Episodio Nº37

Ir a descargar

Bienvenidos y bienvenidas al blog de Rock en Cadena. Comenzamos el año con una de las bandas mas populares de la escena del Glam Metal americano de mediados de los 80. Su imagen y sobre todo sus letras fueron objeto de amor y odio a partes iguales, convirtiéndose en la primera banda de rock cristiano en llamar la atención del mundo del heavy metal. Ellos son Stryper.

De Roxx Regime a Stryper.

«Eric Johnson, Robert y Michael Sweet (1981)»

Alrededor de 1978/79 los hermanos Sweet, Michael (voz y guitarra) y Robert (batería) ya tocaban en salas de Hollywood bajo el nombre de Roxx junto al bajista Eric Johnson y el guitarrista Richard Ordoubeghan (aunque se dice que el primer nombre que utilizaron fue Firestorm). Ya en los 80 cambian a Roxx Regime para evitar confusiones con otra banda. El guitarrista Richard Ordoubeghan, fue uno de esos integrantes que salió antes de iniciarse el grupo dejando a Roxx Regime como trio. En 1982 Eric Johnson abandona el grupo, uniéndose dos nuevos miembros: John Voorgees (bajo) y Scott Lane (guitarra). Con el nombre de Roxx Regime, la banda comenzó a tocar en clubes nocturnos de Los Ángeles, compartiendo escenario con bandas como Bon Jovi, Poison, Ratt, Motley Crue o Metallica.

«Michael Sweet, Scott Lane, John Voorgees y Robert Sweet»

Inspirándose en bandas como Van Halen, pero no conformes con su mensaje, los hermanos Sweet deciden enfocar a la banda hacia su visión de la vida cristiana y sus fuertes creencias religiosas. Mas adelante el guitarrista Richard Martinez (mas conocido como Oz Fox) se unió a la banda. Antes, varios guitarristas estuvieron a las puertas de unirse a Roxx Regime, incluidos Doug Aldrich (Dio, Whitesnake) y C.C. DeVille (Poison). Poco después entra en la banda el bajista Tim Gaines, completando así la formación «clásica» de la banda.

«Tim, Robert, Michael y Oz antes de convertirse en Stryper»

Al mismo tiempo el grupo decide cambiar su nombre a Stryper, sacado de un pasaje de Isaías 53:5 de una versión de la Biblia conocida como «King James Version» (una traducción al inglés de la Biblia cristiana para la Iglesia de Inglaterra, que se encargó en 1604 y se publicó en 1611, por encargo del rey Jacobo VI de Inglaterra). En una de las partes del pasaje dice: «By His stripes we are healed» (por sus heridas fuimos sanados). El batería Robert Sweet creo un anacronismo del nombre de la banda: «Salvation Through Redemption, Yielding Peace, Encouragement and Righteousness» («la salvación por medio de la redención, que da paz, aliento y justicia»). La banda atrae la atención del sello Enigma, que los ficha, sugiriendo un cambio de nombre, cosa que no es aceptada por la banda. El 21 de julio de 1984, lanzaron el E.P «The Yellow and Black Attack» que incluia seis canciones, y del que se imprimieron menos de 20.000 copias, ya que su sello no estaba seguro del mercado potencial del metal cristiano. Durante este período, Stryper abrió para bandas como Ratt y Bon Jovi, lo que llevó a algunos fans y críticos a afirmar que no eran una verdadera banda cristiana.

Primer álbum y directos a la fama.

El primer álbum de larga duración de Stryper, «Soldiers Under Command», lanzado el 15 de mayo de 1985, fue el primer disco de oro de la banda, convirtiéndose además en el primer álbum de metal cristiano en alcanzar dicha distinción. El álbum se publicó originalmente en vinilo blanco. Aprovechando este inesperado éxito, y en un intento de compensar el lanzamiento extremadamente limitado del E.P. anterior, su sello discográfico relanzó «The Yellow and Black Attack» el 10 de agosto de 1986 con dos nuevos temas y una nueva portada. Ese mismo año se publica el video en directo «Live in Japan», filmado el 8 de julio de 1985 durante la gira de Stryper en apoyo de su primer álbum.

El tercer álbum de Stryper, «To Hell with the Devil», fue lanzado el 24 de octubre de 1986 y fue platino después de pasar tres meses en las listas de álbumes de Billboard, finalmente vendió más de 2 millones de copias. Además de ser el disco más exitoso de Stryper, fue tanto el primer álbum de música cristiana contemporánea como de metal cristiano en lograr esta hazaña, y se mantuvo como el disco de metal cristiano más vendido hasta la publicación del álbum de POD «Satellite» de 2001. Los tres sencillos fueron éxitos tremendamente populares de MTV en 1987, siendo de las canciones más solicitadas en el programa Dial MTV. También fueron la segunda banda cristiana en salir en MTV. El sencillo «Honestly» es la canción más alta en listas de Stryper, alcanzando el puesto 23 en las listas Top 40. El álbum recibió una nominación a los Grammy a la mejor interpretación gospel por un dúo, grupo o coro.

«Matt Hurich y sus 15 minutos de gloria»

El bajista Tim Gaines no participó en la grabación de «To Hell with the Devil», al parecer Michel Sweet pensaba que no era el bajista adecuado para la grabación del álbum. Durante un breve período de tiempo antes del lanzamiento del disco fue reemplazado por Matt Hurich. Hurich no estuvo con la banda más de un mes, aunque se le «equipó» con un bajo rayado y un traje de carreras amarillo y negro e incluso aprecio en fotos promocionales del álbum. Finalmente Brad Cobb tocó el bajo en el álbum. Sin embargo, cuando se tomaron las fotos promocionales del álbum, Gaines regresó a la banda y posteriormente participó en su exitosa gira mundial. En 1987, la banda encabezó el Dynamo Open Air Festival en los Países Bajos. A mediados de 1986, Kenny Metcalf (teclista de directo desde los inicios de la banda) abandonó la gira y fue reemplazado por Brent Jeffers, quien luego estuvo de gira con Stryper hasta 1990.

El cuarto álbum de Stryper, «In God We Trust», lanzado el 28 de junio de 1988, también fue oro, y la canción «Always There for You» entró brevemente en los niveles más bajos de las listas de éxitos, alcanzando el puesto 71 a pesar de ser otro gran éxito en MTV. Sin embargo, el sonido del álbum estaba más orientado al pop que los lanzamientos anteriores y varios críticos, así como fans de Stryper, criticaron el disco por estar sobre producido. Además, la imagen de la banda se acercaba aún más al look glam metal de la época, dando a los fans algo más que criticar. Estos factores llevaron a menores ventas, y el álbum pasó solo cinco semanas en las listas de Billboard. El segundo sencillo alcanzó su punto máximo en el puesto 88 y un tercer sencillo ni tan siquiera llegó a las listas. Como en el disco anterior, Tim Gaines no participó en la grabación (Brad Cobb volvió a tocar el bajo) pero luego se reincorporó al grupo para otra gira mundial. In God We Trust obtuvo dos premios GMA Dove (algo así como los Grammys católicos) por «Hard Music Album» y «Hard Music Song» por la canción que daba titulo al álbum.

Declive y ruptura.

«Adios al amarillo y negro»

El 21 de agosto de 1990, Stryper lanzó el controvertido álbum «Against the Law», que cambió drásticamente la imagen y el mensaje lírico de la banda. Si bien todos sus álbumes anteriores tenían colores amarillo y negro en las portadas y la letra hablaba de Dios y la salvación, «Against the Law» presentaba a la banda con ropa de cuero negro y sin ninguna mención de la palabra «Dios» en sus letras. El sonido de la banda también era más pesado, más cercano al metal clásico. El bateria Robert Sweet dijo que el cambio de imagen y sonido fue en respuesta a las críticas del álbum anterior y un intento de dejar atrás su imagen de glam metal. El álbum se vendió mal. Esto se debió en parte a los rumores en la prensa (tanto convencional como cristiana) de que la música de Stryper tenía una tendencia hacia un sonido más convencional a medida que su fe cristiana se debilitaba. Los singles y sus correspondientes videos no tuvieron en MTV la repercusión de antaño. A pesar de todo ello, muchos críticos consideraban el álbum como la mejor producción musical de Stryper hasta la fecha.

El 20 de julio de 1991, después de firmar con Hollywood Records por el ejecutivo del sello Wesley Hein (quien originalmente los había firmado para Enigma Records ), Stryper lanzó una colección de grandes éxitos llamada «Can’t Stop the Rock», que incluía dos nuevas canciones. La banda continuó de gira hasta febrero de 1992, cuando el líder Michael Sweet dejó la banda para emprender una carrera en solitario citando diferencias artísticas. A principios de 1992, Stryper cumplió algunos compromisos en Europa como trío con Oz Fox como voz principal así como dos shows en Estados Unidos con Dale Thompson, vocalista de la banda de metal cristiano Bride, con la esperanza de que se uniera a la banda. Durante uno de los conciertos Robert Sweet anunció inesperadamente que Dale Thompson sería su nuevo cantante principal. Esto, sin embargo, fue luego negado por Thompson. A principios de 1993, la banda tocó en varias fechas europeas más como un trío con su último concierto el 27 de marzo de 1993 en Suiza. Al regresar a los Estados Unidos, los miembros restantes decidieron tomar caminos separados.

Reunión.

En 2000, se llevó a cabo la primera «Stryper Expo» en Nueva Jersey, y por primera vez en 8 años se subió al escenario la alineación completa de Stryper. Ese mismo año, se realizó un concierto en Costa Rica en el que tocaron los cuatro integrantes. Una segunda «Stryper Expo» tuvo lugar en Los Ángeles en 2001. En 2003 Hollywood Records pidió a los ex miembros de Stryper que grabaran pistas para un nuevo grandes éxitos. El recopilatorio fue lanzado ese mismo año bajo el titulo de «7: The Best of Stryper», con el añadido de dos nuevas canciones, marcando la primera música nueva de Stryper desde principios de la década de 1990. A este nuevo lanzamiento le siguió una gira de apoyo, tocando 36 shows en los Estados Unidos y acabando la gira en San Juan, Puerto Rico. En 2004 se lanzó «7 Weeks: Live in America, 2003» el octavo lanzamiento y el primer álbum en vivo de la banda, registrado durante la gira de reunión de la banda en 2003. Además se grabó un DVD en vivo, titulado «Stryper: Live in Puerto Rico» durante su concierto en San Juan, Puerto Rico. En principio debía de acompañar al C.D. Finalmente el DVD se lanzó en septiembre de 2006. Ese espectáculo en Puerto Rico resultó ser el último de la formación original de Stryper ya que Gaines y la banda se separaron en 2004. El bajista Tracy Ferrie lo reemplazó.

La banda decidió continuar de gira en 2004 y en 2005 su publica «Reborn», el primer álbum de larga duración con material nuevo desde «Against the Law» en 1990. «Reborn» estaba programado para ser un disco en solitario de Michael Sweet, pero el resto de la banda lo vio como un disco de Stryper. Michael Sweet convenció a su discográfica (Big3 Records), que lo había contratado para un lanzamiento en solitario, de convertirlo en un contrato discográfico con Stryper. El sonido del álbum es más contemporáneo en comparación con sus discos anteriores. También es más pesado con un sonido más maduro que su material anterior. «Reborn» fue lanzado con una variedad de carátulas, según el formato y la región. La portada alternativa de EE.UU. se creó para los medios discográficos (como las librerías cristianas) donde la portada original podía haber sido percibida como demasiado perturbadora u ofensiva.

El 21 de julio de 2009 se publico «Murder by Pride». Un año antes, el primer sencillo del álbum, «Peace of Mind», debutó en el numero 27 en Christianrock.net el y alcanzó el puesto 1 el 22 de febrero de 2009. La pista es una versión de Boston. Michael Sweet fue miembro de gira de Boston durante varios años, antes de separarse amistosamente en 2011. Robert Sweet no tocó en el álbum porque perdió el C.D. con las demos y no pudo aprender el material a tiempo para grabar. Según Michael Sweet , habría tardado entre siete y diez días más en grabar la batería con Robert, pero no tenían el tiempo ni el presupuesto para hacerlo. Como resultado, Kenny Aronoff grabó las partes de batería en tan solo tres días. Robert Sweet estuvo presente en la gira que apoyó el álbum, así como en la conmemoración del 25 aniversario de Stryper. En 2010 Tim Gaines vuelve a la banda publicando principios de 2011 «The Covering», una colección de doce versiones de bandas que inspiraron y ayudaron a Stryper a dar forma al sonido y la identidad musical de la banda. El álbum también incluye un nuevo tema. La banda, cambio de compañía y firmó un contrato con Frontiers Records quien lanzó en 2013 «Second Coming» con catorce canciones clásicas regrabadas, así como dos canciones nuevas. A finales de año se pone a la venta un nuevo álbum «No More Hell to Pay», de nuevo con un sonido mas moderno y maduro, sin perder las melodías y el sello característico de Stryper. El álbum vendió alrededor de 9,600 copias en los Estados Unidos en su primera semana de lanzamiento, debutando en la posición numero 35 en la lista Billboard 200, siendo el segundo álbum cristiano más vendido la misma semana. En las otras listas, fue el álbum numero 6 más vendido en la lista Top Rock Albums, el numero 3 Top Hard Rock Albums, y se ubicó en el numero 6 en la lista de los álbumes independientes.

En 2014 se lanzó el CD/DVD «Live at the Whiskey», grabado en el mítico Whiskey A Go Go. Un año mas tarde se publica «Fallen». El álbum continua con el sonido de su anterior trabajo. En septiembre de 2016, Michael Sweet anunció que la banda haría una pausa debido a problemas personales que afectaban al bajista Timothy Gaines. La pausa comenzó cuando la banda completó la gira del 30 aniversario de «To Hell With the Devil». Sweet dijo que no continuarán sin Gaines ya que la banda hizo un pacto para permanecer juntos. Gaines confirmó mas tarde que ya no era miembro de la banda. El resto de componentes emitió un comunicado informando que Gaines había sido despedido de la banda. Gaines afirmó que lo habían expulsado de la banda después de recibir un ultimátum. Perry Richardson (ex Firehouse) fue anunciado como el nuevo bajista el 30 de octubre de 2017. en 2018 se publica «God Damn Evil» con John O’Boyle como bajista, ya que Perry Richardson no pudo hacerlo debido a conflictos de programación. El título del álbum («Maldita sea la maldad») fue objeto de controversia y algunas tiendas de música cristiana e incluso la cadena de supermercados Walmart se negaron a vender el C.D.

«Lo mas reciente de Stryper»

En 2020 se publicó «Even the Devil Believes», ultimo trabajo de Stryper hasta la fecha. El guitarrista Oz Fox se sometió a principios de marzo de 2021 a una primera cirugía cerebral para extraer dos tumores que le fueron detectados en 2018. El guitarrista Howie Simon, habitual miembro de la banda de Jeff Scott Soto, sustituyó a Fox en varios conciertos. A día de hoy Fox esta totalmente recuperado. Hace escasamente unos meses Stryper informo de la creación de un documental de la banda en forma de crowfunding, donde además los fans pueden contar sus vivencias y anécdotas relacionadas con el grupo.

Musica, imagen y religion.

«¿De lado se toca mejor?»

Durante la década de 1980, Stryper representó el popular estilo glam metal de la época, caracterizado por interpretaciones altamente visuales, melenas que desafiaban a la ley de la gravedad, solos dobles de guitarra y los gritos agudos de Michael Sweet. Un elemento característico de la banda era que todos sus atuendos, decorados e instrumentos estaban pintados con rayas amarillas y negras. La banda explicó el simbolismo de las rayas: una referencia directa a los latigazos que Poncio Pilato ordeno dar a Jesús. Una característica de los directos de la banda fue la práctica del batería Robert Sweet de girar su enorme batería de lado a la audiencia para que la multitud pudiera verlo tocar.

«Con salmos y proverbios…metal y salvación»

Otra de sus peculiaridades de sus actuaciones era la de arrojar al publico Biblias (ediciones del Nuevo Testamento con las etiquetas adhesivas del logotipo de la banda adheridas a ellas. Como protesta contra los símbolos «666» populares entre muchos fanáticos del heavy metal de la época, Stryper promovió un símbolo numerológico alternativo: el numero «777», que posteriormente se volvió bastante popular entre los metaleros cristianos. Aunque la Biblia no hace referencia al número «777» (a diferencia del 666, que se menciona en El libro de Apocalipsis como El número de la bestia ), el número «777» es tradicionalmente (en el simbolismo cristiano) asociado con la perfección divina. En algunos de los escenarios de la banda aparecen tachados el «666» o la palabra «DEVIL» (diablo).

«El grupo consigue que los huraños fans de Twisted Sister aplaudan y señalen con los dedos rechonchos hacia el cielo, una refutación del saludo con dos dedos de los «cuernos del diablo» de muchos grupos de metal.

Los Angeles Times (1985)

Stryper fue la primera banda de heavy metal abiertamente cristiana en ganar reconocimiento en el mundo de la música convencional. «The Yellow and Black Attack» fue impulsado por el éxito del grupo en Japón, que se debió en gran parte al respaldo de la banda por parte del famoso crítico de rock Masa Itoh, el hombre que gobernó la escena del hard rock/ metal japonés. Itoh había oído hablar de Stryper, se puso en contacto con su manager Daryn Hinton y le gustó lo que escuchó. Cuando le dio a la banda una crítica positiva en la biblia del heavy metal de Japón, la revista ¡Burrn! y «pinchó» el álbum en su programa de radio, Stryper de repente se encontró en la cima del metal en Japón con un disco que estaba vendiendo más que Mötley Crüe, Bon Jovi y todas las demás bandas de metal. Esto llevó a la banda a firma con CBS Sony en Japón. Stryper no ha estado libre de controversias. Muchos críticos cristianos no aprobaron la asociación del grupo con la subcultura del heavy metal, que a menudo se ha asociado con imágenes satánicas. Otros detractores cristianos vieron los llamativos trajes de la banda como incongruentes con la modestia en la vestimenta que a menudo se asocia con los practicantes sinceros del cristianismo devoto. ​​El televangelista Jimmy Swaggart fue especialmente crítico con la banda, comparando la práctica de Stryper de distribuir el Nuevo Testamento en sus shows con «arrojar perlas a los cerdos». Sin embargo, la critica de Swaggart no fue una sorpresa, ya que Stryper fue apoyado por el rival de Swaggart, Jim Bakker, quien aparecía en los agradecimientos de varios álbumes del grupo. Stryper ha vendido más de 10 millones de discos en todo el mundo, y se estima que dos tercios de sus álbumes fueron comprados por no cristianos. El ultimo miembro den incorporarse a Stryper, Perry Richardson, nos lleva a la siguiente banda, FireHouse.

Formados en 1984 por el guitarrista Bill Leverty y el batería Michael Foster miembros de White Heat a quienes se les unieron el vocalista C.J. Snare y el bajista Perry Richardson procedentes de la banda Maxx Warrior. Dado que el nombre de la banda de Leverty y Foster (White Heat) estaba registrado, la banda eligió FireHouse en su lugar. En diciembre de 1989, Michael Caplan de Epic Records vio a la banda en directo e inmediatamente les ofreció un contrato discográfico. En 1990, se lanzó el álbum debut homónimo de la banda con gran recibimiento por parte de la critica, vendiendo más de dos millones de copias en los Estados Unidos siendo certificado doble platino. El tercer y más exitoso single de la banda, alcanzó el tercer lugar vendiendo más de 500.000 copias. El álbum se convirtió en oro en Canadá, Singapur y Japón. La banda siguió su impresionante debut con «Hold Your Fire» de 1992. Aunque no alcanzó el éxito de su predecesor, debido a la reciente explosión del grunge y el rock alternativo, «Hold Your Fire» produjo tres sencillos y fue certificado oro en los Estados Unidos. La balada «When I Look into Your Eyes» se convirtió en el único single en llegar al Top 10 en los Estados Unidos. En 1995 se publica su tercer álbum titulado «3» y a pesar de ser algo mas flojo que los anteriores lanzamientos y de la disminución de éxito en Estados Unidos este álbum les dio mas éxito en el exterior que ningún otro. Fue certificado oro en varios países asiáticos, lo que le dio a la banda la oportunidad de realizar giras en países como India y Tailandia. El sencillo principal del álbum fue la tercera balada Top 20 de la banda en los Estados Unidos. FireHouse fue la única banda de su género que logró tener un éxito Top 20 en 1995, sin haber hecho cambios drásticos en su sonido. «Good Acoustics» Fue lanzado en 1996. El álbum contó con versiones acústicas de varios de los mayores éxitos de la banda además de incluir cuatro canciones nuevas. El álbum fue certificado oro en seis países de todo el mundo, incluidos Malasia, Tailandia y Filipinas lo que hizo que la banda realizaras mas giras por el sudeste Asiático. Poco después, la banda pidió ser liberada de su contrato debido a la falta de promoción de su sello en los Estados Unidos, firmando con Pony Canyon de Japón, con los que lanzaron en 1998 (en 1999 en los Estados Unidos) «Category 5». El álbum presentaba un sonido diferente y más experimental en comparación con los álbumes de hard rock anteriores de la banda. El 22 de abril de 1999, FireHouse grabó un show en vivo en Osaka, Japón y lo lanzó a finales de ese año bajo el título de «Bring ‘Em Out Live». En 2000, la banda se separó del bajista Perry Richardson debido a un conflicto personal y contrató a Bruce Waibel, quien había tocado en The Gregg Allman Band durante 10 años. Ese mismo año lanzan su siguiente álbum, «O2». Tras la gira de 2002, Waibel se separó de la banda para pasar más tiempo con su familia. Un año después, Waibel murió inesperadamente a los 45 años. Inicialmente, Waibel fue reemplazado por el brasileño Dario Seixas, quien tocó el bajo en el siguiente álbum de la banda publicado en 2003 (de nuevo editado un año mas tarde en EE.UU.), «Prime Time», pero Seixas dejó la banda poco después, por lo que FireHouse anunció a Allen McKenzie como nuevo bajista. En 2011, la banda lanzó su octavo álbum de estudio titulado «Full Circle», que incluía versiones regrabadas de algunas de sus canciones más populares. Uno de sus ex componentes, el bajista brasileño Dario Seixas, nos lleva a la siguiente banda o mejor dicho al proyecto del ex batería de Scorpions Herman Rarebell y su proyecto en solitario.

Bajo el nombre de Herman Rarebell & Friends se presenta el que fuera batería de Scorpions, Herman Rarebell con álbum publicado en 2014 titulado «Herman’s Scorpions Songs», donde se incluyen, además de un tema nuevo, versiones de clásicos de su ex banda con diferentes vocalistas, incluyendo Don Dokken (Dokken), Jack Russell (Great White), Tony Martin (Black Sabbath) o Doogie White (Rainbow). También cuenta con el ya mencionado Dario Seixas al bajo, el guitarrista Chris Hasler y el español José Antonio Rodríguez (guitarrista de flamenco que ya participó en el anterior trabajo del alemán donde también tocaba temas de Scorpions en formato acústico). Quien participa en el álbum, y de forma muy activa, es el musico alemán Michael Voss (Mad Max) cantando uno de los temas además de tocar la guitarra y el bajo, grabar, mezclar y masterizar el álbum. Voss fue en los 90 musico de gira de Bonfire y miembro de esta banda de hard rock llamada Casanova.

Banda creada a principios de la década de 1990 por el productor Henry Staroste, y formada por el cantante y guitarrista Michael Voss el batería Michael Eurich, el bajista Jochen Mayer y el guitarrista Stephan Neumeier. El álbum debut homónimo de la banda fue lanzado en 1991 por WEA Records. Casanova ganó un gran numero de fans en el territorio asiático, dando como resultado el E.P. en vivo «Inbetween», también lanzado en 1991. En 1992 se publica el siguiente álbum, “One Night Stand” que vio al bajista Jurgen Attig dejar la banda siendo reemplazado por Jochen Mayer, además de otro E.P. «One of These Days». En 1993 se lanza el disco acústico «Some Like It Different…Acoustic», que fue producido por el guitarrista de Accept Wolf Hoffmann. La era del grunge puso punto y final en la relación entre la banda y el sello discográfico. Años después la escena musical volvió un poco a la normalidad y una fantástica oferta de Japón en 1999 dio como resultado un nuevo álbum que se tituló «Heroes», seguido del E.P. «Sway». En 2004 se publico «All Beauty Must Die» lo que a día de hoy es su ultimo trabajo. El batería de Casanova, Michael Eurich fue miembro de esta otra banda germana llamada Warlock.

El primer núcleo de la banda se formó bajo el nombre de Snakebite en Düsseldorf, Alemania, en 1980, y estaba compuesto por Doro Pesch a la voz, Michael Bastian a la guitarra, Frank Rittel al bajo y Thomas Franke a la batería. Franke pronto fue reemplazado por Michael Eurich y, justo antes de disolverse, Snakebite adquirió al zurdo Peter Szigeti como segundo guitarrista. En octubre de 1982 Pesch, Szigeti y Eurich formaron una nueva banda con Thomas Studier al bajo y el guitarrista Rudy Graf, a quien se le ocurrió el nombre de Warlock. Después de grabar una demo de cuatro temas y enviarla a varios sellos discográficos y revistas de música, la banda obtuvo un contrato con el sello independiente belga Mausoleum Records. Frank Rittel se unió a Warlock en el bajo antes de que comenzaran a grabar su álbum debut «Burning the Witches» publicado en 1984. El álbum fue bien recibido por la crítica y los fans y Warlock realizaron una gira por primera vez fuera de Alemania. Desafortunadamente, la mala distribución y la mala financiación de la gira por parte del sello discográfico paralizaron el potencial comercial del álbum, dejando a la banda profundamente insatisfecha con Mausoleum. A principios de 1985, la banda firmó un contrato con el sello Phonogram y grabó su segundo álbum «Hellbound», lanzado en mayo de 1985 por Vertigo Records en Europa. La banda comenzó a recibir atención de los medios y apareció en programas de televisión en el Reino Unido y Alemania. Su primera gira europea los llevó al Camden Palace Theatre de Londres, donde se filmó el concierto para el primer video de Warlock, «Metal Racer». La presentación en vivo de Warlock fue recibida con una crítica muy positiva en la revista británica Kerrang!. Tras la gira el guitarrista Rudy Graf dejó la banda y fue reemplazado por Niko Arvanitis. Esta formación grabó el álbum «True as Steel» publicado en 1986 y mezclado en Estados Unidos por Michael Wagener. El álbum no fue un gran éxito, pero en Alemania se convirtió en el álbum de Warlock que más alto llego en las listas de ventas, alcanzando el número 18, además de obtener una buena difusión en la radio en los EE.UU. El 16 de agosto de 1986, Doro Pesch fue la primera mujer en encabezar una banda en el festival Monsters of Rock en Castle Donington, Inglaterra, donde Warlock tocó en el mismo escenario de Motörhead, Def Leppard, Ozzy Osbourne y Scorpions. Después de la gira de «True as Steel», Pesch pasó un tiempo en los Estados Unidos con el nuevo manager Alex Grob para promover la banda y organizar giras y grabaciones en Estados Unidos. Al mismo tiempo, Szigeti y Rittel decidieron dejar la banda, aparentemente reacios a afrontar el compromiso que implicaría un traslado a Estados Unidos. Fueron reemplazados por los músicos estadounidenses Tommy Bolan y Tommy Henriksen.

«El triunfo y la agonía»

Con la nueva formación, Warlock grabó en Estados Unidos su cuarto y último álbum de estudio, «Triumph and Agony» , publicado en 1987 y convirtiéndose en el álbum más vendido de Warlock, obteniendo el oro en Alemania y el puesto 80 en la lista de álbumes Billboard 200 de EE.UU. Tras la gira Eurich y Arvanitis abandonaron la banda y fueron reemplazados por el batería Bobby Rondinelli (ex Rainbow) y el guitarrista Jon Levin (actual guitarrista de Dokken que a veces aparecía etiquetado erróneamente como Jon Devin). A finales de 1988, Doro Pesch seguía siendo el único miembro original y el único alemán que seguía en la banda. En ese momento, Peter Zimmermann, el ex-mánager de la banda, demandó por los derechos del nombre y el merchandiding de la banda, y ganó. Pesch continuó luchando por el nombre, pero aceptó la proposición del sello discográfico para cambiar el nombre de la banda a DORO para continuar su carrera en solitario. Doro Pesch se reunió con Szigeti, Arvanitis, Rittel y Eurich para actuar como Warlock en su concierto de celebración del 20 aniversario en Düsseldorf el 13 de diciembre de 2003 y más tarde en el festival Wacken Open Air de 2004. Más problemas legales sobre el uso del nombre Warlock se produjeron con el ex guitarrista de la banda Rudy Graf y desde entonces las apariciones de la banda reunida en festivales y conciertos especiales fueron anunciadas como Warlock 1986. En 2011, después de años de batallas legales, Pesch finalmente recuperó los derechos sobre el nombre de Warlock. Frank Rittel, Peter Szigeti y el ex batería de Snakebite (germen de Warlock) Thomas Franke tocaron en 1987 en el primer álbum en solitario del ex cantante de Accept Udo Dirkschneider.

Tras la salida de Udo Dirkschneider de Accept en 1987, formó su propia banda llamada UDO. Reclutó a los guitarristas Mathias Dieth y Peter Szigeti, al bajista Frank Rittel y al batería Thomas Franke. Lanzaron su álbum debut titulado «Animal House» en 1987, que fue escrito íntegramente por el tandem habitual de compositores de Accept., los propios miembros de la banda Accept y Deaffy (Gaby Hoffmann, manager de la banda y casada con su guitarrista Wolf Hoffmann). El siguiente álbum, «Mean Machine», fue lanzado en 1989. La banda cambió a un enfoque más ligero con el tercer álbum «Faceless World», publicado en 1990, logrando un gran éxito, convirtiéndose en su álbum más vendido hasta ahora. Fue producido por el ex batería de Accept Stefan Kaufmann, quien mas tarde pasaría a formar parte de la banda como guitarrista. El cuarto álbum «Timebomb» se publicó un año después. En 1996, tras su segunda salida de Accept, Dirkschneider reactivó UDO, publicando en 1997 «Solid», al que siguió «No Limits» de 1998 y «Holy» de 1999. La gira generó el primer álbum en vivo «Live from Russia», un doble CD con muchas de las canciones clásicas de Accept que fue lanzado en 2001,. Mas tarde llegarían «Man and Machine» (2002), «Thunderball» (2004) y «Mission No. X» (2005), acabando la segunda década del año 2000 con «Mastercutor» de 2007 y «Dominator» de 2009. El decimotercer álbum de estudio de UDO, «Rev-Raptor» fue lanzado en 2011. En 2012, Stefan Kaufmann anunció su salida de la banda por motivos de salud, un año mas tarde UDO publica «Steelhammer». En 2015, coincidiendo con la incorporación a la banda del hijo de Udo Dirkschneider, Sven a la batería, se publica el decimoquinto álbum de estudio de UDO, «Decadent». «Steelfactory» se editó en 2018 y durante la gira de 2020 se graba en vivo la actuación del 18 de septiembre en Plovdiv (Bulgaria), para lanzarlo en 2021 bajo el titulo de «Live In Bulgaria 2020 – Pandemic Survival Show». El decimoséptimo álbum de estudio «Game Over» fue lanzado poco después. Udo Dirkschneider saltó a la fama como vocalista de la banda Accept, quienes ya fueron protagonistas de uno de los episodios del blog https://rockencadena.home.blog/2018/12/19/programa-no2/, y precisamente con ellos continuamos y con el álbum que el grupo publicó tras la salida del pequeño Dirkschneider.

Tras la marcha de Udo Accept comenzó a audicionar vocalistas. La banda probó a algunos cantantes, incluidos Michael White (vocalista de The Boyz, banda de los Dokken Lynch y Brown), Ken Tamplin (Shout) y Rob Armitage, con el que grabaron algunas demos e incluso presentaron en fotos promocionales y entrevistas de revistas de metal. Armitage también actuó en vivo con la banda y uno de los shows con él fue reseñado por la revista Metal Hammer. Sin embargo, se eligió al vocalista estadounidense David Reece y esta nueva formación grabó y lanzó «Eat the Heat» en 1989.

«Accept 1989»

Fue grabado en Dierks-Studios, propiedad del famoso productor alemán Dieter Dierks (quien produjo el álbum). A pesar de que Jim Stacey se presenta como guitarra ritmica en el álbum, en los créditos se indica que todo el trabajo de guitarra fue interpretado por Wolf Hoffmann. Jim Stacey tocó en vivo con la banda hasta «Blood of the Nations» de 2010. Udo contribuye en los coros de uno de los temas del álbum e incluso tocó uno de ellos con su banda UDO en la recopilación de 2001 «A Tribute to Accept II». Accept más tarde grabó «Generation Clash II» basado en «Generation Clash» con Udo Dirkschneider en la voz para su álbum de 1994 «Death Row». La primera etapa de la gira consistió en actuaciones de la banda como cabeza de cartel en pequeños clubes de los Estados Unidos durante aproximadamente dos meses. Kaufmann sufrió una lesión en la espalda durante este período y fue reemplazado por el batería de House of Lords, Ken Mary. Accept luego comenzó la gira norteamericana de W.A.S.P como grupo invitado junto a Metal Church. La gira en general fue una decepción, plagada de bajas cifras de asistencia y una incapacidad para conquistar al publico estadounidenses al que la banda esperaba atraer con esta nueva formación. La banda decidió que sin Kaufmann, y con las diferencias que surgieron con Reece (incluida una supuesta pelea detrás del escenario en el Vic Theatre de Chicago entre Reece y Baltes), era hora de cesar sus actividades por el momento lo que llevó a la banda a separarse, cancelando la gira poco después. Poco después el bajista Peter Baltes pasó a formar parte de la banda que acompaño al vocalista de Dokken en su primer trabajo en solitario.

A finales de la década de 1980, la tensión personal entre Dokken y Lynch pasó factura a la banda. En 1988, después de la gira Monsters of Rock Tour y un nuevo álbum de platino, Don Dokken decidió romper la banda y los miembros de Dokken tomaron caminos separados. Don Dokken originalmente quería continuar bajo el apodo de Dokken, pero dado que los otros tres miembros compartían la propiedad parcial sobre el nombre del grupo se vio obligado a publicar su próximo álbum con su propio nombre, convirtiéndose en su primer álbum en solitario. El álbum, titulado «Up from the Ashes», fue lanzado en 1990 y era muy similar al sonido de Dokken. Este proyecto era una especie de supergrupo, formado por los guitarristas John Norum (ex Europe en ese momento y mas tarde miembro de Dokken) y Billy White (ex Watchtower), el bajista Peter Baltes (ex Accept) y el batería Mikkey Dee (ex King Diamond, Motörhead y Scorpions). El batería original de la banda de Don Dokken fue Hempo Hildén, anteriormente en la banda de John Norum, pero fue reemplazado después de algunas sesiones de fotos y no toca en el álbum. El álbum no logró el éxito comercial logrado por Dokken, pero alcanzó el Top 50 en la lista de álbumes Billboard 200 en los EE.UU. Estos factores unidos a la baja popularidad del estilo en esos días y a que tres de los cinco miembros residían en Europa (haciendo mas caros los desplazamientos para ensayos y demás) hicieron que el proyecto durara tan solo una gira. Sin duda de todos los músicos involucrados en este proyecto el mas «polifacético» es sin duda el batería Mikkey Dee, el cual ha participado en innumerables bandas, proyectos y álbumes, como en este de la banda norteamericana Liberty ´n Justice.

Banda cristiana de hard rock fundada en 1991 por el bajista Justin Murr y el vocalista Patrick Marchand. Hasta el 2001 la banda lanzó cuatro discos con varios músicos entre sus filas. Principalmente el grupo era conocido dentro de la comunidad cristiana de Estados Unidos donde realizaba giras y conciertos. En 2002, Murr continuó con el nombre de Liberty N ‘Justice, y se puso en contacto con varios artistas conocidos para que se unieran a él, desde entonces los trabajos de Liberty n´ Justice han contado entre otros con los vocalistas Jamie Rowe de Guardian y AdrianGale, Lou Gramm de Foreigner, Robert Fleischman de Journey, Sebastian Bach de Skid Row, Oni Logan de Lynch Mob o Jani Lane de Warrant, siendo uno de los temas de esta banda la ultima grabación de Lane antes de morir. También contaba con guitarristas como Tommy Denander, JK Northrup, Bill Leverty de Firehouse, Chris Holmes de W.A.S.P., Eddie Ojeda de Twisted Sister, Pete Lesperance de Harem Scarem o Phil Collen de Def Leppard, asi como bajistas de la talla de Jeff Pilson de Dokken o Jerry Dixon de Warrant y baterías como el antes mencionado Mikkey Dee. Y entre todos estos músicos miembros de la banda protagonista de este episodio, Stryper, con los que finalizamos este blog. Espero que hayáis disfrutado con la lectura, y ya sabes, sube el volumen y disfruta!!!…Feliz 2022!!!

Episodio Nº36

Ir a descargar

Bienvenidos a tod@s. Estamos de celebración en el podcast, nada mas y nada menos que tres años desde aquel primer episodio dedicado a Dokken. Y como viene siendo habitual intento darme un capricho dedicándoselo a bandas muy ligadas a mi. Esta vez lo hacemos con una banda que ha sido capaz de «tocar» todos los estilos musicales haciendo de su grupo el mas grande de la historia, con unas harmonías vocales únicas convirtieron muchos de sus temas en himnos atemporales. Ellos son Queen.

«Es raro que tengas dificultades para etiquetar una banda. Si eres una banda de heavy metal, debes parecer y sonar como una banda de heavy metal, pero no puedes llamar a Queen de ninguna manera. Podrían ser una banda de pop un día o la banda que escribió ‘Bicycle Race’ al día siguiente y una banda de metal en toda regla al siguiente. En términos de la profundidad del panorama musical que cubrieron, era muy similar hasta cierto punto a los Beatles».

