Programa Nº 33

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Bienvenidos a una nueva entrada de Rock en Cadena. Esta vez dedicada a una de las bandas mas grandes e influyentes del rock. Grandes en los 70, polémicos, idolatrados y creadores de canciones que perduraran a lo largo del tiempo. Ellos son Led Zeppelin, comenzamos.

De las cenizas de The Yardbirds.

En 1966, el guitarrista de sesión Jimmy Page se unió a The Yardbirds para reemplazar al bajista Paul Samwell-Smith. Page pronto cambió del bajo por la guitarra principal, formando tándem con Jeff Beck. Tras la partida de Beck en octubre de 1966, la banda comenzó a romperse. The Yardbirds tocaron en su último concierto en julio de 1968, pero aun estaban comprometidos con varios conciertos en Escandinavia, por lo que el baterista Jim McCarty y el vocalista Keith Relf autorizaron a Page y al bajista Chris Dreja a usar el nombre de The Yardbirds para cumplir con las obligaciones de la banda. Ambos comenzaron a armar una nueva alineación con Robert Plant como cantante, quien recomendó al batería John Bonham, mientras que John Paul Jones se ocupó del bajo. La banda completó la gira escandinava como New Yardbirds. Poco después comenzaron a grabar su primer álbum, grabado y mezclado en nueve días con Page asumiendo los gastos. Tras la finalización del álbum, la banda se vio obligada a cambiar su nombre después de que Dreja denunciara a Page indicando que solo se le permitió usar el apodo de New Yardbirds para las fechas escandinavas. Un rumor de cómo se eligió el nombre de la nueva banda sostuvo que Moon y Entwistle (con quienes Page quería formar una banda junto a Jeff Beck) habían sugerido que un supergrupo con Page y Beck se hundiría como un “lead balloon” (“globo principal”). El grupo elimino la ‘a’ de “lead” por sugerencia de su manager, Peter Grant. La palabra “ballon” (“globo”) fue reemplazada por “zeppelin”.

“Bonham, Plant, page y Jones…1968”

En noviembre de 1968 Peter Grant consiguió un contrato por adelantado con Atlantic Records por 143.000 dólares (1.064.000 dólares en la actualidad) en ese momento fue el mayor acuerdo de ese tipo para una nueva banda. Los ejecutivos discográficos firmaron a Led Zeppelin sin haberlos visto nunca. Según los términos de su contrato, la banda tenía autonomía para decidir cuándo lanzarían álbumes y cuándo realizarían giras además de tener la última palabra sobre el contenido y el diseño de cada álbum. También decidirían cómo promocionar cada lanzamiento y qué pistas lanzar como singles, para gestionar todos los derechos de publicación formaron su propia empresa, Superhype.

Los comienzos como Led Zeppelin.

La banda tocó su primer show como Led Zeppelin el 25 de octubre de 1968. Su road manager Richard Cole, que se convertiría en una figura importante en la vida de gira del grupo, organizó su primera gira por Norteamérica a finales de año. Su álbum debut homónimo, “Led Zeppelin”, fue lanzado en los Estados Unidos durante la gira el 12 de enero de 1969 y alcanzó el puesto número 10 en la lista de Billboard, en el Reino Unido fue lanzado el 31 de marzo donde alcanzó el puesto número 6. En su primer año, Led Zeppelin completó cuatro giras de por Estados Unidos y cuatro en el Reino Unido, además de lanzar su segundo álbum, “Led Zeppelin II”, grabado principalmente durante la gira en varios estudios norteamericanos. El álbum fue un éxito comercial aún mayor que su primer álbum y alcanzó la posición número uno en las listas de éxitos en los Estados Unidos y el Reino Unido. El álbum desarrolló aún más el estilo musical de la banda basado principalmente en el blues-rock, creando un sonido “pesado y duro”. Tras el lanzamiento de su segundo álbum, Led Zeppelin completó varias giras más por Estados Unidos. Tocando en auditorios más grandes a medida que su popularidad crecía. Algunos de los primeros conciertos de Led Zeppelin duraron más de cuatro horas, con versiones de su repertorio ampliadas e improvisadas. En 1970 aparece “Led Zeppelin III”. El resultado fue un estilo más acústico que fue fuertemente influenciado por la música folk y celta. El sonido acústico del álbum recibió inicialmente reacciones mixtas, entre los críticos y fans sorprendidos por el cambio de los arreglos principalmente eléctricos de los dos primeros álbumes, alimentando aún más la hostilidad de la banda hacia la prensa musical. El álbum alcanzó el número uno en las listas de éxitos de Reino Unido y Estados Unidos.

Escalera al éxito.

Durante la década de 1970, Led Zeppelin alcanzó nuevas alturas de éxito comercial y crítico que los convirtió en uno de los grupos más influyentes de la época, eclipsando sus logros anteriores. La imagen de la banda también cambió cuando sus miembros comenzaron a usar ropa mas elaborada y extravagante. Led Zeppelin mejoró su espectáculo usando lásers, espectáculos de luces y bolas de espejos. Comenzaron a viajar en un avión de pasajeros privado, un Boeing 720 (apodado Starship), alquilaron secciones enteras de hoteles (incluido el Continental Hyatt Houseen Los Ángeles, conocida coloquialmente como la “Riot House”), las historias de libertinaje y desenfreno comenzaron a ser frecuentes, como la de John Bonham conduciendo una motocicleta a través del pasillo o la destrucción de una habitación en el Tokyo Hilton, lo que llevó al grupo a ser expulsado de ese establecimiento de por vida. Aunque Led Zeppelin se ganó la reputación de destrozar las suites de sus hoteles y arrojar televisores por las ventanas, algunos sugieren que estas historias han sido exageradas.

“Los famosos símbolos y su significado”

Led Zeppelin lanzó su cuarto álbum el 8 de noviembre de 1971, conocido como “Led Zeppelin IV”, “Untitled”, “IV” o, debido a los cuatro símbolos que aparecen en la portada, como “Four Symbols”, “Zoso” o “Runes”. La banda decidió lanzar el cuarto álbum sin título ni información, en respuesta a la prensa musical, bastante critica con las extravagancias de la banda, pero la compañía discográfica quería algo en la portada, así que se acordó tener cuatro símbolos para representar a los cuatro miembros de la banda y que era el cuarto álbum. Con 37 millones de copias vendidas, Led Zeppelin IV es uno de los álbumes más vendidos de la historia, y su enorme popularidad consolidó el estatus de Led Zeppelin como superestrellas en la década de 1970. En 2006, había vendido 23 millones de copias solo en los Estados Unidos. Desde finales de 1971 hasta principios de 1973 el grupo realizó giras por el Reino Unido, Australia, Norteamérica, Japón y el Reino Unido nuevamente.

El siguiente álbum de Led Zeppelin, “Houses of the Holy”, fue lanzado en marzo de 1973. Contó con una mayor experimentación de la banda con el uso de sintetizadores y orquestación. Al igual que con el cuarto álbum de la banda, ni su nombre ni el título del álbum estaban impresos en la portada. El álbum encabezó las listas de éxitos en todo el mundo. La gira por Norteamérica en 1973 batió récords de asistencia. Se filmaron tres espectáculos con entradas agotadas en el Madison Square Garden de Nueva York para una película, pero el estreno en cines de este proyecto (The Song Remains the Same) se retrasó hasta 1976. Antes de la actuación de la última noche, fueron robados de una caja de seguridad en el Hotel Drake 180.000 dólares (1.049.000 hoy) de la recaudación.

“El famoso logo de Zeppelin”

En 1974, Led Zeppelin se tomó un descanso y lanzó su propio sello discográfico, “Swan Song”. El logotipo se basa en un dibujo de un ser humano alado parecido a Apolo o Ícaro. Además de utilizar el sello como vehículo para promocionar sus propios álbumes, la banda amplió la lista del sello, contratando artistas como Bad Company o Pretty Things. El sello tuvo éxito mientras Led Zeppelin existió, pero cerró tres años después de su disolución.

El primer lanzamiento de Led Zeppelin en el sello “Swan Song” fue “Physical Graffiti” de 1975, un doble álbum con quince canciones, de las cuales ocho se habían grabado en 1974 y el resto se componía de pistas inéditas de las sesiones de los álbumes anteriores. El álbum fue un gran éxito comercial y de crítica. Poco después de su lanzamiento, todos los álbumes anteriores de Led Zeppelin volvieron a entrar simultáneamente en la lista de álbumes top-200. La banda se embarcó en otra gira por Norteamérica empleando sofisticados sistemas de iluminación y sonido. En mayo de 1975, Led Zeppelin tocó cinco noches con entradas agotadas en el Earls Court Arena de Londres, en ese momento el estadio más grande de Gran Bretaña.

El principio del fin.

“Suerte de estar vivo”

En agosto de 1975, mientras la banda se tomaba un descanso, Plant y su esposa Maureen se vieron involucrados en un grave accidente automovilístico mientras estaban de vacaciones en Rodas, Grecia. Plant sufrió una fractura de tobillo y Maureen resultó gravemente herida. Plant no volvió a ser el mismo desde el accidente, incapaz de girar con el grupo, se unió con el resto de sus compañeros para escribir lo que seria su próximo álbum. En ese momento, Led Zeppelin era la banda de rock número uno del mundo, superando en ventas a la mayoría de las bandas de la época, incluidos los Rolling Stones. “Presence” fue lanzado en marzo de 1976, y marcó un cambio en el sonido de Led Zeppelin hacia temas más sencillos. Aunque fue disco de platino, “Presence” recibió una tibia reacción entre los fans y la prensa musical. Page había comenzado a consumir heroína durante las sesiones de grabación del álbum, algo que pudo haber afectado a los shows en vivo y grabaciones de estudio de la banda. Debido a las lesiones de Plant, Led Zeppelin no salió de gira en 1976. En cambio, la banda completó la película del concierto “The Song Remains the Same” y el álbum de la banda sonora que la acompaña. La película se estrenó en Nueva York el 20 de octubre de 1976, sin una gran recepción por parte de críticos y fans. La película no fue particularmente exitosa en el Reino Unido, Led Zeppelin libró una dura batalla para recuperar el afecto del público, ya que no pisaban su pais natal desde 1975 debido a su condición de exiliados fiscales.

En 1977, Led Zeppelin se embarcó en otra gran gira de conciertos por América del Norte, estableciendo otro récord de asistencia, en su concierto de Silverdome el 30 de abril, con una audiencia de 76.229 personas (según el Libro Guinness de los Récords, la mayor asistencia hasta esa fecha para un espectáculo de un solo grupo). Aunque la gira fue económicamente rentable, estuvo plagada de problemas fuera del escenario. El 19 de abril, más de 70 personas fueron arrestadas cuando unos 1.000 fanáticos intentaron colarse en el Cincinnati Riverfront Coliseum para dos conciertos con entradas agotadas, mientras que otros intentaron ingresar arrojando piedras y botellas contra las puertas. El 3 de junio, un concierto en el estadio de Tampa se interrumpió debido a una fuerte tormenta eléctrica, estalló un motín con varios arrestos y heridos.

“Los de uniforme no son fans de Zeppelin”

Después del concierto del 23 de julio en el festival Day on the Green en el Oakland Coliseum, Bonham y miembros del personal de apoyo de Led Zeppelin fueron arrestados después de que un miembro del personal del promotor Bill Graham fuera brutalmente golpeado durante la actuación de la banda. El concierto del día siguiente fue la última aparición en vivo del grupo en los Estados Unidos. Dos días después, cuando se registraron en un hotel del Barrio Francés para su presentación del 30 de julio en el Superdome de Luisiana, Plant recibió la noticia de que su hijo de cinco años, Karac, había muerto a causa de un virus estomacal. El resto de la gira se canceló de inmediato, lo que provocó fuertes rumores sobre el futuro de Led Zeppelin.

Muerte de Bonham y ruptura.

En 1978, Led Zeppelin publica el álbum “In Through the Out Door”, con nueva “experimentación” sonora, lo que nuevamente provocó reacciones encontradas entre los críticos, a pesar de ello el álbum alcanzó el número uno en el Reino Unido y los Estados Unidos en apenas su segunda semana de lanzamiento. Con el lanzamiento de este álbum, el catálogo completo de Led Zeppelin volvió al Billboard Top 200. En agosto de 1979 Led Zeppelin encabezó dos conciertos en el Festival de Música de Knebworth, tocando para una multitud de aproximadamente 104.000 personas en la primera noche. En junio y julio de 1980 se llevó a cabo una breve gira europea, con un set list reducido sin los habituales jams y solos. El 27 de junio, en un show en Nuremberg, Alemania, el concierto se detuvo abruptamente en medio de la tercera canción, cuando Bonham sufrió un desmayo en el escenario y fue trasladado de urgencia al hospital. La prensa sugirió que su “colapso” había sido el resultado del uso excesivo de alcohol y drogas, pero la banda afirmó que simplemente había sido un corte de digestión.

la primera gira norteamericana de la banda desde 1977, estaba programada para comenzar el 17 de octubre de 1980. El 24 de septiembre, Bonham fue recogido por el asistente de Led Zeppelin, Rex King, para asistir a los ensayos. Durante el viaje, Bonham pidió detenerse para desayunar, donde bebió cuatro vodkas cuádruples, con un rollo de jamón. Después de dar un mordisco al rollo de jamón le dijo a su asistente “desayuno”. En el estudio continuó bebiendo. Los ensayos duraron hasta la noche y la banda se retiró a la casa de Page.

“Bonhan, otro mártir del rock”

Pasada la medianoche, Bonham, que se había quedado dormido, fue llevado a la cama y acostado de lado. A las 13:45 del día siguiente, Benji LeFevre (el nuevo gerente de gira de Led Zeppelin) y John Paul Jones encontraron a Bonham muerto. La causa de la muerte fue asfixia por vómito (muerte accidental). La autopsia no encontró otras drogas(a parte de la alcohol) en el cuerpo de Bonham. Aunque recientemente había comenzado a tomar pastillas (legales) para combatir su ansiedad, no está claro si estas sustancias interactuaron con el alcohol en su sistema. Los restos de Bonham fueron incinerados y sus cenizas enterradas el 12 de octubre de 1980, en la iglesia parroquial de Rushock, Worcestershire. A pesar de los rumores de que Cozy Powell, Carmine Appice, , Simon Kirke o Bev Bevan se unirían al grupo como su reemplazo, la gira prevista por América del Norte fue cancelada y los miembros restantes decidieron disolverse. Un comunicado de prensa del 4 de diciembre de 1980 declaró que:

“Deseamos que se sepa que la pérdida de nuestro querido amigo y la profunda sensación de armonía indivisa que sentimos nosotros y nuestro gerente, nos han llevado a decidir que no podemos volver a ser como antes.”

Led Zeppelin

Años posteriores a la separación. Parte I: Los 80

En 1982 se publicó “Coda”, una colección de tomas descartadas y pistas no utilizadas de Zeppelin. El álbum incluía dos pistas de 1970 en el Royal Albert Hall, otra de cada una de las sesiones de “Led Zeppelin III” y “Houses of the Holy”, y tres de “In Through the Out Door”. También contó con un tema instrumental de batería de Bonham de 1976 con efectos electrónicos agregados por Page, llamado “Bonzo’s Montreux “. El 13 de julio de 1985, Page, Plant y Jones se reunieron para el concierto “Live Aid” en el estadio JFK de Filadelfia, tocando un breve set con los bateristas Tony Thompson y Phil Collins, ademas del bajista Paul Martinez. La actuación se vio empañada por la falta de ensayo con los dos bateristas, los problemas de Page con una guitarra desafinada, los monitores que funcionan mal y la voz ronca de Plant. Page describió la actuación como “bastante caótica”, mientras que Plant la caracterizó como una “atrocidad”. Los tres miembros se reunieron nuevamente el 14 de mayo de 1988, para el concierto del 40º aniversario de Atlantic Records, con Jason, el hijo de Bonham, en la batería. El resultado fue nuevamente inconexo: Plant y Page habían discutido inmediatamente antes de subir al escenario sobre si tocar “Stairway to Heaven”, Page describió la actuación como “una gran decepción” y Plant dijo que “el concierto fue asqueroso”.

Parte II: Los 90

La primera caja de Led Zeppelin, con temas remasterizados bajo la supervisión de Page, fue lanzada en 1990 y reforzó la reputación de la banda, lo que llevó a especulaciones sobre una reunión. Este conjunto, llamado “Led Zeppelin Box Set”, incluía cuatro temas inéditos, entre ellos una versión de “Travelling Riverside Blues” de Robert Johnson. “Led Zeppelin Boxed Set 2” fue lanzado en 1993; los dos conjuntos de cajas juntos contenían todas las grabaciones de estudio conocidas, así como algunas pistas en vivo raras. En 1995, Led Zeppelin fue incluido en el Rock and Roll Hall of Fame de Estados Unidos. Jason y Zoë Bonham también asistieron, en representación de su difunto padre. En la ceremonia, la ruptura interna de la banda se hizo evidente cuando Jones bromeó al aceptar su premio diciendo: “Gracias, amigos míos, por recordar mi número de teléfono”, causando miradas incómodas de Page y Plant. En 1997 se lanzó “Led Zeppelin BBC. Sessions”, un conjunto de dos discos grabado en gran parte en 1969 y 1971.

Parte III: Los 2000

En 2003 se lanzó el álbum en vivo “How the West Was Won” con grabaciones tomadas de dos actuaciones de 1972 en California durante su gira por América del Norte: LA Forum (25 de junio de 1972) y Long Beach Arena (27 de junio de 1972). También se publicó el DVD “Led Zeppelin”, un conjunto cronológico de seis horas de metraje en vivo que se convirtió en el DVD de música más vendido de la historia. En julio de 2007 se lanzaron “Mothership”, un recopilatorio que abarca la carrera de la banda, y una reedición de la banda sonora “The Song Remains the Same”, que incluye material inédito. El 10 de diciembre de 2007, Zeppelin se reunió para el Concierto Tributo a Ahmet Ertegun (Ejecutivo de Atlantic) en el O2 Arena de Londres, con Jason Bonham nuevamente tomando el lugar de su padre en la batería. Según el libro Guinness de los Records de 2009, el show estableció un récord para la “mayor demanda de entradas para un concierto musical”, ya que se enviaron 20 millones de solicitudes en línea. Los críticos elogiaron la actuación y hubo especulaciones sobre una posible reunión. En 2012 se estrenó “Celebration Day”, una película de la actuación de O2, y se lanzó en DVD el 19 de noviembre. La película recaudó 2 millones de dólares en una noche, y el álbum en vivo alcanzó el puesto número 4 y 9 en el Reino Unido y Estados Unidos, respectivamente.

“El sueño de Jason, que jamás se cumplió”

Se informó que Page, Jones y Jason Bonham estaban dispuestos a hacer una gira y que estaban trabajando en material para un nuevo proyecto de Zeppelin. [111] Plant mas tarde declaró que no grabaría ni realizaría giras con la banda. Jones y Page supuestamente buscaron un reemplazo para Plant, Steven Tyler de Aerosmith y Myles Kennedy de Alter Bridge fueron algunos de los candidatos. Sin embargo, en enero de 2009, se confirmó que el proyecto había sido abandonado.

Led Zeppelin es uno de los artistas musicales más vendidos de todos los tiempos. Se estima que sus ventas oscilan entre 200 y 300 millones de unidades en todo el mundo. Lograron ocho álbumes número uno consecutivos en el Reino Unido y seis álbumes número uno en el Billboard 200 de EE.UU. , con cinco de sus álbumes certificados como Diamante en los EE.UU. Led Zeppelin es la tercera banda más vendida del mundo, y uno de los cuatro únicos artistas en ganar cinco o más álbumes con la calificación Diamante. Alcanzaron ocho números uno consecutivos en la lista de álbumes del Reino Unido. Led Zeppelin sigue siendo uno de los artistas más pirateados en la historia de la música rock. Muchos han considerado a Led Zeppelin como una de las bandas más exitosas, innovadoras e influyentes en la historia de la música rock, ha influido en bandas de hard rock y heavy metal como Deep Purple, Black Sabbath, Aerosmith, The Black Crowes o Megadeth, así como bandas de metal progresivo como Tool o Dream Theater. Influyeron en algunas de las primeras bandas punk y post-punk, entre ellas los Ramones, Joy Division o The Cult. También fueron una influencia importante en el desarrollo del rock alternativo, ya que las bandas adaptaron elementos del “sonido Zeppelin” de mediados de la década de 1970, incluidos The Smashing Pumpkins, Nirvana, Pearl Jam o Soundgarden. Bandas y artistas de diversos géneros como Madonna, Shakira o Lady Gaga, han reconocido la influencia de Led Zeppelin. Continuamos con su “líder” y fundador, el guitarrista Jimmy Page y la banda que fundó tras la separación de Led Zeppelin, The Firm.

A principios de los 80, Page y Rodgers estaban inmersos en la desaparición de sus respectivas bandas, Led Zeppelin y Bad Company y juntos decidieron formar una banda. Inicialmente querían formar una banda con el batería de Yes, Bill Bruford y el bajista Pino Palladino pero ambos estaban bajo contrato con otras bandas. El batería Chris Slade (Earth Band de Manfred Mann, Uriah Heep) y el bajista Tony Franklin formaron la sección rítmica. El primer álbum homónimo de la banda fue en 1985. A pesar de negarse a reproducir material antiguo, la última pista del álbum, “Midnight Moonlight”, era originalmente “Swang Song” un tema inédito de Led Zeppelin. El álbum también incluye una versión de los Righteous Brothers “You’ve Lost That Lovin ‘Feelin’ “. “Mean Business”, el segundo álbum de The Firm, se editó un año después. Repitiendo la misma fórmula basada en el sonido blues y New Wawe que en el primer álbum, pero debido al poco éxito crítico y financiero que logró la banda, Page y Rodgers decidieron disolver The Firm pocos meses después del lanzamiento de este álbum. Después de la separación de la banda, Page y Rodgers regresaron al trabajo en solitario mientras Chris Slade se unió a AC/DC en 1989 y Franklin se unió al guitarrista John Sykes y a el batería Carmine Appice en Blue Murder, además de girar y grabar para muchas bandas y artistas, entre ellos David Coverdale.

En el año 2000, David Coverdale, cantante y líder de Whitesnake, lanzó su tercer álbum en solitario, (el primero en 22 años) “Into the Light” después de un descanso de tres años, ya que su álbum de 1997 “Restless Heart” fue grabado como un proyecto en solitario, pero por razones contractuales su sello lo obligó a lanzarlo bajo el sobrenombre de Whitesnake. El álbum esta basado en el sonido blues que fue seña de identidad de los primeros Whitesnake, además de contar con temas acústicos. Aunque el álbum no fue un éxito, devolvió a Coverdale al negocio de la música, cansado de toto el éxito alcanzado con Whitesnake a mediados y finales de los 80. Los músicos que acompañaron a Coverdale en la grabación fueron entre otros Marco Mendoza y Tony Franklin a los bajos, Denny Carmassi a la batería y Earl Silck a la guitarra, musico de estudio más conocido por sus colaboraciones con David Bowie, John Lennon, Yoko Ono, Robert Smith o John Waite y que en 1990 grabo con esta banda no muy conocida llamada Dirty White Boy.

Podríamos considerar a Dirty White Boy como un supergrupo, sus miembros venían de bandas como Giuffria o Autograph y el líder era Earl Slick, que ya tenía una buena carrera como músico de estrellas consagradas dentro del pop/rock. En 1990 editaron un álbum homónimo lleno de guitarras slide, Hard callejero y, por supuesto, baladas. El álbum fue producido por Beau Hill y lanzado con el sello Polydor. Al parecer la banda no estaba contenta con el sonido final y aunque debido al cambio de escena musical y la llegada del grunge el álbum no tuvo éxito, siendo estos motivos suficientes para que decidieran separarse. La banda estaba compuesta por David Glen Eisley a la voz (ex Guiffria), Earl Slick a la guitarra, F. Kirk Alley al bajo y Keni Richards a la batería, ex Autograph, banda con la que continuamos.

Autograph comenzó originalmente a finales de 1983, como un proyecto en solitario del cantante, compositor y guitarrista Steve Plunkett. Junto a el estaban Steve Lynch en la guitarra solista, Randy Rand al bajo, Steven Isham a los teclados y Keni Richards a la batería. Plunkett eligió el nombre Autograph para la banda, tras escuchar en la radio una canción de Def Leppard con un título similar, “Photograph”. David Lee Roth, amigo de Plunkett, invitó a la banda a abrir para Van Halen en su gira de 1984. La banda gustó, y finalmente tocó en 48 shows, algo impensable para una banda sin contrato discográfico. Debido a su creciente popularidad, a finales de 1984 Autograph firmó un contrato con RCA Records, después de una actuación en el Madison Square Garden de Nueva York. El álbum debut de Autograph, “Sign In Please” se lanzó en octubre, pero no apareció en ninguna lista de discos hasta enero de 1985. El álbum contiene el único gran éxito de la banda, “Turn Up the Radio”, tema que impulsó las ventas del álbum más allá de las 500.000 copias (disco de Oro). La canción apareció en un episodio de Miami Vice. Otras canciones del álbum se incluyeron en la película de 1985 “Admiradora Secreta” , otro film de ese año, “Noche de Miedo”, también incluyó una canción que la banda grabó para la ocasión titulada “You Can’t Hide From the Beast Inside”. Su segundo álbum, “That’s the Stuff” , se lanzó en 1985, a pesar de que las ventas fueron decepcionantes en comparación con su primer álbum, casi llego a convertirse en disco de Oro. La banda grabó una canción titulada “Winning Is Everything” para la película “Youngblood”. Autograph lanzó su tercer álbum, “Loud and Clear” en 1987. La banda hizo un cameo en la película “Like Father, Like Son” además de aparecer en la B.S.O. La banda dejó RCA Records a principios de 1988. El teclista Isham dejó la banda pero no fue reemplazado, el batería Keni Richards también dejó la banda en esta época. Sin embargo, a principios de 1989 la banda realizó una gira con el nuevo baterista Eddie Cross y continuó grabando esporádicamente. A la banda finalmente se le ofrecería un nuevo contrato con Epic en 1989, que rechazaron. La banda se disolvió en diciembre de 1989. En 1997 se publica “Missing Pieces”, el cuarto álbum de estudio de Autograph. El material fue grabado para un álbum destinado a un lanzamiento en 1989, pero el proyecto fue abandonado y el grupo disuelto, por lo que en realidad se trata de una recopilación de demos. En 2003 se edita “Buzz”, con una formación completamente nueva a excepción del vocalista Steve Plunkett. Esta formación duraría hasta 2005. Desde 2013 hasta hoy la banda ha pasado por varios cambios de personal, agarrándose a cualquier festival “revival” para poder sobrevivir. El 8 de abril de 2017, Keni Richards murió a la edad de 60 años. La causa de su muerte fue un homicidio relacionado con las drogas. En 2017, la banda lanzó un nuevo álbum titulado “Get Off Your Ass” con Steve Lynch (Guitarra), Randy Rand (Bajo), Simon Daniels (Guitarra Rítmica y vocalista) y Marc Wieland (Batería). En 2019, Steve Lynch abandona la banda siendo sustituido por Jimi Bell. Y ya que la banda era “especialista” en aparecer en B.S.O de películas de la época, vamos con una de ellas, “Fright Night” donde entre otras bandas aparecía esta llamada White Sister.

Banda de hard rock/AOR formada en 1980 por el vocalista principal y bajista Dennis Churchill-Dries , el guitarrista Rick Chadock, el vocalista principal y teclista Gary Brandon y el batería Gus Moratinos, quien en 1981 fue reemplazado por Richard Wright. White Sister conoció a Gregg Giuffria (en ese momento en la banda Angel) mientras repostaban gasolina en una estación de servicio y terminó trabajando en con los arreglos de las canciones, produciendo demos y, finalmente, su álbum debut homónimo lanzado en 1984, en EMI America Records. La compañía intento que la banda cambiase de nombre ya que pensaban que su parecido con Twisted Sister haría confundir a los fans, los miembros de la banda decidieron que no cambiarían su nombre, EMI cedió y el álbum siguió adelante, eso si, sin el apoyo que White Sister creía tener. Gary Brandon dejó la la banda antes de lanzar su segundo álbum titulado “Fashion by Passion” ya fuera de EMI. La banda viajó al Reino Unido, donde su recepción fue mejor que en los Estados Unidos, convirtiéndose allí en una banda de culto dentro del estilo. Poco después la banda se separó.

Algunos de sus temas aparecieron en bandas sonoras de la películas como: “Fright Night” de 1985, “Killer Party” de 1986, donde la banda también actúa en la película, “Thrashin`” de 1986 protagonizada por Josh Brolin, “Halloween 5” de 1989 y en “Stella” de 1990 protagonizada por Bette Midler.

Richard Wright murió el 14 de junio de 2006, a la edad de 44 años. En 2008, los tres miembros originales restantes fueron invitados al Reino Unido para tocar en el festival de rock Firefest. El espectáculo fue filmado y lanzado en 2009. Jason Montgomery cubrió el puesto de batería. Los organizadores del festival invitaron a la banda a regresar en 2009, siendo este posiblemente, su último espectáculo como White Sister. El 15 de octubre de 2012, Rick Chadock falleció a causa de un cáncer. Cuando White Sister se separó en 1990, Churchill-Dries, Chadock y Wright formarían junto al teclista Michael Lord otro grupo llamado, Tattoo Rodeo.

En 1991 Tatoo Rodeo ficha por Atlantic ‎Records y lanza su primer álbum llamado “Rode Hard, Put Away Wet” con un sonido Hard Rock bastante influenciado por el country y el blues. El disco paso sin pena ni gloria en un tiempo donde este tipo de bandas empezaban a “molestar” dentro de la vorágine que se avecinaba con la entrada del “grunge” en la escena musical del momento. Años después lo volvieron a intentar con un segundo disco “Skin” (1995) con otra compañía e incorporando a Robert Berg como bajista. El resultado fue un trabajo bastante flojo que fue ignorado completamente. A raíz de eso el grupo se separó. Pero vamos con el miembro “no White Sister“, Michael Lord, un musico que ha trabajado entre otros con el ex batería de Guns & Roses, Steven Adler y su banda Adler.

En 2011 el ex batería de Guns N ‘Roses, Steven Adler, forma su propia banda llamada simplemente Adler. La banda se formó tras la disolución de la banda anterior de Adler, Adler’s Appetite, y estaba formada por Adler junto con el vocalista/guitarrista Jacob Bunton, el guitarrista Lonny Paul y el bajista Johnny Martin. En 2012 el grupo lanza su primer (y hasta la fecha único álbum) “Back from the Dead”. A principios de 2013 se inició una gira americana, y se programo otra después para Europa. Sin embargo, estos planes se vieron abajo cuando Steven Adler entró en rehabilitación a mediados de 2013. La banda regreso a su actividad en 2015 retomando la gira. En 2016 realizaron algunos conciertos en festivales norteamericanos, pero ante la falta de publico, y el desinterés de la banda por realizar conciertos con poca asistencia, hiciera que en 2017 Steven Adler diera por disuelta a la banda. Entre los invitados que grabaron el álbum de Adler se encuentran los guitarristas John 5 (Marilyn Mason) y Slash, ex compañero de Steven en Guns & Roses así como el ya mencionado Michael Lord a los teclados y Jeff Pilson (Dokken, Foreigner) quien además de colaborar en el álbum grabando bajo, guitarra y voces, fue el productor de este, y según el resto de la banda, el “quinto “miembro del grupo. Así que con el continuamos y su paso por esta banda “ficticia” del film “Rockstar” llamada Steel Dragon.

Película de 2001 protagonizada por Mark Wahlberg y Jennifer Aniston, y que cuenta la historia de un cantante de una banda tributo que consiguió el puesto de vocalista principal de su banda favorita. El film se inspiró en la historia real de Tim “Ripper” Owens, cantante en un grupo tributo a Judas Priest y que reemplazó al cantante Rob Halford cuando este dejó la banda. La voz (en la canciones) para el personaje principal fue proporcionada por el líder de Steelheart, Miljenko Matijevic, Brian Vander Ark de The Verve Pipe y Jeff Scott Soto (Talisman, Yngwie Malmsteen). Ralph Saenz (Steel Panther) y Myles Kennedy (Alter Bridge) tienen un cameo en la película. Entre los músicos que aparecen en “Rockstar” están, el guitarrista Nick Catanese (Black Label Society), el batería Blas Elias (Slaughter) el bajista Brian Vander Ark (The Verve Pipe) y el cantante Stephan Jenkins (Third Eye Blind), todos ellos “miembros” de la banda tributo a Steel Dragon, Blood Pollution. LA banda principal también contó con músicos de primera fila como el guitarrista Zakk Wylde (Ozzy, Black Label Society), el bajista Jeff Pilson (Dokken, Foreigner) y el batería Jason Bonham (Bonham, Black Country Communion), hijo del fallecido John Bonham, batería de Led Zeppelin, banda a la cual dedicamos este blog y con los que me despido de vosotros. Espero que hayáis pasado un buen rato de lectura. Un saludo y hasta la próxima…y recuerda, sube el volumen y disfruta!!!

Programa Nº32

Bienvenidos a una nueva entrada de Rock en Cadena. Volvemos a Europa y a una de las bandas pertenecientes a la llamada NWOBHM. Tal vez no goza de la “fama y poder” que sus contemporáneos Iron Maiden o Judas Priest, pero los primeros 80 fueron un a de las bandas mas punteras del creciente Heavy Metal. Ellos son Saxon. Comenzamos.

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Los primeros años

Banda inglesa formada en 1977 en Barnsley por los ex miembros de Coast Peter “Biff” Byford en la voz , Paul Quinn y el ex miembro de SOB Graham Oliver en la guitarra, Steve “Dobby” Dawson en el bajo y Pete Gill en la batería. Originalmente fueron llamados Son of a Bitch, pero poco después la banda cambió su nombre a Saxon. En 1979, la banda firmó con el sello discográfico francés Carrere, y lanzó su álbum debut homónimo ese mismo año. “Wheels of Steel”, lanzado en 1980, se ubicó en el puesto número 5 en el Reino Unido. Como resultado, Saxon comenzó una serie de largas giras por el Reino Unido, llegando al primer festival Monsters of Rock. A finales de 1980 se lanzó “Strong Arm of the Law ” colocandose en el puesto 11 en el Reino Unido. Cuando el álbum llegó a las listas de varios países europeos Saxon vio como las entradas se agotaban en la gira por Europa y el Reino Unido. La banda también fue popular en Japón, donde el sencillo uno de sus sencillos permaneció en las listas durante casi seis meses. En 1981, la banda lanzó su cuarto álbum “Denim and Leather”, el album siguió el éxito de su predecesor y fue oro en varios países europeos, incluido el Reino Unido. En ese momento, la banda era vista como los líderes del movimiento NWOBHM.

“Saxon 1979”

Antes de comenzar la gira el batería Pete Gill se fue, después de lesionarse la mano. La banda lo reemplazó por Nigel Glockler, quien tuvo que aprender todo el set en un día y medio. En 1982 se publicó “The Eagle Has Landed”, llegando al numero 5 en el Reino Unido. En principio este trabajo estaba planeado como un álbum doble, pero la compañía discográfica decidió lanzarlo como un álbum en vivo, a pesar de las protestas de la banda, el álbum fue un éxito, lo que hizo que Saxon volviera a tocar en el festival Monsters of Rock en 1982, convirtiéndose en ese momento en la primera banda en aparecer allí dos veces.

