 2001 y a no ser que seas muy fan de bandas con un sonido mas cercano al AOR que al hard rock este trabajo te parecerá bastante «flojito», aun así con el elenco de músicos que participan tanto en la ejecución como en la composición, los temas son unas autenticas joyas dentro del estilo. Y ya que estamos con «proyectos» continuamos con este creado por el mítico batería Tommy Aldrich y este «supergrupo» llamado M.A.R.S.

Proyecto formado en 1985 por una de las secciones rítmicas mas conocidas y reputadas del heavy metal/hard rock la compuesta por el batería Tommy Aldridge y el bajista Rudy Sarzo. Llamados en principio Driver, la primera encarnación de la banda contaba con Kurt James (Steller, Stryper) a la guitarra y Jeff Scott Soto a la voz, quienes pronto abandonan la banda siendo reemplazados por Jeff Fenholt, vocalista conocido por interpretar a Jesús en el musical de Broadway «Jesucristo Superstar» y haber grabado maquetas con Tony Iommi para Black Sabbath, y el guitarrista Craig Goldy (Giuffria). Tras la grabación de una demo Fenholt decide probar suerte en solitario y Glody pasa a formar parte de la banda de Dio dejando de nuevo a Sarzo y Aldridge sin musicos para su proyecto. Con la ayuda de Mike Varney, productor discográfico, fundador del sello Shrapnel Records y responsable de popularizar el boom de los «guitar heros» de mediados de la década de 1980, reclutan al virtuoso guitarrista Tony MacAlpine quien recomienda al vocalista Rob Rock. En 1986, y tras cambiar su nombre (otra banda tenia el nombre registrado) a M.A.R.S., un anacronismo compuesto por la inicial del apellido de cada músico: MacAlpine, Aldridge, Rock y Sarzo, se publica su primer álbum titulado «Project: Driver». El titulo hace referencia al primer nombre de la banda: Driver, y al titulo que tenían pensado para el primer álbum; «Project». El sonido del álbum es mas cercano al heavy metal que al hard rock que dominaba el mercado aquellos años, aunque algunos temas se acercan a ese sonido» comercial» de la época. Debido a las escasa ventas del álbum, el proyecto no tuvo continuidad, ya que las grandes compañías discográficas no encontraron el producto lo suficientemente atractivo como para firmar un contrato con el que competir con bandas de mayor calado, además a todo esto se unió que John Kalodner, A&R de Geffen, ofreció a Rudy y Tommy la posibilidad de incorporarse a Whitesnake, algo que era imposible rechazar (aunque ya lo habían hecho con anterioridad, pero claro, la cosa había cambiado). Si Aldrich nos trajo hasta M.A.R.S., Sarzo nos lleva a otro proyecto en el que participo (¿¿¿otro???) llamado A New Revenge.

Proyecto inicialmente formado por el guitarrista Keri Kelli (Alice Cooper, Slash) y el batería James Kottack (Kingdom Come, Scorpions) quienes se acompañan del ex vocalista de Judas Priest Tim Owens y el bajista Rudy Sarzo (Quiet Riot, Ozzy, Whitesnake). En principio la banda tocaba temas de todas las bandas con las que habían estado relacionados sus miembros e incluso giraron bajo el nombre de Projet Rock y Rockstar. Pronto les «picó el gusanillo» de componer temas propios, cosa que hicieron publicando a finales de marzo de 2019 su álbum «Enemies & Lovers», un trabajo repleto de temas hard rock de gran calidad. Tras la publicación del álbum y debido a problemas de agenda Rudy Sarzo, fue sustituido por Phil Soussan, (Ozzy) quién aparece en los vídeos que ha publicado la banda. Continuamos con uno de los miembros de la banda, el batería James Kottack, otro de los músicos embarcado en decenas de grupos, proyectos y colaboraciones como la que hizo junto a este musico, no demasiado conocido, llamado Willie Basse y su banda Black Sheep.

Willie Basse, vocalista, bajista, productor musical, ingeniero y compositor líder de Black Sheep, una banda de metal de la década de los 80 que contó con varios músicos notables a lo largo de sus cambios de formación entre ellos Slash, Paul Gilbert, Randy Castillo, Kurt James o Mitch Perry. Willie Basse fue uno de los pocos músicos de color en la escena Angelina de los 80. En 1985, la banda lanzó su álbum debut, «Trouble In The Streets» en el cual aparecen Todd DeVito a la batería, Basse al bajo y la voz y los guitarristas Paul Gilbert y Kurt James. En 1999 Basse reforma el grupo y lanza el E.P. «Sacrifice» con Marshall Harrison y Brian Conroy a las guitarras y James Kottak a la batería. En 2008 publico un álbum en solitario titulado «The Money Grind». Después publicó algunos singles, uno de ellos con la colaboración del guitarrista George Lynch. Willie Basse falleció el 29 de octubre de 2018, tenía 62 años. Como os decía Lynch colaboró en un single lanzado por Basse además de haber colaborado a modo de compositor en el primer álbum de Black Sheep, así que ya que hablamos de el vamos a continuar con su banda Lynch Mob.

Ya conocéis mi predilección por George Lynch y Dokken, y en cuanto puedo hablo de ellos. ya lo hice de la banda de George Lynch, Lynch Mob en el episodio dedicado a Warrant, https://rockencadena.home.blog/2021/10/05/programa-no-34/ , así que como viene siendo habitual os contaré algo relacionado con la banda y mas concretamente con el álbum «Smoke and Mirrors», quinto álbum de estudio de Lynch Mob lanzado en 2009, trabajo que supuso el regreso del vocalista original Oni Logan desde su primer álbum, Wicked Sensation, así como la vuelta al sonido característico de hard rock de la banda. El bajista Marco Mendoza (Blue Murder, Whitesnake) y el bateria Scot Coogan (Brides Of Destruction) completaban la formación que grabó el álbum que fue co-producido por el guitarrista Bob Kulick. En principio la reunión de Dokken estaba lista para tocar en el festival Rocklahoma 2008 en Pryor, Oklahoma y hacer una gira durante el verano, sin embargo, esos planes se desmoronaron. George aprovechó la oportunidad para reunir a Lynch Mob, (con el vocalista original Oni Logan pero sin los miembros originales Esposito y Brown) para actuar en dicho festival. Marco Mendoza en el bajo y Fred Coury en la batería fueron sus sustitutos. Coury realizó la ira de «Smoke and Mirrors» en 2009, hasta que en 2010 el batería Brian Tichy se unió a Lynch Mob, al igual que el bajista James Lomenzo quien reemplazando a Marco Mendoza, quien en 2003 formo parte de esta increíble banda llamada Soul SirkUs.

El guitarrista Neal Schon (si, ya se que es la tercera vez que aparece, pero este hombre no para!!) formó Soul SirkUs tras el fallido proyecto Planet Us con Sammy Hagar. Schon estaba decidido a que el material que había escrito cobrara vida.

«Estaba enojado porque teníamos planes y había trabajado mucho. Escribí muchas canciones, unas 30 o más, y puse mucho esfuerzo y energía en eso. Unos días más tarde me calmé y simplemente me centré y puse las piezas del rompecabezas nuevamente en su sitio con otros tipos diferentes»

Neal Schon

Schon había oído hablar de la reputación de Jeff Scott Soto. En el NAMM de 2004 en Los Ángeles, Schon tocó junto a Soto en una pequeña jam session.

«Jeff trajo a su batería y a su bajista y, aunque no tuvimos tiempo para ensayar, preparamos un pequeño set. Hicimos algunas canciones de Led Zeppelin y Journey algunas de Stevie Wondery y algo de blues. Tocamos un pequeño set de 45 minutos y la gente enloqueció. Inmediatamente, supe que teníamos algo de química y que funcionaría»

Neal Schon

Schon también asistió a una exhibición del bajista Marco Mendoza y quedó impresionado con su habilidad. Tras reclutar a Soto, Mendoza y al batería de Journey, Deen Castronovo, la nueva banda comenzó a ensayar y finalmente grabó 11 canciones para su álbum debut de 2004, «World Play», únicamente disponible a través de la pagina web de la banda. Aunque todas las pistas del álbum se escribieron originalmente para Planet Us, solo una canción se usó para el debut de Soul SirkUS, Peephole», originalmente titulada «Peeping Through a Hole» en la versión de Planet Us. A principios de 2005 la banda se vio obligada a posponer su primera gira cuando Castronovo enfermó debido al agotamiento extremo. Poco después, Castronovo abandonó el grupo por recomendación de su médico y fue reemplazado por el batería australiano Virgil Donati. Schon decidió aprovechar el estilo de Donati y remezcló el álbum «World Play» con las pistas de batería de Donati, además de cinco canciones nuevas. El álbum fue relanzado con nueva portada en el sello Frontiers Records. La nueva alineación realizó una breve pero bien recibida gira por los Estados Unidos y Europa. Durante la gira se grabó un concierto en el famoso teatro Fillmore de San Francisco para un posible DVD que la banda aún no ha lanzado y según parece nunca lanzará. Desde el final de la gira de 2005, la banda no se ha vuelto a reunirse debido a otros compromisos de sus miembros. En realidad cualquiera de los miembros de esta banda nos valdría para cerrar este episodio, Schon es el fundador de Journey, Castronovo y Mendoza son o fueron miembros de Journey tanto oficiales como músicos de directo y Soto fue el vocalista encargado de sustituir a Augeri tras su marcha, siendo por algún tiempo miembro oficial de la banda hasta el anuncio de un nuevo cantante en la persona de Arnel Pineda. Y de esta manera terminamos el episodio deseando que os haya gustado tanto como a mi. Y ya sabes, sube el volumen y disfruta!!!…hasta la próxima!!

Episodio Nº40

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Bienvenidos y bienvenidas a una nueva entrada de Rock en Cadena. Si estas leyendo esto, muchas gracias. Cada vez sois mas los que os acercáis a este rincón dedicado al heavy y al rock, y yo solo puedo estar agradecido a tod@s vosotros. Este episodio lo dedicamos a una banda que se auto denominan «Los Reyes del verdadero Metal». Con su «grito» de: «muerte al falso metal», han conseguido una fiel legión de fans o como ellos los denominan «brothers of metal» (hermanos del metal) desde principios de los 80. Aun hoy siguen despertando admiración y repulsa apartes iguales, ellos son Manowar.

El inicio de un sueño.

En 1980, Joey DeMaio (futuro bajista de la banda), conoció al guitarrista Ross the Boss mientras trabajaba como técnico de bajos y encargado de fuegos artificiales para Black Sabbath en el Heaven & Hell Tour. Ross the Boss, ex miembro de la banda de punk rock The Dictators, era el guitarrista de la banda telonera de Black Sabbath, Shakin’ Street. Los dos, con intereses musicales muy parecidos, se hicieron amigos y decidieron formar una banda por sugerencia y consejo de Ronnie James Dio durante la gira. Al final del tour con Black Sabbath, el dúo se reunió para formar Manowar, junto al bateria Donnie Hamzik ​​y al cantante Eric Adams, ex compañero de clase y amigo de DeMaio. El luthier, John «Dawk» Stillwell, sugirió el nombre Manowar a Joey DeMaio y Ross the Boss.

«Manowar 1982«

Con su primera demo, Manowar aseguró en 1981 un contrato de grabación con el sello Liberty Records. La discográfica presionó a la banda para que produjera una buena cantidad de canciones en poco tiempo para un álbum debut. El álbum resultante, «Battle Hymns», fue lanzado al año siguiente. El legendario actor y director Orson Welles desempeñó el papel de narrador en el tema «Dark Avenger». Poco después del lanzamiento del álbum, Manowar participó en su primera gira. La banda tocó como teloneros de Ted Nugent, pero su colaboración duró solo unos meses. Manowar decidió organizar una pequeña gira por sí mismos. A pesar de algunos contratiempos, la banda ganó fama nacional en esta breve gira y también comenzó a conseguir sus primeros fans europeos, particularmente en el Reino Unido y Alemania. Estresado por la tensión de las continuas actuaciones, Hamzik ​​decidió dejar la banda al final de la gira y fue reemplazado por Scott Columbus.

«La letra con sangre entra«

En 1983, la banda dejó Liberty Records y llegó a un acuerdo con Megaforce Records en los EE.UU. y Music for Nations en Europa, firmando el contrato con su propia sangre, lo que les sirvió para ser portada en el número 47 de julio-agosto de 1983 de la prestigiosa revista británica Kerrang!. Manowar regresó a casa con la intención de producir lo que, en principio, hubiera sido un simple E.P., pero por la cantidad y calidad de los temas realizados en ese período, se convirtió en el segundo álbum de la banda, «Into Glory Ride» publicado en 1983. De hecho, se publicó un E.P. en 1983 con el título «Defender» que contenía, como tema principal, la canción homónima y como cara B uno de los temas del álbum «Gloves of Metal» que se convirtió en el primer video clip de la banda. Orson Welles quien accedió a grabar la narración de en Dark Avenger en su álbum debut, grabó en esa misma sesión dos piezas más: una introducción para los directos (que la banda ha usado desde entonces) y la narración de una segunda canción, «Defender».

La atmósfera del álbum evocaba la mitología y la fantasía heroica clásica, y sirvió como predecesor del viking metal. Contenía varias características innovadoras, tanto en estilo como en sonido, y provocó un gran aumento en el número de fans del grupo, particularmente en el Reino Unido, donde la banda planeó una larga gira que finalmente fue cancelada. La canción «Defender» fue posteriormente regrabada e incluida en el álbum «Fighting the World» de 1987.

«El lio de las banderas»

Como disculpa por el fracaso de su gira por el Reino Unido, Manowar decidió dedicar su próximo álbum al Reino Unido. El álbum, «Hail to England», fue grabado y mezclado en solo seis días y fue lanzado a principios de 1984. El título del álbum es un tributo al país en el que los miembros de la banda estadounidense se conocieron y formaron la banda, y en particular a la NWOBHM que surgió a principios de la década de los 80. Sin embargo, la portada del álbum en realidad presenta la bandera del Reino Unido y no la bandera de Inglaterra. El álbum alcanzó el puesto 83 en las listas de álbumes del Reino Unido. Tan solo diez meses después de lanzar su anterior álbum y tras dejar Music for Nations, Manowar lanzó «Sign of the Hammer» (1985).

Tiempos gloriosos.

Tras desacuerdos con su nuevo sello, el grupo fichó por Atlantic Records en 1987, con quienes lanzaron ese mismo año «Fighting the World», que disfrutó de una distribución más amplia y aumentó la popularidad de la banda dentro de la escena internacional del heavy metal. La carátula del álbum fue diseñada por Ken Kelly, un artista estadounidense centrado especialmente en dibujos fantásticos y de fantasía heroica. Desde entonces, todas las portadas de los álbumes de Manowar han sido pintadas por Ken Kelly. «Fighting the World» fue uno de los primeros álbumes de heavy metal grabados y mezclados completamente en equipos digitales. La canción «Defender» cuenta con la narración del actor y director estadounidense Orson Welles. El álbum fue lanzado 2 años después de la muerte de Welles, por lo que la grabación de Welles se reutilizó a partir de la demos original de la canción de 1982. En 1988, Manowar lanzó el álbum «Kings of Metal», sin duda el trabajo más conocido de la banda, así como el más vendido en todo el mundo. Manowar se embarcó en una gira mundial, por un período de aproximadamente tres años, visitando casi todos los paises europeos. Durante esa gira, Joey DeMaio «despidió» a Ross the Boss.

«Joey sintió que Manowar estaría mejor sin mí».

Ross the Boss en 2008
«Shankle y Rhino..y su paso fugaz por Manowar»

Fue reemplazado por David Shankle , quien fue elegido por los miembros de la banda entre unos 150 candidatos. Más tarde, Scott Columbus también decidió dejar la banda durante la gira. El propio Columbus eligió a su reemplazo Kenny Earl Edwards conocido como «Rhino». Junto con los dos miembros nuevos DeMaio y Adams publican en 1992 «The Triumph of Steel». El álbum obtuvo cierto éxito y contiene la canción más larga y más compleja de Manowar «Achilles, Agony and Ecstasy in Eight Parts» (28 minutos y 38 segundos), inspirada en los acontecimientos de la Ilíada y el héroe Aquiles. La canción atrajo la atención de un grupo de académicos de la Universidad de Bolonia (Italia). La Sra. Eleonora Cavallini, Profesora de Clásicas, ha escrito sobre esta canción:

La letra de Joey DeMaio implica una lectura atenta y escrupulosa de la Ilíada. El cantautor ha centrado su atención esencialmente en la crucial lucha entre Héctor y Aquiles, ha parafraseado algunos pasajes del poema adaptándolos a la estructura melódica con cierta fluidez y reinterpretándolos en parte, pero nunca alterando o trastornando el argumento de Homero.

Sra. Eleonora Cavallini, profesora de Antropología Histórica del Mundo Griego.

Después de este lanzamiento, la banda realizó una gira mundial durante dos años. En 1992 también se publica el primer recopilatorio de Manowar titilado «Manowar Kills». Tras finalizar su contrato con Atlantic, la banda firmó con Geffen Records. En 1994, Shankle inesperadamente dejó la banda para formar su propio grupo. Fue reemplazado por Karl Logan. Ese mismo año Scott Columbus regreso al banda sustituyendo a «Rhino». «The Hell of Steel: Best of Manowar» otro recopilatorio de Manowar, fue lanzado en 1994 por Atlantic Records debido a obligaciones contractuales (por eso la banda no lo considera un lanzamiento oficial) y contó con 14 pistas de álbumes lanzados bajo el sello Atlantic («Fighting the World», «Kings of Metal» y «The Triumph of Steel»). Aunque las pistas no se presentan en orden cronológico, el álbum comienza con la primera pista de «Fighting the World» y termina con la pista final de «The Triumph of Steel». En 1996, lanzaron «Louder Than Hell», su primer álbum de estudio en cuatro años. Tres de los temas del álbum ya habían sido grabadas en demos y tocadas en vivo por la banda en 1986, 10 años antes del lanzamiento oficial del álbum. A pesar de las buenas ventas, el álbum fue criticado por su estilo sencillo y repetitivo. A pesar de tales críticas, Manowar lanzó en 1997 un nuevo recopilatorio, llamado «Anthology» , y su primer álbum en vivo, «Hell on Wheels», un doble cd lanzado por BMG International. Al no tener tiempo para grabar un nuevo álbum de estudio debido a la gira promocional en curso, Manowar lanzó en 1998 un segundo álbum en vivo, «Hell on Stage». En algunos países europeos, se empaquetó junto a un C.D. E.P. adicional que contenía canciones grabadas en vivo en esos países. Ese mismo año se editaron dos recopilatorios «The Kingdom of Steel: The Very Best of Manowar» y «Steel Warriors» que incluye solo canciones de los álbumes «Into Glory Ride» y «Hail to England».

Nuevo milenio.

En 2002, seis años después del último álbum de estudio, Manowar lanzó el álbum «Warriors of the World», con un sonido un tanto renovado en estilo, pero mantuvo la habitual energía y potencia. El álbum contiene el aria de Puccini «Nessun Dorma», versionada en honor a los fans italianos. El álbum alcanzó el puesto número 2 en las listas alemanas. Manowar comenzó una larga gira mundial, llamada «Warriors of the World United Tour» que los mantuvo ocupados y alejados de un estudio de grabación durante mucho tiempo. Para compensar la falta de álbumes de estudio, la banda lanzó varios DVD: en 2002 el doble DVD «Fire and Blood», el primer DVD es un documental que presenta la parte 2 de la serie «Hell on Earth». Con casi dos horas de duración, «Hell on Earth Part II» documenta la gira europea «Hell on Stage» de 1998 con casi 30 espectáculos. El segundo DVD, Blood in Brazil es su presentación en vivo en Philips Monsters Of Rock en São Paulo, Brasil, el 26 de septiembre de 1998. En 2003 «Hell on Earth Part III» otro doble DVD con un primer disco que cubre el ciclo de la gira Warriors of the World y un segundo con un concierto en el Ringfest. En 2005 «Hell on Earth Part IV» que sigue la temática de trabajos anteriores. Estos (y todos los DVDs desde el año 2000) fueron dirigidos por Neil Johnson y todos han obtenido la certificación Oro en Alemania.