Rob Halford sobre Queen.

Fundacion.

Los miembros fundadores de Queen se conocieron en el oeste de Londres a finales de la década de los 60. El guitarrista Brian May formó en 1964 el grupo 1984 (llamado así por la novela de Orwell ) con el cantante Tim Staffell, mas tarde se convertirían en Smile con Staffell (ahora tocando el bajo) y el teclista Chris Smith. Tras colocar un anuncio buscando batería, Roger Taylor, audicionó y consiguió el puesto. Smith dejó el grupo a principios de 1969. Freddie Bulsara, compañero de estudios de Staffell, se convirtió en una gran fan de Smile, intentando incluso conseguir el puesto de cantante principal, pero May pensaba que Staffell no renunciaría a ese papel. En 1970, Staffell dejó Smile, mas interesado en Soul y R&B que en el sonido de hard rock del grupo. Los miembros restantes aceptaron a Bulsara como cantante principal y reclutaron al amigo de Taylor, Mike Grose, como bajista. Bulsara sugirió que el grupo debería cambiarse de nombre a Queen, algo que en principio no fue visto con buenos ojos por el resto de la banda. Al mismo tiempo, Bulsara, decidió cambiar su apellido a Mercury. El grupo atrajo la atención del productor John Anthony, quien estaba interesado en el sonido del grupo pero pensó que tenían al bajista equivocado. Grose decidió no continuar con la banda y fue reemplazado por Barry Mitchell. A su vez, Mitchell se fue en enero de 1971 y fue reemplazado por Doug Bogie en dos conciertos. En febrero de 1971, John Deacon se unió a Queen.

Los 70. Comienza la leyenda.

«Comienza la leyenda»

May llamó a Terry Yeadon, un ingeniero de «Pye Studios» donde Smile había grabado anteriormente, para ver si sabía dónde podía grabar Queen. Yeadon se había mudado a las nuevas instalaciones de «De Lane Lea Studios» en Wembley , y necesitaban un grupo para probar el equipo y las salas de grabación, así que propuso a Queen grabar algunas demos a cambio de las pruebas acústicas del estudio. Grabaron cinco de sus propias canciones, y durante la grabación, John Anthony visitó la banda con el famoso productor Roy Thomas Baker. Este último pensó que «Keep Yourself Alive» sería un éxito y comenzó a mover el grupo por las discográficas.

El promotor Ken Testi contactó con Charisma Records, quien ofreció a Queen un anticipo de alrededor de 25.000 libras, pero el grupo los rechazó al darse cuenta de que el sello promocionaría mas a Genesis, en ese momento su banda estrella. Anthony y Baker recomendaron a Queen a Barry y Norman Sheffield, propietarios de los estudios Trident. Testi negoció con ellos, ofreciendo a la banda un acuerdo de management con Neptuno Producciones, una subsidiaria de Trident, para gestionar la banda y así poder utilizar sus instalaciones, mientras se buscaba un acuerdo con alguna compañía discográfica. Esto convenía a ambas partes, ya que Trident se estaba expandiendo hacia la representación de bandas y Queen podía hacer uso de las instalaciones de grabación de alta tecnología, aunque solo podían grabar durante el tiempo de inactividad, cuando nadie más estaba usando el estudio, que generalmente era entre las 3 am y las 7 am. Queen, aún sin firmar, promocionó el álbum inédito en febrero de 1973 en BBC Radio 1. Al mes siguiente, Trident logró llegar a un acuerdo con EMI Records y con Elektra Records en los Estados Unidos. Su álbum debut homónimo «Queen», lanzado el 13 de julio de 1973, fue producido por Roy Thomas Baker, John Anthony y los propios miembros de la banda. A pesar de grabarse mayoritariamente en Trident Studios, algunos de los temas se rescataron de las demos grabadas en De Lane Lea Music Centre. Deacon fue acreditado como «Deacon John» mientras que Taylor usó su nombre completo, Roger Meddows-Taylor. [29] El álbum fue bien recibido por la crítica, sin embargo, atrajo poco la atención del publico. El álbum fue certificado oro en el Reino Unido y los Estados Unidos.

«Queen II», segundo álbum de estudio de la banda, fue lanzado el 8 de marzo de 1974 y grabado en Trident Studios y Langham 1 Studios, de Londres, con los coproductores Roy Thomas Baker y Robin Geoffrey Cable. Este sea posiblemente el álbum más pesado de Queen, combinando un sonido de hard rock con elementos de rock progresivo. Los dos lados del L.P. estaban etiquetados como «Side White» y «Side Black» (en lugar de los lados convencionales «A» y «B»), con las correspondientes fotos de la banda vestida de blanco o negro en cada lado del disco. El álbum alcanzó el número cinco en la lista de álbumes británica y se convirtió en el primer álbum de Queen en las listas de Reino Unido. El sencillo principal alcanzó el número 10 en el Reino Unido, lo que le dio a la banda su primer éxito. En mayo de 1974, un mes después de la primera gira estadounidense de la banda como teloneros de Mott the Hoople, May enfermó y fue diagnosticada de hepatitis, lo que obligó a que toda la gira terminara antes. Gran parte del álbum fue escrito mientras May se recuperaba en el hospital. En 1974 se lanzó «Sheer Heart Attack». Partiendo de los temas progresivos de sus dos primeros álbumes, la banda compuso pistas de rock más convencionales y centradas en el pop experimentando con una variedad de géneros musicales, lo que marcó un paso hacia el sonido «clásico» de Queen. El primer sencillo del álbum, alcanzó el número 2 en las listas británicas y les proporcionó su primer éxito entre los 20 primeros en los EE. UU., alcanzando el número 12 en la lista de sencillos de Billboard, siendo el primer álbum de Queen en llegar al top 20 de EE. UU., alcanzando el número 12 en 1975. El álbum fue un éxito en ambos lados del Atlántico, lo que dio a la banda su primera experiencia real de éxito internacional.

A pesar del éxito, Queen todavía estaba atada al trato y los salarios de Trident. La banda era consciente de que el dinero no estaba siendo bien administrado ya que apenas disponían del suficiente como para vivir de su trabajo. EMI contactó al abogado Jim Beach, que trató de encontrar una forma de sacarlos de su contrato. Trident argumentó que habían invertido 200.000 libras en Queen y querían que les devolvieran su dinero. En agosto de 1975, después de su ruptura con Trident, la banda negoció su contrato y buscó una nueva agencia de management. Una de las opciones fue una oferta del manager de Led Zeppelin, Peter Grant , quien quería que firmaran con la propia compañia de Led Zeppelin, Swan Song Records. La banda sabia que seria una prioridad menor que Led Zeppelin y Bad Company (quien también firmó con Swan Song) y en su lugar se puso en contacto con el manager de Elton John, John Reid, quien aceptó el puesto. El cuarto álbum de estudio de Queen «A Night at the Opera» fue publicado el 21 de noviembre de 1975 y producido por Roy Thomas Baker y Queen, convirtiéndose en el momento de su lanzamiento en el álbum más caro jamás grabado, costando 40.000 libras y usando tres estudios diferentes. Las canciones incorporaron una amplia gama de estilos, como baladas, music hall, dixieland, influencias del hard rock y el rock progresivo. Tras su lanzamiento, «A Night at the Opera» encabezó la lista de álbumes del Reino Unido durante cuatro semanas no consecutivas. Alcanzó el puesto número cuatro en el Billboard 200 de los EE. UU. convirtiéndose en el primer álbum de la banda en ser certificado platino en los EE. UU. llegando al triple platino. La canción más conocida del álbum, «Bohemian Rhapsody «, fue inicialmente rechazada por EMI para ser lanzada como single, ya que era demasiado larga, exigiendo una edición de radio, a lo que Queen se negó. El amigo de Mercury, y D.J. de radio Kenny Everett , jugó un papel fundamental en la difusión del tema, ya que se le dio una copia promocional con la condición de que no la pinchara, pero terminó haciéndolo catorce veces durante un solo fin de semana. La centralita se colapso con llamadas de fans preguntando cuándo se lanzaría la canción. Con EMI obligado a lanzar «Bohemian Rhapsody» debido a la demanda del público, el sencillo alcanzó el número uno en el Reino Unido durante nueve semanas. Es el tercer sencillo más vendido de todos los tiempos en el Reino Unido, y el sencillo comercial más vendido (es decir, no con fines benéficos) en el Reino Unido. También alcanzó el número nueve en los Estados Unidos (un relanzamiento de 1992 alcanzó el número dos en el Billboard Hot 100 durante cinco semanas). Es el único sencillo que ha vendido un millón de copias en dos ocasiones distintas, y se convirtió en el número uno de Navidad dos veces en el Reino Unido, el único sencillo en hacerlo. El segundo sencillo del álbum alcanzó el puesto número dieciséis en el Billboard Hot 100 de EE. UU., entrando en el «top ten» de éxitos mundiales. El video se filmó en tres horas y costó 3.500 libras, cinco veces el presupuesto promocional típico.

El 10 de diciembre de 1976 se publicó «A Day at the Races» , convirtiéndose en el primer álbum completamente autoproducido de la banda y el primero en no contar con el productor Roy Thomas Baker. El álbum, al igual que su predecesor «A Night at the Opera», toman sus nombres de películas de los hermanos Marx, ( el más conocido de los hermanos Marx, Groucho Marx , invitó a Queen a visitarlo en su casa de Los Ángeles en marzo de 1977) además de compartir empaques parecidos y temas musicales similares. El álbum alcanzó el número uno en el Reino Unido, Japón y los Países Bajos, y el número cinco en el Billboard 200 de EE. UU., siendo el tercer álbum de Queen en convertirse en oro en los EE. UU., alcanzando posteriormente la certificación platino.

«Gracias Hermanos Marx»

Queen tocó un concierto histórico el 18 de septiembre de 1976, un concierto gratuito en Hyde Park , Londres, organizado por el empresario Richard Branson. El show estableció un récord de asistencia con 150.000 personas confirmadas en la audiencia. Queen llegó tarde al escenario y se quedó sin tiempo para tocar un bis; la policía informó a Mercury que sería arrestado si intentaba volver a subir al escenario.

El sexto álbum de estudio de la banda, «News of the World», fue lanzado en 1977, siendo cuatro veces platino en los Estados Unidos y dos veces en el Reino Unido. El álbum contenía dos de los himnos más reconocidos del rock, «We Will Rock You» y «We Are the Champions», que se convirtieron en himnos deportivos internacionales, este último alcanzó el número cuatro en Estados Unidos. La llegada del punk rock, liderado por los Sex Pistols, hizo que losa temas del álbum se alejaran del rock progresivo y más hacia la música rock más simple. Queen fue visto como la antítesis del punk, particularmente en sus influencias «gay» y su elaborada producción. En 1978 recibieron el premio Madison Square Garden Gold Ticket Award por superar las ventas de entradas de más de 100.000 unidades en el Madison Square Garden. En 1978, la banda lanzó «Jazz», que alcanzó el número dos en el Reino Unido y el número seis en el Billboard 200 en los Estados Unidos. El álbum fue de nuevo producido por por Roy Thomas Baker.

«Al menos parece que ese día hacia sol»
«Portada con retoque incluido»

Para promover el álbum (y el primer sencillo «Fat Bottomed Girls»/ «Bicycle Race») se llevó a cabo una carrera de bicicletas con mujeres desnudas. Mas tarde, se incluyó un póster en el L.P. del inicio de la carrera. El lanzamiento estadounidense no incluyó el póster, pero sí un formulario de pedido. Una porción más pequeña de la imagen del póster también se usó como portada alternativa para «Bicycle Race». La portada mostraba una vista trasera de una de las mujeres en su bicicleta, pero se pintaron unas bragas rojas para evitar la protesta pública. Cuenta la leyenda que la banda tomó prestadas las bicicletas de una tienda («Halfords», según las notas del álbum), pero al devolverlas se les informó que tendrían que comprar todos los asientos, ya que habían sido usados ​​de manera inapropiada (es decir, sin ropa).

En 1978, Queen realizó una gira por Estados Unidos y Canadá, y pasó gran parte de 1979 de gira por Europa y Japón. En 1979 lanzaron su primer álbum doble en vivo, «Live Killers», autoproducido por la banda y el primero en ser mezclado en sus propios estudios, Mountain Studios en Montreux, Suiza. El álbum alcanzó el número 3 en la lista de álbumes del Reino Unido y el número 16 en el Billboard 200 en los Estados Unidos, siendo certificado como doble platino en los Estados Unidos. Fuera de los Estados Unidos, Europa y Canadá, Elektra Records relanzó en 1985 una versión más corta y editada del álbum titulado «Queen Live».

Los años 80.

«Los 80…y Flash Gordon»

Queen debutó en la década de 1980 con «The Game». Contó con los sencillos «Crazy Little Thing Called Love» (lanzado un año antes convirtiéndose en el primer sencillo número uno de la banda en los Estados Unidos, donde encabezó el Billboard Hot 100 durante cuatro semanas) y «Another One Bites the Dust» , que en octubre de 1980 pasó tres semanas en el número uno, y que fue lanzado como single por sugerencia de Michael Jackson a Mercury en el backstage después de asistir a un concierto de Queen en Los Ángeles. El álbum encabezó el Billboard 200 durante cinco semanas, y vendió más de cuatro millones de copias en los Estados Unidos. También fue la primera aparición de un sintetizador en un álbum de Queen. Hasta ese momento, sus álbumes presentaban un distintivo en la portada que decía: «No Synthesisers!» (sin sintetizadores). En septiembre de 1980, Queen realizó tres espectáculos con entradas agotadas en el Madison Square Garden. En 1980, Queen también lanzó la banda sonora para la película «Flash Gordon», con tan solo dos pistas con letra. El álbum alcanzó el número 10 en las listas de éxitos del Reino Unido y el número 23 en los EE. UU.

En febrero de 1981, Queen viajó a Sudamérica como parte de «The Game Tour» y se convirtió en la primera banda de rock importante en tocar en estadios latinoamericanos. La gira incluyó cinco espectáculos en Argentina, uno de los cuales atrajo a la mayor multitud a un concierto en la historia argentina con una audiencia de 300.000 personas y dos conciertos en el Estadio Morumbi en São Paulo, Brasil, donde tocaron para más de 131.000 personas en la primera noche (entonces la audiencia de pago más grande para una sola banda en cualquier parte del mundo) y más de 120.000 personas la noche siguiente. Queen grabó con David Bowie en 1981 el sencillo «Under Pressure». Tras su lanzamiento, la canción tuvo un gran éxito, alcanzando el número uno en el Reino Unido. Aunque la canción era en principio un proyecto ajeno al grupo el tema se incluyó en su siguiente álbum «Hot Space».

«Imprescindible en los hogares británicos»

En octubre de ese año, Queen lanzó su primer álbum recopilatorio, titulado «Greatest Hits», con sus temas más destacados de 1974 a 1981. Es el álbum más vendido en la historia de las listas de éxitos del Reino Unido y (en agosto de 2020) había pasado más de 900 semanas en la lista de álbumes del Reino Unido, la mayor cantidad de semanas hasta la fecha. Aproximadamente una de cada tres familias en el Reino Unido posee una copia. El álbum está certificado nueve veces platino en los Estados Unidos y ha vendido más de 25 millones de copias en todo el mundo. A día de hoy ha pasado más de 450 semanas en el Billboard 200 de EE.UU.

En 1982, la banda lanzó el álbum «Hot Space», alejándose de su sonido característico de los setenta, esta vez siendo una mezcla de pop rock, dance, disco, funk y R&B . Esto hizo que el álbum fuera menos popular entre los fans (con ventas estimadas en 3,5 millones de copias) que preferían el estilo de rock tradicional, sello de identidad de la banda. Taylor y May no contentos con el nuevo sonido, criticaron la influencia que el manager personal de Mercury, Paul Prenter, tuvo en el cantante. Según Mack , el productor de Queen, Prenter detestaba la música rock e influyó en Mercury durante las sesiones de grabación. May también criticó a Prenter, por desestimar la importancia de las estaciones de radio y su conexión entre el artista y su publico, y por negarles el acceso a Mercury.

«Este tipo, en el transcurso de una gira , le dijo a todas las estaciones de grabación que se fueran a la mierda». Pero no solo «a la mierda» , sino «Freddie dice, «a la mierda».

Brian May sobre Paul Prender

El 14 y 15 de septiembre de 1982, la banda realizó sus dos últimos conciertos en los Estados Unidos con Mercury como voz principal, tocando en The Forum en Inglewood, California. La banda dejó de viajar por América del Norte después de su «Hot Space Tour», ya que su éxito allí había disminuido, aunque actuarían en la televisión estadounidense por única vez durante el estreno de la octava temporada de «Saturday Night Live» el 25 de septiembre del mismo año. Su caída en popularidad en los EE.UU. se debió en gran parte a una homofobia hacia Mercury. En algunos espectáculos de la gira estadounidense de la banda en 1980, varios fans arrojaron cuchillas de afeitar desechables al escenario: no les gustaba la identidad de Mercury, ya que lo percibían como un héroe del rock & roll descaradamente gay, y eso no gustaba. Después de trabajar de manera constante durante más de diez años, Queen decidió no realizar ningún espectáculo en vivo en 1983. Queen dejó Elektra Records, su sello en los EE.UU., Canadá, Japón, Australia y Nueva Zelanda, y firmó con EMI/Capitol Records.

En febrero de 1984, Queen lanzó su undécimo álbum de estudio, «The Works». En el Reino Unido, obtuvo el triple platino y permaneció en la lista de álbumes durante dos años. A pesar de la buena aceptación y los singles de éxito, el álbum no tuvo buenas ventas en los EE.UU., donde, además de los problemas con su nuevo sello discográfico Capitol Records, el video de «I Want to Break Free», una parodia de la telenovela británica «Coronation Street», (donde los miembros de la banda a parecen disfrazados de mujer) generó mucha polémica y fue prohibido por MTV. Ese año, Queen añadió a la gira al teclista Spike Edney como músico adicional. La gira contó con nueve fechas agotadas en octubre en Bophuthatswana, Sudáfrica, en el estadio de Sun City. Al regresar a Inglaterra, fueron «increpados», por tocar en Sudáfrica durante el apogeo del apartheid y en violación de los esfuerzos de desinversión en todo el mundo y del boicot cultural de las Naciones Unidas. La banda respondió a las críticas afirmando que fueron a tocar para sus fans en Sudáfrica, y también enfatizaron que los conciertos se realizaron con audiencias integradas. Queen realizó una donación a una escuela para sordos y ciegos como gesto filantrópico, pero fue multada por la Unión de Músicos Británica y colocada en la lista negra de artistas de las Naciones Unidas.

1985: Live Aid y de nuevo a lo mas alto.

En enero de 1985, Queen encabezó dos noches del primer festival Rock in Rio en Río de Janeiro, Brasil, actuando frente a más de 300.000 personas cada noche. Lo más destacado de ambas noches fue transmitido por MTV en los Estados Unidos y lanzado en VHS como «Queen: Live in Rio». En «Live Aid», celebrado en Wembley el 13 de julio de 1985, frente a la audiencia televisiva más grande de la historia de aproximadamente 1.900 millones de espectadores, Queen interpretó algunos de sus grandes éxitos. La banda se revitalizó tras el «Live Aid», con el consiguiente aumento en las ventas de discos.

«Desde nuestra perspectiva, el hecho de que Live Aid sucediera cuando sucedió fue realmente afortunado. Salió de la nada para salvarnos. Seguro que fue un punto de inflexión. Podría decirse que en la historia de Queen, fue un momento realmente especial».

Freddie Mercury

El 2 de diciembre de 1985, EMI Records lanzó lo que entonces era la caja definitiva de Queen «The Complete Works», con los 11 álbumes de estudio de la banda, su álbum en vivo «Live Killers» y un disco adicional titulado «Complete Vision», que contenía todas las caras A y B que no aparecían en lo álbumes. Además, la banda firmó solo 600 copias (en la portada de Complete Vision), que ahora se han convertido en artículos de colección. Además, la caja incluía dos libros, el primero con todas las ilustraciones, letras e imágenes de los álbumes; el otro tenía un mapa del mundo en color que mostraba dónde tocaba Queen trazando un itinerario de la gira mundial hasta ese momento, con una lista del equipo que llevaban consigo. Cada álbum fue remasterizado digitalmente y revestido en blanco con un escudo en relieve y números romanos dorados. Su siguiente álbum de estudio «A Kind of Magic», fue lanzado el 2 de junio de 1986. Fue su primer álbum de estudio grabado digitalmente. En realidad es una banda sonora no oficial para la película Highlander de 1986 (en España titulada «Los Inmortales»), para la cual no se lanzó ningún álbum de banda sonora oficial. Seis de las nueve canciones del álbum aparecieron en la película, aunque en diferentes versiones. Una de las tres canciones que no aparecieron fue «One Vision», que apareció un año antes en la película «Iron Eagle». Por el contrario, una grabación de el tema «Nueva York, Nueva York» fue creado específicamente para una escena de la película y no aparece en «A Kind of Magic» y, de hecho, nunca se ha lanzado en forma de álbum hasta la fecha. El álbum fue todo un éxito en el Reino Unido, pasando directamente al número uno y vendiendo 100.000 copias en su primera semana. Permaneció en las listas de éxitos del Reino Unido durante 63 semanas, vendiendo 600.000 ejemplares sólo en el Reino Unido. El álbum tuvo menos éxito en Estados Unidos donde llego al numero 46 en las listas de ese pais.

Más de un millón de personas vieron a Queen en la gira: 400.000 sólo en el Reino Unido, un récord en ese momento. El punto culminante del Magic Tour fue en el estadio de Wembley, dando como resultado el álbum doble en vivo «Queen at Wembley», lanzado en CD y en VHS/DVD, siendo cinco veces platino en los EE.UU. y cuatro veces platino en el Reino Unido. Queen no pudo reservar Wembley para una tercera noche, pero tocó en Knebworth Park el 9 de agosto. El espectáculo se agotó en dos horas y más de 120.000 fans llenaron el parque para lo que fue la actuación final de Queen con Mercury.

«En Knebworth, de alguna manera sentí que iba a ser el último concierto para todos nosotros»

Peter Hince (roadie de Queen)

«No voy a estar haciendo esto para siempre. Esta es probablemente la última vez».

Freddie Mercury sobre el concierto de Knebworth

Los últimos años de Mercury.

En 1988 era evidente la apariencia cada vez más demacrada de Mercury en 1988, los medios informaron que Mercury estaba gravemente enfermo, y que el SIDA se mencionaba con frecuencia como causa de su enfermedad. Mercury lo negó, insistiendo en que estaba simplemente «exhausto» y demasiado ocupado para proporcionar entrevistas. De hecho, Mercury había sido diagnosticado de VIH positivo en 1987, pero no hizo pública su enfermedad, y solo su círculo íntimo de colegas y amigos estaba al tanto de su enfermedad. La banda lanzó «The Miracle» el 22 de mayo de 1989 por Parlophone Records en el Reino Unido y Capitol Records y en los EE.UU., siendo el primer y último álbum de estudio de la banda lanzado en esas etiquetas respectivamente. El álbum originalmente se llamaría «The Invisible Men», pero tres semanas antes del lanzamiento, según Roger Taylor, decidieron cambiar el nombre a «The Miracle». También fue el último álbum de Queen con una foto de la banda en la portada. Este trabajo continuó la dirección de «A Kind of Magic», utilizando un sonido pop-rock mezclado con algunos temas pesados. «The Miracle» también inició un cambio en la dirección de la filosofía de composición de Queen, anteriormente casi todas las canciones habían sido escritas y acreditadas a un solo miembro, pero con este álbum, su composición se volvió más colaborativa, y decidieron acreditar el producto final solo a Queen como grupo. «The Miracle» alcanzó el número uno en el Reino Unido, Austria, Alemania, los Países Bajos y Suiza, y el número 24 en la lista Billboard 200 de Estados Unidos.

«Ultima aparición publica de Mercury. Era innegable que algo le ocurría.»

En 1990, Queen finalizó su contrato con Capitol y firmó con Hollywood Records; A través del acuerdo, Disney adquirió los derechos de distribución en América del Norte del catálogo de Queen por 10 millones de dólares y siendo aun hoy el propietario y distribuidor del catálogo de música del grupo en Estados Unidos y Canadá. En febrero de ese año, Mercury hizo su última aparición pública cuando se unió al resto de la banda en el escenario del Dominion Theatre de Londres para recoger el Brit Award por su destacada contribución a la música Británica.

Su decimocuarto álbum de estudio, «Innuendo», fue lanzado a principios de 1991. El primer single (que daba titulo al álbum) debutó en el número uno en la lista de singles del Reino Unido, siendo el primer número uno de la banda desde «Under Pressure» en 1981. El guitarrista Steve Howe (Yes/Asia) toca la parte de guitarra flamenca en esta canción y se convirtió en el único musico ajeno a Queen en tocar la guitarra en una grabación de estudio del grupo. El siguiente sencillo «The Show Must Go On», lanzado como un precursor de «Greatest Hits II», presentaba imágenes de archivo de las actuaciones de Queen entre 1981 y 1989, y junto con la forma de sus letras, alimentaba los rumores de que Mercury se estaba muriendo. Freddy estaba cada vez más enfermo y apenas podía caminar cuando la banda grabó «The Show Must Go On» en 1990. El resto de la banda estaba listo para grabar cuando Mercury se sentía capaz de entrar al estudio, durante una o dos horas seguidas.

«Él seguía diciendo: Escríbeme más, escríbeme cosas. Solo quiero cantar esto y hacerlo y cuando me vaya, puedes terminarlo. En realidad, no tenía miedo».

Brian May sobre el estado de salud de Mercury

El segundo grandes éxitos de la banda, «Greatest Hits II», se lanzó en octubre de 1991, convirtiéndose en el décimo álbum más vendido en el Reino Unido, el séptimo álbum más vendido en Alemania y el decimotercer álbum más vendido en Francia, vendiendo 16 millones de copias en todo el mundo.

«El mas grande. De eso no hay duda»

El 23 de noviembre de 1991, en una declaración hecha en su lecho de muerte, Mercury confirmó que tenía SIDA. Dentro de las 24 horas siguientes a la declaración, murió de neumonía bronquial, producida por una complicación de la enfermedad. Su funeral, celebrado el 27 de noviembre en Kensal Green, en el oeste de Londres, fue privado y se llevó a cabo de acuerdo con la fe religiosa zoroástrica de su familia. «Bohemian Rhapsody» fue relanzado como single poco después de la muerte de Mercury. El single llegó al número uno en el Reino Unido, permaneciendo allí durante cinco semanas, la única grabación que encabezó la lista navideña dos veces y la única en ser el número uno en cuatro años diferentes (1975, 1976, 1991 y 1992). Las ganancias iniciales del single, aproximadamente 1 millón de libras fueron donadas a Terrence Higgins Trust, una organización benéfica contra el SIDA.

La popularidad de Queen aumentó en Norteamérica cuando «Bohemian Rhapsody» apareció en la película de 1992 «Wayne’s World». Su inclusión ayudó a la canción a alcanzar ese año el número dos en el Billboard Hot 100 durante cinco semanas (junto al numero de semanas que pasó en 1976, permaneció en el Hot 100 durante 41 semanas combinadas). El álbum recopilatorio «Classic Queen» (una versión estadounidense de «Greatest Hits II») fue publicado para capitalizar la renovada popularidad de Queen. El álbum alcanzó el número cuatro en el Billboard 200 de los EE.UU., siendo certificado tres veces platino alli y cinco veces platino en Canadá. Las ventas acumuladas de «Greatest Hits II» y «Classic Queen» (para EE.UU. y Canadá) superan los 25 millones en todo el mundo.

«The show must go on»

El 20 de abril de 1992, se celebró el concierto tributo a Freddie Mercury en el estadio de Wembley de Londres ante una multitud de 72.000 personas. Algunos de los artistas incluidos fueron Def Leppard, Robert Plant, Tony Iommi, Roger Daltrey, Guns N ‘Roses, Elton John, David Bowie, George Michael, Annie Lennox, Seal, Extreme y Metallica, quienes interpretaron varias canciones de Queen junto con las tres miembros de la banda. El concierto aparece en el Libro Guinness de los Récords como «El concierto benéfico más grande en memoria de una estrella de rock», ya que fue televisado a más de 1.200 millones de espectadores en todo el mundo, recaudando más de 20 millones de libras para organizaciones benéficas contra el SIDA.

Tras la muerte Freddie.

El último álbum de Queen con Mercury, titulado «Made in Heaven», fue lanzado en 1995, cuatro años después de su muerte. El álbum se construyó a partir de las grabaciones finales de Mercury en 1991, material sobrante de sus trabajos anteriores y material reelaborado por May y Taylor. El álbum también incluía la canción «Mother Love», la última grabación vocal que hizo Mercury, que completó usando una caja de ritmos, sobre la cual May, Taylor y Deacon agregaron la pista instrumental. Después de completar el penúltimo verso, Mercury le dijo a la banda que «no se sentía tan bien» asegurando: «Lo terminaré cuando vuelva, la próxima vez». Mercury nunca regresó al estudio y fue May quien grabó el verso final de la canción. Ambas etapas de grabación, antes y después de la muerte de Mercury, se completaron en el estudio de la banda en Montreux, Suiza.

«La estatua de Freddie»

El álbum alcanzó el número uno en el Reino Unido después de su lanzamiento (su noveno álbum número uno) donde alcanzó el cuádruple platino vendiendo 1,2 millones de copias, además de vender 20 millones de copias en todo el mundo. La portada del álbum tiene dos fotos diferentes: la foto de portada del CD fue tomada al anochecer, mostrando la escultura de Mercury ubicada en el lago de Ginebra en Montreux, Suiza, en la contra portada aparecen May, Taylor y Deacon mirando a los Alpes; Mientras tanto, la foto de portada de L.P. se tomó en el mismo lugar al amanecer, mostrando la misma estatua pero con May, Taylor y Deacon mirando el amanecer en la contraportada. El 25 de noviembre de 1996, casi cinco años después de su muerte, se inauguró una estatua de Mercury en Montreux con vistas al lago de Ginebra.

En 1997, Queen regresó al estudio para grabar «No-One but You (Only the Good Die Young)», una canción dedicada a Mercury y todos aquellos que mueren demasiado pronto. Fue lanzado como un bonus track en el álbum recopilatorio «Queen Rocks» de ese mismo año. En enero de 1997, Queen interpretó en vivo en París «The Show Must Go On» con Elton John y el Ballet Béjart, en una noche en la que Mercury fue recordado, siendo la última actuación y aparición pública de John Deacon, quien decidió retirarse de la música. El concierto de París fue la segunda vez que Queen tocó en vivo desde la muerte de Mercury, lo que llevó a Elton John a instarlos a actuar nuevamente.

Brian May y Roger Taylor actuaron juntos en varias ceremonias de premios y conciertos benéficos, compartiendo voces con varios cantantes invitados. Durante ese tiempo, fueron presentados como «Queen +» seguido del nombre del cantante invitado. En noviembre de 1999, se lanzó «Greatest Hits III». En este punto, la gran cantidad de ventas de discos de Queen los convirtió en el segundo artista más vendido de todos los tiempos en el Reino Unido, detrás de los Beatles. En noviembre de 2000, la banda lanzó la caja, «The Platinum Collection», certificado siete veces platino en el Reino Unido y cinco veces platino en los EE.UU.

Desde la muerte de Mercury se han lanzado números recopilatorios y directos tanto en formato C.D. como Dvd/Blue Ray. Para mi la historia de Queen acaba aquí, es decir, no voy a hablar sobre las reuniones con Paul Rodgers o Adam Lambert ya que considero que Queen son los cuatro miembros originales. Queen compuso música que se inspiró en muchos géneros musicales diferentes, a menudo con una actitud irónica, como el rock progresivo (también conocido como rock sinfónico), art rock, glam rock, heavy metal, pop rock o rockabilly, aunque también escribió canciones inspiradas en diversos estilos musicales que no se asocian típicamente con grupos de rock, como la ópera, music hall, música folck, gospel, ragtime o música disco. La banda ha lanzado un total de 18 álbumes número uno, 18 sencillos número uno y 10 DVD número uno en todo el mundo, lo que los convierte en uno de los artistas musicales más vendidos del mundo. En 2004 las estimaciones de ventas de discos los situaba entre los 170 y los 300 millones de discos en todo el mundo, incluidos 34,5 millones de álbumes en los EE.UU. En 2001 fueron incluidos en el Rock y Roll Hall of Fame. Queen es el único grupo en el que cada miembro ha compuesto más de un single que encabeza las listas de éxitos. En 2003 los cuatro miembros fueron incluidos en el Songwriters Hall of Fame. En enero de 2020, Queen se convirtió en la primera banda en unirse a la reina Isabel II en una moneda británica. Emitida por la Royal Mint, la moneda conmemorativa de 5 libras presenta los instrumentos de los cuatro miembros de la banda. En julio de 2020, Queen se convirtió en la tercera banda (después de los Beatles y Pink Floyd) en aparecer en una serie de sellos postales del Reino Unido emitidos por Royal Mail.

Queen sin duda ha sido una fuente de inspiración importante para géneros como el hard rock y el heavy metal. La banda ha sido citada como una influencia por muchas bandas como: Judas Priest, Iron Maiden, Dream Theater, Rage Against the Machine, Guns N ‘Roses, Def Leppard, Mötley Crüe, Foo Fighters, Red Hot Chili Peppers o Marilyn Manson. Asi como para bandas de otros estilos como The Killers, My Chemical Romance, Faith Hill, George Michael, Robbie Williams, Adele, Lady Gaga o Katy Perry.

Pero vamos a continuar con la cabeza visible de Queen, con le permiso de Mercury, el guitarrista Brian May y no lo hacemos con su trabajo en solitario sino con esta colaboración en este proyecto llamado Phenomena.

Phenomena es un proyecto de hard rock/AOR formado por el productor Tom Galley y su hermano, el ex guitarrista de Whitesnake, Mel Galley. Durante la grabación de su primer trabajo se les unió el fundador de la revista «Metal Hammer», Wilfried Rimensberger. El homónimo debut de este proyecto, lanzado en 1985, resultó un absoluto éxito, con participaciones de músicos tan prestigiosos como Cozy Powell, el mencionado Mel Galley, Neil Murray, Don Airey o Ted McKenna, además de contar con la impecable voz de Glenn Hughes. Tres años después regresaron con “Phenomena II: Dream Runner”, en esta ocasión contaba con aún más participantes, destacando las voces de Hughes, John Wetton, Ray Gillen y Max Bacon. La tercera parte tardó seis años en llegar, bajo el título de “Phenomena III: Inner Vision”, dónde destacan las guitarras de Brian May y Scott Gorham, ex guitarrista de Thin Lizzy, además de volver al formato de un solo vocalista, con Keith Murrel, ex Mama’s Boys, cómo cantante. en este ultimo trabajo aparecían el batería Michael Sturgis y el bajista Leif Johansson, compañeros de Gorham en esta banda llamada 21 Guns.

Formados a principios de la década de 1990 por el guitarrista de Thin Lizzy, Scott Gorham, el bajista Leif Johanson y el bateria Mike Sturgis, quienes se conocieron a través de su trabajo en Phenomena, mas el vocalista Tommy La Verdi. La banda debuto en 1990 con el álbum «Salute», con un sonido de hard rock melódico, con tintes AOR. Para el segundo álbum de 1997 «Nothing’s Real», La Verdi fue reemplazado por el cantante Hans-Olav Solli y el sonido del grupo se volvió mas rockero y menos AOR. La banda se disolvió en 2000, publicando en 2002 «Demolition», un álbum con demos que no entraron en sus dos anteriores trabajos. Vamos con una curiosidad, uno de los temas de su primer álbum «Just a Wish» fue regrabada en este curioso proyecto llamado Far Corporation.

Banda «internacional» creada por el productor alemán Frank Farian, quien creó las bandas Boney M. y Milli Vanilli. El nombre fue abreviado de «Frank Farian Corporation», que originalmente se creó para grabar una versión de «Mother and Child Reunion» de Paul Simon como un disco benéfico, con el que logró entrar en el top 10 en varios países europeos. El principal logro de Far Corporation fue su versión de «Stairway to Heaven» de Led Zeppelin. Curiosamente, Far Corporation fue en realidad el primer grupo en llegar a las listas de sencillos con esta canción, ya que Led Zeppelin nunca la había lanzado como sencillo. De hecho, fue la única versión de la canción que se ubicó en el Billboard Hot 100 de EE.UU. , alcanzando el puesto 89 en octubre de 1986. Algunos de los músicos que Farian reunió fueron los vocalistas Robin McAuley y Henry Gorman, el batería Simon Phillips y tres miembros de Toto, el vocalista Bobby Kimball, el teclista David Paichy el guitarrista Steve Lukather. Far Corporation lanzó su primer álbum «Division One» en 1985 y su versión de «Stairway to Heaven» alcanzó el puesto numero 8 en la lista de singles del Reino Unido. El segundo sencillo del álbum fue otra versión, «Fire and Water» de Free. En 1987 se lanzaron dos sencillos en adelanto de un siguiente álbum, pero ninguno llegó a las listas de éxitos, y el álbum finalmente fue descartado. En 1994 se lanzó ese segundo trabajo «Solitude» coincidiendo con 25 aniversario de Farian como productor. En realidad este proyecto no tiene mucho que ver con el rock, ya que muchos temas eran una mezcla de pop rock con sonidos disco de la época, pero es curioso ver como músicos de hard rock o incluso heavy se involucran en este tipo de proyectos. Precisamente uno de esos musicos nos lleva a la siguiente banda, el batería Simon Phillips y su paso por los míticos Judas Priest.