Ascenso y caída: Los años de EMI

“Portada creada por Ridley Scott”

Cuando el movimiento NWOBHM comenzó a desvanecerse, Saxon publica en 1983 “Power & the Glory”, su álbum más vendido hasta la fecha, colocando al grupo como uno de las principales bandas de metal en Europa, junto con Iron Maiden y Judas Priest. El tramo estadounidense de la gira resultó ser un éxito y Saxon se convirtió en un grupo importante en los Estados Unidos, ya que el álbum, en su primera semana de lanzamiento, vendió más de 15.000 copias solo en Los Ángeles. Sin embargo el glam metal emergente en Estados Unidos evitaría la conquista del mercado estadounidense por parte de la banda. La portada del álbum fue diseñada por el director de cine Ridley Scott.

A finales de 1983, Saxon dejó Carrere y firmó con EMI Records, siendo su primer lanzamiento en el sello “Crusader” de 1984 . Aunque seguía fiel al sonido Heavy Metal, el álbum tenía un sonido más comercial, y los fans comenzaron a preguntarse qué dirección estaba tomando la banda. El álbum vendió más de 2 millones de copias y la gira mundial de 1984 fue un éxito tanto en Europa como en América. En ese días, la banda fue considerada como cabezas de cartel de Monsters of Rock de 1984 en Donington, pero problemas de programación y disputas con sellos discográficos lo impidieron. Con el lanzamiento de “Innocence Is No Excuse” en 1985, la banda continuó en una dirección más comercial pensado para el mercado estadounidense. La gira mundial volvió a a ser un éxito con entradas agotadas, pero las tensiones comenzaron a aparecer dentro de la banda y, a principios de 1986, el bajista Steve Dawson fue despedido y Saxon se vio obligado a grabar su octavo álbum de estudio “Rock the Nations” sin suplir al bajista, con Byford grabando las partes de bajo. Con Elton John haciendo apariciones especiales como pianista en 2 pistas, el álbum fue considerado un éxito y llegó más alto que su predecesor. Para la gira contrataron al bajista Paul Johnson. En el verano de 1986, Saxon encabezó el Reading Festival y realizó una gira por los Estados Unidos. En 1987, la banda se tomó un descanso de las constantes giras y grabaciones que habían comenzado a mediados de la década de 1970, y solo se programó una pequeña gira por Estados Unidos y Canadá. A principios de 1987, Nigel Glockler dejó la banda y fue reemplazado por Nigel Durham.

Vuelta a los orígenes.

A la banda le resultó difícil alcanzar el éxito en las listas de éxitos en Estados Unidos; el lanzamiento de Destiny (1988) no cambió esto, y Saxon fue despedida de EMI. En 1988 Paul Johnson fue reemplazado por Nibbs Carter. Nigel Glockler también decidió volver a la banda. 1989 vio el lanzamiento de “Rock n Roll Gypsies”, un álbum en vivo grabado en una gira por el este de Europa en 1988, pero en 1989, los conciertos en los grandes estadios y pabellones de Europa y los Estados Unidos eran escasos y sin una compañía de discos apoyando a Saxon su futuro era incierto. La banda finalmente decidió embarcarse en una gira europea titulada 10 Years of Denim and Leather con gran resultado de asistencia y popularidad. En 1990, firmaron con Virgin Records y comenzaron a trabajar en su nuevo álbum “Solid Ball of Rock”, lanzado en 1991 siendo todo un éxito. En 1992, Saxon mantuvo este éxito con el lanzamiento de “Forever Free”. La versión británica del álbum presentaba una portada alternativa con un “Space Marine” del juego de rol Warhammer.

“Saxon con Fritz Randow”

En 1994, Saxon publicó el álbum “Dogs of War”. Poco después, Graham Oliver fue despedido por la banda, siendo reemplazado por Doug Scarratt. 1996 vio el lanzamiento de otro álbum en vivo, “The Eagle Has Landed Pt II”. Saxon lanzó “Unleash the Beast” en 1997. Tras terminar la gira en 1998, el batería Nigel Glockler se tomó un descanso para recuperarse de una lesión en el cuello y el hombro y fue reemplazado temporalmente por Fritz Randow (Victory, Sinner). En 1999 se lanzó “Metalhead” .

Cambio de milenio y problemas legales.

En 1999, los antiguos miembros Graham Oliver y Steven Dawson registraron Saxon como marca comercial, alegando que tenían derechos exclusivos sobre el nombre, tratando incluso de evitar que Biff Byford y los miembros en ese momento de Saxon lo usaran. Byford solicitó al Registro de Marcas Comerciales que la marca se declarara inválida, alegando que el registro se había obtenido de mala fe y que tenía derecho a impedir el uso de la marca mediante la acción de “passing off” es decir, una acción para evitar que otros se hagan pasar por Saxon. En 2003, el Tribunal Superior declaró que eran Byford y los miembros actuales de la banda quienes poseían el nombre y, por lo tanto, estaban en condiciones de evitar que Oliver y Dawson se hicieran pasar por Saxon. En 2001, encabezaron el festival Wacken Open Air y grabaron el DVD en vivo “Saxon Chronicles”, grabando ese mismo año el álbum “Killing Ground”. En 2002, Saxon lanzó “Heavy Metal Thunder”, un álbum recopilatorio con versiones regrabadas de canciones de los álbumes más vendidos de la banda. Fritz Randow dejó la banda en 2004. Su reemplazo fue el ex miembro de Stratovarius Jörg Michael. 2004 también vio el lanzamiento de “Lionheart”, su decimosexto álbum de estudio. Nigel Glockler se reincorporó a la banda en 2005. En 2006, la banda lanzó el álbum en vivo, “The Eagle Has Landed – part 3.

El álbum “The Inner Sanctum” fue lanzado en 2007 y fue visto por la crítica como su mejor trabajo en años, a este trabajo le siguió en 2009 “Into the Labyrinth” .El álbum continuó con el éxito del anterior trabajo. Saxon lanzó en 2011 su decimonoveno álbum de estudio, “Call to Arms”, debutando en el número 6 en la lista de álbumes de rock del Reino Unido. En 2012, la banda lanzó un nuevo paquete de CD y DVD en vivo titulado “Heavy Metal Thunder – Live: Eagles Over Wacken”, que reunía sus presentaciones de 2004, 2007 y 2009 en el Wacken Open Air. Ese mismo año se publicó “Heavy Metal Thunder – The Movie” un documental sobre la historia de la banda desde su creación, siendo el primer lanzamiento en Blu-ray de la banda. En 2013 se lanzó “Sacrifice” además de un nuevo álbum recopilatorio “Unplugged and Strung Up” . 2014 vio el lanzamiento de un nuevo álbum en vivo llamado “St. George’s Day Sacrifice – Live in Manchester”. En 2015, la banda lanzó “Battering Ram” y “Thunderbolt” en 2018 así como “Inspirations”, en 2021, su ultimo trabajo hasta la fecha y primer álbum de versiones de la banda. Continuamos con el primer batería de la banda, Pete Gill, quien tras abandonar Saxon milito en esta otra banda inglesa llamada Motörhead.

Grupo al que ya dedicamos un programa especial https://rockencadena.home.blog/2019/11/05/programa-no-12/ así que como siempre hablaremos del paso de Pete Gill por la banda de Lemmy. Tras la marcha de Robertson en 1983, la banda recibió cintas de todo el mundo de potenciales guitarristas. El grupo volvió al concepto de dos guitarras contratando a los desconocidos Würzel y Phil Campbell. En febrero de 1984, la formación compuesta por Lemmy, Campbell, Würzel y Taylor grabó “Ace of Spades” para el episodio “Bambi” de la serie de la televisión británica “The Young Ones“. Taylor dejó la banda después de esa grabación y el ex batería de Saxon Pete Gill se unió a la banda. Bronze Records pensó que la nueva formación no estaría a la altura y decidió “finiquitar” al grupo con un álbum recopilatorio. Cuando Lemmy se enteró, se hizo cargo del proyecto, seleccionó pistas, proporcionó notas de portada e insistió en que Motörhead grabara cuatro pistas nuevas al final de cada cara del álbum. La banda grabó seis pistas para la cara B del sencillo y el álbum. El sencillo “Killed by Death” alcanzó el puesto 51 en la lista de singles del Reino Unido, el álbum doble “No Remorse”  llego a ser disco de plata, alcanzando el número 14 en las listas del Reino Unido. Durante los siguientes dos años, la banda estuvo involucrada en un caso judicial contra Bronze alegando que sus lanzamientos no se estaban promocionando adecuadamente, la compañía discográfica los prohibió volver a grabar. El caso judicial con Bronze finalmente se resolvió a favor de la banda. La gerencia de la banda creo su propio sello, GWR, editando su primer trabajo en 1986, “Orgasmatron”, álbum que alcanzó el puesto 21 en las listas del Reino Unido. En 1987, durante el rodaje del video para el tema “Eat the Rich”, Gill dejó la banda y Taylor volvió de nuevo a la banda. Como os decía no solo Pete Gill se “estrenaba” con el grupo, también lo hacían Wurzel y Phil Campbell con el que continuamos.

Músico galés, conocido por ser el guitarrista principal en Motörhead de 1984 a 2015, año en que la banda se disolvió tras la muerte del fundador y líder Lemmy. El 25 de octubre de 2019 aparece “Old Lions Still Roar”, su primer álbum en solitario (segundo si se cuentan los álbumes de su banda, The Bastard Sons). El álbum cuenta, además de sus tres hijos, que lo acompañan en la banda que os mencionaba antes, con muchas estrellas de la escena del metal y el hard rock como Rob Halford de Judas Priest, Alice Cooper, Dee Snider de Twisted Sister, Danko Jones o Whitfield Crane de Ugly Kid Joe y músicos más diversos como Mark King del grupo de pop de los 80 Level 42. Precisamente con uno de sus “invitados” de lujo continuamos, el METAL GOD, Rob Halford y su carrera en solitario.

En 1999, Halford volvió a sus raíces del metal y formó una banda en solitario llamada Halford. Su primer álbum “Resurrection” fue lanzado en 2000 con un gran éxito de crítica y publico, deseoso de volver a ver al Metal God volver a sus raíces tras sus bandas Fight y Two. Un año mas tarde se editó un álbum en vivo titulado “Live Insurrrection” y en 2002 el segundo álbum de estudio “Crucible”. El tercer disco de Halford, “Halford III: Winter Songs”, fue lanzado en 2009. El disco incluye pistas grabadas entre 2008-2009, así como versiones de heavy metal de canciones tradicionales de Navidad. En 2010, Halford lanzó un DVD en vivo titulado “Live in Anaheim” además del cuarto álbum de estudio “Halford IV: Made of metal”. Uno de los temas de su primer trabajo contó, a modo de dueto, con el vocalista Bruce Dickinson de Iron Maiden, con quien continuamos.

Después de un corto período de inactividad, Dickinson se asoció con Roy Z (“culpable” también de la vuelta de Rob Halford al HM) para grabar un nuevo álbum, “Accident of Birth” (1997) lo que significó la vuelta a sus raíces. Se pidió al ex guitarrista de Iron Maiden, Adrian Smith, que participara en el disco, pero permaneció como miembro de tiempo completo del grupo solista de Dickinson. La continuación, “The Chemical Wedding” (1998), fue un álbum semi-conceptual sobre alquimia, que se inspiró en los escritos de William Blake. El disco fue incluso más exitoso que su predecesor. Durante la gira de apoyo se grabó en São Paulo el álbum en vivo, “Scream for Me Brazil” (1999), ese mismo año Dickinson y Smith regresaron a Iron Maiden. A finales de 2001se lanzó “The Best of Bruce Dickinson”, un recopilatorio, con dos canciones nuevas y un disco extra de rarezas. Su último álbum en solitario, “Tyranny of Souls” fue editado en 2005. Una caja de tres DVD, titulada “Anthology”, fue lanzada en 2006, con conciertos y videos promocionales de toda su carrera en solitario. Su compañero en solitario y en Iron Maiden, Adrian Smith, nos lleva a nuestro siguiente musico, ya que el guitarrista ingles también colaboró en el primer trabajo en solitario del vocalista alemán Michael Kiske.

En 1996, tres años después de dejar Helloween, Kiske lanzó su primer álbum en solitario, “Instant Clarity”. El álbum contó con apariciones especiales de Adrian Smith de Iron Maiden y su ex compañero en Helloween Kai Hansen. El álbum contenía canciones en una amplia variedad de estilos, uno de ellos dedicado al fallecido batería de Helloween Ingo Schwichtenberg. Su segundo álbum en solitario, “Readiness to Sacrifice”, fue lanzado por primera vez en Japón en abril de 1999, y luego reeditado en Europa 2001. La música del álbum presenta a Kiske alejándose completamente de sus raíces de heavy metal hacia un sonido más suave. En 2003, con el deseo de volver a hacer música rock, Kiske formó una banda con músicos de estudio, llamada SupaRed. Lanzaron un álbum homónimo en 2003. Este álbum tenía un sonido de rock moderno (grunge/alternativo) alejado del sonido heavy metal. El proyecto no fue promocionado, no tuvo éxito y debido a razones personales, Kiske disolvió la banda. En 2006, Kiske lanzó su tercer álbum en solitario bajo el nombre de “Kiske”. El álbum contenía canciones en un estilo de cantautor suave y acústico. En 2008, Kiske lanzó su cuarto trabajo en solitario, titulado “Past in Different Ways”. El álbum contenía arreglos acústicos de su antiguo material de Helloween, además de una nueva canción. Desde entonces todos conocemos la historia: Su vuelta al metal en el primer trabajo de Avantasia, su paso por los super grupos Place Vendome y Unisonic, y su añorada, esperada y celebrada vuelta a Helloween, junto a Kai Hansen, con el cual continuamos de la mano de la banda alemana a la que perteneció, Iron Savior.

Formada en Hamburgo en 1996 por el multiinstrumentista y productor/ingeniero Piet Sielck quien se unió al ex Helloween Kai Hansen y el entonces batería de Blind Guardian Thomen Stauch en un nuevo proyecto que combinaba el power metal con una historia de ciencia ficción. En 1997 el álbum debut homónimo de la banda, presentó la historia que se contará a lo largo de varios álbumes, con una nave espacial consciente de sí misma llamada “Iron Savior” y su relación con la mítica civilización perdida de Atlantis. Desde sus inicios, Iron Savior ha lanzado once álbumes de estudio, dos E.P.s, tres sencillos y un álbum en vivo. El enfoque sonoro y musical de Iron Savior tiene mucho que ver con bandas clásicas de heavy metal como Judas Priest, Iron Maiden y Saxon. La presencia de Kai Hansen en la banda trajo a los álbumes de Iron Savior en los que apareció un estilo fuertemente influenciado por Gamma Ray y Helloween. A pesar de los numerosos cambios de formación, Piet ha continuado dirigiendo la banda y actualmente es el único miembro fundador que queda. Uno de esos músicos que militaron en la banda es el batería Dan Zimmermann, quien también fuera compañero de Hansen en Gamma Ray y líder de esta formación llamada Freedom Call.

Banda formada en 1998 por el vocalista Chris Bay y su viejo amigo Daniel Zimmermann durante un período de descanso de la banda principal de este último, Gamma Ray. La formación Freedom Call fue completada por Ilker Ersin en el bajo y Sascha Gerstner en la guitarra (actual guitarrista de Helloween). Su álbum debut “Stairway to Fairyland” fue lanzado en 1999, y su segundo álbum “Crystal Empire” en 2001. Ese mismo año Sascha Gerstner dejó Freedom Call, siendo finalmente reemplazado por el guitarrista suizo Cédric “Cede” Dupont, lanzando en 2002 “Eternity”. Durante esta gira grabaron el álbum en vivo, “Live Invasion” lanzado en 2004. El teclista de esa gira, Nils Neumann, se convirtió en el quinto miembro de la banda. Su siguiente álbum “The Circle of Life” fue lanzado en 2005, pero poco después del lanzamiento del álbum, tanto Cédric “Cede” Dupont como Ilker Ersin decidieron dejar Freedom Call. Los reemplazos fueron los desconocidos Lars Rettkowitz y Armin Donderer. Mas tarde llegaron “Dimensions” de 2007 y “Legend of the Shadowking” de 2010 con la entrada de Samy Saemann en sustitución del bajista Armin Donderer. Para esa gira Dan Zimmerman anunció que sería reemplazado por Klaus Sperling ya que durante este tiempo él [Zimmerman] estaría de gira con Gamma Ray. Más tarde se confirmó que Zimmermann había dejado oficialmente la banda. “Live in Hellvetia” fue el primer DVD en vivo de Freedom Call, lanzado en 2011 y grabado en 2010 en Z7 Pratteln, Suiza. En 2012 se lanzó “Land of the Crimson Dawn”, un año mas tarde el primer recopilatorio de la banda “Ages of Light (1998-2013)” y en 2014 “Beyond” que significo el regreso a la banda del bajista Ilker Ersin y la incorporación del batería Ramy Ali. En 2015 Freedom Call lanzó “666 Weeks Beyond Eternity”, una edición reeditada de su álbum de estudio de 2002, “Eternity”. Como sugiere el título, “666 Weeks Beyond Eternity” fue lanzado 666 semanas después del lanzamiento del álbum original. El álbum más reciente de Freedom Call, “Master of Light”, fue lanzado en 2016. Actualmente tan solo el vocalista Chris Bay permanece como único miembro original. Y precisamente con el continuamos y su primera banda “importante”, Moon Doc.

Fundada en 1994 por Herman Frank (Accept, Victory, Sinner) con el cantante Chris Bay, el bajista Ilker Ersin y el batería Robert Jöcks. quienes grabaron los dos primeros trabajos de la banda, “Moon’Doc” en 1995, y “Get Mooned” en 1996. En 1998 Chris Bay e Ilker Ersin dejaron la banda para formar Freedom Call. Su tercer ,y hasta la fecha, último álbum “Realm of Legends” de 2000 se grabó con una formación diferente, junto a su líder y guitarrista Herman Frank le acompañaban el cantante Jürgen Wulfes, el bajista Frank Haase, el teclista Ossy Pfeiffer y el batería Fritz Randow, quien desde 1999 a 2004 perteneció a la banda a la cual dedicamos este blog, Saxon, curiosamente Herman Frank mezcló el primer álbum de Saxon en el que participaba Fritz Randow, “Killing Ground”.

Espero que os haya gustado la entrada de este mes. Os espero en el próximo y ya sabéis…sube el volumen y disfruta!!

Programa Nº 31

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Bienvenidos a una nueva entrada de Rock en Cadena. Esta vez volvemos a recordar los añorados 80 y pasearemos por las calles de Sunset Blvd. de la mano de una de sus bandas mas representativas, ellos son Poison, comenzamos.

Directos a Sunset Strip

Formados, en Mechanicsburg, Pensilvania, en 1983 por el vocalista Bret Michaels, el guitarrista Matt Smith, el bajista Bobby Dall y el batería Rikki Rockett. Inicialmente llamados Paris, el grupo comenzó a ganarse cierta reputación local lo que les hizo tomar la decisión de mudarse a Los Angeles ese mismo año adoptando el nombre de Poison, tras escuchar un tema del mismo nombre de la banda Kix. El grupo se promocionó actuando en los clubes locales mas famosos. En ese momento, Smith, que estaba a punto de convertirse en padre y estaba preocupado por el futuro de Poison, dejó la banda para regresar a su casa en Pensilvania. La banda hizo una audición para un guitarrista de reemplazo, y finalmente redujo el campo a tres candidatos: Slash, que más tarde se uniría a Guns N’ Roses, Steve Silva de Joe Perry Proyect y el guitarrista nacido en Nueva York CC DeVille. Aunque en principio Michaels y Dall no se llevaban bien con él, la banda acordó que la energía de DeVille lo convertía en la mejor elección.

“Poison 1986. Laca y carmín”

La banda firmó con el sello independiente Enigma Records en 1986 por aproximadamente 30.000 dólares. Su álbum debut, “Look What the Cat Dragged In”, fue lanzado el 2 de agosto de 1986. A pesar de lanzar un único single el álbum se convirtió de repente en un éxito sorpresa lanzando tres singles mas, convirtiéndose en el disco más vendido en la historia de Enigma. En 1987 la banda grabó una versión de la canción de Kiss “Rock and Roll All Nite” para la banda sonora de la película “Less Than Zero” (Golpe al sueño americano).

“Look What the Cat Dragged In” fue certificado oro en 1987 y 3 veces platino en 1990 en USA. El segundo álbum de Poison, “Open Up and Say … ¡Ahh!”, fue lanzado el 21 de mayo de 1988, alcanzando el puesto número 2 en las listas norteamericanas, en parte gracias a su único single Nº1. hasta la fecha, la balada “Every Rose Has its Thorn”. El álbum fue certificado platino en 1988 y 5 veces platino en 1991. La portada generó controversia, ya que mostraba una figura femenina demoníaca con una lengua “obscenamente” larga, esto llevó a la compañía a editar una versión censurada de la portada, centrándose en los ojos de la chica.

En 1989, la banda lanzó su primer VHS titulado “Sight for Sore Ears”, que incluía todos los videos musicales de sus dos primeros álbumes. Los conflictos perseguían a la banda de manera continua, Bryn Bridenthal, jefe de publicidad de Geffen Records, presentó una demanda de 1,1 millones de dólares contra la banda por arrojarle un cubo de hielo con bebidas en una fiesta de la industria de la música, también, Sanctuary Music, la antigua empresa de gestión de Poison, presentó una demanda por incumplimiento de contrato de 45,5 millones de dólares contra la banda. Poison a su vez los denuncio por mala administración de fondos. A todo esto se le sumaban las frecuentes peleas de Michaels que le valieron más demandas en Atlanta , Los Ángeles y Tallahassee.

Llegan los 90

Poison se despojó de su imagen mas “glam” y provocativa a medida que avanzaban hacia la década de 1990, adoptando un enfoque más maduro para su tercer álbum, lanzado el 21 de junio de 1990 y titulado “Flesh & Blood”, que también fue un gran éxito, alcanzó el puesto número 2 en las listas de Billboard, vendió más de 7,2 millones de copias en todo el mundo y fue certificado Platino en 1990 y Triple Platino en 1991. El álbum también presenta una portada alternativa, ya que en la original aparecía un tatuaje recién hecho con la tinta corrida y restos de sangre. Las versiones posteriores de la portada mostraban un tatuaje “limpio”.

Poison recibió una carta del Secretario de Defensa Dick Cheney agradeciendo a la banda su contribución para levantar la moral de las tropas estadounidenses durante la Tormenta del Desierto con el envío de 20.000 copias del álbum “Flesh & Blood” además de reconocer su continuo apoyo a las Fuerzas Armadas. Tras la publicación del álbum se lanzo el VHS “Flesh, Blood, & Videotape” con los singles/videos musicales de “Flesh & Blood”, ademas de imágenes detrás de escena y entrevistas. Tambien se incluía el video “(Flesh & Blood) Sacrifice” inicialmente prohibido en MTV debido a su naturaleza explícita. Después de dos años de gira, los miembros de la banda se enfrentaron mutuamente debido a diferencias personales y adicciones a las drogas. Poison grabó varias actuaciones durante su gira mundial, que se lanzaron a finales de 1991 como el cuarto álbum de la banda, “Swallow This Live”. El álbum doble incluye pistas en vivo de los primeros tres álbumes de estudio de Poison y cuatro nuevas pistas de estudio.

“Kotzen, un gran guitarrista…y un gran Romeo”

DeVille fue despedido y reemplazado por el guitarrista Richie Kotzen. El cuarto álbum de Poison, “Native Tongue” , fue lanzado el 8 de febrero de 1993. Influenciado por las nuevas contribuciones de Kotzen en la composición de canciones y la interpretación de la guitarra, marcó un cambio para la banda, ya que abandonaron sus “hits” para centrarse en temas más serios, más orientados al blues-rock que al glam metal. El álbum recibió críticas generalmente positivas y se convirtió en oro, pero después de la llegada del grunge las ventas fueron lentas en comparación con los tres primeros álbumes. Las tensiones aumentaron entre Kotzen y el resto de la banda, mas aun cuando se descubrió que se había involucrado sentimentalmente con la entonces prometida de Rockett, Deanna Eve. Kotzen fue despedido y reemplazado por Blues Saraceno en noviembre de 1993, quien completó la gira mundial con la banda.

“Seven Days Live”, un VHS con un concierto en vivo en el Hammersmith Odeon de Londres, fue lanzado originalmente en 1993 y luego en DVD en 2006. También fue lanzado en 2003 como “Poison Live In Concert” con una portada diferente. Poison comenzó a grabar su sexto álbum, “Crack a Smile” a principios de 1994. La grabación se detuvo cuando Michaels se vio involucrado en un accidente automovilístico en el que perdió el control de su Ferrari, rompiéndose la nariz, las costillas, la mandíbula y varios dedos de la mano, además de perder cuatro dientes. Tras su recuperación en 1995, la banda continuó grabando el álbum pero al compañía lo archivó sin fecha de lanzamiento a la vista. En cambio, el sello optó por lanzar un recopilatorio titulado “Poison’s Greatest Hits: 1986–1996”, que incluía dos nuevos temas con Saraceno a la guitarra. El álbum fue lanzado el 26 de noviembre de 1996 y se vendió bastante bien, llegando a alcanzar el estatus de doble platino. Después de varios años sin relacionarse, Michaels y DeVille resolvieron sus diferencias, regresando DeVille nuevamente a Poison en 1996 para reemplazar a Saraceno.

Un nuevo milenio

El eventual lanzamiento del álbum “Crack a Smile” fue impulsado por una fuerte demanda de los fans, a través de copias piratas que se vendieron por precios superiores a un álbum convencional. Para competir con el lanzamiento pirata, Capitol agregó pistas adicionales al álbum. La versión pirata contenía las 12 pistas originales del álbum, 6 canciones de la actuación de MTV Unplugged de Poison y su versión del clásico de Kiss “Rock and Roll All Nite”. La versión final del álbum, lanzado el 14 de marzo de 2000, contenía las 12 pistas originales del álbum, dos tomas descartadas de estudio, una demo sin nombre, el tema “Face the Hangman”(anteriormente publicado como cara B del single europeo de “Every Rose Has Its Thorn”) y cuatro de las canciones de MTV Unplugged.

El 13 de junio de 2000 Poison lanzó “Power to the People” bajo el sello independiente creado por la banda, Cyanide Music. Este trabajo marcó el regreso de la formación original, juntos por primera vez desde “Swallow This Live” de 1991. El álbum es parte de estudio, parte en directo, con cinco pistas de estudio y 12 en vivo de la gira de reunión de 1999-2000. El álbum se vendió relativamente bien, debido en su mayor parte a los temas en directo. El álbum fue re-empaquetado y relanzado en 2006 como “Great Big Hits Live! Bootleg” sin las pistas de estudio ni los solos de batería y guitarra del directo. El sexto álbum de estudio de Poison, “Hollyweird”, fue lanzado el 21 de mayo de 2002, siendo el primer álbum completo con material nuevo desde la vuelta de DeVille a la banda. El álbum fue criticado tanto por fans como por críticos, debido a una producción no demasiado buena y un nuevo sonido mas cercano al sonidos pop y punk rock que poco tenia que ver con los “viejos” Poison.

“Poison 2000. Atrás quedó el glamour”

Después de la gira mundial, Poison lanzó en 2003 su segundo álbum recopilatorio, “Best of Ballads & Blues”, que se centraba en las baladas y las canciones orientadas al blues, además de incluir dos grabaciones acústicas de “Something to Believe In ” (con nueva letra) y “Stand”. Poison regresó a la escena musical en el verano de 2006 para celebra su vigésimo aniversario con una gira mundial llamada “20 Years Of Rock” . La gira se convirtió en una de las más exitosas de 2006 en los Estados Unidos, con un promedio de alrededor de 10,000 personas por noche. Para complementarlo, la banda lanzó un álbum recopilatorio “The Best Of Poison: 20 Years Of Rock”, en abril de ese año. El álbum también incluye una versión de ” Were An American Band ” de Grand Funk Railroad. El álbum debutó en el puesto 17, lo que marcó el regreso de Poison al top 20 de las listas por primera vez desde 1993.

El 5 de junio de 2007 Poison lanza a través de Capitol Records su álbum de versiones llamado “Poison’d!” . El álbum entró en la lista Billboard 200 en el puesto 32 y en el puesto 12 en los mejores álbumes de rock. Durante la gira se filmó un show en St. Louis, Missouri, editándose en 2008 bajo el nombre de “Live, Raw & Uncut” inicialmente solo se vendía en las tiendas Best Buy. El DVD incluye escenas detrás de cámara, así como un CD de audio en vivo con selecciones del concierto. También en 2008 se lanzó una versión en CD del DVD en vivo de Poison “Seven Days Live”. En noviembre de 2010, se lanzó un doble CD titulado “Nothin ‘But A Good Time: The Poison Collection” que incluía un álbum recopilatorio ( “The Best of Poison: 20 Years of Rock” ) y un álbum en vivo ( “Swallow This Live” – edición de un solo disco). También en 2010 se lanzó una recopilación de sencillos, “Poison: 10 Great Songs The Millennium Collection” con todos los sencillos de los dos primeros álbumes de estudio de la banda. Para el 25 aniversario de Poison se lanzó “Double Dose: Ultimate Hits”, una nueva colección de 2 CD que abarca toda su carrera con 35 de los principales éxitos de la banda. Desde entonces hasta ahora la banda se ha dedicado a girar (principalmente en USA) junto a bandas contemporáneas de su época, en una especie de shows “revival”. Desde su debut Poison ha lanzado siete álbumes de estudio, cuatro álbumes en vivo y cinco álbumes recopilatorios, vendiendo 15 millones de discos en los Estados Unidos y más de 50 millones de álbumes en todo el mundo. La banda ha registrado diez sencillos en el Top 40 del Billboard Hot 100 , incluidos seis sencillos Top 10 y un número uno del Hot 100. Seguimos con uno de los miembros de la banda, Rikki Rockett y su hasta la fecha único álbum en solitario.

Richard Allan Ream mas conocido como Rikki Rockett lanzó su primer álbum en solitario, “Glitter 4 Your Soul” en 2003 (y reeditado en 2008) como un tributo al glam rock de los setenta, con versiones de gente como T. Rex, Bowie, Alice Cooper o Slade entre otros. El disco presenta al ex miembro de la banda Poison Blues Saraceno en las guitarras, además, otro Poison, Bret Michaels, proporciona la voz principal para el único tema original del álbum, también el propio Rikki Rockett canta en otro tema. El resto de las voces principales las interpretan los amigos de Rikki (otros músicos de Los Ángeles) como Marc Minarik de Zenjin, Lucy Levinsohn de Evolove y Dick Swagger de The Hollywood Stones. Otros cantantes mas conocidos son John Corabi (Motley Crue) o Jizzy Pearl (Love/Hate) tambien aportan su voz a los temas del álbum. El bajo corre a cargo de Chuck Garric, actual bajista de Alice Cooper, además de haber tocado y girado con gente como Dio, L.A Guns, Billy Bob Thornton, Ted Nugent y la banda con la que continuamos, Eric Singer Project (ESP).

Eric Singer Project (ESP) fue fundada a principios de 1990 por Eric Singer, actual batería de Kiss y de gente como Lita Ford, Black Sabbath, Badlands, o Alice Cooper, junto con Bruce Kulick (Kiss) en la guitarra, John Corabi ( The Scream, Mötley Crüe) en la guitarra y el bajo y Karl Cochran al bajo. Las tareas vocales fueron compartidos por Eric, John y Karl. En 1988 editan su primer trabajo “Lost and Spaced” compuesto por demos y tomas en directo de versiones de grupos como Sweet, The Who, Aerosmith o Kiss. Un año mas tarde publican su segundo trabajo “ESP”, de nuevo con versiones, algunas de ellas ya publicadas en su primer trabajo pero esta vez grabadas “en condiciones”. Chuck Garric reemplazó a Karl Cochran y en 2007 publican dos directos “ESP Live in Japan” en formato CD y el DVD “ESP Live at the Marquee”, grabado en Sidney. Ambos directos cuentan con versiones de los grupos en los que han militado los miembros de la banda, Kiss y Motley Crue principalmente así como de Union, banda de Kulick y Corabi en la que de forma puntual han colaborado Singer y Garrick. Como os decía Singer es un todo terreno dentro del panorama musical americano, así que seguimos con el y su paso por la banda de este mítico guitarrista llamado Ronnie Montrose.

A principios de la década de 2000 Ronie Montrose estuvo de gira con el bajista Ricky Phillips (Styx , The Babys) y Eric Singer (Kiss) . Durante tres días en 2003 grabaron en el estudio 10 pistas con la intención de que un cantante hiciera las voces. Finalmente, Ronnie se decidió por el concepto 10×10, 10 pistas y 10 cantantes diferentes. Al principio, pudo obtener contribuciones de amigos cercanos como Sammy Hagar, Edgar Winter y Davey Pattison. En los años posteriores, Ronnie luchó contra el cáncer de próstata y, entre eso y los problemas de agenda en la programación de las grabaciones llevaron a que el disco permaneciera inacabado durante años hasta el fallecimiento de Montrose en 2012. Junto con la finalización de las voces, las canciones también necesitaban la guitarra principal. Ricky Phillips, con la aprobación de la esposa de Ronnie, y la ayuda de Eric Singer, tomó las riendas y completó el álbum. Entre las voces que completan el álbum se encuentran las de Glenn Hughes, Eric Martin o Tommy Shaw además de los guitarristas Steve Lukather, Joe Bonamassa o Phill Collen entre otros. El “precursor ” de este proyecto, Ricky Phillips nos lleva a nuestra siguiente banda, bueno, mas bien pareja de lujo que se unió a principios de los 90 en este único trabajo llamado como ellos y como el proyecto que fundaron, Coverdale/Page.

El proyecto comenzó en 1991 por sugerencia del A&R, John Kalodner, ya que ambos artistas firmaron con Geffen Records en ese momento en América del Norte. El único álbum de estudio del vocalista de Whitesnake, David Coverdale, y el ex guitarrista de Led Zeppelin, Jimmy Page, conocidos como Coverdale/Page, fue lanzado el 15 de marzo de 1993, bajo la producción de los propios Page y Coverdale además del productor canadiense Mike Fraser. El álbum, certificado oro y finalmente platino, alcanzó el número 4 en el Reino Unido y el número 5 en la lista Billboard 200 de EE.UU. , mientras que el primer sencillo lanzado alcanzó el puesto número 1 en la lista Album Rock Tracks durante seis semanas. También recibió el premio interno oficial japonés de Sony Music por ventas superiores a 150.000 copias en Japón, así como el premio interno de ventas EMI por ventas superiores a 60.000 copias en el Reino Unido. La gira, que en principio parecía importante, acabo con una pequeña serie de shows en Japón. Para la grabación del álbum se hicieron acompañar por Jorge Casas al bajo (excepto en dos pistas en la que Ricky Phillips es el encargado del bajo), Lester Mendez a los teclados y el mítico batería Denny Carmassi, curiosamente Carmassi fue miembro de las primeras cuatro formaciones de la banda Montrose. Después de Montrose, tocó con su ex compañero de banda de Montrose Sammy Hagar como solista, y con sus ex compañeros de banda de Montrose Ronnie Montrose y Jim Alcivar en la banda Gamma. Además de grabar y girar pare gente como Al Stewart, Joe Walsh, 38 Special, Cinderella o la banda que viene a continuación, Heart.