En 2003, DeMaio fundó su propio sello discográfico, Magic Circle Music, que se convirtió en el sitio oficial de la banda, habiendo sido creado para satisfacer las necesidades de Manowar y otras bandas de género similar. Bajo el sello Magic Circle también se lanzó el E.P. «The Sons of Odin» que incluye lo más destacado de la convención Manowar, una reunión anual de fanáticos de Manowar en todo el mundo, un avance del DVD Earthshaker y entrevistas con la banda. En 2006 se publica el DVD «The Day the Earth Shook – The Absolute Power» grabado en vivo en el Earthshaker Fest 2005 en Alemania el 23 de julio de 2005. La banda tocó una selección de canciones con el acompañamiento de la Orquesta Filarmónica Bohuslav Martinů de 50 miembros. Durante el concierto, la banda estuvo acompañada en el escenario por los ex miembros de Manowar Ross «The Boss» , David Shankle, Donnie Hamzik ​​y Kenny Earl «Rhino» Edwards. El DVD extra contiene un documental de 45 minutos sobre la realización del festival, un documental de tres horas sobre la Convención de Fans y otras imágenes. Manowar lanzó en 2007 «Gods of War» a través de Magic Circle Music. La música del álbum presenta influencias de metal sinfónico, como el uso de teclados, coros y orquesta sinfónica. El álbum esta centrado en Odín, rey de los dioses y principal dios de la guerra en la mitología nórdica. Se suponía que «Gods of War» sería el primero de una serie de álbumes conceptuales dedicados a diferentes dioses de la guerra de varias mitologías, pero finalmente sus secuelas no se lanzaron. Todo el texto del folleto esta escrito en el alfabeto rúnico. En 2009 Manowar lanzó «Thunder in the Sky» un E.P. para promocionar el próximo álbum «The Lord of Steel». Sin embargo, ninguna de las canciones se incluyó en ese álbum ni en cualquier álbum de Manowar, con la excepción de la versión original de «Crown and the Ring». El E.P. contiene 16 versiones diferentes de la canción «Father», todas cantadas en diferentes idiomas. Además de la versión en inglés, también se cantó en: búlgaro, croata, finlandés, francés, alemán, griego, húngaro, italiano, japonés, noruego, polaco, portugués brasileño, rumano, español y turco. Eric Adams fue guiado a través del proceso de canto por fans de cada país que se ofrecieron como voluntarios para traducir. El E.P. se vendió durante la gira Death to Infidels Tour. «Hell on Earth Part V», la quinta entrega de la saga de DVDs de Manowar se lanzó en 2009 en formato de doble DVD. El primer disco contiene principalmente imágenes recogidas en sus actuaciones en diferentes países europeos y Norteamérica e incluye un documental sobre la preparación del barco vikingo que fue la estrella del escenario en el “Demons, Dragons and Warriors” tour de 2007. La sección puramente documental está recogida en el segundo disco con imágenes de la preparación de las grabaciones orquestales, nuevos secretos de grabación y entrevistas a los componentes del grupo.

«Donnie Hamzik de vuelta al redil»

El 1 de junio de 2010, la revista Classic Rock publicó una entrevista con el baterista Scott Columbus, quien dijo que no había trabajado con la banda desde abril de 2008 y que había dejado la banda. También aseguró que las declaraciones hechas en el pasado, sobre su ruptura en 1990 y 2008 a causa de una enfermedad y una tragedia personal, eran en gran medida falsas y se hicieron sin su consentimiento. El 15 de octubre de 2010, Joey DeMaio anunció en Facebook que el batería Donnie Hamzik ​​era oficialmente miembro de Manowar nuevamente después de una ausencia de 26 años. El 4 de abril de 2011, Scott Columbus murió a la edad de 54 años. El 5 de abril de 2020, la hija de Columbus, Teresa, anunció públicamente que la causa de la muerte de su padre fue el suicidio a causa de la depresión que sufría.

«D.E.P.»

El siguiente lanzamiento de Manowar fue una regrabación de su álbum debut de 1982, «Battle Hymns». Este álbum se lanzó el 26 de noviembre de 2010 y fue titulado formalmente «Battle Hymns MMXI». El tema «Dark Avenger» contaba con la narración de Sir Christopher Lee. El 21 de julio de 2011, la banda se embarcó en una gira por el Reino Unido por primera vez en 16 años e interpretó el álbum «Battle Hymns» en su totalidad. El siguiente álbum de estudio de Manowar, «The Lord of Steel», de 2012, se lanzó por primera vez como descarga digital el 16 de junio de 2012 y el C.D de edición especial de prelanzamiento de edición limitada de la revista británica de heavy metal Metal Hammer el 26 de junio de 2012. La edición comercial llegó a las tiendas el 19 de octubre de 2012 en C.D, vinilo de edición limitada y álbum digital, con un folleto de 24 páginas, una nueva ilustración, una nueva canción, mezclas completamente diferentes y muchos arreglos nuevos en comparación con el prelanzamiento limitado. El álbum marca un cambio en el sonido de la banda, alejándose del sonido sinfónico de «Gods of War» y volviendo al estilo de «Louder Than Hell» con la calidad de producción de «Thunder In The Sky». La canción «El Gringo» fue utilizada en los créditos de la película de 2011 del mismo nombre. En febrero de 2014 Manowar lanzó «Kings of Metal MMXIV» la regrabación de su álbum «Kings of Metal» de 1988. En apoyo del álbum, la banda comenzó su «Kings Of Metal MMXIV World Tour».

En 2016, la banda recluto al batería Marcus Castellani de la banda tributo Kings of Steel como su batería para la gira. El 9 de agosto de 2018, el guitarrista Karl Logan fue arrestado en Charlotte, Carolina del Norte, por presunta posesión de pornografía infantil y fue acusado de seis cargos de explotación de un menor en tercer grado. Manowar emitió un comunicado anunciando que Logan no actuaría con ellos. El 1 de enero de 2019, Manowar anunció que el guitarrista EV Martel se uniría a ellos en su gira. El 22 de marzo de 2019, la banda anunció que lanzaría una trilogía de E.P.s basados ​​en la gira que realizaban en esos días «The Final Battle World Tour». El primer E.P., «The Final Battle I», se lanzó el 29 de marzo en una preventa exclusiva en el puesto de merchandising de la banda en sus conciertos. Ese mismo día fue lanzado en iTunes en todo el mundo. El E.P. se lanzó digital y físicamente el 30 de mayo. Poco después el ex batería de HammerFall e Yngwie Malmsteen Anders Johansson, fue anunciado como el nuevo batería en vivo de la banda. A pesar del nombre de la gira, el bajista Joey DeMaio desestimó cualquier rumor sobre el retiro de Manowar, principalmente debido a las demandas de los fans de que siguieran actuando. En mayo de 2020, Manowar anunció que se embarcarían en una gira, que comenzaría en abril de 2021 en Europa, para celebrar su 40 aniversario.

El mundo Manowar.

Sin duda Manowar a creado su propio universo en el cual son los únicos y verdaderos reyes del Metal. Tanto es así que su líder DeMaio ha creado su propio sello discográfico donde lanzar los trabajos de la banda y su propio estudio de grabación donde dar rienda suelta a todas sus «excentricidades». Todo esto arropado por el aliento de miles de fans que siguen a la banda de manera casi religiosa.

«The Faceless Warrior», también conocido como el Rey del Metal, es la mascota de la banda. El personaje apareció por primera vez en 1988 en la portada del álbum «Kings Of Metal», y desde entonces ha aparecido en la portada de casi todos los álbumes posteriores de Manowar, así como en el merchandising y en casi todos los shows en vivo de Manowar. «The Sign of the Hammer» es un gesto desarrollado en los primeros años de la banda, tras el lanzamiento de su cuarto álbum del mismo nombre, y se convierto en la firma de la banda firma de la banda. Lo más probable es que el gesto fuera creado por el vocalista Eric Adams. El gesto se forma levantando el puño derecho por encima de la cabeza, mientras se usa la mano izquierda para agarrar la parte posterior de la muñeca derecha. La primera aparición oficial del gesto fue en la portada del quinto álbum de la banda, «Fighting the world», donde se muestra al vocalista Eric Adams haciendo el gesto en un dibujo de los miembros de la banda. Mas tarde apareció en el video musical del tema «Blow your speakers», realizado por los miembros de la banda y la audiencia durante un concierto, así como en la portada completa del álbum «The Triump of Steel». Desde entonces, el gesto aparece en casi todos los videos musicales de la banda.

Manowar es una de las bandas más exitosas e influyentes en su género con más de 20 millones de discos vendidos y numerosas certificaciones de platino, oro y plata. Manowar tiene un lugar muy importante en la historia y evolución de la música heavy metal y son una gran influencia en el género Heavy Metal, especialmente en subgéneros como: Power Metal, Epic/ Symphonic/Melodic Metal, Viking metal, Doom Metal, Gothic Metal o Death Metal. La influencia de Manowar esta presente en una gran cantidad de bandas y artistas de Heavy Metal de todo el mundo, como: Sabaton, Rhapsody of Fire, Amon Amarth, Symphony X o Firewind entre otras. Manowar fueron los primeros en «idolatrar», y basarse en gran medida en los antiguos y los místicos cuentos nórdicos. También fueron la primera banda de metal en actuar y posar blandiendo espadas vestidos simplemente con taparrabos y pieles.

Queríamos ser más salvajes que solo vaqueros y cuero. ¿Qué sería más salvaje? ¡Piel de animal!»

Ross «The Boss» ex-guitarrista 2020

“Queríamos parecer algo nunca antes visto en el heavy metal”

Ross «The Boss» ex-guitarrista 2020

“Queríamos estar un paso más allá, de lo que pasaba en ese momento…”

Ross «The Boss» ex-guitarrista 2012

Manowar es la banda de heavy metal más ruidosa del mundo (récord que han batido en tres ocasiones distintas). En el año de 1984, en Alemania, superaron el récord de The Who cuando dos especialistas en sonido los midieron tocando a 129,5 dB. En el año 2008, durante la prueba de sonido en el Magic Circle Festival, Manowar supuestamente alcanzó los 139 dB. En el año 2008, en Bulgaria dieron la actuación de heavy metal más larga en un concierto de cinco horas y un minuto frente a 20.000 personas con un set list de más de 40 canciones, una selección que refleja la historia de la banda y todos sus álbumes de estudio. Los representantes del Guinness World Records estuvieron presentes para presenciar el evento. El líder y bajista Joey DeMaio nos lleva a la siguiente banda, ya que además de tener su propio sello discográfico y su propio estudio de grabación es también manager de bandas como esta, Rhapsody of Fire.

Rhapsody of Fire (anteriormente conocida como Rhapsody) se formó en 1993 como Thundercross por el guitarrista Luca Turilli y el teclista Alex Staropoli, con un sonido claramente power metal sinfónico. Desde sus inicios la banda ha lanzado doce álbumes de estudio, dos álbumes en vivo, tres EP. y un DVD en vivo. Rhapsody of Fire es conocida por sus letras conceptuales que constituyen una historia de fantasía a lo largo de todos sus álbumes desde 1997 hasta 2011 . Después de actuar bajo el nombre de Rhapsody durante casi diez años, la banda cambió su nombre a Rhapsody of Fire en 2006 debido a problemas de marca registrada con otra banda norteamericana. En 2011, tras el lanzamiento de su álbum «From Chaos to Eternity» que concluyó «The Dark Secret Saga», y después de 18 años como co-líder de la banda, Turilli dejó Rhapsody of Fire (en buenos términos) para formar una nueva banda llamada Luca Turilli’s Rhapsody, junto a otros dos integrantes de Rhapsody que se fueron con él. Turillis describe su discografía como una continuación paralela de la discografía de Rhapsody of Fire, siendo su primer álbum «el álbum número 11 de Rhapsody» y considera que no dejaron la banda, sino que se dividieron amistosamente en dos. En 2016, otros miembros clásicos de Rhapsody, el vocalista Fabio Lione y el bateria Alex Holzwarth, dejaron la banda y se unieron a Luca Turilli’s Rhapsody, para tocar nuevamente bajo el nombre de Rhapsody en su gira de despedida del 20 aniversario; en diciembre de 2018, varios meses después de anunciar que Luca Turilli’s Rhapsody, estaba inactiva, Turilli anunció la creación de una nueva banda también paralela a Rhapsody llamada Turilli/Lione Rhapsody , con la formación de su gira de despedida del 20 aniversario, recreando la alineación de 2002 a 2011 de Rhapsody of Fire, menos claro esta, el único superviviente de los «verdaderos» Rhapsody of Fire, el teclista Alex Staropoli.

«Sir Christopher Lee»

En su sexto álbum de estudio lanzado en 2004 y ultimo como Rhapsody «Symphony of Enchanted Lands II – The Dark Secret», contaron con Christopher Lee como narrados a lo largo de este álbum. También aparece cantante invitado en la versión single de la canción «The Magic of the Wizard’s Dream». También en el primer álbum que la banda lanzó después de su cambio de nombre, «Triumph or Agony» de 2006, presenta una variedad de narradores invitados y actores de personajes, incluidos varios actores de la escena teatral de Londres, como Susannah York (Madre de Superman), además de contar de nuevo con el reconocido actor Christopher Lee, quien repetiría en «The Frozen Tears of Angels» y «The Cold Embrace of Fear – A Dark Romantic Symphony» ambos de 2010, «From Chaos to Eternity» de 2011 y de manera póstuma en «The Eighth Mountain» de 2019. Tras abandonar Rhapsody of Fire el vocalista Fabio Lione volvió de nuevo a esta otra banda italiana en la que ya militó llamada Vision Divine.

Vision Divine nació como un proyecto en solitario de Olaf Thörsen (Carlo Andrea Magnani) guitarrista de Labyrinth, al que se unió su antiguo compañero en Labyrinth Fabio Lione. Muy pronto este proyecto se convierte rápidamente en una banda, tomando su nuevo nombre del nombre anterior de Labyrinth (Vision) y del título que se suponía que se le daría al primer álbum en solitario de Olaf (Divine). En sus primeros tres años, la banda lanzó dos álbumes y comenzó a hacer giras. A finales de 2002, Olaf decidió dejar Labyrinth, para enfocarse solo en Vision Divine, mientras que por el contrario el vocalista Fabio Lione decide abandonar la banda un año después, siendo sustituido por Michele Luppi (actual teclista de Whitesnake) quien abandona Vision Divine en mayo de 2008, volviendo de nuevo a la banda Fabio Lione. A mediados de 2018 Lione de nuevo abandona el grupo siendo sustituido meses después por Ivan Giannini, quien graba con Vision Divine lo que hasta la fecha es su ultimo trabajo, «When All The Heroes Are Dead» de 2019, que cuenta con el prestigioso batería Mike Terrana quien se incorporó a la banda en 2016 y quien nos lleva a una de las innumerables bandas en las que ha militado, The Ferrymen.

El guitarrista y productor Magnus Karlsson (Primal Fear) el vocalista Ronnie Romero (Lords of Black, Rainbow) y el batería Mike Terrana (Rage, Axel Rudi Pell y muchos más) unen sus fuerzas en este proyecto llamado The Ferrymen, bajo el paraguas del sello discográfico especializado en «mezclar» a músicos talentosos, Frontiers Records. Hasta el momento han publicado tres álbumes, su debut homónimo de 2017, «A New Evil» de 2019 y «One More River to Cross» de 2022. En todos ellos predominan la melodía y la fuerza de las guitarras convirtiendo a esta «banda» en una de las mejores dentro del heavy melódico, que tristemente al tratarse de un proyecto, no tiene la continuidad ni por supuesto las giras como si de una banda convencional se tratase. En todos los álbumes el guitarrista Magnus Karlsson se encarga de los teclados y los bajos. Y precisamente el nos lleva a otro de los proyectos en los que esta involucrado, Starbreaker.

Starbreaker también comenzó como el proyecto paralelo del vocalista Tony Harnell mientras aún estaba en TNT, después de grabar el álbum de TNT «All the Way to the Sun» en 2005. Inicialmente, Harnell estaba trabajando en un disco en solitario, pero junto al guitarrista Magnus Karlsson, el ex batería de TNT John Macaluso y el bajista Fabrizio Grossi formaron una nueva banda en lugar de un proyecto en solitario de Harnell. La banda lanzó su primer álbum de estudio homónimo en 2005. Tras el lanzamiento del álbum, Harnell volvió a TNT, pero dejó la banda en abril de 2006. A finales de 2007, volvió a retomar Starbreaker como su principal proyecto musical, publicando en 2008 su segundo álbum titulado «Love’s Dying Wish» . El álbum contó con el nuevo bajista Jonni Lightfoot, quien reemplazó a Grossi. En 2009 se lanzó «Dysphoria», ultimo trabajo de la banda que cuenta con Anders Köllerfors como nuevo batería en sustitución de Macaluso, un musico que ha grabado más de 200 discos y tocado en múltiples giras mundiales con decenas de bandas y artistas, entre ellos este virtuoso de la guitarra llamado Michael Romeo.

Guitarrista estadounidense y miembro fundador del grupo de metal progresivo Symphony X, grabó su primer álbum en solitario «The Dark Chapter» en 1994. Originalmente fue grabado en 1992 como una demo que Romeo había enviado a varias publicaciones de guitarra, la demo que eventualmente se convertiría en su primer álbum atrajo la atención de un sello discográfico japonés llamado Zero Corporation, quien expresó interés en más material. Romeo se unió al teclista Michael Pinnella para volver a grabar el álbum para un lanzamiento en CD a través de Zero en 1994, después de lo cual ambos músicos formaron Symphony X. Este primer trabajo es completamente instrumental y tiene muchas similitudes con los estilos de metal progresivo exhibidos por Symphony X. «War of the Worlds, Pt. 1» es el segundo álbum en solitario de Michael Romeo, lanzado en 2018, más de dos décadas después de su primer álbum en solitario. En este álbum tan solo dos temas son instrumentales ya que Romeo se hace acompañar de Rick Castellano a la voz, John Macaluso a la batería y el bajista John DeServio, con quien Romeo fue a la escuela secundaria. Su ultimo trabajo «War of the Worlds, Pt. 2» de 2022, vuelve a contar con los servicios de Macaluso y DeServio pero esta vez las tareas vocales corren a cargo del joven cantante croata Dino Jelusick. El álbum sigue con el sonido de su predecesor, de nuevo, muy cercano al de su banda Symphony X con la que continuamos.

Tras publicar su primer trabajo en solitario en 1994 junto al teclista Michael Pinnella, Michael Romeo reclutó al bajista Thomas Miller, al batería Jason Rullo y al vocalista Rod Tyler. Su álbum debut homónimo fue grabado en el mismo año y lanzado en Japón por la ahora desaparecida compañía discográfica Zero Corporation. El segundo álbum de estudio de la banda, «The Damnation Game», se publicó seis meses después (ya en 1995). El cantante Rod Tyler había dejado la banda para entonces y fue reemplazado por el actual cantante Russell Allen. A finales de 1996 se publica «The Divine Wings of Tragedy» , álbum que introdujo a Symphony X en los círculos del metal. La respuesta positiva de la prensa especializada sirvió para consolidar a la banda en Europa mientras su éxito en Japón seguía creciendo. A fines de 1997 y durante parte del año siguiente, el batería Jason Rullo, tuvo que abandonar la banda por problemas personales siendo reemplazado temporalmente por Thomas Walling, quien grabó con ellos el álbum «Twilight in Olympus», lanzado a principios de 1998. Ese año también vio las primeras presentaciones en vivo de la banda. Su primer show oficial ocurrió en 1998, en Japón. Ese año el bajista Thomas Miller dejó la banda y fue reemplazado por Michael Lepond. Tambien en 1998 se lanzó el recopilatorio «Prelude to the Millennium», que incluía una versión de una canción del primer álbum, con Russell Allen en la voz. Jason Rullo volvió a la batería para el quinto álbum de la banda, «V: The New Mythology Suite», lanzado en 2000, bajo el importante sello progresivo InsideOut Music. El álbum fue su primer álbum conceptual, que trata sobre el mito de la Atlántida, la mitología del antiguo Egipto y la astrología. Durante la gira se grabó su primer álbum en vivo, «Live on the Edge of Forever», publicado un año después. En 2002, la banda lanzó «The Odyssey» y cinco años mas tarde «Paradise Lost», primer álbum de la banda en figurar en el Billboard 200 de EE.UU., alcanzando el puesto 123 y permaneciendo en esa lista durante una semana, además de alcanzar el número 1 en el Billboard Heatseekers y el top 100 en otros cinco países. «Iconoclast», se lanzó en Europa el 17 de junio y en América del Norte el 21 de junio como Standard Edition, así como en Digipack de 2 CD. «Iconoclast» debutó en el número 76 en la lista de álbumes Billboard 200 en los Estados Unidos, vendiendo más de 7.300 copias en su primera semana. El disco también debutó en el número 7 en el Top Hard Rock Chart, el número 19 en el Top Rock Chart y el número 13 en el Top Independent Chart. El noveno álbum de estudio de Symphony X «Underworld», fue lanzado en 2015. Tras la gira la banda se tomó u descanso que dura hasta este 2022. Durante todo ese tiempo los miembros de la banda han formado otras bandas o colaborado en ellas, además de participar en otros proyectos, como en el caso del bajista Michael Lepond quien grabó dos álbumes con el guitarrista Ross Friedman mas conocido como Ross the Boss.