Banda a la que se le dedico el programa numero 15 https://rockencadena.home.blog/2020/02/05/programa-no-15/ y en la que nos centraremos en su tercer álbum de estudio publicado el 8 de abril de 1977. Después de lanzar sus dos primeros álbumes con el sello Gull, Judas Priest vio una falta de apoyo financiero por parte de su compañía discográfica. Su álbum anterior, «Sad Wings of Destiny», llamó la atención de CBS Records, y con la ayuda del nuevo manager David Hemmings, la banda firmó con CBS y recibió un presupuesto de 60.000 libras para el siguiente álbum, cuyo titulo esta sacado de la letra de la canción «Genocide» de su anterior trabajo. La firma requirió romper su contrato con Gull, lo que resultó en que los derechos de los dos primeros álbumes y todas las grabaciones relacionadas, incluidas las demos, se convirtieran en propiedad de Gull, quien reempaquetaba y relanzaba periódicamente el material de estos álbumes. La grabación comenzó en enero de 1977 en los Rampart Studios de Londres, propiedad de la banda The Who. El bajista de Deep Purple, Roger Glover, fue contratado para producir el álbum aunque la banda inicialmente estaba bastante interesada ​​en producir «Sin After Sin». CBS, sin embargo, insistió en un productor experimentado, sugiriendo a Roger Glover. La banda estuvo de acuerdo, pero después de una sesión, despidió a Glover, continuando por su cuenta. Después de algunas semanas de no sacar nada en claro, la banda llamó a Glover y las sesiones comenzaron de nuevo, a tan solo seis días de acabar el tiempo reservado en el estudio. Durante este período la banda se separó del batería Alan Moore, ya que su técnica era demasiado limitada para el sonido que la banda tenia pensado. El batería de sesión Simon Phillips fue contratado para terminar las grabaciones quien se negó a convertirse en miembro permanente de Judas Priest, por lo que la banda contrató a Les Binks por recomendación de Glover. El álbum incluye una versión de la canción de Joan Baez «Diamonds & Rust», decisión que fue alentada por el productor Roger Glover con el interés de agregar un tema con potencial comercial. De hecho, «Diamonds & Rust» fue la primera canción de Judas Priest en ser emitida en la radio. «Sin After Sin» fue el lanzamiento más exitoso de Judas Priest hasta ese momento, alcanzando el puesto 23 en la lista de álbumes del Reino Unido. Ese éxito fue difícil de duplicar en los EE.UU., donde el álbum no se entró en las listas. En el Reino Unido, también se enfrentaron a una recepción algo hostil además de ser ignorados por una prensa musical que en ese momento estaba muy centrada en un nuevo género que se extendió por Gran Bretaña a fines de la década de 1970, el punk rock. Aunque tardaría varios años, «Sin After Sin» es el primero de once álbumes consecutivos de Judas Priest en ser certificado oro o superior. «Sin After Sin» fue el último álbum de Judas Priest que incluyó su logotipo original de «letra cursiva gótica». Continuamos con el «culpable» del éxito (o parte) de este álbum, el bajista y productor Roger Glover, y como con su banda Deep Purple.

Otra banda que tuvo su programa https://rockencadena.home.blog/2020/05/05/programa-no17/ así que ya sabéis lo que toca…hablar de la reunión de la banda a mediados de los 80. En abril de 1984, ocho años después de la desaparición de Deep Purple, tuvo lugar una reunión con la formación «clásica» (Mark II que dicen los anglosajones) de principios de la década de 1970: Gillan, Lord, Blackmore, Glover y Paice. La banda firmó un contrato mundial con PolyGram, con Mercury Records lanzando sus álbumes en los Estados Unidos y Polydor Records en el Reino Unido y otros países. El álbum «Perfect Strangers» fue lanzado en octubre de 1984. El álbum fue un éxito comercial, alcanzando el número 5 en la lista de álbumes del Reino Unido y el número 12 en el Billboard 200 en los Estados Unidos, convirtiéndose en el segundo álbum de estudio de la banda en ser platino en los Estados Unidos, después de «Machine Head» de 1972. La gira fue tan exitosa que la banda tuvo que reservar fechas adicionales para la gira por estadios en Estados Unidos, ya que las entradas se agotaron muy rápidamente. Su gira por Estados Unidos en 1985 superó a todos los artistas de ese año, excepto a Bruce Springsteen. Con esta formación «clásica» se lanzando «The House of Blue Light» en 1987, y otro álbum en vivo, «Nobody’s Perfect» de 1988. En el Reino Unido se lanzó una nueva versión de «Hush» (con Gillan en la voz principal) para conmemorar los 20 años de la banda. Gillan fue despedido en 1989; sus relaciones con Blackmore se habían agriado de nuevo y sus diferencias musicales habían divergido demasiado. Y precisamente con el vocalista que sustituyo a Gillan la primera vez que abandono la banda continuamos, el gran David Coverdale y sus Whitesnake.

Después de la desaparición de Deep Purple, Coverdale se embarcó en una carrera en solitario. Lanzó su primer álbum en febrero de 1977, titulado «White Snake» y en 1978, su segundo álbum titulado «Northwinds». Después de grabar el álbum, Coverdale formó la banda Whitesnake, lanzando a principios de 1978, el E.P. «Snakebite»…y hasta aquí la historia de Whitesnake, porque como ya sabéis dedicamos un programa a la banda hace tiempo https://rockencadena.home.blog/2021/04/05/programa-no28/ y allí podéis encontrar todo lo relacionado con la banda. Pero nos vamos a centrar en uno de sus mejores álbumes «Slide it in», un álbum lleno de historias que os cuento a continuación. Las grabaciones de «Slide It In» comenzaron en 1983 en Musicland Studios en Munich, Alemania con el productor Eddie Kramer, quien había sido sugerido a David Coverdale por John Kalodnerel A&R de Geffen Records, la nueva compañía de la banda en los Estados Unidos. Poco después Kramer fue sustituido por el productor británico Martin Birch. El guitarrista Micky Moody completó la grabación de todo el álbum con el nuevo productor Martin Birch, pero las cosas llegaron a un punto crítico a finales de 1983. Según Moody, la personalidad de Coverdale había cambiado en comparación con cuando se conocieron en 1976. Moody finalmente decidió dejar Whitesnake cuando Coverdale lo avergonzó frente al guitarrista de Thin Lizzy, John Sykes, que estaba de gira junto a Whitesnake. Poco después de la partida de Moody, John Sykes fue anunciado a la prensa como el nuevo guitarrista de la banda. Al mismo tiempo, el bajista Colin Hodgkinson fue despedido, ya que Coverdale vio que su estilo no encajaba con el nuevo sonido de Whitesnake. Como resultado de la partida de Hodgkinson, se le pidió a Neil Murray que se reincorporara de nuevo al grupo. Cuando «Slide It In» salió en el Reino Unido, fue un éxito en las listas, siendo su cuarto álbum entre los 10 primeros en el Reino Unido, alcanzando el número 9, pero fue muy criticado por sus «letras y títulos llenos de doble sentido» y por la mezcla del álbum, que se consideró «absolutamente plana». Esto pronto cambiaría, ya que el sello estadounidense de Whitesnake, Geffen Records, insistió en que el álbum fuera remezclado. Con la ayuda del famoso productor Keith Olsen, «Slide It In» renovó su sonido, ahora más duro y a la vez más moderno, además de darle a John Sykes y Neil Murray la oportunidad de reemplazar las partes de guitarra de Moody y las partes de bajo de Hodgkinson respectivamente.

«La banda con la que empezó 1984…»
«…y la banda con la que terminó 1984»

La edición europea del álbum contiene la mezcla original. Esta mezcla presenta una presencia más fuerte de teclados de Jon Lord, y el bajo es más notorio. El orden de las pistas también es diferente al de la mezcla de EE.UU. La mezcla estadounidense baja los teclados y el bajo en la mezcla, y está más orientada a las guitarras y la batería. La versión estadounidense presenta algunos solos de guitarra diferentes a la edición europea, con la incorporación de John Sykes como tercer guitarrista superpuesto a las partes de guitarra originales grabadas por Mel Galley y Micky Moody. Las partes de bajo que originalmente fueron grabadas por Colin Hodgkinson fueron reemplazadas por las partes de bajo de Neil Murray. La versión estadounidense también incluyó algunas partes de teclado nuevas de Bill Cuomo. La versión remezclada de «Slide It In» alcanzó el puesto 40 en la lista Billboard 200. En 1988, el álbum volvió a entrar en las listas de Estados Unidos debido al éxito de su álbum homónimo de 1987, siendo certificado como doble platino. Fue la última grabación de Whitesnake que usó el logo «serpiente» original de la banda. El álbum finalmente vendió más de cuatro millones de discos. Whitesnake se embarcó en una gira europea con la formación de Coverdale/Sykes/ Galley/ Murray/ Lord/Powell, pero la banda tuvo problemas cuando Mel Galley se vio envuelto en un accidente que le dañó algunos nervios en el brazo y le impidió tocar la guitarra. Continuó como miembro de Whitesnake por un tiempo, pero fue despedido poco después. El grupo continuó de gira hasta abril de 1984, cuando hubo otro cambio de formación, Jon Lord abandonó el grupo, lo que dejó a Whitesnake como un cuarteto. Después de que terminó la gira, Cozy Powell se separó de la banda, un musico que entre sus muchas bandas y colaboraciones se encuentra este proyecto llamado SAS Band.

All-Star Band fundada en 1994 por el teclista de de directo de Queen, Spike Edney y bautizada como SAS Band (Spike’s All Stars). La banda original de directo incluía a Cozy Powell a la batería, Neil Murray al bajo y Jamie Moses a la guitarra, con los que grabó en 1997 el primer álbum además de contar con la colaboración de muchos y variados músicos de la escena musical británica del rock y del pop, entre ellos se encuentran miembros de Queen, Whitesnake, Free, Roxy Music, Toto y Spandau Ballet, y artistas solistas como Fish, Bruce Dickinson, Kiki Dee, Paul Young, Lionel Richie o Bob Geldof. En el año 2000 aparece su segundo trabajo titulado «The Show». Tanto en los álbumes como en los directos SAS Band interpreta versiones y temas propios de los músicos que colaboran en el proyecto. A mediados de la década de 1970, Spike Edney grabó y realizó giras con The Tymes y Ben E. King, tocando teclados, bajo, guitarra y trombón. Posteriormente, a finales de la década de 1970, fue director musical de Edwin Starr y, a principios de la década de 1980, trabajó con Duran Duran, The Boomtown Rats y The Rolling Stones. Desde 1984, durante la gira The Works de Queen, Edney se convirtió en su teclista de directo hasta los ultimo shows de Mercury. Tras la muerte de Freddie Mercury, Edney asumió el papel de Mercury en el piano durante las giras de Queen + Paul Rodgers en 2005, 2006 y 2008, Queen + Adam Lambert en 2012, 2014 y la gira 2015-2020. También ha sido el teclista de la producción londinense de We Will Rock You desde que se inauguró en 2002. Edney también es el director musical de la banda tributo oficial a Queen, Queen Extravaganza, además de formar parte de la banda de Brian May en las giras de 1993 y 1998, así como del proyecto paralelo de Roger Taylor, The Cross.

Taylor formó The Cross mientras Queen estaba en un descanso después del Magic Tour a mediados de 1987. Reclutó al teclista de gira de Queen, Spike Edney, el guitarrista Clayton Moss, el bajista Peter Noone y el batería Josh Macrae. El primer álbum, «Shove It», fue lanzado en 1988. Dos pistas incluyeron a miembros de Queen: Freddie Mercury y Brian May. En gran parte este trabajo era un proyecto en solitario, grabado principalmente por Taylor antes de reclutar al resto de la banda. El álbum y los tres sencillos que generó llegaron a las listas de éxitos en el Reino Unido, donde también recibió cierta prensa positiva. El segundo álbum de estudio, «Mad, Bad and Dangerous to Know» lanzado en 1990, es a diferencia de su anterior trabajo, un álbum mas orientado al rock donde cada miembro de la banda contribuye a la composición. Tras las malas ventas en el Reino Unido, EMI prescindió de la banda se negó a lanzar un tercer álbum de la banda. Sin embargo, como la banda había disfrutado de un éxito moderado en Alemania, la filial alemana de EMI, EMI Electrola, lanzó su tercer trabajo, Blue Rock (1991), en ese país además de en Japón, Italia (solo vinilo) y Francia (solo casete).»Blue Rock» continua con el sonido rock de su predecesor. Spike Edney contribuyó mucho más al disco, escribiendo o co-escribiendo siete de las diez pistas del álbum. «Blue Rock» tampoco logró vender muchas copias. Esto contribuyó a la disolución de The Cross dos años después. Y como no su fundador Roger Taylor nos lleva a la banda protagonista de este blog, Queen. Espero que hayáis disfrutado con la lectura. Hasta la próxima!!

Episodio Nº35

Ir a descargar

Bienvenidos a una nueva entrada de Rock en Cadena. Volvemos a la vieja Europa de la mano de una banda que tal vez no tuvo el reconocimiento que se merece. En ocasiones citados como un referente del hard rock, fueron un punto de unión entre este estilo y el incipiente sonido de la NWOBHM. Tras 53 años de carrera aun hoy siguen dando «guerra». Ellos son UFO.

Los comienzos.

En 1968 el cantante Phil Mogg, el guitarrista Mick Bolton, el bajista Pete Way y el bateria Andy Parker formaron la banda Hocus Pocus. Un año después el grupo cambió su nombre a UFO, en honor al club de Londres donde fueron descubiertos por Noel Moore, quien los fichó con el sello Beacon Records. Su primer álbum, «UFO 1», lanzado en 1970, es un ejemplo típico de lo que mas tarde se conocería como hard rock. En Estados Unidos se editó 1971. A pesar de que álbum no entró en las listas de U.K ni U.S.A, el álbum se convirtió en un éxito en Alemania y Japón. Lanzado en 1971, «UFO 2: Flying» (subtitulado Space Rock) y también conocido como «UFO 2» o «Flying», es el segundo álbum de UFO . Este álbum se distingue por su canción principal, ya que esta dura 26:30 minutos, convirtiéndose en una de las pistas más largas grabadas en música rock hasta ese momento e indudablemente la canción más larga que la banda haya grabado. En 1971 se publica «Live» la primera grabación en vivo del grupo, lanzado exclusivamente en Japón en diciembre de ese año y titulado «UFO Landed Japan». El álbum fue lanzado meses después en el resto del mundo, con títulos, como «UFO Live in Japón» y «UFO Lands en Tokio». Sus primeros trabajos estuvieron fuertemente influenciados por el «rock espacial», pero la banda se dio cuenta de que el estilo era algo limitado. Mick Bolton dejó el grupo en enero de 1972, y UFO comenzó la búsqueda de un guitarrista que pudiera proporcionar a la banda un sonido de rock más duro.

«UFO 1970»

Después de una breve prueba con Larry Wallis (febrero-octubre de 1972) y el guitarrista de Whitesnake Bernie Marsden (quien estuvo de gira con UFO en Europa y grabó un par de demos), la banda reclutó en junio de 1973 al guitarrista de Scorpions Michael Schenker, quien en ese momento tenia tan solo 18 años. En un nuevo sello, Chrysalis Records, los nuevos UFO grabaron un sencillo en 1973, «Give Her the Gun» y «Sweet Little Thing». En 1974 UFO grabó «Phenomenon», con un sonido de guitarra más duro. Durante la gira «Phenomenon», el ex guitarrista de Skid Row Paul «Tonka» Chapman se unió al grupo, pero se fue en enero de 1975.

«Force It», cuarto álbum de estudio de la banda, lanzado en 1975, se convirtió en el primer álbum de UFO en entrar en las listas de Estados Unidos. La portada, donde aparecían un hombre y una mujer semidesnudos en una bañera, fue censurada en U.S.A. donde se mostraba a la pareja de forma transparente. En 1976 se edita «No Heavy Petting», primer álbum de la banda en contar con un teclista (Danny Peyronel) como miembro de la banda, lo que lo convierte en su primer disco como un grupo de cinco componentes. banda. Estos dos trabajos, mas sus correspondientes giras, hicieron a UFO mas populares tanto en U.S.A como en U.K. En julio de 1976 la banda reclutó al teclista y guitarrista Paul Raymond, grabando en 1977 «Lights Out», llegando al número 23 en el Billboard 200, siendo el álbum de la banda que mas alto llegó en los Estados Unidos. En el Reino Unido alcanzó el número 54 y permaneció en la lista durante dos semanas. Este álbum es sin duda el trabajo que mas éxito dio a la banda. La gira les llevo a tocar en grandes escenarios de los Estados Unidos y Europa, abriendo para bandas como Rush y AC/DC. La banda volvió al estudio para grabar su próximo álbum «Obsession» (1978). Si bien «Obsession» no tuvo tanto éxito como «Lights Out», la banda continuó girando por grandes recintos tocando nuevamente con AC/DC y Rush y con otras bandas como Blue Öyster Cult, Styx, Foghat, Jethro Tull, REO Speedwagon y Molly Hatchet.

«Schenker, Mogg, Parker, Way y Raymond…la formación clásica»

Durante la gira, UFO grabó el álbum en vivo, «Strangers in the Night», lanzado en enero de 1979, convirtiéndose en un éxito comercial y de crítica alcanzando, un mes después de su publicación, el número 7 en la lista de álbumes del Reino Unido. La gira les llevo a tocar junto a bandas tan importantes como AC/DC, Kiss, Cheap Trick, Journey, Thin Lizzy, Nazareth y Judas Priest y a participar en el California World Music Festival con Aerosmith, Van Halen, Toto y April Wine.

La fuga de Schenker y el principio del declive.

A finales de la década de los 70 las tensiones comenzaron a crecer entre Mogg y Schenker, debido a que Schenker a menudo se iba antes o durante los espectáculos. Poco después del show de UFO en Palo Alto, California, el 29 de octubre de 1978, Schenker dejó la banda. Después de la salida de Schenker, UFO volvió a contratar a Paul Chapman en la guitarra. En enero de 1980 lanzaron su siguiente L.P., «No Place to Run», producido por el ex productor de los Beatles George Martin. El álbum no pudo igualar el éxito de sus predecesores, aunque entró el UK Top 10. Paul Raymond dejó la banda al final de la gira y fue reemplazado por John Sloman de Uriah Heep en los teclados durante un par de meses y mas tarde por el guitarrista y teclista Neil Carter (ex Wild Horses), quien ayudó a llenar el vacío en la composición dejado por la partida de Schenker. Carter debutó con UFO el 23 de agosto de 1980 en el Festival de Reading. A principios del año siguiente, UFO lanzó «The Wild, the Willing and the Innocent», producido por la banda, con un sonido de rock más ligero. El álbum logró entrar en el Top 20 del Reino Unido. En febrero de 1982, la banda lanzó «Mechanix». Tuvo éxito en el Reino Unido, donde alcanzó el octavo lugar, la posición más alta de la banda. Ese año, tras finalizar la gira, el miembro fundador Pete Way dejó la banda, siendo reemplazado por el bajista de Talas Billy Sheehan. UFO lanzó «Making Contact» en 1983, con Paul Chapman encargándose de grabar el bajo. El álbum fue un fracaso comercial y crítico. En marzo de ese año, UFO decidió disolverse. La banda realizó una gira de despedida por el Reino Unido con Paul Gray (ex bajista de Eddie and the Hot Rods y The Damned).

La separación del grupo resultó ser una breve pausa, poco menos de dos años después, a finales de 1984, Mogg reunió una nueva formación de UFO, de nuevo con Paul Gray en el bajo, el ex batería de Diamond Head Robbie France (reemplazado en 1985 por el ex batería de Magnum Jim Simpson) y Atomik Tommy M. (Tommy McClendon) en la guitarra, con Paul Raymond uniéndose a la banda poco después. Con esta formacion UFO lanzó en 1986 «Misdemeanor». Raymond se fue de nuevo en 1986 y fue reemplazado por David Jacobson, quien junto con Gray se iría en 1987, con Pete Way regresando a la banda. Antes de la partida de Gray, la banda grabó el E.P. «Ain’t Misbehavin ‘» lanzado en 1988. A pesar de los continuos cambios de la banda, ninguno de los lanzamientos tuvo éxito y UFO se disolvió nuevamente en 1989 después de que una serie de guitarristas reemplazaran a McClendon: Myke Gray de Jagged Edge a finales de 1987, Rik Sandford, ex guitarrista de Starfighters y Tony Glidewell en 1988, y finalmente en 1989 el futuro guitarrista de Cold Sweat, Erik Gamans.

Reunión.

«El pequeño de los Schenker, un tipo difícil de tratar»

En 1991, Mogg y Way decidieron reflotar de nuevo a UFO junto con los antiguos miembros de Wild Horses, Clive Edwards a la batería y Laurence Archer a la guitarra. Con esta formación lanzaron en 1992 «High Stakes & Dangerous Men». Aunque se lanzó en un pequeño sello independiente, el album genero una «nueva esperanza» a los fans de la banda. Al año siguiente, la formación clásica de UFO de finales de los 70, Mogg, Schenker, Way, Raymond y Parker, se reunió de nuevo, editando en 1995 «Walk on Water» en principio solo en Japón para en 1997 hacerlo en el resto del mundo. Esta alineación (salvo el reemplazo en la batería de Parker por Simon Wright de AC/DC) hizo una gira mundial. Sin embargo, las tensiones volvieron a surgir, y Schenker dejó a la banda tras solo cuatro shows, saliendo del escenario a mitad del set en la misma ciudad, Palo Alto, California, donde a finales de los 70 abandonó a UFO por primera vez.

Sin embargo, Schenker regresó al redil en 1998 y la banda se embarcó en otra gira, con Parker nuevamente reemplazado por un nuevo batería. En 2000, Schenker se reincorporó a UFO nuevamente y la banda lanzó el doble C.D. «Covenant» (con Aynsley Dunbar a la batería), con el disco 1, titulado «Covenant», con material completamente nuevo, y el disco 2, titulado «Live USA», que contiene una colección de clásicos interpretados en vivo. En 2002, la banda publicó «Sharks», pero poco después de su lanzamiento, Schenker dejó la banda una vez más y fue reemplazado por Vinnie Moore, el anuncio oficial se hizo en julio de 2003.

Nuevo milenio y despedida.

En 2004, UFO lanzó su álbum de estudio número 17, «You Are Here», con su nuevo guitarrista Vinnie Moore y Jason Bonham en la batería (de forma intermitente). UFO grabó su set en vivo y lanzó en 2005 una grabación en doble DVD y doble C.D. titulada «Showtime», mezclando una serie de canciones de estudio regrabadas. En noviembre de 2005, Andy Parker regresó a la banda. El décimo octavo álbum de estudio de UFO, titulado «The Monkey Puzzle» , fue lanzado en 2006. En la gira de 2008, Pete Way no pudo obtener el permiso de trabajo para ingresar a los Estados Unidos, y Rob De Luca lo reemplazó. UFO lanzó, «The Visitor», en junio de 2009. Las pistas de bajo del álbum fueron interpretadas por Peter Pichl, y ni Pete Way ni ningún otro bajista fue acreditado como miembro de la banda. «The Visitor» fue el regreso de UFO a la lista de álbumes del Reino Unido por primera vez en casi 15 años. La gira por el Reino Unido que siguió a la publicación del álbum fue realizada sin Pete Way, por problemas médicos. En julio de 2009, se lanzó una caja de conciertos en vivo de seis C.D.s, que contenía grabaciones de seis conciertos entre 1975 y 1982, así como canciones en vivo inéditas. En su gira de 2011, fueron acompañados por Barry Sparks tocando el bajo. En 2012 se publica «Seven Deadly», con Lars Lehmann en el bajo, un trabajo que supero el éxito de su anterior álbum. Su ultimo trabajo con material inédito se publicó en 2015 bajo el titulo de «A Conspiracy of Stars» ya con Rob de Luca como miembro de la banda. En 2016 UFO publica «The Salentino Cuts», un álbum de versiones de bandas tales como The Yardbirds, The Doors , , Steppenwolf , ZZ Top y The Animals entre otros. En mayo de 2018, el vocalista Phil Mogg anunció que la gira del 50 aniversario de UFO en 2019 sería la última como líder de la banda, asegurando que UFO podría separarse o seguir adelante con un nuevo vocalista. A dia de hoy Phil Mogg es aun miembro de UFO, quienes reanudarán sus actividades de gira en el verano y otoño de 2022, ya que se habían retrasado de un año antes debido a la pandemia de COVID-19. El último show de UFO tendrá lugar el 29 de octubre de 2022 en Atenas, Grecia, donde la banda realizó su primer show con el actual guitarrista Vinnie Moore dieciocho años antes.

«UFO 2020

El teclista y guitarrista Paul Raymond murió de un ataque al corazón el 13 de abril de 2019 a la edad de 73 años. Dos semanas después, se anunció que el reemplazo inicial de Raymond, Neil Carter, se reincorporaría a UFO durante el resto de la gira final de la banda. El ex guitarrista Paul Chapman murió en su 66 cumpleaños el 9 de junio de 2020. Dos meses más tarde el bajista original Pete Way, murió por las lesiones sufridas en un accidente una semana después de cumplir 69 años. Durante una carrera que abarca 53 años, UFO ha lanzado 22 álbumes de estudio, 14 grabaciones en vivo, 16 álbumes recopilatorios y un álbum de versiones. Alcanzaron un éxito moderado a finales de la década de 1970 y principios de la de 1980 con varios álbumes y sencillos en las listas de los 40 principales del Reino Unido y Estados Unidos, vendiendo más de 20 millones de discos en todo el mundo. UFO ha sido para muchos grupos y músicos un referente dentro del hard rock, sin duda ayudados por la incorporación de Michael Schenker a la banda, considerado por los fans como «el guitarrista» de UFO, además de un guitarrista y compositor imprescindibles dentro de la historia del hard rock. Asi que con el guitarrista alemán continuamos y su andadura en solitario.

Michael Schenker, mítico guitarrista que sin duda se merece un episodio en Rock en Cadena. Schenker, que tras su marcha en 1978 de UFO fundó su propia banda llamada Michael Schenker Group volvió a rearmarla en 1996 con el álbum «Written in the Sand» tras su aventura como McAuley Schenker Group y algunas idas y venidas de UFO. El título del disco proviene de una entrevista en la que Michael aseguró: «No importa que pasó con nosotros, seguimos escritos en la arena». En un principio el álbum solo se lanzó para el mercado japonés, donde alcanzó el puesto 22 en la lista de ese pais.​ Meses más tarde se relanzó en varios mercados europeos y en los Estados Unidos apareció en abril de 1999. Para esta nueva aventura el guitarrista alemán se acompaño de Leif Sundin en la voz, Shane Gaalaas en la batería y Barry Sparks en el bajo, precisamente Gaalaas y Sparks fueron años antes la base rítmica de otro «maestro» de las seis cuerdas, el sueco Yngwie Malmsteen.

Shane Gaalaas y Barry Sparks acompañaron a Yngwie Malmsteen en su álbum «Magnum Opus», octavo álbum de estudio del guitarrista, lanzado en 1995. El álbum alcanzó los números 11 y 17 en la lista de álbumes de Finlandia y Suecia, respectivamente. A pesar de su éxito inicial y continuo en Europa y Asia, a principios de la década de 1990, los estilos de heavy metal, como el metal neoclásico y los guitarristas virtuosos, habían pasado de moda en Estados Unidos. No así en Japón donde Yngwie seguía teniendo una gran cantidad de fans. «Magnum Opus» fue el segundo álbum de Yngwie Malmsteen con Mike Vescera como voz principal. Los otros miembros de la banda son Barry Sparks en el bajo, Shane Gaalaas en la batería y Mats Olausson en los teclados. Quizás este álbum fue el ultimo trabajo del guitarrista sueco digno de mención ya que desde entonces todas sus publicaciones han sido un intento de recuperar un éxito y un tiempo ya pasados. Precisamente con uno de los vocalistas de la epoca dorada de Yngwie continuamos, Joe Lynn Turner y este proyecto a dúo con le gran Glenn Hughes.

Glenn Hughes y Joe Lynn Turner habían planeado por primera vez lanzar un álbum juntos en 1989, escribieron algunas demos, pero nada de esto se editó. En 2000/2001, Hughes realizó una gira por Japón con Turner, con apariciones conjuntas durante en la gira Voices of Classic Rock. En ese momento los dos decidieron comenzar a trabajar juntos. El dúo lanzó su primer álbum a principios de 2002, titulado simplemente «HTP». El álbum contó con el guitarrista J.J. Marsh, quien contribuyó a gran parte de la composición de las canciones, el bateria Shane Gaalaas y el teclista Vince DiCola, así como de los guitarristas invitados John Sykes, Paul Gilbert y Akira Kajiyama. La gira japonesa, contó con los músicos nativos Akira Kajiyama, Toshio Egawa y Yoshihiro Kudo. Sus shows en Shibuya Club Quattro en Tokio fueron grabados para un álbum en vivo que fue lanzado en agosto de 2002, titulado «Live In Tokyo». Hughes Turner Project continuó su gira por Rusia y Europa, esta vez acompañados por el guitarrista J.J. Marsh, el teclista Joakim Svalberg y el batería Tomas Broman. El siguiente álbum, titulado «HTP 2», fue lanzado en septiembre de 2003, contando de nuevo con J.J. Marsh, Shane Gaalaas y el teclista Ed Roth. Esta vez los invitados especiales fueron Steve Vai, Jeff Kollman y el batería de Red Hot Chili Peppers, Chad Smith. Tras la gira, que comenzó en 2004, le dúo decidió detener la actividad de la banda para centrarse en otros proyectos. Aunque en septiembre de 2004 la pareja viajó a Moscú para grabar las voces de un álbum compuesto y organizado por el teniente de alcalde de Moscú, Mikhail Men, quien había escrito la mayor parte del material para el proyecto en la década de 1980 y, después de conocer a la pareja en su gira por Rusia, había solicitado sus servicios para el álbum. Las voces de Hughes y Turner se arreglaron de manera similar a los álbumes de HTP y ambos contribuyeron con la mayoría de las letras. El álbum, titulado «Made In Moscow», fue lanzado en julio de 2005 solo en Rusia y hasta la fecha no se ha editado fuera del país. Y ya que Turner nos trajo hasta HTP, Hughes no lleva a la banda en la que estuvo a mediados de los 80, Black Sabbath.

Black Sabbath, una banda que lógicamente ya tuvo un programa dedicado a ellos https://rockencadena.home.blog/2019/03/27/programa-no5/ así que hablaremos un poco del álbum que los ingleses publicaron tras la marcha de Glenn Hughes como vocalista en su anterior trabajo «Seventh Star» que originalmente fue escrito, grabado y destinado a ser el primer álbum en solitario de Tony Iommi., pero que tras las presiones de Warner Bros. Records y la sugerencia del manager de la banda Don Arden, el disco fue anunciado como «Black Sabbath con Tony Iommi». Tras esto la banda contó con un nuevo vocalista, Tony Martin, publicando en noviembre de 1987 «The Eternal Idol». EL álbum pasó seis semanas en la lista Billboard 200, alcanzando el puesto 168. También fue el último álbum completo de material nuevo de Black Sabbath lanzado por Warner Bros. Records (en Norteamérica), y el ultimo álbum a través de su sello original Vertigo Records hasta el lanzamiento de «13» en 2013.

«La portada de la intoxicación»

La portada del álbum presenta dos modelos en pintura de bronce que recrean la escultura de 1889 de Auguste Rodin «El ídolo eterno». Debido a la toxicidad de la pintura, los modelos fueron hospitalizados después del rodaje. Una fotografía de la escultura original estaba destinada a ser la portada, pero no se pudo obtener el permiso para su utilización. La portada acredita a Dave Spitz como bajista, pero todas las partes de bajo fueron de Bob Daisley. Eric Singer tocaba la batería. El álbum originalmente iba a ser grabado con Spitz y el vocalista Ray Gillen, que al parecer había tenido problemas para grabar las partes vocales y la gerencia no le pagaba. Gillen renunció poco después a continuar en la banda. El tema «Nightmare» se escribió inicialmente para la tercera película de «Nightmare on Elm Street». El batería Bev Bevan y el bajista original de Sabbath Geezer Butler fueron contratados para una gira de 1987 en apoyo del álbum, sin embargo, Butler se echó atrás al enterarse de que Sabbath había reservado fechas en la Sudáfrica de la era del apartheid. El teclista Geoff Nicholls tocó el bajo en algunos shows antes de que contrataran a Jo Burt. Posteriormente, Bevan fue reemplazado por el ex baterista de The Clash, Terry Chimes, quien aparece en el video musical de «The Shining», donde además aparece un bajista desconocido.

El bajista en el video de «Shining'», era un tipo que sacamos a rastras de la calle. No recuerdo su nombre, pero tenia imagen. Dijo que era guitarrista. Nunca lo volvimos a ver «.

Tony Martin

Al parecer este personaje, del que nadie conoce su nombre, pidió un audición para ocupar el puesto de bajista en la banda, cosa que tras la prueba no ocurrió. El álbum se volvió a publicar el 1 de noviembre de 2010 en Europa como un conjunto expandido de dos discos. El contenido adicional del disco 1 incluye los lados B de los singles. El disco 2 contiene el álbum grabado con Ray Gillen en la voz. Y ya que hablamos de vocalistas de Black Sabbath no podemos olvidarnos del original, el loco Ozzy Osbourne.

Ozzy sin duda también tendrá un lugar en Rock en Cadena, así que vamos con el primer álbum en solitario del «príncipe de la tinieblas». A finales de 1979, bajo la dirección del manager Don Arden (mas tarde suegro de Ozzy), Osbourne formó Blizzard of Ozz, con el batería Lee Kerslake (Uriah Heep), el bajista Bob Daisley (Rainbow), el teclista Don Airey (Rainbow), y el guitarrista Randy Rhoads (Quiet Riot). Su primer trabajo, coescrito con Daisley y Rhoads, le dio a Osbourne un éxito considerable. Aunque generalmente se dice que Osbourne y Rhoads comenzaron la banda, Daisley afirmó más tarde que él y Osbourne formaron la banda en Inglaterra antes de que Rhoads se uniera oficialmente. El álbum fue lanzado en septiembre de 1980 en el Reino Unido y el 27 de marzo de 1981 en los Estados Unidos, siendo certificado cuatro veces Platino en ese pais en 1997 y cinco veces Platino en 2000. En el Reino Unido, fue el primero de cuatro álbumes de Osbourne en obtener la certificación Silver (60.000 unidades vendidas), logrando esto en agosto de 1981. En el momento de la grabación del álbum, la banda en sí se anunciaba como The Blizzard of Ozz, y el álbum estaba destinado a ser acreditado a la banda con el nombre de Osbourne en letra más pequeña. De hecho, cuando la banda apareció en el Reading Festival en 1980, fueron anunciados simplemente como «la nueva banda de Ozzy Osborne». Segun Daisley «Cuando se lanzó el álbum, las palabras «Ozzy Osbourne» estaban en letras más grandes que The Blizzard of Ozz, lo que hizo que pareciera un álbum de Ozzy Osbourne llamado «The Blizzard of Ozz». Randy Rhoads nunca fue de los que se mueven en el barco. Sabía que estaba en una situación que era una buena oportunidad para él siendo relativamente desconocido, así que cuando Lee Kerslake y yo fuimos destituidos, Randy no tenía aliados y el grupo se convirtió en Ozzy Osbourne y no en una banda». En 1986, Daisley y Kerslake demandaron a Osbourne por derechos de autor impagados, y finalmente se acreditaron como compositores en «Blizzard of Ozz» y «Diary of a Madman». Posteriormente, se realizó una reedición en 2002 de estos álbumes que reemplazó las partes originales de bajo y batería de Daisley y Kerslake con partes nuevas grabadas por el entonces baterista de Osbourne, Mike Bordin, y el bajista Robert Trujillo. En 2003, la demanda de Daisley y Kerslake fue desestimada por el Tribunal de Distrito de los Estados Unidos en Los Ángeles. Sin embargo, las pistas originales de bajo y batería se restablecieron para el lanzamiento de 2011 debido a las protestas de los fans sobre la grabaciones alteradas. De nuevo una sección rítmica nos lleva a la siguiente banda, Uriah Heep, donde Kerslake primero y Daisley después, militaron.

Uriah Heep se formó en Londres en 1969 y se destaca por ser parte de la escena del rock de principios de la década de los 70 (junto con otras bandas británicas como Led Zeppelin, Black Sabbath y Deep Purple), además de ser considerados como pioneros de los géneros hard rock, heavy metal y rock progresivo. Uriah Heep ha lanzado veinticuatro álbumes de estudio (de material original), veinte álbumes en vivo y cuarenta y un álbumes recopilatorios. Doce de los álbumes de estudio de la banda han llegado a la lista de álbumes del Reino Unido («Return to Fantasy» alcanzó el número 7 en 1975), mientras que de los quince álbumes de Uriah Heep en el Billboard 200, «Demons and Wizards» fue el más exitoso, alcanzando el número 23 en 1972. A finales de los 70, la banda tuvo un gran éxito en Alemania, donde el sencillo » Lady in Black » fue todo un éxito. La banda ha vendido más de 45 millones de álbumes en todo el mundo con más de cuatro millones en los Estados Unidos. La música de Uriah Heep ha sido descrita como rock progresivo y heavy metal con influencias del acid rock, blues y folk. Las características distintivas de Uriah Heep siempre han incluido el sonido predominante del teclado, grandes armonías vocales y (en los primeros años) la voz «operística» de David Byron. Uriah Heep ha sido reconocida como una influencia por numerosos grupos, como Iron Maiden, Queen, Accept, Dio, King Diamond y Demons & Wizards (llamados así por el álbum de la banda con el mismo nombre ). La banda ha experimentado numerosos cambios de alineación a lo largo de su 52 años de carrera, dejando al guitarrista Mick Box como el único miembro original en activo. Entre los ex miembros de la banda se encuentran los vocalistas David Byron y John Sloman , los bajistas John Wetton y Bob Daisley los bateristas Lee Kerslake y Chris Slade , y los teclistas Ken Hensley y John Sinclair. Su formación actual incluye al guitarrista Mick Box, el teclista Phil Lanzon, el batería Russell Gilbrook, el bajista Dave Rimmer y el vocalista Bernie Shaw, quien junto al teclista Phil Lanzon coincidieron en esta banda llamada Grand Prix.