Banda formada en 1967 en Seattle por las hermanas Wilson, Ann y Nacy como The Army. Dos años más tarde cambiaron su nombre a Hocus Pocus, para cambiarlo a White Heart un año después, y finalmente a Heart en 1973. El grupo saltó a la fama con una música influenciada por el hard rock y el heavy metal, así como por la música folk. La popularidad de la banda bajó a principios de la década de 1980, pero resurgió con gran éxito en 1985, continuando hasta mediados de la década de 1990. Heart se disolvió en 1998, reanudó sus actuaciones en 2002, hizo una pausa en 2016 y volvió a actuar en el verano de 2019. Heart ha vendido más de 35 millones de discos en todo el mundo, incluidos aproximadamente 22,5 millones de álbumes en los Estados Unidos, colocando 10 de sus álbumes entre los mejores álbumes en el Billboard 200 en las décadas de 1970, 1980, 1990 y 2010. Los miembros originales Ann Wilson (voz principal y flauta), Nancy Wilson (guitarra rítmica, coros y voz principal ocasional), Roger Fisher (guitarra) y Steve Fossen (bajo), Michael Derosier (batería) y Howard Leese (guitarra y teclados) fueron incluidos en 2013 en el Salón de la Fama del Rock and Roll. En 1979 Roger Fisher (guitarra) fue despedido del grupo y en 1980 Steve Fossen (bajo) y Michael Derosier (batería) abandonaron la banda. Mas tarde, en 1990, los tres se unieron para crear esta buenísima banda llamada Alias.

Grupo formado en 1988 por el vocalista Freddy Curci y el guitarrista Steve DeMarchi de la banda canadiense Sheriff junto con los miembros fundadores de Heart, Roger Fisher, Steve Fossen y Mike Derosier. En 1990, Alias ​​lanzó su primer álbum homónimo grabado bajo el sello Capitol. El álbum fue oro en los EE.UU. y platino en Canadá. La balada “More Than Words Can Say”, el mayor éxito de la banda, fue número uno en la lista Billboard Hot AC y número dos en el Billboard Hot 100. En 1990 mientras estaban de gira, el trío de ex músicos de Heart decidió dejar la banda debido a diferencias musicales. En 2009, Alias lanzó su segundo álbum titulado “Never Say Never”, originalmente grabado en 1992 estaba planeado para aprovechar el éxito de su álbum debut, pero debido a la escena musical en rápida evolución de esa época donde el grunge estaba en aumento y el metal se estaba desvaneciendo, nunca fue lanzado. Algunas de las canciones de este álbum se volvieron a grabar y aparecieron en el álbum en solitario del vocalista Freddy Curci, “Dreamer’s Road”. El vocalista de House of Lords, James Christian, también grabó 3 de las canciones de “Never Say Never” para su álbum debut en solitario de 1994, “Rude Awakening”. Para su segundo álbum Freddy Curci y Steve DeMarchi se acompañaron de Marco Mendoza al bajo, Larry Aberman a la batería y Denny DeMarchi a los teclados, musico que ya había colaborado con la banda en su debut discográfico. En agosto de 2014, Alias tocó su primer concierto en vivo en muchos años. Los miembros de la banda de reunión fueron los miembros originales, Freddy Curci y Steve DeMarchi, mas el teclista Denny DeMarchi, el guitarrista Roscoe Stewart, el bajista de Sheriff Wolf Hassel y el batería Chris Sutherland. Como curiosidad deciros que en 1989 Alias grabó el tema “Perfect World” para la película de Christina Applegate, “Don’t Tell Mom the Babysitter’s Dead” (No digas a mamá que la canguro ha muerto), donde además de ellos colaboraban en la B.S.O. gente como el guitarrista Brad Gillis o la cantante de Femme Fatale Lorraine Lewis, actual cantante de las míticas Vixen.

Vixen se formó en 1980 por Jan Kuehnemund (guitarra), tras continuos cambios Janet Gardner (voz y guitarra), Share Ross (bajo) y Roxy Petrucci (batería) fueron las que en 1988 firmaron con EMI Manhattan, lanzando ese mismo año su álbum debut homónimo. Un año mas tarde publicaron su segundo trabajo titulado “Rev It Up” pero después de que la gira concluyese a mediados de 1991, el grupo se disolvió en 1992 debido a diferencias musicales. En 1997, la batería Roxy Petrucci reformó Vixen junto a Janet Gardner, reclutando a Gina Stile en la guitarra principal y a Rana Ross, de Phantom Blue, en el bajo. En 1998 Gardner, Stile y Petrucci grabaron el álbum “Tangerine” con un sonido diferente a la música de los álbumes anteriores de la banda, más parecido al post-grunge que al glam metal, siendo un fracaso comercial además de recibir una demanda por parte de Kuehnemund sobre la propiedad del nombre que falló a su favor, lo que puso fin a esa versión de la banda. En 2001, Vixen fue reformada por Kuehnemund con una formación compuesta por Janet Gardner, Roxy Petrucci y el nuevo bajista Pat Holloway, pero los desacuerdos con la gerencia hicieron que la banda se separara y solo quedara Kuehnemund, quien reclutó a Jenna Sanz-Agero (Jenna Piccolo), Lynn Louise Lowrey y Kathrin “Kat” Kraft para completar la gira. Lanzando dos nuevos álbumes en 2006, un álbum en vivo, grabado en un show en Suecia, llamado “Extended Versions” y un álbum de estudio titulado “Live & Learn”. A finales de 2012, Jan Kuehnemund planeaba reunir a la formación clásica de Vixen con Janet Gardner, Share Ross y Roxy Petrucci, quienes anteriormente se habían reunido con la guitarrista Gina Stile bajo el nombre de JSRG. Sin embargo, en enero de 2013, a Kuehnemund le diagnosticaron cáncer y tras nueve meses luchando contra el, murió a la edad de 59 años. Los tres miembros supervivientes de la alineación clásica decidieron continuar bajo el nombre de Vixen en honor a Jan Kuehnemund. En 2017, la guitarrista principal Gina Stile se separó de Vixen, siendo Britt Lightning su sustituta. En 2019 la vocalista Janet Gardner también abandono Vixen, siendo anunciada a los pocos días Lorraine Lewis (Femm Fatale) como la nueva vocalista de la banda. Richard Marx, uno de los artistas más exitosos de finales de la década de 1980, estuvo muy involucrado en los inicios de la carrera de Vixen, coproduciendo el álbum y escribiendo uno de sus mayores éxitos “Edge of a Broken Heart” , además, otras tres canciones del álbum fueron coescritas por Jeff Paris, lanzadas anteriormente en el álbum solista de París de 1987, “Wired Up” . Otro tema mas aparece bajo el nombre real de Paris, Geoffrey Leib, y se incluyó en su anterior álbum “Race to Paradise” de 1986. Jeff Paris ha compuesto temas para gente como XYZ, Alias, Lita Ford, Y&T, y esta banda con la que continuamos llamada Mr. Big.

Banda de la que ya hablamos en el episodio dedicado a Mötley Crüe https://rockencadena.home.blog/2019/09/05/programa-no10/ y que tanto en su primer trabajo como en su segundo colaboraba el compositor Jeff Paris. En el álbum “Lean into it” (segundo trabajo de la banda de 1991) Paris colabora con un tema anteriormente grabado por el “CDFF-Lucky This Time” , el prefijo “CDFF” es la canción “Addicted to That Rush” del álbum debut homónimo de la banda en 1989, tocada a una velocidad de reproducción más alta; por lo que, “CDFF” significa “Compact Disc Fast Forward”, además de ser también la estructura de acordes de la canción en cifrado americano (CDFF= Do, Re, Fa, Fa). “Lean into It” alcanzó el puesto 15 en las listas de Billboard 200, mientras que el sencillo “To Be with You” se convirtió en la primera y única canción de la banda en alcanzar el número 1 en el Billboard Hot 100. La imagen de la portada es una fotografía del accidente del tren de Montparnasse que ocurrió el 22 de octubre de 1895 en la estación Gare Montparnasse en París, Francia. El guitarrista Paul Gilbert dejó la banda en 1999, entrando en su lugar Richie Kotzen quien anteriormente había sido guitarrista de nuestra banda protagonista de este episodio, Poison.

Espero que hayáis disfrutado del blog. Os espero en el próximo episodio…Sube el volumen y disfruta!!

Programa Nº30

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Bienvenid@s al blog de Rock en Cadena. Volvemos con una banda española pionera del Rock sinfónico y que tuvieron su máximo esplendor a finales de los 70 y principios de los 80. Sin duda una de las bandas mas grandes del Rock en la lengua de cervantes. Ellos son Asfalto, comenzamos.

Los 70

En 1974, Julio Castejón (guitarra y voz), Enrique Cajide (batería) y Lele Laina (guitarra y voz) se unen a José Luis Jiménez formando Asfalto. Anteriormente José Luis Jiménez había grabado dos sencillos con otros músicos bajo el nombre de Asfalto sin ninguna repercusión, por lo que al formar una nueva banda se decidió por utilizar este, ya que en aquella época el tener material grabado facilitaba las cosas, o al menos menos llamaba la atención a quienes contrataban. En 1976 realizan un homenaje a The Beatles, grabando diferentes canciones editándose en formato casette.

“Castejo, Cajide, Jimenez, La, primera y mítica formación de ASFALTO”

Ya en 1977, el grupo ficha por Chapa Discos, una nueva marca de la compañía discográfica Zafiro que es dirigida por el disc jokey Vicente Romero “Mariskal”, quien produce en 1978 el primer álbum de la banda bajo el título de “Asfalto”, un trabajo que, por motivos de producción y discrepancias musicales, deja insatisfechos a todos sus componentes. Jiménez y Laina deciden abandonar el proyecto para fundar su propia banda, mientras que Castejón y Cajide, con algunas dudas y presiones (al parecer querían continuar con otro nombre) siguen en Asfalto incorporando dos nuevos músicos, Jorge García Banegas a los teclados y José Ramón Pérez “Guny” al bajo.

En diciembre de 1978 se publica “Al otro lado”, grabado en los Estudios DJM de Londres (Inglaterra), donde la banda se muestra totalmente decantada por un rock de corte progresivo con la voz de Julio Castejón como protagonista. Aprovechando su paso por la capital inglesa, se presentan en directo en el mítico Marquee Club, convirtiéndose así en la primera banda española en actuar en dicha sala.

“La otra formación de Asfalto”

En 1979 graban su tercer disco, “¡¡Ahora!!”, producido como los dos anteriores por “Mariskal”. Como novedad se escuchaba la voz solista de Guny en dos temas. Los conciertos se suceden y la popularidad de Asfalto se dispara, convirtiéndose en los máximos exponentes de una generación de grupos de rock que cantaban en castellano. Su compañía, ante la creciente popularidad de la banda, decide editar en 1980 un recopilatorio de grandes éxitos titulado “Lo mejor”, donde se incluye el tema “Canción para un niño”, solamente publicado anteriormente como sencillo.

Los 80 y la primera ruptura

En 1981 Asfalto graba “Déjalo Asi”, todo un reto ya que se trata del primer disco doble de estudio editado por un grupo español. Chapa Discos no se entusiasma ante un trabajo que es, por su formato, complicado de promocionar y vender. “Déjalo Asi” obtiene una escasa repercusión en los medios de comunicación y la banda rescinde su contrato para crear su propio sello discográfico bajo el nombre de Snif. En 1983, la banda pasa a ser un quinteto con la inclusión de Miguel Oñate, un vocalista que da un aire fresco al grupo, iniciándose así un nuevo ciclo en el que la banda retoca su estilo haciéndolo algo más hard. Ese mismo año con la producción de Julio Castejón y el propio grupo se edita “Más que una intención”, un disco que les devuelve al primer plano de la actualidad. Además, “Más que una intención” se convierte en el primer video-LP que se comercializa en España.

Tras el éxito del anterior disco se presenta un año más tarde “Cronophobia”. La banda estaba en un gran momento creativo y triunfaba allá donde iba, pero como en otras ocasiones llegan los problemas. Miguel Oñate deja la formación para dedicarse a su carrera en solitario, su sustituto será Ricardo Benítez “Richie”, con el que graban “Corredor de fondo” en 1986. El disco no tuvo el mismo éxito de ventas que los dos anteriores en mayor parte debido a las composiciones, menos frescas e inspiradas, y al estilo, que se suaviza bastante. Al terminar la gira “Richie” deja el grupo por motivos personales. La banda decide realizar una parada temporal que también implicará la salida de Banegas y Pérez de Asfalto. En 1987, y para celebrar su decimoquinto aniversario, se regraban algunos de sus éxitos para un disco titulado “1972 – 1987… 15 años de música” incluyéndose un tema inédito de la primera época del grupo, “El teatro de la vida”. Este trabajo cuenta con la participación de todos los músicos que alguna vez pasaron por Asfalto (a excepción de Oñate). Durante el periodo de inactividad sobre los escenarios, ve la luz en 1988 una nueva compilación titulada “Los singles, 1981 – 1988” que incluía los sencillos editados durante esos años, algunas caras B y una versión de “Halley” en inglés.

Los 90y la segunda ruptura

Julio Castejón se acerca a José Luis Jiménez y Lele Laina, además de Terry Barrios (batería) para formar La Rockorquesta Sport Club, un proyecto en el cual rinden tributo a los clásicos que les hicieron músicos. Pero no es eso lo que la gente espera de ellos y tras pensarlo mucho se decide retomar la marca Asfalto. El resultado de esta unión es el disco “Solo por dinero” editado en 1990 por el sello Libélula, propiedad de Julio Castejón. El disco fue un fracaso de ventas y críticas debido al drástico cambio de estilo, originado que los fieles de la banda les dieran la espalda, ya que parecía dirigido a otro tipo de público. El disco que aportó poco bueno y que dejó la credibilidad de Asfalto bajo mínimos significo la última grabación de Barrios, que fallecería dos años más tarde. En 1993, Cajide vuelve a hacerse con el puesto de batería. Retour 93 es el nombre de la gira que se organiza ya retomada oficialmente la formación original. En 1994 publican “El planeta de los locos” con la misma formación que debutaron en 1978, pero poco a poco la experiencia se va diluyendo en una gira nacional que no logra captar la atención del público, la banda, olvidada e ignorada por los medios, se vio obligada a claudicar por falta de seguidores. Sus últimos conciertos se celebraron en 1995.

Entrando en el siglo XXI

Asfalto vuelve a la carretera en 2008 de la mano de Julio Castejón y una nueva formación, con Raúl Santana (que canta los temas grabados en su día por Oñate y Richie), Carlos Parra (teclados y voz), Viti Ilarraza (batería y voz) y Juanvi García (bajo). Con ellos se publica “Utopía”, trabajo que en un principio se iba a publicar como un disco en solitario de Julio Castejon, convirtiéndose en su undécimo disco de estudio. Meses después, Alejandro Ollero “Pollo” sustituye a Juanvi en plena gira de promoción. El 3 de julio de 2009, en el Teatro Pilar Bardem de Rivas-Vaciamadrid (Madrid), Asfalto graba su primer disco en directo, publicado ese mismo año bajo el titulo de “¡Al fin vivos!” en formato de doble CD y doble DVD.

En 2011 Asfalto publica “Music”, un disco de 4 temas, donde Raúl Santana interpreta en inglés una versión de “Music was my first love” de John Miles. También en 2011 se lanza el recopilatorio “Inédito”, con material descartado del disco “Corredor de Fondo”, otras canciones que ya habían sido publicadas en el recopilatorio “Los Singles” y algunas maquetas. Las grabaciones son de entre 1983 y 1986 excepto el bonus “Tiempo gris” del álbum “Más que una Intención” , que fue grabada en directo en 2003 por Jorge García Banegas en solitario pero con la participación de Miguel Oñate y Guni, entre otros. En junio del 2012 Raúl Santana y Carlos Parra dejan la banda siendo sustituidos por Jorge García Banegas, que regresan a Asfalto tras 25 años de ausencia y Paul Castejón, multi instrumentista y uno de los hijos de Julio. A finales de ese mismo año dejan también la banda Alejandro Ollero y Marcos Parra. Ocupan sus puestos Pablo Ruiz (bajo) y Tony Mangas (batería).

“Asfalto 2021”

“El color de lo invisible”​ se edita en 2014, donde Banegas solo participa en dos canciones, abandonando la grabación siendo sustituido por Nacho de Lucas. “Crónicas de un Tiempo Raro”, de 2017, cuenta con la ultima formación de Asfalto formada por Arturo García (batería), Paul Castejón (multi-instrumentista), Nacho de Lucas (teclado), Pablo Ruiz (bajo) y, cómo no, Julio Castejón grabando ese mismo año el directo “Sold Out” (doble Cd y DVD) coincidiendo con la celebración del 45 aniversario de la banda, contando con invitados de lujo como John Helliwell de Supertramp (quien colaboró en el disco anterior), Aurora Beltrán, El Drogas, Manolo Garcia, Richie (ex cantante de Asfalto).

Asfalto es sin duda una de las grades bandas del rock español, verdaderos padres del rock sinfónico tan poco cultivado en España, y siempre comprometidos en la defensa de los derechos sociales y las reivindicaciones por la libertad. Si hablamos de Asfalto no podemos dejar pasar por alto a la banda surgida de esa “otra midad” de la primera formación de Asfalto formada por Jose Luis Jimenez y Lele Laina llamada Topo.

Tras abandonar Asfalto, José Luis Jiménez (bajo y voz) y Lele Laina (guitarra y voz) se embarcan en la creación de Topo junto a Terry Barrios (batería y voz) y Víctor Ruiz (teclados). En 1979 debutan con su su primer álbum homónimo producido por Teddy Bautista. En 1980, Chapa (su compañía de discos) empuja a Topo a realizar un disco muy en la onda de lo que estaba de moda en ese momento, a nivel patrio, la movida madrileña, y a nivel internacional la new wave. Esto se refleja en su segundo trabajo de 1980 “Pret a portet”, de nuevo producido por Teddy Bautista, y muy alejado del anterior trabajo siendo un fracaso estrepitoso. Los seguidores de la banda no reconocen al grupo y la fórmula no es capaz de atraer a otros sectores de público. Esto hace que Topo abandone la discográfica. Para su tercer álbum editado en 1982, “Marea Negra”, fichan por Sony y cuentan con la producción de Carlos Narea con la ayuda de Miguel Ríos, volviendo así a su sonido original convirtiendo al álbum en su obra más representativa. La compañía hace muy poco por promocionarlos minando la moral del grupo que a finales del 84 ve como Terry, Lele y Víctor abandonan la banda. José Luis Jiménez se queda solo, pero decide mantener el nombre y ficha a Luis Cruz (Guitarra), Kacho Casal (Batería) y Pablo Salinas (Guitarra, teclados), editando en 1986 “Ciudad de Músicos”. A pesar de ser un buen álbum vuelve a pasar desapercibido precipita el fin de la primera etapa de Topo. El 30 de octubre de 1987, José Luis Jiménez reúne en la sala Canciller (Madrid) a todos los músicos que habían pasado por la banda, más numerosos invitados ligados a su historia para la grabación de “Mis amigos están vivos”, doble L.P en directo editado en 1988. En el año 1998 vuelven a reunirse Jiménez y Lele Laina, esta vez con Sergio Cisneros a los teclados y Roger Castro en la batería. En 2000 publican “La jaula del silencio” , de nuevo el álbum pasó totalmente desapercibido. En 2010 vuelve a Topo Luis Cruz, prescindiendo de teclista completan la banda el batería José Martos (Niagara, Barón Rojo, Atlas), publicado en 2010 “Prohibido mirar atrás”. Con esta formación graban en 2011 el directo “Cierta noche en Madrid” editado en doble CD y doble DVD. En 2015 se publica lo que es hasta la fecha su ultimo trabajo “El ritmo de la calle”. En 2017 se lanza el recopilatorio “Milenio”, únicamente en formato vinilo con dos canciones nuevas y temas de “La Jaula del Silencio” , “Canciones Básicas” , “Prohibido Mirar Atrás”, “Cierta Noche en Madrid” y “El Ritmo de la Calle”. Seguimos con alguien que contribuyo en gran medida al “éxito” de Topo, el cantante Miguel Ríos.

Cantante y compositor de rock español y uno de los pioneros de este género en España. Conocido en los años 60 como Mike Ríos alcanzó su mayor éxito con el «Himno a la alegría», cuya versión en inglés «A Song of Joy» fue un éxito a nivel mundial. En 1978, patrocinada por la marca de vaqueros Red Box, organiza la gira La noche roja, que él mismo diseña, dirige y produce. Fue la primera gira con equipamiento traído desde Inglaterra, lo que permitió actuar con la misma calidad que las bandas anglosajonas, tanto en lo referente a la luz como al sonido, a los mejores grupos españoles del momento, como Triana, Iceberg, Tequila, Salvador y Guadalquivir. Su álbum “Rock and Ríos”, un doble directo editado en 1982, es sin duda un referente dentro del rock en España. En 1983 publica “El rock de una noche de verano” con Luz Casal y Leño como teloneros. Topo y Express (banda de Richie, cantante de Asfalto) también fueron teloneros de Miguel Rios quien a lo largo de su carrera ha variado su estilo desde el rock and roll más primigenio al sinfónico y, en los últimos años, el jazz con big band o el blues. Continuamos con uno de los músicos que grabó y giró a Miguel Rios, compositor de un tema que dio nombre a su banda, Banzai.

A principios de los 80, Salvador se decide a crear su propia banda, y la bautiza con el nombre de uno de los temas que compuso con el propio Miguel Ríos en 1982, Banzai. La primera formación estuvo compuesta por Jimmy Reitz a las voces, Juan Carlos Redondo “Snoopy” a los teclados, José al bajo, Enrique Ballesteros a la batería y Salvador a la guitarra solista. Estuvieron a punto de ser contratados por la compañía CBS, pero finalmente el contrato no se realizó. En 1983 se produjeron los primeros cambios en la banda, saliendo Jimmy, Enrique y José siendo sustituidos por Valentín del Moral “Chino”, Larry Martín y Carlos Vázquez “Tibu” respectivamente. Con esta formación graban y publican en 1983 su primer álbum homónimo. El disco es recibido con gran acogida, pero de nuevo se producen salidas y entradas en el grupo, marchándose Chino y Larry y entrando José Antonio Manzano a las voces quien pone como condición hacerse acompañar por su compañero en Tigres David Biosca (batería). Mas tarde Snoopy abandona el grupo a al vez que Banzai ficha por la discográfica WEA, lo que conlleva la rescisión del contrato con Hispavox. El teclista Danny Peyronel (UFO) se une al grupo. Su segundo trabajo, “Duro y potente”, fue editado en 1984 poniendo de nuevo al grupo en el escaparate del Heavy español. Pero este estilo sufre una caída de ventas, publico y sobre todo apoyo por parte de la industria musical lo que hace que la banda se separe, dando su ultimo concierto en 1985 en el Pabellón del Real Madrid (Madrid). En 1987 se realizó la primera reunión, realizando un único concierto en Madrid. Con la banda ya disuelta se editó en 1988 el disco “Alive N’ Screaming”, el cual se nutría básicamente de temas de su trabajo anterior con la salvedad de la inclusión de cuatro temas cantados en inglés. El disco fue un fracaso. En 2011 se anuncia la vuelta de Banzai a los escenarios con Manzano a las voces, Salva a la guitarra solista, “Tibu” al bajo, Biosca a la batería y un nuevo integrante, Fredy Fresquet, a la guitarra rítmica y los teclados. Pero “Tibu” (quien a su vez hacia las veces de manager/promotor) desaparece, sin tener noticias de el en tres meses, lo que hace que la banda incorpore a Nico Martínez como bajista. El 4 de junio de 2011 regresan a los escenarios ante 22.000 personas durante un concierto en el Nuevo Auditorio del Parque Aluche, en Madrid. En el año 2012 es editado un disco en directo, “En vivo y potente” en formato CD y DVD. El día 1 de abril de 2019 se hace publica la noticia del fallecimiento de José Antonio Manzano tras una larga lucha contra un cáncer de colon. Precisamente con Manzano continuamos y su banda llamada como el, Manzano.

En 1988 lanza su primer disco en solitario, titulado “Manzano” junto a Tony Vallés y Javi Puig a las guitarras, Pepe Bao al bajo y Fernando Moutón a la batería. El disco, una mezcla de Hard Rock y Heavy melódico fue bien recibido por la critica y el publico por lo que la compañía decide intentarlo en el mercado internacional y un año más tarde y tras cambios en la banda (Javi y Fernando son sustituidos por Joan Maurel y Ramón Pinyol) editan la versión en inglés de este álbum bajo el título “Red Hot”, cambiando la portada original por una foto de la banda en ese momento. Esta versión en inglés también fue editada en CD para el mercado japonés ahora con el título de “Turn me on” con el logo de Manzano como portada. En 1990 se edita un segundo trabajo titulado “Al límite de la pasión” , en la misma línea que el anterior ya sin Pepe Bao que había abandonado el grupo siendo sustituido por Javier Barrecha. Pero no es un buen momento par el hard rock y menos en España y Manzano da por terminado su carrera en solitario, mudándose a Suiza y alejándose del panorama musical español. En 2015 Manazano regresa tras 25 años con la publicacion de “Mi religión”, y con colaboraciones tan interesantes como las de David Palau, Javier Mira o Manolo Arias y “4” editado en 2017, siendo desgraciadamente su ultimo trabajo ya que el día 1 de abril de 2019 José Antonio Manzano fallecía tras una larga lucha contra un cáncer de colon. Unos de sus músicos nos lleva a la siguiente banda, el bajista Pepe Bao y su paso por esta banda mítica dentro del rock andaluz, Medina Azahara.


Formados en 1979 Medina Azahara es reconocida como una de las bandas más emblemáticas del llamado rock andaluz mezclando el hard rock de nombres como Deep Purple o Rainbow con el rock sinfónico, y el mencionado rock andaluz que practicaban grupos como Triana. Ese mismo año publican su debut homónimo seguido de “La esquina del viento”, publicado en 1981 y “Andalucía” en 1982. En 1986, tras varios cambios en la formación, el grupo se autofinancia su nuevo álbum, “Caravana española”, editado en 1987 con un sonido cercano al pop rock. En 1989 y de nuevo con cambios en sus filas se publica “En Al-Hakim”. Ya en la nueva década pensaron graban un disco en vivo llamado “En directo” (1990), el cual resumió toda su historia musical hasta el momento; mientras que en 1992 editaron “Sin tiempo”, otra vez con nuevos componentes y con dos de sus sencillos alcanzando el oro y el platino. Después llegarían “Dónde está la luz” en 1993, el doble CD “Árabe” en 1995, mientras que en 1996 se edita un doble disco en vivo, segundo de su historia, y con algunos temas nuevos llamado “A toda esa gente”. Sin duda los 90 fueron la época mas gloriosa de la banda, cuando su estilo se acercó mas al hard rock. En 1998 vio la luz “Tánger”, en el que colaboró la orquesta marroquí de Taktuka Yeblía. Tras la publicación del álbum continua el “baile” de miembros dentro de Media Azahara coincidiendo con la publicación en 1999 de un recopilatorio enfocado al material más melódico del grupo, titulado “Baladas”. Ya en el año 2000, coincidiendo con el 20 aniversario del grupo, publican “XX”, en 2021 “Tierra de libertad”, en 2002 “Versión original”, álbum de versiones y en En 2003 “Aixa”, álbum ganador de dos premios de la música, al mejor álbum de rock y a la mejor canción. Para su 25 aniversario, en 2005, sale al mercado un doble CD más un DVD bajo el título de “Medina Azahara, 25 año”. Al mismo tiempo, se edita un nuevo álbum “La estación de los sueños”. Al año siguiente, en 2006, se vuelve a publicar un recopilatorio de canciones, más DVD y contenido extra, que incluye una canción en inglés y cuatro canciones en acústico. “Se abre la puerta”, de 2007 es un álbum homenaje al rock andaluz de la década de los 80, con siete versiones de canciones del grupo Triana, una de Alameda y tres de la primera época de los propios Medina Azahara. Este seria el único trabajo donde aparece el bajista Pepe Bao, siguiendo así con el enésimo cambio de formación de la banda. En 2008 se edita un CD + DVD llamado “…En escena”, grabado durante un concierto del grupo en 2004. El decimoquinto álbum del grupo, “Origen y leyenda” aparece en 2009 y en 2011, Medina Azahara edita “30 años y la historia continúa”, un DVD con un concierto de 30 canciones, 2 CD con el contenido de ese mismo concierto, y un disco de estudio con 8 temas nuevos. Este box set también se comercializó en versión abreviada, vendiéndose el disco de estudio solo bajo el título de “La historia continúa”, con una versión los Beatles como extra. De nuevo se suceden entradas y salidas en el seno de la banda y en 2012 se publica “La memoria perdida”, en 2014 “Las puertas del cielo” y en 2016 “Paraíso prohibido”.​ “Trece Rosas” de 2018 es el vigésimo disco del grupo en casi cuarenta años de carrera. Sin duda uno de los “creadores” de ese acercamiento del grupo al sonido mas hard es su guitarrista Paco Ventura con el que continuamos en su andadura en solitario.

Paco Ventura publica su primer trabajo en solitario en 1997 bajo el titulo de “Aventura”, junto a Manuel Ibáñez a los teclados, Pepe Bao al bajo, Anye Bao (hermano de Pepe) a la batería y José Luis Juárez a la voz, quien se ocupa de esta tarea en el único tema no instrumental del álbum. Doce años después aparece “Sol Navajo”, una versión mejorada de aquel primer disco de 1997 con el añadido de cuatro temas nuevos, tres de ellos con voz y uno instrumental. En 2015 Paco Ventura graba “Black Moon” un proyecto donde predominan los temas cantados y en los que cuenta con Tini Fernández (bateria), Charly Rivera (bajo), Rafa Peña (teclados) y Javier González (voz), además de contar con las colaboraciones de Patrick Rondat (Jean Michelle Jarre), Roland Grapow (Masterplan, ex- Helloween)
Goran Edman (ex- Yngwie Malmsteen) o Joe Lynn Turner (ex Rainbow, ex Deep Purple) entre otros. En 2019 vuelve con otro disco instrumental “Madre Tierra”, donde vuelve a contar con “estrellas” internacionales y nacionales de la talla de Stuart Hamm, Rudy Sarzo (Quiet Riot, Ozzy Osbourne, Whitesnake), Michael Angelo Batio, Joey Tafolla, Phil Sousan, Jennifer Batten, Kiko Loureiro o Jorge Salan. Volviendo a su segundo trabajo “Sol Navajo” nos detenemos en sus tres nuevos temas vocales, dos de ellos interpretados por Rafa Martin y otro por el gran Leo Jiménez quien nos lleva a la banda que sin duda le dio la oportunidad de darse a conocer en el mundo del Heavy en España e Hispanoamerica, Saratoga.



Banda formada en 1992 por el bajista Niko Del Hierro y el guitarrista Jero Ramiro, ambos “viejos” músicos de la escena del heavy en España. Es mas que probable que dediquemos un programa a la banda, así que nos centraremos un poco en la trayectoria de Leo dentro de Saratoga. En 1998, tras el abandono del vocalista y el batería de la banda, Saratoga está a punto de desaparecer pero encuentran “sangre joven” en el batería Dani Pérez, y el vocalista Leo Jiménez. En 1999 editan “Vientos de Guerra”, donde dan un toque más duro a su música y consiguen lograr una identidad propia alejándose de un heavy “rancio” que ya no atraía al publico. A finales de 2006 Leo anuncia su salida de Saratoga, dejando atrás cinco trabajos en estudio (uno de ellos en ingles) y dos directos, convirtiéndose en el tercer vocalista en abandonar el grupo tras Gabriel Boente y Fortu, mítico cantante de la banda con la cual seguimos este blog, Obus.

Formados en Madrid a principios de la década de 1980 rápidamente se convirtieron en un referente para el movimiento Heavy de la época hasta llevarlos a lo mas alto del panorama musical dentro de este estilo. No seria justo hablar de ellos sin dedicarlos antes un episodio de Rock en Cadena, asi que vamos directamente con la persona que “ficho” a la banda para la compañía de discos para la cual trabajaba, “Mariskal” Romero y Chapa discos, discográfica en la que también debutaron nuestros protagonistas de este blog, Asfalto. No faltéis a la próxima cita, y recuerda…sube el volumen y disfruta!!

Programa Nº 29

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Hola a tod@s y bienvenid@s a una nueva entrada del blog del podcast Rock en Cadena. Esta vez “estrenamos” una nueva sección dedicada a solistas, tanto cantantes como guitarristas, y lo hacemos de la mano de una de las figuras mas grandes del Heavy Metal. Considerado como uno de los mejores vocalistas del genero, paso por dos de las bandas mas grandes: Rainbow y Black Sabbath, para mas tarde iniciar su carrera en solitario. El es Ronnie James Dio y su banda Dio. Comenzamos.

Una carrera en solitario

En 1982, los desacuerdos que se originaron sobre la mezcla de “Live Evil” de Black Sabbath dieron como resultado la salida de Ronnie James Dio y Vinny Appice de la banda. Ambos querian continuar juntos continuar juntos formando Dio en octubre de 1982 en los Estados Unidos con Jake E. Lee (guitarras) y Jimmy Bain (bajo). Aproximadamente un mes después de la formación de la banda, Lee fue reemplazado por el joven guitarrista Vivian Campbell , procedente de Sweet Savage banda britanica perteneciente a la nueva ola del heavy metal británico (NWOBHM). En mayo de 1983, la banda lanzó su álbum debut, “Holy Diver”. Contó con dos sencillos de éxito, ” Rainbow in the Dark ” y ” Holy Diver “, que ganó popularidad en MTV. El álbum fue certificado oro en los Estados Unidos el 12 de septiembre de 1984 y platino el 21 de marzo de 1989. En el Reino Unido obtuvo la certificación Plata en enero de 1986.

“Fue un buen momento para estar en esa banda. Fue perfecto para nosotros. Todo encajó en su lugar. La ética en el ensayo fue asombrosa. El esfuerzo en la grabación fue igual de buena. Todo el mundo quería que fuera genial. Realmente creíamos en lo que estábamos haciendo y estábamos ansiosos por sacar ese producto y que la gente lo escuchara.”

Ronnie James Dio
“La primera aparición de Murray”

Dio y Jimmy Bain tocaron los teclados en el estudio, pero reclutaron al teclista Claude Schnell para los shows en vivo. La portada presenta a Murray (la mascota de aspecto demoníaco de Dio) haciendo girar unas cadenas alrededor de las olas donde flota un hombre encadenado con un alzacuellos de sacerdote o ministro. Dio explicó que las apariencias son engañosas, queriendo que la gente no “juzgue un libro por su portada”, ya que la portada de “Holy Diver” podría ser fácilmente un sacerdote matando a un demonio. Murray aparece en varios álbumes de Dio. Cuando el logotipo “DIO” se ve al revés, se puede interpretar como “DIE” o “DEVIL” (mal o demonio). Ronnie James Dio se ha referido a esto como pura coincidencia.

“¿Die?¿Evil?…simplemente Dio”

El segundo álbum de estudio de Dio, “The Last in Line”, se publicó el 2 de julio de 1984, convirtiéndose en el álbum de la banda que mas alto llegó en las listas tanto del Reino Unido como de Estados Unidos, alcanzando el número 4 y el número 23, respectivamente. Claude Schnell, quien tocaba los teclados sin ser visto, entró a formar parte de la banda y a mostrarse al publico, siendo “The Last in Line” su primer trabajo como miembro de la banda. Ese mismo año se publica el VHS “A Special from the Spectrum”, grabado el 25 de Agosto de 1984 en el Spectrum (Philadelphia). En 1985 se publicó “Sacred Heart”, álbum que continuó la linea de los anteriores trabajos. En la portada del álbum puede verse una inscripción en latín alrededor del borde de la portada que dice: FINIS PER SOMNIVM REPERIO TIBI SACRA COR VENEFICVS OSTIVM AVRVM. La letra de la canción “Sacred Heart” podría contener más datos para la interpretación. Dado que el latín se basa en el contexto para una traducción, la inscripción podría traducirse de la siguiente manera: “Llega el final del sueño. Prepararé el sagrado corazón, que es la magia que se abre sobre el altar”. También en 1985, Dio, Campbell y Bain escribieron la canción “Stars” para el proyecto Hear ‘n Aid, una fundación para combatir el hambre en África. En la canción participaron muchas de las estrellas del heavy metal de la época.