Guitarrista norteamericano guitarrista, fundador tanto de la banda de punk The Dictators como de la banda de heavy metal protagonista de este episodio, Manowar. Después de que DeMaio le pidiera que «dejara la banda» después del álbum de 1988 «Kings of Metal», Ross se vio involucrado en decenas de bandas y proyectos durante los 90 y principios del nuevo milenio como su vuelta a The Dictators, Wild Kingdom, Heyday, Brain Surgeons, Thunderboss o The Thunderbolts entre otras. En 2008 publica su álbum debut como Ross The Boss «New Metal Leader» con músicos alemanes bajo el nombre de «The Ross the Boss Band» con quienes repite en su siguiente trabajo de 2010 «Hailstorm». En 2018 y 2020 publica «By Blood Sworn» y «Born of Fire» respectivamente. Ambos álbumes cuentan con una banda reformada compuesta por los músicos americanos Marc Lopes en la voz, Michael Lepond al bajo y en la batería Steve Bolognese.

Y Ross the Boss nos lleva a la banda protagonista de este episodio la cual fundo junto al bajista Joey DeMaio allá por 1980. Espero que os haya gustado y halláis disfrutado de la lectura y la música. Nos vemos en la próxima!!!

Episodio Nº39

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Hola a tod@s y bienvenid@s a una nueva entrada de Rock en Cadena. Esta vez lo hacemos con una banda que sin duda tiene un hueco en la historia del hard rock americano de principios de los 80, abriendo las puertas de la fama a decenas de bandas con un sonido y una imagen que reinaron durante muchos años en la escena metalera mundial. Activos hoy en día siguen peleando por que la llama de aquella fama «efímera» no se apague. Ellos son Quiet Riot.

Los primeros años con Randy Rhoads.

En 1973, el guitarrista Randy Rhoads y el bajista Kelly Garni forman una banda llamada Mach 1, el nombre pronto se cambió a Little Women antes de que finalmente se decidieran por Quiet Riot en mayo de 1975. El nombre de la banda se inspiró en una cita de Rick Parfitt de Status Quo. Parfitt declaró que pensó que el nombre «Quite Right» sería un buen nombre para la banda y el término se escuchó mal como «Quiet Riot». A la banda le gustó y eligió este como su nuevo nombre. A mediados y finales de la década de los 70, Quiet Riot ya se había convertido en uno de los grupos de hard rock más exitosos de Los Ángeles. Drew Forsyth, que anteriormente había tocado con Rhoads y Garni en una banda llamada Mildred Pierce, fue contratado como batería del grupo, y un fotógrafo de Los Ángeles llamado Kevin DuBrow fue contratado como vocalista. DuBrow no era para nada lo que Rhoads tenía en mente para su nueva banda, y no era del agrado de sus compañeros de Quiet Riot, situación que provocó mucha tensión dentro de la banda. Rhoads quería un líder en la línea de Alice Cooper o David Bowie, pero Dubrow fue persistente y no aceptaba un no por respuesta. Al final, Rhoads y Garni decidieron que, al menos, DuBrow compartía su entusiasmo y lo contrataron.

«Rhoads y sus característicos lunares»

Rhoads se convirtió en el punto de atención de la banda, tanto musical como visualmente. El tema de «lunares» que incorporó en el escenario se convirtió en la firma visual de Quiet Riot durante su tiempo en el circuito de clubes de Los Ángeles, con muchos fans que asistían a los shows de la banda con pajaritas y chalecos de lunares para emular lo que llevaba puesto el guitarrista en el escenario. Musicalmente, el talento de Rhoads como guitarrista comenzó a difundirse de boca en boca, haciendo que los fans del hard rock de todo Los Ángeles comenzaron a frecuentar los conciertos de la banda para escuchar al virtuoso guitarrista. En la década de los 70, Quiet Riot desarrolló una rivalidad amistosa pero intensa con Van Halen, banda con la que tocaban a menudo en varios clubes de Los Ángeles, antes de que cualquiera de los dos firmara un contrato discográfico. Mientras que Van Halen firmó con Warner Bros. en 1977 y lanzó un álbum debut que lograría alcanzar el Oro, el contrato de Quiet Riot con Sony vería sus primeros dos álbumes lanzados solo en Japón, álbumes que hasta hoy nunca han sido lanzados en los Estados Unidos. La banda grabó su álbum debut «Quiet Riot», o «QR I», en 1977 con un sonido mas cercano al «glam pop» que al hard rock o el glam rock.

Junto con su incapacidad para asegurar un contrato de grabación estadounidense, las tensiones entre el vocalista DuBrow y el bajista Garni comenzaron a dividir a la banda.

«Constante quería sacarlo de la banda y conseguir un cantante diferente. Lo odiaba, él me odiaba y no encontrábamos ninguna forma de llevarnos bien, lo que generaba mucha tensión en el grupo, generando mucho estrés en Randy para tratar de ser neutral».

Garni sobre su relación con DuBrow

Mientras se grababa «Quiet Riot II», la relación entre Garni y DuBrow finalmente llegó a su punto final. Después de robar licor en un bar, un Garni borracho intentó sin éxito convencer a Rhoads de que reemplazara al vocalista. Garni, borracho y portando una pistola, disparó al techo y se produjo una pelea a puñetazos entre él y Rhoads. Después, Garni quiso cruzar la ciudad hasta el estudio de grabación y matar a DuBrow, que estaba allí grabando voces para el nuevo album. Garni fue arrestado por conducir ebrio antes de llegar al estudio, y el plan para matar a su compañero de banda se desvaneció después de que recuperara la sobriedad. No obstante, el tiempo de Garni en Quiet Riot llegó a su fin rápidamente. Aunque su reemplazo, Rudy Sarzo, fue fotografiado y acreditado en «QR II», en realidad fue Garni quien tocó en el álbum. Su segundo álbum «Quiet Riot II», o «QR II» , fue lanzado en Japón en 1978.

«Sarzo entra en escena»

En 1979, Rhoads comenzó a cansarse de la situación dentro de Quiet Riot, así como de su incapacidad para firmar un contrato de grabación en Estados Unidos. A finales de ese año, audicionó para la banda de Ozzy Osbourne, quien quedó impresionado por el talento del guitarrista y lo contrató de inmediato. Poco después, el bajista Rudy Sarzo siguió a Rhoads a la banda de Osbourne, dejando en el aire el futuro de Quiet Riot. parecía muy incierto. Rhoads incorporó muchos riffs y fragmentos del material inicial de Quiet Riot en el nuevo material en el que estaba trabajando con Osbourne.

«Muchas de las canciones de Quiet Riot terminaron en los álbumes de Osbourne con diferentes títulos. Obviamente, Randy pensó que nunca volveríamos a usar esas canciones, así que le dio los riffs a Ozzy, quien incorporó sus letras. Por ejemplo, el riff principal de la canción de Osbourne «Suicide Solution» se originó como un riff secundario durante el verso de una demo de Quiet Riot titulada «Force of Habit».

Rudy Sarzo

Según DuBrow, la salida de Rhoads de Quiet Riot en 1979 parecía ser el final de la banda. Él y Forsyth intentaron continuar bajo el nombre de Quiet Riot con la incorporación del guitarrista Greg Leon. Pero la cosa duró poco y la banda se separara oficialmente en 1980. Sin Rhoads, los fans perdieron interés.

Éxito y caída.

A principios de 1982, después de haber reclutado al bateria Frankie Banali, al bajista Chuck Wright y al guitarrista Carlos Cavazo, DuBrow se puso en contacto con Rhoads para preguntarle si tenía alguna objeción en utilizar el nombre Quiet Riot para su nueva banda. Rhoads le dio su bendición, pero dijo que primero quería consultar con Rudy Sarzo. Sarzo no tuvo objeciones, y así Quiet Riot renació después de una pausa de dos años. Rhoads murió en un accidente aéreo mientras estaba de gira con Osbourne en marzo de 1982, y Sarzo dejó la banda de Osbourne unos meses después, teniendo dificultades para sobrellevar el dolor de perder a su amigo cercano y compañero de banda. Los «nuevos» Quiet Riot estaban grabando una nueva canción llamada «Thunderbird» como tributo a Rhoads, y DuBrow llamó a Sarzo para preguntarle si le gustaría participar en la grabación. La formación de DuBrow, Sarzo, Cavazo y Banali se divirtió tanto grabando la pista que terminaron grabando juntos más de la mitad del nuevo álbum. El bajista Chuck Wright ya había sido reemplazado brevemente por Gary Van Dyke, pero no estaba funcionando y Sarzo fue incorporado de nuevo a Quiet Riot como su nuevo bajista. Al estar tan reciente la muerte de Rhoads, hubo algunas dudas sobre la idoneidad de que la banda usara el nombre de Quiet Riot. La madre de Rhoads, Dolores, animó a la banda, y al final se decidió el continuar con el nombre.

«Sin duda la formación mas reconocida de Quiet Riot»

En septiembre de 1982, con la ayuda del productor Spencer Proffer, Quiet Riot finalmente firmó un contrato de grabación en Estados Unidos con CBS Records. El primer álbum con su nuevo sello fue «Metal Health» lanzado el 11 de marzo de 1983. El sencillo, «Cum On Feel the Noize» (una versión de una canción de 1973 de Slade) fue lanzado en agosto. El 27 de noviembre de 1983, este pasó dos semanas en el número 5 en la lista Billboard Hot 100 en noviembre de 1983 e hizo historia como la primera canción de heavy metal en romper el Hot 100. El éxito de el sencillo fue fundamental para marcar el comienzo de una nueva era de éxito sin precedentes para la música heavy metal en la década de los 80 y ayudó a llevar el álbum «Metal Health» a la cima de la lista de álbumes Billboard, lo que lo convierte en el primer álbum debut de heavy metal estadounidense en alcanzar el número 1 en los Estados Unidos. El 26 de noviembre de 1983, Quiet Riot se convirtió en la primera banda de heavy metal en tener un éxito entre los 5 primeros y un álbum número 1 en la misma semana. Su éxito fue ayudado en gran parte por la gran difusión del video «Cum on Feel the Noize» en MTV. Además el tema que daba titulo al álbum apareció en la popular película Footloose. «Metal Health» desplazó a «Synchronicity» de The Police en el n.° 1 y permaneció allí solo una semana hasta que «Can’t Slow Down» de Lionel Richie ocupó el puesto número 1. Su versión de Slade tiene su historia: Según cuenta Frankie Banali, el grupo no quería grabarla. Fue el productor Spencer Proffer el que les instó a que lo hicieran, tanto es así que incluso se saltaron uno de los versos del tema.

«Nunca me gustó esa canción pero tampoco es que pensara que fuéramos los mejores compositores del mundo. En aquellos tiempos siempre estaba cabreado.»

Dubrow sobre «Cum on feel the Noize».

«El productor quería que la grabáramos. No me importó demasiado pero Kevin rechazó la idea. Slade no era el tipo de grupo que solíamos escuchar. Todos quedamos en decirle al productor que estábamos trabajando en la versión aunque no era cierto. Cuando llegó el momento de la grabación nuestra idea era hacerlo tan mal que el productor no pudiera incluirla en el disco. De hecho, yo mismo entré en la cabina para decirle que no habíamos hecho nada y que íbamos a meter la pata. Le dije que se podría meter en el disco como algo divertido y me dijo que estaba de acuerdo. Kevin quería que no tocáramos bien pero no lo hicimos. En mi ADN están las ganas de hacer las cosas bien y decidí tocar a mi manera. Cuando terminamos el productor dijo que había quedado todo muy bien. El ingeniero de sonido había grabado la toma. La escuchamos y nos gustó. Kevin estaba furioso.»

Banali sobre «Cum on feel the Noize».
«Metal mask man, o lo que es lo mismo, la mascota de Quiet Riot»

El siguiente álbum, «Condition Critical», fue lanzado el 7 de julio de 1984. Aunque tuvo éxito, fue una decepción comercial y crítica, vendiendo 1 millón de unidades y alcanzando solo el número 15 en la lista de álbumes de Billboard. Este lanzamiento incluyó otra versión de Slade, «Mama Weer All Crazee Now». La portada mostraba al mismo hombre con una máscara de metal que ya aparecía en la portada del anterior álbum, así como en muchas de las portadas de álbumes posteriores de la banda, lo que lo convierte en la mascota de la banda.

Frustrado por el fracaso del álbum al no conseguir el éxito de su predecesor, DuBrow comenzó a expresar su opinión en la prensa de heavy metal de que muchas bandas en la escena del metal de Los Ángeles debían su éxito a las puertas que Quiet Riot les abría. En un momento incluso comparó a su banda con The Beatles. Los ataques verbales de DuBrow enfurecieron a muchos de los contemporáneos musicales de Quiet Riot haciendo que los fans siguieran su ejemplo. Las «opiniones» de DuBrow provocaron una reacción violenta de los fans además de enfrentamientos en los medios con varias otras bandas de metal con sede en Los Ángeles. Esto provocó la salida de Rudy Sarzo del grupo en marzo de 1985. Sarzo fue reemplazado por Chuck Wright, que volvía después de cinco años de ausencia de la banda. También se agregó temporalmente al teclista John Purdell para su gira de 1986. Ese año se lanzó el disco «QR III», que se convirtió en otra decepción comercial. Las ventas fueron aún más bajas que su anterior lanzamiento, alcanzando solo el puesto 31 en las listas de EE.UU. sin lograr ninguna certificación. Marcó el salto final de Quiet Riot desde el estrellato, ya que los siguientes lanzamientos de la banda no entrarían en las listas.

Hartos de las payasadas de DuBrow, la presión de los managers y el sello discográfico de la banda, el resto de Quiet Riot despidió a DuBrow de su propia banda en febrero de 1987 y lo reemplazó por el ex vocalista de Rough Cutt, Paul Shortino, sin dejar miembros originales en la banda. Chuck Wright dejó el grupo poco después y Sarzo fue invitado a regresar. Sarzo estuvo de acuerdo, y aunque técnicamente estaba de vuelta en la banda e incluso apareció en algunas fotos de prensa para este breve enlace, también estaba comprometido en ese momento con Whitesnake y no podía continuar.

«McNabb, Banali, Shortino y Cavazo, así acabaron los 80 Quiet Riot»

Posteriormente el grupo reclutó a Sean McNabb para el puesto de bajista. La banda renovada lanzó su segundo álbum homónimo, «Quiet Riot» (también conocido como «QR IV»), en octubre de 1988. El álbum no logró devolver a la banda a su gloria comercial. En abril de 1989, los miembros de la banda se separaron. Un espectáculo de su gira final fue lanzado más tarde en un DVD titulado «’89 Live in Japan». Mas tarde, Kevin DuBrow luchó en los tribunales para mantener el control del nombre de la banda.

Reunión y nueva disolución.

Habiendo ganado los derechos del nombre de la banda, DuBrow se unió al guitarrista inglés de 21 años Sean Manning, el bajista Kenny Hillery y el batería Pat Ashby para reformar Quiet Riot. Durante la gira el grupo usó el nombre Little Women (un nombre que Rhoads y DuBrow usaron en la década de los 70 antes de decidirse por Quiet Riot) para evitar cualquier publicidad adversa, DuBrow y Manning comenzaron a escribir temas para un nuevo álbum. Al comenzar los 90, la relación entre los ex compañeros de banda Carlos Cavazo y Kevin DuBrow, se volvió mas relajada y comenzaron a comunicarse nuevamente. Eventualmente formaron la banda Heat en 1991 con el bajista Kenny Hillery y el batería Bobby Rondinelli. Este cuarteto volvió a llamarse Quiet Riot al año siguiente y lanzó «Terrified» en 1993 con Banali reincorporándose a la batería después de que Bobby Rondinelli se uniera a Black Sabbath. Aun así Rondinelli grabó algunos temas del álbum. Este trabajo fue producido por DuBrow y de nuevo volvia a acontar con una version, esta vez de Samal Faces. Muchas de las canciones del álbum aparecieron en la película «Dollman vs. Demonic Toys» de hecho, el álbum se lanzó en Moonstone Records, discográfica que editaba las bandas sonoras de la compañía cinematográfica Full Moon Entertainment. Chuck Wright se unió al grupo para la gira de 1994.

«Los Quiet Riot de los 90…no serán los únicos»

Ese mismo año, DuBrow lanzó «The Randy Rhoads Years», una recopilación con pistas remezcladas de los dos lanzamientos exclusivos de Quiet Riot en Japón junto con material inédito, la mayoría con voces regrabadas. La banda lanzó el álbum «Down to the Bone» en marzo de 1995 y el recopilatorio «Greatest Hits» en febrero de 1996. Este ultimo solo contenía material de los años de CBS, incluidas tres pistas del álbum de 1988 con Shortino y dos pistas en vivo publicadas anteriormente solo de manera promocional. El ex bajista Kenny Hillery, que había dejado el grupo en 1994, se suicidó el 5 de junio de 1996 con tan solo 26 años. Rudy Sarzo se reincorporó a la banda nuevamente en enero de 1997, reuniendo la formación de «Metal Health». En marzo de 1999, la banda lanzó el álbum «Alive and Well», que presentaba nuevas canciones y varios éxitos regrabados. La misma formación lanzó el álbum «Guilty Pleasures» en mayo de 2001. En agosto de 2002, el ex vocalista Shortino reemplazó a DuBrow en tres conciertos cuando este enfermó de gripe. En septiembre de 2002 se filmó una actuación del grupo en el Key Club de Los Ángeles. El resultado fue el DVD en vivo «Live in the 21st Century» que fue lanzado el 11 de noviembre de 2003. Quiet Riot se disolvió de nuevo de manera oficial en septiembre de 2003.

De nuevo en acción.

En octubre de 2004 se anunció una nueva reunión de Quiet Riot que incluía a Kevin DuBrow, Frankie Banali, Chuck Wright, y el nuevo guitarrista Alex Grossi. En diciembre de 2005, el guitarrista Tracii Guns de L.A. Guns se unió brevemente a Quiet Riot. Guns se fue después de menos de un mes debido a diferencias musicales. Wright y Grossi dejaron la banda a principios de 2006. Durante este período, Quiet Riot también incluyó a los guitarristas Billy Morris y Neil Citron y a los bajistas Sean McNabb y Wayne Carver. . Quiet Riot lanzó el 3 de octubre de 2006 el álbum «Rehab», con una formación de DuBrow, Banali, Neil Citron y Tony Franklin, ex bajista de The Firm y Blue Murder, como musico de sesión. A finales de 2006, Wright y Grossi regresaron a la banda para la gira en apoyo del álbum.

«Sin duda uno de los iconos del Heavy. D.E.P.»