Grand Prix se fundó en 1978 bajo el nombre de París. Cambiaron su nombre a Grand Prix en 1980 con la formación de Bernie Shaw en la voz principal, Michael O’Donoghue en la guitarra, Ralph Hood en el bajo, Andy Beirne en la batería y Phil Lanzon en los teclados. En 1980, la banda lanzó su álbum debut homónimo en RCA Records. Un año después Shaw dejó la banda y fue reemplazado por Robin McAuley, quien grabaría dos álbumes más con el grupo, «There for None to See» (1982) y «Samurai» (1983)». En 1984 la banda se disolvió. Lanzon, McAuley, y O’Donoghue siguieron juntos bajo el nombre de Operator reclutando al ex batería de Motörhead Phil Taylor y al ex bajista de The Sensational Alex Harvey Band y Michael Schenker Group Chris Glen. El proyecto no cuajó y McAuley formaría GMT con Phil Taylor y Chris Glen, mas tarde McAuley formó parte del proyecto Far Corporation, ademas de unir fuerzas con el virtuoso de la guitarra Michael Schenker para formar McAuley Schenker Group. Shaw y Lanzon terminarían uniéndose a Uriah Heep. O’Donoghue se unió a Bronz y a principios de los noventa pasó un año con Ian Gillan grabando el álbum «Naked Thunder», acreditado como Mick O’Donoghue. Hood se convirtió en miembro de la banda con la que continuamos, Tarzen.

Formados en Madrid en 1985 por dos miembros de la recién separada banda Banzai, el guitarrista Salvador Domínguez en guitarra y el teclista Danny Peyronel quien además en Tarzen ejercía como vocalista principal. A ellos se les unieron el también argentino y hermano de Danny, Michel Peyronel y el bajista Ralph Hood. Phill Carson, manager de The Firm (la banda de Jimmy Page y Paul Rodgers) y director de Atlatic Recors en Europa fue el encargado de fichar a la banda, publicando en 1985 su primer álbum homónimo, siendo editado en países como los Estados Unidos, Alemania, Argentina, Brasil, el Reino Unido o Canadá, alcanzando cierta fama internacional, lo cual les otorgó la posibilidad de irse de gira por los Estados Unidos como teloneros de Twisted Sister con Dokken como banda invitada. A finales del 1986 problemas de Phil Carson hacen que la historia con el y la compañía se acaben, dejando al grupo a la búsqueda de una nueva compañía, además Salvador tiene ciertos problemas con los hermanos Peyronel que deciden apartarlo de la banda, sustituyéndole por Lawrence Archer. Pocos mese después Salvador hizo las «paces» con Danny y Michel volviendo a la banda, pero en ese momento Hood había dejado el proyecto siendo sustituido por otro bajista ingles, Gary Leedeman. En 1989 publican su segundo disco «Madrid» ya con Tarzen convertido en trio con Salvador y los hermanos Peyronel como únicos miembros de la banda aunque para la grabación (y los directos) cuentan con el bajista argentino Vitico, además de reforzar su sonido en directo con la incorporación de los también Argentinos Gady Pampillon a las guitarras y Pablo Duchofny a los teclados. El álbum, bajo la discográfica BMG, fue editado en Argentina, Chile, Méjico, España y el Reino Unido. Aunque la «fama» internacional del grupo había disminuido bastante, Tarzen graba para Latinoamérica una versión en castellano de «Madrid» titulada «Es una selva ahí fuera» lo que les sirvió para girar por ese continente además de ser teloneros de la gira de Bon Jovi por Latinoamérica. En 1990 la banda se separa.

Su teclista y vocalista Danny Peyronel nos lleva a nuestra banda protagonista ya que fue miembro de UFO de 1975 a 1976 grabando el álbum «No heavy Petting» y convirtiéndose en el primer teclista oficial de la banda además de contribuir a «refinar» el sonido de UFO. Espero que hayáis disfrutado con la lectura, os espero en la proxima!!

Episodio Nº34

Ir a descargar

Bienvenidos a una nueva entrada del blog de Rock en Cadena. Esta vez dedicado a una banda que tal vez no sea de las mas grandes del rock o del heavy metal en cualquiera de sus vertientes, pero si es una de las bandas mas importantes del hard/glam rock de L. A. cuando los videos de grupos con peinados que desafiaban la gravedad, cuero, tejanos y botas de cowboy dominaban la MTV. Ellos son Warrant. Comenzamos.

Los comienzos.

En 1984 el batería Max Ashe formó Warrant junto al vocalista Adam Shore, los guitarristas Josh Lewis y Erik Turner y el bajista Chris Vincent, quien fue rápidamente reemplazado por Jerry Dixon. La banda tocó en California como teloneros de bandas como Hurricane, Ted Nugent, Stryper y Black ‘n Blue, entre otros. En septiembre de 1986, Shore y Asher abandonan el grupo ocupando su lugar el cantante Jani Lane y el bateria Steven Sweet procedentes de una banda llamada Plain Jane. En septiembre de 1986 Lane y Sweet, junto con el guitarrista Joey Allen, quien reemplazó a Lewis, completaron la alineación «clásica» de Warrant. La entrada de Lane resultó fundamental en el futuro de la banda, ya que asumió el papel de compositor principal.

«los días de clubs de Warrant»

Después de alcanzar un nombre en la escena de clubes de Los Ángeles, la banda grabó una demo en septiembre de 1987 para Paisley Park Records, un sello discográfico propiedad del músico Prince. Con los principales sellos interesados ​​y después de grabar temas para A&M Records, la banda también hizo una demo para la banda sonora de la película «Bill and Ted’s Excellent Adventure». Finalmente la banda firmó con Columbia en enero de 1988. Jani Lane gastó el adelanto en un Corvette negro que estrelló a los pocos días.

Años de gloria.

Su álbum debut «Dirty Rotten Filthy Stinking Rich», fue lanzado el 31 de enero de 1989 y fue todo un éxito al ubicarse en el número 10 del Billboard 200. El álbum lego al doble platino y generó cuatro sencillos en las listas de Estados Unidos, en el número 2, número 20, número 27 y el número 30. Desde el punto de vista de la imagen, Warrant se convirtió en un gran éxito al instante y encajó directamente en la tendencia de las bandas de hard rock con cabello largo y cuero, todo esto ayudado por sus videos musicales, con una gran cobertura en la MTV. El disco fue producido por Beau Hill, quien también contribuyó con teclados y coros. Durante la grabación del álbum, la vocalista Jani Lane sorprendió a su novia en la cama con su mejor amigo, provocándole una crisis nerviosa y depresión que le acompañaría el resto de su vida, debido a esto, el lanzamiento del álbum se retrasó varios meses mientras Lane se recuperaba. El álbum fue lanzado en medio de cierta controversia. Se rumoreaba que los guitarristas Erik Turner y Joey Allen no habían tocado una nota en el álbum y que todo el trabajo de guitarra había sido interpretado por el ex guitarrista de Streets y músico de sesión Mike Slamer. La esposa de Slamer confirmó en 1998 que su esposo tocaba la guitarra en el disco y Mike Slamer declaró en entrevistas que tocaba la guitarra y los solos principales del álbum. El productor Beau Hill declaró en una entrevista de 2012 que Slamer sí tocó en el álbum, con el beneplácito de la banda.

«Las canciones son realmente geniales, pero creo que fallamos en la parte de solos y por eso me gustaría traer a alguien».

Beau Hill

En 1990 se lanzó en VHS y Laserdisc «Warrant: Live – Dirty Rotten Filthy Stinking Rich», el video era una actuación en vivo de la banda. El VHS fue certificado platino. El impulso de la banda en ese momento los llevó a un mayor éxito con el esperado segundo álbum «Cherry Pie» de 1990. De nuevo producido por Beau Hill, la canción principal del álbum fue lanzada como el primer sencillo e inmediatamente se impulsó al numero diez en el top 10 de la lista estadounidense de sencillos.

«Puritanismo yanki»

El álbum llegó al número 7 en el Billboard 200, vendiendo tres millones de copias. En principio el titulo del álbum seria «Uncle Tom’s Cabin», sin embargo, el sello quería una pista que fuera un «himno de rock», y Lane compuso en 15 minutos el tema «Cherry Pie». El video de la canción cuenta con la actriz y modelo Bobbie Brown, con quien Lane se casaría poco después. El álbum llevaba una pegatina de advertencia para los padres en los Estados Unidos, debido a la pista final, «Ode to Tipper Gore», que consistía en una colección de palabrotas sacadas de las actuaciones en vivo de la banda. También existía una versión «limpia» del álbum, con la pista final eliminada, y un «bip» audible de una maldición en una canción anterior. La undécima canción del álbum, «Train, Train», incluía al principio la frase «All a-fucking-board», que fue eliminada de la versión limpia. De nuevo los rumores de una posible «no ejecución» de los temas por parte de los dos guitarristas de la banda salto a la palestra con Mike Slammer grabando «supuestamente» de nuevo los solos y las guitarras del álbum. En 1991 la banda lanzó su segundo VHS, «Cherry Pie: Quality You Can Taste». El video cuenta con entrevistas en el backstages, clips de conciertos y todos los videos musicales del álbum «Cherry Pie».

«Adios al spray para el pelo»

En 1992, Warrant lanzó su tercer álbum, «Dog Eat Dog», con gran aceptación tanto por los fans como por la crítica. El disco logró sólo un éxito comercial moderado en comparación con los dos primeros álbumes, pero aún así vendió más de 500.000 copias alcanzando el disco de Oro y el puesto 25 en las listas de Estados Unidos. Si bien el disco sufrió un bajo rendimiento de ventas en Estados Unidos, es sin duda el trabajo más duro de Warrant y uno de los favoritos entre los fans. La imagen y el sonido cambiaron en Warrant, con un aspecto mas «maduro» cambiando las botas de cowboy por deportivas o botas militares y las vestimentas estrafalarias por camisetas cortadas además de un sonido, que sin dejar atrás la melodía, escapaba de los estereotipos compositivos del sonido hard rock de los primeros trabajos del grupo. Conscientes del rumor ampliamente difundido de que Joey Allen y Erik Turner no habían tocado en los dos primeros discos de Warrant, la banda hizo que Michael Wagener (productor del disco) incluyera una nota en los créditos expresando que «ningún artista, excepto los que figuran en la lista, actuó en este álbum». Jani Lane escribió también en los créditos: «Este álbum está dedicado a Joey Allen, uno de los guitarristas más subestimados del rock actual». Poco después del lanzamiento del álbum, Lane descubrió que un gran póster enmarcado de Warrant había sido retirado del vestíbulo de Columbia Records en Los Ángeles y había sido reemplazado por un póster de la banda de Seattle Alice in Chains. Fue en este momento, según Lane, que se dio cuenta de que aquello no pintaba bien para la banda. En ausencia del apoyo del sello de la banda, la radio y MTV, y sin una gira importante para respaldar el disco, las ventas del álbum fueron lentas en comparación con los dos primeros álbumes. Warrant también grabó dos pistas para la película «Gladiator» (1992), «The Power» y una versión del himno de Queen » We Will Rock You».

Tiempos de cambio.

«¡¡Abran paso al grunge!!»

Después de la gira mundial, Lane dejó temporalmente la banda para comenzar su carrera en solitario. En esos días, tras la llegada del grunge y la muerte del veterano manager de Warrant, Tom Hulettla, la banda fue despedida de Columbia. En septiembre de 1993, Lane regresó a la banda, pero en mayo de 1994, el guitarrista Joey Allen dejó Warrant, seguido al mes siguiente por el batería Steven Sweet. En noviembre de 1994 fueron reemplazados por los ex Kingdom Come, Rick Steier (guitarra) y James Kottak, (batería). El cuarto álbum de la banda, «Ultraphobic», fue lanzado en marzo de 1995 y, aunque fue aclamado por la crítica, no tuvo tanto éxito como sus predecesores. El álbum (producido de nuevo por un Beau Hill) vio a Warrant rindiéndose al fenómeno grunge con un disco con una fuerte influencia del sonido Seattle, aunque seguía siendo una progresión natural de «Dog Eat Dog». El batería James Kottak dejó la banda en marzo de 1996 y fue reemplazado por Bobby Borg, ex Beggars & Thieves. En 1996 se lanza el primer álbum recopilatorio de la banda «The Best Of Warrant» con los éxitos de sus tres primeros álbumes además de dos pistas adicionales: «Thin Disguise», cara B del sencillo de Cherry Pie (no incluido en ningún álbum de estudio) y la versión del tema de Queen» We Will Rock You», y una versión de «I Saw Red» en versión acústica previamente lanzada como cara B del single de la misma canción. El álbum fue de nuevo un éxito en ventas.

«Borrando el pasado»

Adoptando el apodo oficial de WARRANT 96 (para afianzar la nueva dirección musical del grupo), el grupo presentó su quinto álbum de estudio, «Belly to Belly» en octubre de 1996. El disco prescindió de las sutilezas del rock melódico de trabajos anteriores, adoptando un sonido marcadamente alternativo en consonancia con el movimiento grunge de la época. En julio de 1997, Warrant lanzó su primer álbum en vivo titulado «Warrant Live 86-97», grabado en vivo en Harpos Concert Theatre, Detroit, Michigan el 22 de noviembre de 1996. En 1999, Warrant lanzó el álbum «Greatest & Latest» con nuevas versiones regrabadas de algunas de sus canciones clásicas mas tres pistas nuevas.

Nuevo milenio.

El guitarrista Rick Steier dejo la banda en enero de 2000. Keri Kelli reemplazó a Steier en las guitarras como miembro de gira, quien solo estuvo en la banda durante 8 meses, siendo reemplazado a su vez por Billy Morris. Mike Fasano se convirtió en el nuevo batería del grupo dentro de una larga lista de músicos que ocuparon esa posición. El siguiente disco de Warrant fue un álbum de versiones, «Under the Influence» , lanzado en mayo de 2001, que también incluía dos nuevos temas originales. En 2002 Lane entró en un centro de rehabilitación por agotamiento relacionado con el alcohol y las drogas. En enero de 2004, después de la rehabilitación, Lane nuevamente renunció a Warrant. Lane intentó reiniciar su propia versión de Warrant, que sería detenida por acciones legales de sus antiguos compañeros de banda. Mike Fasano, quien había sido sustituido en 2003 por Kevan Phares, volvió brevemente a la banda a principios de 2004, antes de que Steven Sweet se reincorporara de nuevo a Warrant. Joey Allen también se reincorporó en febrero de 2004 y Lane fue reemplazado por el ex vocalista de Black N ‘Blue, Jaime St. James.

Warrant lanzó su séptimo álbum de estudio titulado «Born Again» el 4 de febrero de 2006. El álbum recibió una recepción generalmente positiva, y los críticos elogiaron el regreso de la banda a un sonido tradicional de hard rock. Mas adelante se lanzó el DVD «Born Again: Delvis Video Diaries» para el cual se grabaron videos musicales de todas las canciones del álbum de «Born Again», junto con imágenes en backstage, clips de la gira y el making of del álbum.

«y colorín colorado…»

En enero de 2008, se confirmando el regreso de Jani Lane a la banda para el 20 aniversario, pero parte la gira se canceló y Laine volvió a a dejar la banda en Septiembre de ese año, dejando en el recuerdo tan solo un DVD de la reunión titulado «They Came from Hollywood». Días después Robert Mason (ex Lynch Mob) fue presentado como el nuevo vocalista de la banda. En mayo de 2011 se publicó el octavo álbum de estudio de Warrant, «Rockaholic» con Robert Mason haciéndose cargo de la voz principal. El 11 de agosto de 2011, el Departamento de Policía de Los Ángeles anunció que Jani Lane, de 47 años, había sido encontrado muerto en un hotel de Ventura Boulevard en Woodland Hills, California. Lane murió de intoxicación alcohólica aguda. El 12 de mayo de 2017, Warrant lanzó su noveno álbum de estudio, «Louder Harder Faster». A día de hoy la banda sigue en activo.

Puede que Warrant no sea considerada una banda mítica de rock o hard rock, pero es innegable que de 1988 a 1996 experimentó un éxito arrollador con cinco álbumes que alcanzaron ventas internacionales de más de 10 millones. Su álbum debut fue doble platino y uno de sus sencillos alcanzó el número 2 en el Billboard Hot 100. El éxito de la banda continuó a principios de la década de 1990 con un segundo álbum también certificado como doble platino. Después de un tercer álbum que «tan solo» alcanzó el oro en ventas, y a pesar de la caída en popularidad con la llegada del grunge, lanzaron un álbum mas en 1995 y un exitoso álbum de grandes éxitos en 1996.

Dos de los miembros de Warrant nos llevan a la siguiente banda, Rick Steier y James Kottak, ambos ex Kingdom Come.

Grupo formado en 1987 por Lenny Wolf, después de la ruptura de su anterior proyecto Stone Fury, para ello Wolf reclutó al bajista Johnny B. Frank, los guitarristas Danny Stag y Rick Steier y al batería James Kottak. En 1988, la banda lanzó su L.P debut, «Kingdom Come», convirtiéndose en disco de Oro y mas tarde Platino. La banda fue elegida para abrir la gira norteamericana «Monsters of Rock Tour 1988», como teloneros de Dokken, Scorpions, Metallica y Van Halen. En 1989, Kingdom Come lanzó su segundo álbum llamado «In Your Face», quedándose a tan sólo 14.000 unidades de lograr su segundo L.P. de oro. En agosto de 1989 la banda se separó repentinamente, al parecer por razones personales. En 1990, Wolf reformó Kingdom Come con una nueva formación, grabando con PolyGram, un álbum titulado «Hands of Time», lanzado en 1991. El álbum fue grabado con varios guitarristas y baterías de sesión, incluido el futuro guitarrista de Poison, Blues Saraceno. Lenny Wolf fue el encargado de grabar las partes de bajo. En 1993, Wolf volvió a Alemania, y reunió una nueva formación, en su mayoría alemana, manteniendo activo a Kingdom Come con varios lanzamientos y giras por Europa hasta 2013. En 2014, la banda se reunió una vez más con el guitarrista Danny Stag, el bajista Johnny B. Frank y el batería Hendrik Thiesbrummel para una serie de conciertos en todo el mundo. El estilo musical del álbum debut de Kingdom Come estaba muy cerca del estilo de blues-rock de Led Zeppelin, hasta el punto de que algunos oyentes inicialmente pensaron que Kingdom Come era en realidad una reunión de Led Zeppelin. Esto llevó a los críticos, y a la prensa a apodar a la banda «Kingdom Clone».

«Obviamente, puede llegar al punto en el que deja de ser un cumplido y llega a ser bastante molesto, cuando tienes cosas como Kingdom Come, destrozando riffs, eso es algo completamente diferente».

Jimmy Page en 1988 sobre Kingdom Come

Gary Moore fue un paso más allá con el tema «Led Clones» de su álbum «After the War». Moore, con Ozzy Osbourne como voz principal, se burla de bandas como Kingdom Come, criticando su uso descarado del sonido y la imagen de Led Zeppelin. El vocalista Lenny Wolf «calentó» aún más la situación cuando en una entrevista con la revista Kerrang, alegaba que nunca había oído hablar de Led Zeppelin, e insistió en que sus mayores influencias y las del grupo fueron The Beatles y AC/DC, en particular la era de Bon Scott.

En agosto de 2016, Lenny Wolf declaró que Kingdom Come había terminado, sin embargo, en junio de 2018, la formación original de la banda (menos Wolf) anunció planes de gira para ese año y para 2019 celebrando así el 30 aniversario de su álbum debut. Keith St John reemplazó a Wolf en las tareas vocales, un cantante que entre otras bandas se encuentra esta llamada Burning Rain.

Fundada en 1998 por el guitarrista Doug Aldrich y el vocalista Keith St. John. Después de conocerse a través de amigos en común, Aldrich y St. John comenzaron a trabajar junto al batería Alex Makarovich (ex Steelheart) y el bajista Ian Mayo (ex Hericane Alice) en el bajo, en lo que se convertiría en su álbum debut homónimo de 1999. Aunque el álbum fue limitado en su lanzamiento, recibió buenas críticas tanto de fans como de los críticos. Al año siguiente, Burning Rain lanzó su segundo trabajo, «Pleasure To Burn», recibiendo aún más elogios que el primer álbum a pesar de que ambos álbumes solo se editaron en Japón y Europa. Tras una pausa debido a la participación de Aldrich tanto con Dio como con Whitesnake, Burning Rain lanzó en 2013 «Epic Obsession», su tercer lanzamiento con una nueva sección rítmica, el veterano bajista Sean McNabb (Dokken) y el batería Matt Starr (Mr. Big). En 2018, la banda se reunió de nuevo, esta vez con el batería de Slaughter Blas Elias y el bajista Brad Lang (Y&T) editando en 2019 su ultimo trabajo hasta la fecha, «Face The Music». Continuamos con el bajista que grabó los dos primeros trabajos de la banda, Ian Mayo y el grupo donde militó, Huricane Alice.

 Hurricane Alice se formó originalmente en Minnesota como un trío compuesto por Leni Dimancari (guitarra y voz), Scott Werner (bajo) y Rusty Miller (batería). Tras la búsqueda de un cantante, Bruce Naumann decidió incorporarse al grupo que comenzó a conseguir mas fans e incluso llamar la atención de Atlantic Records, pero las tensiones internas en el grupo llevó a Dimancari a dejar la banda. En 1988, los miembros restantes viajaron a Los Ángeles. Una vez allí Scott Werner y Rusty Miller abandonaron el grupo. Naumann, siguió adelante con los nuevos miembros Danny Gill (guitarra), Ian Mayo (bajo) y Jackie Ramos (batería). La banda decidió cambiar su nombre a Hericane Alice debido a una demanda interpuesta por otra banda de Los Angeles llamada Hurricane (el grupo de Robert Sarzo hermano de Rudy Sarzo). La nueva ortografía fue de hecho sugerida por Stevie Nicks, vocalista de Fleetwood Mac, con quien la banda compartía management. En 1990 lanzaron su álbum debut «Tear the House Down» pero el disco paso desapercibido y Hericane Alice se disolvió tras acabar la gira. En 2020, Hericane Alice se volvió a reunir y lanzó un mini álbum titulado «Gotta Be Real». Tras la primera separación del grupo el guitarrista Danny Gill forma parte de esta banda llamada Medicine Wheel.

Tras un periodo de inactividad, el guitarrista Marc Ferrari formó Medicine Wheel y para ello contó con el vocalista Michael Mulholland, el guitarrista Danny Gill, el bajista y le batería Ray Luzier. Su primer álbum, titulado «First Things First» fue lanzado en 1994, e incluía varias canciones coescritas por Tommy Thayer (ex-Black ‘n Blue y actualmente guitarrista Kiss). El álbum fue lanzado por un sello japonés. En 1996 publican su segundo álbum «Immoral Fabric» con un sonido mas cercano al creciente movimiento grunge de la época y que además contaba con un nuevo vocalista, Keith St. John. En 1998 publican su tercer y último C.D. titulado «Small Talk», que no fue lanzado en Europa y que de nuevo se adentraba en sonidos alternativos, contando, una vez mas, con nuevo vocalista, David Isaacs y nuevo bajista, Ian Mayo. Medicine Wheel es otra de las muchas bandas que a principios y mediados de los 90 no tuvieron un sitio en la Industria de la música, dedicada a contratar bandas de grunge. Su fundador Marc Ferrari fue miembro de esta banda llamada Keel.

Grupo formado por el ex vocalista de Steeler, Ron Keel. Tras varios cambios de formacion la banda quedó formada por Ron Keel en la voz, Bryan Jay y Marc Ferrari en las guitarras, Bobby Marks en la batería y Kenny Chaisson en el bajo. Esta fue la alineación de su álbum debut de 1984 «Lay Down the Law». Después del lanzamiento del álbum, Marks se fue y fue reemplazado por Steven Riley, quien tras la grabación del segundo álbum fue reemplazado por Dwain Miller, formando una alineación que se mantendría estable durante casi cuatro años. Su álbum debut llamó la atención de Gene Simmons, quien se encargó de la producción de su segundo disco, «The Right To Rock», publicado en 1985. La banda solo había escrito tres canciones cuando el sello les envió al estudio, Gene Simmons les cedió tres temas y la banda volvió a grabar tres canciones de su álbum debut, una de ellas una versión de Rolling Stones. Su tercer álbum también producido por Simmons «The Final Frontier» fue publicado en 1986. En 1987, la canción «Rock & Roll Outlaw» (una versión de Rose Tattoo) apareció en la banda sonora de la película «Dudes». Su cuarto álbum, Keel, fue lanzado en 1987. Los guitarristas Marc Ferrari y Bryan Jay se marcharon en 1988, y fueron reemplazados por el teclista Scott Warren y el guitarrista Tony Palmucci. Su quinto álbum, «Larger Than Live», fue lanzado en 1989 con seis nuevas grabaciones de estudio, mas seis pistas en vivo grabadas en marzo de 1989. Poco después de la publicación del álbum Ron Keel anunció la disolución del grupo. En 1998, los miembros de Keel se reunieron para lanzar su sexto álbum «Keel VI: Back in Action», que consistía principalmente en material inédito de sus álbumes anteriores, incluido el tema «Proud To Be Loud» que Marc Ferrari compuso para el álbum debut de la banda Pantera. A finales de 2008, Keel se reunió para celebrar el 25 aniversario de la banda. Todos los miembros de la era de «The Right to Rock» se habían reincorporado excepto el bajista Chaisson, quien fue sustituido por Geno Arce. En 2010 se publico su ultimo álbum, «Streets of Rock & Roll». Keel continua actuando esporádicamente, sin embargo, la banda no tiene planes de grabar. Vamos con una curiosidad, cuando la banda comenzó a grabar su segundo álbum, el baterista Bobby Marks se fue, y fue reemplazado por diferentes baterías: Fred Coury (quien luego se unió a Cinderella), Barry Brandt (de Angel) y Steve Riley (quien toca en todo el álbum pero luego se fue para unirse a la banda W.A.S.P). Dwain Miller finalmente se convirtió en el batería de la banda justo antes de que se lanzara el álbum. Y con Steve Riley continuamos, ya que tras abandonar W.A.S.P se unió a esta banda llamada L.A. Guns.

Banda que ya apareció en el blog dedicado a Guns & Roses https://rockencadena.home.blog/2019/01/07/programa-no3/ así que vamos a hablar del primer álbum en el que apareció Steve Riley, «Cocked & Loaded» lanzado el 22 de agosto de 1989. Tras su lanzamiento, el álbum alcanzó el puesto 38 en el Billboard 200 y fue certificado oro en 1990. Los dos singles llegaron al top 50 del Billboard Mainstream Rock chart, y uno de ellos llego al número 33 en el Billboard Hot 100. Fuera de los Estados Unidos, el álbum alcanzó el puesto 23 en la lista de álbumes japoneses y el número 38 en la lista de álbumes del Reino Unido. L.A. Guns alcanzo un éxito moderado en las listas a finales de la década de los 80 y principios de los 90. Sin embargo, el grupo pasó por numerosos cambios de alineación, con Riley siendo el miembro más consistente y no pudo recuperar la atención general. En 1991 el tema de L.A. Guns «Over the Edge» apareció en la B.S.O. de la película «Point Break», protagonizada por Patrick Swayze y Keanu Reeves. En la banda sonora aparecen además de L.A. Guns, Little Caesar y Ratt con los que continuamos.

Otra banda que apareció nada mas y nada menos que en el primer episodio de Rock en Cadena https://rockencadena.home.blog/2018/12/02/programa-no1/ , así que os hablaré un poco sobre el tema que apareció en la película y que de alguna manera fue el comienzo del fin de Ratt, o al menos del éxito que cosechó años antes. El tema, que sonaba en los créditos finales de la película «Point Break» (Le llaman Bodhi), era «Nobody Rides for Free» escrita varios años antes por el compositor Steve Caton, quien con su banda Climate of Crisis la interpretó anteriormente en varios clubes de Los Ángeles y Hollywood. Más tarde, cuando la canción fue presentada a Ratt para la banda sonora de Point Break, Stephen Pearcy, Warren DeMartini y Juan Croucier le hicieron sus propios cambios, principalmente en la letra. Este fue el primer sencillo de Ratt grabado sin el guitarrista Robbin Crosby, quien dejó la banda el año anterior debido a su adicción a las drogas, y quien ni tan siquiera aparece en el video musical que se hizo de la canción. En 1994, a Crosby le diagnosticaron VIH, en 2001 anunció públicamente que era VIH positivo. Murió el 6 de junio de 2002 por sobredosis de heroína con tan solo 42 años. Anteriormente, en 1992, la banda se separó momentáneamente y en 1996, los cinco miembros de la era clásica de Ratt planearon una reunión y un álbum posterior. Finalmente el grupo acabo siendo un cuarteto, con los miembros originales Pearcy, DeMartini y Blotzer, junto con el nuevo miembro Robbie Crane en el bajo. . En 2012 Robbie Crane anunció su salida de Ratt para centrarse en la banda con la que continuamos, Lynch Mob.

Banda formada en 1989 por el guitarrista George Lynch tras su «fuga» de Dokken. La formación original incluía al ex batería de Dokken, Mick Brown, al bajista Anthony Esposito y el vocalista Oni Logan. El primer álbum de Lynch Mob, «Wicked Sensation», fue lanzado en 1990 y el segundo, homónimo, en 1992 que contaba con el nuevo vocalista Robert Mason. Sin embargo, con la escasa popularidad del género en esos días, los dos álbumes no captaron una audiencia generalizada y Lynch Mob se disolvió después de la gira del álbum. En 1998, Lynch intentó reformar la formación original de Lynch Mob. La banda se separó después de un ensayo, aunque los frutos de esa sesión acabaron siendo un E.P. de tres canciones que se lanzó ese mismo año bajo el titulo de «Syzygy». Lynch formó una tercera encarnación del grupo con miembros nuevos y desconocidos que llevaron la música a una dirección de rap metal y nu metal. En 1999, se editó «Smoke This» toda una decepción para fans y críticos. Tras la gira el grupo se disolvió nuevamente. En 2003, el vocalista Robert Mason, el bajista original Anthony Esposito y Lynch se unieron para grabar material nuevo de Lynch Mob, con Michael Frowein como batería, publicando «REvolution» con versiones reelaboradas de los dos primeros álbumes de la banda y canciones de Dokken, más pesadas y rápidas que las originales. Frowein fue reemplazado por Chas Stumbo para el REvolution Tour 2003. En 2006 se lanzó «Revolution Live», un CD/DVD en vivo del espectáculo final de esa gira, aunque el audio era de una actuación diferente y en algunas escenas lo que se escucha no coincide con las imágenes. En 2009, Lynch Mob publica «Smoke and Mirrors» , esta vez con la vuelta de Oni Logan a la voz, Marco Mendoza en el bajo y Scot Coogan a la batería. En 2013 se edita el segundo E.P. de Lynch Mob titulado «Unplugged: Live From Sugarhill Studios» con versiones acústicas de sus canciones. El batería Scot Coogan dejó la banda y Brian Tichy lo reemplazó, aunque en este E.P. toca la guitarra. «Sun Red Sun», tercer E.P. de Lynch Mob publicado en 2014, contaba de nuevo con Scot Coogan como batería, en 2014 fue de nuevo sustituido por Brian Tichy grabando el álbum «Rebel», en el que el ex compañero de Lynch en Dokken Jeff Pilson aparecía como nuevo bajista. «The Brotherhood», ultimo trabajo del grupo hasta la fecha, volvía a cambiar la sección rítmica con los veteranos Sean McNabb y Jimmy D’Anda al bajo y la batería respectivamente. En agosto de 2020, George Lynch reveló que ya no lanzaría música ni realizaría giras con el nombre de la banda debido a sus connotaciones raciales, (Lynch Mob se puede traducir como «linchamiento»). En definitiva George Lynch es el único miembro permanente de la banda, algo que deja claro que Lynch Mob es descaradamente un proyecto del propio George Lynch. De entre todos los músicos que le han acompañado a lo largo de estos años, uno de ellos nos lleva a la banda a la cual dedicamos este blog, Warrant, ya que Robert Mason es el actual vocalista del grupo.

Espero que hayáis disfrutado del blog, os espero en el próximo, no faltéis y recuerda, sube el volumen y disfruta!!

Episodio Nº33

Ir a descargar

Bienvenidos a una nueva entrada de Rock en Cadena. Esta vez dedicada a una de las bandas mas grandes e influyentes del rock. Grandes en los 70, polémicos, idolatrados y creadores de canciones que perduraran a lo largo del tiempo. Ellos son Led Zeppelin, comenzamos.

De las cenizas de The Yardbirds.

En 1966, el guitarrista de sesión Jimmy Page se unió a The Yardbirds para reemplazar al bajista Paul Samwell-Smith. Page pronto cambió del bajo por la guitarra principal, formando tándem con Jeff Beck. Tras la partida de Beck en octubre de 1966, la banda comenzó a romperse. The Yardbirds tocaron en su último concierto en julio de 1968, pero aun estaban comprometidos con varios conciertos en Escandinavia, por lo que el baterista Jim McCarty y el vocalista Keith Relf autorizaron a Page y al bajista Chris Dreja a usar el nombre de The Yardbirds para cumplir con las obligaciones de la banda. Ambos comenzaron a armar una nueva alineación con Robert Plant como cantante, quien recomendó al batería John Bonham, mientras que John Paul Jones se ocupó del bajo. La banda completó la gira escandinava como New Yardbirds. Poco después comenzaron a grabar su primer álbum, grabado y mezclado en nueve días con Page asumiendo los gastos. Tras la finalización del álbum, la banda se vio obligada a cambiar su nombre después de que Dreja denunciara a Page indicando que solo se le permitió usar el apodo de New Yardbirds para las fechas escandinavas. Un rumor de cómo se eligió el nombre de la nueva banda sostuvo que Moon y Entwistle (con quienes Page quería formar una banda junto a Jeff Beck) habían sugerido que un supergrupo con Page y Beck se hundiría como un «lead balloon» («globo principal»). El grupo elimino la ‘a’ de «lead» por sugerencia de su manager, Peter Grant. La palabra «ballon» («globo») fue reemplazada por «zeppelin».

«Bonham, Plant, page y Jones…1968»

En noviembre de 1968 Peter Grant consiguió un contrato por adelantado con Atlantic Records por 143.000 dólares (1.064.000 dólares en la actualidad) en ese momento fue el mayor acuerdo de ese tipo para una nueva banda. Los ejecutivos discográficos firmaron a Led Zeppelin sin haberlos visto nunca. Según los términos de su contrato, la banda tenía autonomía para decidir cuándo lanzarían álbumes y cuándo realizarían giras además de tener la última palabra sobre el contenido y el diseño de cada álbum. También decidirían cómo promocionar cada lanzamiento y qué pistas lanzar como singles, para gestionar todos los derechos de publicación formaron su propia empresa, Superhype.

Los comienzos como Led Zeppelin.

La banda tocó su primer show como Led Zeppelin el 25 de octubre de 1968. Su road manager Richard Cole, que se convertiría en una figura importante en la vida de gira del grupo, organizó su primera gira por Norteamérica a finales de año. Su álbum debut homónimo, «Led Zeppelin», fue lanzado en los Estados Unidos durante la gira el 12 de enero de 1969 y alcanzó el puesto número 10 en la lista de Billboard, en el Reino Unido fue lanzado el 31 de marzo donde alcanzó el puesto número 6. En su primer año, Led Zeppelin completó cuatro giras de por Estados Unidos y cuatro en el Reino Unido, además de lanzar su segundo álbum, «Led Zeppelin II», grabado principalmente durante la gira en varios estudios norteamericanos. El álbum fue un éxito comercial aún mayor que su primer álbum y alcanzó la posición número uno en las listas de éxitos en los Estados Unidos y el Reino Unido. El álbum desarrolló aún más el estilo musical de la banda basado principalmente en el blues-rock, creando un sonido «pesado y duro». Tras el lanzamiento de su segundo álbum, Led Zeppelin completó varias giras más por Estados Unidos. Tocando en auditorios más grandes a medida que su popularidad crecía. Algunos de los primeros conciertos de Led Zeppelin duraron más de cuatro horas, con versiones de su repertorio ampliadas e improvisadas. En 1970 aparece «Led Zeppelin III». El resultado fue un estilo más acústico que fue fuertemente influenciado por la música folk y celta. El sonido acústico del álbum recibió inicialmente reacciones mixtas, entre los críticos y fans sorprendidos por el cambio de los arreglos principalmente eléctricos de los dos primeros álbumes, alimentando aún más la hostilidad de la banda hacia la prensa musical. El álbum alcanzó el número uno en las listas de éxitos de Reino Unido y Estados Unidos.

Escalera al éxito.

Durante la década de 1970, Led Zeppelin alcanzó nuevas alturas de éxito comercial y crítico que los convirtió en uno de los grupos más influyentes de la época, eclipsando sus logros anteriores. La imagen de la banda también cambió cuando sus miembros comenzaron a usar ropa mas elaborada y extravagante. Led Zeppelin mejoró su espectáculo usando lásers, espectáculos de luces y bolas de espejos. Comenzaron a viajar en un avión de pasajeros privado, un Boeing 720 (apodado Starship), alquilaron secciones enteras de hoteles (incluido el Continental Hyatt Houseen Los Ángeles, conocida coloquialmente como la «Riot House»), las historias de libertinaje y desenfreno comenzaron a ser frecuentes, como la de John Bonham conduciendo una motocicleta a través del pasillo o la destrucción de una habitación en el Tokyo Hilton, lo que llevó al grupo a ser expulsado de ese establecimiento de por vida. Aunque Led Zeppelin se ganó la reputación de destrozar las suites de sus hoteles y arrojar televisores por las ventanas, algunos sugieren que estas historias han sido exageradas.