Campbell parecía estar cada día mas descontento de trabajar con Dio, durante la grabación de “Sacret Heart” las diferencias entre Dio y el guitarrista se hizo mas evidente acabando con el despido de Campbell de la banda de Dio a mitad de la gira.. Varias canciones se grabaron en vivo durante la gira Sacred Heart para el E.P. “Intermission” de 1986 con Campbell todavía en la guitarra, sin embargo, este trabajo también contenía la pista de estudio “Time To Burn”, que sirvió para presentar a los fans a Craig Goldy como el nuevo guitarrista. En 1986 se lanzó “Sacret Heart: The Video” que contiene imágenes de un concierto en vivo grabado en el Spectrum Arena en Filadelfia el 17 de junio de 1986. El concierto fue filmado durante la gira de apoyo del álbum “Sacret Heart”, la actuación en vivo contenía dispositivos mecánicos complejos y efectos láser, cuya construcción y transporte se valoró en 250.000 dólares. El video solo se lanzó en VHS, Beta y VHD (solo en Japón). Cuando fue relanzado en formato DVD en 2004, fue retitulado como “Sacred Heart “The DVD”. El 21 de julio de 1987, se lanzó su cuarto álbum “Dream Evil”, último álbum de Dio en presentar a Murray en la portada (no lo había hecho en el anterior trabajo de estudio). El concepto de todo el álbum son los miedos y las supersticiones sobre la noche y la oscuridad. “Dream Evil” significo la despedida de varios de los músicos de la banda, Goldy, que quería seguir proyectos en solitario, dejó la banda además de Schnell, Bain y Appice.

Renovarse o morir

“Tiempos de cambio”

En junio de 1989, Rowan Robertson , de 18 años, fue anunciado como nuevo guitarrista de Dio, Schnell, Bain y Appice fueron reemplazados, respectivamente, por Jens Johansson (Yngwie Malmsteen), Teddy Cook y el ex batería de AC/DC Simon Wright. La nueva banda lanzó el álbum “Lock Up the Wolves” en la primavera de 1990. El disco no fue bien acogido ni por los fans, que vieron como Dio se alejaba del sonido característico de los 80, ni por la critica que lo vio como un paso atrás en su carrera.

Durante la gira Dio se unió durante un breve espacio de tiempo a Black Sabbath para la grabación del álbum “Dehumanizer” (1992) y la gira posterior. En 1992 se publica “Diamonds – The best of Dio”, una colección de grandes éxitos que se lanzó a nivel internacional, pero nunca se lanzó a nivel nacional en los EE.UU. Tras la reunion con Black Sabbath, Dio volvió a montar a Dio, volviendo Appice a la batería, con quien había coincidido en la breve reunión de Black Sabbath. A principios de 1993, el guitarrista Tracy G , el teclista Scott Warren y el bajista Jeff Pilson (Dokken) se unieron a la banda. Durante esta era, Dio abandonó las canciones con temas de fantasía y se centró en temas modernos. Como resultado, algunos fans consideran los álbumes hechos durante este período (“Strange Highways” de 1993, considerado el álbum más pesado y oscuro de Dio, “Angry Machines” de 1996, último álbum de estudio que contó con el batería original Vinny Appice y el álbum en vivo “Inferno: Last in Live”, grabado en su gira Angry Machines en 1996/97) como los peores en el catálogo de Dio, mientras que otros los ven como un paso hacia delante, abandonando el sonido anticuado de los 80. Con decepcionantes ventas de discos para “Angry Machines”, los managers querían que la banda volviera a su estilo anterior, lo que provocó la partida de Tracy G para ser reemplazada por el regreso de Craig Goldy.

Vuelta a los orígenes

En el año 2000 se publica otro recopilatorio con pistas de los primeros seis álbumes de estudio de Dio mas “Intermission” titulado ” The very beast of Dio”, el primero en ser lanzado únicamente en los Estados Unidos, alcanzando el disco de Oro en 2009. El regreso de Craig Goldy facilitó el lanzamiento del octavo álbum de estudio de Dio en 2000, “Magica”, considerado por muchos como el “álbum de regreso” de la banda, alcanzando el número 13 en las listas independientes de Billboard. Este trabajo no solo contó con el regreso de Goldy, sino también el de Simon Wright y Jimmy Bain, aunque en la etapa europea de la gira, Chuck Garric tocó el bajo. Scott Warren permaneció en la banda y actuó en vivo, aunque Dio y Bain se ocuparon del teclado y el sintetizador del álbum. Magica (un álbum conceptual) presentó un regreso al sonido más antiguo y exitoso de la banda, mientras que el mayor uso de teclados le dio una sensación más moderna. Durante la siguiente gira, sin embargo, aumentaron las tensiones entre Goldy por un lado y Bain y Dio por el otro, ya que Goldy estaba lidiando con las obligaciones familiares. Goldy dejó la banda en enero de 2002 y fue reemplazado por Doug Aldrich, quien apenas contribuyó al noveno trabajo de Dio, “Killing the Dragon”, ya que mayoría de temas ya estaban escritos por Dio y Bain. Killing The Dragon fue lanzado en 2002 siendo bien recibido en la comunidad del metal, lo que lo ubicó en el top 200 de Billboard. Aldrich permanecería en la banda hasta abril del año siguiente, cuando él, como Campbell antes que él, se unió Whitesnake, lo que provocó el regreso (otra vez) de Goldy. Poco después, Bain dejó la banda.

En 2003 se publica el DVD “Evil or Divine – Live in New York City” grabado en la ciudad de Nueva York en 2002. En 2004 Dio lanzó su décimo álbum de estudio, “Master of the Moon” con Jeff Pilson al bajo, sin embargo, debido a obligaciones previas con Foreigner, solo estuvo disponible para las sesiones de grabación, por lo que en la gira fue reemplazado por Rudy Sarzo (Ozzy Osbourne, Quiet Riot, Whitesnake). 2005 vio el lanzamiento del álbum en vivo de Dio “Evil or Divine – Live in New York City”, que incluía el mismo programa que fue lanzado en DVD en 2003. Tambien en 2005 aparece el DVD “We Rock” que recopila los VHS “Live in Concert” (1984) y “A Special from the Spectrum” (1984). Dio realizó una gira por Sudamérica, Japón, Europa y Rusia en 2005. Su gira de otoño fue titulado “An Evening With Dio” y contaba con un set regular, mas otro en el que la banda tocaba “Holy Diver” en su totalidad. En Londres se filmó un DVD de la gira. El audio de esta actuación, un doble CD llamado “Holy Diver – Live” fue lanzado en abril de 2006.

Últimos años y muerte.

En 2007, se anunció la reunion entre miembros de Black Sabbath y Ronnie James Dio bajo el nombre de Heaven & Hell, esto, retrasó la grabación de lo que sería la continuación de “Master of the Moon”, “Magica II”. Durante 2008 y 2209 (años que duró Heaven & Hell) Dio realizo breves giras. El 18 de noviembre de 2009, la gira europea fue cancelada debido a la hospitalización de Dio. Le habían diagnosticado cáncer de estómago y estaba en tratamiento.

“Después de que mate a este dragón, Ronnie volverá al escenario, donde pertenece, haciendo lo que más ama, actuando para sus fans”

wendy dio

En 2010, se lanzó una caja titulada “Tournado Box Set”, en edición limitada, en principio pensada para ser vendida en la gira Europea. El conjunto incluye el CD de “Killing the Dragon”, el DVD “Evil or Divine”, material adicional en DVD, entrevistas, galería de fotos, imágenes nunca antes vistas, video promocional de la pista “Push” de “Killing the Dragon”, fotos exclusivas de Dio, y el single CD extra “Electra” (última canción que grabó la banda). Ronnie James Dio murió el 16 de mayo de 2010 de cáncer de estómago en el Centro Médico de Texas en Houston , Texas, a la edad de 67 años. El 9 de noviembre de 2010, se lanzó un álbum en vivo póstumo titulado “Dio at Donington UK: Live 1983 & 1987”, con las apariciones de Dio en 1983 y 1987 en el festival Monsters of Rock de Donington. También en 2012 se publicó “The Very Beast of Dio – Vol. 2”, un álbum recopilatorio continuación de “The Very Beast of Dio”, este álbum continúa donde lo dejó el anterior, incluyendo las pistas del séptimo al décimo álbum de estudio de la banda. A diferencia de su predecesor, que solo estaba disponible en los Estados Unidos y Canadá, Vol. 2 tuvo un lanzamiento mundial.

Si hablamos de Dio como persona es sin duda uno de los mejores (si no el mejor) vocalistas de Heavy Metal de la historia, con un rango vocal potente y versátil capaz de cantar tanto hard rock como baladas. Con sus más de 50 años de carrera se ha convertido en todo un icono del genero, además de aportar a este su seña de identidad, los famosos “cuernos del metal”, gesto que solía hacer su abuela para ahuyentar el mal o evitar maldiciones hacia sus seres queridos. Como banda Dio ha vendido mas de 20 millones de copias en todo el mundo, convirtiéndose en una de las bandas mas influyentes del Heavy Metal. Vamos a continuar con un compañero y amigo de Ronnie James Dio, el bajista Jimmy Bain, quien falleció el 23 de enero de 2016 de cáncer de pulmón, y lo hacemos con esta banda en la que coincidió con otros “ex Dio´s” llamada WWIII.

Formada en 1986 por el vocalista Mandy Lion. Con la ayuda del manager Don Arden comenzaron a buscar músicos para la banda, los elegidos fueron Jimmy Bain y Vinny Appice al bajo y la bateria respectivamente además del guitarrista de Warrior Joe Floyd, quien fue sustituido por Tracy Grijalva,(Tracy G, ¿os suena?). En 1990, WWIII lanzó su debut homónimo. Tras la gira Vinny Appice fue reemplazado por James Kottak quien a su vez sería reemplazado más tarde por Mikkey Dee. Las cosas cambiaron cuando Steve Jones, el A&R del grupo, trató de dar una imagen de nazis a la banda, lo que provocó que Lion se revelara contra el sello. Esto y algunos problemas mas hicieron que la banda se tomara un tiempo de descanso. Tras 12 años desde la publicación de su debut Lion reforma WWIII y publica en 2003 “When God Turned Away”, esta vez con Joe Floyd a las guitarras, aunque aparece como Flo, Ray Montez al bajo y Sledge a la batería. En el verano de 2004, los miembros originales Vinny Appice y Jimmy Bain se reincorporaron a la banda además del guitarrista Moni Scaria. En 2008 se reunió la formación original de la banda. El grupo, con un sonido oscuro con toques de heavy clásico y thrash metal, ha pasado desapercibido dentro del negocio musical, eso si, su vocalista y fundador, Mandy Lion, con una voz bastante peculiar entre rasgada, pero a la vez melódica, y con una imagen un tanto curiosa con un sombrero negro de copa y una gabardina de cuero negro., hacen de el algo peculiar. El precisamente nos lleva a nuestro siguiente protagonista ya que colaboró en el álbum debut de este grandísimo guitarrista llamado George Lynch.

Tras su paso por Dokken y la formación de su propia banda Lynch Mob, lanzó su en 1993, su primer álbum en solitario, “Sacred Groove” un trabajo que contiene una amplia gama de estilos diferentes con cuatro instrumentales y seis canciones. El lanzamiento japonés tiene un instrumental adicional y una pista en vivo. Lo curioso de este trabajo es la participación de su ex compañero en Dokken, Don Dokken, con quien como todos sabéis no tenían una buena relación. Don aparece como compositor de uno de los temas. Para este álbum se hizo acompañar de los vocalistas Ray Gillen, Mandy Lion, Glenn Hughes y los hermanos Nelson, con los que continuamos.

Banda fundada por los cantantes y compositores Matthew y Gunnar Nelson (hijos gemelos de Ricky Nelson y Kristin Nelson, personajes famosos de Hollywood). Los hermanos Nelson, involucrados en la música desde una edad temprana, comenzaron a dedicarse de manera profesional en la década de los 80. Un año después de la muerte de su padre en un accidente aéreo, los Nelson aparecieron como invitados musicales en Saturday Night Live, convirtiéndose en la primera banda sin contrato discográfico en tocar en el programa. Durante este tiempo, Matthew era el cantante principal y el bajista, mientras que Gunnar tocaba la batería, este decidió romper la banda tal como estaba y comenzar a compartir el escenario principal juntos. Gunnar prometió aprender a tocar la guitarra y lo hizo en un año. Mientras la banda intentaba encontrar un contrato discográfico, llegaron a un acuerdo con Geffen Records y el famoso A&R, John Kalodner, comenzó a seguir a la banda. Durante ese tiempo, Matthew y Gunnar coescribieron una canción con Dweezil Zappa llamada “Two Heads are Better than One” para la película Bill and Ted’s Excellent Adventure. Dado que la banda estaba en proceso de contratación con Geffen, Kalodner les recomendó que no usaran sus nombres para la canción, por lo que aparecieron como Power Tool en su lugar. La canción finalmente se convirtió en el tema principal de la película. Su primer trabajo, “After the Rain” fue lanzado el 26 de junio de 1990 y se convirtió en un éxito instantáneo. El álbum terminó vendiendo más de 3.000.000 de copias, siendo finalmente certificado doble platino. Como resultado, la banda comenzó una gira mundial con más de 300 conciertos. Su primer sencillo, “(Can’t Live Without Your) Love and Affection” alcanzó el puesto número 1 en el Hot 100 de Billboard. Sus otras canciones “After the Rain”, “More than Ever” y “Only Time Will Tell” alcanzaron el puesto 6, 14 y 28 respectivamente. Después de varios años de gira, la banda entró en el estudio para grabar su segundo trabajo El resultado de esto fue un álbum conceptual más oscuro y más duro titulado “Imaginator”. Esto no gustó a los ejecutivos de Geffen Records que dieron a la banda la opción de producir y grabar otro álbum, más de acuerdo con lo que esperaban, o serían liberados de su contrato. El resultado fue el álbum “Because They Can”, un álbum más acústico, que terminó siendo lanzado en 1995, cinco años después de su primer álbum. Kalodner dejó Geffen una semana antes del lanzamiento del álbum, y el sello decidió darle una promoción limitada al álbum. Poco después, Geffen liberó a Nelson de su contrato, y un año después de su lanzamiento, Nelson finalmente lanzó “Imaginator” de forma independiente bajo su propio sello. En 1997, lanzaron en Japón su primer álbum bajo su sello, titulado “Silence is Broken” y en 1999 “Life”. En 2010, Nelson firmó un contrato con Frontiers Records, lanzando tres álbumes casi consecutivamente. El primero, “Before the Rain”, es una colección de algunas demos que quedaron fuera del álbum “After the Rain”. El segundo es “Perfect Storm”, con grabaciones en vivo de la gira mundial “After the Rain”. . El tercer álbum es un nuevo álbum de estudio llamado “Lightning Strikes Twice”, con nuevo material de la banda. Pero nos centramos en uno de los músicos de su álbum debut, el batería Bobby Rock y su paso por esta banda llamada Vinnie Vincent Invasion.

Banda formada por el ex Kiss Vinnie Vincent y de la que ya hablamos en el primer episodio de Rock en Cadena https://rockencadena.home.blog/2018/12/02/programa-no1/ así que directamente pasamos a la banda que le dio fama y…¿fortuna?…Kiss.

Kiss, otra de las bandas que tuvo su episodio como protagonistas https://rockencadena.home.blog/2020/04/05/programa-no16/ Ya sabéis la cantidad de guitarristas que han pasado por la banda, pero nos centraremos en el ultimo Tommy Thayer y una de sus primeras bandas que además tienen mucho que agradecer a Kiss, Black ´N Blue.

Banda formada en 1981 por Jamie St. James y Tommy Thayer llamada originalmente Movie Star. La banda firmó por Geffen Records, lanzando su álbum debut homónimo, “Black ‘N Blue”, en agosto de 1984, producido por el famoso productor alemán Dieter Dierks. En 1986 la banda llamó la atención del bajista de Kiss, Gene Simmons , quien más tarde asumirá el cargo de productor de la banda para sus dos próximos álbumes, “Nasty Nasty” en 1986 e “In Heat” en 1988, pero ninguno de los álbumes pudo recuperar el sonido Black ‘N Blue de antaño, y la banda se separó en 1989. En 1997, los cinco miembros originales de Black ‘N Blue se reunieron para realizar una única actuación en la noche de Halloween. Este concierto terminó siendo un espectáculo con entradas agotadas, y fue grabado y lanzado como un álbum en vivo, titulado “One Night Only: Live”. El espectáculo fue un evento único, y no siguió ninguna gira. En 2001, tras el lanzamiento de una recopilación de grandes éxitos (“The Ultimate Collection), la banda lanzó el álbum “The Demos Remastered: Anthology ” con demos de algunos de los éxitos más populares de Black ‘N Blue, incluidas 5 pistas inéditas y una versión en vivo. La banda se reunió nuevamente en 2003 (esta vez, sin Thayer) para hacer una gira y grabar un nuevo álbum, titulado “Hell Yeah!”. Shawn Sonnenschein fue el sustituto de Thayer. El álbum estaba inicialmente programado para ser lanzado en septiembre de 2003, pero la fecha de lanzamiento se retrasó en varias ocasiones. Mientras tanto, la banda lanzó “Rarities”, un álbum que incluía remakes de algunos de sus éxitos, pero en su mayoría consistía en muchas demos inéditas, incluidas algunas que no aparecían en el lanzamiento de “The Demos Remastered: Anthology 1”. La banda continua dando conciertos esporádicamente hasta hoy. Finalmente en 2011 se publico el álbum “Hell Yeah”. Para seguir con la siguiente banda nos trasladamos a los inicios de Black ´N Blue cuando en 1982 tuvieron su primera oportunidad después de que el editor del fanzine de heavy metal Brian Slagel escuchó la demo de su canción “Chains Around Heaven” y que posteriormente apareció en la primera edición de “Metal Massacre”, un álbum recopilatorio independiente que también contaba con unos primerizos Metallica, Steller, Malice y esta banda con la que continuamos llamada Ratt.

Otra de las bandas que ya han aparecido en Rock en Cadena, curiosamente en el primer episodio al igual que Vinnie Vincent Invasion https://rockencadena.home.blog/2020/04/05/programa-no16/ así que nos centraremos en los primeros años de Ratt, cuando en 1983 lanzó el E.P. “Ratt” que vendió más de 100.000 de copias. La banda creció en popularidad en el circuito de clubes de Hollywood. Stephen Pearcy y Robbin Crosby coescribieron el primer sencillo de la banda, “You Think You’re Tough”, con gran difusión en las estaciones de radio locales. El E.P contiene una primera versión de “Back for More”, una versión de “Walkin ‘the Dog” de Rufus Thomas, presumiblemente como un guiño a la versión de 1973 de Aerosmith, así como “Tell the World” que anteriormente apareció en el recopilatorio “Metal Massacre”. La versión europea también incluye una grabación anterior de “You’re in Trouble” como pista extra, con Joey Cristofanilli en el bajo, quien sustituyo brevemente a Juan Croucier durante su paso por Dokken. En 1984, Atlantic Records remezcló y relanzó este E.P tras el éxito de “Out of the Cellar”. Esta reedición contó con una mejor producción para igualar el reciente éxito de la banda, así como una foto de contraportada actualizada del grupo con una apariencia mas glamorosa. El tema “Back for More” esta coescrito por Matt Thorne , también conocido como Matt Thorr bajista de esta banda donde curiosamente sustituyo a Joey Cristofanilli. Rough Cutt.

Rough Cutt se formó en Sunset Strip a principios de los 80 por el bateria Dave Alford y el guitarrista Jake E Lee, que acababan de dejar otra banda de Sunset Strip llamada Mickey Ratt, que más tarde se convirtió en Ratt. Junto con el cantante Paul Shortino, el tecladista Claude Schnell y el bajista Joey Cristofanilli empezaron a tocar en muchos de los populares clubs de Sunset Strip. Finalmente, el guitarrista Chris Hagar y el bajista Matt Thorr, que también estaban en Mickey Ratt, se unieron a la banda, el primero como segundo guitarrista y el segundo como bajista en reemplazo de Cristofanilli. Lee dejó Rough Cutt en 1982, siendo reemplazado por Craig Goldy quien a su vez fue sustituido por Amir Derakh. Con la formación consolidada con Shortino, Alford, Derakh, Hager y Thorne, Rough Cutt firmó con Warner Bros. Records en 1984, grabando su álbum debut homónimo un año mas tarde. En 1986 publican “Wants You!” (también conocido como “Rough Cutt Wants You!”), ese mismo año y durante su gira por Japón, Shortino tomó la decisión de dejar la banda debido a diferencias internas sobre la dirección que debería tomar su música. Shortino fue reemplazado brevemente por Parramore McCarty de Warrior antes de que Rough Cutt lo dejara. En 1996 se lanzó “Rough Cutt Live” que contenía tres nuevos cortes de estudio como bonus tracks. Shortino reformó Rough Cutt en 2000 con una formación completamente nueva editando en 2002 “Sacred Place” bajo el nombre de Paul Shortino’s The Cutt. Desde entonces la banda reúne de forma esporádica para conciertos y festivales. Rough Cutt nunca logró el éxito comercial que disfrutaban muchas otras bandas de Los Ángeles de esa época, pero varios miembros y ex miembros de la banda alcanzaron el éxito en otros grupos, como Jake E. Lee con Ozzy Osbourne, Amir Derakh con Orgy, Paul Shortino con Quiet Riot y Craig Goldy y Claude Schnell con Dio, precisamente Ronnie James Dio influyó mucho en el desarrollo de la banda. La esposa de Dio, Wendy Dio, era la manager del grupo, y el mismo Dio ayudó a escribir una de las canciones que aparecen en el álbum debut de la banda, además de haber producido dos canciones a Rough Cutt con Jake E Lee en la guitarra, para el álbum recopilatorio “LA’s Hottest Unsigned Bands”, publicado en 1983 y otra con Goldy a la guitarra incluida en el recopilatorio “KLOS 95 1/2: Rock to Riches”. Y con esto me despido, espero que hayáis disfrutado de la lectura, nos vemos en el próximo!!!..y recuerda, sube el volumen y disfruta!!

Programa Nº28

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Bienvenidos a Rock en Cadena. Esta vez viajamos a finales de los años 70 de la mano de una banda que triunfó en los 80. Liderada por su carismático líder y vocalista de una de las bandas pioneras del rock, supo adaptarse a los tiempos siempre con ese halo de rockstar. El es David Coverdale y su banda Whitesnake.

Paseando por las sombras del blues

En marzo de 1976, el cantante David Coverdale abandonó Deep Purple tras grabar con ellos tres álbumes en los tres años que permaneció en la banda. Después de dejar Deep Purple, Coverdale lanzó su álbum en solitario “White Snake” en mayo de 1977. Su segundo álbum, “Northwinds”, fue lanzado en marzo de 1978. Ambos combinaron elementos de blues, soul y funk, ya que Coverdale quería distanciarse del sonido hard rock de Deep Purple. Coverdale comenzó a formar una banda de acompañamiento, Mike Moody, guitarrista que había tocado en sus dos trabajos en solitario, fue el primero en unirse, por sugerencia de este el guitarrista Bernie Marsden también fue contratado. A ellos se les unieron el bajista Neil Murray, el batería Dave “Duck” Dowle y el teclista Brian Johnston. Entre los candidatos iniciales del grupo se encontraban los baterías Dave Holland y Cozy Powell , así como el guitarrista Mel Galley (estos dos últimos aparecerán mas adelante en la historia de Whitesnake).

La banda debutó como David Coverdale´s Whitesnake, el 3 de marzo de 1978. Originalmente Coverdale quería que el grupo se llamara simplemente Whitesnake, pero se vio obligado a usar su propio nombre ya que todavía tenía cierta influencia como ex cantante de Deep Purple. En entrevistas, Coverdale decía en broma que el nombre “Whitesnake” (serpiente blanca) era un eufemismo de su pene, mientras que de hecho, provenía de la canción del mismo nombre que se encuentra en su primer álbum en solitario. Después de completar una pequeña gira por clubes en el Reino Unido, la banda llamó la atención de EMI International, sin embargo la compañía no estaban dispuesta a comprometerse con un álbum completo. Así, la banda entró en el Central Recorders Studio de Londres en abril de 1978 para grabar un E.P. En esos días, el teclista original Brian Johnston fue reemplazado por Pete Solley. El disco resultante, “Snakebite”, fue lanzado en junio de 1978. En Europa, el E.P. se combinó con cuatro pistas del álbum “Northwinds” de Coverdale para formar un álbum de larga duración. Cuando “Snakebite” entró en la lista de singles del Reino Unido, la banda firmó con EMI.

“La formación de Snakebite. 1978”

La banda (ahora conocida simplemente como Whitesnake) comenzó a trabajar en su primer álbum de estudio. Hacia el final de las sesiones, las partes del teclado de Pete Solley fueron reemplazadas por completo por Jon Lord, ex compañero de Coverdale en Deep Purple, quien accedió a unirse a Whitesnake tras la insistencia de Coverdale. El álbum debut de Whitesnake, “Trouble” fue lanzado en octubre de 1978. El lanzamiento del disco fue seguido por una gira de 18 fechas por el Reino Unido. El espectáculo final en el Hammersmith Odeon de Londres fue grabado y lanzado en Japón como “Live at Hammersmith”. Según Coverdale, esto se hizo para apaciguar a los promotores japoneses que supuestamente se negaron a contratar a Whitesnake sin algún tipo de grabación en vivo.

Antes del lanzamiento de su segundo álbum, el batería Dave “Duck” Dowle fue reemplazado por Ian Paice, ex compañero de Coverdale y Lord en Deep Purple. Se consideró la idea de que Paice volviera a grabar las partes de batería de Dowle, pero finalmente se rechazó supuestamente debido al costo que suponía. “Lovehunter”, segundo álbum de Whitesnake, fue lanzado en octubre de 1979. La portada del álbum, que muestra a una mujer desnuda a horcajadas sobre una serpiente gigante, causó cierta controversia cuando se lanzó el disco. Whitesnake ya había recibido críticas de la prensa musical británica por sus supuestas letras sexistas. En Norteamérica, se colocó una pegatina en la portada para ocultar las nalgas de la mujer, mientras que en Argentina se modificó la portada para que la mujer usara un bikini de malla.

Llegan los 80

El 31 de mayo de 1980 se lanza “Ready an ‘Willing”, llegando al número seis en la lista de álbumes del Reino Unido. También se convirtió en el primer álbum de la banda en las listas de Estados Unidos, donde alcanzó el número 90 en la lista Billboard 200, realizando por primera vez una gira por los Estados Unidos apoyando a Jethro Tull. A finales de 1980 se lanzó el doble álbum en vivo “Live … in the Heart of the City”. El disco combinó material nuevo grabado en junio de 1980 en el Hammersmith Odeon con el álbum “Live at Hammersmith” lanzado anteriormente. Este directo fue un éxito aún mayor que “Ready an ‘Willing”, alcanzando el número cinco en el Reino Unido. Más tarde se convertiría en platino. En Estados Unidos se excluyo el material en vivo de 1978.

A principios de 1981, Whitsnake comenzó a grabar su cuarto álbum de estudio, el disco resultante, “Come an ‘Get It” , fue lanzado el 6 de abril de 1981. Este trabajo le dio al grupo su posición más alta en las listas del Reino Unido llegando al número dos, logrando ser certificado oro. Ese mismo año Whitesnake tocó en el Monsters of Rock, en Castle Donington, con AC/DC como cabezas de cartel. En diciembre de 1981 Moody dejó Whitesnake, cansado de “demasiadas noches y demasiadas fiestas”. además de problemas monetarios.

“No estábamos ganando ni de lejos la cantidad de dinero que deberíamos haber ganado. Whitesnake siempre parecía estar endeudado, y pensé ‘¿Qué es esto? Estamos tocando en algunos de los lugares más importantes y todavía nos dicen que estamos endeudados, ¿a dónde va todo el dinero? “.

Micky moody

Los miembros restantes de la banda, culparon de su estado financiero a la compañía de administración del grupo, encabezada por el ex gerente de Deep Purple, John Coletta. Según Bernie Marsden, la banda organizó una reunión para despedir a Coletta, pero Coverdale no se presentó. En cambio, Marsden, Neil Murray e Ian Paice fueron informados de que Whitesnake se tomaba un descanso y que estaban despedidos. Coverdale afirma que tomo la decision cuando su hija contrajo meningitis bacteriana. Coverdale decidió acabar con la administración de la banda, las compañías discográficas y las editoriales, comprando su “libertad”, supuestamente, por más de un millón de dólares. En cuanto al despido de Marsden, Murray y Paice, Coverdale declaró que fue “una decisión comercial, no personal”.

“Aquí están los Saints & Sinners”

Después de lo sucedido Coverdale comenzó a reunir a Whitesnake. Micky Moody y Jon Lord decidieron regresar, mientras que el guitarrista Mel Galley, el bajista Colin Hodgkinson y el batería Cozy Powell fueron incorporados a la banda., grabando y editando el 15 de noviembre de 1982 “Saints & Sinners”, llegando al platino en ventas. Para cuando se lanzó el disco, Coverdale había firmado un nuevo contrato de grabación con el sello estadounidense Geffen Records, quien se encargaría de todos los futuros lanzamientos de Whitesnake en Norteamérica. En Europa, la banda permaneció con Liberty (una subsidiaria de EMI), mientras Sony lo haría en Japón. El A&R (Artists and repertoire) John Kalodner, convenció a David Geffen para que firmara la banda.

“Si puedes obtener cinco dólares de ganancia, ¿por qué no 50? Si 50, ¿por qué no 500? ¿Por qué no 50.000, por qué no cinco millones?”

David Geffen a david Coverdale

la música de Whitesnake comenzó a mirar más hacia el hard rock, reforzado por las incorporaciones de Mel Galley y Cozy Powell. En agosto de 1983, Whitesnake encabezó el festival Monsters of Rock en Castle Donington. El concierto fue filmado y luego lanzado como el primer video de larga duración de la banda, titulado “Whitesnake Commandos”. La banda se embarcó en otra gira europea, tras la cual Micky Moody abandonó el grupo, la química y la amistad entre el y Coverdale se había perdido, además de sentirse incómodo con el nivel de influencia que John Kalodner estaba teniendo en la banda. Moody finalmente decidió dejar Whitesnake cuando Coverdale lo avergonzó delante de John Sykes, guitarrista de Thin Lizzy, banda que estaba de gira junto a Whitesnake.

“Una noche estábamos en Alemania e hicimos una especie de mini festival con Thin Lizzy y John Sykes estaba en la guitarra. De vuelta en el hotel estábamos todos sentados mientras David hablaba con John Sykes. Yo estaba sentado allí en silencio y David se volvió hacia mí, me señaló con el dedo y dijo: “No vuelvas a dar la espalda al público nunca más”. Yo dije: “¿Perdón?”. ‘Eso es muy poco profesional’, me dijo, delante de John Sykes para hacerme parecer inferior. Entonces pensé: ‘Eso es todo’. En ese momento quise decirle: ‘Fíchalo para la banda’, porque yo sabía que quería a alguien como John Sykes, porque tenia imagen y era un buen guitarrista. Decidí irme después de terminar la gira”.

Micky moody

Colin Hodgkinson también fue despedido a finales de 1983, siendo reemplazado por su predecesor Neil Murray. Jon Lord informó a Coverdale de su intención de dejar la banda, pero este lo convenció para quedarse hasta terminar la gira. Para reemplazar a Moody, John Kalodner convenció a Coverdale para que contratase un “guitar hero” que pudiera igualar a Coverdale como líder. Michael Schenker rechazó la oferta, según Coverdale Schenker no fue contratado por su reputación de ser difícil trabajar con él. Adrian Vandenberg también declinó la oferta debido al éxito que estaba teniendo en ese momento con su propia banda. Coverdale “tanteó” al guitarrista de Thin Lizzy, John Sykes quien inicialmente se mostró reacio, pero después de varias ofertas más, aceptó. John Sykes y Neil Murray fueron confirmados oficialmente como miembros de Whitesnake en enero de 1984.

“Slide It In”, sexto álbum de estudio de Whitesnake, fue lanzado el 30 de enero de 1984. Durante un descanso de la gira en Alemania, Mel Galley se rompió el brazo sufriendo daños en los nervios, dejándolo incapaz de tocar la guitarra. Como resultado, Galley se vio obligado a dejar Whitesnake. En abril de 1984, Deep Purple se reunió de nuevo, lo que hizo que Jon Lord también se fuera. Geffen Records lanzó “Slide It In” en Norteamérica. Coverdale después de un viaje a las oficinas de Geffen en Los Ángeles, llegó a la conclusión de que el enfoque de Whitesnake se había vuelto “anticuado” para los estándares estadounidenses, aceptando un remix completo del album para el mercado estadounidense. John Sykes y Neil Murray volvieron a grabar las partes de Micky Moody y Colin Hodgkinson, respectivamente. La banda pasó a ser un cuarteto, con Richard Bailey proporcionando teclados fuera del escenario). En esos días Coverdale se mudó a Estados Unidos.

“Powell, Coverdale Sykes y Murray. ¿posiblemente la mejor formación de Whitesnake?”

Después de acabar la gira con dos shows en el festival Rock in Rio en Brasil, Coverdale voló a Los Ángeles a reunirse con Geffen Records para informarles que dejaría ir al resto de la banda. Coverdale afirma que lo persuadieron de mantener a Sykes y Murray, mientras que Powell, cuya relación con Coverdale se había deteriorado, fue despedido. Rápidamente Whitesnake comenzó a trabajar en un nuevo álbum, cuyo material se alejaba más de sus raíces más blues a favor de un sonido de hard rock más americano. John Kalodner también convenció a Coverdale para que volviera a grabar dos canciones del álbum de “Saints & Sinners”, “Here I Go Again” y “Crying in the Rain”. La banda comenzó a buscar un nuevo batería, tras audicionar a sesenta candidatos finalmente se eligió al batería de sesión Aynsley Dunbar. En principio el puesto fue ofrecido a Tommy Aldridge, pero ambas partes no pudieron llegar a un acuerdo.

A principios de 1986, se había grabado gran parte del nuevo disco. Cuando llegó el momento de que Coverdale grabara su voz, notó que su voz era inusualmente nasal y fuera de tono. Después de consultar a varios especialistas, se reveló que Coverdale había contraído una infección grave. Después de recibir algunos antibióticos, reanudó la grabación. Sin embargo, la infección reapareció y provocó el colapso del tabique de Coverdale. Necesitó cirugía, seguida de un período de rehabilitación de seis meses. John Sykes sostiene que Coverdale simplemente estaba sufriendo de “nervios”, y que usó “todas las excusas posibles” para no grabar su voz. Después de recuperarse de la cirugía, Coverdale, desarrolló un “bloqueo mental” que le impedía cantar. Después de algunas sesiones fallidas, finalmente pudo grabar su voz. Los teclados fuerongrabados por Don Airey y Bill Cuomo, mientras que Adrian Vandenberg fue contratado para hacer algunas grabaciones de guitarra, al igual que Dann Huff.