El 25 de noviembre de 2007, Kevin DuBrow fue encontrado muerto en su apartamento de Las Vegas, los informes de los medios determinaron que había muerto por una sobredosis de cocaína aproximadamente seis días antes de que encontraran su cuerpo. Tras la muerte del cantante, Banali aseguró que no se planteaba una reunión de Quiet Riot. A pesar de ello Banali anunció en septiembre de 2010 una nueva versión de Quiet Riot con él mismo en la batería, Chuck Wright en el bajo, Alex Grossi en la guitarra y el nuevo vocalista Mark Huff (anteriormente miembro de la banda tributo a Van Halen 5150). Al parecer la madre de DuBrow animó a Banali a revivir la banda. En enero de 2012, mientras Huff esperaba para una cirugía cerebral, Quiet Riot emitió un comunicado, anunciando que se habían separado de Huff y que lo reemplazarían para las próximas fechas con Keith St. John (anteriormente en Montrose). Huff se enteró de su despido por internet. En marzo de 2012, Banali contrató al desconocido vocalista Scott Vokoun para reemplazar a Huff como nuevo vocalista de la banda. En noviembre de 2013, se anunció que Scott Vokoun se había separado amistosamente de Quiet Riot, y que su reemplazo sería el vocalista de Love/Hate, Jizzy Pearl. El 29 de abril de 2014 se estrenó en el Festival de Cine de Newport Beach una película documental de Quiet Riot, titulada «Well Now You’re Here, There’s No Way Back» (llamada así en referencia a la letra de la canción de la banda «Bang Your Head (Metal Health)»). El documental esta dirigido y producido por la prometida de Banali, Regina Russell.

Cambios de vocalistas y últimos años.

En junio de 2014, la banda lanzó su nuevo álbum, titulado «Quiet Riot 10» (también conocido como «10» o «Quiet Riot Number 10»), su primer lanzamiento de estudio en ocho años y el primero desde su reforma más reciente. Aunque es un álbum de estudio, las últimas cuatro pistas de «Quiet Riot 10» son presentaciones en vivo tomadas de algunos de los shows finales de la banda con DuBrow en 2007. Las pistas de bajo se dividieron entre Rudy Sarzo, Tony Franklin y Chuck Wright con dos temas cada uno, además este ultimo aparece en las grabaciones en vivo.

«Pearl, Vokoun, Nicols y Huff, vocalistas de Quiet Riot»

El vocalista Jizzy Pearl dejó la banda a finales de 2016 y fue reemplazado por el ex vocalista de Adler’s Appetite, Seann Nicols. El 13 de febrero de 2017, la banda anunció que lanzaría un nuevo álbum, sin embargo, en marzo, se anunció que Nicols había dejado la banda y que James Durbin (participante del talent show norteamericano American Idol) sería el nuevo cantante. Posteriormente, la banda anunció que el álbum se retrasaría hasta el verano de 2017 para que todas las voces de Nicols pudieran ser reemplazadas por las de Durbin con nuevas letras y melodías. Finalmente «Road Rage», decimotercer álbum de estudio de Quiet Riot, se lanzó el 4 de agosto de 2017.

«Quiet Riot con Durbin como vocalista»

Banali se vio obligado a no asistir a varios shows de Quiet Riot a lo largo de 2019 mientras recibía tratamiento para el cáncer de páncreas en etapa IV, aunque no reveló su diagnóstico hasta octubre de ese año. Fue reemplazado por el ex batería de Type O Negative, Johnny Kelly, o el ex batería de W.A.S.P., Mike Dupke , según la disponibilidad de cada cada uno. En septiembre de 2019, Durbin dejó la banda y Pearl fue contratado de nuevo como vocalista principal. Dos meses después, se lanzó «Hollywood Cowboys», el decimocuarto álbum de estudio de Quiet Riot, y el segundo y último en presentar a Durbin como vocalista.

«Toda una leyenda del Heavy Metal y de la batería. D.E.P.»

El 20 de agosto de 2020, Banali murió de cáncer de páncreas, diagnosticado dieciséis meses antes, convirtiéndose en el segundo miembro de la alineación de la era «Metal Health» en morir, tras la muerte de DuBrow en 2007. El 9 de septiembre de 2020, Quiet Riot anunció que continuaría sin Banali, quien deseaba mantener viva la música y el legado de la banda. Fue reemplazado por Johnny Kelly , quien había reemplazado a Banali en las giras de 2019 y 2020. El 2 de agosto de 2021, Quiet Riot anunció que el ex bajista Rudy Sarzo se reincorporaría a la banda reemplazando una vez más a Chuck Wright.

Seria un error no reconocer la importancia de Quiet Riot dentro del Heavy Metal o mas concretamente del «glam rock» o el «hair metal» que triunfó en los 80 no solo en U.S.A. si no también en todo el mundo, pero si es cierto que podría considerarse a Quiet Riot como una «one hit wonder band» (banda de un solo éxito), ya que mas allá de su versión de Slade y el éxito que supuso el álbum «Metal Health» poco mas se puede decir de su aportación a la música. Evidentemente abrieron el camino para que decenas de bandas lograran alcanzar el estrellato en esa década. Continuamos de la mano del vocalista que tuvo la difícil tarea de sustituir por primera vez a Kevin Dubrow, y lo hacemos con la banda de la cual provenía, Rough Cutt.

Paul Shortino fue vocalista de Quiet Riot tras el despido de DuBrow, pero antes de eso Shortino entró en el «show bussines» de la mano de esta banda, Rough Cutt, de la cual os hablé en el episodio dedicado a DIO, https://rockencadena.home.blog/2021/05/05/programa-no-29/, así que como siempre os contaré algún dato sobre ellos. La banda firmó con Warner Bros. Records en 1984 y el 1 de enero de ese mismo año actuaron en el programa de televisión «Rock Palace», presentado por el comediante Howie Mandel interpretando varias canciones, algo que les sirvió como escaparate a nivel nacional. También en 1984 Rough Cutt actuó en el famoso Marquee Club de Londres y en el Fabrik de Hamburgo, mucho antes de grabar su primer álbum de estudio. Después de esperar durante un año para trabajar con el productor Ted Templeman, Rough Cutt decidió grabar su álbum debut, «Rough Cutt» (1985), con Tom Allom, mas conocido por producir durante la década de los 80 a Judas Priest. El álbum contaba con un tema coescrito por Ronnie James Dio (quien «apadrinó» al grupo), dos mas coescritas por Wendy Dio, la esposa de Ronnie y también manager de la banda en ese momento, además de dos versiones, una de Erma Franklin (hermana de Aretha Franklin), aunque el tema es mas conocido por la versión de Janis Joplin y otra de la banda australiana The Choirboys. Tras la publicación de un segundo álbum, donde la banda hacia aparición con uno de sus temas en la famosa serie de televisión «Fama», y tras su gira por Japón, Shortino tomó la decisión de dejar la banda debido a diferencias internas sobre la dirección que debería tomar su música. Tras algunos intentos de continuar sin Shortino, tres miembros de Rough Cutt decidieron montar esta banda llamada Jailhouse.

Banda de Los Ángeles fundada en 1988 por el guitarrista Amir Derakh, el bajista Matt Thorr y el batería David Alford, todos ellos ex Rough Cutt. La banda la completaban el guitarrista Michael Raphael y el cantante Danny Simon. Jailhouse lanzó en 1989 el mini álbum en vivo titulado «Alive In A Mad World», grabado en el Roxy Club de Hollywood. El disco incluía cuatro temas en vivo y un tema acústico. Las ganancias de este álbum se donaron a las fundaciones «National Runaway Switchboard» y «Options House» para ayudar a los niños necesitados. Jailhouse obtuvo bastante difusión tanto en radio como en televisión (gracias a MTV) lo que les llevó a firmar un acuerdo con Enigma Records, pero poco después la discográfica se declaró en bancarrota, debido a esto y al surgimiento del movimiento grunge, el grupo se separó en 1991. En 1998, aquel álbum que nunca vio la luz se publicó bajo el nombre de «Jailhouse». Dos de los fundadores de la banda, el batería David Alford y el bajista Matt Thor fueron miembros de la primera formación de Ratt, entre 1978 y 1981, cuando el grupo todavía se llamaba Mickey Ratt. Precisamente el cantante de Ratt, Stephen Pearcy coescribió un tema de Jailhouse y Matt Thor fue productor y bajista de uno de los álbumes en solitario de Pearcy.

Stephen Pearcy formó en 1977 Mickey Ratt donde coincidió con el bajista Matt Thorr y el batería David Alford. En 1981 cambiaria el nombre de la banda a Ratt, y durante los siguientes diez años lanzaron cuatro discos multiplatino y tres álbumes de oro. Pearcy dejó la banda en 1992 y se reunió de nuevo en 1996 abandonando de nuevo la banda por segunda vez en 2000. Pearcy se reincorporó a Ratt en 2006 antes de irse nuevamente en 2014. Desde entonces Pearcy ha grabado cuatro discos en solitario bajo su propio sello independiente «Top Fuel Records». El último, «View to a Thrill», se lanzó en Frontiers Music/Top Fuel Records en noviembre de 2018. En 2005 se lanzó el álbum «Rat Attack – greatest hits» (Rat con una sola «T» ya que Pearcy no dispone de los derechos del nombre de la banda). El álbum, producido por el mismo y Matt Thorr, es una recopilación de temas clásicos de Ratt con un aire mas moderno. La banda que acompaña a Pearcy en solitario, Rat Bastards se une a él en varios cortes, además del ex guitarrista de Dokken, George Lynch y el ex guitarrista de L.A. Guns, Tracii Guns. Precisamente este ultimo nos lleva a esta banda con la cual colabora habitualmente llamados, Shameless.

Banda de glam rock formada en 1989 por el bajista Alexx «Skunk» Michael en Munich, Alemania. Tras la ruptura del grupo, Michael decidió reformar Shameless en 1998 junto al guitarrista BC. Alexx contó con la ayuda del batería Eric Singer (Kiss, Alice Cooper, Black Sabbath), quien presentó a Alexx a los vocalistas Steve «Sex» Summers (Pretty Boy Floyd) y Stevie Rachelle (Tuff) iniciando así una relación musical que dura hasta hoy. Desde entonces, la banda ha lanzado siete álbumes, un disco en vivo y dos recopilaciones. Todos los lanzamientos cuentan con apariciones especiales de miembros de Warrant, Guns & Roses, L.A. Guns, W.A.S.P., Motley Crue, Stryper, The Runaways o Kiss. Eric Singer es sin duda la persona que mas ayudó a esta banda a contar en sus trabajos con gente de grupos tan grandes como los mencionados anteriormente. Como ya os he contado en mas de una ocasión, Singer es tal vez de los baterías que mas han grabado, girado y colaborado con mas bandas a lo largo de su carrera, una de ellas es esta llamada Stream.

Proyecto formado por el guitarrista francés Peter Scheithauer quien en 1988 grabó su primer trabajo homónimo con músicos franceses y un segundo álbum en 1995, «Take It Or Leave It» junto a los músicos americanos Dave Spitz en el bajo (ex Black Sabbath), David Reece, ex Accept a la voz, y los baterías Stet Howland, ex W.A.S.P. y Jay Schellen ex Hurricane. Diez años después de crear este proyecto, se publica en 1998 «Nothing Sacred». En este trabajo el guitarrista se acompaña del ex vocalista de Guiffria David Gleen Eisley, Eric Singer a la batería y el mítico bajista Bob Daisley (Ozzy Osbourne, Gary Moore, Rainbow). También colaboran en este trabajo un ex Quiet Riot, el bajista Chuck Wright y el tristemente fallecido Pat Torpey, batería de Mr. Big, el cual también colaboró, ese mismo año, 1998, en el álbum de su más tarde compañero en Mr. Big, Richie Kotzen.

Richie Kotzen, guitarrista, cantante, compositor, y productor, descubierto por Mike Varney de Shrapnel Records, con quien grabó su primer álbum en solitario a la edad de 19 años. Un año después, en 1988 se publicó un segundo álbum llamado «Fever Dream», el primero en presentar temas vocales con el mismo como voz principal. En 1991, a los 21 años, Kotzen se unió a la banda de glam metal Poison , coescribiendo y actuando en el álbum «Native Tongue». A finales de 1993, Rikki Rockett, bateria de Poison, descubrió que Kotzen estaba teniendo una relación con la entonces prometida de Rockett, Deanna Eve. Kotzen fue despedido de la banda debido a este incidente. Kotzen se centró en su carrera en solitario, lanzando regularmente álbumes de rock melódico influenciados por el R&B/soul/blues y funk. También hizo apariciones especiales en varios álbumes de artistas como Glenn Hughes, Stevie Salas, TM Stevens y otros. En 1995 y 1997 colaboró ​​con el guitarrista Greg Howe en dos álbumes de jazz rock fusión. En 1999, Kotzen reemplazó a Paul Gilbert como guitarrista de Mr. Big. Tras la disolución de Mr. Big Kotzen siguió grabando y produciendo discos. En 2012 formó el supergrupo de rock The Winery Dogs junto a Mike Portnoy (ex Dream Theater) y Billy Sheehan compañero en Mr. Big y miembro fundados de esta banda con la que «debutó» en el mundo del rock llamada Talas.

Power trio formado en Buffalo en 1974 con Dave Constantino en la guitarra, Paul Varga en la batería y Billy Sheehan en el bajo, los tres se alternaban en la voz principal. En sus primeros días la banda tocaba una mezcla de versiones y material original. La banda se hizo muy popular en los 70 a nivel local, fama que se extendió que se extendió al noreste de los EE.UU. y a Canadá. A finales de los 70, después de que Sheehan regresara a Talas tras su paso por una banda llamada Light Years, abrieron un concierto para UFO en Buffalo. Esto llevó a Sheehan a asociarse con el guitarrista Michael Schenker y también lo ayudó a conseguir el puesto como bajista en la gira de UFO en 1983. La presentación a nivel nacional de Talas ocurrió en 1980, cuando abrieron treinta espectáculos para Van Halen. Sin embargo el éxito no llegaba, a pesar de que en esos días el hard rock «reinaba» en USA. Talas seguía sin firmar contrato discográfico, en parte debido a la mala gestión de sus managers. En 1979 lanzaron de forma independiente su L.P debut «Talas» en y «Sink Your Teeth into That» en 1982. Sheehan quería llevar a la banda a un nivel superior, mas allá del éxito como banda «local» y reformó Talas con otro batería (Mark Miller), otro guitarrista (Mitch Perry) y un cantante solista, Phil Naro, con quien Sheehan había trabajado a finales de la década de 1970 en su proyecto paralelo The Billy Sheehan Band. Talas lanzaría solo un álbum más, el directo «Live Speed ​​on Ice». Después, Mitch Perry dejó la banda, y fue reemplazado por Johnny Angel, quien tocó la guitarra con ellos en su gira por Estados Unidos en 1985/86 como teloneros de Yngwie Malmsteen. Hubo un cuarto disco de Talas, «supuestamente» titulado «Lights, Camera, Action» pero nunca se editó, quedándose únicamente como una demo debido a que Sheehan se fue para unirse a la banda de David Lee Roth. Antes de disolverse Talas continuó brevemente sin Sheehan, tan solo con Phil Naro además de Al Pitrelli en la guitarra, Bruno Ravel en el bajo, Jimmy Degrasso en la batería y Gary Bivona en los teclados. En 1988 la formación original de Talas (Sheehan, Varga y Constantino) se reunieron para una serie de conciertos «nostálgicos» dando como resultado el álbum en vivo «If We Only Knew Then What We Know Now…» que presentaba temas clásicos mas algunos compuestos para la ocasión. El guitarrista de Talas Mitch Perry nos lleva a la siguiente banda, Badd Boyz.

Badd Boyz, banda formada por Paul Shortino y el bajista Sean McNabb cuando ambos abandonaron Quiet Riot. El grupo contaba además con los guitarristas Mitch Perry (Steller, Talas) y Michael Guy (Shark Island, House of Lords) y el batería Rich Carlton. Dirigidos por Wendy Dio, la banda tenía un contrato con una discográfica, pero el álbum no fue editado, así que la banda se separó. La mayoría de las canciones fueron grabadas en 1989, otras fueron completadas más tarde por Shortino con diferentes músicos y más tarde editadas por un sello japonés en 1993, siendo Japon el unico lugar donde se publico el trabajo de Badd Boyz. En 2021 Shortino se encargó de publicar el álbum remasterizado para su distribución mundial con una nueva portada y bajo el titulo «No, No, Nikkie». Y son Sean McNabb y Paul Shortino, dos ex Quiet Riot, los que nos llevan a los protagonistas de este episodio, Quiet Riot. Si has llegado hasta aquí, gracias por tu lectura y recuerda…sube el volumen y disfruta!!, hasta el próximo episodio!

Episodio Nº38

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Bienvenidos y bienvenidas a una nueva entrada de Rock en Cadena. Estas vez nos centraremos en una banda «relativamente joven», ya que su irrupción en el mundo de la música se dio a mediados de la década de los 90. Sin duda es una de las bandas mas influyentes dentro del metal sinfónico combinando la dureza del metal con voces operísticas principalmente realizadas por mujeres. Ellos son Nightwish.

Formación.

Después de tocar teclados en varias bandas de heavy metal en la década de 1990, Tuomas Holopainen decidió crear en 1996 su propio proyecto, este seria de música acústica experimental, pero con un sonido y una atmósfera distintos. La banda sería acústica y no sería heavy metal: tendría guitarra acústica, algunas flautas, cuerdas, piano, teclados y por supuesto una vocalista femenina. Pronto invitó a su amigo y compañero de escuela Erno «Emppu» Vuorinen a tocar guitarras acústicas, y a la vocalista clásica Tarja Turunen, con quien había compartido el mismo profesor de música unos años antes. Los tres grabaron su demo acústica homónima a finales de 1996. El nombre Nightwish derivó de su primera canción juntos. Tras el lanzamiento de su demo a principios de 1997, el batería Jukka «Julius» Nevalainen se unió a la banda, al tiempo que la guitarra acústica era reemplazada por una guitarra eléctrica. La adición de elementos de heavy metal al estilo experimental existente de la banda le dio un sonido diferente, formando el núcleo del sonido Nightwish.

«Unos jovencísimos Nightwish allá por 1997/98»

La banda ingresó al estudio en abril de 1997 para grabar siete canciones para su segundo demo, «Angels Fall First». Meses despues, la demo llegó al sello discográfico finlandés Spinefarm Records, que quería lanzarlo como el álbum debut de la banda del mismo nombre. El sello le ofreció a Nightwish un contrato discográfico y la banda volvió al estudio para grabar cuatro canciones más para acompañar las pistas de la demo. El álbum fue lanzado en noviembre de 1997 y alcanzó el número 31 en las listas de álbumes finlandeses, uno de los sencillos del álbum alcanzó el número 3 en la lista de sencillos finlandeses. Este álbum cuenta con la voz de Holopainen, que aparece en cuatro de las once pistas del álbum junto con la de Turunen. Para los directos el bajista Samppa Hirvonen se unió a ellos como musico de sesión. Marianna Pellinen también fue miembro de sesión en vivo como teclista adicional y corista de Turunen. En principio Hirvonen iba a convertirse en miembro permanente de la banda, pero se unió al ejército como parte del servicio militar finlandés justo cuando comenzaron a grabar su segundo trabajo, por lo que le pidieron a Sami Vänskä que se uniera a la banda. En 1998 Nightwish realizó solo siete shows ya que en ese momento, Turunen estaba terminando sus estudios y Nevalainen y Vuorinen estaban cumpliendo con el servicio militar obligatorio de su pais.

Comienza la fama.

Ya como quinteto Nightwish lanzó el 7 de octubre de 1998, su segundo álbum titulado «Oceanborn». El sonido, más técnico y progresivo, vio a la banda abandonar gran parte de los elementos ambientales y folk presentes en su lanzamiento debut. En contraste con las voces femeninas de Turunen, el álbum también contó con la voz gutural de Tapio Wilska (ex vocalista de Fintroll), ya que Tuomas no quería volver a cantar. «Oceanborn» fue todo un éxito en Finlandia, alcanzando el Nº5 en las listas de álbumes. El primer sencillo del álbum, alcanzó el Nº1 en las listas finlandesas de sencillos, donde permaneció durante varias semanas. El lanzamiento del álbum se limitó inicialmente a Finlandia, pero debido al éxito de otro de los sencillos del álbum, este se lanzó internacionalmente en la primavera de 1999 y en marzo de 2001 en los Estados Unidos. Tanto el álbum como dos de los sencillos fueron certificados oro en Finlandia en agosto de 1999. El 2 de agosto de 1999 , Nightwish lanzó el sencillo «Sleeping Sun (Four Ballads of the Eclipse)», (el cuarto del álbum), como maxi single con otras tres canciones para coincidir con el eclipse solar total que ocurriría el 11 de agosto. En tan solo un mes el sencillo vendió 15.000 copias solo en Alemania, alcanzando el número 69 en las listas oficiales de singles alemanas logrando el disco de Oro. En Finlandia alcanzó el puesto número dos en las listas y fue certificado como disco de Oro con más de 5.000 copias vendidas.