«Los famosos símbolos y su significado»

Led Zeppelin lanzó su cuarto álbum el 8 de noviembre de 1971, conocido como «Led Zeppelin IV», «Untitled», «IV» o, debido a los cuatro símbolos que aparecen en la portada, como «Four Symbols», «Zoso» o «Runes». La banda decidió lanzar el cuarto álbum sin título ni información, en respuesta a la prensa musical, bastante critica con las extravagancias de la banda, pero la compañía discográfica quería algo en la portada, así que se acordó tener cuatro símbolos para representar a los cuatro miembros de la banda y que era el cuarto álbum. Con 37 millones de copias vendidas, Led Zeppelin IV es uno de los álbumes más vendidos de la historia, y su enorme popularidad consolidó el estatus de Led Zeppelin como superestrellas en la década de 1970. En 2006, había vendido 23 millones de copias solo en los Estados Unidos. Desde finales de 1971 hasta principios de 1973 el grupo realizó giras por el Reino Unido, Australia, Norteamérica, Japón y el Reino Unido nuevamente.

El siguiente álbum de Led Zeppelin, «Houses of the Holy», fue lanzado en marzo de 1973. Contó con una mayor experimentación de la banda con el uso de sintetizadores y orquestación. Al igual que con el cuarto álbum de la banda, ni su nombre ni el título del álbum estaban impresos en la portada. El álbum encabezó las listas de éxitos en todo el mundo. La gira por Norteamérica en 1973 batió récords de asistencia. Se filmaron tres espectáculos con entradas agotadas en el Madison Square Garden de Nueva York para una película, pero el estreno en cines de este proyecto (The Song Remains the Same) se retrasó hasta 1976. Antes de la actuación de la última noche, fueron robados de una caja de seguridad en el Hotel Drake 180.000 dólares (1.049.000 hoy) de la recaudación.

«El famoso logo de Zeppelin»

En 1974, Led Zeppelin se tomó un descanso y lanzó su propio sello discográfico, «Swan Song». El logotipo se basa en un dibujo de un ser humano alado parecido a Apolo o Ícaro. Además de utilizar el sello como vehículo para promocionar sus propios álbumes, la banda amplió la lista del sello, contratando artistas como Bad Company o Pretty Things. El sello tuvo éxito mientras Led Zeppelin existió, pero cerró tres años después de su disolución.

El primer lanzamiento de Led Zeppelin en el sello «Swan Song» fue «Physical Graffiti» de 1975, un doble álbum con quince canciones, de las cuales ocho se habían grabado en 1974 y el resto se componía de pistas inéditas de las sesiones de los álbumes anteriores. El álbum fue un gran éxito comercial y de crítica. Poco después de su lanzamiento, todos los álbumes anteriores de Led Zeppelin volvieron a entrar simultáneamente en la lista de álbumes top-200. La banda se embarcó en otra gira por Norteamérica empleando sofisticados sistemas de iluminación y sonido. En mayo de 1975, Led Zeppelin tocó cinco noches con entradas agotadas en el Earls Court Arena de Londres, en ese momento el estadio más grande de Gran Bretaña.

El principio del fin.

«Suerte de estar vivo»

En agosto de 1975, mientras la banda se tomaba un descanso, Plant y su esposa Maureen se vieron involucrados en un grave accidente automovilístico mientras estaban de vacaciones en Rodas, Grecia. Plant sufrió una fractura de tobillo y Maureen resultó gravemente herida. Plant no volvió a ser el mismo desde el accidente, incapaz de girar con el grupo, se unió con el resto de sus compañeros para escribir lo que seria su próximo álbum. En ese momento, Led Zeppelin era la banda de rock número uno del mundo, superando en ventas a la mayoría de las bandas de la época, incluidos los Rolling Stones. «Presence» fue lanzado en marzo de 1976, y marcó un cambio en el sonido de Led Zeppelin hacia temas más sencillos. Aunque fue disco de platino, «Presence» recibió una tibia reacción entre los fans y la prensa musical. Page había comenzado a consumir heroína durante las sesiones de grabación del álbum, algo que pudo haber afectado a los shows en vivo y grabaciones de estudio de la banda. Debido a las lesiones de Plant, Led Zeppelin no salió de gira en 1976. En cambio, la banda completó la película del concierto «The Song Remains the Same» y el álbum de la banda sonora que la acompaña. La película se estrenó en Nueva York el 20 de octubre de 1976, sin una gran recepción por parte de críticos y fans. La película no fue particularmente exitosa en el Reino Unido, Led Zeppelin libró una dura batalla para recuperar el afecto del público, ya que no pisaban su pais natal desde 1975 debido a su condición de exiliados fiscales.

En 1977, Led Zeppelin se embarcó en otra gran gira de conciertos por América del Norte, estableciendo otro récord de asistencia, en su concierto de Silverdome el 30 de abril, con una audiencia de 76.229 personas (según el Libro Guinness de los Récords, la mayor asistencia hasta esa fecha para un espectáculo de un solo grupo). Aunque la gira fue económicamente rentable, estuvo plagada de problemas fuera del escenario. El 19 de abril, más de 70 personas fueron arrestadas cuando unos 1.000 fanáticos intentaron colarse en el Cincinnati Riverfront Coliseum para dos conciertos con entradas agotadas, mientras que otros intentaron ingresar arrojando piedras y botellas contra las puertas. El 3 de junio, un concierto en el estadio de Tampa se interrumpió debido a una fuerte tormenta eléctrica, estalló un motín con varios arrestos y heridos.

«Los de uniforme no son fans de Zeppelin»

Después del concierto del 23 de julio en el festival Day on the Green en el Oakland Coliseum, Bonham y miembros del personal de apoyo de Led Zeppelin fueron arrestados después de que un miembro del personal del promotor Bill Graham fuera brutalmente golpeado durante la actuación de la banda. El concierto del día siguiente fue la última aparición en vivo del grupo en los Estados Unidos. Dos días después, cuando se registraron en un hotel del Barrio Francés para su presentación del 30 de julio en el Superdome de Luisiana, Plant recibió la noticia de que su hijo de cinco años, Karac, había muerto a causa de un virus estomacal. El resto de la gira se canceló de inmediato, lo que provocó fuertes rumores sobre el futuro de Led Zeppelin.

Muerte de Bonham y ruptura.

En 1978, Led Zeppelin publica el álbum «In Through the Out Door», con nueva «experimentación» sonora, lo que nuevamente provocó reacciones encontradas entre los críticos, a pesar de ello el álbum alcanzó el número uno en el Reino Unido y los Estados Unidos en apenas su segunda semana de lanzamiento. Con el lanzamiento de este álbum, el catálogo completo de Led Zeppelin volvió al Billboard Top 200. En agosto de 1979 Led Zeppelin encabezó dos conciertos en el Festival de Música de Knebworth, tocando para una multitud de aproximadamente 104.000 personas en la primera noche. En junio y julio de 1980 se llevó a cabo una breve gira europea, con un set list reducido sin los habituales jams y solos. El 27 de junio, en un show en Nuremberg, Alemania, el concierto se detuvo abruptamente en medio de la tercera canción, cuando Bonham sufrió un desmayo en el escenario y fue trasladado de urgencia al hospital. La prensa sugirió que su «colapso» había sido el resultado del uso excesivo de alcohol y drogas, pero la banda afirmó que simplemente había sido un corte de digestión.

la primera gira norteamericana de la banda desde 1977, estaba programada para comenzar el 17 de octubre de 1980. El 24 de septiembre, Bonham fue recogido por el asistente de Led Zeppelin, Rex King, para asistir a los ensayos. Durante el viaje, Bonham pidió detenerse para desayunar, donde bebió cuatro vodkas cuádruples, con un rollo de jamón. Después de dar un mordisco al rollo de jamón le dijo a su asistente «desayuno». En el estudio continuó bebiendo. Los ensayos duraron hasta la noche y la banda se retiró a la casa de Page.

«Bonhan, otro mártir del rock»

Pasada la medianoche, Bonham, que se había quedado dormido, fue llevado a la cama y acostado de lado. A las 13:45 del día siguiente, Benji LeFevre (el nuevo gerente de gira de Led Zeppelin) y John Paul Jones encontraron a Bonham muerto. La causa de la muerte fue asfixia por vómito (muerte accidental). La autopsia no encontró otras drogas(a parte de la alcohol) en el cuerpo de Bonham. Aunque recientemente había comenzado a tomar pastillas (legales) para combatir su ansiedad, no está claro si estas sustancias interactuaron con el alcohol en su sistema. Los restos de Bonham fueron incinerados y sus cenizas enterradas el 12 de octubre de 1980, en la iglesia parroquial de Rushock, Worcestershire. A pesar de los rumores de que Cozy Powell, Carmine Appice, , Simon Kirke o Bev Bevan se unirían al grupo como su reemplazo, la gira prevista por América del Norte fue cancelada y los miembros restantes decidieron disolverse. Un comunicado de prensa del 4 de diciembre de 1980 declaró que:

«Deseamos que se sepa que la pérdida de nuestro querido amigo y la profunda sensación de armonía indivisa que sentimos nosotros y nuestro gerente, nos han llevado a decidir que no podemos volver a ser como antes.»

Led Zeppelin

Años posteriores a la separación. Parte I: Los 80

En 1982 se publicó «Coda», una colección de tomas descartadas y pistas no utilizadas de Zeppelin. El álbum incluía dos pistas de 1970 en el Royal Albert Hall, otra de cada una de las sesiones de «Led Zeppelin III» y «Houses of the Holy», y tres de «In Through the Out Door». También contó con un tema instrumental de batería de Bonham de 1976 con efectos electrónicos agregados por Page, llamado «Bonzo’s Montreux «. El 13 de julio de 1985, Page, Plant y Jones se reunieron para el concierto «Live Aid» en el estadio JFK de Filadelfia, tocando un breve set con los bateristas Tony Thompson y Phil Collins, ademas del bajista Paul Martinez. La actuación se vio empañada por la falta de ensayo con los dos bateristas, los problemas de Page con una guitarra desafinada, los monitores que funcionan mal y la voz ronca de Plant. Page describió la actuación como «bastante caótica», mientras que Plant la caracterizó como una «atrocidad». Los tres miembros se reunieron nuevamente el 14 de mayo de 1988, para el concierto del 40º aniversario de Atlantic Records, con Jason, el hijo de Bonham, en la batería. El resultado fue nuevamente inconexo: Plant y Page habían discutido inmediatamente antes de subir al escenario sobre si tocar «Stairway to Heaven», Page describió la actuación como «una gran decepción» y Plant dijo que «el concierto fue asqueroso».

Parte II: Los 90

La primera caja de Led Zeppelin, con temas remasterizados bajo la supervisión de Page, fue lanzada en 1990 y reforzó la reputación de la banda, lo que llevó a especulaciones sobre una reunión. Este conjunto, llamado «Led Zeppelin Box Set», incluía cuatro temas inéditos, entre ellos una versión de «Travelling Riverside Blues» de Robert Johnson. «Led Zeppelin Boxed Set 2» fue lanzado en 1993; los dos conjuntos de cajas juntos contenían todas las grabaciones de estudio conocidas, así como algunas pistas en vivo raras. En 1995, Led Zeppelin fue incluido en el Rock and Roll Hall of Fame de Estados Unidos. Jason y Zoë Bonham también asistieron, en representación de su difunto padre. En la ceremonia, la ruptura interna de la banda se hizo evidente cuando Jones bromeó al aceptar su premio diciendo: «Gracias, amigos míos, por recordar mi número de teléfono», causando miradas incómodas de Page y Plant. En 1997 se lanzó «Led Zeppelin BBC. Sessions», un conjunto de dos discos grabado en gran parte en 1969 y 1971.

Parte III: Los 2000

En 2003 se lanzó el álbum en vivo «How the West Was Won» con grabaciones tomadas de dos actuaciones de 1972 en California durante su gira por América del Norte: LA Forum (25 de junio de 1972) y Long Beach Arena (27 de junio de 1972). También se publicó el DVD «Led Zeppelin», un conjunto cronológico de seis horas de metraje en vivo que se convirtió en el DVD de música más vendido de la historia. En julio de 2007 se lanzaron «Mothership», un recopilatorio que abarca la carrera de la banda, y una reedición de la banda sonora «The Song Remains the Same», que incluye material inédito. El 10 de diciembre de 2007, Zeppelin se reunió para el Concierto Tributo a Ahmet Ertegun (Ejecutivo de Atlantic) en el O2 Arena de Londres, con Jason Bonham nuevamente tomando el lugar de su padre en la batería. Según el libro Guinness de los Records de 2009, el show estableció un récord para la «mayor demanda de entradas para un concierto musical», ya que se enviaron 20 millones de solicitudes en línea. Los críticos elogiaron la actuación y hubo especulaciones sobre una posible reunión. En 2012 se estrenó «Celebration Day», una película de la actuación de O2, y se lanzó en DVD el 19 de noviembre. La película recaudó 2 millones de dólares en una noche, y el álbum en vivo alcanzó el puesto número 4 y 9 en el Reino Unido y Estados Unidos, respectivamente.

«El sueño de Jason, que jamás se cumplió»

Se informó que Page, Jones y Jason Bonham estaban dispuestos a hacer una gira y que estaban trabajando en material para un nuevo proyecto de Zeppelin. [111] Plant mas tarde declaró que no grabaría ni realizaría giras con la banda. Jones y Page supuestamente buscaron un reemplazo para Plant, Steven Tyler de Aerosmith y Myles Kennedy de Alter Bridge fueron algunos de los candidatos. Sin embargo, en enero de 2009, se confirmó que el proyecto había sido abandonado.

Led Zeppelin es uno de los artistas musicales más vendidos de todos los tiempos. Se estima que sus ventas oscilan entre 200 y 300 millones de unidades en todo el mundo. Lograron ocho álbumes número uno consecutivos en el Reino Unido y seis álbumes número uno en el Billboard 200 de EE.UU. , con cinco de sus álbumes certificados como Diamante en los EE.UU. Led Zeppelin es la tercera banda más vendida del mundo, y uno de los cuatro únicos artistas en ganar cinco o más álbumes con la calificación Diamante. Alcanzaron ocho números uno consecutivos en la lista de álbumes del Reino Unido. Led Zeppelin sigue siendo uno de los artistas más pirateados en la historia de la música rock. Muchos han considerado a Led Zeppelin como una de las bandas más exitosas, innovadoras e influyentes en la historia de la música rock, ha influido en bandas de hard rock y heavy metal como Deep Purple, Black Sabbath, Aerosmith, The Black Crowes o Megadeth, así como bandas de metal progresivo como Tool o Dream Theater. Influyeron en algunas de las primeras bandas punk y post-punk, entre ellas los Ramones, Joy Division o The Cult. También fueron una influencia importante en el desarrollo del rock alternativo, ya que las bandas adaptaron elementos del «sonido Zeppelin» de mediados de la década de 1970, incluidos The Smashing Pumpkins, Nirvana, Pearl Jam o Soundgarden. Bandas y artistas de diversos géneros como Madonna, Shakira o Lady Gaga, han reconocido la influencia de Led Zeppelin. Continuamos con su «líder» y fundador, el guitarrista Jimmy Page y la banda que fundó tras la separación de Led Zeppelin, The Firm.

A principios de los 80, Page y Rodgers estaban inmersos en la desaparición de sus respectivas bandas, Led Zeppelin y Bad Company y juntos decidieron formar una banda. Inicialmente querían formar una banda con el batería de Yes, Bill Bruford y el bajista Pino Palladino pero ambos estaban bajo contrato con otras bandas. El batería Chris Slade (Earth Band de Manfred Mann, Uriah Heep) y el bajista Tony Franklin formaron la sección rítmica. El primer álbum homónimo de la banda fue en 1985. A pesar de negarse a reproducir material antiguo, la última pista del álbum, «Midnight Moonlight», era originalmente «Swang Song» un tema inédito de Led Zeppelin. El álbum también incluye una versión de los Righteous Brothers «You’ve Lost That Lovin ‘Feelin’ «. «Mean Business», el segundo álbum de The Firm, se editó un año después. Repitiendo la misma fórmula basada en el sonido blues y New Wawe que en el primer álbum, pero debido al poco éxito crítico y financiero que logró la banda, Page y Rodgers decidieron disolver The Firm pocos meses después del lanzamiento de este álbum. Después de la separación de la banda, Page y Rodgers regresaron al trabajo en solitario mientras Chris Slade se unió a AC/DC en 1989 y Franklin se unió al guitarrista John Sykes y a el batería Carmine Appice en Blue Murder, además de girar y grabar para muchas bandas y artistas, entre ellos David Coverdale.

En el año 2000, David Coverdale, cantante y líder de Whitesnake, lanzó su tercer álbum en solitario, (el primero en 22 años) «Into the Light» después de un descanso de tres años, ya que su álbum de 1997 «Restless Heart» fue grabado como un proyecto en solitario, pero por razones contractuales su sello lo obligó a lanzarlo bajo el sobrenombre de Whitesnake. El álbum esta basado en el sonido blues que fue seña de identidad de los primeros Whitesnake, además de contar con temas acústicos. Aunque el álbum no fue un éxito, devolvió a Coverdale al negocio de la música, cansado de toto el éxito alcanzado con Whitesnake a mediados y finales de los 80. Los músicos que acompañaron a Coverdale en la grabación fueron entre otros Marco Mendoza y Tony Franklin a los bajos, Denny Carmassi a la batería y Earl Silck a la guitarra, musico de estudio más conocido por sus colaboraciones con David Bowie, John Lennon, Yoko Ono, Robert Smith o John Waite y que en 1990 grabo con esta banda no muy conocida llamada Dirty White Boy.

Podríamos considerar a Dirty White Boy como un supergrupo, sus miembros venían de bandas como Giuffria o Autograph y el líder era Earl Slick, que ya tenía una buena carrera como músico de estrellas consagradas dentro del pop/rock. En 1990 editaron un álbum homónimo lleno de guitarras slide, Hard callejero y, por supuesto, baladas. El álbum fue producido por Beau Hill y lanzado con el sello Polydor. Al parecer la banda no estaba contenta con el sonido final y aunque debido al cambio de escena musical y la llegada del grunge el álbum no tuvo éxito, siendo estos motivos suficientes para que decidieran separarse. La banda estaba compuesta por David Glen Eisley a la voz (ex Guiffria), Earl Slick a la guitarra, F. Kirk Alley al bajo y Keni Richards a la batería, ex Autograph, banda con la que continuamos.

Autograph comenzó originalmente a finales de 1983, como un proyecto en solitario del cantante, compositor y guitarrista Steve Plunkett. Junto a el estaban Steve Lynch en la guitarra solista, Randy Rand al bajo, Steven Isham a los teclados y Keni Richards a la batería. Plunkett eligió el nombre Autograph para la banda, tras escuchar en la radio una canción de Def Leppard con un título similar, «Photograph». David Lee Roth, amigo de Plunkett, invitó a la banda a abrir para Van Halen en su gira de 1984. La banda gustó, y finalmente tocó en 48 shows, algo impensable para una banda sin contrato discográfico. Debido a su creciente popularidad, a finales de 1984 Autograph firmó un contrato con RCA Records, después de una actuación en el Madison Square Garden de Nueva York. El álbum debut de Autograph, «Sign In Please» se lanzó en octubre, pero no apareció en ninguna lista de discos hasta enero de 1985. El álbum contiene el único gran éxito de la banda, «Turn Up the Radio», tema que impulsó las ventas del álbum más allá de las 500.000 copias (disco de Oro). La canción apareció en un episodio de Miami Vice. Otras canciones del álbum se incluyeron en la película de 1985 «Admiradora Secreta» , otro film de ese año, «Noche de Miedo», también incluyó una canción que la banda grabó para la ocasión titulada «You Can’t Hide From the Beast Inside». Su segundo álbum, «That’s the Stuff» , se lanzó en 1985, a pesar de que las ventas fueron decepcionantes en comparación con su primer álbum, casi llego a convertirse en disco de Oro. La banda grabó una canción titulada «Winning Is Everything» para la película «Youngblood». Autograph lanzó su tercer álbum, «Loud and Clear» en 1987. La banda hizo un cameo en la película «Like Father, Like Son» además de aparecer en la B.S.O. La banda dejó RCA Records a principios de 1988. El teclista Isham dejó la banda pero no fue reemplazado, el batería Keni Richards también dejó la banda en esta época. Sin embargo, a principios de 1989 la banda realizó una gira con el nuevo baterista Eddie Cross y continuó grabando esporádicamente. A la banda finalmente se le ofrecería un nuevo contrato con Epic en 1989, que rechazaron. La banda se disolvió en diciembre de 1989. En 1997 se publica «Missing Pieces», el cuarto álbum de estudio de Autograph. El material fue grabado para un álbum destinado a un lanzamiento en 1989, pero el proyecto fue abandonado y el grupo disuelto, por lo que en realidad se trata de una recopilación de demos. En 2003 se edita «Buzz», con una formación completamente nueva a excepción del vocalista Steve Plunkett. Esta formación duraría hasta 2005. Desde 2013 hasta hoy la banda ha pasado por varios cambios de personal, agarrándose a cualquier festival «revival» para poder sobrevivir. El 8 de abril de 2017, Keni Richards murió a la edad de 60 años. La causa de su muerte fue un homicidio relacionado con las drogas. En 2017, la banda lanzó un nuevo álbum titulado «Get Off Your Ass» con Steve Lynch (Guitarra), Randy Rand (Bajo), Simon Daniels (Guitarra Rítmica y vocalista) y Marc Wieland (Batería). En 2019, Steve Lynch abandona la banda siendo sustituido por Jimi Bell. Y ya que la banda era «especialista» en aparecer en B.S.O de películas de la época, vamos con una de ellas, «Fright Night» donde entre otras bandas aparecía esta llamada White Sister.

Banda de hard rock/AOR formada en 1980 por el vocalista principal y bajista Dennis Churchill-Dries , el guitarrista Rick Chadock, el vocalista principal y teclista Gary Brandon y el batería Gus Moratinos, quien en 1981 fue reemplazado por Richard Wright. White Sister conoció a Gregg Giuffria (en ese momento en la banda Angel) mientras repostaban gasolina en una estación de servicio y terminó trabajando en con los arreglos de las canciones, produciendo demos y, finalmente, su álbum debut homónimo lanzado en 1984, en EMI America Records. La compañía intento que la banda cambiase de nombre ya que pensaban que su parecido con Twisted Sister haría confundir a los fans, los miembros de la banda decidieron que no cambiarían su nombre, EMI cedió y el álbum siguió adelante, eso si, sin el apoyo que White Sister creía tener. Gary Brandon dejó la la banda antes de lanzar su segundo álbum titulado «Fashion by Passion» ya fuera de EMI. La banda viajó al Reino Unido, donde su recepción fue mejor que en los Estados Unidos, convirtiéndose allí en una banda de culto dentro del estilo. Poco después la banda se separó.

Algunos de sus temas aparecieron en bandas sonoras de la películas como: «Fright Night» de 1985, «Killer Party» de 1986, donde la banda también actúa en la película, «Thrashin`» de 1986 protagonizada por Josh Brolin, «Halloween 5» de 1989 y en «Stella» de 1990 protagonizada por Bette Midler.

Richard Wright murió el 14 de junio de 2006, a la edad de 44 años. En 2008, los tres miembros originales restantes fueron invitados al Reino Unido para tocar en el festival de rock Firefest. El espectáculo fue filmado y lanzado en 2009. Jason Montgomery cubrió el puesto de batería. Los organizadores del festival invitaron a la banda a regresar en 2009, siendo este posiblemente, su último espectáculo como White Sister. El 15 de octubre de 2012, Rick Chadock falleció a causa de un cáncer. Cuando White Sister se separó en 1990, Churchill-Dries, Chadock y Wright formarían junto al teclista Michael Lord otro grupo llamado, Tattoo Rodeo.

En 1991 Tatoo Rodeo ficha por Atlantic ‎Records y lanza su primer álbum llamado «Rode Hard, Put Away Wet» con un sonido Hard Rock bastante influenciado por el country y el blues. El disco paso sin pena ni gloria en un tiempo donde este tipo de bandas empezaban a «molestar» dentro de la vorágine que se avecinaba con la entrada del «grunge» en la escena musical del momento. Años después lo volvieron a intentar con un segundo disco «Skin» (1995) con otra compañía e incorporando a Robert Berg como bajista. El resultado fue un trabajo bastante flojo que fue ignorado completamente. A raíz de eso el grupo se separó. Pero vamos con el miembro «no White Sister«, Michael Lord, un musico que ha trabajado entre otros con el ex batería de Guns & Roses, Steven Adler y su banda Adler.

En 2011 el ex batería de Guns N ‘Roses, Steven Adler, forma su propia banda llamada simplemente Adler. La banda se formó tras la disolución de la banda anterior de Adler, Adler’s Appetite, y estaba formada por Adler junto con el vocalista/guitarrista Jacob Bunton, el guitarrista Lonny Paul y el bajista Johnny Martin. En 2012 el grupo lanza su primer (y hasta la fecha único álbum) «Back from the Dead». A principios de 2013 se inició una gira americana, y se programo otra después para Europa. Sin embargo, estos planes se vieron abajo cuando Steven Adler entró en rehabilitación a mediados de 2013. La banda regreso a su actividad en 2015 retomando la gira. En 2016 realizaron algunos conciertos en festivales norteamericanos, pero ante la falta de publico, y el desinterés de la banda por realizar conciertos con poca asistencia, hiciera que en 2017 Steven Adler diera por disuelta a la banda. Entre los invitados que grabaron el álbum de Adler se encuentran los guitarristas John 5 (Marilyn Mason) y Slash, ex compañero de Steven en Guns & Roses así como el ya mencionado Michael Lord a los teclados y Jeff Pilson (Dokken, Foreigner) quien además de colaborar en el álbum grabando bajo, guitarra y voces, fue el productor de este, y según el resto de la banda, el «quinto «miembro del grupo. Así que con el continuamos y su paso por esta banda «ficticia» del film «Rockstar» llamada Steel Dragon.

Película de 2001 protagonizada por Mark Wahlberg y Jennifer Aniston, y que cuenta la historia de un cantante de una banda tributo que consiguió el puesto de vocalista principal de su banda favorita. El film se inspiró en la historia real de Tim «Ripper» Owens, cantante en un grupo tributo a Judas Priest y que reemplazó al cantante Rob Halford cuando este dejó la banda. La voz (en la canciones) para el personaje principal fue proporcionada por el líder de Steelheart, Miljenko Matijevic, Brian Vander Ark de The Verve Pipe y Jeff Scott Soto (Talisman, Yngwie Malmsteen). Ralph Saenz (Steel Panther) y Myles Kennedy (Alter Bridge) tienen un cameo en la película. Entre los músicos que aparecen en «Rockstar» están, el guitarrista Nick Catanese (Black Label Society), el batería Blas Elias (Slaughter) el bajista Brian Vander Ark (The Verve Pipe) y el cantante Stephan Jenkins (Third Eye Blind), todos ellos «miembros» de la banda tributo a Steel Dragon, Blood Pollution. LA banda principal también contó con músicos de primera fila como el guitarrista Zakk Wylde (Ozzy, Black Label Society), el bajista Jeff Pilson (Dokken, Foreigner) y el batería Jason Bonham (Bonham, Black Country Communion), hijo del fallecido John Bonham, batería de Led Zeppelin, banda a la cual dedicamos este blog y con los que me despido de vosotros. Espero que hayáis pasado un buen rato de lectura. Un saludo y hasta la próxima…y recuerda, sube el volumen y disfruta!!!

Episodio Nº32

Bienvenidos a una nueva entrada de Rock en Cadena. Volvemos a Europa y a una de las bandas pertenecientes a la llamada NWOBHM. Tal vez no goza de la «fama y poder» que sus contemporáneos Iron Maiden o Judas Priest, pero los primeros 80 fueron un a de las bandas mas punteras del creciente Heavy Metal. Ellos son Saxon. Comenzamos.

Ir a descargar

Los primeros años

Banda inglesa formada en 1977 en Barnsley por los ex miembros de Coast Peter «Biff» Byford en la voz , Paul Quinn y el ex miembro de SOB Graham Oliver en la guitarra, Steve «Dobby» Dawson en el bajo y Pete Gill en la batería. Originalmente fueron llamados Son of a Bitch, pero poco después la banda cambió su nombre a Saxon. En 1979, la banda firmó con el sello discográfico francés Carrere, y lanzó su álbum debut homónimo ese mismo año. «Wheels of Steel», lanzado en 1980, se ubicó en el puesto número 5 en el Reino Unido. Como resultado, Saxon comenzó una serie de largas giras por el Reino Unido, llegando al primer festival Monsters of Rock. A finales de 1980 se lanzó «Strong Arm of the Law » colocandose en el puesto 11 en el Reino Unido. Cuando el álbum llegó a las listas de varios países europeos Saxon vio como las entradas se agotaban en la gira por Europa y el Reino Unido. La banda también fue popular en Japón, donde el sencillo uno de sus sencillos permaneció en las listas durante casi seis meses. En 1981, la banda lanzó su cuarto álbum «Denim and Leather», el album siguió el éxito de su predecesor y fue oro en varios países europeos, incluido el Reino Unido. En ese momento, la banda era vista como los líderes del movimiento NWOBHM.

«Saxon 1979»

Antes de comenzar la gira el batería Pete Gill se fue, después de lesionarse la mano. La banda lo reemplazó por Nigel Glockler, quien tuvo que aprender todo el set en un día y medio. En 1982 se publicó «The Eagle Has Landed», llegando al numero 5 en el Reino Unido. En principio este trabajo estaba planeado como un álbum doble, pero la compañía discográfica decidió lanzarlo como un álbum en vivo, a pesar de las protestas de la banda, el álbum fue un éxito, lo que hizo que Saxon volviera a tocar en el festival Monsters of Rock en 1982, convirtiéndose en ese momento en la primera banda en aparecer allí dos veces.

Ascenso y caída: Los años de EMI

«Portada creada por Ridley Scott»

Cuando el movimiento NWOBHM comenzó a desvanecerse, Saxon publica en 1983 «Power & the Glory», su álbum más vendido hasta la fecha, colocando al grupo como uno de las principales bandas de metal en Europa, junto con Iron Maiden y Judas Priest. El tramo estadounidense de la gira resultó ser un éxito y Saxon se convirtió en un grupo importante en los Estados Unidos, ya que el álbum, en su primera semana de lanzamiento, vendió más de 15.000 copias solo en Los Ángeles. Sin embargo el glam metal emergente en Estados Unidos evitaría la conquista del mercado estadounidense por parte de la banda. La portada del álbum fue diseñada por el director de cine Ridley Scott.

A finales de 1983, Saxon dejó Carrere y firmó con EMI Records, siendo su primer lanzamiento en el sello «Crusader» de 1984 . Aunque seguía fiel al sonido Heavy Metal, el álbum tenía un sonido más comercial, y los fans comenzaron a preguntarse qué dirección estaba tomando la banda. El álbum vendió más de 2 millones de copias y la gira mundial de 1984 fue un éxito tanto en Europa como en América. En ese días, la banda fue considerada como cabezas de cartel de Monsters of Rock de 1984 en Donington, pero problemas de programación y disputas con sellos discográficos lo impidieron. Con el lanzamiento de «Innocence Is No Excuse» en 1985, la banda continuó en una dirección más comercial pensado para el mercado estadounidense. La gira mundial volvió a a ser un éxito con entradas agotadas, pero las tensiones comenzaron a aparecer dentro de la banda y, a principios de 1986, el bajista Steve Dawson fue despedido y Saxon se vio obligado a grabar su octavo álbum de estudio «Rock the Nations» sin suplir al bajista, con Byford grabando las partes de bajo. Con Elton John haciendo apariciones especiales como pianista en 2 pistas, el álbum fue considerado un éxito y llegó más alto que su predecesor. Para la gira contrataron al bajista Paul Johnson. En el verano de 1986, Saxon encabezó el Reading Festival y realizó una gira por los Estados Unidos. En 1987, la banda se tomó un descanso de las constantes giras y grabaciones que habían comenzado a mediados de la década de 1970, y solo se programó una pequeña gira por Estados Unidos y Canadá. A principios de 1987, Nigel Glockler dejó la banda y fue reemplazado por Nigel Durham.

Vuelta a los orígenes.

A la banda le resultó difícil alcanzar el éxito en las listas de éxitos en Estados Unidos; el lanzamiento de Destiny (1988) no cambió esto, y Saxon fue despedida de EMI. En 1988 Paul Johnson fue reemplazado por Nibbs Carter. Nigel Glockler también decidió volver a la banda. 1989 vio el lanzamiento de «Rock n Roll Gypsies», un álbum en vivo grabado en una gira por el este de Europa en 1988, pero en 1989, los conciertos en los grandes estadios y pabellones de Europa y los Estados Unidos eran escasos y sin una compañía de discos apoyando a Saxon su futuro era incierto. La banda finalmente decidió embarcarse en una gira europea titulada 10 Years of Denim and Leather con gran resultado de asistencia y popularidad. En 1990, firmaron con Virgin Records y comenzaron a trabajar en su nuevo álbum «Solid Ball of Rock», lanzado en 1991 siendo todo un éxito. En 1992, Saxon mantuvo este éxito con el lanzamiento de «Forever Free». La versión británica del álbum presentaba una portada alternativa con un «Space Marine» del juego de rol Warhammer.

«Saxon con Fritz Randow»

En 1994, Saxon publicó el álbum «Dogs of War». Poco después, Graham Oliver fue despedido por la banda, siendo reemplazado por Doug Scarratt. 1996 vio el lanzamiento de otro álbum en vivo, «The Eagle Has Landed Pt II». Saxon lanzó «Unleash the Beast» en 1997. Tras terminar la gira en 1998, el batería Nigel Glockler se tomó un descanso para recuperarse de una lesión en el cuello y el hombro y fue reemplazado temporalmente por Fritz Randow (Victory, Sinner). En 1999 se lanzó «Metalhead» .

Cambio de milenio y problemas legales.

En 1999, los antiguos miembros Graham Oliver y Steven Dawson registraron Saxon como marca comercial, alegando que tenían derechos exclusivos sobre el nombre, tratando incluso de evitar que Biff Byford y los miembros en ese momento de Saxon lo usaran. Byford solicitó al Registro de Marcas Comerciales que la marca se declarara inválida, alegando que el registro se había obtenido de mala fe y que tenía derecho a impedir el uso de la marca mediante la acción de «passing off» es decir, una acción para evitar que otros se hagan pasar por Saxon. En 2003, el Tribunal Superior declaró que eran Byford y los miembros actuales de la banda quienes poseían el nombre y, por lo tanto, estaban en condiciones de evitar que Oliver y Dawson se hicieran pasar por Saxon. En 2001, encabezaron el festival Wacken Open Air y grabaron el DVD en vivo «Saxon Chronicles», grabando ese mismo año el álbum «Killing Ground». En 2002, Saxon lanzó «Heavy Metal Thunder», un álbum recopilatorio con versiones regrabadas de canciones de los álbumes más vendidos de la banda. Fritz Randow dejó la banda en 2004. Su reemplazo fue el ex miembro de Stratovarius Jörg Michael. 2004 también vio el lanzamiento de «Lionheart», su decimosexto álbum de estudio. Nigel Glockler se reincorporó a la banda en 2005. En 2006, la banda lanzó el álbum en vivo, «The Eagle Has Landed – part 3.

El álbum «The Inner Sanctum» fue lanzado en 2007 y fue visto por la crítica como su mejor trabajo en años, a este trabajo le siguió en 2009 «Into the Labyrinth» .El álbum continuó con el éxito del anterior trabajo. Saxon lanzó en 2011 su decimonoveno álbum de estudio, «Call to Arms», debutando en el número 6 en la lista de álbumes de rock del Reino Unido. En 2012, la banda lanzó un nuevo paquete de CD y DVD en vivo titulado «Heavy Metal Thunder – Live: Eagles Over Wacken», que reunía sus presentaciones de 2004, 2007 y 2009 en el Wacken Open Air. Ese mismo año se publicó «Heavy Metal Thunder – The Movie» un documental sobre la historia de la banda desde su creación, siendo el primer lanzamiento en Blu-ray de la banda. En 2013 se lanzó «Sacrifice» además de un nuevo álbum recopilatorio «Unplugged and Strung Up» . 2014 vio el lanzamiento de un nuevo álbum en vivo llamado «St. George’s Day Sacrifice – Live in Manchester». En 2015, la banda lanzó «Battering Ram» y «Thunderbolt» en 2018 así como «Inspirations», en 2021, su ultimo trabajo hasta la fecha y primer álbum de versiones de la banda. Continuamos con el primer batería de la banda, Pete Gill, quien tras abandonar Saxon milito en esta otra banda inglesa llamada Motörhead.