A finales de 1986, Coverdale despidió a Sykes, Murray y Dunbar, así como al productor Mike Stone. Coverdale sostiene que mientras se recuperaba de la cirugía, Sykes y Stone comenzaron a conspirar contra él reservando tiempo en el estudio y tomando decisiones sin su participación. Mike Stone supuestamente sugirió traer a otra persona para grabar las voces, mientras que Sykes supuestamente se negó a trabajar con Keith Olsen. Por el contrario, Sykes afirma que él y los otros miembros de la banda fueron despedidos sistemáticamente tan pronto como terminaron de grabar sus respectivas partes. Neil Murray declaró que Sykes quería más control sobre la banda, lo que finalmente lo llevó a su salida. En cuanto a él y Dunbar, Murray aseguró que tan pronto como terminaron de grabar sus partes, dejaron de cobrar, a pesar de que todavía estaban oficialmente en la banda. En cualquier caso, Coverdale se quedó como el único miembro de Whitesnake, por lo que se dedicó a armar una nueva formación. Con la ayuda de John Kalodner, reclutó a Vandenberg y Tommy Aldridge, así como al guitarrista Vivian Campbell ( Dio) y al bajista Rudy Sarzo (Quiet Riot). Esta nueva formación aparecería en todos los materiales promocionales del próximo álbum. Al mismo tiempo Whitesnake adoptó una nueva apariencia, similar a las bandas de glam metal de la época, para atraer más al público estadounidense. En el momento del lanzamiento del álbum, Coverdale tenia una deuda de tres millones de dólares.

“Estoy compitiendo con gente como Bon Jovi. Debo tener un aspecto adecuado”.

David coverdale

1987, el año.

“Whitesnake” (titulado “1987” en Europa y “Serpens Albus” en Japón) fue lanzado el 30 de marzo de 1987 en Europa y el 7 de abril en Norteamérica. El disco alcanzó el número ocho en el Reino Unido, mientras que en los Estados Unidos alcanzó el número dos en la lista Billboard 200. En total, el disco llegó a las listas de 14 países y rápidamente se convirtió en el álbum de mayor éxito comercial de la carrera de la banda, vendiendo más de ocho millones de copias solo en Estados Unidos. Su éxito también impulsó las ventas de “Slide It In” a más de dos millones de copias en los Estados Unidos. Además de esto, los sencillos “Here I Go Again” y “Is This Love “alcanzaron el número uno y dos, respectivamente, en el Billboard Hot 100. MTV ayudó al éxito del disco, cortesía de una trilogía de videos musicales protagonizados por la actriz y futura esposa y de Coverdale, Tawny Kitaen. En el Reino Unido el álbum recibió alguna que otra critica negativa, acusando a Coverdale de “venderse” a los Estados Unidos.

En diciembre de 1988, Vivian Campbell se separó de la banda. La razón oficial dada fue “diferencias musicales”. Sin embargo, Campbell reveló mas tarde que su partida se debió en parte a una pelea entre su esposa y Tawny Kitaen, dando como resultado la exclusión de la esposa de Campbell de la gira.. Además de esto, Vandenberg había hecho saber que quería ser el único guitarrista de Whitesnake, lo que también influyó en la partida de Campbell.

Durante el proceso de grabación del nuevo álbum, Adrian Vandenberg sufrió una lesión en las muñecas mientras realizaba ejercicios de digitación. A pesar de consultar a un médico y descansar, la lesión de Vandenberg persistió, dejándolo incapaz de tocar la guitarra correctamente. No fue hasta 2003 que se enteró de que la lesión era el resultado de un daño nervioso sufrido en un accidente automovilístico en 1980. La lesión de Vandenberg causó retrasos significativos en el álbum. Finalmente, Coverdale se vio obligado a encontrar otro guitarrista para tocar en el disco., siendo Steve Vai, ex guitarrista de Frank Zappa y David Lee Roth, el elegido. Vai se unió oficialmente a Whitesnake en marzo de 1989. Vandenberg, mientras tanto, no fue despedido de la banda, proporcionándole el tiempo suficiente para recuperarse mientras Vai grababa el álbum, titulado “Slip of the Tongue”, lanzado el 7 de noviembre de 1989 en los Estados Unidos, seguido de un lanzamiento mundial el 13 de noviembre. El disco alcanzó el número diez en la lista de álbumes del Reino Unido, así como en el Billboard 200. Mejor le fue en la lista Album Rock Tracks, donde alcanzó el número dos. “Slip of the Tongue” vendió aproximadamente cuatro millones de copias en todo el mundo, lo que se consideró una decepción comercial, ya que el disco anterior vendió más del doble de copias solo en los EE.UU.

“La gatita tenia garras”

Durante la gira la banda encabezó el festival Monsters of Rock en Castle Donington por segunda vez. Tras la última fecha de la gira, Coverdale informó al resto de la banda que se tomaría un descanso prolongado, disolviendo Whitesnake. La decisión se debió en gran parte al agotamiento. A pesar del éxito que había logrado la banda Coverdale se sentía insatisfecho y necesitaba tiempo para “hacer un balance y revisar” para ver si todavía quería continuar. Al mismo tiempo, Coverdale estaba en medio de un proceso de divorcio con Tawny Kitaen.

Los “maravillosos” 90 (no para el hard rock).

El 7 de julio de 1994, EMI y Geffen Records publicaron una recompilación de grandes éxitos de Whitesnake. El disco fue un éxito, alcanzando el número cuatro en la lista de álbumes del Reino Unido. Más tarde llegaria al oro en el Reino Unido y platino en los Estados Unidos. Debido al éxito del álbum, EMI pidió a Coverdale que saliera de gira como Whitesnake. Adrian Vandenberg regresó junto a Rudy Sarzo quien recomendó al guitarrista de Ratt, Warren DeMartini, quien accedió a unirse. La formación se completó con el teclista Paul Mirkovich y el batería Denny Carmassi. En noviembre de ese año Whitesnake fue despedido de Geffen Records. Tras acabar la gira, Coverdale y Vandenberg reanudaron el trabajó en lo que sería un álbum en solitario de Coverdale. Junto a ellos en el estudio estaban Denny Carmassi, el bajista Guy Pratt y el teclista Brett Tuggle. Mientras se terminaba el disco, EMI exigió que se publicara bajo el sobrenombre de Whitesnake. Coverdale se opuso, ya que el disco era totalmente diferente a Whitesnake. Finalmente, se llegó a un acuerdo y se acordó lanzar el álbum con el nombre de David Coverdale & Whitesnake. “Restless Heart” fue lanzado el 26 de marzo de 1997. No se publicó en EE.UU., y solo estaba disponible como importación. La gira de “Restless Heart” fue anunciada como la gira de despedida de Whitesnake, ya que Coverdale quería explorar otras vías musicales. Pratt y Tuggle fueron reemplazados por Tony Franklin y Derek Hilland, respectivamente, mientras que Steve Farris fue contratado como segundo guitarrista. Antes del comienzo de la gira, Coverdale y Vandenberg tocaron en varios espectáculos acústicos en Europa y Japón. Uno de estos programas fue lanzado más tarde como el álbum en vivo “Starkers en Tokio”.

Nuevo milenio.

En 2003 Whitesnake celebraba su 25 aniversario, para ello Coverdale salió de gira junto al batería Tommy Aldridge, los guitarristas Doug Aldrich y Reb Beach , así como el bajista Marco Mendoza y el teclista Timothy Drury. Coverdale y John Sykes mantuvieron conversaciones sobre una posible reunión, pero Coverdale pensó que habían sido sus “propios jefes” demasiado tiempo para que la reunión funcionara. Sykes afirmó que después de recomendar a Mendoza y Aldridge para la banda, nunca tuvo noticias de Coverdale. También se le pidió a Adrian Vandenberg que se reincorporara, pero se negó para pasar más tiempo con su hija y concentrarse en su carrera como pintor. En 2004, su concierto en el Hammersmith Apollo de Londres fue filmado y luego lanzado en 2006 como “Live … In the Still of the Night”. En abril de 2005, Marco Mendoza abandonó Whitesnake debido a conflictos de programación con otros proyectos de Mendoza. El músico de sesión Uriah Duffy fue anunciado como su reemplazo el mes siguiente. En 2006 Whitesnake firmó un contrato de grabación europeo con Steamhammer/SPV, publicando el álbum en vivo “Live… in the Shadow of the Blues”, que contenía cuatro nuevas canciones escritas por Coverdale y el guitarrista Doug Aldrich. En diciembre de 2007 Chris Frazier fue anunciado como el nuevo batería de Whitesnake en sustitución de Tommy Aldridge.

“Good to Be Bad”, el décimo álbum de estudio de Whitesnake, fue lanzado en 2008 , llegando al número siete en la lista de álbumes del Reino Unido y al numero 62 en el Billboard 200 de Estados Unidos y alcanzando el número ocho en la lista de los mejores álbumes independientes. Durante la gira, Whitesnake se vio obligado a interrumpir su concierto en Denver, después de que Coverdale sufriera un fuerte dolor en sus cuerdas vocales. Después de consultar a un especialista, se supo que padecía un edema severo de las cuerdas vocales y una lesión vascular en las cuerdas vocales izquierdas. Como resultado, Whitesnake canceló las fechas restantes de la gira. En 2010 firmaron un nuevo contrato de grabación con Frontiers Records, y ese mismo año, en junio, Uriah Duffy y Chris Frazier dejaron Whitesnake, siendo sustituidos por el ex batería de Billy Idol y Foreigner, Brian Tichy y el bajista Michael Devin. Mas adelante, Timothy Drury también anunció su partida.

“Forevermore”, el undécimo álbum de estudio de Whitesnake, fue lanzado el 25 de marzo de 2011. A pesar de no entrar con fuerza en las listas de Reino Unido y E.E.U.U, el disco fue bien recibido por la critica y los fans. En la gira, la banda estuvo acompañada por el teclista Brian Ruedy. Ese año, Whitesnake también lanzó una grabación en vivo de su concierto de 1990 Monster of Rock en Castle Donington. El grupo actuó con un sistema de sonido “moderno” en ese momento, lo que aseguraba una calidad de sonido impresionante, como se refleja en el disco. El concierto había sido retransmitido en directo por BBC Radio, lo que hizo que la grabación tuviera muchos lanzamientos pirateados. A través del sitio web del grupo, los fans solicitaron la liberación de las imágenes del concierto y el lanzamiento del audio del espectáculo de manera profesional. Lo curioso de ese concierto es cómo Coverdale pregunta varias veces al publico: ¿Qué quiere la BBC que digas? con la multitud gritando, “Fuck” (joder) al parecer los ejecutivos de la cadena inglesa habían pedido a David Coverdale que se abstuviera de pronunciar “palabras mal sonantes”.

“Aldridge, Hoekstra, Coverdale, Beach y Devin. 2014-2021”

Whitesnake se tomó otra pausa en 2012 para recopilar grabaciones en vivo de la gira de “Forevermore”, que se lanzaron al año siguiente como “Made in Japan” y “Made in Britain / The World Record”. En enero de 2013, Brian Tichy anunció su salida de Whitesnake y fue reemplazado por Tommy Aldridge, quien se reincorporó a la banda por segunda vez. En mayo de 2014, Doug Aldrich anunció su salida de la banda. El guitarrista Joel Hoekstra, fue anunciado como su reemplazo. En noviembre, Whitesnake lanzó “Live in ’84 – Back To The Bone”, una colección de grabaciones en vivo de la gira “Slide It In”. Whitesnake lanzó su duodécimo álbum de estudio, titulado “The Purple Album”, el 15 de mayo de 2015. Se trata de una colección de canciones regrabadas de la época de Coverdale en Deep Purple, la idea surgió de las conversaciones que él y Jon Lord tuvieron sobre una posible reunión de Purple unos años antes. Después de la muerte de Lord en 2012, Coverdale discutió la idea con Ritchie Blackmore, pero no pudieron llegar a un acuerdo. Entonces Coverdale decidió seguir adelante con el proyecto bajo la bandera de Whitesnake. Para la gira se unió a la banda el teclista Michele Luppi.

En 2017, Whitesnake firmó un nuevo acuerdo de distribución para Norteamérica y Japón con Rhino Entertainment y Warner Music Group. En 2018, se lanzó el box set “Unzipped”, que incluía varias grabaciones acústicas de la carrera de la banda. En 2019 se lanza “Flesh & Blood”, alcanzando el número siete y el número 131 en el Reino Unido y los Estados Unidos, respectivamente. En la lista de álbumes independientes, alcanzó el número cinco. En 2020 David Coverdale comenzó a preparar la trilogía “Red, White And Blues”, una serie de álbumes recopilatorios con canciones remezcladas y remasterizadas, organizadas por temas musicales que incluirán: «Love Songs» (rojo), «The Rock Album «(blanco) y» The Blues Album «(azul). En 2021 se pone punto y final a la trilogía con “The Blues Album”. Whitesnake, al igual que la mayoría de bandas vio como sus giras para 2020 y 2021 se vieron afectadas debido a la pandemia de COVID-19.

Son muchos los músicos que han pasado por las filas de Whitesnake, así que nos centraremos en su ultima formación y en especial en su guitarrista Reb Beach y su paso por esta banda llamada Dokken.

Dokken, banda que fue protagonista en el primer programa de Rock en Cadena https://rockencadena.home.blog/2018/12/02/programa-no1/. Nos centraremos en su álbum de 1999 “Erase the Slate”, único trabajo de estudio que grabó Reb Beach y el ultimo del bajista Jeff Pilson. Beach tuvo la difícil tarea de sustituir al gran George Lynch, quien abandonó Dokken después del fiasco de álbum llamado “Shadowlife” de 1997. Reb Beach, con suficientes dotes para llenar el hueco dejado por Lynch, aportó su propia personalidad musical a los riffs y solos, aun así, las melodías de las canciones siguen siendo reconocibles como Dokken. Reb Beach, que quería trabajar en otros proyectos y no podía comprometerse con Dokken a largo plazo grabó otro álbum con ellos antes de su salida, el directo “Live from the Sun” de 2000. Tras la marcha de Pilson, Don y Mick quedaron como únicos miembros constantes de la banda. Y es Mick Brown quien nos lleva a nuestro siguiente protagonista, el guitarrista norteamericano Ted Nugent.

Ted Nugent, polémico y genial guitarrista que también apareció en otro episodio de Rock en Cadena https://rockencadena.home.blog/2019/10/05/programa-no11/. El veterano guitarrista celebra su concierto número 6.000 en un espectáculo celebrado el 4 de julio de 2008 en Pine (Michigan) su ciudad natal. Un show grabado y editado como doble CD y DVD, bajo el nombre de “Motor City Mayhem”. Durante el concierto Nugent se acompaña de invitados tales como su
profesor de guitarra de los años 60, un hombre llamado Joe Podorsek, el batería de Mitch Ryder, Johnny “Bee” Badanjek o su vocalista de siempre Derek St. Holmes, además de hacerse acompañar de una base rítmica de lujo con Mick Brown a la batería y con Greg Smith al bajo, bajista entre otros de Billy Joel, Wendy O. Williams, Alice Cooper, Rainbow, Dokken, Vinnie Moore, Joe Lynn Turner, y esta banda llamada Red Dawn.

Banda formada por el teclista David Rosenthal, musico que participo en el álbum “Slip of the Tounge” de nuestros protagonistas del blog Whitesnake, además de haber grabado y girado con Rainbow, Billy Joel, Bruce Springsteen, Enrique Iglesias, Robert Palmer, Steve Vai, Cyndi Lauper o Yngwie Malmsteen. En 1992 forma Red Dawn, anteriormente había grabado algunas demos con el cantante Mitch Malloy (en una banda llamada Infinity), y con el guitarrista de Winger y Whitesnake, Reb Beach. En 1993 se edita su primer (y único trabajo) titulado “Never Say Surrender”, el álbum aclamado por la crítica se lanzó originalmente en Japón y mas adelante en el Reino Unido a través de la compañía independiente Now & Then. Junto a Rosenthal estaban el batería (y compañero suyo en Rainbow) Chuck Burgi, el bajista Greg Smith (que casualmente acabaría en Rainbow) el vocalista Larry Baud y el guitarrista Tristan Avakian. Y ya que el nombre de Rainbow ha aparecido varias veces, vamos a continuar con otro miembro de esa banda, quien casualmente estuvo acompañado en su primer trabajo en solitario por el batería Chuck Burgi, el vocalista Joe Lynn Turner.

Joe Lynn Turner, cantante, guitarrista, compositor y productor estadounidense. A finales de la década de 1970, Turner estuvo al frente y tocó la guitarra con la banda de pop rock Fandango, ya en los 80, se convirtió en miembro de Rainbow, tras su disolución (la primera) en marzo de 1984, emprendió su carrera en solitario, lanzando en 1985 el álbum, “Rescue You”, una colección de temas AOR comerciales tan de moda a mediados de los 80, el álbum fue producida por el famoso Roy Thomas Baker (Dokken, Mötley Crüe, Queen). Después de su publicación Turner hizo trabajos como musico de sesión, cantando coros para gente como Billy Joel, Cher y Michael Bolton. Siguiendo el consejo de Bolton, Turner comenzó a grabar jingles para radio y televisión. A finales de los 80 pasó un corto periodo de tiempo con el guitarrista de metal neoclásico Yngwie Malmsteen y luego con Deep Purple. Desde mediados de la década de 1990, reanudó su carrera en solitario, además de aparecer como vocalista principal en álbumes tributo y trabajando en varios proyectos. En su primer trabajo en solitario Turner se acompañó de Chuck Burgi a la batería, Bobby Messano a la guitarra y el bajo y Al Greenwood a los teclados, con quien coescribió la mayoría de las canciones del álbum, y mas conocido por ser miembro fundador de una de las bandas mas importantes del rock, Foreigner.

Banda imprescindible en la historia del rock y que sin duda tendrá un episodio en Rock en Cadena. Por el momento nos vamos a centrar en alguno de los músicos que formaron parte de Foreigner, como Ed Gagliardi bajista estadounidense de la banda desde su fundación en 1976 hasta su despido en 1979, grabando los álbumes “Foreigner” y “Double Vision”. Gagliardi murió de cáncer el 11 de mayo de 2014, después de luchar contra la enfermedad durante ocho años. Su sustituto en Foreigner fue el inglés Rick Wills, conocido por su trabajo con Small Faces, Peter Frampton y esta otro banda importantísima dentro del rock llamada Bad Company.

Formados en Inglaterra en 1973 por el cantante Paul Rodgers, el guitarrista Mick Ralphs, el batería Simon Kirke y añadiéndose más tarde el bajista Boz Burrell. Bad Company disfrutó de un gran éxito a lo largo de la década de 1970, muchas de sus canciones, como “Bad Company”, “Can’t Get Enough”, “Good Lovin ‘Gone Bad”, “Feel Like Makin’ Lov “, “Ready for Love”, “Shooting Star” o “Rock ‘n’ Roll Fantasy” siguen siendo elementos básicos de la radio de rock clásico. Por eso, es otra de las bandas que merecen tener un hueco dentro de Rock en Cadena, así que al igual que con Foreigner nos centraremos en uno de los muchos músicos que han pasado por Bad Company a lo largo de su historia, y lo hacemos de la mano de Dave Colwell, guitarrista inglés miembro entre otros de FM, Humble Pie, con quienes grabó en 2001 el álbum “Back on Track” y permaneciendo de gira con ellos hasta que la banda se disolvió en 2003, Samson y ASAP, acrónimo de Adrian Smith and Project.

Adrian Smith, guitarrista de Iron Maiden, formó ASAP en 1989 cuando Maiden se estaba tomando un descanso después de pasar casi un año de gira con su álbum “Seventh Son of a Seventh Son” de 1988. Su primer y único álbum, “Silver &Gold” de 1989, fue una incursión de Smith dentro del sonido hard rock, alejado del sonido de Iron Maiden, aunque había elementos del sonido más progresivo que la banda había desarrollado durante la década de 1980, con unos teclados más destacados que en la música de Iron Maiden. Smith asumió el papel de cantante principal además de tocar la guitarra. El álbum fue un fracaso comercial, a pesar de la gira promocional y los dos singles lanzados, lo que hizo que la banda pronto dejara de existir. Los músicos que acompañaron a Smith en este álbum fueron Andy Barnett y Dave Colwell a las guitarras, Richard Young a los teclados (los tres músicos tocaron con Smith en varias encarnaciones de Urchin, banda que Smith lideró en el 1970), el bajista Robin Clayton y el batería Zak Starkey, hijo del mítico Ringo Starr. Desde 1996, Zak ha actuado y grabado con la banda de rock inglesa The Who. También ha sido el tercer bateria que ha aparecido con la banda de rock inglesa Oasis. En 2020, se convirtió en el batería de Casbah Club después de que la banda se reuniera tras una pausa de doce años. Otros músicos y bandas con las que ha trabajado incluyen a Paul Weller, The Waterboys, John Entwistle y esta pareja de guitarristas que mucho tienen que ver con los protagonista de este episodio.

En 1989, Bernie Marsden se reunió con el guitarrista y compañero en Whitesnake Micky Moody para formar la banda The Moody Marsden, grabando en 1991 un álbum en vivo en Inglaterra titulado “Never Turn Our Back On The Blues” con Zak Starkey en la batería y Jaz Lochrie al bajo. En 1994 se publica el acústico en vivo “Live In Hell”, grabado en Noruega un año antes. Durante la gira por Europa, se grabó un álbum de estudio llamado “Real Faith”. La aventura del grupo finaliza aquí, tras esto ambos coincidieron en bandas como Company of Snakes, Snakes y M3, además de aparecer en festivales de blues como dúo. Es un hecho que la aportación de estos dos músicos a la música de Whitesnake es fundamental, aportando un sonido blues/rock al sonido de la banda.

Con Marsden y Moody llegamos a los protagonistas de este episodio, Whitesnake. Espero que os haya gustado. No faltéis a la próxima. ¡Un saludo!

Programa Nº 27

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Bienvenidos a una entrada mas de Rock en Cadena. Dejamos atrás sonidos mas “agresivos” y dedicamos esta entrada a una de las banda mas reconocidas del mundo del Hard Rock, al menos en los 80, además de introducir o acercar a muchos jóvenes hacia este estilo. Mas tarde se adentraron en sonidos mas rockeros para terminar acercándose al pop/rock. Aun así merecen un lugar en Rock en Cadena. Adorados por millones de fans (no hablemos del sector femenino), vendedores de millones de discos, guapos, ricos, ellos son Bon Jovi.

Los Inicios

No se puede entender a Bon Jovi, sin hablar de su líder y fundador Jon Bon Jovi (John Francis Bongiovi Jr.), quien comenzó a tocar música en vivo en 1975, a la edad de 13 años, tocando el piano y la guitarra con su primera banda, Raze. A los 16 años, Jon conoció a David Bryan y formó una banda llamada Atlantic City Expressway. Aún en su adolescencia, Jon tocó en la banda John Bongiovi and the Wild Ones en clubes locales. Ya en 1980, había formado otra banda, The Rest, ese mismo año Jon grabó su primer sencillo, “Runaway” en el estudio de su primo, ayudado por músicos de estudio. La canción fue reproducida por una estación de radio local en una cinta recopilatoria. A mediados de 1982, Jon Bon Jovi encontró trabajo en los Power Station Studios , un estudio de grabación de Manhattan donde su primo Tony Bongiovi era copropietario. Jon grabó varias demos, incluida una producida por Billy Squier, y las envió a compañías discográficas, aunque sin ninguna repercusión.

“¿Sabría el joven Jon lo que se le venia encima?”

En 1983 tocó brevemente en la banda Scandal como guitarrista. En esos días, Jon escribió y cantó los jingles de una emisora de radio local (WAPP 103.5FM “The Apple” en Lake Success, Nueva York), allí el director de promoción sugirió a Jon que les dejara incluir la canción “Runaway” en el álbum recopilatorio de talentos locales de la emisora. Jon se mostró reacio, pero finalmente les dio la canción, que había vuelto a grabar en 1982 (después de una grabación preliminar en 1981) con músicos de estudio locales a los que “bautizó” como The All Star Review: el guitarrista Tim Pierce (Michael Jackson, Roger Waters), el teclista Roy Bittan (E Street Band), el batería Frankie LaRocka (Scandal), y el bajista Hugh McDonald (Lita Ford, Alice Cooper).

La canción comenzó a transmitirse en el área de Nueva York, llegando a otras emisoras cercanas. En marzo de 1983, Jon llamó a David Bryan, quien a su vez llamó al bajista Alec John Such y a un experimentado batería llamado Tico Torres, ambos compañeros en la banda Phantom’s Opera. Tico, mayor que el resto de la banda, había tocado con The Marvelettes y Chuck Berry, apareciendo en 26 discos, el ultimo con Franke and the Knockouts. El amigo y vecino de Jon, Dave (“The Snake”) Sabo, fue el elegido para tocar la guitarra principal en una breve gira de apoyo a “Runaway”, aunque nunca se unió oficialmente a la banda. Él y Jon se prometieron mutuamente que quien triunfara primero ayudaría al otro. Mas tarde Sabo formaría Skid Row. Jon quedó impresionado con el guitarrista Richie Sambora, quien fue recomendado por el bajista Alec John Such y el baterista Tico Torres. Sambora había estado de gira con Joe Cocker, con un grupo llamado Mercy, además de haber sido llamado por Kiss para una audición. También tocó en el álbum “Lessons” (originalmente destinado a ser lanzado en 1982; reeditado en CD a través de Long Island Records en 1995) con la banda Message, del cual Alec John Such era el bajista.

Comienza el espectáculo

“Richie, ALex, Jon, Tico y David…Bon Jovi

Una vez que la banda comenzó a tocar en vivo, llamaron la atención del ejecutivo discográfico Derek Shulman, quien los firmó con Mercury Records, que formaba parte de la compañía PolyGram. Como Jon Bon Jovi quería un nombre para el grupo, una empleada de Doc McGhee (su manager de entonces), sugirió que se llamaran a sí mismos Bon Jovi, siguiendo el ejemplo de las otras bandas famosas como Van Halen. Este nombre fue elegido en lugar de la idea original de llamarse Johnny Electric. La sugerencia, eso si, no fue recibida con entusiasmo. Con la ayuda de su nuevo manager, Doc McGhee, grabaron el álbum debut de la banda, “Bon Jovi”, producido por Tony Bongiovi y Lance Quinn, y lanzado en 1984. El álbum incluyó el primer sencillo de éxito de la banda, “Runaway”, alcanzando el top cuarenta en el Billboard Hot 100. El álbum alcanzó el puesto cuarenta y tres en la lista de álbumes Billboard 200. En 1985, se lanzó el segundo álbum de Bon Jovi, “7800º Fahrenheit” (titulo que hace referencia al punto de fusión de las rocas -rock-). El álbum llegó al puesto treinta y siete en el Billboard 200, siendo certificado Oro y llegando al Platino en 1987. En este álbum aparece el logotipo clásico de la banda utilizado durante los años 80. Durante la gira aparecieron por primera vez en el Monsters of Rock de Inglaterra.

Años de gloria

Después de dos álbumes de cierto éxito, el grupo cambió su enfoque y contrató al compositor Desmond Child como colaborador. Bruce Fairbairn fue elegido para producir y, a principios de 1986, Bon Jovi se mudó a Vancouver, Canadá, para pasar seis meses grabando un tercer álbum. Lo llamaron “Slippery When Wet” después de visitar un club de striptease en Vancouver. El 16 de agosto de 1986, el disco fue lanzado. Pasó ocho semanas en la cima del Billboard 200, los dos primeros sencillos del álbum, “You Give Love a Bad Name” y “Livin ‘on a Prayer”, fueron numero uno en el Billboard Hot 100. El disco fue nombrado álbum más vendido de 1987 por Billboard, y el video de “Livin’ On A Prayer” ganó un MTV Video Music Award como mejor actuación en escenario. La banda ganó un premio a Banda de pop/rock favorita en los American Music Awards y un premio a Grupo de rock favorito en los People’s Choice Awards. Cuando se lanzó “Slippery When Wet” en agosto de 1986, Bon Jovi abría para 38 Special, a finales de 1986, Bon Jovi pasaría seis meses como cabezas de cartel en escenarios de todo Estados Unidos. En agosto de 1987, encabezaron el festival Monsters of Rock de Inglaterra. La banda terminó el año con 130 shows en el “Tour Without End”, recaudando 28.400.000 dólares. “Slippery When Wet” es el álbum mas vendido de Bon Jovi hasta la fecha, certificado como doce veces Platino, lo que lo convierte en uno de los 100 álbumes más vendidos en los Estados Unidos

Decidido a demostrar que el éxito de “Slippery When Wet” no fue una casualidad, Bon Jovi lanzó en septiembre de 1988 su cuarto trabajo, “New Jersey” , llegando al número uno en Estados Unidos, Canadá, Reino Unido, Irlanda, Nueva Zelanda y Australia. El álbum produjo cinco éxitos Top 10 en el Billboard Hot 100, lo que le dio a Bon Jovi el récord de la mayor cantidad de sencillos Top 10 generados por un álbum de hard rock. Dos de los éxitos, “Bad Medicine” y “I’ll Be There for You”, alcanzaron el número uno. Bon Jovi fue noticia cuando MTV prohibió el video de “Living In Sin” por contenido sexual; después de que el video fuese reeditado, MTV lo emitió. El grupo se embarcó en otra gran gira mundial que continuó a lo largo de 1989 y 1990. Visitaron más de 22 países y realizaron más de 232 espectáculos. El 11 de junio de 1989, la banda realizó un concierto en el Giants Stadium de Nueva Jersey, agotando todas las localidades. En Agosto de 1989, la banda voló a la Unión Soviética para el Moscow Music Peace Festival de Moscú. Bon Jovi fue la primera banda autorizada oficialmente por el gobierno soviético para actuar en dicho pais, y “New Jersey” se convirtió en el primer álbum estadounidense lanzado legalmente en la URSS.

“Sin duda, los mejores años del grupo”

El agotamiento de grabar “Slippery When Wet” y “New Jersey” consecutivamente, mas sus correspondientes giras pasó factura al grupo. Al final de la gira de “New Jersey”, la banda tenía 16 meses de conciertos a sus espaldas. Richie, Tico, David, Alec y Jon estaban agotados física, mental y emocionalmente. Tras el ultimo concierto de la gira en México, y sin ningún plan claro para su futuro, los miembros de la banda simplemente se fueron a casa.

Tiempo de cambios

Desilusionado con el negocio de la música, Jon Bon Jovi despidió a su gerencia, asesores comerciales y agentes (incluido el manager de la banda Doc McGhee) en 1991. Jon asumió el control del grupo cerrando filas y creando “Bon Jovi Management”. En octubre de 1991, la banda fue a la isla caribeña de St. Thomas para discutir los planes para el futuro. Resolvieron sus diferencias permitiendo que cada miembro hablara sobre sus sentimientos. Tras resolver sus problemas, regresaron a los estudios Vancouver Little Mountain con Bob Rock para trabajar en el quinto álbum de la banda en enero de 1992.

“No solo el pelo fue lo único que cambió”

El quinto álbum de estudio de Bon Jovi, “Keep the Faith”, fue lanzado en noviembre de 1992, representando “el comienzo de un nuevo capítulo en la historia de Bon Jovi” y marcando un cambio en el sonido y la imagen de la banda. El álbum se alejó de la batería pesada y los solos de guitarra salvajes, pero en su lugar introdujo un sonido más maduro de Bon Jovi con letras más serias. Los medios centraron una atención en el corte de pelo de Jon Bon Jovi, apareciendo incluso en los informativos de CNN. El álbum alcanzó el puesto número cinco en la lista Billboard 200 de EE.UU. siendo certificado con doble platino. La banda apareció en MTV Unplugged pero de manera diferente, ademas de hacerlo en un escenario circular, la banda interpretó temas acústicos y eléctricos. El concierto fue lanzado en 1993 como “Keep the Faith: An Evening with Bon Jovi”.

En octubre de 1994, Bon Jovi lanzó un álbum de grandes éxitos titulado “Cross Road”, con dos nuevos temas: “Always” y “Someday I’ll Be Saturday Night”. El primer sencillo del álbum “Always” se convirtió en el sencillo más vendido de Bon Jovi y se mantuvo entre los diez primeros del Billboard Hot 100 durante seis meses. En el Reino Unido, se convirtió en el álbum más vendido de 1994. Ese año Bon Jovi ganó el premio a la banda de rock más vendida en los World Music Awards. También en 1994, el bajista Alec John Such dejó la banda, el primer cambio de formación desde que comenzó Bon Jovi. Hugh McDonald, quien grabó el tema “Runaway”, reemplazó extraoficialmente a Such como bajista, dejando a la banda como cuarteto.

“El primero en salir”

El sexto álbum de estudio de Bon Jovi, “These Days”, fue lanzado en junio de 1995, siendo un trabajo más oscuro en contraste con el estilo habitual de la banda con canciones de rock “alegres” además de las típicas baladas de amor. Durante la gira, la banda agotó tres noches en el histórico Wembley de Londres. Los conciertos fueron grabados para mas tarde publicar “Bon Jovi: Live From London”, lanzado originalmente en VHS en 1995, editándose en DVD en 2003. Tras el abrumador éxito del These Days Tour, los miembros de Bon Jovi se dieron un respiro de dos años. Pero a diferencia del período posterior a la gira de “New Jersey”, teñido de incertidumbre, este “año sabático” fue una decisión grupal.

Del Rock al Pop

Bon Jovi se reunió en 1999 para grabar la canción “Real Life” para la película EdTV. Después de una pausa de casi cuatro años la banda volvió ese mismo año para comenzar a trabajar en su próximo álbum de estudio. “Crush” publicado en junio de 2000 llegando al doble platino en los Estados Unidos. El primer sencillo destacó como uno de los lanzamientos más exitosos del grupo en la ultima década y, lo que es más importante, se convirtió en un símbolo de la longevidad de la banda, ya que prevalecieron a través de muchos cambios dentro de la escena del rock convencional con un éxito admirable, además, ayudó a presentar a la banda a una nueva generación de fans. Bon Jovi agotó las entradas durante dos noches en el histórico estadio de Wembley de Londres del 19 al 20 de agosto de 2000, convirtiéndose en los últimos conciertos celebrados en ese legendario lugar antes de su demolición. Ese año, la banda tocó para 1.1 millones de fans en 40 estadios de América del Norte, Europa y Japón. Mientras estaba de gira, el grupo lanzó una colección de actuaciones en vivo de toda su carrera en un álbum titulado “One Wild Night Live 1985–2001”, convirtiéndose en el primer trabajo en vivo de Bon Jovi. Las canciones se seleccionaron de archivos de material grabado que la banda había estado recopilando desde sus primeros días en la carretera hasta la gira actual. La banda agotó las entradas para dos conciertos de bienvenida en el Giants Stadium de New Jersey, del 27 al 28 de julio de 2001. La transmisión rompió récords de audiencia para la cadena VH-1. El 21 de octubre de 2001, Bon Jovi actuó en el monumental “Concert For New York” en el Madison Square Garden, recaudando fondos de ayudar y honrar a quienes trabajaron para salvar vidas durante el ataque del 11 de Septiembre.