En el año 2000, Nightwish entró en la final de preselección para representar a Finlandia en el Festival de la Canción de Eurovisión con el tema «Sleepwalker». A pesar de ganar el voto público, Nightwish finalmente terminó en tercer lugar. El 19 de mayo de 2000, Nightwish lanzó su tercer álbum de estudio «Wishmaster», debutando en el Nº1 en las listas de álbumes de Finlandia, siendo certificado oro después de tres semanas en dicha posición. «Wishmaster» también debutó en las listas europeas en el puesto 21 en Alemania y en el puesto 66 en Francia. De nuevo, el álbum se lanzó primero en Finlandia para mas tarde hacerlo en el resto de Europa, Japon y en 2001 en EE.UU. También en 2000 se publicó el primer recopilatorio de la banda, «Wishmastour 2000», de tan solo seis pistas. Solo una canción (Wishmaster) apareció en un álbum oficial, el resto de canciones eran bonus tracks de versiones extranjeras de «Angels Fall First» y «Oceanborn» o versiones inéditas de canciones de los tres álbumes. Mas tarde Nightwish se embarcó en su primera gira mundial, tocando fechas en América del Sur, México, Canadá y la primera gira europea como cabeza de cartel. «From Wishes to Eternity – Live» de 2001 es el primer trabajo en vivo de la banda. Fue grabado en Tampere, Finlandia el 29 de diciembre de 2000 y se lanzó en DVD/VHS/CD. El CD fue lanzado como una edición limitada de 10.000 copias, disponible solo en Finlandia, a finales de 2005, su compañía logró lanzarlo en Europa.

Tiempo de cambios.

«Over the Hills and Far Away» es el primer E.P. de Nightwish, lanzado el 25 de junio de 2001. Ademas de la versión de Gary Moore el EP tiene dos canciones nuevas y una versión de «Astral Romance» de «Angels Fall First», cantada por Tony Kakko (originalmente cantada por Tuomas Holopainen) junto a Tarja Turunen . El E.P. debutó en el número uno en la lista de singles finlandeses y pasó doce semanas entre los tres primeros, superándolo durante otras cuatro semanas y pasando seis semanas en el número dos. Estuvo en las listas durante un total de 49 semanas, incluidas dos semanas a principios de 2004. El E.P. ha obtenido la certificación de doble platino en Finlandia y ha vendido más de 36.000 copias hasta la fecha, convirtiéndose en el sexto sencillo más vendido de todos los tiempos en Finlandia. «Over the Hills and Far Away» entró también en las listas europeas, en el Top 100 de Alemania, Austria, Francia y Suiza. Poco después del lanzamiento de «Over the Hills and Far Away», Nightwish pasó por tiempos difíciles como banda, los problemas se centraron en el bajista, Sami Vänskä, quien había comenzado (según Holopainen), a faltar a los ensayos y a no tomarse los conciertos tan en serio como los demás. Después de que la banda discutiera varias veces con Vänskä a cerca de su comportamiento, sin obtener ningún cambio, a todos simplemente les dejó de importar y las tensiones entre ellos crecieron. Mientras tanto, el guitarrista Emppu Vuorinen había comenzado a quejarse de su papel en Nightwish, sintiéndose como un «mercenario» sin ningún peso dentro de la banda. Tras el último concierto de la gira de 2001, Holopainen llamó a los sellos discográficos de Nightwish para informarlos extraoficialmente de que la banda había terminado. Les dijo que podría producir otro álbum, pero que nunca volvería a realizar otro espectáculo con la banda. El mismo mensaje también transmitido a la banda. Holopainen decidió que no podía renunciar a Nightwish tan fácilmente, poco después recibió una llamada telefónica de Ewo Pohjola, director ejecutivo de uno de los sellos de la banda, ofreciéndose como manager del grupo y ayudarlo a arreglar las cosas. Holopainen estuvo de acuerdo, pero decidió que era necesario hacer algunos cambios. Además de elegir a Ewo como su nuevo manager, también le pidió a Vänskä que dejara la banda. Marko Hietala (Tarot) reemplazó a Vänskä. Además de tocar el bajo, Hietala también interpretaría voces masculinas.

«Sin duda la formación clásica de Nightwish»

En 2002, Nightwish lanzó «Century Child», el álbum fue certificado oro dos horas después de su lanzamiento, y platino dos semanas después. También estableció un récord en las listas de álbumes finlandeses: nunca antes un álbum en primer lugar había estado tan lejos del segundo lugar. En Finlandia fue el segundo álbum más vendido de 2002, desde entonces «Century Child» ha vendido más de 80.000 copias solo en Finlandia y entre 2002 y 2003 vendió más de 350.000 copias en todo el mundo. Este es el primer trabajo de Nightwish en contar con una orquesta en varios de los temas del álbum. En 2003, Nightwish lanzó su segundo DVD, el documental «End of Innocence», que cuenta la historia de la banda en palabras de Holopainen, Nevalainen y Tapio Wilska. El documental también presenta fragmentos de conciertos en vivo, imágenes exclusivas, etc. Un nuevo álbum, «Once», fue lanzado el 7 de junio de 2004, junto con su primer sencillo, «Nemo», que encabezó las listas en Finlandia y Hungría y alcanzó las listas en seis países mas. «Nemo» sigue siendo el lanzamiento de sencillos más exitoso de la banda hasta la fecha. Nightwish utilizó una orquesta completa en nueve de las once canciones del álbum. A diferencia de «Century Child», la banda decidió buscar una orquesta fuera de Finlandia, eligiendo la Orquesta Filarmónica de Londres. También es su segundo álbum en contar con una canción en finlandés. «Once» fue triple platino en Finlandia, platino en Alemania y oro en otros 6 países, también alcanzó el número 1 en las listas de álbumes griegas, noruegas y alemanas, alcanzando el Top 10 en Francia, Hungría y Suecia. «Once» fue el primer álbum de Nightwish en las listas de Estados Unidos, alcanzando el puesto 42 en la lista Billboard Top Heatseekers, así como el primer álbum de la banda en las listas del Reino Unido, alcanzando el puesto 8 en la lista de Rock. El coste de producción de «Once» ascendió a aproximadamente 250.000 euros (más de 1.000.000 incluyendo la producción de vídeo), lo que la convierte en la grabación más cara de la historia de Finlandia. Sin embargo, más adelante la banda volvería a romper este récord. Desde de 2013, «Once» ha vendido 2,3 millones de copias en todo el mundo, siendo el álbum con más éxito de Nightwish hasta la fecha. Durante la gira que siguió al álbum Nightwish actuó en la ceremonia de apertura del Campeonato Mundial de Atletismo de 2005, celebrado en Helsinki.

También en 2004 se publica «Tales from the Elvenpath», primer recopilatorio de larga duración de Nightwish. Elvenpath es también el nombre de otra canción de Nightwish, y aunque el álbum toma su nombre de esa canción, esta no aparece en el disco, porque esa canción es del álbum debut, «Angels Fall First», que fue grabado con otro sello discográfico, y ningún tema de ese álbum aparece en el recopilatorio. «Tales from the Elvenpath» fue disco de Oro en Finlandia y Alemania. Un año después se publica el tercer álbum recopilatorio de la banda titulado «Highest Hopes: The Best of Nightwish». Este recopilatorio si contiene canciones de todos los álbumes de Nightwish lanzados anteriormente (a diferencia del publicado un año antes), además de una versión en vivo de «High Hopes» de Pink Floyd. «Highest Hopes» se lanzó en tres formatos diferentes: Standard, Special Edition y Extended 2 CD. Además de la versión normal, se lanzó una edición especial, sustituyendo un tema por otro. También contiene un DVD adicional con tres canciones, filmadas en vivo en 2003, en el Festival Mera Luna en Hildesheim, Alemania. La versión extendida consta de dos CDs, el primero igual que la versión estándar más un segundo CD de ocho pistas, e incluye un DVD adicional que contiene diez pistas de video (Tres filmadas en vivo en el Festival Mera Luna en Hildesheim , Alemania en 2003 (Idéntico al bonos DVD de la edición especial pero en un orden de ejecución alterado), tres videos de estudio y otras cuatro canciones en vivo filmadas en el Festival Summer Breeze en Alemania en 2002. Todas las versiones cuentan con una nueva grabación (2005) de la canción «Sleeping Sun» y una versión en vivo de «High Hopes» de Pink Floyd, de la cual toma su nombre esta recopilación. El álbum fue certificado platino en Finlandia el mismo día de su lanzamiento, llegando al oro en Noruega. También fue el álbum más vendido de Finlandia en 2005, con más de 65.000 copias vendidas. Actualmente ha vendido más de 103.000 copias.

Ruptura y éxito.

Los otros cuatro miembros de Nightwish habían decidido que era mejor continuar la banda sin Turunen. Después de un concierto en el Hartwall Areena (Helsinki) el 21 de octubre de 2005, grabado para el DVD en vivo «End of an Era» (lanzado en junio de 2006), expresaron su decisión a través de una carta abierta que Holopainen entregó a Turunen y que luego publicó en la pagina web de la banda. La carta fue escrita por Holopainen y firmado por los cuatro miembros de la banda. La principal justificación dada en la carta para el despido de Turunen fue que la banda sintió que tanto su esposo Marcelo Cabuli (un empresario argentino) como los intereses comerciales habían cambiado su actitud hacia la banda. Turunen respondió al incidente durante conferencias de prensa en Finlandia y Alemania, asegurando que su despido fue un shock para ella, dado que no había sido notificada antes de que le entregaran la carta, además de sentir que los ataques personales contra su esposo no estaban justificados y que exponer el problema en público era «una crueldad sin sentido». Expresó estos sentimientos a través de su propia carta abierta, que se publicó en su pagina web personal, y a través de varias entrevistas en televisión, revistas y periódicos.

«Hola Anette, adiós Tarja»

Para encontrar un reemplazo para Turunen como vocalista femenina de la banda, el 17 de marzo de 2006, la banda permitió a los vocalistas interesados ​​​​en el puesto enviar demos como audición. Finalmente la elegida fue la sueca de 35 años Anette Olzon, ex cantante de Alyson Avenue. En mayo de 2007, Anette Olzon fue anunciada como nueva vocalista de la banda. Un día después del anuncio, se publico el sencillo «Eva». Inicialmente, el sencillo solo se lanzó en Internet y radio, con fecha de lanzamiento para el 30 de mayo de 2007, junto con la revelación de la identidad de la nueva vocalista, pero debido a una filtración el 23 de mayo, esta se adelantó al 24 de mayo y la canción fue lanzada el 25. Todos los ingresos europeos de este lanzamiento se donaron a organizaciones benéficas (Child Charity Foundation), y los ingresos de las ventas finlandesas por Internet se donaron a dos hogares infantiles en Finlandia. El segundo sencillo se estrenó en Finlandia el 22 de agosto e incluía como bonus track el tema principal del largometraje «Lieksa!». El sencillo alcanzó el estatus de oro en Finlandia después de menos de dos días en las tiendas. El álbum, «Dark Passion Play» se lanzó en Europa la última semana de septiembre de 2007. Los pedidos anticipados de «Dark Passion Play» obtuvieron la certificación de oro en Finlandia incluso antes de su lanzamiento. Obtuvo el doble platino en Finlandia el segundo día después de su lanzamiento y se llevó el número uno en las listas de Alemania, Finlandia, Suiza, Hungría y Croacia y entró en el top 100 en otros 16 países, incluido Estados Unidos. En febrero de 2008, el álbum fue certificado cuádruple platino en Finlandia, tras haber vendido más de 120.000 copias, lo que lo convierte en uno de los 40 álbumes más vendidos de todos los tiempos en el país. En todo el mundo, ha vendido casi 2 millones de copias desde su lanzamiento. Ha sido certificado Platino en Alemania y Hungría, y Oro en Austria, Polonia, Suecia y Suiza; «Dark Passion Play» es también el álbum de Nightwish con más éxito en el Reino Unido y EE.UU. con ventas en los Estados Unidos de más de 134.000 copias. «Dark Passion Play» también rompió el récord anterior de la banda como la grabación más cara de Finlandia, con un costo de producción final de más de 500.000 euros (el doble del costo de «Once», el récord anterior). En este álbum, el bajista Marko Hietala tuvo más libertad en el uso de su voz, de hecho, antes de que la banda encontrara al nuevo cantante y se grabara el álbum, Marko cantó en todas las versiones demos excepto en dos temas interpretados por Holopainen. La gira de promoción resultó ser la gira más larga de Nightwish hasta el momento, desde finales de 2007 hasta septiembre de 2009.

En marzo de 2009, Nightwish lanzó un nuevo E.P/DVD en vivo titulado «Made in Hong Kong (And in Various Other Places)». El álbum contiene un CD y un DVD: el CD consta de ocho canciones grabadas en vivo durante su gira «Dark Passion Play» en 2008, dos pistas lanzadas anteriormente como caras B y una demo de un tema del álbum anterior a la incorporación de Anette Olzon a la banda y, por lo tanto, cantada por el bajista Marko Hietala. El DVD contiene tres videos musicales y un mini documental de 40 minutos de duración que relata las aventuras de Nightwish durante su gira «Dark Passion Play» de 2007 a 2008 llamado «Back in the Day… is Now». Entre los temas tratados a lo largo del documental se encuentra el incidente durante el show de la banda en Brasil, el 10 de noviembre de 2008. La película muestra un video de YouTube de Anette Olzon saliendo durante la interpretación de la banda de «The Poet and the Pendulum», Olzon explica que una máquina de humo mal colocada interfirió en sus cuerdas vocales haciéndola perder la voz. Las malas lenguas aseguraron que Anette no era capaz de soportar la presión de ser la sustituta de Tarja así como las exigencias de la banda hacia ella. Otra de las versiones es el mal momento emocional por el que estaba pasando la vocalista tras perder la custodia de su hijo de siete años, el tema que cantaba en ese momento dice: «Calla, hijo mío, estás en casa. Al final siempre te querré». Tras la «fuga» de la vocalista, el bajista Marko se dirigió a la audiencia diciendo que: «Anette está teniendo problemas bastante serios», lo que hizo mas fuertes estos últimos rumores.

«Imaginaerum», séptimo álbum de estudio de Nightwish, fue lanzado el 30 de noviembre de 2011. Se trata de un álbum conceptual que cuenta la historia de un viejo compositor que recuerda su juventud en su lecho de muerte. El álbum fue producido junto con la película del mismo nombre, el álbum y la película comparten los mismos temas e historia. «Imaginaerum» vendió más de 50.000 copias en Finlandia durante el primer día después de su lanzamiento. En un principio el álbum tendría que haberse llamado «Imaginarium», pero cambiaron a «Imaginaerum» «para evitar confusiones con varias cosas llamadas Imaginarium». Durante la gira por Estados Unidos, la cantante Anette Olzon enfermó andes del espectáculo en Denver el 28 de septiembre de 2012. Elize Ryd (Amaranthe) y Alissa White-Gluz (Ex The agonist, Arc Enemy), en ese momento coristas de Kamelot, banda que abrió para ellos en la gira, ocuparon el lugar de Anette. Después del show de Denver, Nightwish publicó el siguiente mensaje en su página de Facebook:

«Estábamos en el infierno [ayer]. La vocalista en un hospital. El show a punto de ser cancelado… Pero nadie cedió ni un ápice. Con la ayuda de las damas Elize y Alissa de Kamelot, ¡realmente logramos sacar un gran espectáculo! El publico cantando con la banda fue absolutamente increíble. Nos sentimos honrados y agradecidos al mismo tiempo. Esta es la unión y la ayuda entre amigos y fans.»

Nightwish

Dos días después, Nightwish anunció a través de su página de Facebook que se separaban de Olzon. con Floor Jansen (After Forever, ReVamp) siendo llamada para terminar la gira en su lugar.

 «Se ha vuelto cada vez más evidente que la dirección y las necesidades de la banda estaban en conflicto, y esto ha llevado a una división de la que no podemos recuperarnos»

Comunicado de la banda en su pagina de Facebook

El 11 de enero de 2013, Olzon anunció en su blog oficial que estaba embarazada de su tercer hijo, lo que, según ella, fue un factor que contribuyó a su despido. Mas tarde, la banda publicó una declaración en su web en la que argumentaba que la razón que dio Olzon para su despido y otras declaraciones que hizo no eran ciertas y que la propia Olzon había aceptado ayudar a encontrar un reemplazo mientras estaba de baja por maternidad. Después, Olzon concedió varias entrevistas en las que dijo que nunca estuvo de acuerdo con un reemplazo, incluso cuando estaba embarazada, y propuso a la banda posponer la gira, lo que culminó con su despido. También agregó que estaba en contra de que Jansen se uniera a la banda en su período de maternidad, principalmente por la diferencia en sus estilos vocales.

Nueva era…

El 9 de octubre de 2013, Nightwish anunció a Floor Jansen como su nueva vocalista. Troy Donockley (multi instrumentista ingles especializado en instrumentos folk y que ya había trabajado anterior mente con la banda) también fue anunciado como miembro a tiempo completo, convirtiendo a la banda en un sexteto. En una entrevista posterior, Tuomas dijo que el trabajo anterior de Donockley con Nightwish ya lo había convertido en «un miembro de la banda», por lo que Nightwish simplemente «lo hizo oficial».

«Nightwish como sexteto»

A finales de noviembre, la banda lanzó el álbum en vivo «Showtime, Storytime» como un doble Blu-ray, DVD y CD. El álbum también contiene un documental de 120 minutos sobre los primeros días de Jansen en la banda, todavía como vocalista en vivo, y su proceso de adaptación en la banda, llamado «Please Learn the Setlist in 48 Hours». A pesar de que la grabación se realizó cuando solo eran cuatro miembros, es el primer lanzamiento de Nightwish que presenta a Jansen y Donockley como miembros de la banda. El 6 de agosto de 2014, la banda anunció que el miembro fundador y batería Jukka Nevalainen no formaría parte del próximo álbum debido a su enfermedad (insomnio). Kai Hahto (Wintersun) ocuparía su lugar en el álbum y en la próxima gira.

«Endless Forms Most Beautiful» , octavo álbum de estudio de Nightwish, fue lanzado a finales de marzo de 2015. El álbum es el primero de la banda con Floor Jansen y Troy Donockley, asi como el primero sin el batería Jukka Nevalainen, que estuvo a cargo de Kai Hahto. Por este motivo el álbum incluye solo cinco miembros de Nightwish, a pesar de ser su primer lanzamiento como sexteto. El álbum cuenta con la participación del grupo coral «The Metro Voices» de Londres, el «Coro de Niños de Jóvenes Músicos» de Londres y la «Orchestre De Grandeur», dirigida por Pip Williams, quien enseña música y tecnología musical en el London College of Music. «Endless Forms Most Beautiful» aborda la ciencia y la razón, centrándose en las teorías evolutivas de Charles Darwin y Richard Dawkins, quien narra la introducción a la apertura y al cierre del álbum. En su primera semana, el álbum vendió 18.342 copias en los EE.UU. y debutó en el puesto 34 en el Billboard 200, convirtiéndolo en el tercer álbum de Nightwish en figurar en esta categoría. En la República Checa, el álbum debutó en la cima de las listas y recibió el Disco de oro después de solo dos días. El álbum también se ubicó en el top 10 en otros países, incluidos Finlandia, Países Bajos, Polonia, Austria y México. Además de una edición regular con 11 temas, editada en C.D. y descarga digital, el álbum fue lanzado como un doble L.P. en diferentes colores, una edición digibook con un CD instrumental y dos ediciones earbook (una incluía un C.D. con versiones instrumentales y orquestales de las pistas, y otro de lujo, incluía un L.P. de vinilo). . En diciembre de 2015, Nightwish se convirtió en la primera banda finlandesa en encabezar un espectáculo en el Wembley Arena de Londres. Los espectáculos de Tampere y Londres fueron filmados para el lanzamiento de un álbum en vivo llamado «Vehicle of Spirit», lanzado en audio y video en diciembre de 2016 en Europa y en enero de 2017 en Norteamérica.