Grupo al que ya dedicamos un programa especial https://rockencadena.home.blog/2019/11/05/programa-no-12/ así que como siempre hablaremos del paso de Pete Gill por la banda de Lemmy. Tras la marcha de Robertson en 1983, la banda recibió cintas de todo el mundo de potenciales guitarristas. El grupo volvió al concepto de dos guitarras contratando a los desconocidos Würzel y Phil Campbell. En febrero de 1984, la formación compuesta por Lemmy, Campbell, Würzel y Taylor grabó «Ace of Spades» para el episodio «Bambi» de la serie de la televisión británica «The Young Ones«. Taylor dejó la banda después de esa grabación y el ex batería de Saxon Pete Gill se unió a la banda. Bronze Records pensó que la nueva formación no estaría a la altura y decidió «finiquitar» al grupo con un álbum recopilatorio. Cuando Lemmy se enteró, se hizo cargo del proyecto, seleccionó pistas, proporcionó notas de portada e insistió en que Motörhead grabara cuatro pistas nuevas al final de cada cara del álbum. La banda grabó seis pistas para la cara B del sencillo y el álbum. El sencillo «Killed by Death» alcanzó el puesto 51 en la lista de singles del Reino Unido, el álbum doble «No Remorse»  llego a ser disco de plata, alcanzando el número 14 en las listas del Reino Unido. Durante los siguientes dos años, la banda estuvo involucrada en un caso judicial contra Bronze alegando que sus lanzamientos no se estaban promocionando adecuadamente, la compañía discográfica los prohibió volver a grabar. El caso judicial con Bronze finalmente se resolvió a favor de la banda. La gerencia de la banda creo su propio sello, GWR, editando su primer trabajo en 1986, «Orgasmatron», álbum que alcanzó el puesto 21 en las listas del Reino Unido. En 1987, durante el rodaje del video para el tema «Eat the Rich», Gill dejó la banda y Taylor volvió de nuevo a la banda. Como os decía no solo Pete Gill se «estrenaba» con el grupo, también lo hacían Wurzel y Phil Campbell con el que continuamos.

Músico galés, conocido por ser el guitarrista principal en Motörhead de 1984 a 2015, año en que la banda se disolvió tras la muerte del fundador y líder Lemmy. El 25 de octubre de 2019 aparece «Old Lions Still Roar», su primer álbum en solitario (segundo si se cuentan los álbumes de su banda, The Bastard Sons). El álbum cuenta, además de sus tres hijos, que lo acompañan en la banda que os mencionaba antes, con muchas estrellas de la escena del metal y el hard rock como Rob Halford de Judas Priest, Alice Cooper, Dee Snider de Twisted Sister, Danko Jones o Whitfield Crane de Ugly Kid Joe y músicos más diversos como Mark King del grupo de pop de los 80 Level 42. Precisamente con uno de sus «invitados» de lujo continuamos, el METAL GOD, Rob Halford y su carrera en solitario.

En 1999, Halford volvió a sus raíces del metal y formó una banda en solitario llamada Halford. Su primer álbum «Resurrection» fue lanzado en 2000 con un gran éxito de crítica y publico, deseoso de volver a ver al Metal God volver a sus raíces tras sus bandas Fight y Two. Un año mas tarde se editó un álbum en vivo titulado «Live Insurrrection» y en 2002 el segundo álbum de estudio «Crucible». El tercer disco de Halford, «Halford III: Winter Songs», fue lanzado en 2009. El disco incluye pistas grabadas entre 2008-2009, así como versiones de heavy metal de canciones tradicionales de Navidad. En 2010, Halford lanzó un DVD en vivo titulado «Live in Anaheim» además del cuarto álbum de estudio «Halford IV: Made of metal». Uno de los temas de su primer trabajo contó, a modo de dueto, con el vocalista Bruce Dickinson de Iron Maiden, con quien continuamos.

Después de un corto período de inactividad, Dickinson se asoció con Roy Z («culpable» también de la vuelta de Rob Halford al HM) para grabar un nuevo álbum, «Accident of Birth» (1997) lo que significó la vuelta a sus raíces. Se pidió al ex guitarrista de Iron Maiden, Adrian Smith, que participara en el disco, pero permaneció como miembro de tiempo completo del grupo solista de Dickinson. La continuación, «The Chemical Wedding» (1998), fue un álbum semi-conceptual sobre alquimia, que se inspiró en los escritos de William Blake. El disco fue incluso más exitoso que su predecesor. Durante la gira de apoyo se grabó en São Paulo el álbum en vivo, «Scream for Me Brazil» (1999), ese mismo año Dickinson y Smith regresaron a Iron Maiden. A finales de 2001se lanzó «The Best of Bruce Dickinson», un recopilatorio, con dos canciones nuevas y un disco extra de rarezas. Su último álbum en solitario, «Tyranny of Souls» fue editado en 2005. Una caja de tres DVD, titulada «Anthology», fue lanzada en 2006, con conciertos y videos promocionales de toda su carrera en solitario. Su compañero en solitario y en Iron Maiden, Adrian Smith, nos lleva a nuestro siguiente musico, ya que el guitarrista ingles también colaboró en el primer trabajo en solitario del vocalista alemán Michael Kiske.

En 1996, tres años después de dejar Helloween, Kiske lanzó su primer álbum en solitario, «Instant Clarity». El álbum contó con apariciones especiales de Adrian Smith de Iron Maiden y su ex compañero en Helloween Kai Hansen. El álbum contenía canciones en una amplia variedad de estilos, uno de ellos dedicado al fallecido batería de Helloween Ingo Schwichtenberg. Su segundo álbum en solitario, «Readiness to Sacrifice», fue lanzado por primera vez en Japón en abril de 1999, y luego reeditado en Europa 2001. La música del álbum presenta a Kiske alejándose completamente de sus raíces de heavy metal hacia un sonido más suave. En 2003, con el deseo de volver a hacer música rock, Kiske formó una banda con músicos de estudio, llamada SupaRed. Lanzaron un álbum homónimo en 2003. Este álbum tenía un sonido de rock moderno (grunge/alternativo) alejado del sonido heavy metal. El proyecto no fue promocionado, no tuvo éxito y debido a razones personales, Kiske disolvió la banda. En 2006, Kiske lanzó su tercer álbum en solitario bajo el nombre de «Kiske». El álbum contenía canciones en un estilo de cantautor suave y acústico. En 2008, Kiske lanzó su cuarto trabajo en solitario, titulado «Past in Different Ways». El álbum contenía arreglos acústicos de su antiguo material de Helloween, además de una nueva canción. Desde entonces todos conocemos la historia: Su vuelta al metal en el primer trabajo de Avantasia, su paso por los super grupos Place Vendome y Unisonic, y su añorada, esperada y celebrada vuelta a Helloween, junto a Kai Hansen, con el cual continuamos de la mano de la banda alemana a la que perteneció, Iron Savior.

Formada en Hamburgo en 1996 por el multiinstrumentista y productor/ingeniero Piet Sielck quien se unió al ex Helloween Kai Hansen y el entonces batería de Blind Guardian Thomen Stauch en un nuevo proyecto que combinaba el power metal con una historia de ciencia ficción. En 1997 el álbum debut homónimo de la banda, presentó la historia que se contará a lo largo de varios álbumes, con una nave espacial consciente de sí misma llamada «Iron Savior» y su relación con la mítica civilización perdida de Atlantis. Desde sus inicios, Iron Savior ha lanzado once álbumes de estudio, dos E.P.s, tres sencillos y un álbum en vivo. El enfoque sonoro y musical de Iron Savior tiene mucho que ver con bandas clásicas de heavy metal como Judas Priest, Iron Maiden y Saxon. La presencia de Kai Hansen en la banda trajo a los álbumes de Iron Savior en los que apareció un estilo fuertemente influenciado por Gamma Ray y Helloween. A pesar de los numerosos cambios de formación, Piet ha continuado dirigiendo la banda y actualmente es el único miembro fundador que queda. Uno de esos músicos que militaron en la banda es el batería Dan Zimmermann, quien también fuera compañero de Hansen en Gamma Ray y líder de esta formación llamada Freedom Call.

Banda formada en 1998 por el vocalista Chris Bay y su viejo amigo Daniel Zimmermann durante un período de descanso de la banda principal de este último, Gamma Ray. La formación Freedom Call fue completada por Ilker Ersin en el bajo y Sascha Gerstner en la guitarra (actual guitarrista de Helloween). Su álbum debut «Stairway to Fairyland» fue lanzado en 1999, y su segundo álbum «Crystal Empire» en 2001. Ese mismo año Sascha Gerstner dejó Freedom Call, siendo finalmente reemplazado por el guitarrista suizo Cédric «Cede» Dupont, lanzando en 2002 «Eternity». Durante esta gira grabaron el álbum en vivo, «Live Invasion» lanzado en 2004. El teclista de esa gira, Nils Neumann, se convirtió en el quinto miembro de la banda. Su siguiente álbum «The Circle of Life» fue lanzado en 2005, pero poco después del lanzamiento del álbum, tanto Cédric «Cede» Dupont como Ilker Ersin decidieron dejar Freedom Call. Los reemplazos fueron los desconocidos Lars Rettkowitz y Armin Donderer. Mas tarde llegaron «Dimensions» de 2007 y «Legend of the Shadowking» de 2010 con la entrada de Samy Saemann en sustitución del bajista Armin Donderer. Para esa gira Dan Zimmerman anunció que sería reemplazado por Klaus Sperling ya que durante este tiempo él [Zimmerman] estaría de gira con Gamma Ray. Más tarde se confirmó que Zimmermann había dejado oficialmente la banda. «Live in Hellvetia» fue el primer DVD en vivo de Freedom Call, lanzado en 2011 y grabado en 2010 en Z7 Pratteln, Suiza. En 2012 se lanzó «Land of the Crimson Dawn», un año mas tarde el primer recopilatorio de la banda «Ages of Light (1998-2013)» y en 2014 «Beyond» que significo el regreso a la banda del bajista Ilker Ersin y la incorporación del batería Ramy Ali. En 2015 Freedom Call lanzó «666 Weeks Beyond Eternity», una edición reeditada de su álbum de estudio de 2002, «Eternity». Como sugiere el título, «666 Weeks Beyond Eternity» fue lanzado 666 semanas después del lanzamiento del álbum original. El álbum más reciente de Freedom Call, «Master of Light», fue lanzado en 2016. Actualmente tan solo el vocalista Chris Bay permanece como único miembro original. Y precisamente con el continuamos y su primera banda «importante», Moon Doc.

Fundada en 1994 por Herman Frank (Accept, Victory, Sinner) con el cantante Chris Bay, el bajista Ilker Ersin y el batería Robert Jöcks. quienes grabaron los dos primeros trabajos de la banda, «Moon’Doc» en 1995, y «Get Mooned» en 1996. En 1998 Chris Bay e Ilker Ersin dejaron la banda para formar Freedom Call. Su tercer ,y hasta la fecha, último álbum «Realm of Legends» de 2000 se grabó con una formación diferente, junto a su líder y guitarrista Herman Frank le acompañaban el cantante Jürgen Wulfes, el bajista Frank Haase, el teclista Ossy Pfeiffer y el batería Fritz Randow, quien desde 1999 a 2004 perteneció a la banda a la cual dedicamos este blog, Saxon, curiosamente Herman Frank mezcló el primer álbum de Saxon en el que participaba Fritz Randow, «Killing Ground».

Espero que os haya gustado la entrada de este mes. Os espero en el próximo y ya sabéis…sube el volumen y disfruta!!

Episodio Nº31

Ir a descargar

Bienvenidos a una nueva entrada de Rock en Cadena. Esta vez volvemos a recordar los añorados 80 y pasearemos por las calles de Sunset Blvd. de la mano de una de sus bandas mas representativas, ellos son Poison, comenzamos.

Directos a Sunset Strip

Formados, en Mechanicsburg, Pensilvania, en 1983 por el vocalista Bret Michaels, el guitarrista Matt Smith, el bajista Bobby Dall y el batería Rikki Rockett. Inicialmente llamados Paris, el grupo comenzó a ganarse cierta reputación local lo que les hizo tomar la decisión de mudarse a Los Angeles ese mismo año adoptando el nombre de Poison, tras escuchar un tema del mismo nombre de la banda Kix. El grupo se promocionó actuando en los clubes locales mas famosos. En ese momento, Smith, que estaba a punto de convertirse en padre y estaba preocupado por el futuro de Poison, dejó la banda para regresar a su casa en Pensilvania. La banda hizo una audición para un guitarrista de reemplazo, y finalmente redujo el campo a tres candidatos: Slash, que más tarde se uniría a Guns N’ Roses, Steve Silva de Joe Perry Proyect y el guitarrista nacido en Nueva York CC DeVille. Aunque en principio Michaels y Dall no se llevaban bien con él, la banda acordó que la energía de DeVille lo convertía en la mejor elección.

«Poison 1986. Laca y carmín»

La banda firmó con el sello independiente Enigma Records en 1986 por aproximadamente 30.000 dólares. Su álbum debut, «Look What the Cat Dragged In», fue lanzado el 2 de agosto de 1986. A pesar de lanzar un único single el álbum se convirtió de repente en un éxito sorpresa lanzando tres singles mas, convirtiéndose en el disco más vendido en la historia de Enigma. En 1987 la banda grabó una versión de la canción de Kiss «Rock and Roll All Nite» para la banda sonora de la película «Less Than Zero» (Golpe al sueño americano).

«Look What the Cat Dragged In» fue certificado oro en 1987 y 3 veces platino en 1990 en USA. El segundo álbum de Poison, «Open Up and Say … ¡Ahh!», fue lanzado el 21 de mayo de 1988, alcanzando el puesto número 2 en las listas norteamericanas, en parte gracias a su único single Nº1. hasta la fecha, la balada «Every Rose Has its Thorn». El álbum fue certificado platino en 1988 y 5 veces platino en 1991. La portada generó controversia, ya que mostraba una figura femenina demoníaca con una lengua «obscenamente» larga, esto llevó a la compañía a editar una versión censurada de la portada, centrándose en los ojos de la chica.

En 1989, la banda lanzó su primer VHS titulado «Sight for Sore Ears», que incluía todos los videos musicales de sus dos primeros álbumes. Los conflictos perseguían a la banda de manera continua, Bryn Bridenthal, jefe de publicidad de Geffen Records, presentó una demanda de 1,1 millones de dólares contra la banda por arrojarle un cubo de hielo con bebidas en una fiesta de la industria de la música, también, Sanctuary Music, la antigua empresa de gestión de Poison, presentó una demanda por incumplimiento de contrato de 45,5 millones de dólares contra la banda. Poison a su vez los denuncio por mala administración de fondos. A todo esto se le sumaban las frecuentes peleas de Michaels que le valieron más demandas en Atlanta , Los Ángeles y Tallahassee.

Llegan los 90

Poison se despojó de su imagen mas «glam» y provocativa a medida que avanzaban hacia la década de 1990, adoptando un enfoque más maduro para su tercer álbum, lanzado el 21 de junio de 1990 y titulado «Flesh & Blood», que también fue un gran éxito, alcanzó el puesto número 2 en las listas de Billboard, vendió más de 7,2 millones de copias en todo el mundo y fue certificado Platino en 1990 y Triple Platino en 1991. El álbum también presenta una portada alternativa, ya que en la original aparecía un tatuaje recién hecho con la tinta corrida y restos de sangre. Las versiones posteriores de la portada mostraban un tatuaje «limpio».

Poison recibió una carta del Secretario de Defensa Dick Cheney agradeciendo a la banda su contribución para levantar la moral de las tropas estadounidenses durante la Tormenta del Desierto con el envío de 20.000 copias del álbum «Flesh & Blood» además de reconocer su continuo apoyo a las Fuerzas Armadas. Tras la publicación del álbum se lanzo el VHS «Flesh, Blood, & Videotape» con los singles/videos musicales de «Flesh & Blood», ademas de imágenes detrás de escena y entrevistas. Tambien se incluía el video «(Flesh & Blood) Sacrifice» inicialmente prohibido en MTV debido a su naturaleza explícita. Después de dos años de gira, los miembros de la banda se enfrentaron mutuamente debido a diferencias personales y adicciones a las drogas. Poison grabó varias actuaciones durante su gira mundial, que se lanzaron a finales de 1991 como el cuarto álbum de la banda, «Swallow This Live». El álbum doble incluye pistas en vivo de los primeros tres álbumes de estudio de Poison y cuatro nuevas pistas de estudio.

«Kotzen, un gran guitarrista…y un gran Romeo»

DeVille fue despedido y reemplazado por el guitarrista Richie Kotzen. El cuarto álbum de Poison, «Native Tongue» , fue lanzado el 8 de febrero de 1993. Influenciado por las nuevas contribuciones de Kotzen en la composición de canciones y la interpretación de la guitarra, marcó un cambio para la banda, ya que abandonaron sus «hits» para centrarse en temas más serios, más orientados al blues-rock que al glam metal. El álbum recibió críticas generalmente positivas y se convirtió en oro, pero después de la llegada del grunge las ventas fueron lentas en comparación con los tres primeros álbumes. Las tensiones aumentaron entre Kotzen y el resto de la banda, mas aun cuando se descubrió que se había involucrado sentimentalmente con la entonces prometida de Rockett, Deanna Eve. Kotzen fue despedido y reemplazado por Blues Saraceno en noviembre de 1993, quien completó la gira mundial con la banda.

«Seven Days Live», un VHS con un concierto en vivo en el Hammersmith Odeon de Londres, fue lanzado originalmente en 1993 y luego en DVD en 2006. También fue lanzado en 2003 como «Poison Live In Concert» con una portada diferente. Poison comenzó a grabar su sexto álbum, «Crack a Smile» a principios de 1994. La grabación se detuvo cuando Michaels se vio involucrado en un accidente automovilístico en el que perdió el control de su Ferrari, rompiéndose la nariz, las costillas, la mandíbula y varios dedos de la mano, además de perder cuatro dientes. Tras su recuperación en 1995, la banda continuó grabando el álbum pero al compañía lo archivó sin fecha de lanzamiento a la vista. En cambio, el sello optó por lanzar un recopilatorio titulado «Poison’s Greatest Hits: 1986–1996», que incluía dos nuevos temas con Saraceno a la guitarra. El álbum fue lanzado el 26 de noviembre de 1996 y se vendió bastante bien, llegando a alcanzar el estatus de doble platino. Después de varios años sin relacionarse, Michaels y DeVille resolvieron sus diferencias, regresando DeVille nuevamente a Poison en 1996 para reemplazar a Saraceno.

Un nuevo milenio

El eventual lanzamiento del álbum «Crack a Smile» fue impulsado por una fuerte demanda de los fans, a través de copias piratas que se vendieron por precios superiores a un álbum convencional. Para competir con el lanzamiento pirata, Capitol agregó pistas adicionales al álbum. La versión pirata contenía las 12 pistas originales del álbum, 6 canciones de la actuación de MTV Unplugged de Poison y su versión del clásico de Kiss «Rock and Roll All Nite». La versión final del álbum, lanzado el 14 de marzo de 2000, contenía las 12 pistas originales del álbum, dos tomas descartadas de estudio, una demo sin nombre, el tema «Face the Hangman»(anteriormente publicado como cara B del single europeo de «Every Rose Has Its Thorn») y cuatro de las canciones de MTV Unplugged.

El 13 de junio de 2000 Poison lanzó «Power to the People» bajo el sello independiente creado por la banda, Cyanide Music. Este trabajo marcó el regreso de la formación original, juntos por primera vez desde «Swallow This Live» de 1991. El álbum es parte de estudio, parte en directo, con cinco pistas de estudio y 12 en vivo de la gira de reunión de 1999-2000. El álbum se vendió relativamente bien, debido en su mayor parte a los temas en directo. El álbum fue re-empaquetado y relanzado en 2006 como «Great Big Hits Live! Bootleg» sin las pistas de estudio ni los solos de batería y guitarra del directo. El sexto álbum de estudio de Poison, «Hollyweird», fue lanzado el 21 de mayo de 2002, siendo el primer álbum completo con material nuevo desde la vuelta de DeVille a la banda. El álbum fue criticado tanto por fans como por críticos, debido a una producción no demasiado buena y un nuevo sonido mas cercano al sonidos pop y punk rock que poco tenia que ver con los «viejos» Poison.

«Poison 2000. Atrás quedó el glamour»

Después de la gira mundial, Poison lanzó en 2003 su segundo álbum recopilatorio, «Best of Ballads & Blues», que se centraba en las baladas y las canciones orientadas al blues, además de incluir dos grabaciones acústicas de «Something to Believe In » (con nueva letra) y «Stand». Poison regresó a la escena musical en el verano de 2006 para celebra su vigésimo aniversario con una gira mundial llamada «20 Years Of Rock» . La gira se convirtió en una de las más exitosas de 2006 en los Estados Unidos, con un promedio de alrededor de 10,000 personas por noche. Para complementarlo, la banda lanzó un álbum recopilatorio «The Best Of Poison: 20 Years Of Rock», en abril de ese año. El álbum también incluye una versión de » Were An American Band » de Grand Funk Railroad. El álbum debutó en el puesto 17, lo que marcó el regreso de Poison al top 20 de las listas por primera vez desde 1993.

El 5 de junio de 2007 Poison lanza a través de Capitol Records su álbum de versiones llamado «Poison’d!» . El álbum entró en la lista Billboard 200 en el puesto 32 y en el puesto 12 en los mejores álbumes de rock. Durante la gira se filmó un show en St. Louis, Missouri, editándose en 2008 bajo el nombre de «Live, Raw & Uncut» inicialmente solo se vendía en las tiendas Best Buy. El DVD incluye escenas detrás de cámara, así como un CD de audio en vivo con selecciones del concierto. También en 2008 se lanzó una versión en CD del DVD en vivo de Poison «Seven Days Live». En noviembre de 2010, se lanzó un doble CD titulado «Nothin ‘But A Good Time: The Poison Collection» que incluía un álbum recopilatorio ( «The Best of Poison: 20 Years of Rock» ) y un álbum en vivo ( «Swallow This Live» – edición de un solo disco). También en 2010 se lanzó una recopilación de sencillos, «Poison: 10 Great Songs The Millennium Collection» con todos los sencillos de los dos primeros álbumes de estudio de la banda. Para el 25 aniversario de Poison se lanzó «Double Dose: Ultimate Hits», una nueva colección de 2 CD que abarca toda su carrera con 35 de los principales éxitos de la banda. Desde entonces hasta ahora la banda se ha dedicado a girar (principalmente en USA) junto a bandas contemporáneas de su época, en una especie de shows «revival». Desde su debut Poison ha lanzado siete álbumes de estudio, cuatro álbumes en vivo y cinco álbumes recopilatorios, vendiendo 15 millones de discos en los Estados Unidos y más de 50 millones de álbumes en todo el mundo. La banda ha registrado diez sencillos en el Top 40 del Billboard Hot 100 , incluidos seis sencillos Top 10 y un número uno del Hot 100. Seguimos con uno de los miembros de la banda, Rikki Rockett y su hasta la fecha único álbum en solitario.

Richard Allan Ream mas conocido como Rikki Rockett lanzó su primer álbum en solitario, «Glitter 4 Your Soul» en 2003 (y reeditado en 2008) como un tributo al glam rock de los setenta, con versiones de gente como T. Rex, Bowie, Alice Cooper o Slade entre otros. El disco presenta al ex miembro de la banda Poison Blues Saraceno en las guitarras, además, otro Poison, Bret Michaels, proporciona la voz principal para el único tema original del álbum, también el propio Rikki Rockett canta en otro tema. El resto de las voces principales las interpretan los amigos de Rikki (otros músicos de Los Ángeles) como Marc Minarik de Zenjin, Lucy Levinsohn de Evolove y Dick Swagger de The Hollywood Stones. Otros cantantes mas conocidos son John Corabi (Motley Crue) o Jizzy Pearl (Love/Hate) tambien aportan su voz a los temas del álbum. El bajo corre a cargo de Chuck Garric, actual bajista de Alice Cooper, además de haber tocado y girado con gente como Dio, L.A Guns, Billy Bob Thornton, Ted Nugent y la banda con la que continuamos, Eric Singer Project (ESP).

Eric Singer Project (ESP) fue fundada a principios de 1990 por Eric Singer, actual batería de Kiss y de gente como Lita Ford, Black Sabbath, Badlands, o Alice Cooper, junto con Bruce Kulick (Kiss) en la guitarra, John Corabi ( The Scream, Mötley Crüe) en la guitarra y el bajo y Karl Cochran al bajo. Las tareas vocales fueron compartidos por Eric, John y Karl. En 1988 editan su primer trabajo «Lost and Spaced» compuesto por demos y tomas en directo de versiones de grupos como Sweet, The Who, Aerosmith o Kiss. Un año mas tarde publican su segundo trabajo «ESP», de nuevo con versiones, algunas de ellas ya publicadas en su primer trabajo pero esta vez grabadas «en condiciones». Chuck Garric reemplazó a Karl Cochran y en 2007 publican dos directos «ESP Live in Japan» en formato CD y el DVD «ESP Live at the Marquee», grabado en Sidney. Ambos directos cuentan con versiones de los grupos en los que han militado los miembros de la banda, Kiss y Motley Crue principalmente así como de Union, banda de Kulick y Corabi en la que de forma puntual han colaborado Singer y Garrick. Como os decía Singer es un todo terreno dentro del panorama musical americano, así que seguimos con el y su paso por la banda de este mítico guitarrista llamado Ronnie Montrose.

A principios de la década de 2000 Ronie Montrose estuvo de gira con el bajista Ricky Phillips (Styx , The Babys) y Eric Singer (Kiss) . Durante tres días en 2003 grabaron en el estudio 10 pistas con la intención de que un cantante hiciera las voces. Finalmente, Ronnie se decidió por el concepto 10×10, 10 pistas y 10 cantantes diferentes. Al principio, pudo obtener contribuciones de amigos cercanos como Sammy Hagar, Edgar Winter y Davey Pattison. En los años posteriores, Ronnie luchó contra el cáncer de próstata y, entre eso y los problemas de agenda en la programación de las grabaciones llevaron a que el disco permaneciera inacabado durante años hasta el fallecimiento de Montrose en 2012. Junto con la finalización de las voces, las canciones también necesitaban la guitarra principal. Ricky Phillips, con la aprobación de la esposa de Ronnie, y la ayuda de Eric Singer, tomó las riendas y completó el álbum. Entre las voces que completan el álbum se encuentran las de Glenn Hughes, Eric Martin o Tommy Shaw además de los guitarristas Steve Lukather, Joe Bonamassa o Phill Collen entre otros. El «precursor » de este proyecto, Ricky Phillips nos lleva a nuestra siguiente banda, bueno, mas bien pareja de lujo que se unió a principios de los 90 en este único trabajo llamado como ellos y como el proyecto que fundaron, Coverdale/Page.

El proyecto comenzó en 1991 por sugerencia del A&R, John Kalodner, ya que ambos artistas firmaron con Geffen Records en ese momento en América del Norte. El único álbum de estudio del vocalista de Whitesnake, David Coverdale, y el ex guitarrista de Led Zeppelin, Jimmy Page, conocidos como Coverdale/Page, fue lanzado el 15 de marzo de 1993, bajo la producción de los propios Page y Coverdale además del productor canadiense Mike Fraser. El álbum, certificado oro y finalmente platino, alcanzó el número 4 en el Reino Unido y el número 5 en la lista Billboard 200 de EE.UU. , mientras que el primer sencillo lanzado alcanzó el puesto número 1 en la lista Album Rock Tracks durante seis semanas. También recibió el premio interno oficial japonés de Sony Music por ventas superiores a 150.000 copias en Japón, así como el premio interno de ventas EMI por ventas superiores a 60.000 copias en el Reino Unido. La gira, que en principio parecía importante, acabo con una pequeña serie de shows en Japón. Para la grabación del álbum se hicieron acompañar por Jorge Casas al bajo (excepto en dos pistas en la que Ricky Phillips es el encargado del bajo), Lester Mendez a los teclados y el mítico batería Denny Carmassi, curiosamente Carmassi fue miembro de las primeras cuatro formaciones de la banda Montrose. Después de Montrose, tocó con su ex compañero de banda de Montrose Sammy Hagar como solista, y con sus ex compañeros de banda de Montrose Ronnie Montrose y Jim Alcivar en la banda Gamma. Además de grabar y girar pare gente como Al Stewart, Joe Walsh, 38 Special, Cinderella o la banda que viene a continuación, Heart.

Banda formada en 1967 en Seattle por las hermanas Wilson, Ann y Nacy como The Army. Dos años más tarde cambiaron su nombre a Hocus Pocus, para cambiarlo a White Heart un año después, y finalmente a Heart en 1973. El grupo saltó a la fama con una música influenciada por el hard rock y el heavy metal, así como por la música folk. La popularidad de la banda bajó a principios de la década de 1980, pero resurgió con gran éxito en 1985, continuando hasta mediados de la década de 1990. Heart se disolvió en 1998, reanudó sus actuaciones en 2002, hizo una pausa en 2016 y volvió a actuar en el verano de 2019. Heart ha vendido más de 35 millones de discos en todo el mundo, incluidos aproximadamente 22,5 millones de álbumes en los Estados Unidos, colocando 10 de sus álbumes entre los mejores álbumes en el Billboard 200 en las décadas de 1970, 1980, 1990 y 2010. Los miembros originales Ann Wilson (voz principal y flauta), Nancy Wilson (guitarra rítmica, coros y voz principal ocasional), Roger Fisher (guitarra) y Steve Fossen (bajo), Michael Derosier (batería) y Howard Leese (guitarra y teclados) fueron incluidos en 2013 en el Salón de la Fama del Rock and Roll. En 1979 Roger Fisher (guitarra) fue despedido del grupo y en 1980 Steve Fossen (bajo) y Michael Derosier (batería) abandonaron la banda. Mas tarde, en 1990, los tres se unieron para crear esta buenísima banda llamada Alias.

Grupo formado en 1988 por el vocalista Freddy Curci y el guitarrista Steve DeMarchi de la banda canadiense Sheriff junto con los miembros fundadores de Heart, Roger Fisher, Steve Fossen y Mike Derosier. En 1990, Alias ​​lanzó su primer álbum homónimo grabado bajo el sello Capitol. El álbum fue oro en los EE.UU. y platino en Canadá. La balada «More Than Words Can Say», el mayor éxito de la banda, fue número uno en la lista Billboard Hot AC y número dos en el Billboard Hot 100. En 1990 mientras estaban de gira, el trío de ex músicos de Heart decidió dejar la banda debido a diferencias musicales. En 2009, Alias lanzó su segundo álbum titulado «Never Say Never», originalmente grabado en 1992 estaba planeado para aprovechar el éxito de su álbum debut, pero debido a la escena musical en rápida evolución de esa época donde el grunge estaba en aumento y el metal se estaba desvaneciendo, nunca fue lanzado. Algunas de las canciones de este álbum se volvieron a grabar y aparecieron en el álbum en solitario del vocalista Freddy Curci, «Dreamer’s Road». El vocalista de House of Lords, James Christian, también grabó 3 de las canciones de «Never Say Never» para su álbum debut en solitario de 1994, «Rude Awakening». Para su segundo álbum Freddy Curci y Steve DeMarchi se acompañaron de Marco Mendoza al bajo, Larry Aberman a la batería y Denny DeMarchi a los teclados, musico que ya había colaborado con la banda en su debut discográfico. En agosto de 2014, Alias tocó su primer concierto en vivo en muchos años. Los miembros de la banda de reunión fueron los miembros originales, Freddy Curci y Steve DeMarchi, mas el teclista Denny DeMarchi, el guitarrista Roscoe Stewart, el bajista de Sheriff Wolf Hassel y el batería Chris Sutherland. Como curiosidad deciros que en 1989 Alias grabó el tema «Perfect World» para la película de Christina Applegate, «Don’t Tell Mom the Babysitter’s Dead» (No digas a mamá que la canguro ha muerto), donde además de ellos colaboraban en la B.S.O. gente como el guitarrista Brad Gillis o la cantante de Femme Fatale Lorraine Lewis, actual cantante de las míticas Vixen.

Vixen se formó en 1980 por Jan Kuehnemund (guitarra), tras continuos cambios Janet Gardner (voz y guitarra), Share Ross (bajo) y Roxy Petrucci (batería) fueron las que en 1988 firmaron con EMI Manhattan, lanzando ese mismo año su álbum debut homónimo. Un año mas tarde publicaron su segundo trabajo titulado «Rev It Up» pero después de que la gira concluyese a mediados de 1991, el grupo se disolvió en 1992 debido a diferencias musicales. En 1997, la batería Roxy Petrucci reformó Vixen junto a Janet Gardner, reclutando a Gina Stile en la guitarra principal y a Rana Ross, de Phantom Blue, en el bajo. En 1998 Gardner, Stile y Petrucci grabaron el álbum «Tangerine» con un sonido diferente a la música de los álbumes anteriores de la banda, más parecido al post-grunge que al glam metal, siendo un fracaso comercial además de recibir una demanda por parte de Kuehnemund sobre la propiedad del nombre que falló a su favor, lo que puso fin a esa versión de la banda. En 2001, Vixen fue reformada por Kuehnemund con una formación compuesta por Janet Gardner, Roxy Petrucci y el nuevo bajista Pat Holloway, pero los desacuerdos con la gerencia hicieron que la banda se separara y solo quedara Kuehnemund, quien reclutó a Jenna Sanz-Agero (Jenna Piccolo), Lynn Louise Lowrey y Kathrin «Kat» Kraft para completar la gira. Lanzando dos nuevos álbumes en 2006, un álbum en vivo, grabado en un show en Suecia, llamado «Extended Versions» y un álbum de estudio titulado «Live & Learn». A finales de 2012, Jan Kuehnemund planeaba reunir a la formación clásica de Vixen con Janet Gardner, Share Ross y Roxy Petrucci, quienes anteriormente se habían reunido con la guitarrista Gina Stile bajo el nombre de JSRG. Sin embargo, en enero de 2013, a Kuehnemund le diagnosticaron cáncer y tras nueve meses luchando contra el, murió a la edad de 59 años. Los tres miembros supervivientes de la alineación clásica decidieron continuar bajo el nombre de Vixen en honor a Jan Kuehnemund. En 2017, la guitarrista principal Gina Stile se separó de Vixen, siendo Britt Lightning su sustituta. En 2019 la vocalista Janet Gardner también abandono Vixen, siendo anunciada a los pocos días Lorraine Lewis (Femm Fatale) como la nueva vocalista de la banda. Richard Marx, uno de los artistas más exitosos de finales de la década de 1980, estuvo muy involucrado en los inicios de la carrera de Vixen, coproduciendo el álbum y escribiendo uno de sus mayores éxitos «Edge of a Broken Heart» , además, otras tres canciones del álbum fueron coescritas por Jeff Paris, lanzadas anteriormente en el álbum solista de París de 1987, «Wired Up» . Otro tema mas aparece bajo el nombre real de Paris, Geoffrey Leib, y se incluyó en su anterior álbum «Race to Paradise» de 1986. Jeff Paris ha compuesto temas para gente como XYZ, Alias, Lita Ford, Y&T, y esta banda con la que continuamos llamada Mr. Big.

Banda de la que ya hablamos en el episodio dedicado a Mötley Crüe https://rockencadena.home.blog/2019/09/05/programa-no10/ y que tanto en su primer trabajo como en su segundo colaboraba el compositor Jeff Paris. En el álbum «Lean into it» (segundo trabajo de la banda de 1991) Paris colabora con un tema anteriormente grabado por el «CDFF-Lucky This Time» , el prefijo «CDFF» es la canción «Addicted to That Rush» del álbum debut homónimo de la banda en 1989, tocada a una velocidad de reproducción más alta; por lo que, «CDFF» significa «Compact Disc Fast Forward», además de ser también la estructura de acordes de la canción en cifrado americano (CDFF= Do, Re, Fa, Fa). «Lean into It» alcanzó el puesto 15 en las listas de Billboard 200, mientras que el sencillo «To Be with You» se convirtió en la primera y única canción de la banda en alcanzar el número 1 en el Billboard Hot 100. La imagen de la portada es una fotografía del accidente del tren de Montparnasse que ocurrió el 22 de octubre de 1895 en la estación Gare Montparnasse en París, Francia. El guitarrista Paul Gilbert dejó la banda en 1999, entrando en su lugar Richie Kotzen quien anteriormente había sido guitarrista de nuestra banda protagonista de este episodio, Poison.

Espero que hayáis disfrutado del blog. Os espero en el próximo episodio…Sube el volumen y disfruta!!

Episodio Nº30

Ir a descargar

Bienvenid@s al blog de Rock en Cadena. Volvemos con una banda española pionera del Rock sinfónico y que tuvieron su máximo esplendor a finales de los 70 y principios de los 80. Sin duda una de las bandas mas grandes del Rock en la lengua de cervantes. Ellos son Asfalto, comenzamos.

Los 70

En 1974, Julio Castejón (guitarra y voz), Enrique Cajide (batería) y Lele Laina (guitarra y voz) se unen a José Luis Jiménez formando Asfalto. Anteriormente José Luis Jiménez había grabado dos sencillos con otros músicos bajo el nombre de Asfalto sin ninguna repercusión, por lo que al formar una nueva banda se decidió por utilizar este, ya que en aquella época el tener material grabado facilitaba las cosas, o al menos menos llamaba la atención a quienes contrataban. En 1976 realizan un homenaje a The Beatles, grabando diferentes canciones editándose en formato casette.

«Castejo, Cajide, Jimenez, La, primera y mítica formación de ASFALTO»

Ya en 1977, el grupo ficha por Chapa Discos, una nueva marca de la compañía discográfica Zafiro que es dirigida por el disc jokey Vicente Romero «Mariskal», quien produce en 1978 el primer álbum de la banda bajo el título de «Asfalto», un trabajo que, por motivos de producción y discrepancias musicales, deja insatisfechos a todos sus componentes. Jiménez y Laina deciden abandonar el proyecto para fundar su propia banda, mientras que Castejón y Cajide, con algunas dudas y presiones (al parecer querían continuar con otro nombre) siguen en Asfalto incorporando dos nuevos músicos, Jorge García Banegas a los teclados y José Ramón Pérez «Guny» al bajo.

En diciembre de 1978 se publica «Al otro lado», grabado en los Estudios DJM de Londres (Inglaterra), donde la banda se muestra totalmente decantada por un rock de corte progresivo con la voz de Julio Castejón como protagonista. Aprovechando su paso por la capital inglesa, se presentan en directo en el mítico Marquee Club, convirtiéndose así en la primera banda española en actuar en dicha sala.