En Octubre de 2002, el grupo lanzó su octavo álbum de estudio. “Bounce” un trabajo influenciado por los ataques terroristas del 11 de septiembre de 2001. El álbum debutó en el número dos tanto en los Estados Unidos como en el Reino Unido, convirtiéndolo en ese momento el mejor debut de Bon Jovi en toda su historia. En 2003 Bon Jovi se embarcó en un proyecto con la intención de producir un álbum en vivo con canciones acústicas, pero al final la banda terminó reescribiendo, regrabando y reinventando 12 de sus mayores éxitos bajo con una perspectiva muy diferente. El álbum, titulado “This Left Feels Right” fue lanzado a finales de ese mismo año. Al año siguiente, la banda lanzó una caja titulada “100,000,000 Bon Jovi Fans Can’t Be Wrong”, el título es un homenaje al recopilatorio de Elvis “50,000,000 Elvis Fans Can’t Be Wrong. El set constaba de cuatro CDs con 38 temas inéditos y 12 rarezas, así como un DVD. La caja marcó las ventas de 100 millones de álbumes de Bon Jovi y también conmemoró el vigésimo aniversario del lanzamiento del primer disco de la banda en 1984. En noviembre de 2004, Bon Jovi fue galardonado con el Premio al Mérito en los American Music Awards.

Su siguiente álbum, “Have a Nice Day”, fue lanzado en septiembre de 2005, entrando directamente en el número dos tanto en los Estados Unidos como en el Reino Unido, alcanzando el número uno en quince países. Una versión a dúo de uno de los temas del álbum con la cantante Jennifer Nettles de la banda country Sugarland, alcanzó el número uno en Billboard Hot Country Songs, convirtiendo a Bon Jovi en la primera banda de rock en tener un sencillo en dicha lista, logrando en 2007 el premio Grammy a la “Mejor colaboración vocal country”.

La gira de “Have A Nice Day” llevó a la banda a numerosos escenarios y estadios de todo el mundo, convirtiéndose en un éxito comercial ya que el grupo tocó para 2.002.000 fans y la gira recaudó un total de 191 millones de dólares, siendo la tercera gira más taquillera de 2006, justo detrás de las giras de Rolling Stones y Madonna. En junio de 2007, Bon Jovi lanzó su décimo álbum de estudio, “Lost Highway”. Un trabajo influenciado por el sonido country tras el éxito del dueto que realizaron en su anterior álbum. Bon Jovi fue el primer grupo en actuar en el nuevo O2 Arena de Londres.(anteriormente el Millennium Dome) cuando se abrió al público el 24 de junio de 2007. Las entradas se agotaron en media hora (23.000 asientos). El álbum debutó en el Nº1 en el Billboard 200, convirtiéndose en el primer álbum de Bon Jovi en conseguirlo y su tercer álbum en alcanzarlo. La posterior gira fue la más taquillera de 2008, con ventas de entradas valoradas en 210.6 millones de dólares, desde el 14 de noviembre de 2007 hasta el 11 de noviembre de 2008. En total, se vendieron 2.157.675 entradas durante 2008, todo esto unido a la venta de entradas por internet, “Lost Highway Tour” tuvo la mayor recaudación en 2008 con 70,4 millones de dólares.

En 2009, se estrenó el documental sobre la banda, ” When We Were Beautiful “, que narra los altibajos de Bon Jovi durante sus 25 años de historia siguiendo a la banda en su última gira. También en 2009 Jon Bon Jovi y Richie Sambora fueron incluidos en el Salón de la Fama de los Compositores. Ese mismo año la banda lanzó su undécimo álbum de estudio, titulado “The Circle”, un regreso al rock n ‘roll tras su álbum influenciado por el “sonido Nashville”. El álbum debutó en el número uno en Estados Unidos, Canadá, Alemania y Japón. De nuevo la gira posterior fue más taquillera de 2010 tocando para 1.909.234 de fans recaudado 201.1 millones de dólares. Bon Jovi ocupó el segundo lugar en la lista de la revista Forbes de los músicos mejor pagados del mundo, con un ingreso aproximado de 125 millones de dólares ese año. En 2010 Bon Jovi lanzó el recopilatorio “Greatest Hits” con cuatro nuevas canciones. El álbum debutó en el número uno en Canadá, Irlanda, Australia y se ubicó entre los cinco primeros en veinte países. A finales de año, Bon Jovi lanzó la película del concierto, “The Circle Tour Live From Jersey” en los cines de Estados Unidos. En 2013 se publicó “What About Now”, duodécimo álbum de estudio de la banda llegando al número uno en Canadá, Austria, Suecia, Australia y los Estados Unidos, siendo en el tercer álbum consecutivo de Bon Jovi en alcanzar dicho puesto convirtiéndose en su quinto álbum número uno durante toda su carrera.

“¿Blood on Blood?”

El 27 de noviembre de 2012, Bon Jovi lanzó un nuevo álbum de videos en vivo llamado “Inside Out” compuesto por shows en el O2 Arena, MetLife Stadium y Madison Square Garden. El álbum se mostró por primera vez en salas de cine, con proyecciones precedidas por una sesión de preguntas y respuestas con Jon Bon Jovi, Richie Sambora, David Bryan y Tico Torres transmitida en vivo desde un teatro en Nueva York, posteriormente estuvo disponible en iTunes para su compra. El 2 de abril de 2013, Sambora abandonó la gira en curso de la banda por “razones personales” no especificadas. El guitarrista de sesión Phil X lo reemplazó después de haberlo reemplazado durante varias fechas en 2011, permaneciendo esta vez para el resto de la gira, en medio de rumores del despido de Sambora. Tanto Sambora como Jon Bon Jovi negaron el rumor. En noviembre de 2014, Jon Bon Jovi declaró que Sambora había dejado oficialmente la banda.

“Renunció. Se fue. Sin resentimientos”

Jon Bon Jovi

Sambora por su parte declaró que:

“No hay mala sangre por mi parte. Amo a Jon, y todavía veo la posibilidad de un regreso “

Richie Sambora
“Los nuevos atrás, que se vea quien manda”

En 2015 se lanzó “Burning Bridges”, decimotercer álbum de estudio de la banda compuesto por canciones inéditas e inacabadas además de nuevas canciones. Este trabajo fuel el último álbum lanzado a través de Mercury, acabando con una relación de 32 años con el sello. “Burning Bridges” significo el debut del guitarrista Phil X, el productor del álbum, John Shanks, se hizo cargo de la guitarras solista, acompañando desde entonces a la banda como musico adicional en las giras. Un año después se publico un nuevo álbum, “This House Is Not for Sale”, que debutó en el número uno en el Billboard 200, además de ser el primer álbum de Bon Jovi en contar con Hugh McDonald y Phil X como miembros oficiales de la banda. El álbum fue seguido por su tercer trabajo en vivo, “This House Is Not for Sale – Live from the London Palladium”, lanzado ese mismo año.

En 2018 Bon Jovi ingresó en el Salón de la Fama del Rock and Roll. Sambora y Such fueron invitados a la ceremonia. “Bon Jovi: 2020” es hasta la fecha el ultimo trabajo de Bon Jovi . El álbum, cuyo lanzamiento se programó inicialmente para el 15 de mayo de 2020 se retrasó hasta el 2 de octubre del mismo año debido a la pandemia de COVID-19, mas tarde la banda anunció que el Tour Bon Jovi 2020 había sido cancelado debido a la pandemia de COVID-19.

“Como se estropean los cuerpos ¿verdad?…bueno, algunos”

Bon Jovi ha lanzado 15 álbumes de estudio cinco compilaciones y tres álbumes en vivo. Han vendido más de 100 millones de discos en todo el mundo, lo que los convierte en una de las bandas de rock estadounidenses más vendidas de tolos los tiempos, realizando más de 2.700 conciertos en más de 50 países para más de 34 millones de fans. Independientemente del camino que ha seguido la banda, mas cercano al pop que al rock, es indudable su contribución al hard rock en sus primeros cuatro trabajos, acercando a miles de fans no solo a este estilo, incluso abriendo una puerta al mundo del heavy metal. Nuestro siguiente protagonista es sin duda uno de esos “culpables”, el ex guitarrista de la banda Richie Sambora.

Richie Sambora grabó su primer trabajo en solitario en 1991, bajo el titulo de “Stranger in This Town”, un álbum influenciado por el blues, Eric Clapton tocó la guitarra principal en uno de los temas del álbum. En 1988 lanzó “Undiscovered Soul”, un álbum mas intimo y acústico. En 1990 participo en la banda sonora de la comedia “Las aventuras de Ford Fairlane” con una versión de “The Wind Cries Mary” de Jimi Hendrix. Sambora grabó el tema “Long Way Around” para la película de acción de Steven Seagal de 1997 “Fire Down Below”. La canción, escrita por Seagal y David Pomeranz, aparece en la escena final, sin embargo en la B.S.O. el tema esta cantado por otra persona. En 2001, Sambora grabó el tema “Take Me On” para la banda sonora de la película “On The Line” y en 2002 el tema “One Last Goodbye” para la película “The Banger Sisters”. En 2007 Sambora ingresó en un centro de rehabilitación de Los Ángeles para recibir tratamiento relacionado con el alcoholismo, un año después fue arrestado por conducir ebrio. Tanto su hija de diez años como su amiga estaban en el vehículo. Por primera vez en sus 30 años de carrera, Sambora firmó con un sello independiente, dando como resultado “Aftermath of the Lowdown” lanzado en 2012 y colocándose en el puesto número 10 en los “Mejores álbumes de Hard Rock”, en el puesto 34 en los mejores álbumes independientes, en el puesto 149 en el Billboard 200 y en el puesto 35 en la lista de álbumes del Reino Unido. En 2013, tras su salida de Bon Jovi, Sambora lanzó el sencillo en solitario “Come Back As Me”. En septiembre de 2017, Sambora junto a su novia y guitarrista Orianthi, y bajo el nombre de RSO lanzaron un E.P. de cinco canciones llamado “Rise” seguido de otro E.P. “Making History” que también se lanzó en 2017. El dúo lanzó su álbum debut “Radio Free America” en mayo de 2018, año en el que la pareja rompió su relacion como pareja. Uno de los músicos que acompañó a Sambora en su segundo trabajo, Kenny Aronoff, nos lleva a la siguiente banda, Cinderella.

Banda formada en 1982 en los suburbios de Filadelfia por el cantante, teclista y guitarrista Tom Keifer y el bajista Eric Brittingham. Jon Bon Jovi los vio actuar en el Empire Rock Club de Filadelfia y habló con su hombre de A&R, Derek Shulman, quien después de extensas negociaciones, finalmente firmó con la banda en 1985 un contrato para Mercury/Polygram Records, el guitarrista Jeff LaBar y el batería Jim Drnec se unieron a la banda. Durante la grabación del álbum debut de la banda, “Night Songs”, editado en 1986, Jim Drnec no pudo completar las partes de batería en el estudio y fue despedido, siendo el batería de sesión Jody Cortez quien fuera el encargado de grabarlas. Después de que se completó la grabación, Drnec fue reemplazado por el batería Albie “Al” Barker. Aunque nunca fue miembro oficial de Cinderella, la primera edición de “Night Songs” presenta una foto de Cortez en la contraportada, aunque Coury aparece en la foto de la portada del álbum y como miembro de la banda en las notas interiores. Fred Coury se unió a la banda y estuvo en todos los videos musicales además de realizar la gira promocional. “Nights Songs” alcanzó el triple platino. El segundo álbum de Cinderella, “Long Cold Winter”, lanzado en 1988 y al igual que se debut nombrado triple platino, significó un cambio hacia un sonido de blues rock. Dos baterías de sesión grabaron el álbum, Cozy Powell y Denny Carmassi, de nuevo Coury tan solo apareció en las fotos promocionales, los videos y la gira. “Heartbreak Station”, lanzado en 1990, seguía por el camino del blues/rock. Después de la gira de acompañamiento, Fred Coury dejó la banda, antes de su partida la banda grabó la canción “Hot and Bothered” que apareció en la banda sonora de la película “Wayne’s World”. En 1991, Keifer perdió la voz debido a una paresia de sus cuerdas vocales. Se sometió a varias cirugías para reparar un quiste vocal y una hemorragia. Esto se sumó a los retrasos en la grabación del cuarto álbum de la banda, “Still Climbing”, que finalmente fue lanzado en 1994 con Kenny Aronoff en la batería, pero el álbum desapareció rápidamente de las listas de éxitos. Mercury Records, en consecuencia, abandonó la banda, que hizo una pausa en 1995. Cinderella reanudó su actividad en 1996, y un año después, Mercury Records lanzó una recompilación de grandes éxitos titulada “Once Upon A … ” y una recompilación de videos que contiene todos los videos promocionales de la bandas de los primeros tres álbumes. El grupo realizó una gira por los Estados Unidos en 1998, uno de esos conciertos fue registrado en el álbum en vivo “Live at the Key Club”, lanzado en 1999, año en el que John Kalodner firmó con la banda para Sony Records. Sin embargo, el sello dejó de lado a Cinderella antes de que se pudiera lanzar un nuevo álbum, lo que sumió a la banda en tres años de litigio. Desde entonces el grupo sigue girando de manera puntual, mas para nostálgicos que para nuevos fans y sin ninguna intención de grabar nada nuevo. Y de la mano de uno de los “varios” baterías que pasaron por la banda, Jody Cortez, pasamos a nuestra siguiente banda, Stone Fury.

En 1983, el vocalista Lenny Wolf, tras mudarse de Hamburgo (Alemania) a Los Ángeles, se asoció con el guitarrista Bruce Gowdy para formar Stone Fury, añadiendo a Rick Wilson (bajo) y Jody Cortez (batería). Firmaron con MCA Records y debutaron al año siguiente con “Burns Like A Star”, un álbum que a pesar de tener una buena acogida por parte de la critica y un gran numero de ventas no consiguió colarse en las listas de éxitos. Jody Cortez abandonó el proyecto a finales de 1984, siendo reemplazado por Randy Castillo, quien tocó en la gira (y que aparece en el video que podéis ver mas arriba), Randy Rand (Autograph), reemplazó a Wilson en el bajo. En 1986 el batería Jay Schellen entró a formar parte de Stone Fury, dejando la banda antes de grabar su segundo trabajo “Let Them Talk” de 1986, que contaba con los músicos de sesión Dean Cortez al bajo y Vinnie Colaiuta a la batería. El album presentaba un sonido mas relajado y melódico cercano al AOR, generando escaso interés por parte del publico lo que hizo que la banda se separase, con Lenny Wolf formando Kingdom Come y Gowdy World Trade y mas tarde, la banda con la cual continuamos, Unruly Child.

Unruly Child fue formado por el vocalista Mark Free después de que Signal (banda que fundó tras su salida de King Kobra) se separara en 1989. Bruce Gowdy (guitarra) y Guy Allison (teclados) se unieron a él tras abandonar World Trade, completando la banda Larry Antonino al bajo y Jay Schellen a la batería. Musicalmente, continuaron el camino del AOR añadiendo toques hard. En 1992 la banda debuto con su álbum homónimo. Para su segundo trabajo de 1998 “Waiting for the Sun”, la banda contó con dos nuevos miembros, Kelly Hansen (Hurricane) a la voz en sustitución de Mark Free y Ricky Phillips (Bad English) al bajo por Larry Antonino. En 2002 se publica “UC III” quedando como únicos miembros de la banda Bruce Gowdy y Guy Allison, mas el vocalista Philip Bardowell. Después de 20 años de su debut, los miembros originales se reúnen y graban en 2010 “Worlds Collide” ya con Mark Free como Marcie Free tras su cambio de genero, esta misma formación grabaría “Down the Rabbit Hole” en 2014, “Can´t go Home” en 2017, el directo “Unhinged Live from Milan” en 2018, “Big Blue World” en 2019 y “Our Glass House” ya sin Larry Antonino, siendo el mítico bajista Tony Franklin (Blue Murder) quien lo sustituyera. Dos de los miembros de Unruly Child, el batería Jay Schellen y el vocalista Kelly Hansen nos llevan a nuestra siguiente banda en la cual coincidieron, Hurricane.

Formada en 1983 por Robert Sarzo (guitarra) y Tony Cavazo (bajo), hermanos menores de los Quiet Riot Carlos Cavazo y Rudy Sarzo (guitara y bajo respectivamente). Pronto reclutaron al vocalista Kelly Hansen y al batería Jay Schellen, autofinanciándose, ante el poco interés de las discográficas, su primer E.P “Take What You Want” (1985). El álbum y las constantes giras les llevaron a conseguir un contrato con un sello importante. En 1988, la banda lanzó su álbum “Over the Edge” con un potente pero melódico sonido de hard rock. El álbum alcanzó el puesto 92 en las listas de álbumes de EE.UU. En 1989, Sarzo dejó el grupo y fue reemplazado por el ex guitarrista de Lion, Doug Aldrich, esta formación grabó en 1990 el álbum “Slave to the Thrill”, a pesar de su calidad este no se vendió tan bien como su predecesor, tal vez debido al inminente cambio del panorama musical. La portada del álbum original presentaba a una modelo desnuda acostada sobre una máquina, esta portada fue reemplazada poco después del prensado inicial por otra sin la modelo modelo quedando solamente la máquina. Poco después del lanzamiento del álbum, Aldrich abandonó Hurricane y el grupo se disolvió.

“Censura en el pais de la libertad”

Schellen y Hansen reformaron Hurricane junto al guitarrista Sean Manning y el bajista Larry Antonino publicando en 2001 “Liquifury”, un álbum sin demasiada repercusión. En 2010, Robert Sarzo y Tony Cavazo, miembros fundadores, reunieron de nuevo a la banda y reclutaron al batería Mike Hansen y al cantante Andrew Freeman, siendo sustituido en 2014 por Jason Ames y este su vez por Michael O’Mara en 2016. El guitarrista Doug Aldrich nos lleva a Bad Moon Rising, banda que formó tras abandonar Hurricane.

Liderados por el vocalista escocés Kal Swan y el guitarrista Doug Aldrich, ambos ex miembros de Lion, mas el bajista Ian Mayo y el batería Jackie Ramos (compañeros en Hericane Alice y Bangalore Choir). En 1991 Bad Moon Rising debutan con el E.P. “Full Moon Fever” seguido ese mismo año de su primer álbum homónimo que contaba con invitados de lujo tales como Michael Schenker y Robin McAuley, junto a los bajistas Chuck Wright (Quiet Riot,) y Rocky Newton (M.S.G) y el batería Ken Mary (Alice Cooper/Fith Angel). El álbum “Blood” de 1993 cuenta de nuevo con la sección rítmica compuesta por Wright y Mary, sin embargo, Ramos y Mayo aparecen en el folleto y figuran como miembros del grupo. El álbum se editó en Japón (donde gozan de una gran popularidad) junto al E.P, “Blood On The Streets”. En 1995 Bad Moon Rising publica “Opium For The Masses”, esta vez la versión francesa del álbum incluía otro E.P., “Junkyard Haze”. Tal era el fervor de los fans de la banda en Japón que las versiones norteamericanas de “Opium For The Masses” se importaron al pais del sol naciente para que los fans pudieran comprar ambas versiones. En noviembre de 1998 la banda se disuelve oficialmente publicando en 1999 un recopilatorio titulado “Flames On The Moon”. En 2005, el sello italiano Frontiers Records lanzó los tres álbumes de Bad Moon Rising, además de ocho bonus tracks, bajo el título “The Full Moon Collection”. Dos de los músicos “invitados” en sus dos primeros trabajos nos llevan al siguiente grupo, ya que Chuck Wright y Ken Mary formaron parte de esta buenísima banda llamada House of Lords.

House of Lords, banda de la que ya hablamos en el episodio Nº16 dedicado a Kiss https://rockencadena.home.blog/2020/04/05/programa-no16/. Así que nos centramos en su tercer trabajo “Demons Down” de 1992, en esos días la banda había dejado BMG y anteriormente el bajista Chuck Wright y el batería Ken Mary habían dejado House of Lords. Junto a Christian y Giuffria, los cambios de formación para el nuevo álbum consistieron en el reconocido batería Tommy Aldridge, el bajista Sean McNabb (ex Quiet Riot) y un nuevo guitarrista, Dennis Chick. La llegada de grunge (como no) tuvo un gran impacto negativo en el éxito del álbum y de la banda, quienes en 1993 y a pesar de grabar demos en busca de nuevo sello discográfico, se separaron. Uno de los temas de este “Demons Down” aparecía en la B.S.O. de la película “Hellraiser III: Hell on Earth” , banda sonora que contaba con una variedad de grupos de heavy metal/hard rock ,entre ellos esta banda llamada Triumph.

Banda canadiense formada en 1975 por Mike Levine (bajo), Gil Moore (batería, voz) y Rik Emmett (guitarra/voz), con un estilo muy peculiar mezcla de hard rock, heavy metal y rock progresivo. Pronto se hicieron con un hueco en el panorama musical gracias a sus directos. Durante su carrera Triumph han logrado 18 discos de oro y 9 de platino en Canadá y Estados Unidos. La formacion original grabó los primeros nueve álbumes de estudio de la banda, hasta 1988, cuando Emmett dejó Triumph para emprender su carrera en solitario. Fue reemplazado por Phil Xenedis, y Triumph grabó su último álbum hasta la fecha, “Edge of Excess” (1992) con él antes de hacer una pausa indefinida en 1993. La formación clásica de Moore, Levine y Emmett se reunió para dos conciertos en vivo en 2008, en el Sweden Rock Festival y Rocklahoma, y ​​nuevamente en 2019 para un show de tres canciones en Toronto. Precisamente su ultimo guitarrista nos lleva a la banda protagonista de este episodio, ya que Phill Xenedis, como habréis adivinado es Phill X, actual guitarrista y miembro de Bon Jovi.

Te espero en el próximo episodio!!! y recuerda…Sube el volumen y disfruta!!

Programa Nº26

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Hola a tod@s! y bienvenid@s a este blog dedicado al podcast Rock en Cadena. Dejamos atrás sonidos mas “suaves” para dedicar el episodio Nº 26 a una de las bandas mas influyentes del Thrash Metal. Pertenecientes a los llamados “Big Four” han sabido adaptarse al paso del tiempo madurando tanto en su música como en su imagen. Ellos son Megadeth, comenzamos.

Megadeth se formó en 1983 tras el despido de Dave Mustaine de Metallica justo antes de que la banda grabara su álbum debut “Kill ‘Em All” debido al abuso de drogas y alcohol además de por los conflictos personales con James Hetfield y Lars Ulrich. Desde el día de su despido Mustaine juró venganza formando una banda que seria más rápida y pesada que Metallica con sus nuevos vecinos David Ellefson y Greg Handevidt, quienes tocaban el bajo y la guitarra respectivamente. Si bien Handevidt solo duró unos meses, Mustaine y Ellefson formaron un estrecho vínculo musical. Después de audicionar a varios baterías Dijon Carruthers fue seleccionado, aunque también duró poco en la banda siendo sustituido por Lee Rausch.

“Megadeth como trio en 1984 “

Tras seis meses de intentar encontrar un cantante principal, Mustaine decidió ocuparse él mismo. En 1984, Megadeth grabó “Last Rites” una demo con tres canciones, “Last Rites/Loved to Death”, “The Skull Beneath the Skin” y “Mechanix”, esta ultima un “versión” del tema que Mustaine compuso en Metallica mas conocida como “The Four Horsemen”. Ante la imposibilidad de encontrar un segundo guitarrista Kerry King de Slayer ocupó el puesto en varios espectáculos en el área de San Francisco, en esos días Megadeth reemplazó a Rausch por el batería de jazz-fusión Gar Samuelson. El guitarrista Chris Poland, compañero de banda de Samuelson se unió a Megadeth en diciembre de 1984.

Después de considerar varios sellos, Mustaine firmó con el que ofreció a Megadeth el presupuesto más alto para grabar y hacer giras, un sello independiente llamado Combat Records. En 1985, la compañía le dio a la banda 8.000 dólares para grabar y producir su álbum debut, “Killing Is My Business… and Business Is Good!”. Después de gastar la mitad del presupuesto en drogas, alcohol y comida, la banda despidió al productor original y terminaron la grabación ellos mismos, no sin antes pedir otros 4.000 dólares a Combat Records. A pesar de la mala producción, el álbum fue bien recibido en el circuito underground del Thrash Metal y obtuvo buenas críticas en varias publicaciones musicales, con lo que atrajo el interés de las principales discográficas. La portada marcó el debut de la mascota de la banda Vic Rattlehead, además el álbum incluyó una versión de ” These Boots Are Made for Walkin ‘” de Nancy Sinatra, con un ritmo más rápido y con la letra alterada. La versión generó controversia durante la década de 1990, cuando su compositor, Lee Hazlewood, bajo amenaza de acción legal, calificó los cambios de Mustaine como “viles y ofensivos”. A mediados de 1985, durante la gira, el guitarrista Mike Albert reemplazó a Poland, que estaba luchando contra su adicción a las drogas. Reincorporándose poco antes de que el grupo comenzara a grabar su segundo álbum.

“La formación de los dos primeros álbumes”

Su segundo álbum “Peace Sells… but Who’s Buying?”, publicado en 1986, a través de Capitol Records. El proyecto fue llevado originalmente por Combat Records con un presupuesto de 25.000 dólares, coproducido por Randy Burns. Insatisfecho con sus limitaciones financieras, la banda dejó Combat y firmó con Capitol Records quien compró los derechos del álbum y contrató a otro productor, Paul Lani para mezclarlo de nuevo. La grabación del álbum fue difícil para la banda, debido a los problemas de drogas que los miembros tenían en ese momento. El álbum destacó por su contenido políticos y ayudó a Megadeth a expandir su base de fans. es el primer álbum donde aparece el característico logo del grupo. Durante la gira, Mustaine y Ellefson despidieron a Samuelson por su abuso de drogas. El batería Chuck Behler viajó con Megadeth para las últimas fechas de la gira para mas tarde convertirse en miembro de la banda. Poland se peleó con Mustaine y fue acusado de vender equipo de banda para comprar heroína, como consecuencia fue despedido, reemplazado inicialmente por Jay Reynolds de Malice, siendo este sustituido por su profesor de guitarra, Jeff Young poco antes de grabar su tercer álbum.

Con un presupuesto mayor se lanzó en 1988 “So Far, So Good … ¡So What!”, producido por Paul Lani. La grabación estuvo plagada de problemas en parte debido a la lucha de Mustaine por su adicción a las drogas. Mustaine y Lani se distanciaron durante la mezcla, y Lani fue reemplazada por Michael Wagener , quien remezcló el álbum. “So Far, So Good … ¡So What!” fue bien recibido por los críticos tras su lanzamiento, y entró en el top 30 del Billboard 200 alcanzando finalmente el platino. El álbum incluía una versión de “Anarchy in the UK” de Sex Pistols, Mustaine cambió la letra alegando que la había escuchado incorrectamente. Durante la etapa australiana de la gira la banda se vio obligada a cancelar algunos shows debido a problemas de drogas. Mustaine afirmó que el grupo regresó a casa porque el guitarrista Young “se quedó sin heroína”, lo que Young negó, afirmando que era Mustaine quien quería regresar a Los Ángeles y para entrar en rehabilitación., tambien se especuló con el despido de Young tras las sospechas de que estaba teniendo una aventura con la novia de Mustaine, una acusación que Young también negó. Tanto Young como Behler fueron finalmente despedidos de la banda en 1989. Nick Menza reemplazó a Behler en 1989.

1989 marcó la primera vez desde sus inicios que Megadeth no estuvo de gira, pero si grabaron una versión de “No More Mr. Nice Guy” de Alice Cooper que apareció en la B.S.O. de la película de terror “Shocker” de Wes Craven. La filmación fu complicada ya que Mustaine no podía tocar ni cantar debido a su adicción a las drogas y el alcohol. En el video tan solo aparecen Mustaine y Ellefson, la tercera persona parece ser Ron Laffitte, manager de la banda. Mustaine fue arrestado por conducir bajo los efectos del alcohol y posesión de narcóticos después de chocar contra un vehículo estacionado ocupado por un oficial de policía fuera de servicio. Poco después ingresó en rehabilitación por orden judicial, quedando libre de drogas por primera vez en diez años. Con Mustaine sobrio, Megadeth continuó buscando un nuevo guitarrista, entre los audicionados estaban Lee Altus de Heathen, Eric Meyer de Dark Angel, Jeff Waters de Annihilator y el guitarrista de Guns N ‘Roses, Slash. A Dimebag Darrell de Pantera se le ofreció el trabajo, pero el trato fracasó después de que Mustaine rechazó la peticion de este de reclutar a su hermano, el batería de Pantera Vinnie Paul, ya que Mustaine había contratado a Menza.La oferta también se extendió a Criss Oliva de Savatage. Jeff Loomis, quien más tarde formaría parte de Nevermore, también hizo una audición aunque Mustaine lo consideró demasiado joven para unirse ya que Loomis solo tenía 18 años en ese momento. Mustaine incluso pidio al guitarrista original de Megadeth, Chris Poland, que se reincorporara a la banda, grabando incluso algunas demos, pero finalmente Marty Friedman ocupó el puesto.

“Sin duda la formación mas clásica de Megadeth”

Lanzado en 1990, “Rust in Peace” debutó en el puesto 23 en los Estados Unidos y en el número ocho en el Reino Unido. Las canciones presentaban solos de guitarra más largos y frecuentes cambios de ritmo, lo que sin duda hizo que el álbum solidificase la reputación de Megadeth en la industria de la música.”Rust in Peace” recibió una nominación al Grammy en 1991 como Mejor Interpretación de Metal y fue el tercer álbum de platino del grupo, certificado en diciembre de 1994. En julio de 1991, La banda grabó la canción “Go to Hell” que apareció en la B.S.O. de la película “Bill & Ted’s Bogus Journey”. Lanzado en julio de 1992, “Countdown to Extinction” entró en la lista Billboard 200 en el número dos y fue certificado doble platino en los Estados Unidos y de nuevo recibió una nominación a Mejor Interpretación de Metal en los Premios Grammy de 1993. El éxito del álbum en el extranjero ayudó a la banda a desarrollar un mayor número de seguidores fuera de Estados Unidos.

A principios de 1993 parte de la gira americana tuvo que ser suspendida, incluidas las fechas en Japón, cuando Mustaine volvió al abuso de “sustancias toxicas” y terminó en la sala de emergencias de un hospital. Después de siete semanas de rehabilitación, Mustaine volvió a estar sobrio y la banda regresó al estudio para grabar “Angry Again”, canción que apareció en la B.S.O. de la película “Last Action Hero” de ese mismo año, lo que le valió una nominación al Grammy en 1994. Megadeth regresó al estudio para grabar “99 Ways to Die”, que apareció en The Beavis and Butt-Head Experience, un álbum recopilatorio con canciones comentadas por los personajes de la serie animada “Beavis and Butt-Head”. La canción fue nominada a Mejor Interpretación de Metal en los Premios Grammy de 1995 . Durante essas sesiones, Megadeth grabó una versión de “Paranoid” de Black Sabbath, que apareció en el álbum tributo a la banda titulado “Nativity in Black” , que de nuevo fue nominado a un Grammy en 1996. Su siguiente trabajo “Youthanasia” fue lanzado en noviembre de 1994. Debutó en el número cuatro en el Billboard 200 y llegó a las listas de varios países europeos. El álbum fue certificado oro en Canadá el día de su lanzamiento y platino en los Estados Unidos dos meses después. Megadeth se movió hacia un sonido más convencional y aunque el sonido seguía siendo bastante pesado, era obvio que el thrash metal era “muy escaso” en este disco. Para mejorar la imagen del grupo los miembros de la banda cambiaran sus jeans y camisetas por una apariencia más “moderna”. En 1995 aparece “Hidden Treasures” un E.P. que incluye canciones que aparecieron originalmente en bandas sonoras de películas y álbumes de tributo.

“Y la imagen se refinó”

“Cryptic Writings” fue lanzado en 1997, alcanzando el número diez en el Billboard 200, siendo finalmente certificado oro en los Estados Unidos. Su primer sencillo se convirtió en la canción con mayor ranking de Megadeth en Mainstream Rock Tracks llegando al número cinco, y fue nominada (si, otra vez)como Mejor Interpretación de Metal en los Premios Grammy de 1998. Aunque los cuatro sencillos del álbum entraron en el top 20 en la lista de Mainstream Rock Tracks de Billboard, la respuesta de la prensa al álbum estuvo dividida, una parte del álbum se basó en material más rápido y agresivo, otra con “música orientada a la radio”, con otra parte más melódica. El álbum contó con la colaboración de Megadeth con el productor de country pop (y guitarrista de la banda de AOR, Giant) Dann Huff. A mitad de la gira de 1998, Menza supuestamente descubrió un tumor en su rodilla y se fue para someterse a una cirugía. Jimmy DeGrasso, que había colaborado con Mustaine en MD.45, fue contratado para reemplazar a Menza por el resto de la gira. Aunque inicialmente estaba destinado a ser un reemplazo temporal, DeGrasso se unió a la banda de forma permanente después de la gira. Mas tarde Mustaine aseguro que despidió a Menza porque creía que el batería había mentido acerca de tener cáncer.

Tras el éxito en la radio con Cryptic Writings, Megadeth volvió a trabajar con Dann Huff en su octavo álbum de estudio. “Risk”, lanzado en 1999, fue un fracaso comercial y crítico además de provocar una mala reacción por parte de muchos fans de toda la vida. Aunque sus dos predecesores incorporaron elementos de rock junto con un sonido de heavy metal más tradicional, este prácticamente carecía del sonido thrash característico de la banda. A pesar de esto el álbum debutó en el número 16 en la lista Billboard 200 y fue certificado oro en los Estados Unidos. Al igual que en su anterior álbum la mascota del grupo Vic Rattlehead no aparece en las portadas. El 14 de julio de 1999, el ex batería Gar Samuelson murió de insuficiencia hepática a los 41 años. Tres meses después de la gira, Friedman anunció su renuncia a Megadeth, citando diferencias musicales. En enero de 2000, el guitarrista Al Pitrelli (Savatage, Alice Cooper) se convirtió en el reemplazo de Friedman.

“DeGrasso, Pitrelli, Mustaine y Ellefson”

Después de 15 años con Capitol Records, Megadeth dejó el sello en 2000. Según Mustaine, la salida se debió a las continuas tensiones con la dirección de la compañía. Capitol lanzó un álbum de grandes éxitos titulado, “Capitol Punishment: The Megadeth Years”, con dos nuevos temas: “Kill the King” y “Dread and the Fugitive Mind” grabados por la nueva formación formada por Dave Mustaine, David Ellefson, Jimmy DeGrasso y Al Pitrelli. Su siguiente trabajo “The World Needs a Hero” fue lanzado en 2001 y debutó en el puesto dieciséis en el Billboard 200. Fue prohibido en Malasia cuando el gobierno nacional determinó que el álbum era “inadecuado para la juventud de la nación”. El álbum marcó el regreso de Megadeth a un sonido más agresivo después de las variaciones estilísticas de sus dos álbumes anteriores, aunque los críticos sintieron que el álbum no cumplió con las expectativas generadas por una vuelta a los “orígenes”. La gira de 2001 se interrumpió tras los ataques del 11 de septiembre, cancelándose todas las fechas, incluida la filmación de un DVD en Argentina. En cambio, la banda tocó en dos shows en Arizona el 16 y 17 de noviembre, que fueron filmados y lanzados un año después como el primer lanzamiento en vivo de Megadeth, “Rude Awakening”. El DVD obtuvo la certificación oro en EE.UU. y Canadá. Este es el único álbum de Megadeth que no incluye el logo de la banda en la portada (se encuentra en la barra lateral del DVD).