En 2017 la banda se tomó un descanso y anunció para 2018 una gira mundial de nueve meses titulada Decades: World Tour, además del lanzamiento de un nuevo álbum recopilatorio, titulado «Decades» con versiones remasterizadas del material original. Como curiosidad la lista de canciones se presenta en orden cronológico inverso. La gira contó con «material no tocado habitualmente» y un set especial para los fans; en la etapa norteamericana de la gira, la entrada a sus conciertos incluía de forma gratuita el álbum «Decades». Durante la etapa latinoamericana de la gira, el espectáculo de Buenos Aires se filmó para un DVD en vivo titulado como «Decades: Live in Buenos Aires», que se lanzó el 6 de diciembre de 2019.

…Nuevos cambios.

El 15 de julio de 2019, la banda anunció que Kai Hahto reemplazaría permanentemente a Jukka Nevalainen como batería de la banda. En un comunicado, Nevalainen explicó que si bien estaba manejando muy bien su insomnio y tenía pocos problemas, no quería «tentar a la suerte» regresando a la banda como miembro a tiempo completo. Sí confirmó, sin embargo, que continuaría en su papel de encargarse de los negocios relacionados con la banda. El nuevo álbum, «Human :II: Nature» , se lanzó el 10 de abril de 2020, debutando en el top 10 de las listas como número uno en Finlandia, España, Suiza y Alemania, además de figurar en las listas de otros países, incluidos Canadá, Austria, Hungría, Polonia y los Estados Unidos. Es el primer álbum doble de la banda, con el segundo C.D. completo con música orquestal. Nightwish se convirtieron en la primera banda en recibir permiso para hacer una sesión de fotos en el legendaria Museo de Historia Natural de Londres, donde tuvieron cuatro horas para su sesión. El 10 de julio de 2020, una nueva especie de cangrejo, Tanidromites nightwishorum, descubierta por el Dr. Adiel A. Klompmaker del Museo de Historia Natural de Alabama, fue bautizado en honor a la banda, en particular por su álbum de 2015 «Endless Forms Most Beautiful». El 12 de agosto de 2020, un refugio rocoso prehistórico llamado Alpenglow Rockshelter, que se descubrió en Pensilvania, EE.UU., recibió el nombre en honor a la novena canción del mismo disco, «Alpenglow». El 12 de enero de 2021, Marko Hietala anunció su salida de la banda, citando su lucha contra la depresión crónica y su desilusión con la escena musical en general. La banda emitió otro comunicado, «habrá un miembro temporal en vivo para reemplazar el bajo en la gira». En su declaración, Hietala escribió:

«Conspiración» es la palabra del día. Para aquellos que les interese, debo decir que mi 55 cumpleaños es ahora el 14 de enero y sinceramente he cumplido mi tiempo por ahora. Culpar, por ejemplo, a Tuomas es un insulto tanto para él como para mi libertad de pensamiento. Esto también es algo muy triste para todos. Tenga cuidado por favor. Hay un par de cosas acordadas que haré en 2021. Por otro lado, con amabilidad y respeto pido a los medios, bandas, proyectos de artistas, etc. que no me pidan nada durante el próximo año. Tengo que reinventarme. Espero contarles sobre esto en 2022. Sin embargo, no es una promesa. Siento mucho todo esto.

Parte de la carta renuncia de Marko Hietala

La banda comenzó su gira mundial en mayo de 2021 con una transmisión en vivo interactiva en una taberna construida en realidad virtual donde se presentaron canciones del álbum, y se reveló la identidad del bajista de sesión, Jukka Koskinen. Ambas actuaciones batieron récords atrayendo a 150.000 espectadores y estableciéndola como la actuación virtual más vista en Finlandia, con una taquilla superior al millón de euros. Originalmente, la gira estaba programada para comenzar en la primavera de 2020, pero debido a la pandemia de COVID-19 , la banda pospuso la gira para el siguiente año.

Nightwish interpreta metal sinfónico con voces operísticas femeninas. Su música ha sido descrita como «grandiosa, sinfónica y cinematográfica, con teclados y cuerdas que crean una atmósfera gótica». También han «mezclado» power metal con folk metal y gothic metal. El uso de una vocalista femenina se ha convertido en una especie de marca registrada, aunque menos desde el estallido de nuevas bandas de metal con mujeres al frente a mediados de la década de 2000 con bandas como Evanescence y Within Temptation, así como varias bandas de metal gótico que mezclan voces femeninas y voces masculinas, como Lacuna Coil, Epica o After Forever. Nightwish también se ha destacado como una fuente de inspiración para otras bandas, en particular entre las nombradas anteriormente. Nightwish es la tercera banda más vendida en Finlandia con ventas certificadas de casi 900.000 copias. El grupo es también la banda finlandesa más exitosa del mundo, vendiendo más de 10 millones de discos y recibiendo más de 60 premios de oro y platino, habiendo lanzado seis números 1 álbumes y trece sencillos número 1.

Y continuamos con la persona que tuvo la difícil tarea de sustituir a Tarja, la sueca Anette Olzon.

Cantante sueca, más conocida como la ex vocalista principal de Nightwish de 2007 a 2012. Anteriormente había sido la vocalista de la banda sueca de hard/AOR Alyson Avenue. Tras su salida de Nightwish, Olzon comenzó a escribir y grabar material para un futuro álbum en solitario. El álbum, titulado «Shine», fue lanzado en 2014 con una mezcla de pop rock o pop metal como la propia Anette califico este trabajo. En2016, Olzon lanzó un E.P. con solo dos canciones, una canción en sueco y otra en inglés solo disponible para descarga digital. En 2017 Olzon anunció que colaboraría con el ex guitarrista de Sonata Arctica, Jani Liimatainen, en un proyecto conocido como The Dark Element. Olzon también colaboró en 2020 ​​​​con el vocalista de Symphony X, Russell Allen, bajo el nombre de Allen/Olzon, publicando ese mismo año su primer trabajo juntos. «Strong» , segundo álbum en solitario de Anette Olzon, fue lanzado el 10 de septiembre de 2021 a través de Frontiers Records. El álbum tiene un enfoque más pesado que su debut de 2014, inspirado en bandas como Dimmu Borgir e In Flames, todo esto alentada por su esposo Johan Husgafvel (que toca el bajo y canta voces guturales en el álbum). El álbum fue escrito por Olzon y el guitarrista y productor Magnus Karlsson. En un principio, Frontiers había seleccionado a otro músico para escribir el álbum, pero Olzon no se adaptó a su material por lo que exigió a la discográfica que asignara a su compatriota Karlsson para el papel. Ambos habían trabajado juntos antes en «Worlds Apart», el álbum a dúo que lanzó con Russell Allen en 2020. Debido a la pandemia y a los conflictos de programación con los músicos involucrados en el proyecto, no se planean giras para el álbum. Ya que hablamos de Magnus Karlsson vamos a continuar con el y con la banda en la cual milita actualmente llamada Primal Fear.

Primal Fear fue fundada en octubre de 1997 por el cantante Ralf Scheepers y el bajista y productor Mat Sinner. Scheepers y Sinner, dos nombres clásicos dentro de la escena del heavy metal alemán antes de que se fundara la banda, siendo miembros de grupos tan conocidos como Gamma Ray (Ralf Scheepers) o Sinner (Matt Sinner). A finales de 1997 Firmaron un contrato discográfico con Nuclear Blast Records, debutando un año después con su álbum debut homónimo, que entró en las listas de éxitos alemanas en el puesto 48, lo que lo convirtió en una de las entradas más altas de un álbum debut en el metal alemán. En julio de 1999, se lanzó el segundo álbum «Jaws of Death». Poco después de su lanzamiento, el guitarrista Tom Naumann dejó la banda por problemas de salud, siendo sustituido en la gira por Alex Beyrodt. En enero de 2000, el guitarrista Henny Wolter se unió a la banda como reemplazo de Naumann. A principios de 2001, se lanzó el tercer álbum «Nuclear Fire», en cuya gira la banda tocó en los EE.UU. por primera vez. El siguiente álbum, «Black Sun», fue lanzado en 2002. El mismo año, Henny Wolter dejó la banda y fue reemplazado por el regreso de Tom Naumann. Durante el Tour por los EE.UU. y Canadá de 2003, el batería Klaus Sperling fue reemplazado por Randy Black. Después de la gira, Randy se unió a la banda de forma permanente. En febrero de 2004, se lanzó su quinto álbum «Devil’s Ground» y un año después «Seven Seals». En julio de 2006, sorprendentemente la banda dejó Nuclear Blast Records y firmó un contrato con Frontiers Records. Como «regalo de despedida», Nuclear Blast lanzó ese mismo año el recopilatorio «Metal is Forever». En febrero de 2007, durante las grabaciones del próximo álbum New Religion (lanzado ese año), la banda decidió después de largas discusiones sobre el futuro de la banda que (de nuevo) Henny Wolter regresaría como segundo guitarrista y Tom Naumann dejaría la banda. A principios de marzo de 2008, la banda anunció que el guitarrista Stefan Leibing había dejado la banda. En futuros lanzamientos y giras, sería reemplazado por el guitarra sueco, Magnus Karlsson, quien ya contribuyó con 2 solos de guitarra en el ultimo álbum. En 2009 aparece «16.6 (Before the Devil Knows You’re Dead)», el álbum alcanzó el puesto 46 en Alemania, el puesto 52 en Suecia y el puesto 28 en las listas de álbumes japonesas. En 2010 se publica el cd/dvd «Live in the USA», grabado durante su anterior gira. En 2011 y 2013 editan «Unbreakable» y «Delivering the Black» respectivamente, ya con Alex Beyrodt a la guitarra en sustitución de Henny Wolter. El 11 de agosto de 2014, el batería Randy Black se separó de la banda debido a «diferencias irreconciliables» entre él y Ralf Scheepers. El 13 de junio de 2015, la banda anunció que el ex batería de UDO, Francesco Jovino, lo reemplazaría, a la vez del regreso del guitarrista original, Tom Naumann, para su tercera etapa con la banda, grabando en 2016, lanzó el undécimo álbum de estudio de la banda, «Rulebreaker», el primero en presentar tres guitarristas. El segundo directo de la banda se publica en 2017 bajo el nombre de «Angels Of Mercy – Live In Germany» lanzado como CD/DVD/Blu-ray, vinilo y una caja en edición limitada. En 2018 se publica «Apocalypse» y en 2020 «Metal Commando», primer álbum con el batería Michael Ehré, en sustitución de Francesco Jovino, y primer álbum en su nueva etapa en Nuclear Blast. En2021, Primal Fear lanzó un E.P. titulado «I will be gone», con Tarja Turunen como invitada en el tema que da nombre al E.P. Uno de los fundadores de Primal Fear, el bajista y productor Mat Sinner, nos lleva a la siguiente banda formada por dos excelentes vocalistas Amanda Somerville y Michael Kiske.

Kiske/Somerville, proyecto a dúo de heavy metal melódico, formado por el vocalista Michael Kiske (Helloween, Unisonic, Place Vendome) y la cantante estadounidense Amanda Somerville (HDK, Trillium). A finales de 2009, Serafino Perugino (presidente del sello discográfico italiano Frontiers Records ) contrató a Mat Sinner (Sinner, Primal Fear) y Magnus Karlsson (Primal Fear) para proporcionar la composición de un proyecto a dúo entre Michael Kiske y Amanda Somerville. El ex guitarrista de After Forever, Sander Gommans (marido de Somerville), y la propia Amanda Somerville también colaboraron en la composición de del primer álbum del dúo titulado «Kiske/Somerville». Junto a Sinner y Karlsson participaban en el álbum el guitarrista Sander Gommans, el batería Ramy Ali y el teclista Jimmy Kresic. El segundo álbum titulado «City of Heroes» fue lanzado en 2015, de nuevo con la pareja Sinner/ Karlsson a cargo de la composición, con una canción escrita por Amanda Somerville y Sander Gommans. Karlsson también está a cargo de los teclados, mientras que Veronika Lukesova es la batería del álbum. Somerville ha escrito y grabado con bandas como After Forever, Edguy, Kamelot, Epica, Avantasia y este interesante proyecto llamado Ayreon.

Proyecto musical del compositor, cantante, músico y productor discográfico holandés Arjen Anthony Lucassen. Cada álbum de Ayreon cuenta una historia diferente, pero todos, con la excepción de «Actual Fantasy», «The Theory of Everything» y «Transitus», tienen lugar en el mismo universo ficticio de ciencia ficción; además, el álbum en solitario de Lucassen «Lost in the New Real» también está ambientado en el universo de Ayreon. Lucassen escribe la música y las letras, canta y toca la mayoría de los instrumentos en todos los álbumes de Ayreon, junto con muchos músicos invitados. Debido a la naturaleza particular del proyecto, las presentaciones en vivo de Ayreon son raras y no hubo un show en vivo oficial de Ayreon hasta 2017. Varias canciones de Ayreon se incluyeron por primera vez en dos álbumes en vivo de otras bandas de Lucassen: «Live on Earth» de Star One (2003) y «Live in the real world» de Stream of Passion (2006). Su ultimo trabajo, «Transitus» de 2020, va acompañado de un cómic de 25 páginas, no incluido en el C.D. ni el vinilo. La trama del álbum es una de las pocas que no está conectada con la historia principal de Ayreon; en cambio, presenta una historia de ciencia ficción/terror gótico parcialmente ambientada en el siglo XIX. El actor britanico Tom Baker, proporciona la voces habladas como el personaje de «The Storyteller», el resto del elenco incluye a Tommy Karevik de Kamelot como el personaje principal, Cammie Gilbert de Oceans of Slumber, Amanda Somerville, el batería de Threshold Johanne James, Simone Simons de Epica, Dee Snider de Twisted Sister, Joe Satriani, el ex Megadeth Marty Friedman y Marcela Bovio, antigua vocalista de la banda de Lucassen, Stream of Passion, de la cual os hablo a continuación.

Banda holandesa de metal progresivo con influencias sinfónicas y góticas fundada por el guitarrista y compositor Arjen Anthony Lucassen y la cantante, violinista y letrista mexicana Marcela Bovio. Ambos habían colaborado previamente en el álbum de Ayreon «The Human Equation», para el cual Bovio fue seleccionado por Lucassen a través de un concurso por Internet. Lucassen decidió entonces crear una nueva banda con ella como vocalista principal, y seleccionó a otros músicos para formar el resto de la banda: Johan van Stratum, el teclista Alejandro Millán (compañero de Bovio en su anterior banda), la guitarrista Lori Linstruth (pareja y manager de Lucassen) y el batería Davy Mickers. Debido a que los músicos de la banda vivían a miles de kilómetros de distancia, Lucassen compuso el álbum debut del grupo en 2005, «Embrace the Storm», a través de Internet, con Bovio escribiendo todas las letras. Al año siguiente se lanzó un álbum en vivo titulado «Live in the Real World», con temas de los otros proyectos de Lucassen, Ayreon y Star One. En 2007, la mitad de la formación de Stream of Passion decidió irse: Lucassen, Linstruth y Millán, mientras que Bovio, su novio (luego esposo) el bajista Johan van Stratum y el productor Joost van den Broek (teclista de After Forever) se encargaron de las tareas de composición. En 2009 se lanza «The Flame Within» y en 2011 «Darker Days». «A War of Our Own» es el cuarto y último álbum de estudio de la banda, lanzado después de dejar Napalm Records, financiándolo a través de crowdfunding. Las donaciones a la campaña permanecieron abiertas durante 3 meses, con el objetivo de recaudar 25.000 euros para producir el nuevo álbum. La campaña finalmente generó casi el doble del objetivo, finalizando en 43.881 euros. Como recompensa para sus fans tras superar su objetivo secundario de 40.000 euros, la banda grabó un conjunto acústico de canciones, exclusivamente para aquellos que habían contribuido a la financiación del álbum. La banda lanzó un álbum en vivo titulado «Memento» y realizó un espectáculo final el 28 de diciembre de 2016, momento en el que la banda dejó de existir. Actualmente Marcela Bovio es miembro de la banda holandesa de death metal sinfónico MaYaN.

Otra banda holandesa de death metal sinfónico fundada por el vocalista y guitarrista Mark Jansen, el guitarrista Frank Schiphorst y el teclista Jack Driessen. La banda cuenta con muchos vocalistas diferentes (ya sean miembros de tiempo completo o invitados) en una mezcla de voces limpias, y voces guturales, apoyados por una instrumentación que combina elementos de death metal y metal sinfónico. Creada en 2010, la banda ha lanzado tres álbumes de estudio hasta la fecha, «Quarterpast» en 2011, «Antagonize» en 2014 y «Dhyana» en 2018. En 2013, la soprano italiana Laura Macrì y el vocalista Henning Basse, quienes fueron invitados y miembros de la gira del primer álbum, se convirtieron en miembros a tiempo completo de la banda. Ese mismo año el guitarrista de la banda Isaac Delahaye (Epica) abandona la banda, la guitarrista Merel Bechtold (Purest of Pain) lo sustituyó en la gira, y se convirtió en miembro permanente. En 2015, Rob van der Loo (Epica) abandona el grupo, Roel Käller tomó su lugar como bajista. Además de eso, George Oosthoek (ex- Orphanage) se unió a la banda como vocalista gutural. En 2017 Marcela Bovio, colaboradora habitual de la banda desde 2013, se convertía en nuevo miembro de MaYaN. El vocalista Henning Basse dejó la banda en 2018, citando conflictos de programación, mientras seguía apareciendo como invitado. Adam Denlinger, quien comenzó a hacer giras con una banda en 2017, se convirtió en el nuevo vocalista. La mayoría de componentes (presentes y pasados) de MaYaN esta o han estado en esta otra banda Holandesa llamada Epica.

Inicialmente llamados Sahara Dust y con Helena Michaelsen de Trail of Tears como vocalista, pero que fue reemplazada por la entonces desconocida Simone Simons, quien era la novia de Jansen en ese momento. La formación de la banda la completaron el guitarrista Ad Sluijter, el batería Jeroen Simons, el bajista Yves Huts y el teclista Coen Janssen. Posteriormente, el nombre se cambió a Epica, inspirado en el álbum del mismo nombre de Kamelot. «The Phantom Agony», lanzado en 2003 es el primer álbum de Epica. «Consign to Oblivion» siguió en 2005 y debutó en el puesto 12 en las listas holandesas. También en 2005 lanzan «The Score – An Epic Journey», la banda sonora de una película holandesa llamada «Joyride» que consta de temas instrumentales a excepción de cuatro canciones. En 2007, lanzaron su tercer álbum de estudio, «The Divine Conspiracy», que se ubicó en el número 9 en los Países Bajos. En 2008, Epica grabó «The Classical Conspiracy», su primer álbum en vivo lanzado en 2009. El show en vivo tuvo lugar en Miskolc, Hungría el 14 de junio de 2008, en el marco del Festival de Ópera de Miskolc. Incluía una orquesta de 40 piezas y un coro de 30 piezas, y el setlist contenía no solo las canciones de la banda, sino también música clásica, extractos de óperas y bandas sonoras de películas. «Design Your Universe» de 2009 obtuvo un éxito aún mayor, debutando en el número 8 en la lista de álbumes holandeses y en las listas de Europa. El quinto álbum de estudio de Epica «Requiem for the Indifferent» fue lanzado en 2012, alcanzando el éxito internacional, ingresando en el Billboard 200 de EE.UU. en el numero 104 y en la lista de álbumes de Japón en el numero 172. Para celebrar su décimo aniversario Epica lanzo su tercer álbum en vivo, «Retrospect», grabado en Eindhoven, Países Bajos, el 23 de marzo de 2013. Epica se presentó en el escenario con la misma orquesta que acompañó al grupo en su anterior directo extendida de 70 piezas, y al igual que entonces Epica tocó algo de música clásica, extractos de óperas y bandas sonoras de películas. El álbum fue lanzado en CD, DVD y Blu-ray. A principios de mayo de 2014, la banda lanzó su sexto álbum, «The Quantum Enigma», que fue un gran éxito internacional, debutando en el puesto 110 en el Billboard 200 de EE.UU. y alcanzando el puesto 4 en Holanda, la tierra natal de Epica. Su séptimo álbum, «The Holographic Principle», fue lanzado en septiembre de 2016 con un éxito internacional continuo, igualando la posición máxima en las listas de éxitos establecida por su predecesor en los Países Bajos. En 2017, la banda lanzó su primer E.P. «The Solace System» con 6 canciones que no fueron incluidas en su anterior trabajo. Tambien se lanzó otro E.P. en Japón titulado «Epica vs Attack on Titan Songs», con versiones de canciones del anime «Attack on Titan». El E.P. se lanzó en todo el mundo el 20 de julio de 2018. La banda publicó su octavo álbum, «Omega», en febrero de 2021. Debido a las numerosas cancelaciones por la pandemia, Epica decidió grabar un espectáculo en streaming titulado «Omega Alive» que fue publicado en cd/vinilo/dvd y blue ray. Sin duda Mark Jansen es el «genio» detrás de Epica, banda que formó tras abandonar After Forever.