«La otra formación de Asfalto»

En 1979 graban su tercer disco, «¡¡Ahora!!», producido como los dos anteriores por «Mariskal». Como novedad se escuchaba la voz solista de Guny en dos temas. Los conciertos se suceden y la popularidad de Asfalto se dispara, convirtiéndose en los máximos exponentes de una generación de grupos de rock que cantaban en castellano. Su compañía, ante la creciente popularidad de la banda, decide editar en 1980 un recopilatorio de grandes éxitos titulado «Lo mejor», donde se incluye el tema «Canción para un niño», solamente publicado anteriormente como sencillo.

Los 80 y la primera ruptura

En 1981 Asfalto graba «Déjalo Asi», todo un reto ya que se trata del primer disco doble de estudio editado por un grupo español. Chapa Discos no se entusiasma ante un trabajo que es, por su formato, complicado de promocionar y vender. «Déjalo Asi» obtiene una escasa repercusión en los medios de comunicación y la banda rescinde su contrato para crear su propio sello discográfico bajo el nombre de Snif. En 1983, la banda pasa a ser un quinteto con la inclusión de Miguel Oñate, un vocalista que da un aire fresco al grupo, iniciándose así un nuevo ciclo en el que la banda retoca su estilo haciéndolo algo más hard. Ese mismo año con la producción de Julio Castejón y el propio grupo se edita «Más que una intención», un disco que les devuelve al primer plano de la actualidad. Además, «Más que una intención» se convierte en el primer video-LP que se comercializa en España.

Tras el éxito del anterior disco se presenta un año más tarde “Cronophobia». La banda estaba en un gran momento creativo y triunfaba allá donde iba, pero como en otras ocasiones llegan los problemas. Miguel Oñate deja la formación para dedicarse a su carrera en solitario, su sustituto será Ricardo Benítez «Richie», con el que graban «Corredor de fondo» en 1986. El disco no tuvo el mismo éxito de ventas que los dos anteriores en mayor parte debido a las composiciones, menos frescas e inspiradas, y al estilo, que se suaviza bastante. Al terminar la gira «Richie» deja el grupo por motivos personales. La banda decide realizar una parada temporal que también implicará la salida de Banegas y Pérez de Asfalto. En 1987, y para celebrar su decimoquinto aniversario, se regraban algunos de sus éxitos para un disco titulado «1972 – 1987… 15 años de música» incluyéndose un tema inédito de la primera época del grupo, «El teatro de la vida». Este trabajo cuenta con la participación de todos los músicos que alguna vez pasaron por Asfalto (a excepción de Oñate). Durante el periodo de inactividad sobre los escenarios, ve la luz en 1988 una nueva compilación titulada «Los singles, 1981 – 1988» que incluía los sencillos editados durante esos años, algunas caras B y una versión de «Halley» en inglés.

Los 90y la segunda ruptura

Julio Castejón se acerca a José Luis Jiménez y Lele Laina, además de Terry Barrios (batería) para formar La Rockorquesta Sport Club, un proyecto en el cual rinden tributo a los clásicos que les hicieron músicos. Pero no es eso lo que la gente espera de ellos y tras pensarlo mucho se decide retomar la marca Asfalto. El resultado de esta unión es el disco «Solo por dinero» editado en 1990 por el sello Libélula, propiedad de Julio Castejón. El disco fue un fracaso de ventas y críticas debido al drástico cambio de estilo, originado que los fieles de la banda les dieran la espalda, ya que parecía dirigido a otro tipo de público. El disco que aportó poco bueno y que dejó la credibilidad de Asfalto bajo mínimos significo la última grabación de Barrios, que fallecería dos años más tarde. En 1993, Cajide vuelve a hacerse con el puesto de batería. Retour 93 es el nombre de la gira que se organiza ya retomada oficialmente la formación original. En 1994 publican «El planeta de los locos» con la misma formación que debutaron en 1978, pero poco a poco la experiencia se va diluyendo en una gira nacional que no logra captar la atención del público, la banda, olvidada e ignorada por los medios, se vio obligada a claudicar por falta de seguidores. Sus últimos conciertos se celebraron en 1995.

Entrando en el siglo XXI

Asfalto vuelve a la carretera en 2008 de la mano de Julio Castejón y una nueva formación, con Raúl Santana (que canta los temas grabados en su día por Oñate y Richie), Carlos Parra (teclados y voz), Viti Ilarraza (batería y voz) y Juanvi García (bajo). Con ellos se publica «Utopía», trabajo que en un principio se iba a publicar como un disco en solitario de Julio Castejon, convirtiéndose en su undécimo disco de estudio. Meses después, Alejandro Ollero «Pollo» sustituye a Juanvi en plena gira de promoción. El 3 de julio de 2009, en el Teatro Pilar Bardem de Rivas-Vaciamadrid (Madrid), Asfalto graba su primer disco en directo, publicado ese mismo año bajo el titulo de «¡Al fin vivos!» en formato de doble CD y doble DVD.

En 2011 Asfalto publica «Music», un disco de 4 temas, donde Raúl Santana interpreta en inglés una versión de «Music was my first love» de John Miles. También en 2011 se lanza el recopilatorio «Inédito», con material descartado del disco “Corredor de Fondo”, otras canciones que ya habían sido publicadas en el recopilatorio “Los Singles” y algunas maquetas. Las grabaciones son de entre 1983 y 1986 excepto el bonus “Tiempo gris” del álbum “Más que una Intención” , que fue grabada en directo en 2003 por Jorge García Banegas en solitario pero con la participación de Miguel Oñate y Guni, entre otros. En junio del 2012 Raúl Santana y Carlos Parra dejan la banda siendo sustituidos por Jorge García Banegas, que regresan a Asfalto tras 25 años de ausencia y Paul Castejón, multi instrumentista y uno de los hijos de Julio. A finales de ese mismo año dejan también la banda Alejandro Ollero y Marcos Parra. Ocupan sus puestos Pablo Ruiz (bajo) y Tony Mangas (batería).

«Asfalto 2021»

«El color de lo invisible»​ se edita en 2014, donde Banegas solo participa en dos canciones, abandonando la grabación siendo sustituido por Nacho de Lucas. «Crónicas de un Tiempo Raro», de 2017, cuenta con la ultima formación de Asfalto formada por Arturo García (batería), Paul Castejón (multi-instrumentista), Nacho de Lucas (teclado), Pablo Ruiz (bajo) y, cómo no, Julio Castejón grabando ese mismo año el directo «Sold Out» (doble Cd y DVD) coincidiendo con la celebración del 45 aniversario de la banda, contando con invitados de lujo como John Helliwell de Supertramp (quien colaboró en el disco anterior), Aurora Beltrán, El Drogas, Manolo Garcia, Richie (ex cantante de Asfalto).

Asfalto es sin duda una de las grades bandas del rock español, verdaderos padres del rock sinfónico tan poco cultivado en España, y siempre comprometidos en la defensa de los derechos sociales y las reivindicaciones por la libertad. Si hablamos de Asfalto no podemos dejar pasar por alto a la banda surgida de esa «otra midad» de la primera formación de Asfalto formada por Jose Luis Jimenez y Lele Laina llamada Topo.

Tras abandonar Asfalto, José Luis Jiménez (bajo y voz) y Lele Laina (guitarra y voz) se embarcan en la creación de Topo junto a Terry Barrios (batería y voz) y Víctor Ruiz (teclados). En 1979 debutan con su su primer álbum homónimo producido por Teddy Bautista. En 1980, Chapa (su compañía de discos) empuja a Topo a realizar un disco muy en la onda de lo que estaba de moda en ese momento, a nivel patrio, la movida madrileña, y a nivel internacional la new wave. Esto se refleja en su segundo trabajo de 1980 «Pret a portet», de nuevo producido por Teddy Bautista, y muy alejado del anterior trabajo siendo un fracaso estrepitoso. Los seguidores de la banda no reconocen al grupo y la fórmula no es capaz de atraer a otros sectores de público. Esto hace que Topo abandone la discográfica. Para su tercer álbum editado en 1982, «Marea Negra», fichan por Sony y cuentan con la producción de Carlos Narea con la ayuda de Miguel Ríos, volviendo así a su sonido original convirtiendo al álbum en su obra más representativa. La compañía hace muy poco por promocionarlos minando la moral del grupo que a finales del 84 ve como Terry, Lele y Víctor abandonan la banda. José Luis Jiménez se queda solo, pero decide mantener el nombre y ficha a Luis Cruz (Guitarra), Kacho Casal (Batería) y Pablo Salinas (Guitarra, teclados), editando en 1986 «Ciudad de Músicos». A pesar de ser un buen álbum vuelve a pasar desapercibido precipita el fin de la primera etapa de Topo. El 30 de octubre de 1987, José Luis Jiménez reúne en la sala Canciller (Madrid) a todos los músicos que habían pasado por la banda, más numerosos invitados ligados a su historia para la grabación de «Mis amigos están vivos», doble L.P en directo editado en 1988. En el año 1998 vuelven a reunirse Jiménez y Lele Laina, esta vez con Sergio Cisneros a los teclados y Roger Castro en la batería. En 2000 publican «La jaula del silencio» , de nuevo el álbum pasó totalmente desapercibido. En 2010 vuelve a Topo Luis Cruz, prescindiendo de teclista completan la banda el batería José Martos (Niagara, Barón Rojo, Atlas), publicado en 2010 “Prohibido mirar atrás”. Con esta formación graban en 2011 el directo “Cierta noche en Madrid” editado en doble CD y doble DVD. En 2015 se publica lo que es hasta la fecha su ultimo trabajo «El ritmo de la calle». En 2017 se lanza el recopilatorio “Milenio”, únicamente en formato vinilo con dos canciones nuevas y temas de “La Jaula del Silencio” , “Canciones Básicas” , “Prohibido Mirar Atrás”, “Cierta Noche en Madrid” y “El Ritmo de la Calle”. Seguimos con alguien que contribuyo en gran medida al «éxito» de Topo, el cantante Miguel Ríos.

Cantante y compositor de rock español y uno de los pioneros de este género en España. Conocido en los años 60 como Mike Ríos alcanzó su mayor éxito con el «Himno a la alegría», cuya versión en inglés «A Song of Joy» fue un éxito a nivel mundial. En 1978, patrocinada por la marca de vaqueros Red Box, organiza la gira La noche roja, que él mismo diseña, dirige y produce. Fue la primera gira con equipamiento traído desde Inglaterra, lo que permitió actuar con la misma calidad que las bandas anglosajonas, tanto en lo referente a la luz como al sonido, a los mejores grupos españoles del momento, como Triana, Iceberg, Tequila, Salvador y Guadalquivir. Su álbum «Rock and Ríos», un doble directo editado en 1982, es sin duda un referente dentro del rock en España. En 1983 publica «El rock de una noche de verano» con Luz Casal y Leño como teloneros. Topo y Express (banda de Richie, cantante de Asfalto) también fueron teloneros de Miguel Rios quien a lo largo de su carrera ha variado su estilo desde el rock and roll más primigenio al sinfónico y, en los últimos años, el jazz con big band o el blues. Continuamos con uno de los músicos que grabó y giró a Miguel Rios, compositor de un tema que dio nombre a su banda, Banzai.

A principios de los 80, Salvador se decide a crear su propia banda, y la bautiza con el nombre de uno de los temas que compuso con el propio Miguel Ríos en 1982, Banzai. La primera formación estuvo compuesta por Jimmy Reitz a las voces, Juan Carlos Redondo «Snoopy» a los teclados, José al bajo, Enrique Ballesteros a la batería y Salvador a la guitarra solista. Estuvieron a punto de ser contratados por la compañía CBS, pero finalmente el contrato no se realizó. En 1983 se produjeron los primeros cambios en la banda, saliendo Jimmy, Enrique y José siendo sustituidos por Valentín del Moral «Chino», Larry Martín y Carlos Vázquez «Tibu» respectivamente. Con esta formación graban y publican en 1983 su primer álbum homónimo. El disco es recibido con gran acogida, pero de nuevo se producen salidas y entradas en el grupo, marchándose Chino y Larry y entrando José Antonio Manzano a las voces quien pone como condición hacerse acompañar por su compañero en Tigres David Biosca (batería). Mas tarde Snoopy abandona el grupo a al vez que Banzai ficha por la discográfica WEA, lo que conlleva la rescisión del contrato con Hispavox. El teclista Danny Peyronel (UFO) se une al grupo. Su segundo trabajo, «Duro y potente», fue editado en 1984 poniendo de nuevo al grupo en el escaparate del Heavy español. Pero este estilo sufre una caída de ventas, publico y sobre todo apoyo por parte de la industria musical lo que hace que la banda se separe, dando su ultimo concierto en 1985 en el Pabellón del Real Madrid (Madrid). En 1987 se realizó la primera reunión, realizando un único concierto en Madrid. Con la banda ya disuelta se editó en 1988 el disco «Alive N’ Screaming», el cual se nutría básicamente de temas de su trabajo anterior con la salvedad de la inclusión de cuatro temas cantados en inglés. El disco fue un fracaso. En 2011 se anuncia la vuelta de Banzai a los escenarios con Manzano a las voces, Salva a la guitarra solista, «Tibu» al bajo, Biosca a la batería y un nuevo integrante, Fredy Fresquet, a la guitarra rítmica y los teclados. Pero «Tibu» (quien a su vez hacia las veces de manager/promotor) desaparece, sin tener noticias de el en tres meses, lo que hace que la banda incorpore a Nico Martínez como bajista. El 4 de junio de 2011 regresan a los escenarios ante 22.000 personas durante un concierto en el Nuevo Auditorio del Parque Aluche, en Madrid. En el año 2012 es editado un disco en directo, «En vivo y potente» en formato CD y DVD. El día 1 de abril de 2019 se hace publica la noticia del fallecimiento de José Antonio Manzano tras una larga lucha contra un cáncer de colon. Precisamente con Manzano continuamos y su banda llamada como el, Manzano.

En 1988 lanza su primer disco en solitario, titulado «Manzano» junto a Tony Vallés y Javi Puig a las guitarras, Pepe Bao al bajo y Fernando Moutón a la batería. El disco, una mezcla de Hard Rock y Heavy melódico fue bien recibido por la critica y el publico por lo que la compañía decide intentarlo en el mercado internacional y un año más tarde y tras cambios en la banda (Javi y Fernando son sustituidos por Joan Maurel y Ramón Pinyol) editan la versión en inglés de este álbum bajo el título “Red Hot”, cambiando la portada original por una foto de la banda en ese momento. Esta versión en inglés también fue editada en CD para el mercado japonés ahora con el título de “Turn me on” con el logo de Manzano como portada. En 1990 se edita un segundo trabajo titulado “Al límite de la pasión” , en la misma línea que el anterior ya sin Pepe Bao que había abandonado el grupo siendo sustituido por Javier Barrecha. Pero no es un buen momento par el hard rock y menos en España y Manzano da por terminado su carrera en solitario, mudándose a Suiza y alejándose del panorama musical español. En 2015 Manazano regresa tras 25 años con la publicacion de «Mi religión”, y con colaboraciones tan interesantes como las de David Palau, Javier Mira o Manolo Arias y “4” editado en 2017, siendo desgraciadamente su ultimo trabajo ya que el día 1 de abril de 2019 José Antonio Manzano fallecía tras una larga lucha contra un cáncer de colon. Unos de sus músicos nos lleva a la siguiente banda, el bajista Pepe Bao y su paso por esta banda mítica dentro del rock andaluz, Medina Azahara.


Formados en 1979 Medina Azahara es reconocida como una de las bandas más emblemáticas del llamado rock andaluz mezclando el hard rock de nombres como Deep Purple o Rainbow con el rock sinfónico, y el mencionado rock andaluz que practicaban grupos como Triana. Ese mismo año publican su debut homónimo seguido de «La esquina del viento», publicado en 1981 y «Andalucía» en 1982. En 1986, tras varios cambios en la formación, el grupo se autofinancia su nuevo álbum, «Caravana española», editado en 1987 con un sonido cercano al pop rock. En 1989 y de nuevo con cambios en sus filas se publica «En Al-Hakim». Ya en la nueva década pensaron graban un disco en vivo llamado «En directo» (1990), el cual resumió toda su historia musical hasta el momento; mientras que en 1992 editaron «Sin tiempo», otra vez con nuevos componentes y con dos de sus sencillos alcanzando el oro y el platino. Después llegarían «Dónde está la luz» en 1993, el doble CD «Árabe» en 1995, mientras que en 1996 se edita un doble disco en vivo, segundo de su historia, y con algunos temas nuevos llamado «A toda esa gente». Sin duda los 90 fueron la época mas gloriosa de la banda, cuando su estilo se acercó mas al hard rock. En 1998 vio la luz «Tánger», en el que colaboró la orquesta marroquí de Taktuka Yeblía. Tras la publicación del álbum continua el «baile» de miembros dentro de Media Azahara coincidiendo con la publicación en 1999 de un recopilatorio enfocado al material más melódico del grupo, titulado «Baladas». Ya en el año 2000, coincidiendo con el 20 aniversario del grupo, publican «XX», en 2021 «Tierra de libertad», en 2002 «Versión original», álbum de versiones y en En 2003 «Aixa», álbum ganador de dos premios de la música, al mejor álbum de rock y a la mejor canción. Para su 25 aniversario, en 2005, sale al mercado un doble CD más un DVD bajo el título de «Medina Azahara, 25 año». Al mismo tiempo, se edita un nuevo álbum «La estación de los sueños». Al año siguiente, en 2006, se vuelve a publicar un recopilatorio de canciones, más DVD y contenido extra, que incluye una canción en inglés y cuatro canciones en acústico. «Se abre la puerta», de 2007 es un álbum homenaje al rock andaluz de la década de los 80, con siete versiones de canciones del grupo Triana, una de Alameda y tres de la primera época de los propios Medina Azahara. Este seria el único trabajo donde aparece el bajista Pepe Bao, siguiendo así con el enésimo cambio de formación de la banda. En 2008 se edita un CD + DVD llamado «…En escena», grabado durante un concierto del grupo en 2004. El decimoquinto álbum del grupo, «Origen y leyenda» aparece en 2009 y en 2011, Medina Azahara edita «30 años y la historia continúa», un DVD con un concierto de 30 canciones, 2 CD con el contenido de ese mismo concierto, y un disco de estudio con 8 temas nuevos. Este box set también se comercializó en versión abreviada, vendiéndose el disco de estudio solo bajo el título de «La historia continúa», con una versión los Beatles como extra. De nuevo se suceden entradas y salidas en el seno de la banda y en 2012 se publica «La memoria perdida», en 2014 «Las puertas del cielo» y en 2016 «Paraíso prohibido».​ «Trece Rosas» de 2018 es el vigésimo disco del grupo en casi cuarenta años de carrera. Sin duda uno de los «creadores» de ese acercamiento del grupo al sonido mas hard es su guitarrista Paco Ventura con el que continuamos en su andadura en solitario.

Paco Ventura publica su primer trabajo en solitario en 1997 bajo el titulo de “Aventura”, junto a Manuel Ibáñez a los teclados, Pepe Bao al bajo, Anye Bao (hermano de Pepe) a la batería y José Luis Juárez a la voz, quien se ocupa de esta tarea en el único tema no instrumental del álbum. Doce años después aparece «Sol Navajo», una versión mejorada de aquel primer disco de 1997 con el añadido de cuatro temas nuevos, tres de ellos con voz y uno instrumental. En 2015 Paco Ventura graba «Black Moon» un proyecto donde predominan los temas cantados y en los que cuenta con Tini Fernández (bateria), Charly Rivera (bajo), Rafa Peña (teclados) y Javier González (voz), además de contar con las colaboraciones de Patrick Rondat (Jean Michelle Jarre), Roland Grapow (Masterplan, ex- Helloween)
Goran Edman (ex- Yngwie Malmsteen) o Joe Lynn Turner (ex Rainbow, ex Deep Purple) entre otros. En 2019 vuelve con otro disco instrumental «Madre Tierra», donde vuelve a contar con «estrellas» internacionales y nacionales de la talla de Stuart Hamm, Rudy Sarzo (Quiet Riot, Ozzy Osbourne, Whitesnake), Michael Angelo Batio, Joey Tafolla, Phil Sousan, Jennifer Batten, Kiko Loureiro o Jorge Salan. Volviendo a su segundo trabajo «Sol Navajo» nos detenemos en sus tres nuevos temas vocales, dos de ellos interpretados por Rafa Martin y otro por el gran Leo Jiménez quien nos lleva a la banda que sin duda le dio la oportunidad de darse a conocer en el mundo del Heavy en España e Hispanoamerica, Saratoga.



Banda formada en 1992 por el bajista Niko Del Hierro y el guitarrista Jero Ramiro, ambos «viejos» músicos de la escena del heavy en España. Es mas que probable que dediquemos un programa a la banda, así que nos centraremos un poco en la trayectoria de Leo dentro de Saratoga. En 1998, tras el abandono del vocalista y el batería de la banda, Saratoga está a punto de desaparecer pero encuentran «sangre joven» en el batería Dani Pérez, y el vocalista Leo Jiménez. En 1999 editan «Vientos de Guerra», donde dan un toque más duro a su música y consiguen lograr una identidad propia alejándose de un heavy «rancio» que ya no atraía al publico. A finales de 2006 Leo anuncia su salida de Saratoga, dejando atrás cinco trabajos en estudio (uno de ellos en ingles) y dos directos, convirtiéndose en el tercer vocalista en abandonar el grupo tras Gabriel Boente y Fortu, mítico cantante de la banda con la cual seguimos este blog, Obus.

Formados en Madrid a principios de la década de 1980 rápidamente se convirtieron en un referente para el movimiento Heavy de la época hasta llevarlos a lo mas alto del panorama musical dentro de este estilo. No seria justo hablar de ellos sin dedicarlos antes un episodio de Rock en Cadena, asi que vamos directamente con la persona que «ficho» a la banda para la compañía de discos para la cual trabajaba, «Mariskal» Romero y Chapa discos, discográfica en la que también debutaron nuestros protagonistas de este blog, Asfalto. No faltéis a la próxima cita, y recuerda…sube el volumen y disfruta!!

Episodio Nº29

Ir a descargar

Hola a tod@s y bienvenid@s a una nueva entrada del blog del podcast Rock en Cadena. Esta vez «estrenamos» una nueva sección dedicada a solistas, tanto cantantes como guitarristas, y lo hacemos de la mano de una de las figuras mas grandes del Heavy Metal. Considerado como uno de los mejores vocalistas del genero, paso por dos de las bandas mas grandes: Rainbow y Black Sabbath, para mas tarde iniciar su carrera en solitario. El es Ronnie James Dio y su banda Dio. Comenzamos.

Una carrera en solitario

En 1982, los desacuerdos que se originaron sobre la mezcla de «Live Evil» de Black Sabbath dieron como resultado la salida de Ronnie James Dio y Vinny Appice de la banda. Ambos querian continuar juntos continuar juntos formando Dio en octubre de 1982 en los Estados Unidos con Jake E. Lee (guitarras) y Jimmy Bain (bajo). Aproximadamente un mes después de la formación de la banda, Lee fue reemplazado por el joven guitarrista Vivian Campbell , procedente de Sweet Savage banda britanica perteneciente a la nueva ola del heavy metal británico (NWOBHM). En mayo de 1983, la banda lanzó su álbum debut, «Holy Diver». Contó con dos sencillos de éxito, » Rainbow in the Dark » y » Holy Diver «, que ganó popularidad en MTV. El álbum fue certificado oro en los Estados Unidos el 12 de septiembre de 1984 y platino el 21 de marzo de 1989. En el Reino Unido obtuvo la certificación Plata en enero de 1986.

«Fue un buen momento para estar en esa banda. Fue perfecto para nosotros. Todo encajó en su lugar. La ética en el ensayo fue asombrosa. El esfuerzo en la grabación fue igual de buena. Todo el mundo quería que fuera genial. Realmente creíamos en lo que estábamos haciendo y estábamos ansiosos por sacar ese producto y que la gente lo escuchara.»

Ronnie James Dio
«La primera aparición de Murray»

Dio y Jimmy Bain tocaron los teclados en el estudio, pero reclutaron al teclista Claude Schnell para los shows en vivo. La portada presenta a Murray (la mascota de aspecto demoníaco de Dio) haciendo girar unas cadenas alrededor de las olas donde flota un hombre encadenado con un alzacuellos de sacerdote o ministro. Dio explicó que las apariencias son engañosas, queriendo que la gente no «juzgue un libro por su portada», ya que la portada de «Holy Diver» podría ser fácilmente un sacerdote matando a un demonio. Murray aparece en varios álbumes de Dio. Cuando el logotipo «DIO» se ve al revés, se puede interpretar como «DIE» o «DEVIL» (mal o demonio). Ronnie James Dio se ha referido a esto como pura coincidencia.

«¿Die?¿Evil?…simplemente Dio»

El segundo álbum de estudio de Dio, «The Last in Line», se publicó el 2 de julio de 1984, convirtiéndose en el álbum de la banda que mas alto llegó en las listas tanto del Reino Unido como de Estados Unidos, alcanzando el número 4 y el número 23, respectivamente. Claude Schnell, quien tocaba los teclados sin ser visto, entró a formar parte de la banda y a mostrarse al publico, siendo «The Last in Line» su primer trabajo como miembro de la banda. Ese mismo año se publica el VHS «A Special from the Spectrum», grabado el 25 de Agosto de 1984 en el Spectrum (Philadelphia). En 1985 se publicó «Sacred Heart», álbum que continuó la linea de los anteriores trabajos. En la portada del álbum puede verse una inscripción en latín alrededor del borde de la portada que dice: FINIS PER SOMNIVM REPERIO TIBI SACRA COR VENEFICVS OSTIVM AVRVM. La letra de la canción «Sacred Heart» podría contener más datos para la interpretación. Dado que el latín se basa en el contexto para una traducción, la inscripción podría traducirse de la siguiente manera: «Llega el final del sueño. Prepararé el sagrado corazón, que es la magia que se abre sobre el altar». También en 1985, Dio, Campbell y Bain escribieron la canción «Stars» para el proyecto Hear ‘n Aid, una fundación para combatir el hambre en África. En la canción participaron muchas de las estrellas del heavy metal de la época.

Campbell parecía estar cada día mas descontento de trabajar con Dio, durante la grabación de «Sacret Heart» las diferencias entre Dio y el guitarrista se hizo mas evidente acabando con el despido de Campbell de la banda de Dio a mitad de la gira.. Varias canciones se grabaron en vivo durante la gira Sacred Heart para el E.P. «Intermission» de 1986 con Campbell todavía en la guitarra, sin embargo, este trabajo también contenía la pista de estudio «Time To Burn», que sirvió para presentar a los fans a Craig Goldy como el nuevo guitarrista. En 1986 se lanzó «Sacret Heart: The Video» que contiene imágenes de un concierto en vivo grabado en el Spectrum Arena en Filadelfia el 17 de junio de 1986. El concierto fue filmado durante la gira de apoyo del álbum «Sacret Heart», la actuación en vivo contenía dispositivos mecánicos complejos y efectos láser, cuya construcción y transporte se valoró en 250.000 dólares. El video solo se lanzó en VHS, Beta y VHD (solo en Japón). Cuando fue relanzado en formato DVD en 2004, fue retitulado como «Sacred Heart «The DVD». El 21 de julio de 1987, se lanzó su cuarto álbum «Dream Evil», último álbum de Dio en presentar a Murray en la portada (no lo había hecho en el anterior trabajo de estudio). El concepto de todo el álbum son los miedos y las supersticiones sobre la noche y la oscuridad. «Dream Evil» significo la despedida de varios de los músicos de la banda, Goldy, que quería seguir proyectos en solitario, dejó la banda además de Schnell, Bain y Appice.

Renovarse o morir

«Tiempos de cambio»

En junio de 1989, Rowan Robertson , de 18 años, fue anunciado como nuevo guitarrista de Dio, Schnell, Bain y Appice fueron reemplazados, respectivamente, por Jens Johansson (Yngwie Malmsteen), Teddy Cook y el ex batería de AC/DC Simon Wright. La nueva banda lanzó el álbum «Lock Up the Wolves» en la primavera de 1990. El disco no fue bien acogido ni por los fans, que vieron como Dio se alejaba del sonido característico de los 80, ni por la critica que lo vio como un paso atrás en su carrera.

Durante la gira Dio se unió durante un breve espacio de tiempo a Black Sabbath para la grabación del álbum «Dehumanizer» (1992) y la gira posterior. En 1992 se publica «Diamonds – The best of Dio», una colección de grandes éxitos que se lanzó a nivel internacional, pero nunca se lanzó a nivel nacional en los EE.UU. Tras la reunion con Black Sabbath, Dio volvió a montar a Dio, volviendo Appice a la batería, con quien había coincidido en la breve reunión de Black Sabbath. A principios de 1993, el guitarrista Tracy G , el teclista Scott Warren y el bajista Jeff Pilson (Dokken) se unieron a la banda. Durante esta era, Dio abandonó las canciones con temas de fantasía y se centró en temas modernos. Como resultado, algunos fans consideran los álbumes hechos durante este período («Strange Highways» de 1993, considerado el álbum más pesado y oscuro de Dio, «Angry Machines» de 1996, último álbum de estudio que contó con el batería original Vinny Appice y el álbum en vivo «Inferno: Last in Live», grabado en su gira Angry Machines en 1996/97) como los peores en el catálogo de Dio, mientras que otros los ven como un paso hacia delante, abandonando el sonido anticuado de los 80. Con decepcionantes ventas de discos para «Angry Machines», los managers querían que la banda volviera a su estilo anterior, lo que provocó la partida de Tracy G para ser reemplazada por el regreso de Craig Goldy.

Vuelta a los orígenes

En el año 2000 se publica otro recopilatorio con pistas de los primeros seis álbumes de estudio de Dio mas «Intermission» titulado » The very beast of Dio», el primero en ser lanzado únicamente en los Estados Unidos, alcanzando el disco de Oro en 2009. El regreso de Craig Goldy facilitó el lanzamiento del octavo álbum de estudio de Dio en 2000, «Magica», considerado por muchos como el «álbum de regreso» de la banda, alcanzando el número 13 en las listas independientes de Billboard. Este trabajo no solo contó con el regreso de Goldy, sino también el de Simon Wright y Jimmy Bain, aunque en la etapa europea de la gira, Chuck Garric tocó el bajo. Scott Warren permaneció en la banda y actuó en vivo, aunque Dio y Bain se ocuparon del teclado y el sintetizador del álbum. Magica (un álbum conceptual) presentó un regreso al sonido más antiguo y exitoso de la banda, mientras que el mayor uso de teclados le dio una sensación más moderna. Durante la siguiente gira, sin embargo, aumentaron las tensiones entre Goldy por un lado y Bain y Dio por el otro, ya que Goldy estaba lidiando con las obligaciones familiares. Goldy dejó la banda en enero de 2002 y fue reemplazado por Doug Aldrich, quien apenas contribuyó al noveno trabajo de Dio, «Killing the Dragon», ya que mayoría de temas ya estaban escritos por Dio y Bain. Killing The Dragon fue lanzado en 2002 siendo bien recibido en la comunidad del metal, lo que lo ubicó en el top 200 de Billboard. Aldrich permanecería en la banda hasta abril del año siguiente, cuando él, como Campbell antes que él, se unió Whitesnake, lo que provocó el regreso (otra vez) de Goldy. Poco después, Bain dejó la banda.

En 2003 se publica el DVD «Evil or Divine – Live in New York City» grabado en la ciudad de Nueva York en 2002. En 2004 Dio lanzó su décimo álbum de estudio, «Master of the Moon» con Jeff Pilson al bajo, sin embargo, debido a obligaciones previas con Foreigner, solo estuvo disponible para las sesiones de grabación, por lo que en la gira fue reemplazado por Rudy Sarzo (Ozzy Osbourne, Quiet Riot, Whitesnake). 2005 vio el lanzamiento del álbum en vivo de Dio «Evil or Divine – Live in New York City», que incluía el mismo programa que fue lanzado en DVD en 2003. Tambien en 2005 aparece el DVD «We Rock» que recopila los VHS «Live in Concert» (1984) y «A Special from the Spectrum» (1984). Dio realizó una gira por Sudamérica, Japón, Europa y Rusia en 2005. Su gira de otoño fue titulado «An Evening With Dio» y contaba con un set regular, mas otro en el que la banda tocaba «Holy Diver» en su totalidad. En Londres se filmó un DVD de la gira. El audio de esta actuación, un doble CD llamado «Holy Diver – Live» fue lanzado en abril de 2006.

Últimos años y muerte.

En 2007, se anunció la reunion entre miembros de Black Sabbath y Ronnie James Dio bajo el nombre de Heaven & Hell, esto, retrasó la grabación de lo que sería la continuación de «Master of the Moon», «Magica II». Durante 2008 y 2209 (años que duró Heaven & Hell) Dio realizo breves giras. El 18 de noviembre de 2009, la gira europea fue cancelada debido a la hospitalización de Dio. Le habían diagnosticado cáncer de estómago y estaba en tratamiento.

«Después de que mate a este dragón, Ronnie volverá al escenario, donde pertenece, haciendo lo que más ama, actuando para sus fans»

wendy dio

En 2010, se lanzó una caja titulada «Tournado Box Set», en edición limitada, en principio pensada para ser vendida en la gira Europea. El conjunto incluye el CD de «Killing the Dragon», el DVD «Evil or Divine», material adicional en DVD, entrevistas, galería de fotos, imágenes nunca antes vistas, video promocional de la pista «Push» de «Killing the Dragon», fotos exclusivas de Dio, y el single CD extra «Electra» (última canción que grabó la banda). Ronnie James Dio murió el 16 de mayo de 2010 de cáncer de estómago en el Centro Médico de Texas en Houston , Texas, a la edad de 67 años. El 9 de noviembre de 2010, se lanzó un álbum en vivo póstumo titulado «Dio at Donington UK: Live 1983 & 1987», con las apariciones de Dio en 1983 y 1987 en el festival Monsters of Rock de Donington. También en 2012 se publicó «The Very Beast of Dio – Vol. 2», un álbum recopilatorio continuación de «The Very Beast of Dio», este álbum continúa donde lo dejó el anterior, incluyendo las pistas del séptimo al décimo álbum de estudio de la banda. A diferencia de su predecesor, que solo estaba disponible en los Estados Unidos y Canadá, Vol. 2 tuvo un lanzamiento mundial.

Si hablamos de Dio como persona es sin duda uno de los mejores (si no el mejor) vocalistas de Heavy Metal de la historia, con un rango vocal potente y versátil capaz de cantar tanto hard rock como baladas. Con sus más de 50 años de carrera se ha convertido en todo un icono del genero, además de aportar a este su seña de identidad, los famosos «cuernos del metal», gesto que solía hacer su abuela para ahuyentar el mal o evitar maldiciones hacia sus seres queridos. Como banda Dio ha vendido mas de 20 millones de copias en todo el mundo, convirtiéndose en una de las bandas mas influyentes del Heavy Metal. Vamos a continuar con un compañero y amigo de Ronnie James Dio, el bajista Jimmy Bain, quien falleció el 23 de enero de 2016 de cáncer de pulmón, y lo hacemos con esta banda en la que coincidió con otros «ex Dio´s» llamada WWIII.

Formada en 1986 por el vocalista Mandy Lion. Con la ayuda del manager Don Arden comenzaron a buscar músicos para la banda, los elegidos fueron Jimmy Bain y Vinny Appice al bajo y la bateria respectivamente además del guitarrista de Warrior Joe Floyd, quien fue sustituido por Tracy Grijalva,(Tracy G, ¿os suena?). En 1990, WWIII lanzó su debut homónimo. Tras la gira Vinny Appice fue reemplazado por James Kottak quien a su vez sería reemplazado más tarde por Mikkey Dee. Las cosas cambiaron cuando Steve Jones, el A&R del grupo, trató de dar una imagen de nazis a la banda, lo que provocó que Lion se revelara contra el sello. Esto y algunos problemas mas hicieron que la banda se tomara un tiempo de descanso. Tras 12 años desde la publicación de su debut Lion reforma WWIII y publica en 2003 «When God Turned Away», esta vez con Joe Floyd a las guitarras, aunque aparece como Flo, Ray Montez al bajo y Sledge a la batería. En el verano de 2004, los miembros originales Vinny Appice y Jimmy Bain se reincorporaron a la banda además del guitarrista Moni Scaria. En 2008 se reunió la formación original de la banda. El grupo, con un sonido oscuro con toques de heavy clásico y thrash metal, ha pasado desapercibido dentro del negocio musical, eso si, su vocalista y fundador, Mandy Lion, con una voz bastante peculiar entre rasgada, pero a la vez melódica, y con una imagen un tanto curiosa con un sombrero negro de copa y una gabardina de cuero negro., hacen de el algo peculiar. El precisamente nos lleva a nuestro siguiente protagonista ya que colaboró en el álbum debut de este grandísimo guitarrista llamado George Lynch.

Tras su paso por Dokken y la formación de su propia banda Lynch Mob, lanzó su en 1993, su primer álbum en solitario, «Sacred Groove» un trabajo que contiene una amplia gama de estilos diferentes con cuatro instrumentales y seis canciones. El lanzamiento japonés tiene un instrumental adicional y una pista en vivo. Lo curioso de este trabajo es la participación de su ex compañero en Dokken, Don Dokken, con quien como todos sabéis no tenían una buena relación. Don aparece como compositor de uno de los temas. Para este álbum se hizo acompañar de los vocalistas Ray Gillen, Mandy Lion, Glenn Hughes y los hermanos Nelson, con los que continuamos.