En enero de 2002, Mustaine fue hospitalizado para la extracción de un cálculo renal administrándosele analgésicos que provocaron una recaída de su adicción a las drogas. Mustaine se registró en un centro de tratamiento en Texas. Mientras estaba allí, Mustaine se quedó dormido con su brazo izquierdo sobre el respaldo de una silla, provocando la compresión del nervio radial. Posteriormente se le diagnosticó una neuropatía radial que lo dejó incapaz de agarrar o cerrar el puño con la mano izquierda. Mustaine anunció en un comunicado de prensa que iba a disolver Megadeth, ya que su lesión en el brazo le impedía tocar la guitarra. Durante los siguientes cuatro meses, recibió fisioterapia y poco a poco comenzó a “recuperar” su mano izquierda.

“David y Dave o mejor dicho…Megadeth”

Para cumplir con las obligaciones contractuales con Sanctuary, Megadeth lanzó el álbum recopilatorio “Still Alive … and Well?”. La primera mitad del álbum contiene pistas en vivo grabadas en el Web Theatre en Phoenix, y la segunda mitad grabaciones de estudio de “The World Needs a Hero”. Convirtiéndose en el último lanzamiento de David Ellefson, bajista y cofundador de Megadeth. Ellefson y Mustaine tuvieron un grave desacuerdo legal sobre los derechos de autor así como del nombre de Megadeth y del catálogo posterior, lo que dio como resultado una demanda fallida por parte de Ellefson. Aunque los dos disfrutaron de una estrecha amistad, se desarrolló una considerable animosidad entre Ellefson y Mustaine. Después de casi un año de recuperación, Mustaine comenzó a trabajar en lo que sería su primer álbum en solitario. El nuevo material fue grabado con los músicos de sesión Vinnie Colaiuta y Jimmie Lee Sloas, bateria y bajo respectivamente.

En mayo de 2004, Mustaine volvió a su proyecto en solitario. Pero las obligaciones contractuales con el sello europeo de la banda, EMI , dieron como resultado el lanzamiento de la grabación como un álbum de Megadeth. Mustaine reformó la banda y se puso en contacto con la alineación de “Rust in Peace” para volver a grabar pistas de acompañamiento. Si bien Nick Menza acordó regresar, tanto Marty Friedman como David Ellefson no pudieron llegar a un acuerdo con Mustaine. Este fue el primer álbum sin Ellefson. Chris Poland, quien tocó la guitarra en los dos primeros álbumes de Megadeth, fue contratado para contribuir con solos de guitarra en el nuevo álbum. Poland optó por aparecer como músico de sesión. El resultado, anunciándose como una vuelta a los orígenes, fue “The System Has Failed” lanzado en 2004. El álbum debutó en el número dieciocho en el Billboard 200. Hasta la fecha, es el único álbum de Megadeth donde el único miembro de la banda es Mustaine.

Megadeth comenzó la gira mundial con la participación del bajista James MacDonough de Iced Earth y el guitarrista Glen Drover de King Diamond. Cinco días antes del primer show, Menza fue enviado a casa poco después de que comenzaran los ensayos por problemas físicos, siendo reemplazado por Shawn Drover, quien permaneció con la banda como miembro regular. En junio de 2005, Capitol lanzó una compilación de grandes éxitos, “Greatest Hits: Back to the Start”, con versiones remezcladas y remasterizadas de canciones elegidas por los fans de los álbumes Capitol de Megadeth. En febrero de 2006, el bajista James MacDonough dejó la banda por “diferencias personales”. Fue reemplazado por James LoMenzo (White Lion y Black Label Society). Ese año Capitol lanzó un DVD de dos discos, “Arsenal of Megadeth”, que incluía imágenes de archivo, entrevistas, shows en vivo y muchos de los videos musicales de la banda. Debido a problemas de licencia, no se incluyeron bandas sonoras ni videos que no pertenecían a Capitol. El DVD fue certificado oro en Estados Unidos y platino en Canadá y Argentina.

“Lomenzo, Mustaine y los hermanos Drover”

Lanzado en 2007, “United Abominations” debutó en el número ocho en el Billboard 200, vendiendo 54.000 copias en la primera semana. Fue el primer álbum de la banda que incluyó a Glen Drover, Shawn Drover y James Lomenzo. Tambien se lanzó “That One Night: Live in Buenos Aires” un álbum grabado en Buenos Aires el 9 de octubre de 2005 en el Estadio Obras Sanitarias publicado en formatos de CD y DVD. El DVD fue certificado oro en los Estados Unidos y Argentina, y platino en Canadá. Este es el único lanzamiento de Megadeth que presenta al bajista James MacDonough. EMI/Capitol Records lanzó en 2007 “Warchest”, un box set con cinco discos (4 CD + DVD) con pistas de estudio, demos, rarezas y grabaciones en vivo de varias de las canciones de la banda de sus primeros diez álbumes de estudio. En enero de 2008, Glen Drover dejó Megadeth, cansado de las giras alegando que quería pasar más tiempo con su familia. También citó problemas personales con otros miembros de la banda. Drover fue reemplazado por Chris Broderick (Nevermore y Jag Panzer). Ese mismo año se lanzó a través de Capitol Records “Anthology: Set the World Afire”, un conjunto de dos discos con canciones que no aparecen en compilaciones anteriores, incluidas demos, temas en vivo y pistas inéditas.

“El hijo prodigo vuelve a casa”

“Endgame”, duodécimo álbum de estudio de Megadeth, fue lanzado en 2009, el álbum entró en el Billboard 200 en el número nueve y alcanzó el número uno en la lista de los mejores álbumes de Hard Rock de EE.UU. El primer single,”Head Crusher” fue nominado a Mejor Interpretación de Metal en los Premios Grammy 2010, octava nominación al Grammy de la banda en 19 años. El bajista original David Ellefson se reincorporó a la banda varios meses después del lanzamiento del álbum, con el Megadeth se embarcó en la gira “Rust in Peace 20th Anniversary Tour” donde la banda interpretaba el álbum entero. Megadeth, junto con Metallica, Slayer y Anthrax, conocidos colectivamente como los “cuatro grandes” del thrash metal, acordaron actuar en el mismo cartel a mediados de 2010. Una de esas actuaciones fue filmada y lanzada como DVD titulado “The Big Four: Live from Sofia, Bulgaria”. “Rust in Peace Live” se lanzó ese año en Blue Ray/CD/DVD como celebración del 20 aniversario del lanzamiento original de “Rust in Peace”. Poco despues Megadeth grabó “Sudden Death” para el videojuego “Guitar Hero: Warriors of Rock”, de nuevo una canción del grupo fue nominado a Mejor Interpretación de Metal en la ceremonia de los Grammy de 2011.

Para el decimotercer álbum de estudio de Megadeth, lanzado en 2011, la banda optó por el “rebuscado” nombre de “Th1rt3en”, debutando en el número 11 en el Billboard 200 además de entrar en el top 20 en varios paises. “Th1rt3en” es el primer álbum de estudio de Megadeth desde 2001 con el bajista y miembro fundador David Ellefson. Además del nuevo material que se escribió para el álbum, la banda decidió reelaborar y lanzar varias canciones más antiguas, algunas de las cuales habían sido lanzadas anteriormente como demos o bonus tracks. De nuevo el primer sencillo del álbum fue nominado por Mejor Interpretación de Hard Rock/Metal en la ceremonia de los Grammy de 2012, además, otra pista de “Th1rt3en”, “Whose Life (Is It Anyways?)”, fue nominada a Mejor interpretación de Hard Rock/Metal en los premios Grammy 2013, ese año también salió a la venta “Countdown to Extinction: Live”, en Blu-ray , DVD y CD, grabado durante la gira “Countdown to Extinction 20th Anniversary Tour” donde la banda interpretaba todo el álbum “Countdown to Extinction”. En 2013 Megadeth publica “Super Collider” , álbum que debutó en el número seis en el Billboard 200, la posición más alta de la banda desde “Youthanasia” de 1994, a pesar de eso, la reacción crítica al álbum, fue en gran parte negativa, ya que fue visto como otro intento de Mustaine por suavizar el sonido de la banda comparando incluso este álbum con “Risk”.

“El esperado (y merecido) Gramy llegó. Adler, batería que grabó el tema no recogió el premio.”

“Icon”, una compilación de once canciones del material de la era de Capitol de Megadeth, fue lanzada en 2014 como parte de la serie Icon de Universal Music (que absorbió Capitol en 2013). A finales de 2014, Drover abandonó la banda después de diez años, seguido rápidamente por la partida de Broderick, debido a diferencias artísticas y musicales. El batería de Lamb of God Chris Adler y el guitarrista Kiko Loureiro de Angra fueron contratados para tocar en el decimoquinto álbum de estudio de Megadeth, lanzado en 2016 bajo el titulo de “Dystopia”. El álbum debutó en el número tres en la lista Billboard 200, lo que convirtió a “Dystopia” en el segundo álbum de la banda con mayor ranking en los EE. UU. Después de “Countdown to Extinction”, que alcanzó el número dos en 1992. Además, la canción principal le valió a la banda su primera victoria en un Grammy (por Mejor Interpretación de Metal ) en la 59ª Entrega de los Premios Grammy (2017) después de once nominaciones sin éxito. “Dystopia” fue visto por la critica y los fans como una vuelta (otra vez) a los orígenes. Al final de la primera parte de tour norteamericano se anunció que Adler, que actuaba con Lamb of God y Megadeth, ya no estaba en la banda debido a conflictos de programación entre las dos bandas. Por recomendación del propio Adler, Verbeuren de Soilwork lo reemplazó. El ex batería Nick Menza murió de un ataque al corazón el 21 de mayo de 2016, mientras actuaba en un club de Los Ángeles. En 2019 aparece el álbum recopilatorio de Megadeth “Warheads on Foreheads”, creado como una celebración del 35 aniversario de la banda, recogiendo 35 canciones elegidas personalmente por Dave Mustaine a lo largo de la carrera de la banda. Poco después Mustaine fue diagnosticado con cáncer de garganta, teniendo que cancelar varios shows para ese año, afortunadamente a finales de enero de 2020, la banda reanudó su actividad y durante un concierto Mustaine anunció que estaba cien por ciento libre de cáncer.

“Mustaine y su eterna lucha contra Metallica”

Megadeth ha estado siempre envuelto en controversias, principalmente generadas por su líder y fundador Dave Mustaine generalmente sobre problemas con ex compañeros de banda de Metallica, debió a su expulsión de la banda, cómo se llevó a cabo y desacuerdos sobre los créditos de composición. Antes tocar “Anarchy in the UK” en un show de 1988 en Antrim, Irlanda del Norte, Mustaine, algo borracho y confuso, dijo: “¡Este es por la causa! ¡Devuélvan Irlanda a los irlandeses!” lo que provocó en le publico disturbios y luchas entre católicos y protestantes. La banda tuvo que viajar en un autobús a prueba de balas de regreso a Dublín. Mustaine declaró que los vendedores de camisetas lo habían engañado sobre el significado de la expresión “la causa”. Este incidente sirvió de inspiración para la canción “Holy Wars …”. Letras controvertidas y mal interpretadas también han causado complicaciones para la banda, con temas no emitidos por MTV.

“Mustaine, un cristiano bueno con una lengua viperina”

En 2003, después de recuperarse de una lesión en el brazo que amenazaba con terminar su carrera, Mustaine se convirtió en cristiano renacido. Mas adelante Mustaine anuncio que Megadeth no tocaría ciertas canciones en vivo debido a su conversión. En mayo de 2005, Mustaine supuestamente amenazó con cancelar shows en Grecia e Israel con las bandas de metal extremo Rotting Christ y Dissection debido a las creencias anticristianas de las bandas. Esto hizo que las dos bandas cancelaran sus apariciones con Megadeth. En julio de 2004, Ellefson demandó a Mustaine por 18,5 millones de dólares, Ellefson alegó que Mustaine le quitó las ganancias, incluido el merchandising de la gira y los derechos de publicación. La demanda fue desestimada en 2005, y Mustaine presentó una contrademanda alegando que Ellefson había utilizado el nombre de la banda en un anuncio de equipo musical, la demanda se resolvió fuera de los tribunales. Durante el primer mandato de la presidencia de Barack Obama , Mustaine se unió al Movimiento Birther alegando que Obama no nació en los Estados Unidos y, por lo tanto, no podía ser presidente. A pesar de todo ello Megadeth es una de las bandas mas influyentes dentro de Thrash Metal, además ha sido de las pocas en saber mantenerse en primera linea a través de los tiempos. La influencia de bandas de la NWOBHM así como de grupos Punk e incluso de bandas de hard rock de los 70 han hecho de Megadeth una banda con un sonido autentico.

“Vic Rattlehead”

Otro apartado merece la mascota del grupo, Vic Rattlehead, casi tan conocido como el famoso Eddie de Iron Maiden. Vic es una figura esquelética vestida de traje que representa la frase “See no evil, hear no evil, speak no evil” (No veas cosas malas, no oigas cosas malas, no digas cosas malas.) como un símbolo de censura. Sus ojos están cubiertos por una especie de gafas de metal remachada a su cráneo, su boca está cerrada por varios ganchos de hierro, y sus oídos están cerrados con cascos de metal de los que cuelgan cadenas.

“¿Con cual te quedas?”

Dave Mustaine esbozó el dibujo original de Vic para la portada de su primer álbum, sin embargo, Combat Records perdió la obra de arte e improvisó un concepto completamente diferente. La obra de arte original fue recuperada y colocada en la reedición del álbum. El nombre de Vic significa “víctima” y Rattlehead viene de lo que la madre de Mustaine solía decirle cuando esta le golpeaba en la cabeza. Esto luego llevó a la expresión “sacudir la cabeza”. Según Mustaine, la mascota representa sus sentimientos sobre la represión religiosa y la libertad de expresión. Vic apareció en la portada de los primeros cuatro álbumes de la banda (1985-1990) y regresó para el álbum de 2001 “The World Needs a Hero”, el de 2004 “The System Has Failed”, así como el álbum “United Abominations” de 2007, donde se rediseñó a Vic. En 1993, Megadeth apareció como “Vic and the Rattleheads” en el club Rock City de Nottingham.

Vamos a continuar con uno de los muchos músicos que han pasado por Megadeth, el guitarrista actual de la banda Kiko Loureiro y su anterior banda Angra.

Banda brasileña formada en 1991 y liderada por Rafael Bittencourt. El grupo ha lanzado hasta la fecha nueve álbumes de estudio, cinco E.P.s y tres CD/DVD en vivo, con gran popularidad en Japón, Europa y lógicamente Brasil. Angra combina heavy metal, power metal, metal progresivo, metal neoclásico y sonidos folclóricos brasileños. A lo largo de los años el grupo ha sufrido varios cambios en su formación, mención especial merecen, el guitarrista Loureiro, actualmente en Megadeth, el batería Aquiles Priester quien ha tocado para Paul Di’Anno, Vinnie Moore, Tony Macalpine, W.A.S.P. o DragonForce, o los vocalistas André Matos (fallecido en 2019 de un ataque al corazón), Fabio Leoni ex Rhapsody of Fire y actual vocalista de Angra, y nuestro siguiente protagonista, Edu Falaschi y la banda que formó tras abandonar Angra, Almah.

Banda inicialmente establecida en 2006 como un proyecto paralelo del ex cantante de Angra Edu Falaschi, que con el tiempo ha pasado de ser un proyecto en solitario a una banda con miembros estables. El primer álbum de la banda, “Almah”, fue lanzado en 2006. Además de cantar, Edu Falaschi también produjo el disco, compuso todas las canciones y escribió todas las letras. El álbum fue grabado en Finlandia y Brasil con músicos como Emppu Vuorinen (guitarra de Nightwish ), Lauri Porra (bajista de Stratovarius ) y Casey Grillo (batería de Kamelot). El segundo álbum, Fragile Equality, fue lanzado en 2008 y se convirtió en uno de los álbumes más vendidos en Brasil. Falaschi anunció su salida de Angra en 2012, para centrarse en su trabajo con Almah, desde entonces, la banda lanzó “Unfold” (2013), su cuarto álbum, así como una compilación, “Within the Last Eleven Lines”, en 2015. Uno de los músicos que colaboraron en el primer trabajo de Almah, el batería Casey Grillo y su banda de entonces Kamelot.

Banda de power metal estadounidense formada por Thomas Youngblood en 1987. En 1995 lanzó su primer álbum “Eternity” y en 1997 “Dominion”, ese año, el fundador Richard Warner dejó la banda y se incorporó al batería Casey Grillo. En 1998, el cantante Mark Vanderbilt no pudo hacer una gira y Roy Khan (Conception) fue elegido como el nuevo vocalista principal, con estos dos nuevos miembros, Kamelot lanzó su tercer álbum de estudio, “Siége Perilous”. Mas tarde vendrían “The Fourth Legacy”, lanzado en 1999, “Karma” de 2000. El sexto álbum, “Epica” en 2003 y “The Black Halo”. En 2006 se publicó en DVD/CD “One Cold Winter’s Night”, segundo álbum en vivo y primer DVD en vivo de la banda. Un año mas tarde apareció “Ghost Opera”, octavo album de estudio de Kamelot, una reedición de “Ghost Opera”, titulada “Ghost Opera: The Second Coming”, fue lanzada poco después con todo el álbum original además de un segundo C.D. con diez canciones en vivo grabadas durante un concierto en Belgrado , Serbia, con bonus tracks adicionales. “Poetry for the Poisoned” se lanzó en 2010, pero tras la gira de verano por Europa, la banda anunció que Khan había enfermado gravemente durante los ensayos para la próxima gira por EE.UU., solo unos días antes de su inicio. Aunque inicialmente se informó que la banda continuaría la gira con el vocalista noruego Michael Eriksen de Circus Maximus en el lugar de Khan, la banda anunció más tarde que pospondría la gira, sin embargo, a finales de año y debido a la persistente enfermedad de Khan, se anunció que Fabio Lione de Rhapsody of Fire reemplazaría a Khan para las fechas restantes y reprogramadas en las giras de América Latina, Europa y América del Norte en 2011, y más tarde en el Crucero de 70.000 toneladas de metal en 2012. En 2011, la banda lanzó “Poetry for the Poisoned & Live from Wacken – Limited Tour Edition”, que contiene el audio del último concierto grabado de Khan con la banda. En el verano de 2012 Kamelot anunció al cantante de Seventh Wonder Tommy Karevik como nuevo vocalista del grupo, grabando “Silverthorn” en 2012, “Haven” en 2015, y “The Shadow Theory” en 2018. Anteriormente Kamelot anunció que Casey Grillo se había marchado de la banda, el mismo día, el batería de Firewind, Johan Nuñez fue presentado como nuevo batería de la banda. El álbum entró en el Billboard Hard Rock Charts en el número 2 y alcanzó su punto máximo en el Amazon Hard Rock & Metal Charts llegando al número 1. Después de solo dos presentaciones, la banda anunció que Johan Nuñez se retiraría debido a una lesión y que Alex Landenburg de Luca Turilli’s Rhapsody sería su reemplazo, para mas tarde ser anunciado como miembro oficial. El tercer lanzamiento en vivo de la banda, lanzado en Blue Ray/DVD, y publicado en 2020, “I Am the Empire – Live from the 013”, es hasta la fecha su ultimo trabajo. Y otro batería nos lleva a la siguiente banda, Johan Nuñez y su paso por Firewind.

(Otra) banda de power metal formada en 1998 por el guitarrista Gus G. (Dream Evil, Ozzy Osbourne) en principio como un proyecto creado para mostrar su talento a posibles bandas con las que tocar. Tres años después de esa demo (“Nocturnal Symphony”) Firewind se convirtió en una banda grabando su álbum debut “Between Heaven and Hell”. Hasta la fecha, la banda ha lanzado nueve álbumes de estudio y dos directos. Al igual que muchas otras bandas de Power Metal, Firewind goza de cierto numero de fans en Europa. Lo cierto es que Firewind ha pasado a lo largo de su existencia por muchos cambios de personal, actualmente la banda esta compuesta por Gus G. a las guitarras, Petros Christodoulidis al bajo, el recién incorporado Herbie Langhans a la voz y Johan Nuñez (ahora con los españoles Lords of Black) a la batería. Uno de esos innumerables miembros que han pasado por la banda continuamos, el vocalista Apolo Papathanasio y su nueva banda Spiritual Beggars.

El guitarrista Michael Amott (Arch Enemy) formó Spiritual Beggars en 1993 después de dejar Carcass., una banda que mezcla hard rock psicodélico de los 70 con Stoner Metal. La banda debutó en 1994 con su álbum homónimo, seguido de “Another Way To Shine” (1996) y “Mantra” (1998). Su cuarto trabajo “Ad Astra” (2000) gozó de bastante repercusión en cuanto a ventas tanto en Europa como en Japón. En 2002 se publicó “On Fire”. Este álbum contó con una nueva formación tras la salida del cantante y bajista original Christian “Spice” Sjöstrand. Los nuevos miembros fueron Janne “JB” Christoffersson a la voz y Roger Nilsson al bajo. Con estas incorporaciones el sonido de la banda se acercó mas al hard rock “setentero” y “macarra” alejándose del sonido stoner/psicodélico de sus primeros álbumes, algo que continuó con su siguiente trabajo de 2005 “Demons”, donde el bajista y compañero de Amott en Arch Enemy Sharlee D’Angelo (ex King Diamond , ex Mercyful Fate) ocupó el puesto de bajista. La gira de este disco se limitó a un tour con Dio por Japón de tres fechas y una actuación principal en Londres, además del lanzamiento del DVD “Live Fire!”. Tras cinco años de inactividad Spiritual Beggars publicó “Return To Zero” (2010) con nuevos cambios en la formación, incorporándose el cantante Apollo Papathanasio de Firewind. Con el en la banda editaron el directo “Return to Live: Loud Park 2010” (2011), “Earth Blues” de 2013, con gran influencia de Deep Purple, y su ultimo trabajo de 2016 “Sunrise to Sundown”, con un sonido mas hard rock. Desde su creación, Spiritual Beggars se ha visto condicionada al calendario de actividad de la otra banda de Michael Amott, Arch Enemy.

Banda sueca de death metal melódico también formada por el guitarrista Michael Amott junto con el vocalista Johan Liiva, ambos originalmente de la banda de death metal Carnageen en 1995. La banda ha lanzado diez álbumes de estudio, tres álbumes en vivo, tres DVDs y cuatro E.P.s. Con su primer vocalista, Johan Liiva, grabaron “Black Earth” (1996), “Stigmata” (1998) y “Burning Bridges” seguido por el álbum en vivo “Burning Japan Live 1999” publicados en 1999 y 2000 respectivamente. En 2000, el vocalista Johan Liiva se fue siendo reemplazado por la vocalista alemana de death metal Angela Gossow, quien debutó con la banda con el álbum de 200 “Wages of Sin”. “Anthems of Rebellion” fue lanzado en 2003 y el año siguiente el E.P. “Dead Eyes See No Future”, que incluía grabaciones en vivo, junto con versiones de canciones de Manowar, Megadeth y Carcass. El séptimo álbum de Arch Enemy, titulado “Rise of the Tyrant”, fue lanzado en 2007 debutando en el puesto 84 en la lista Billboard 200, el mejor puesto de la banda hasta la fecha, un año mas tarde se editó “Tyrants of the Rising Sun” en formato DVD + CD con un show en vivo filmado en Tokio a principios de 2008, un documental y todos los videos promocionales de “Rise of the Tyrant”. Un álbum recopilatorio titulado “The Root of All Evil” se publicó en 2009 con doce canciones regrabadas que abarcan la carrera de la banda antes de que Gossow se uniera como vocalista, mas tarde vendrían “Khaos Legions” de 2011. En 2014, Gossow emitió un comunicado anunciando su salida del grupo, a pesar de ello Gossow siguió ligada al grupo como manager. La vocalista canadiense Alissa White-Gluz (Agonist) fue presentada como la nueva vocalista de Arch Enemy, grabando en 2014 “War Eternal”. Durante la gira y tras varios cambios de guitarristas Jeff Loomis (Nevermore) se unió a la banda para mas tarde convertirse en miembro oficial, grabando con ello el álbum de 2017 “Will to Power” así como su ultimo trabajo hasta la fecha, “Covered In Blood”, de 2019, un álbum con versiones que la banda ha realizado a lo largo de su carrera. Y el ultimo miembro en entrar en Arch Enemy, Jeff Loomis, nos lleva a nuestra siguiente banda, Nevermore.

Banda formada en 1991 por dos ex miembros de la banda Sanctuary, el vocalista Warrel Dane y el bajista Jim Sheppard. A finales de 1994 se incorporaron el batería Van Williams y el guitarrista Jeff Loomis. En 1995 Nevermore lanzó su álbum debut homónimo. El guitarrista Pat O’Brien se unió a la banda antes del lanzamiento del E.P. “In Memory” y participó en la grabación del álbum posterior “The Politics of Ecstasy”, ambos de 1996. O’Brien dejó Nevermore para tocar en Cannibal Corpse y Curran Murphy de Shatter Messiah se alistó como guitarrista de gira para la banda hasta que Tim Calvert (Forbidden) se unió a Nevermore. En 1999 se lanzó el álbum “Dreaming Neon Black” . Al final de la gira, en 2000, el guitarrista Tim Calvert anunció su salida de la banda. En lugar de encontrar un reemplazo, el grupo decidió continuar como cuarteto, contratando guitarristas de sesión para sus conciertos, tales como Curran Murphy (mas tarde en Annihilator) y Chris Broderick (Jag Panzer, Megadeth). Nevermore graba “Dead Heart in a Dead World”, en el año 2000 y tres años mas tarde “Enemies of Reality”, relanzado y remezclado en 2005 por Andy Sneap tras las críticas por su producción. En la gira, la banda estuvo acompañada por el segundo guitarrista Steve Smyth (Vicious Rumors y Testament), Smyth finalmente se unió a Nevermore de forma permanente, abandonando la banda un año después. Su sexto álbum “This Godless Endeavor”. Su primer DVD, “The Year of the Voyager”, se lanzó en 2008, grabando en 2010 “The Obsidian Conspiracy”. En 2011 Jeff Loomis y Van Williams anunciaron su salida del grupo citando diferencias personales y musicales. El 13 de diciembre de 2017, Warrel Dane murió de un ataque al corazón a la edad de 56 años, poniendo fin a cualquier posibilidad de un reencuentro de Nevermore. El ex guitarrista Tim Calvert murió el 30 de abril de 2018 por complicaciones de su esclerosis lateral amiotrófica. Tenía 52 años. Continuamos con la banda de donde salieron los fundadores de Nevermore, Sanctuary.

Banda de thrash formada en 1985 en Seattle y que a pesar de que nunca alcanzó el éxito comercial, se le atribuye el mérito de popularizar la escena del heavy metal de Seattle en la década de 1980 y principios de la de 1990. Sanctuary lanzó su álbum debut “Refuge Denied” en 1987. El segundo álbum “Into the Mirror Black”, fue lanzado en 1990. Durante la gira el guitarrista Sean Blosl dejó la banda y fue reemplazado por Jeff Loomis. En 1992 la banda se separó ante las presiones de su compañía (Epic) para que el grupo cambiase su sonido hacia el grunge. Epic Records publicó en 1990 el E.P. en vivo “Into The Mirror Live” con un número limitado de copias. En 2010, cuatro de los miembros fundadores de Sanctuary se reunieron para algunas actuaciones, para mas tarde, en 2014, publicar el tercer álbum de estudio de la banda, “The Year the Sun Died”. Tras la muerte en 2017 de su vocalista original la banda realizó una gira en 2018 como tributo a este con el vocalista de Witherfall Joseph Michael a la voz. Al parecer el grupo pretende continuar. Y Sanctuary nos lleva a nuestros protagonistas, Megadeth ya que el productor del primer álbum de la banda fue nada mas y nada menos que le mismísimo Dave Mustaine, y con el y su banda me despido de vosotros, espero que os haya gustado este blog, nos vemos en el próximo, y recuerda: Sube el volumen y disfruta!!

Programa Nº25

Hola!, comenzamos 2021 con una de las mejores y más vendedoras bandas del rock, liderada por el auténtico guitar hero, fuente de inspiración para miles y miles de guitarristas, y que tristemente nos dejó en ese maldito 2020, me estoy refiriendo a Eddie Van Halen y a su banda Van Halen. Comenzamos.

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Los hermanos Van Halen formaron su primera banda, The Broken Combs, en 1964. A medida que ganaban popularidad tocando en fiestas caseras y funciones de la escuela secundaria local, cambiaron su nombre primero a The Trojan Rubber Co, luego en 1972 a Genesis, más tarde aún a Mammoth cuando descubrieron que Genesis ya estaba siendo utilizado por una banda británica (os suenan, no?). En este momento Ed era vocalista y guitarrista principal y su amigo Mark Stone era el bajista. En 1974, cuando David Lee Roth ya llevaba un año aproximadamente como vocalista, Stone fue reemplazado por Michael Anthony, en esos días la banda cambió oficialmente su nombre a Van Halen. Posteriormente, tocó en clubes en Los Ángeles y West Hollywood para audiencias cada vez mayores, aumentando su popularidad a través de la autopromoción, lo que les llevó a conseguir un gran numero de seguidores fieles a la banda.

“Sus dias en el Gazzari”

Ese mismo año, Van Halen fue contratado para tocar regularmente en el club de Sunset Strip Gazzarri’s, haciéndolo hasta 1976. En 1975, también eran la banda habitual de los martes por la noche en el Myron’s Ballroom, así como en clubes conocidos como Whisky a Go Go en Sunset Strip. En el verano de 1976 Gene Simmons de Kiss, vio a la banda, impresionado por lo que vio produjo una cinta de demostración de Van Halen de 29 pistas, titulada “Zero”. Simmons incluso sugirió cambiar el nombre de la banda a Daddy Longlegs. Sin embargo, Simmons no pudo hacer más ya que la gerencia de Kiss opinó que Van Halen “no tenía ninguna posibilidad de lograr éxito”. A mediados de 1977, el ejecutivo de Warner Bros. Mo Ostin y el productor Ted Templeman vieron a Van Halen actuar en el Starwood en Hollywood. Warner le ofreció a la banda un contrato de grabación de dos álbumes bastante básico, uno que favorecía mucho a Warner, pagando a los cuatro 0.70 dólares por unidad (álbum) vendido, un acuerdo que dejaría a la banda con una deuda de más de 1 millón de dólares al concluir su primer gira abriendo para Journey y Montrose. Su primer trabajo de 1978 “Van Halen” alcanzó el puesto 19 en las listas Billboard de música pop, uno de los debuts comercialmente más exitosos del rock (aunque fuera considerado como un álbum de heavy metal/hard rock). En 1996 este álbum consiguió la certificación de Diamante por vender diez millones de copias solo en los Estados Unidos. La química de la banda se basó en la técnica de guitarra de Eddie Van Halen y el carisma de David Lee Roth.

“Eddie, Michael, David y Alex en 1978”

La banda regresó al estudio durante 2 semanas, a finales de 1978, para grabar “Van Halen II”, publicado en 1979 con un estilo similar al de su debut. Este disco produjo el primer sencillo de éxito de la banda, “Dance the Night Away”, que alcanzó el puesto 15 en Billboard Hot 100. Durante los siguientes cuatro años, la banda estuvo de gira sin parar, sin tardar más de 2 semanas en grabar un álbum. “Women and Children First” fue lanzado en 1980, y consolidó aún más el estado de ventas de platino de Van Halen para Warner Bros. En 1981, durante la grabación del álbum “Fair Warning” (lanzado ese mismo año), aumentaron las tensiones artísticas. Eddie buscaba canciones más oscuras y complejas todo lo opuesto con los gustos y el estilo pop de Roth. No obstante, Roth y el productor Ted Templeman, accedieron a los deseos de Eddie en este álbum. El álbum solo alcanzó el estado de platino después de desembolsar 250.000 dólares en emisoras de radio a nivel nacional para que lo hicieran subir de 400 mil copias.

La banda planeaba lanzar un single y tomarse un descanso, la elegida fue una nueva versión del clásico de Roy Orbison de la década de 1960 “Pretty Woman”, que alcanzó el puesto 12 en Billboard Top 100. El video ayudó a su éxito inmediato, aunque fue prohibido por MTV. Sin embargo, debido a la gran presión de Warner Bros., la pausa se canceló y el L.P de 1982 “Diver Down” se grabó, nuevamente, en 2 semanas. La preferencia de Roth por las versiones pop prevaleció esta vez ya que cinco de las doce canciones del álbum son versiones. El álbum se vendió bien, pasando 65 semanas en la lista de álbumes en los Estados Unidos. La banda apareció en el Libro Guinness de los Récords Mundiales por ser la banda mejor pagada (1.5 millones de dólares) por un set de 90 minutos en el US Festival de 1983. Las diferencias entre Roth y Eddie continuaron, y esto causó fricciones con otros miembros de la banda, Billy Sheehan fue tentado por Eddie a entrar en la banda en lugar de Michael Anthony.

“1984” (lanzado el 9 de enero de 1984) fue un éxito comercial, cinco veces platino después de un año de lanzamiento alcanzando el puesto número 2 en las listas de Billboard detrás de “Thriller” de Michael Jackson. Grabado en los recién construidos 5150 Studios de Eddie, el álbum incluía teclados, que solo se habían usado esporádicamente en álbumes anteriores. El sencillo principal, “Jump”, se convirtió en el primer y único éxito pop número uno de la banda con Roth, lo que les valió una nominación al Grammy. Durante el Tour de “1984”, Roth decidió separarse de la banda. Los miembros del grupo han dado diferentes razones para la separación, pero todos estaban firmemente arraigados en el control del sonido, la dirección artística, los sencillos lanzados y el ritmo de la banda.

“Y Diamond Dave dijo adios”

Van Halen tuvo serias dificultades para encontrar un reemplazo para Roth. Para colmo la compañía les aconsejó abandonar el nombre de Van Halen, a lo que Eddie y Alex Van Halen se negaron. Los hermanos y Michael Anthony incluso consideraron tener una serie de cantantes temporales en el álbum para reemplazar a Roth, (Eric Martin y Jimmy Barnes entre otros). Eddie invitó a Patty Smyth de Scandal a reemplazar a Roth, pero ella se negó. También se le ofreció el puesto a Daryl Hall de Hall & Oates pero también se negó. Sin embargo, el ex cantante de Montrose Sammy Hagar consiguió el puesto. El cambio musical fue tan importante que se les empezó a llamar Van Hagar, nombre que según el propio Sammy la compañía veía con buenos ojos.

“5150” (1986), fue un gran éxito, convirtiéndose en el primer álbum número uno de la banda en las listas Billboard. El guitarrista Mick Jones de Foreigner fue contratado como productor, después de que Warner Bros. negara a la banda una libertad creativa total. Para presentar aún más la nueva era de la banda, se colocó un nuevo logotipo de Van Halen en la portada que conservaba elementos del original, pero ahora las líneas que se extendían desde ambos lados de “VH” se envolvían y formaban un anillo. La gira se registró en imágenes y se lanzó en VHS (y mas tarde en DVD) como “Live Without a Net”. OU812 (pronunciado “Oh tu también te comiste uno”) es el octavo álbum de estudio de Van Halen, fue lanzado en 1988. El título provisional era “Bone”, que Alex odiaba. Hagar propuso OU812 después de ver esto en el costado de un camión de reparto en la autopista y encontrarlo divertido (sin embargo, persisten los rumores de que el título era una respuesta encubierta al título del álbum en solitario de 1986 de David Lee Roth, Eat ‘Em and Smile – comételos y sonríe). A pesar de ser un álbum algo mas flojo que “5150” también llego al numero 1 en las listas de éxitos.