Formados en 1995 como una banda de versiones de death metal bajo el nombre de Apocalypse, pero que con la incorporación de la vocalista Floor Jansen en 1997, su estilo y sonido cambiaron hacia el metal gótico sinfónico, para dar protagonismo a su voz de soprano, en contraste con las voces guturales de Sander Gommans y Mark Jansen. Pronto, la banda comenzó a componer sus propias canciones y cambiaron su nombre a After Forever. Su álbum debut «Prison of Desire» fue editado en 2000 y le siguieron, «Decipher» un año mas tarde, «Invisible Circles» en 2004, «Remagine» en 2005 y «After Forever» en 2007. Poco después del lanzamiento de su segundo álbum, el fundador y guitarrista Mark Jansen tuvo un fuerte enfrentamiento creativo con el resto de la banda. Mark Jansen pretendía explorar más a fondo las interacciones complejas entre instrumentos clásicos, coros en latín y elementos de death metal, mientras que Gommans y los demás preferían un enfoque más directo y agresivo de la música, conservando algunos elementos que hicieron reconocible el sonido de la banda, pero expandiéndolo en nuevas y diferentes direcciones. Estas diferencias musicales llevaron a Mark Jansen a dejar la banda. A principios de 2008, After Forever anunció que se tomaría un descanso de al menos un año, principalmente para evaluar los problemas de salud del vocalista y guitarrista Sander Gommans, quien había estado ausente durante la mayor parte de la gira del ultimo álbum «After Forever». El 5 de febrero de 2009, After Forever anunció que decidían dejarlo. La pausa durante 2008 y 2009, les había hecho darse cuenta de que ya no sentían la misma pasión por la banda. Floor Jansen comenzó una nueva banda llamada ReVamp y firmó un contrato con Nuclear Blast en 2010 para su primer álbum homónimo, mas tarde, desde finales de 2012 hasta el verano de 2013, realizó una gira con Nightwish para después convertirse en su vocalista.

Y hasta aquí el blog de este mes, espero que os haya gustado y ya sabéis…Sube el volumen y disfruta!!!…hasta la próxima!!

Episodio Nº37

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Bienvenidos y bienvenidas al blog de Rock en Cadena. Comenzamos el año con una de las bandas mas populares de la escena del Glam Metal americano de mediados de los 80. Su imagen y sobre todo sus letras fueron objeto de amor y odio a partes iguales, convirtiéndose en la primera banda de rock cristiano en llamar la atención del mundo del heavy metal. Ellos son Stryper.

De Roxx Regime a Stryper.

«Eric Johnson, Robert y Michael Sweet (1981)»

Alrededor de 1978/79 los hermanos Sweet, Michael (voz y guitarra) y Robert (batería) ya tocaban en salas de Hollywood bajo el nombre de Roxx junto al bajista Eric Johnson y el guitarrista Richard Ordoubeghan (aunque se dice que el primer nombre que utilizaron fue Firestorm). Ya en los 80 cambian a Roxx Regime para evitar confusiones con otra banda. El guitarrista Richard Ordoubeghan, fue uno de esos integrantes que salió antes de iniciarse el grupo dejando a Roxx Regime como trio. En 1982 Eric Johnson abandona el grupo, uniéndose dos nuevos miembros: John Voorgees (bajo) y Scott Lane (guitarra). Con el nombre de Roxx Regime, la banda comenzó a tocar en clubes nocturnos de Los Ángeles, compartiendo escenario con bandas como Bon Jovi, Poison, Ratt, Motley Crue o Metallica.

«Michael Sweet, Scott Lane, John Voorgees y Robert Sweet»

Inspirándose en bandas como Van Halen, pero no conformes con su mensaje, los hermanos Sweet deciden enfocar a la banda hacia su visión de la vida cristiana y sus fuertes creencias religiosas. Mas adelante el guitarrista Richard Martinez (mas conocido como Oz Fox) se unió a la banda. Antes, varios guitarristas estuvieron a las puertas de unirse a Roxx Regime, incluidos Doug Aldrich (Dio, Whitesnake) y C.C. DeVille (Poison). Poco después entra en la banda el bajista Tim Gaines, completando así la formación «clásica» de la banda.

«Tim, Robert, Michael y Oz antes de convertirse en Stryper»

Al mismo tiempo el grupo decide cambiar su nombre a Stryper, sacado de un pasaje de Isaías 53:5 de una versión de la Biblia conocida como «King James Version» (una traducción al inglés de la Biblia cristiana para la Iglesia de Inglaterra, que se encargó en 1604 y se publicó en 1611, por encargo del rey Jacobo VI de Inglaterra). En una de las partes del pasaje dice: «By His stripes we are healed» (por sus heridas fuimos sanados). El batería Robert Sweet creo un anacronismo del nombre de la banda: «Salvation Through Redemption, Yielding Peace, Encouragement and Righteousness» («la salvación por medio de la redención, que da paz, aliento y justicia»). La banda atrae la atención del sello Enigma, que los ficha, sugiriendo un cambio de nombre, cosa que no es aceptada por la banda. El 21 de julio de 1984, lanzaron el E.P «The Yellow and Black Attack» que incluia seis canciones, y del que se imprimieron menos de 20.000 copias, ya que su sello no estaba seguro del mercado potencial del metal cristiano. Durante este período, Stryper abrió para bandas como Ratt y Bon Jovi, lo que llevó a algunos fans y críticos a afirmar que no eran una verdadera banda cristiana.

Primer álbum y directos a la fama.

El primer álbum de larga duración de Stryper, «Soldiers Under Command», lanzado el 15 de mayo de 1985, fue el primer disco de oro de la banda, convirtiéndose además en el primer álbum de metal cristiano en alcanzar dicha distinción. El álbum se publicó originalmente en vinilo blanco. Aprovechando este inesperado éxito, y en un intento de compensar el lanzamiento extremadamente limitado del E.P. anterior, su sello discográfico relanzó «The Yellow and Black Attack» el 10 de agosto de 1986 con dos nuevos temas y una nueva portada. Ese mismo año se publica el video en directo «Live in Japan», filmado el 8 de julio de 1985 durante la gira de Stryper en apoyo de su primer álbum.

El tercer álbum de Stryper, «To Hell with the Devil», fue lanzado el 24 de octubre de 1986 y fue platino después de pasar tres meses en las listas de álbumes de Billboard, finalmente vendió más de 2 millones de copias. Además de ser el disco más exitoso de Stryper, fue tanto el primer álbum de música cristiana contemporánea como de metal cristiano en lograr esta hazaña, y se mantuvo como el disco de metal cristiano más vendido hasta la publicación del álbum de POD «Satellite» de 2001. Los tres sencillos fueron éxitos tremendamente populares de MTV en 1987, siendo de las canciones más solicitadas en el programa Dial MTV. También fueron la segunda banda cristiana en salir en MTV. El sencillo «Honestly» es la canción más alta en listas de Stryper, alcanzando el puesto 23 en las listas Top 40. El álbum recibió una nominación a los Grammy a la mejor interpretación gospel por un dúo, grupo o coro.

«Matt Hurich y sus 15 minutos de gloria»

El bajista Tim Gaines no participó en la grabación de «To Hell with the Devil», al parecer Michel Sweet pensaba que no era el bajista adecuado para la grabación del álbum. Durante un breve período de tiempo antes del lanzamiento del disco fue reemplazado por Matt Hurich. Hurich no estuvo con la banda más de un mes, aunque se le «equipó» con un bajo rayado y un traje de carreras amarillo y negro e incluso aprecio en fotos promocionales del álbum. Finalmente Brad Cobb tocó el bajo en el álbum. Sin embargo, cuando se tomaron las fotos promocionales del álbum, Gaines regresó a la banda y posteriormente participó en su exitosa gira mundial. En 1987, la banda encabezó el Dynamo Open Air Festival en los Países Bajos. A mediados de 1986, Kenny Metcalf (teclista de directo desde los inicios de la banda) abandonó la gira y fue reemplazado por Brent Jeffers, quien luego estuvo de gira con Stryper hasta 1990.

El cuarto álbum de Stryper, «In God We Trust», lanzado el 28 de junio de 1988, también fue oro, y la canción «Always There for You» entró brevemente en los niveles más bajos de las listas de éxitos, alcanzando el puesto 71 a pesar de ser otro gran éxito en MTV. Sin embargo, el sonido del álbum estaba más orientado al pop que los lanzamientos anteriores y varios críticos, así como fans de Stryper, criticaron el disco por estar sobre producido. Además, la imagen de la banda se acercaba aún más al look glam metal de la época, dando a los fans algo más que criticar. Estos factores llevaron a menores ventas, y el álbum pasó solo cinco semanas en las listas de Billboard. El segundo sencillo alcanzó su punto máximo en el puesto 88 y un tercer sencillo ni tan siquiera llegó a las listas. Como en el disco anterior, Tim Gaines no participó en la grabación (Brad Cobb volvió a tocar el bajo) pero luego se reincorporó al grupo para otra gira mundial. In God We Trust obtuvo dos premios GMA Dove (algo así como los Grammys católicos) por «Hard Music Album» y «Hard Music Song» por la canción que daba titulo al álbum.

Declive y ruptura.

«Adios al amarillo y negro»

El 21 de agosto de 1990, Stryper lanzó el controvertido álbum «Against the Law», que cambió drásticamente la imagen y el mensaje lírico de la banda. Si bien todos sus álbumes anteriores tenían colores amarillo y negro en las portadas y la letra hablaba de Dios y la salvación, «Against the Law» presentaba a la banda con ropa de cuero negro y sin ninguna mención de la palabra «Dios» en sus letras. El sonido de la banda también era más pesado, más cercano al metal clásico. El bateria Robert Sweet dijo que el cambio de imagen y sonido fue en respuesta a las críticas del álbum anterior y un intento de dejar atrás su imagen de glam metal. El álbum se vendió mal. Esto se debió en parte a los rumores en la prensa (tanto convencional como cristiana) de que la música de Stryper tenía una tendencia hacia un sonido más convencional a medida que su fe cristiana se debilitaba. Los singles y sus correspondientes videos no tuvieron en MTV la repercusión de antaño. A pesar de todo ello, muchos críticos consideraban el álbum como la mejor producción musical de Stryper hasta la fecha.

El 20 de julio de 1991, después de firmar con Hollywood Records por el ejecutivo del sello Wesley Hein (quien originalmente los había firmado para Enigma Records ), Stryper lanzó una colección de grandes éxitos llamada «Can’t Stop the Rock», que incluía dos nuevas canciones. La banda continuó de gira hasta febrero de 1992, cuando el líder Michael Sweet dejó la banda para emprender una carrera en solitario citando diferencias artísticas. A principios de 1992, Stryper cumplió algunos compromisos en Europa como trío con Oz Fox como voz principal así como dos shows en Estados Unidos con Dale Thompson, vocalista de la banda de metal cristiano Bride, con la esperanza de que se uniera a la banda. Durante uno de los conciertos Robert Sweet anunció inesperadamente que Dale Thompson sería su nuevo cantante principal. Esto, sin embargo, fue luego negado por Thompson. A principios de 1993, la banda tocó en varias fechas europeas más como un trío con su último concierto el 27 de marzo de 1993 en Suiza. Al regresar a los Estados Unidos, los miembros restantes decidieron tomar caminos separados.

Reunión.

En 2000, se llevó a cabo la primera «Stryper Expo» en Nueva Jersey, y por primera vez en 8 años se subió al escenario la alineación completa de Stryper. Ese mismo año, se realizó un concierto en Costa Rica en el que tocaron los cuatro integrantes. Una segunda «Stryper Expo» tuvo lugar en Los Ángeles en 2001. En 2003 Hollywood Records pidió a los ex miembros de Stryper que grabaran pistas para un nuevo grandes éxitos. El recopilatorio fue lanzado ese mismo año bajo el titulo de «7: The Best of Stryper», con el añadido de dos nuevas canciones, marcando la primera música nueva de Stryper desde principios de la década de 1990. A este nuevo lanzamiento le siguió una gira de apoyo, tocando 36 shows en los Estados Unidos y acabando la gira en San Juan, Puerto Rico. En 2004 se lanzó «7 Weeks: Live in America, 2003» el octavo lanzamiento y el primer álbum en vivo de la banda, registrado durante la gira de reunión de la banda en 2003. Además se grabó un DVD en vivo, titulado «Stryper: Live in Puerto Rico» durante su concierto en San Juan, Puerto Rico. En principio debía de acompañar al C.D. Finalmente el DVD se lanzó en septiembre de 2006. Ese espectáculo en Puerto Rico resultó ser el último de la formación original de Stryper ya que Gaines y la banda se separaron en 2004. El bajista Tracy Ferrie lo reemplazó.

La banda decidió continuar de gira en 2004 y en 2005 su publica «Reborn», el primer álbum de larga duración con material nuevo desde «Against the Law» en 1990. «Reborn» estaba programado para ser un disco en solitario de Michael Sweet, pero el resto de la banda lo vio como un disco de Stryper. Michael Sweet convenció a su discográfica (Big3 Records), que lo había contratado para un lanzamiento en solitario, de convertirlo en un contrato discográfico con Stryper. El sonido del álbum es más contemporáneo en comparación con sus discos anteriores. También es más pesado con un sonido más maduro que su material anterior. «Reborn» fue lanzado con una variedad de carátulas, según el formato y la región. La portada alternativa de EE.UU. se creó para los medios discográficos (como las librerías cristianas) donde la portada original podía haber sido percibida como demasiado perturbadora u ofensiva.

El 21 de julio de 2009 se publico «Murder by Pride». Un año antes, el primer sencillo del álbum, «Peace of Mind», debutó en el numero 27 en Christianrock.net el y alcanzó el puesto 1 el 22 de febrero de 2009. La pista es una versión de Boston. Michael Sweet fue miembro de gira de Boston durante varios años, antes de separarse amistosamente en 2011. Robert Sweet no tocó en el álbum porque perdió el C.D. con las demos y no pudo aprender el material a tiempo para grabar. Según Michael Sweet , habría tardado entre siete y diez días más en grabar la batería con Robert, pero no tenían el tiempo ni el presupuesto para hacerlo. Como resultado, Kenny Aronoff grabó las partes de batería en tan solo tres días. Robert Sweet estuvo presente en la gira que apoyó el álbum, así como en la conmemoración del 25 aniversario de Stryper. En 2010 Tim Gaines vuelve a la banda publicando principios de 2011 «The Covering», una colección de doce versiones de bandas que inspiraron y ayudaron a Stryper a dar forma al sonido y la identidad musical de la banda. El álbum también incluye un nuevo tema. La banda, cambio de compañía y firmó un contrato con Frontiers Records quien lanzó en 2013 «Second Coming» con catorce canciones clásicas regrabadas, así como dos canciones nuevas. A finales de año se pone a la venta un nuevo álbum «No More Hell to Pay», de nuevo con un sonido mas moderno y maduro, sin perder las melodías y el sello característico de Stryper. El álbum vendió alrededor de 9,600 copias en los Estados Unidos en su primera semana de lanzamiento, debutando en la posición numero 35 en la lista Billboard 200, siendo el segundo álbum cristiano más vendido la misma semana. En las otras listas, fue el álbum numero 6 más vendido en la lista Top Rock Albums, el numero 3 Top Hard Rock Albums, y se ubicó en el numero 6 en la lista de los álbumes independientes.

En 2014 se lanzó el CD/DVD «Live at the Whiskey», grabado en el mítico Whiskey A Go Go. Un año mas tarde se publica «Fallen». El álbum continua con el sonido de su anterior trabajo. En septiembre de 2016, Michael Sweet anunció que la banda haría una pausa debido a problemas personales que afectaban al bajista Timothy Gaines. La pausa comenzó cuando la banda completó la gira del 30 aniversario de «To Hell With the Devil». Sweet dijo que no continuarán sin Gaines ya que la banda hizo un pacto para permanecer juntos. Gaines confirmó mas tarde que ya no era miembro de la banda. El resto de componentes emitió un comunicado informando que Gaines había sido despedido de la banda. Gaines afirmó que lo habían expulsado de la banda después de recibir un ultimátum. Perry Richardson (ex Firehouse) fue anunciado como el nuevo bajista el 30 de octubre de 2017. en 2018 se publica «God Damn Evil» con John O’Boyle como bajista, ya que Perry Richardson no pudo hacerlo debido a conflictos de programación. El título del álbum («Maldita sea la maldad») fue objeto de controversia y algunas tiendas de música cristiana e incluso la cadena de supermercados Walmart se negaron a vender el C.D.

«Lo mas reciente de Stryper»

En 2020 se publicó «Even the Devil Believes», ultimo trabajo de Stryper hasta la fecha. El guitarrista Oz Fox se sometió a principios de marzo de 2021 a una primera cirugía cerebral para extraer dos tumores que le fueron detectados en 2018. El guitarrista Howie Simon, habitual miembro de la banda de Jeff Scott Soto, sustituyó a Fox en varios conciertos. A día de hoy Fox esta totalmente recuperado. Hace escasamente unos meses Stryper informo de la creación de un documental de la banda en forma de crowfunding, donde además los fans pueden contar sus vivencias y anécdotas relacionadas con el grupo.

Musica, imagen y religion.

«¿De lado se toca mejor?»

Durante la década de 1980, Stryper representó el popular estilo glam metal de la época, caracterizado por interpretaciones altamente visuales, melenas que desafiaban a la ley de la gravedad, solos dobles de guitarra y los gritos agudos de Michael Sweet. Un elemento característico de la banda era que todos sus atuendos, decorados e instrumentos estaban pintados con rayas amarillas y negras. La banda explicó el simbolismo de las rayas: una referencia directa a los latigazos que Poncio Pilato ordeno dar a Jesús. Una característica de los directos de la banda fue la práctica del batería Robert Sweet de girar su enorme batería de lado a la audiencia para que la multitud pudiera verlo tocar.

«Con salmos y proverbios…metal y salvación»

Otra de sus peculiaridades de sus actuaciones era la de arrojar al publico Biblias (ediciones del Nuevo Testamento con las etiquetas adhesivas del logotipo de la banda adheridas a ellas. Como protesta contra los símbolos «666» populares entre muchos fanáticos del heavy metal de la época, Stryper promovió un símbolo numerológico alternativo: el numero «777», que posteriormente se volvió bastante popular entre los metaleros cristianos. Aunque la Biblia no hace referencia al número «777» (a diferencia del 666, que se menciona en El libro de Apocalipsis como El número de la bestia ), el número «777» es tradicionalmente (en el simbolismo cristiano) asociado con la perfección divina. En algunos de los escenarios de la banda aparecen tachados el «666» o la palabra «DEVIL» (diablo).

«El grupo consigue que los huraños fans de Twisted Sister aplaudan y señalen con los dedos rechonchos hacia el cielo, una refutación del saludo con dos dedos de los «cuernos del diablo» de muchos grupos de metal.