“For Unlawful Carnal Knowledge” (F.U.C.K) de 1991 marcó la reconciliación de la banda con el productor Ted Templeman, con quien no habían trabajado desde el álbum “1984”. Debutó en el número 1 en la lista de álbumes Billboard 200 y mantuvo la posición durante tres semanas. La banda ganó el premio Grammy de 1992 a la Mejor Interpretación de Hard Rock con Voz por el álbum. “Live: Right Here, Right Now” lanzado en 1993, es el primer álbum en vivo de Van Halen, con canciones interpretadas durante dos noches en mayo de 1992 en el Selland Arena de Fresno, se lanzó tanto en Cd como en DVD. “Balance” de 1995 es el décimo álbum de estudio de la banda. Alcanzó el número 1 en el Billboard 200 ( su cuarto álbum de estudio número uno consecutivo) y mas tarde, en 2004, el estatus de Triple Platino al vender más de tres millones de copias en los EE.UU. También fue nominado a un Grammy por Mejor interpretación de Hard Rock. Durante la grabación de canciones para la película Twister, los problemas entre Hagar y los hermanos Van Halen se desbordaron. La banda había grabado “Humans Being”, pero Eddie, descontento con la letra de Hagar, retituló la canción y escribió la melodía, algo que molestó a Hagar. Con Hagar en contra de la idea de hacer el proyecto, pero teniendo otra canción para contribuir, los hermanos Van Halen grabaron solos el instrumental “Respect the Wind”, nominada a Mejor Interpretación Instrumental de Rock en los Grammy de 1997.

“¿Guerra de egos o de genios?”

La banda también estaba trabajando en un álbum recopilatorio. Esto origino enfrentamientos entre Hagar y el nuevo manager del grupo, Ray Danniels, (ex cuñado de Alex Van Halen). Hagar se mostró reacio a trabajar en un álbum recopilatorio antes de que saliera un nuevo álbum, pero si el resto de la banda y Danniels insistían en seguir adelante, su preferencia era que debería incluir solo canciones de la era Roth, o como una segunda opción, que deberían lanzarse dos volúmenes, una de las canciones de la era Roth y una de las canciones de la era Hagar. A la vez, las prioridades personales en competencia y las diferencias creativas contribuyeron a aumentar las tensiones interpersonales dentro de la banda, particularmente entre Eddie y Hagar, relación que termino por romperse.

Finalmente en 1996 se publicó “Best Of – Volume I”, primer álbum de grandes éxitos de Van Halen. El álbum no contiene ninguna canción de “Diver Down” de 1982, también incluye el tema que aparece en la banda sonora de Twister, además de dos canciones grabadas para este recopilatorio con el vocalista original David Lee Roth. Van Halen presentó un premio en los MTV Video Music Awards de 1996 y los cuatro miembros originales hicieron su primera aparición pública juntos después de once años. Esto ayudó a llevar la compilación al número uno en las listas de álbumes. En esos días Mitch Malloy se convirtió en el nuevo cantante del grupo, aunque el sueño no duró mucho, ya que el propio Malloy ante los rumores de la reunión de la vieja formación renuncio al puesto de cantante.

“Poco duró la aventura de Cherone.”

Quien si ocupó el puesto de cantante de Van Halen fue Gary Cherone, vocalista de la entonces desaparecida banda Extreme. El resultado fue el álbum “Van Halen III”. Las ventas fueron bajas para los estándares de la banda, y solo alcanzaron una certificación Oro, a pesar de que el álbum alcanzó el puesto número 4 en las listas estadounidenses. La gira resultó decepcionante en términos de asistencia, y tras ella la banda comenzó a trabajar en nuevo material que nunca se editó debido a la marcha (amigable) de Gary Cherone, citando diferencias musicales, aunque es probable que las bajas ventas y la recepción crítica del álbum tuvieran mucho que ver. Posteriormente Eddie citó a Warner como la “responsable” de la salida de Cherone.

En julio de 2004, Van Halen lanzó “The Best of Both Worlds” (certificado platino en Estados Unidos meses mas tarde), una recopilación en doble CD con tres nuevas canciones con Hagar. Estas nuevas canciones se acreditaron a Hagar /Van Halen/Van Halen, lo cual era inusual ya que normalmente se acreditaba a toda la formación, que también incluía a Michael Anthony. Anthony más tarde reveló en entrevistas que Eddie no quería que él fuera parte de la reunión y por esta razón no se le había permitido actuar en las sesiones (explicando su falta de crédito como compositor), con Eddie tocando las partes del bajo en su lugar. La gira fue una de las diez 10 giras más taquilleras de 2004. Después de la gira, todo se vino abajo, tanto Hagar como Anthony admitieron que Eddie tuvo problemas con el alcohol durante la gira, algo que afectó al resto de la banda. Los rumores de una reunión de Roth volvieron a surgir, con Hagar de nuevo fuera de la banda y Michael Anthony admitiendo que los hermanos no lo querían en la gira de reunión de 2004 (actuó por insistencia de Hagar) y que en el álbum “Van Halen III”. En 2006 Anthony fue reemplazado como bajista por el hijo de Eddie, Wolfgang Van Halen. En enero de 2007, Van Halen fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll . Los hermanos Van Halen, Anthony, Hagar y Roth fueron admitidos, aunque solo Hagar y Anthony aparecieron en la ceremonia.

“La vuelta de Roth y la incorporación de Wolfgang”

Después de casi 10 meses de especulaciones y rumores, Van Halen (y Roth) anunciaron que la banda iría de gira por Norteamérica. La gira se inició el 27 de septiembre de 2007. En medio de los rumores de que Eddie estaba de vuelta en rehabilitación, se pospusieron varias fechas de la gira, la razón oficial fue la necesidad de realizar procedimientos médicos a Eddie. La gira de reunión con Roth fue la más taquillera en la historia de la banda, recaudando casi 93 millones de dólares. El nuevo álbum de estudio de la banda, titulado “A Different Kind of Truth”, fue lanzado en 2012, convirtiéndose en el primer lanzamiento de estudio de Van Halen desde 1998 y el primero con Roth como voz principal desde 1984. El álbum debutó en el número 2 en la lista de álbumes Billboard 200 y la gira fue todo un éxito (a pesar de los 150 dólares por entrada) con la mayoría de shows “sold out”. Las leyendas del R&B, Kool and the Gang, fueron elegidas por el (por Roth) para abrir las dos primeras etapas de la gira de Van Halen. El grupo pospuso bastantes fechas que mas tarde fueron canceladas, alegando cansancio y que no había ningún tipo de problema en la banda.

“Hasta siempre maestro”

Van Halen lanzó “Tokyo Dome Live in Concert” en 2015, su primer álbum en vivo con el vocalista original David Lee Roth. El 6 de octubre de 2020, el hijo de Eddie, Wolfgang, anunció en su cuenta de Twitter que Eddie había muerto de cáncer. Su muerte se produjo sólo diez días después de que el bajista original de Van Halen (antes de ser Van Halen), Mark Stone, muriera de cáncer.

“Absolutely no brown ones”

Algo muy curioso de los “caprichos” de Van Halen es la historia de los M&Ms marrones. Las complejas demandas técnicas de una gira de Van Halen tuvieron un efecto secundario en las giras de música moderna, especialmente a través del contrato técnico del concierto (Rider), donde se especifica todo el material que una banda necesita para su show como la energía, la seguridad, el sonido, las luces, etc. Pues bien Van Halen añadió por separado, en un área diferente del contrato que en su camerino se colocaría un tazón de M&Ms y que todos los M&Ms marrones debían ser eliminados. Esto se hizo no porque la banda quisiera hacer demandas caprichosas, sino más bien como una prueba para ver si los requisitos del contrato técnico se habían tenido en cuenta. Si el tazón, sin M&Ms marrones estaba presente, entonces la banda, la gerencia y el equipo podrían asumir con seguridad que se cumplían los requisitos técnico; a la inversa, si faltaba el cuenco, o había M&M’s marrones, entonces la gerencia de Van Halen estaría en su derecho de que su equipo inspeccionara el trabajo, lo rehiciera o incluso cancelara el concierto.

Van Halen ha vendido 56 millones de álbumes en los Estados Unidos y más de 80 millones en todo el mundo, lo que los convierte en uno de los grupos más vendedores de todos los tiempos. Desde 2007 Van Halen es una de las cinco bandas de rock con dos álbumes de estudio en vender más de 10 millones de copias en los Estados Unidos, además de conseguir 13 números uno en Billboard’ s Mainstream Rock. Van Halen ha sido todo un referente para cientos de bandas y músicos de todo tipo de estilos no solo dentro del hard rock. Eddie Van Halen fue sin duda uno de los mas grandes ( o el mas grande) guitarrista de totos los tiempos…y como no, colaboro con el artista Pop mas grande de la historia…Michael Jackson.

“Beat it”, tema que apareció en el sexto álbum de estudio de Michael Jackson, Thriller (1982). Jones animó a Jackson a incluir una canción de rock en el álbum, aunque Jackson nunca antes había mostrado interés en el género con el tiempo incluyó guitarristas del mundo del rock (Steve Stevens, Jennifer Batten, Orianthi). Ha Eddie Van Halen se le pidió participar con un solo de guitarra (por el que no cobró)Cuando Jones lo contactó inicialmente, Van Halen pensó que estaba recibiendo una llamada de broma. “Beat It” recibió los premios Grammy de 1984 a la grabación del año y la mejor interpretación vocal de rock masculino (¿rock?), así como dos premios de la música estadounidense. Alcanzó el número uno en el Billboard Hot 100, permaneciendo allí durante tres semanas. También se ubicó en el número uno en la lista Billboard Hot Black Singles. En el Billboard ocupó el puesto número 5 en 1983 y está certificado cinco veces platino en USA, con más de 7 millones de copias vendidas en todo el mundo lo que le coloca como uno de los sencillos más vendidos de todos los tiempos. Además de Eddie, Jackson se “rodeo” de la mitad de músicos de otra famosa banda de rock, Toto.

Banda formada en 1977 por David Paich (teclado) y Jeff Porcaro (batería) junto a David Hungate (bajo), Steve Lukather (guitarra), Steve Porcaro (teclado) y Bobby Kimball (voz) y que ha sabido combinar como nadie elementos de pop, rock, soul, funk, rock progresivo, hard rock, R&B, blues y jazz. La banda disfrutó de un gran éxito comercial a fines de la década de 1970 y 1980, comenzando con el debut homónimo de la banda lanzado en 1978. Con el lanzamiento del aclamado por la crítica y comercialmente exitoso “Toto IV” (1982), Toto se convirtió en uno de los grupos de música más vendidos de su era. Toto ha lanzado 14 álbumes de estudio y ha vendido más de 40 millones de discos en todo el mundo. El grupo ha sido galardonado con varios premios Grammy y fue incluido en el Museo y Salón de la Fama de los Músicos en 2009. Y con uno de sus músicos continuamos, el guitarrista Steve Lukather.

Guitarrista, cantante, compositor, arreglista y productor de discos estadounidense, mas conocido como miembro de Toto desde su fundación hasta la actualidad. Lukather, un prolífico músico de sesión, ha grabado pistas de guitarra para más de 1.500 álbumes que representan una amplia gama de artistas y géneros. También ha contribuido a exitosos álbumes y singles como compositor, arreglista y productor. En particular, Lukather fue un destacado colaborador de varios álbumes de estudio de Michael Jackson, incluido Thriller (1982). Lukather ha lanzado siete álbumes en solitario, el último de los cuales, “Transition” , fue lanzado en 2013. Lukather ha sido nominada a doce premios Grammy y ha ganado cinco. Si bien su trabajo con Toto se basó en el pop rock su trabajo en solitario se adentra en el rock progresivo y el hard rock, también muchos de los proyectos paralelos de Lukather se centran en el jazz fusión. Mantuvo una larga colaboración con el guitarrista de jazz Larry Carlton, y fue miembro de la banda de jazz fusión Los Lobotomys, una colaboración de destacados músicos de sesión. Desde 2012, Lukather ha estado de gira con el supergrupo en vivo del ex batería de los Beatles Ringo Starr, la All-Starr Band. Pero nos centramos en su tercer álbum de estudio “Luke” lanzado en 1997, un álbum mucho más diferente y más introspectivo, reflejo de las muchas influencias musicales de Lukather, donde contó, entre otros, con sus compañeros de banda Simon Phillips y David Paich, el batería Gregg Bissonette y el bajista, (compositor de varios de los temas del álbum), Phil Soussan, conocido por su paso por la banda de Ozzy y miembro de esta banda llamada Beggars & Thieves.

Banda compuesta inicialmente por el vocalista Louie Merlino, el guitarrista Ron Mancuso, el bajista Phil Soussan y el batería Bobby Borg, quienes publicaron su primer álbum homónimo en 1990. Phil Soussan y Bobby Borg abandonaron la banda tras realizar algunas fechas de la gira. En 1991 la banda continuo como trio con Louie Merlino en la voz principal, Mancuso en el bajo y la guitarra y el recién llegado Bobby Chouinard en la batería. Con esa nueva alineación más el nuevo teclista Alan St. John la banda grabó su segundo álbum, pero el movimiento grunge explotó comercialmente en esos días y la compañía discográfica dejó a la banda sin lanzar ese segundo álbum. En 1997, el segundo álbum de Beggars & Thieves, “Look What You Create”, se lanzó de forma independiente en MTM Music, dos años más tarde, en 1999, nuevamente en MTM Music, la banda lanzó su tercer CD llamado “The Grey Album”. Sammy Mangiamele reemplazó al batería Bobby Chouinard, quien no pudo terminar su trabajo en ese álbum, lamentablemente, Bobby Chouinard moriría el 8 de marzo de 1997. Su ultimo, “We Are The Brokenhearted” de finales de 2011, cuenta con la colaboración de otro ex Ozzy, el guitarrista Jake E. Lee, quien curiosamente comparte banda con el bajista y guitarrista de Beggars & Thieves, Ron Mancuso en este grupo llamado Red Dragon Cartel.

Banda formada en 2013 por el guitarrista Jake E. Lee. Su álbum debut homónimo fue lanzado en enero de 2014 y contaba con Darren James Smith (batería de Harem Scarem), Ronnie Mancuso al bajo (guitarra de Beggars and Thieves que en esta ocasión se encarga de machacar las cuatro cuerdas), y el batería Jonas Fairley. En 2018 la banda publica “Patina”, un trabajo menos “variado” que su debut y mas definido en lo musical, centrándose en ese hard rock con “alma bluesy” de los 70 tan peculiar de Lee. Su ultimo trabajo cuenta con las incorporaciones de Anthony Esposito al bajo y Phil Varone a la batería. Precisamente con este ultimo continuamos y la banda en la que militó, Saigon Kick.

Formados en 1988 por el vocalista Matt Kramer, el guitarrista Jason Bieler, el bajista Sean Puckett y el batería Phil Varone. Durante la grabación de su primer álbum, Puckett se fue y fue reemplazado por Tom DeFile. Su álbum homónimo fue lanzado en 1991. Su segundo álbum, “The Lizard”, lanzado en 1992, generó el único single de éxito de la banda en entrar en el Billboard Hot 100 en los Estados Unidos, ” Love Is on the Way “, que alcanzó el puesto 12. Justo antes de que comenzara la gira el bajista Tom DeFile fue despedido, siendo reemplazado por el ex bajista de Cold Sweat, Chris McLernon. Finalmente, en 1996 “The Lizard” fue certificado oro, su único álbum en lograr una certificación. Durante la grabación de su tercer trabajo “Water” (1993), Matt Kramer abandonó el grupo debido a la dirección que la banda estaba tomando tanto musical como estilísticamente. Con Kramer fuera, Bieler decidió hacerse cargo de todas las tareas vocales además de tocar la guitarra en el álbum. El guitarrista Pete Dembrowski fue contratado para la gira. El álbum vendió mucho menos que el álbum anterior, y Atlantic decidió dejar la banda en 1994. Con esta formación publicaron su cuarto álbum “Devil in the Details” realizando una gira con gran éxito a nivel mundial, particularmente en el sudeste asiático. En 1997 la banda intentó reunirse con Matt Kramer de nuevo, en esos días Phil Varone ya había dejado la banda siendo reemplazado por Ricky Sanders. Se grabó una nueva canción lanzada en “Moments from the Fringe” (1998), un álbum recopilatorio de demos y rarezas. Al final la “reunión” no duró mucho. Bieler, Dembrowski y Sanders grabarían el último álbum de Saigon Kick, “Bastards” , para su lanzamiento en el Lejano Oriente en 1999. Los tres decidieron entonces retirar el nombre de Saigon Kick y reorganizarse como Super TransAtlantic.

Bieler, Pete Dembrowski y el batería Rick Sanders debutaron como Super TransAtlantic en 1999 con su sencillo “Superdown”, que apareció en la banda sonora de “American Pie”. Su primer álbum, “Shuttlecock”, apareció el año siguiente, con un estilo pop-punk-rock tan de “moda” en USA. Completa la banda el bajista Pat Batger, quien fuera miembro de esta popular banda de los 90 llamados Extreme.

Formados en 1985 por el vocalista Gary Cherone y el baterista Paul Geary. El guitarrista Nuno Bettencourt se unió al grupo en 1985, seguido por el bajista Pat Badger en 1986. La banda publicó su álbum debut homónimo en 1989. Las ventas del primer disco fueron suficientes para respaldar un segundo lanzamiento en 1990, “Extreme II: Pornograffitti”, alcanzando el puesto número 10 en el Billboard 200, siendo certificado oro en mayo de 1991 y doble platino en octubre de 1992, año en que apareció su tercer álbum “III Sides to Every Story” que fue un fracaso comercial (solo vendió alrededor de 700,000 copias, en comparación con el doble platino Pornograffitti ), todo ello alimentado por la creciente tendencia de bandas de grunge. Dos años mas tarde, Geary dejó la banda. Mike Mangini lo sucedió en la batería grabando en 1995 “Waiting for the Punchline”, el álbum no fue un éxito de ventas y Extreme se disolvió después de la gira en 1996 de forma amistosa. De 2004 a 2006 la banda, con su formación clásica, se reunió para algunos shows. En 2008 publicaron “Saudades de Rock” con Kevin Figueiredo en la batería. En 2010 editan en DVD “Take Us Alive”, álbum en vivo grabado en el House of Blues en Boston el 8 de agosto de 2009. En 2016, la banda lanzó “Pornograffitti Live 25: Metal Meltdown”, un cd/dvd de su concierto de 2015 en el Hard Rock Casino de Las Vegas. Además del concierto incluye un documental titulado “Rockshow”, que repasa su carrera con entrevistas exclusivas y filmaciones de los años 80. En 1996, Gary Cherone se unió a uno de los grupos de rock más grandes del mundo, nuestros protagonistas de este blog, Van Halen.

Y con esto me despido, espero que os haya gustado el blog de este mes. Recuerda, sube el volumen y disfruta!!!…Un saludo. Chao.

Programa Nº 24

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Bienvenidos y bienvenidas al 2º aniversario del podcasd y el blog de Rock en Cadena. Dos años desde que esta “locura” empezó a rodar, y en los que hemos “destripado” a bandas de todo tipo, desde Europe a Metallica pasando por clásicos como Deep Purple o grupos mas “modernos” como Dream Theater. Esta vez toca el turno a una de las mejore bandas de Hard Rock de España, Sangre Azul. Comenzamos.

Banda formada en 1982 en Pinto, localidad cercana a Madrid, donde comienzan a tocar versiones de sus bandas favoritas para mas tarde centrarse en sus propias composiciones. En 1985, con José Castañosa “Lili” a la voz ex Triton (y ganador del V Villa de Madrid), J.A. Martin y Carlos Raya a las guitarras, Julio Díaz, ex Mazo y ex Santa (grabando su primer álbum) al bajo y Luis Santurde a la batería, deciden participar en la octava edición del prestigioso concurso Villa de Madrid, ganando el primer premio. El premio les da la oportunidad de grabar un L.P compartido con el resto de finalistas (Esfinge y Furia Animal, 2º y 3º premio respectivamente). Sangre Azul grababa cuatro canciones y los otros dos grupos dos cada uno.

Con “Lili” (en el centro), en los inicios de la banda

La banda no queda contenta con el resultado del L.P y graba un E.P también con Fonomusic al que titulan “Sangre Azul” con las mismas cuatro canciones (“Rey de la ciudad”, “Chicas, Whisky y Rock & Roll”, “Todo mi mundo eres tú” y “Rock & Roll es libertad”) además de un videoclip (nunca emitido). Como dato curioso Luis Santurde aparece como Luis Ortega.

Poco después “Lili”, abandona la banda, quien a pesar de ser “dueño” del nombre de la banda no pone reparos a sus ex-compañeros para continuar usándolo. Su sustituto es Tony, quien fuera vocalista de Muro. Con esta entrada la banda gana muchos enteros y consiguen contactar con el famoso manager Javier Gálvez consiguiéndoles numerosas actuaciones por Madrid, lo que les sirvió para costearse la grabación de lo que seria su primer L.P., grabado en septiembre de 1986 en los Mediterraneo Studios de Ibiza, con Dennis Herman como ingeniero de sonido.

La formación que grabó “Obsesión”

Sus entonces managers, el veterano Javier Gálvez y Ángel Vallecas, negociaron junto al road manager, el argentino Darío McBrian, un contrato con Hispavox. El propio McBrian firmó la producción ejecutiva de su primer trabajo, “Obsesion”, editado en 1987, con un estilo poco habitual en España (desafortunadamente) al estilo de bandas como Dokken, Bon Jovi, Europe o Whitesnake, además de una muy cuidada imagen, avalada además por una gran calidad. La versión en cassette añadía al repertorio una de sus canciones más conocidas, “El rey de la ciudad”, interpretada por Tony. Con este trabajo se dan a conocer en todo el territorio nacional, siendo el grupo revelación y girando por toda la geografía española con un existo tanto de público como de crítica.

Con Juanjo Melero (primero por arriba)

En 1988 se publica “Cuerpo a Cuerpo”, que gracias a los resultados comerciales de su debut permitieron que este gozara de un buen presupuesto de grabación. La producción mejoró bastante, con un sonido mas melódico y comercial, con la inclusión de algunos teclados en varios temas. Este “cambio” les sirvió para darse a conocer a otro tipo de publico al aparecer tanto en televisión como en radios comerciales. Poco después de la publicación de este disco, J.A. Martín abandonaba el proyecto que él mismo ayudó a fundar, siendo sustituido por Juanjo Melero, de Marshal Monroe, banda muy en la onda de sus nuevos compañeros. Como dato curioso tiempo después J.A. Martin formó parte de Marshal Monroe.

Tras el éxito de “Cuerpo a Cuerpo” la banda regresa a los Mediterraneo Studios para registrar “El Silencio de la Noche” (1989), un trabajo donde Sangre Azul da un salto de calidad tanto en producción, ejecución y letras, además de incorporar aun mas el sonido del teclado, de nuevo a cargo de M.A. Collado. Pero la “época” no ayudo en absoluto, desde EE.UU. venían “vientos de cambio” para una nueva década donde el Hard Rock sería desplazado por el grunge, además en España sonidos mas “callejeros” (Barricada, Boikot, Porretas) copaban el mercado. Durante dos años (1990-1991) Sangre Azul la dedica a los directos, compartiendo incluso una gira con Angeles del Infierno y Manzano, en un esfuerzo por revitalizar el Hard Rock en España. Su primer destino internacional fue Francia, donde estaban teniendo una tímida aceptación, pero la gira no salió como se esperaba (con accidente incluido de un autobús lleno de fans en un viaje de Madrid a Paris). De nuevo con Angeles del Infierno, Sangre Azul cruza el charco y realiza una gira por México abriendo para ellos, además de algunos shows en solitario incluyendo alguna fecha en EE.UU. Allí contrastaron su situación en España -donde el Rock continuaba sumido en la más absoluta marginación social y mediática- respecto al privilegio de la música en Sunset Blv. Melero lo vio tan claro que no dudó en quedarse a vivir en Los Angeles. El resto del grupo regresó a Madrid donde comenzó a trabajar en nuevos temas con un enfoque mas maduro alejado del sonido que tanto éxito les dio, la compañía no vio con buenos ojos el cambio y se negó a publicar un nuevo trabajo a la vez que les negaba la carta de libertad. En esos días graban “Sangre y Barro”, tema que aparece en el primer recopilatorio del programa de radio de El Pirata (Emisión Pirata 1), con una letra escrita por el propio locutor donde narra el accidente sufrido en un viaje organizado por su programa para ver a Sangre Azul en Francia.

Son momentos duros para Sangre Azul, y en 1992 deciden rendirse y dar por terminada la banda. Sin duda Sangre Azul ha sido la banda mas grande que España a dado al Hard Rock aportando un calidad comparable a cualquier banda “yanki”, Tony tenia una imagen y una voz perfecta para el estilo, Carlos Raya podía pasar por un “guitar hero” de la talla de George Lynch o Adrian Vandenberg, Melero era el compañero ideal y Julio y Luis aportaban una solida base a unos temas con una calidad impresionante. En 2008 la banda aparece en el concierto presentación del álbum en solitario de Juanjo Melero interpretando dos de sus temas mas clásicos, “Cuerpo a Cuerpo y “Tal Como Soy”, lo que levanta gran expectación ante una posible reunión (algo que en mi humilde opinión jamás sucederá).

Y precisamente con Juanjo Melero continuamos, quien tras su aventura por EE.UU, regreso a España y formó la banda Santa Fe.

Santa Fe se forma en 1993, tras la vuelta a España de Juanjo Melero, influenciado por la escena local de L.A. e impactado por bandas como Faith No More o Living Colour . En 1993 se publica su primer y único disco homónimo producido por Steve Taylor, quien fuera productor de Sangre Azul. Antes de firmar por una multinacional y debido a problemas internos en el grupo, Santa Fe se disuelve. Además de Melero a la guitarra, el grupo estaba formado por Susana Ruiz a la voz, Alex García al bajo y Alberto Madrid a la batería quien fuera miembro de esta conocidísima banda llamada Sôber.

Grupo fundado en 1994 por Carlos Escobedo (bajo y voz) y Antonio Bernardini Guitarra), a los que se les unieron Jorge Escobedo (guitara) y Elías Romero (batería). En 1996 y bajo el nombre de Sôber Stoned publican su primer trabajo titulado “Torcidos” En 1998, Luis Miguel Planelló sustituyó a Elías Romero, y tras grabar el álbum “Morfología” en 1999, (primer trabajo como Sôber) Planelló abandonó la banda y fue reemplazado por Alberto Madrid, quien permaneció en la banda hasta 2005. Ese mismo año decidieron separarse, lanzando un álbum recopilatorio de sus mejores canciones. En 2010 la banda regresa anunciando a Manu Reyes como nuevo integrante, remplazando en la batería a Alberto Madrid (quien falleció en 2006 a causa de un accidente de motocicleta). Junto a su regreso se publicó el álbum “De Aquí A la Eternidad”. Su álbum más reciente, el directo “La sinfonía del Paradÿsso”, fue lanzado en 2018. Hasta la fecha, la banda ha editado ocho discos de estudio. Alcanzaron el éxito al editar “Paradÿsso”, con el que vendieron más de 45.000 copia, alcanzando el disco de oro y de platino. Durante el tiempo que Sôber esta inactivo, los miembros del grupo crean dos bandas paralelas, Savia, proyecto de Carlos Escobedo al que acompaña Alberto Madrid a la batería y Skizzo, formada por los guitarristas Jorge Escobedo y Antonio Bernardini, con la cual continuamos.

Jorge Escobedo y Antonio Bernardini, guitarristas procedentes de Sôber, formaron Skizoo en 2004 junto a Morti a la voz (Fantástico Hombre Bala), Dani Pérez a la batería (Saratoga y Stravaganzza) y Daniel Criado al bajo (XXL), quien tras la publicación del debut discográfico abandona la banda siendo sustituido por Edu Fernández (Stravaganzza). El primer álbum de la banda, “Skizzo” (2005), lanzado por una compañía independiente, y sus dos primeros singles (“Renuncia al sol” y “Habrá que olvidar”) fueron bien recibidos por la critica y el publico, llegando a ocupar el Nº1 en la lista de ventas durante varias semanas. En 2006 ficharon por EMI y reeditaron su primer álbum con la colaboración de Bunbury a las voces en el tema “No todo está perdido”. Además añadieron una versión de la canción “Entre dos tierras”, de Héroes del silencio, dos remixes y un DVD con imágenes de la primera gira. Un año después se lanza “Incerteza”, acompañado de un DVD con un “making of” de la grabación de del álbum. A principios de 2008 comunican su salida de la multinacional EMI, aun así, y de nuevo con una compañía independiente, llega “3” su ultimo trabajo en estudio, al poco de su lanzamiento se anuncia la salida de Dani Pérez y Edu Fernández por motivos personales. El grupo recluto a Iván Ramírez (batería de los desaparecidos Ebony Ark) y a José Hurtado (bajista de Coilbox). El grupo se despidió de sus fans (poco antes de la vuelta de Sôber) con la publicación del C.D “La cara oculta” (2008), formado por rarezas, maquetas, colaboraciones y remixes creadas a lo largo de toda la trayectoria de la banda y no publicadas anteriormente. El 17 de agosto de 2009 Skizoo anunció el parón definitivo en su carrera. De nuevo uno de los miembros del grupo nos lleva a nuestro siguiente artista, Edu Fernández y , en este caso, al solista que acompaña actualmente, Leo Jiménez.

Tras su triunfal paso por Saratoga y su proyecto de banda/solitario LEO/037, del cual no salió demasiado contento, Leo decide centrarse plenamente en su carrera en solitario bajo el nombre de Leo Jiménez. En 2013 publica su primer trabajo “Animal Solitario”, un trabajo donde refleja una variedad de estilos dentro del Heavy Metal, en el que se hace acompañar por Edu Fernández (bajista y ex- Skizzo y Stravaganzza), Antonio Pino (guitarrista y ex- Ankhara) y Carlos Expósito (batería y ex- Jorge Salán, Stravaganzza). En 2015 aparece el doble DVD y doble Cd “20 años tras el Apocalipsis”, un trabajo donde repasa sus veinte años de profesión con un par de directos (DVD), además de un CD de “rarezas” y otro directo mas. En ese momento se incorpora a la banda el guitarrista Rufo Cantero (Dulcamara). En 2016 presenta su disco “La factoría del contraste”, cuya producción reúne los estilos por los que el artista ha pasado durante toda su carrera: desde el heavy metal de Saratoga, Stravaganzza, el death metal de Supra, el hard-rock de LEO/037, hasta versiones vocales de artistas de otro género y trabajos paralelos como su paso por Jesucristo Superstar, en el papel de Jesucristo. “Mesias”, su ultimo trabajo publicado en 2019 es un claro paso hacia sonidos mas duros y oscuros, dejando atrás el heavy/hard con el que tantos éxitos cosechó. Antonio Pino, guitarrista que acompaña a Leo desde su primer trabajo en solitario, nos lleva a nuestra siguiente banda llamada Ankhara.

Banda formada en 1995 en Madrid por Antonio Pino y Cecilio Sánchez a las guitarras, Sergio Martínez al bajo, Jesús Alcalde a la batería y Pacho Brea a las voces, con claras influencias de Power Metal y Metal Progresivo. Es en Madrid donde comienzan a recorrer el circuito de pequeños locales de la escena del metal para poco a poco saltar al resto de España apareciendo en festivales o acompañando a bandas de renombre. En 1999 editan su primer disco “Dueño Del Tiempo” y un año mas tarde “II”. En 2003 Jesús Alcalde (batería) se retira del grupo y Sergio Martínez (bajo), pasa a formar parte de Mägo de Oz. Los nuevos miembros del grupo son Jaime Olivares a la batería y Fernando Mainer al bajo, además de añadir un teclista al grupo, Victor Alonso. Ese mismo año publican “Sombras del Pasado”, un disco más cercano al Metal Progresivo que sus dos trabajos anteriores. En junio de 2004 Ankhara decidió separarse. En 2007 se publicó un disco recopilatorio con el nombre “Lo Mejor De Ankhara”. A principios de 2013 Ankhara anuncia su vuelta con Pacho Brea (voz), Cecilio Sanchez-Robles (guitarra), Alberto Marin (guitarra, quien fuera miembro de la banda en sus orígenes), Sergio Martinez (bajo) y Jesús Alcalde (batería). En 2015 sale a la venta el directo “Dueños del Tiempo”, concierto grabado en Madrid un año antes, donde el grupo puso punto y final a la reunión. En 2017 Jesús Alcalde (batería) abandona la banda por motivos personales siendo remplazado por Matt de Vallejo quien graba el ultimo trabajo de Ankhara , “Sinergia” (2018). Lo curioso de esta banda es que sus dos bajistas han pertenecido a la banda con la que continuamos, Magö de Oz.

Banda de Folk Metal fundada en 1988 por el batería Txus di Fellatio, lider (para lo bueno y lo malo) del grupo. Saltaron a al fama en 1998, con el disco “La leyenda de La Mancha”, llegando a las listas de éxitos musicales de España. La fama del grupo y su éxito, tanto en la prensa especializada como en los medios convencionales a nivel nacional e internacional, especialmente en Hispanoamérica, se hizo aún mayor tras la publicación del disco “Gaia” en 2003, siendo el primer trabajo de una trilogía conceptual completada con los discos “Gaia II: La voz dormida” en 2005 y “Gaia III: Atlantia en 2010”, de igual o mayor éxito. En el 2008, se les entregó el disco de diamante por superar el millón de copias vendidas de toda su obra discográfica solamente en España. Se calcula que habrían vendido más de dos millones de discos entre España y Latinoamérica hasta el año 2013. Se podría hablar mucho de Magö de Oz, pero tal vez sea mejor esperar a un episodio dedicado a ellos (todo se andará). Es evidente que Mago es actualmente, polémicas aparte, la banda mas grande que existe en España (ventas, directos, puesta en escena) y sin duda uno de sus artífices sea su cantante original, José Andrea, quien tras su marcha del grupo formó José Andrëa y Uróboros.

Formado a inicios del año 2012 por el ex vocalista de Mägo de Oz, Jose Andrëa, junto a dos ex miembros más del mismo grupo: el teclista Sergio Cisneros «Kiskilla» y el bajista Pedro Diaz «Peri», acompañados por el guitarrista Juan Flores «Chino» y el batería Juanjo Frontela. Ese mismo año salió al mercado, el primer disco de nombre homónimo a la banda “Uróboros” que va desde el Folk Metal y Heavy Metal hasta a géneros como el Metal Gótico, Metal Sinfónico y Power metal. En 2015, se sumó José Rubio, grabando el segundo disco de la banda, “Resurrección”, con un sonido más potente que al anterior álbum con más presencia del Hard Rock. . Teto Viejo (batería) ingresó a la agrupación en 2016, y posteriormente, el violinista mexicano Santiago Vokram y el flautista Fernando Ponce de León, antiguo miembro de Mägo de Oz. En 2018 sale a la venta el primer álbum en directo de la banda “La Paz, donde todo es posible”, grabado en 2016 en la ciudad natal de José Andrea, La Paz (Bolivia).”Bienvenidos al medievo” (2019) es hasta la fecha su ultimo trabajo. Su segundo trabajo contó con el mítico Bernardo Ballester a la batería, miembro de la también mítica banda con la que continuamos, Santa.

Santa, banda de la que ya hablamos en el episodio dedicado a Barón Rojo https://rockencadena.home.blog/2019/02/03/programa-no4/ . En el primer álbum de la banda “Resurreccion” aparecia el bajista Julio Diaz, quien abandonó Santa, para entrar a formas parte de la banda a la cual dedicamos este episodio, Sangre Azul.

Y con esto me despido de vosotros, pero antes daros las gracias por estos dos maravillosos años de blog y podcast, un millón de gracias por leerme y escucharme, seguiremos en la lucha!!!…y recuerda, sube el volumen y disfruta!!

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