Los Angeles Times (1985)

Stryper fue la primera banda de heavy metal abiertamente cristiana en ganar reconocimiento en el mundo de la música convencional. «The Yellow and Black Attack» fue impulsado por el éxito del grupo en Japón, que se debió en gran parte al respaldo de la banda por parte del famoso crítico de rock Masa Itoh, el hombre que gobernó la escena del hard rock/ metal japonés. Itoh había oído hablar de Stryper, se puso en contacto con su manager Daryn Hinton y le gustó lo que escuchó. Cuando le dio a la banda una crítica positiva en la biblia del heavy metal de Japón, la revista ¡Burrn! y «pinchó» el álbum en su programa de radio, Stryper de repente se encontró en la cima del metal en Japón con un disco que estaba vendiendo más que Mötley Crüe, Bon Jovi y todas las demás bandas de metal. Esto llevó a la banda a firma con CBS Sony en Japón. Stryper no ha estado libre de controversias. Muchos críticos cristianos no aprobaron la asociación del grupo con la subcultura del heavy metal, que a menudo se ha asociado con imágenes satánicas. Otros detractores cristianos vieron los llamativos trajes de la banda como incongruentes con la modestia en la vestimenta que a menudo se asocia con los practicantes sinceros del cristianismo devoto. ​​El televangelista Jimmy Swaggart fue especialmente crítico con la banda, comparando la práctica de Stryper de distribuir el Nuevo Testamento en sus shows con «arrojar perlas a los cerdos». Sin embargo, la critica de Swaggart no fue una sorpresa, ya que Stryper fue apoyado por el rival de Swaggart, Jim Bakker, quien aparecía en los agradecimientos de varios álbumes del grupo. Stryper ha vendido más de 10 millones de discos en todo el mundo, y se estima que dos tercios de sus álbumes fueron comprados por no cristianos. El ultimo miembro den incorporarse a Stryper, Perry Richardson, nos lleva a la siguiente banda, FireHouse.

Formados en 1984 por el guitarrista Bill Leverty y el batería Michael Foster miembros de White Heat a quienes se les unieron el vocalista C.J. Snare y el bajista Perry Richardson procedentes de la banda Maxx Warrior. Dado que el nombre de la banda de Leverty y Foster (White Heat) estaba registrado, la banda eligió FireHouse en su lugar. En diciembre de 1989, Michael Caplan de Epic Records vio a la banda en directo e inmediatamente les ofreció un contrato discográfico. En 1990, se lanzó el álbum debut homónimo de la banda con gran recibimiento por parte de la critica, vendiendo más de dos millones de copias en los Estados Unidos siendo certificado doble platino. El tercer y más exitoso single de la banda, alcanzó el tercer lugar vendiendo más de 500.000 copias. El álbum se convirtió en oro en Canadá, Singapur y Japón. La banda siguió su impresionante debut con «Hold Your Fire» de 1992. Aunque no alcanzó el éxito de su predecesor, debido a la reciente explosión del grunge y el rock alternativo, «Hold Your Fire» produjo tres sencillos y fue certificado oro en los Estados Unidos. La balada «When I Look into Your Eyes» se convirtió en el único single en llegar al Top 10 en los Estados Unidos. En 1995 se publica su tercer álbum titulado «3» y a pesar de ser algo mas flojo que los anteriores lanzamientos y de la disminución de éxito en Estados Unidos este álbum les dio mas éxito en el exterior que ningún otro. Fue certificado oro en varios países asiáticos, lo que le dio a la banda la oportunidad de realizar giras en países como India y Tailandia. El sencillo principal del álbum fue la tercera balada Top 20 de la banda en los Estados Unidos. FireHouse fue la única banda de su género que logró tener un éxito Top 20 en 1995, sin haber hecho cambios drásticos en su sonido. «Good Acoustics» Fue lanzado en 1996. El álbum contó con versiones acústicas de varios de los mayores éxitos de la banda además de incluir cuatro canciones nuevas. El álbum fue certificado oro en seis países de todo el mundo, incluidos Malasia, Tailandia y Filipinas lo que hizo que la banda realizaras mas giras por el sudeste Asiático. Poco después, la banda pidió ser liberada de su contrato debido a la falta de promoción de su sello en los Estados Unidos, firmando con Pony Canyon de Japón, con los que lanzaron en 1998 (en 1999 en los Estados Unidos) «Category 5». El álbum presentaba un sonido diferente y más experimental en comparación con los álbumes de hard rock anteriores de la banda. El 22 de abril de 1999, FireHouse grabó un show en vivo en Osaka, Japón y lo lanzó a finales de ese año bajo el título de «Bring ‘Em Out Live». En 2000, la banda se separó del bajista Perry Richardson debido a un conflicto personal y contrató a Bruce Waibel, quien había tocado en The Gregg Allman Band durante 10 años. Ese mismo año lanzan su siguiente álbum, «O2». Tras la gira de 2002, Waibel se separó de la banda para pasar más tiempo con su familia. Un año después, Waibel murió inesperadamente a los 45 años. Inicialmente, Waibel fue reemplazado por el brasileño Dario Seixas, quien tocó el bajo en el siguiente álbum de la banda publicado en 2003 (de nuevo editado un año mas tarde en EE.UU.), «Prime Time», pero Seixas dejó la banda poco después, por lo que FireHouse anunció a Allen McKenzie como nuevo bajista. En 2011, la banda lanzó su octavo álbum de estudio titulado «Full Circle», que incluía versiones regrabadas de algunas de sus canciones más populares. Uno de sus ex componentes, el bajista brasileño Dario Seixas, nos lleva a la siguiente banda o mejor dicho al proyecto del ex batería de Scorpions Herman Rarebell y su proyecto en solitario.

Bajo el nombre de Herman Rarebell & Friends se presenta el que fuera batería de Scorpions, Herman Rarebell con álbum publicado en 2014 titulado «Herman’s Scorpions Songs», donde se incluyen, además de un tema nuevo, versiones de clásicos de su ex banda con diferentes vocalistas, incluyendo Don Dokken (Dokken), Jack Russell (Great White), Tony Martin (Black Sabbath) o Doogie White (Rainbow). También cuenta con el ya mencionado Dario Seixas al bajo, el guitarrista Chris Hasler y el español José Antonio Rodríguez (guitarrista de flamenco que ya participó en el anterior trabajo del alemán donde también tocaba temas de Scorpions en formato acústico). Quien participa en el álbum, y de forma muy activa, es el musico alemán Michael Voss (Mad Max) cantando uno de los temas además de tocar la guitarra y el bajo, grabar, mezclar y masterizar el álbum. Voss fue en los 90 musico de gira de Bonfire y miembro de esta banda de hard rock llamada Casanova.

Banda creada a principios de la década de 1990 por el productor Henry Staroste, y formada por el cantante y guitarrista Michael Voss el batería Michael Eurich, el bajista Jochen Mayer y el guitarrista Stephan Neumeier. El álbum debut homónimo de la banda fue lanzado en 1991 por WEA Records. Casanova ganó un gran numero de fans en el territorio asiático, dando como resultado el E.P. en vivo «Inbetween», también lanzado en 1991. En 1992 se publica el siguiente álbum, “One Night Stand” que vio al bajista Jurgen Attig dejar la banda siendo reemplazado por Jochen Mayer, además de otro E.P. «One of These Days». En 1993 se lanza el disco acústico «Some Like It Different…Acoustic», que fue producido por el guitarrista de Accept Wolf Hoffmann. La era del grunge puso punto y final en la relación entre la banda y el sello discográfico. Años después la escena musical volvió un poco a la normalidad y una fantástica oferta de Japón en 1999 dio como resultado un nuevo álbum que se tituló «Heroes», seguido del E.P. «Sway». En 2004 se publico «All Beauty Must Die» lo que a día de hoy es su ultimo trabajo. El batería de Casanova, Michael Eurich fue miembro de esta otra banda germana llamada Warlock.

El primer núcleo de la banda se formó bajo el nombre de Snakebite en Düsseldorf, Alemania, en 1980, y estaba compuesto por Doro Pesch a la voz, Michael Bastian a la guitarra, Frank Rittel al bajo y Thomas Franke a la batería. Franke pronto fue reemplazado por Michael Eurich y, justo antes de disolverse, Snakebite adquirió al zurdo Peter Szigeti como segundo guitarrista. En octubre de 1982 Pesch, Szigeti y Eurich formaron una nueva banda con Thomas Studier al bajo y el guitarrista Rudy Graf, a quien se le ocurrió el nombre de Warlock. Después de grabar una demo de cuatro temas y enviarla a varios sellos discográficos y revistas de música, la banda obtuvo un contrato con el sello independiente belga Mausoleum Records. Frank Rittel se unió a Warlock en el bajo antes de que comenzaran a grabar su álbum debut «Burning the Witches» publicado en 1984. El álbum fue bien recibido por la crítica y los fans y Warlock realizaron una gira por primera vez fuera de Alemania. Desafortunadamente, la mala distribución y la mala financiación de la gira por parte del sello discográfico paralizaron el potencial comercial del álbum, dejando a la banda profundamente insatisfecha con Mausoleum. A principios de 1985, la banda firmó un contrato con el sello Phonogram y grabó su segundo álbum «Hellbound», lanzado en mayo de 1985 por Vertigo Records en Europa. La banda comenzó a recibir atención de los medios y apareció en programas de televisión en el Reino Unido y Alemania. Su primera gira europea los llevó al Camden Palace Theatre de Londres, donde se filmó el concierto para el primer video de Warlock, «Metal Racer». La presentación en vivo de Warlock fue recibida con una crítica muy positiva en la revista británica Kerrang!. Tras la gira el guitarrista Rudy Graf dejó la banda y fue reemplazado por Niko Arvanitis. Esta formación grabó el álbum «True as Steel» publicado en 1986 y mezclado en Estados Unidos por Michael Wagener. El álbum no fue un gran éxito, pero en Alemania se convirtió en el álbum de Warlock que más alto llego en las listas de ventas, alcanzando el número 18, además de obtener una buena difusión en la radio en los EE.UU. El 16 de agosto de 1986, Doro Pesch fue la primera mujer en encabezar una banda en el festival Monsters of Rock en Castle Donington, Inglaterra, donde Warlock tocó en el mismo escenario de Motörhead, Def Leppard, Ozzy Osbourne y Scorpions. Después de la gira de «True as Steel», Pesch pasó un tiempo en los Estados Unidos con el nuevo manager Alex Grob para promover la banda y organizar giras y grabaciones en Estados Unidos. Al mismo tiempo, Szigeti y Rittel decidieron dejar la banda, aparentemente reacios a afrontar el compromiso que implicaría un traslado a Estados Unidos. Fueron reemplazados por los músicos estadounidenses Tommy Bolan y Tommy Henriksen.

«El triunfo y la agonía»

Con la nueva formación, Warlock grabó en Estados Unidos su cuarto y último álbum de estudio, «Triumph and Agony» , publicado en 1987 y convirtiéndose en el álbum más vendido de Warlock, obteniendo el oro en Alemania y el puesto 80 en la lista de álbumes Billboard 200 de EE.UU. Tras la gira Eurich y Arvanitis abandonaron la banda y fueron reemplazados por el batería Bobby Rondinelli (ex Rainbow) y el guitarrista Jon Levin (actual guitarrista de Dokken que a veces aparecía etiquetado erróneamente como Jon Devin). A finales de 1988, Doro Pesch seguía siendo el único miembro original y el único alemán que seguía en la banda. En ese momento, Peter Zimmermann, el ex-mánager de la banda, demandó por los derechos del nombre y el merchandiding de la banda, y ganó. Pesch continuó luchando por el nombre, pero aceptó la proposición del sello discográfico para cambiar el nombre de la banda a DORO para continuar su carrera en solitario. Doro Pesch se reunió con Szigeti, Arvanitis, Rittel y Eurich para actuar como Warlock en su concierto de celebración del 20 aniversario en Düsseldorf el 13 de diciembre de 2003 y más tarde en el festival Wacken Open Air de 2004. Más problemas legales sobre el uso del nombre Warlock se produjeron con el ex guitarrista de la banda Rudy Graf y desde entonces las apariciones de la banda reunida en festivales y conciertos especiales fueron anunciadas como Warlock 1986. En 2011, después de años de batallas legales, Pesch finalmente recuperó los derechos sobre el nombre de Warlock. Frank Rittel, Peter Szigeti y el ex batería de Snakebite (germen de Warlock) Thomas Franke tocaron en 1987 en el primer álbum en solitario del ex cantante de Accept Udo Dirkschneider.

Tras la salida de Udo Dirkschneider de Accept en 1987, formó su propia banda llamada UDO. Reclutó a los guitarristas Mathias Dieth y Peter Szigeti, al bajista Frank Rittel y al batería Thomas Franke. Lanzaron su álbum debut titulado «Animal House» en 1987, que fue escrito íntegramente por el tandem habitual de compositores de Accept., los propios miembros de la banda Accept y Deaffy (Gaby Hoffmann, manager de la banda y casada con su guitarrista Wolf Hoffmann). El siguiente álbum, «Mean Machine», fue lanzado en 1989. La banda cambió a un enfoque más ligero con el tercer álbum «Faceless World», publicado en 1990, logrando un gran éxito, convirtiéndose en su álbum más vendido hasta ahora. Fue producido por el ex batería de Accept Stefan Kaufmann, quien mas tarde pasaría a formar parte de la banda como guitarrista. El cuarto álbum «Timebomb» se publicó un año después. En 1996, tras su segunda salida de Accept, Dirkschneider reactivó UDO, publicando en 1997 «Solid», al que siguió «No Limits» de 1998 y «Holy» de 1999. La gira generó el primer álbum en vivo «Live from Russia», un doble CD con muchas de las canciones clásicas de Accept que fue lanzado en 2001,. Mas tarde llegarían «Man and Machine» (2002), «Thunderball» (2004) y «Mission No. X» (2005), acabando la segunda década del año 2000 con «Mastercutor» de 2007 y «Dominator» de 2009. El decimotercer álbum de estudio de UDO, «Rev-Raptor» fue lanzado en 2011. En 2012, Stefan Kaufmann anunció su salida de la banda por motivos de salud, un año mas tarde UDO publica «Steelhammer». En 2015, coincidiendo con la incorporación a la banda del hijo de Udo Dirkschneider, Sven a la batería, se publica el decimoquinto álbum de estudio de UDO, «Decadent». «Steelfactory» se editó en 2018 y durante la gira de 2020 se graba en vivo la actuación del 18 de septiembre en Plovdiv (Bulgaria), para lanzarlo en 2021 bajo el titulo de «Live In Bulgaria 2020 – Pandemic Survival Show». El decimoséptimo álbum de estudio «Game Over» fue lanzado poco después. Udo Dirkschneider saltó a la fama como vocalista de la banda Accept, quienes ya fueron protagonistas de uno de los episodios del blog https://rockencadena.home.blog/2018/12/19/programa-no2/, y precisamente con ellos continuamos y con el álbum que el grupo publicó tras la salida del pequeño Dirkschneider.

Tras la marcha de Udo Accept comenzó a audicionar vocalistas. La banda probó a algunos cantantes, incluidos Michael White (vocalista de The Boyz, banda de los Dokken Lynch y Brown), Ken Tamplin (Shout) y Rob Armitage, con el que grabaron algunas demos e incluso presentaron en fotos promocionales y entrevistas de revistas de metal. Armitage también actuó en vivo con la banda y uno de los shows con él fue reseñado por la revista Metal Hammer. Sin embargo, se eligió al vocalista estadounidense David Reece y esta nueva formación grabó y lanzó «Eat the Heat» en 1989.

«Accept 1989»

Fue grabado en Dierks-Studios, propiedad del famoso productor alemán Dieter Dierks (quien produjo el álbum). A pesar de que Jim Stacey se presenta como guitarra ritmica en el álbum, en los créditos se indica que todo el trabajo de guitarra fue interpretado por Wolf Hoffmann. Jim Stacey tocó en vivo con la banda hasta «Blood of the Nations» de 2010. Udo contribuye en los coros de uno de los temas del álbum e incluso tocó uno de ellos con su banda UDO en la recopilación de 2001 «A Tribute to Accept II». Accept más tarde grabó «Generation Clash II» basado en «Generation Clash» con Udo Dirkschneider en la voz para su álbum de 1994 «Death Row». La primera etapa de la gira consistió en actuaciones de la banda como cabeza de cartel en pequeños clubes de los Estados Unidos durante aproximadamente dos meses. Kaufmann sufrió una lesión en la espalda durante este período y fue reemplazado por el batería de House of Lords, Ken Mary. Accept luego comenzó la gira norteamericana de W.A.S.P como grupo invitado junto a Metal Church. La gira en general fue una decepción, plagada de bajas cifras de asistencia y una incapacidad para conquistar al publico estadounidenses al que la banda esperaba atraer con esta nueva formación. La banda decidió que sin Kaufmann, y con las diferencias que surgieron con Reece (incluida una supuesta pelea detrás del escenario en el Vic Theatre de Chicago entre Reece y Baltes), era hora de cesar sus actividades por el momento lo que llevó a la banda a separarse, cancelando la gira poco después. Poco después el bajista Peter Baltes pasó a formar parte de la banda que acompaño al vocalista de Dokken en su primer trabajo en solitario.

A finales de la década de 1980, la tensión personal entre Dokken y Lynch pasó factura a la banda. En 1988, después de la gira Monsters of Rock Tour y un nuevo álbum de platino, Don Dokken decidió romper la banda y los miembros de Dokken tomaron caminos separados. Don Dokken originalmente quería continuar bajo el apodo de Dokken, pero dado que los otros tres miembros compartían la propiedad parcial sobre el nombre del grupo se vio obligado a publicar su próximo álbum con su propio nombre, convirtiéndose en su primer álbum en solitario. El álbum, titulado «Up from the Ashes», fue lanzado en 1990 y era muy similar al sonido de Dokken. Este proyecto era una especie de supergrupo, formado por los guitarristas John Norum (ex Europe en ese momento y mas tarde miembro de Dokken) y Billy White (ex Watchtower), el bajista Peter Baltes (ex Accept) y el batería Mikkey Dee (ex King Diamond, Motörhead y Scorpions). El batería original de la banda de Don Dokken fue Hempo Hildén, anteriormente en la banda de John Norum, pero fue reemplazado después de algunas sesiones de fotos y no toca en el álbum. El álbum no logró el éxito comercial logrado por Dokken, pero alcanzó el Top 50 en la lista de álbumes Billboard 200 en los EE.UU. Estos factores unidos a la baja popularidad del estilo en esos días y a que tres de los cinco miembros residían en Europa (haciendo mas caros los desplazamientos para ensayos y demás) hicieron que el proyecto durara tan solo una gira. Sin duda de todos los músicos involucrados en este proyecto el mas «polifacético» es sin duda el batería Mikkey Dee, el cual ha participado en innumerables bandas, proyectos y álbumes, como en este de la banda norteamericana Liberty ´n Justice.

Banda cristiana de hard rock fundada en 1991 por el bajista Justin Murr y el vocalista Patrick Marchand. Hasta el 2001 la banda lanzó cuatro discos con varios músicos entre sus filas. Principalmente el grupo era conocido dentro de la comunidad cristiana de Estados Unidos donde realizaba giras y conciertos. En 2002, Murr continuó con el nombre de Liberty N ‘Justice, y se puso en contacto con varios artistas conocidos para que se unieran a él, desde entonces los trabajos de Liberty n´ Justice han contado entre otros con los vocalistas Jamie Rowe de Guardian y AdrianGale, Lou Gramm de Foreigner, Robert Fleischman de Journey, Sebastian Bach de Skid Row, Oni Logan de Lynch Mob o Jani Lane de Warrant, siendo uno de los temas de esta banda la ultima grabación de Lane antes de morir. También contaba con guitarristas como Tommy Denander, JK Northrup, Bill Leverty de Firehouse, Chris Holmes de W.A.S.P., Eddie Ojeda de Twisted Sister, Pete Lesperance de Harem Scarem o Phil Collen de Def Leppard, asi como bajistas de la talla de Jeff Pilson de Dokken o Jerry Dixon de Warrant y baterías como el antes mencionado Mikkey Dee. Y entre todos estos músicos miembros de la banda protagonista de este episodio, Stryper, con los que finalizamos este blog. Espero que hayáis disfrutado con la lectura, y ya sabes, sube el volumen y disfruta!!!…Feliz 2022!!!