Banda fundada por los cantantes y compositores Matthew y Gunnar Nelson (hijos gemelos de Ricky Nelson y Kristin Nelson, personajes famosos de Hollywood). Los hermanos Nelson, involucrados en la música desde una edad temprana, comenzaron a dedicarse de manera profesional en la década de los 80. Un año después de la muerte de su padre en un accidente aéreo, los Nelson aparecieron como invitados musicales en Saturday Night Live, convirtiéndose en la primera banda sin contrato discográfico en tocar en el programa. Durante este tiempo, Matthew era el cantante principal y el bajista, mientras que Gunnar tocaba la batería, este decidió romper la banda tal como estaba y comenzar a compartir el escenario principal juntos. Gunnar prometió aprender a tocar la guitarra y lo hizo en un año. Mientras la banda intentaba encontrar un contrato discográfico, llegaron a un acuerdo con Geffen Records y el famoso A&R, John Kalodner, comenzó a seguir a la banda. Durante ese tiempo, Matthew y Gunnar coescribieron una canción con Dweezil Zappa llamada «Two Heads are Better than One» para la película Bill and Ted’s Excellent Adventure. Dado que la banda estaba en proceso de contratación con Geffen, Kalodner les recomendó que no usaran sus nombres para la canción, por lo que aparecieron como Power Tool en su lugar. La canción finalmente se convirtió en el tema principal de la película. Su primer trabajo, «After the Rain» fue lanzado el 26 de junio de 1990 y se convirtió en un éxito instantáneo. El álbum terminó vendiendo más de 3.000.000 de copias, siendo finalmente certificado doble platino. Como resultado, la banda comenzó una gira mundial con más de 300 conciertos. Su primer sencillo, «(Can’t Live Without Your) Love and Affection» alcanzó el puesto número 1 en el Hot 100 de Billboard. Sus otras canciones «After the Rain», «More than Ever» y «Only Time Will Tell» alcanzaron el puesto 6, 14 y 28 respectivamente. Después de varios años de gira, la banda entró en el estudio para grabar su segundo trabajo El resultado de esto fue un álbum conceptual más oscuro y más duro titulado «Imaginator». Esto no gustó a los ejecutivos de Geffen Records que dieron a la banda la opción de producir y grabar otro álbum, más de acuerdo con lo que esperaban, o serían liberados de su contrato. El resultado fue el álbum «Because They Can», un álbum más acústico, que terminó siendo lanzado en 1995, cinco años después de su primer álbum. Kalodner dejó Geffen una semana antes del lanzamiento del álbum, y el sello decidió darle una promoción limitada al álbum. Poco después, Geffen liberó a Nelson de su contrato, y un año después de su lanzamiento, Nelson finalmente lanzó «Imaginator» de forma independiente bajo su propio sello. En 1997, lanzaron en Japón su primer álbum bajo su sello, titulado «Silence is Broken» y en 1999 «Life». En 2010, Nelson firmó un contrato con Frontiers Records, lanzando tres álbumes casi consecutivamente. El primero, «Before the Rain», es una colección de algunas demos que quedaron fuera del álbum «After the Rain». El segundo es «Perfect Storm», con grabaciones en vivo de la gira mundial «After the Rain». . El tercer álbum es un nuevo álbum de estudio llamado «Lightning Strikes Twice», con nuevo material de la banda. Pero nos centramos en uno de los músicos de su álbum debut, el batería Bobby Rock y su paso por esta banda llamada Vinnie Vincent Invasion.

Banda formada por el ex Kiss Vinnie Vincent y de la que ya hablamos en el primer episodio de Rock en Cadena https://rockencadena.home.blog/2018/12/02/programa-no1/ así que directamente pasamos a la banda que le dio fama y…¿fortuna?…Kiss.

Kiss, otra de las bandas que tuvo su episodio como protagonistas https://rockencadena.home.blog/2020/04/05/programa-no16/ Ya sabéis la cantidad de guitarristas que han pasado por la banda, pero nos centraremos en el ultimo Tommy Thayer y una de sus primeras bandas que además tienen mucho que agradecer a Kiss, Black ´N Blue.

Banda formada en 1981 por Jamie St. James y Tommy Thayer llamada originalmente Movie Star. La banda firmó por Geffen Records, lanzando su álbum debut homónimo, «Black ‘N Blue», en agosto de 1984, producido por el famoso productor alemán Dieter Dierks. En 1986 la banda llamó la atención del bajista de Kiss, Gene Simmons , quien más tarde asumirá el cargo de productor de la banda para sus dos próximos álbumes, «Nasty Nasty» en 1986 e «In Heat» en 1988, pero ninguno de los álbumes pudo recuperar el sonido Black ‘N Blue de antaño, y la banda se separó en 1989. En 1997, los cinco miembros originales de Black ‘N Blue se reunieron para realizar una única actuación en la noche de Halloween. Este concierto terminó siendo un espectáculo con entradas agotadas, y fue grabado y lanzado como un álbum en vivo, titulado «One Night Only: Live». El espectáculo fue un evento único, y no siguió ninguna gira. En 2001, tras el lanzamiento de una recopilación de grandes éxitos («The Ultimate Collection), la banda lanzó el álbum «The Demos Remastered: Anthology » con demos de algunos de los éxitos más populares de Black ‘N Blue, incluidas 5 pistas inéditas y una versión en vivo. La banda se reunió nuevamente en 2003 (esta vez, sin Thayer) para hacer una gira y grabar un nuevo álbum, titulado «Hell Yeah!». Shawn Sonnenschein fue el sustituto de Thayer. El álbum estaba inicialmente programado para ser lanzado en septiembre de 2003, pero la fecha de lanzamiento se retrasó en varias ocasiones. Mientras tanto, la banda lanzó «Rarities», un álbum que incluía remakes de algunos de sus éxitos, pero en su mayoría consistía en muchas demos inéditas, incluidas algunas que no aparecían en el lanzamiento de «The Demos Remastered: Anthology 1». La banda continua dando conciertos esporádicamente hasta hoy. Finalmente en 2011 se publico el álbum «Hell Yeah». Para seguir con la siguiente banda nos trasladamos a los inicios de Black ´N Blue cuando en 1982 tuvieron su primera oportunidad después de que el editor del fanzine de heavy metal Brian Slagel escuchó la demo de su canción «Chains Around Heaven» y que posteriormente apareció en la primera edición de «Metal Massacre», un álbum recopilatorio independiente que también contaba con unos primerizos Metallica, Steller, Malice y esta banda con la que continuamos llamada Ratt.

Otra de las bandas que ya han aparecido en Rock en Cadena, curiosamente en el primer episodio al igual que Vinnie Vincent Invasion https://rockencadena.home.blog/2020/04/05/programa-no16/ así que nos centraremos en los primeros años de Ratt, cuando en 1983 lanzó el E.P. «Ratt» que vendió más de 100.000 de copias. La banda creció en popularidad en el circuito de clubes de Hollywood. Stephen Pearcy y Robbin Crosby coescribieron el primer sencillo de la banda, «You Think You’re Tough», con gran difusión en las estaciones de radio locales. El E.P contiene una primera versión de «Back for More», una versión de «Walkin ‘the Dog» de Rufus Thomas, presumiblemente como un guiño a la versión de 1973 de Aerosmith, así como «Tell the World» que anteriormente apareció en el recopilatorio «Metal Massacre». La versión europea también incluye una grabación anterior de «You’re in Trouble» como pista extra, con Joey Cristofanilli en el bajo, quien sustituyo brevemente a Juan Croucier durante su paso por Dokken. En 1984, Atlantic Records remezcló y relanzó este E.P tras el éxito de «Out of the Cellar». Esta reedición contó con una mejor producción para igualar el reciente éxito de la banda, así como una foto de contraportada actualizada del grupo con una apariencia mas glamorosa. El tema «Back for More» esta coescrito por Matt Thorne , también conocido como Matt Thorr bajista de esta banda donde curiosamente sustituyo a Joey Cristofanilli. Rough Cutt.

Rough Cutt se formó en Sunset Strip a principios de los 80 por el bateria Dave Alford y el guitarrista Jake E Lee, que acababan de dejar otra banda de Sunset Strip llamada Mickey Ratt, que más tarde se convirtió en Ratt. Junto con el cantante Paul Shortino, el tecladista Claude Schnell y el bajista Joey Cristofanilli empezaron a tocar en muchos de los populares clubs de Sunset Strip. Finalmente, el guitarrista Chris Hagar y el bajista Matt Thorr, que también estaban en Mickey Ratt, se unieron a la banda, el primero como segundo guitarrista y el segundo como bajista en reemplazo de Cristofanilli. Lee dejó Rough Cutt en 1982, siendo reemplazado por Craig Goldy quien a su vez fue sustituido por Amir Derakh. Con la formación consolidada con Shortino, Alford, Derakh, Hager y Thorne, Rough Cutt firmó con Warner Bros. Records en 1984, grabando su álbum debut homónimo un año mas tarde. En 1986 publican «Wants You!» (también conocido como «Rough Cutt Wants You!»), ese mismo año y durante su gira por Japón, Shortino tomó la decisión de dejar la banda debido a diferencias internas sobre la dirección que debería tomar su música. Shortino fue reemplazado brevemente por Parramore McCarty de Warrior antes de que Rough Cutt lo dejara. En 1996 se lanzó «Rough Cutt Live» que contenía tres nuevos cortes de estudio como bonus tracks. Shortino reformó Rough Cutt en 2000 con una formación completamente nueva editando en 2002 «Sacred Place» bajo el nombre de Paul Shortino’s The Cutt. Desde entonces la banda reúne de forma esporádica para conciertos y festivales. Rough Cutt nunca logró el éxito comercial que disfrutaban muchas otras bandas de Los Ángeles de esa época, pero varios miembros y ex miembros de la banda alcanzaron el éxito en otros grupos, como Jake E. Lee con Ozzy Osbourne, Amir Derakh con Orgy, Paul Shortino con Quiet Riot y Craig Goldy y Claude Schnell con Dio, precisamente Ronnie James Dio influyó mucho en el desarrollo de la banda. La esposa de Dio, Wendy Dio, era la manager del grupo, y el mismo Dio ayudó a escribir una de las canciones que aparecen en el álbum debut de la banda, además de haber producido dos canciones a Rough Cutt con Jake E Lee en la guitarra, para el álbum recopilatorio «LA’s Hottest Unsigned Bands», publicado en 1983 y otra con Goldy a la guitarra incluida en el recopilatorio «KLOS 95 1/2: Rock to Riches». Y con esto me despido, espero que hayáis disfrutado de la lectura, nos vemos en el próximo!!!..y recuerda, sube el volumen y disfruta!!

Episodio Nº28

Ir a descargar

Bienvenidos a Rock en Cadena. Esta vez viajamos a finales de los años 70 de la mano de una banda que triunfó en los 80. Liderada por su carismático líder y vocalista de una de las bandas pioneras del rock, supo adaptarse a los tiempos siempre con ese halo de rockstar. El es David Coverdale y su banda Whitesnake.

Paseando por las sombras del blues

En marzo de 1976, el cantante David Coverdale abandonó Deep Purple tras grabar con ellos tres álbumes en los tres años que permaneció en la banda. Después de dejar Deep Purple, Coverdale lanzó su álbum en solitario «White Snake» en mayo de 1977. Su segundo álbum, «Northwinds», fue lanzado en marzo de 1978. Ambos combinaron elementos de blues, soul y funk, ya que Coverdale quería distanciarse del sonido hard rock de Deep Purple. Coverdale comenzó a formar una banda de acompañamiento, Mike Moody, guitarrista que había tocado en sus dos trabajos en solitario, fue el primero en unirse, por sugerencia de este el guitarrista Bernie Marsden también fue contratado. A ellos se les unieron el bajista Neil Murray, el batería Dave «Duck» Dowle y el teclista Brian Johnston. Entre los candidatos iniciales del grupo se encontraban los baterías Dave Holland y Cozy Powell , así como el guitarrista Mel Galley (estos dos últimos aparecerán mas adelante en la historia de Whitesnake).

La banda debutó como David Coverdale´s Whitesnake, el 3 de marzo de 1978. Originalmente Coverdale quería que el grupo se llamara simplemente Whitesnake, pero se vio obligado a usar su propio nombre ya que todavía tenía cierta influencia como ex cantante de Deep Purple. En entrevistas, Coverdale decía en broma que el nombre «Whitesnake» (serpiente blanca) era un eufemismo de su pene, mientras que de hecho, provenía de la canción del mismo nombre que se encuentra en su primer álbum en solitario. Después de completar una pequeña gira por clubes en el Reino Unido, la banda llamó la atención de EMI International, sin embargo la compañía no estaban dispuesta a comprometerse con un álbum completo. Así, la banda entró en el Central Recorders Studio de Londres en abril de 1978 para grabar un E.P. En esos días, el teclista original Brian Johnston fue reemplazado por Pete Solley. El disco resultante, «Snakebite», fue lanzado en junio de 1978. En Europa, el E.P. se combinó con cuatro pistas del álbum «Northwinds» de Coverdale para formar un álbum de larga duración. Cuando «Snakebite» entró en la lista de singles del Reino Unido, la banda firmó con EMI.

«La formación de Snakebite. 1978»

La banda (ahora conocida simplemente como Whitesnake) comenzó a trabajar en su primer álbum de estudio. Hacia el final de las sesiones, las partes del teclado de Pete Solley fueron reemplazadas por completo por Jon Lord, ex compañero de Coverdale en Deep Purple, quien accedió a unirse a Whitesnake tras la insistencia de Coverdale. El álbum debut de Whitesnake, «Trouble» fue lanzado en octubre de 1978. El lanzamiento del disco fue seguido por una gira de 18 fechas por el Reino Unido. El espectáculo final en el Hammersmith Odeon de Londres fue grabado y lanzado en Japón como «Live at Hammersmith». Según Coverdale, esto se hizo para apaciguar a los promotores japoneses que supuestamente se negaron a contratar a Whitesnake sin algún tipo de grabación en vivo.

Antes del lanzamiento de su segundo álbum, el batería Dave «Duck» Dowle fue reemplazado por Ian Paice, ex compañero de Coverdale y Lord en Deep Purple. Se consideró la idea de que Paice volviera a grabar las partes de batería de Dowle, pero finalmente se rechazó supuestamente debido al costo que suponía. «Lovehunter», segundo álbum de Whitesnake, fue lanzado en octubre de 1979. La portada del álbum, que muestra a una mujer desnuda a horcajadas sobre una serpiente gigante, causó cierta controversia cuando se lanzó el disco. Whitesnake ya había recibido críticas de la prensa musical británica por sus supuestas letras sexistas. En Norteamérica, se colocó una pegatina en la portada para ocultar las nalgas de la mujer, mientras que en Argentina se modificó la portada para que la mujer usara un bikini de malla.

Llegan los 80

El 31 de mayo de 1980 se lanza «Ready an ‘Willing», llegando al número seis en la lista de álbumes del Reino Unido. También se convirtió en el primer álbum de la banda en las listas de Estados Unidos, donde alcanzó el número 90 en la lista Billboard 200, realizando por primera vez una gira por los Estados Unidos apoyando a Jethro Tull. A finales de 1980 se lanzó el doble álbum en vivo «Live … in the Heart of the City». El disco combinó material nuevo grabado en junio de 1980 en el Hammersmith Odeon con el álbum «Live at Hammersmith» lanzado anteriormente. Este directo fue un éxito aún mayor que «Ready an ‘Willing», alcanzando el número cinco en el Reino Unido. Más tarde se convertiría en platino. En Estados Unidos se excluyo el material en vivo de 1978.

A principios de 1981, Whitsnake comenzó a grabar su cuarto álbum de estudio, el disco resultante, «Come an ‘Get It» , fue lanzado el 6 de abril de 1981. Este trabajo le dio al grupo su posición más alta en las listas del Reino Unido llegando al número dos, logrando ser certificado oro. Ese mismo año Whitesnake tocó en el Monsters of Rock, en Castle Donington, con AC/DC como cabezas de cartel. En diciembre de 1981 Moody dejó Whitesnake, cansado de «demasiadas noches y demasiadas fiestas». además de problemas monetarios.

«No estábamos ganando ni de lejos la cantidad de dinero que deberíamos haber ganado. Whitesnake siempre parecía estar endeudado, y pensé ‘¿Qué es esto? Estamos tocando en algunos de los lugares más importantes y todavía nos dicen que estamos endeudados, ¿a dónde va todo el dinero? «.

Micky moody

Los miembros restantes de la banda, culparon de su estado financiero a la compañía de administración del grupo, encabezada por el ex gerente de Deep Purple, John Coletta. Según Bernie Marsden, la banda organizó una reunión para despedir a Coletta, pero Coverdale no se presentó. En cambio, Marsden, Neil Murray e Ian Paice fueron informados de que Whitesnake se tomaba un descanso y que estaban despedidos. Coverdale afirma que tomo la decision cuando su hija contrajo meningitis bacteriana. Coverdale decidió acabar con la administración de la banda, las compañías discográficas y las editoriales, comprando su «libertad», supuestamente, por más de un millón de dólares. En cuanto al despido de Marsden, Murray y Paice, Coverdale declaró que fue «una decisión comercial, no personal».

«Aquí están los Saints & Sinners»

Después de lo sucedido Coverdale comenzó a reunir a Whitesnake. Micky Moody y Jon Lord decidieron regresar, mientras que el guitarrista Mel Galley, el bajista Colin Hodgkinson y el batería Cozy Powell fueron incorporados a la banda., grabando y editando el 15 de noviembre de 1982 «Saints & Sinners», llegando al platino en ventas. Para cuando se lanzó el disco, Coverdale había firmado un nuevo contrato de grabación con el sello estadounidense Geffen Records, quien se encargaría de todos los futuros lanzamientos de Whitesnake en Norteamérica. En Europa, la banda permaneció con Liberty (una subsidiaria de EMI), mientras Sony lo haría en Japón. El A&R (Artists and repertoire) John Kalodner, convenció a David Geffen para que firmara la banda.

«Si puedes obtener cinco dólares de ganancia, ¿por qué no 50? Si 50, ¿por qué no 500? ¿Por qué no 50.000, por qué no cinco millones?»

David Geffen a david Coverdale

la música de Whitesnake comenzó a mirar más hacia el hard rock, reforzado por las incorporaciones de Mel Galley y Cozy Powell. En agosto de 1983, Whitesnake encabezó el festival Monsters of Rock en Castle Donington. El concierto fue filmado y luego lanzado como el primer video de larga duración de la banda, titulado «Whitesnake Commandos». La banda se embarcó en otra gira europea, tras la cual Micky Moody abandonó el grupo, la química y la amistad entre el y Coverdale se había perdido, además de sentirse incómodo con el nivel de influencia que John Kalodner estaba teniendo en la banda. Moody finalmente decidió dejar Whitesnake cuando Coverdale lo avergonzó delante de John Sykes, guitarrista de Thin Lizzy, banda que estaba de gira junto a Whitesnake.

«Una noche estábamos en Alemania e hicimos una especie de mini festival con Thin Lizzy y John Sykes estaba en la guitarra. De vuelta en el hotel estábamos todos sentados mientras David hablaba con John Sykes. Yo estaba sentado allí en silencio y David se volvió hacia mí, me señaló con el dedo y dijo: «No vuelvas a dar la espalda al público nunca más». Yo dije: «¿Perdón?». ‘Eso es muy poco profesional’, me dijo, delante de John Sykes para hacerme parecer inferior. Entonces pensé: ‘Eso es todo’. En ese momento quise decirle: ‘Fíchalo para la banda’, porque yo sabía que quería a alguien como John Sykes, porque tenia imagen y era un buen guitarrista. Decidí irme después de terminar la gira».

Micky moody

Colin Hodgkinson también fue despedido a finales de 1983, siendo reemplazado por su predecesor Neil Murray. Jon Lord informó a Coverdale de su intención de dejar la banda, pero este lo convenció para quedarse hasta terminar la gira. Para reemplazar a Moody, John Kalodner convenció a Coverdale para que contratase un «guitar hero» que pudiera igualar a Coverdale como líder. Michael Schenker rechazó la oferta, según Coverdale Schenker no fue contratado por su reputación de ser difícil trabajar con él. Adrian Vandenberg también declinó la oferta debido al éxito que estaba teniendo en ese momento con su propia banda. Coverdale «tanteó» al guitarrista de Thin Lizzy, John Sykes quien inicialmente se mostró reacio, pero después de varias ofertas más, aceptó. John Sykes y Neil Murray fueron confirmados oficialmente como miembros de Whitesnake en enero de 1984.

«Slide It In», sexto álbum de estudio de Whitesnake, fue lanzado el 30 de enero de 1984. Durante un descanso de la gira en Alemania, Mel Galley se rompió el brazo sufriendo daños en los nervios, dejándolo incapaz de tocar la guitarra. Como resultado, Galley se vio obligado a dejar Whitesnake. En abril de 1984, Deep Purple se reunió de nuevo, lo que hizo que Jon Lord también se fuera. Geffen Records lanzó «Slide It In» en Norteamérica. Coverdale después de un viaje a las oficinas de Geffen en Los Ángeles, llegó a la conclusión de que el enfoque de Whitesnake se había vuelto «anticuado» para los estándares estadounidenses, aceptando un remix completo del album para el mercado estadounidense. John Sykes y Neil Murray volvieron a grabar las partes de Micky Moody y Colin Hodgkinson, respectivamente. La banda pasó a ser un cuarteto, con Richard Bailey proporcionando teclados fuera del escenario). En esos días Coverdale se mudó a Estados Unidos.

«Powell, Coverdale Sykes y Murray. ¿posiblemente la mejor formación de Whitesnake?»

Después de acabar la gira con dos shows en el festival Rock in Rio en Brasil, Coverdale voló a Los Ángeles a reunirse con Geffen Records para informarles que dejaría ir al resto de la banda. Coverdale afirma que lo persuadieron de mantener a Sykes y Murray, mientras que Powell, cuya relación con Coverdale se había deteriorado, fue despedido. Rápidamente Whitesnake comenzó a trabajar en un nuevo álbum, cuyo material se alejaba más de sus raíces más blues a favor de un sonido de hard rock más americano. John Kalodner también convenció a Coverdale para que volviera a grabar dos canciones del álbum de «Saints & Sinners», «Here I Go Again» y «Crying in the Rain». La banda comenzó a buscar un nuevo batería, tras audicionar a sesenta candidatos finalmente se eligió al batería de sesión Aynsley Dunbar. En principio el puesto fue ofrecido a Tommy Aldridge, pero ambas partes no pudieron llegar a un acuerdo.

A principios de 1986, se había grabado gran parte del nuevo disco. Cuando llegó el momento de que Coverdale grabara su voz, notó que su voz era inusualmente nasal y fuera de tono. Después de consultar a varios especialistas, se reveló que Coverdale había contraído una infección grave. Después de recibir algunos antibióticos, reanudó la grabación. Sin embargo, la infección reapareció y provocó el colapso del tabique de Coverdale. Necesitó cirugía, seguida de un período de rehabilitación de seis meses. John Sykes sostiene que Coverdale simplemente estaba sufriendo de «nervios», y que usó «todas las excusas posibles» para no grabar su voz. Después de recuperarse de la cirugía, Coverdale, desarrolló un «bloqueo mental» que le impedía cantar. Después de algunas sesiones fallidas, finalmente pudo grabar su voz. Los teclados fuerongrabados por Don Airey y Bill Cuomo, mientras que Adrian Vandenberg fue contratado para hacer algunas grabaciones de guitarra, al igual que Dann Huff.

A finales de 1986, Coverdale despidió a Sykes, Murray y Dunbar, así como al productor Mike Stone. Coverdale sostiene que mientras se recuperaba de la cirugía, Sykes y Stone comenzaron a conspirar contra él reservando tiempo en el estudio y tomando decisiones sin su participación. Mike Stone supuestamente sugirió traer a otra persona para grabar las voces, mientras que Sykes supuestamente se negó a trabajar con Keith Olsen. Por el contrario, Sykes afirma que él y los otros miembros de la banda fueron despedidos sistemáticamente tan pronto como terminaron de grabar sus respectivas partes. Neil Murray declaró que Sykes quería más control sobre la banda, lo que finalmente lo llevó a su salida. En cuanto a él y Dunbar, Murray aseguró que tan pronto como terminaron de grabar sus partes, dejaron de cobrar, a pesar de que todavía estaban oficialmente en la banda. En cualquier caso, Coverdale se quedó como el único miembro de Whitesnake, por lo que se dedicó a armar una nueva formación. Con la ayuda de John Kalodner, reclutó a Vandenberg y Tommy Aldridge, así como al guitarrista Vivian Campbell ( Dio) y al bajista Rudy Sarzo (Quiet Riot). Esta nueva formación aparecería en todos los materiales promocionales del próximo álbum. Al mismo tiempo Whitesnake adoptó una nueva apariencia, similar a las bandas de glam metal de la época, para atraer más al público estadounidense. En el momento del lanzamiento del álbum, Coverdale tenia una deuda de tres millones de dólares.

«Estoy compitiendo con gente como Bon Jovi. Debo tener un aspecto adecuado».

David coverdale

1987, el año.

«Whitesnake» (titulado «1987» en Europa y «Serpens Albus» en Japón) fue lanzado el 30 de marzo de 1987 en Europa y el 7 de abril en Norteamérica. El disco alcanzó el número ocho en el Reino Unido, mientras que en los Estados Unidos alcanzó el número dos en la lista Billboard 200. En total, el disco llegó a las listas de 14 países y rápidamente se convirtió en el álbum de mayor éxito comercial de la carrera de la banda, vendiendo más de ocho millones de copias solo en Estados Unidos. Su éxito también impulsó las ventas de «Slide It In» a más de dos millones de copias en los Estados Unidos. Además de esto, los sencillos «Here I Go Again» y «Is This Love «alcanzaron el número uno y dos, respectivamente, en el Billboard Hot 100. MTV ayudó al éxito del disco, cortesía de una trilogía de videos musicales protagonizados por la actriz y futura esposa y de Coverdale, Tawny Kitaen. En el Reino Unido el álbum recibió alguna que otra critica negativa, acusando a Coverdale de «venderse» a los Estados Unidos.

En diciembre de 1988, Vivian Campbell se separó de la banda. La razón oficial dada fue «diferencias musicales». Sin embargo, Campbell reveló mas tarde que su partida se debió en parte a una pelea entre su esposa y Tawny Kitaen, dando como resultado la exclusión de la esposa de Campbell de la gira.. Además de esto, Vandenberg había hecho saber que quería ser el único guitarrista de Whitesnake, lo que también influyó en la partida de Campbell.

Durante el proceso de grabación del nuevo álbum, Adrian Vandenberg sufrió una lesión en las muñecas mientras realizaba ejercicios de digitación. A pesar de consultar a un médico y descansar, la lesión de Vandenberg persistió, dejándolo incapaz de tocar la guitarra correctamente. No fue hasta 2003 que se enteró de que la lesión era el resultado de un daño nervioso sufrido en un accidente automovilístico en 1980. La lesión de Vandenberg causó retrasos significativos en el álbum. Finalmente, Coverdale se vio obligado a encontrar otro guitarrista para tocar en el disco., siendo Steve Vai, ex guitarrista de Frank Zappa y David Lee Roth, el elegido. Vai se unió oficialmente a Whitesnake en marzo de 1989. Vandenberg, mientras tanto, no fue despedido de la banda, proporcionándole el tiempo suficiente para recuperarse mientras Vai grababa el álbum, titulado «Slip of the Tongue», lanzado el 7 de noviembre de 1989 en los Estados Unidos, seguido de un lanzamiento mundial el 13 de noviembre. El disco alcanzó el número diez en la lista de álbumes del Reino Unido, así como en el Billboard 200. Mejor le fue en la lista Album Rock Tracks, donde alcanzó el número dos. «Slip of the Tongue» vendió aproximadamente cuatro millones de copias en todo el mundo, lo que se consideró una decepción comercial, ya que el disco anterior vendió más del doble de copias solo en los EE.UU.

«La gatita tenia garras»

Durante la gira la banda encabezó el festival Monsters of Rock en Castle Donington por segunda vez. Tras la última fecha de la gira, Coverdale informó al resto de la banda que se tomaría un descanso prolongado, disolviendo Whitesnake. La decisión se debió en gran parte al agotamiento. A pesar del éxito que había logrado la banda Coverdale se sentía insatisfecho y necesitaba tiempo para «hacer un balance y revisar» para ver si todavía quería continuar. Al mismo tiempo, Coverdale estaba en medio de un proceso de divorcio con Tawny Kitaen.

Los «maravillosos» 90 (no para el hard rock).

El 7 de julio de 1994, EMI y Geffen Records publicaron una recompilación de grandes éxitos de Whitesnake. El disco fue un éxito, alcanzando el número cuatro en la lista de álbumes del Reino Unido. Más tarde llegaria al oro en el Reino Unido y platino en los Estados Unidos. Debido al éxito del álbum, EMI pidió a Coverdale que saliera de gira como Whitesnake. Adrian Vandenberg regresó junto a Rudy Sarzo quien recomendó al guitarrista de Ratt, Warren DeMartini, quien accedió a unirse. La formación se completó con el teclista Paul Mirkovich y el batería Denny Carmassi. En noviembre de ese año Whitesnake fue despedido de Geffen Records. Tras acabar la gira, Coverdale y Vandenberg reanudaron el trabajó en lo que sería un álbum en solitario de Coverdale. Junto a ellos en el estudio estaban Denny Carmassi, el bajista Guy Pratt y el teclista Brett Tuggle. Mientras se terminaba el disco, EMI exigió que se publicara bajo el sobrenombre de Whitesnake. Coverdale se opuso, ya que el disco era totalmente diferente a Whitesnake. Finalmente, se llegó a un acuerdo y se acordó lanzar el álbum con el nombre de David Coverdale & Whitesnake. «Restless Heart» fue lanzado el 26 de marzo de 1997. No se publicó en EE.UU., y solo estaba disponible como importación. La gira de «Restless Heart» fue anunciada como la gira de despedida de Whitesnake, ya que Coverdale quería explorar otras vías musicales. Pratt y Tuggle fueron reemplazados por Tony Franklin y Derek Hilland, respectivamente, mientras que Steve Farris fue contratado como segundo guitarrista. Antes del comienzo de la gira, Coverdale y Vandenberg tocaron en varios espectáculos acústicos en Europa y Japón. Uno de estos programas fue lanzado más tarde como el álbum en vivo «Starkers en Tokio».

Nuevo milenio.

En 2003 Whitesnake celebraba su 25 aniversario, para ello Coverdale salió de gira junto al batería Tommy Aldridge, los guitarristas Doug Aldrich y Reb Beach , así como el bajista Marco Mendoza y el teclista Timothy Drury. Coverdale y John Sykes mantuvieron conversaciones sobre una posible reunión, pero Coverdale pensó que habían sido sus «propios jefes» demasiado tiempo para que la reunión funcionara. Sykes afirmó que después de recomendar a Mendoza y Aldridge para la banda, nunca tuvo noticias de Coverdale. También se le pidió a Adrian Vandenberg que se reincorporara, pero se negó para pasar más tiempo con su hija y concentrarse en su carrera como pintor. En 2004, su concierto en el Hammersmith Apollo de Londres fue filmado y luego lanzado en 2006 como «Live … In the Still of the Night». En abril de 2005, Marco Mendoza abandonó Whitesnake debido a conflictos de programación con otros proyectos de Mendoza. El músico de sesión Uriah Duffy fue anunciado como su reemplazo el mes siguiente. En 2006 Whitesnake firmó un contrato de grabación europeo con Steamhammer/SPV, publicando el álbum en vivo «Live… in the Shadow of the Blues», que contenía cuatro nuevas canciones escritas por Coverdale y el guitarrista Doug Aldrich. En diciembre de 2007 Chris Frazier fue anunciado como el nuevo batería de Whitesnake en sustitución de Tommy Aldridge.

«Good to Be Bad», el décimo álbum de estudio de Whitesnake, fue lanzado en 2008 , llegando al número siete en la lista de álbumes del Reino Unido y al numero 62 en el Billboard 200 de Estados Unidos y alcanzando el número ocho en la lista de los mejores álbumes independientes. Durante la gira, Whitesnake se vio obligado a interrumpir su concierto en Denver, después de que Coverdale sufriera un fuerte dolor en sus cuerdas vocales. Después de consultar a un especialista, se supo que padecía un edema severo de las cuerdas vocales y una lesión vascular en las cuerdas vocales izquierdas. Como resultado, Whitesnake canceló las fechas restantes de la gira. En 2010 firmaron un nuevo contrato de grabación con Frontiers Records, y ese mismo año, en junio, Uriah Duffy y Chris Frazier dejaron Whitesnake, siendo sustituidos por el ex batería de Billy Idol y Foreigner, Brian Tichy y el bajista Michael Devin. Mas adelante, Timothy Drury también anunció su partida.

«Forevermore», el undécimo álbum de estudio de Whitesnake, fue lanzado el 25 de marzo de 2011. A pesar de no entrar con fuerza en las listas de Reino Unido y E.E.U.U, el disco fue bien recibido por la critica y los fans. En la gira, la banda estuvo acompañada por el teclista Brian Ruedy. Ese año, Whitesnake también lanzó una grabación en vivo de su concierto de 1990 Monster of Rock en Castle Donington. El grupo actuó con un sistema de sonido «moderno» en ese momento, lo que aseguraba una calidad de sonido impresionante, como se refleja en el disco. El concierto había sido retransmitido en directo por BBC Radio, lo que hizo que la grabación tuviera muchos lanzamientos pirateados. A través del sitio web del grupo, los fans solicitaron la liberación de las imágenes del concierto y el lanzamiento del audio del espectáculo de manera profesional. Lo curioso de ese concierto es cómo Coverdale pregunta varias veces al publico: ¿Qué quiere la BBC que digas? con la multitud gritando, «Fuck» (joder) al parecer los ejecutivos de la cadena inglesa habían pedido a David Coverdale que se abstuviera de pronunciar «palabras mal sonantes».

«Aldridge, Hoekstra, Coverdale, Beach y Devin. 2014-2021»

Whitesnake se tomó otra pausa en 2012 para recopilar grabaciones en vivo de la gira de «Forevermore», que se lanzaron al año siguiente como «Made in Japan» y «Made in Britain / The World Record». En enero de 2013, Brian Tichy anunció su salida de Whitesnake y fue reemplazado por Tommy Aldridge, quien se reincorporó a la banda por segunda vez. En mayo de 2014, Doug Aldrich anunció su salida de la banda. El guitarrista Joel Hoekstra, fue anunciado como su reemplazo. En noviembre, Whitesnake lanzó «Live in ’84 – Back To The Bone», una colección de grabaciones en vivo de la gira «Slide It In». Whitesnake lanzó su duodécimo álbum de estudio, titulado «The Purple Album», el 15 de mayo de 2015. Se trata de una colección de canciones regrabadas de la época de Coverdale en Deep Purple, la idea surgió de las conversaciones que él y Jon Lord tuvieron sobre una posible reunión de Purple unos años antes. Después de la muerte de Lord en 2012, Coverdale discutió la idea con Ritchie Blackmore, pero no pudieron llegar a un acuerdo. Entonces Coverdale decidió seguir adelante con el proyecto bajo la bandera de Whitesnake. Para la gira se unió a la banda el teclista Michele Luppi.

En 2017, Whitesnake firmó un nuevo acuerdo de distribución para Norteamérica y Japón con Rhino Entertainment y Warner Music Group. En 2018, se lanzó el box set «Unzipped», que incluía varias grabaciones acústicas de la carrera de la banda. En 2019 se lanza «Flesh & Blood», alcanzando el número siete y el número 131 en el Reino Unido y los Estados Unidos, respectivamente. En la lista de álbumes independientes, alcanzó el número cinco. En 2020 David Coverdale comenzó a preparar la trilogía «Red, White And Blues», una serie de álbumes recopilatorios con canciones remezcladas y remasterizadas, organizadas por temas musicales que incluirán: «Love Songs» (rojo), «The Rock Album «(blanco) y» The Blues Album «(azul). En 2021 se pone punto y final a la trilogía con «The Blues Album». Whitesnake, al igual que la mayoría de bandas vio como sus giras para 2020 y 2021 se vieron afectadas debido a la pandemia de COVID-19.

Son muchos los músicos que han pasado por las filas de Whitesnake, así que nos centraremos en su ultima formación y en especial en su guitarrista Reb Beach y su paso por esta banda llamada Dokken.

Dokken, banda que fue protagonista en el primer programa de Rock en Cadena https://rockencadena.home.blog/2018/12/02/programa-no1/. Nos centraremos en su álbum de 1999 «Erase the Slate», único trabajo de estudio que grabó Reb Beach y el ultimo del bajista Jeff Pilson. Beach tuvo la difícil tarea de sustituir al gran George Lynch, quien abandonó Dokken después del fiasco de álbum llamado «Shadowlife» de 1997. Reb Beach, con suficientes dotes para llenar el hueco dejado por Lynch, aportó su propia personalidad musical a los riffs y solos, aun así, las melodías de las canciones siguen siendo reconocibles como Dokken. Reb Beach, que quería trabajar en otros proyectos y no podía comprometerse con Dokken a largo plazo grabó otro álbum con ellos antes de su salida, el directo «Live from the Sun» de 2000. Tras la marcha de Pilson, Don y Mick quedaron como únicos miembros constantes de la banda. Y es Mick Brown quien nos lleva a nuestro siguiente protagonista, el guitarrista norteamericano Ted Nugent.

Ted Nugent, polémico y genial guitarrista que también apareció en otro episodio de Rock en Cadena https://rockencadena.home.blog/2019/10/05/programa-no11/. El veterano guitarrista celebra su concierto número 6.000 en un espectáculo celebrado el 4 de julio de 2008 en Pine (Michigan) su ciudad natal. Un show grabado y editado como doble CD y DVD, bajo el nombre de «Motor City Mayhem». Durante el concierto Nugent se acompaña de invitados tales como su
profesor de guitarra de los años 60, un hombre llamado Joe Podorsek, el batería de Mitch Ryder, Johnny «Bee» Badanjek o su vocalista de siempre Derek St. Holmes, además de hacerse acompañar de una base rítmica de lujo con Mick Brown a la batería y con Greg Smith al bajo, bajista entre otros de Billy Joel, Wendy O. Williams, Alice Cooper, Rainbow, Dokken, Vinnie Moore, Joe Lynn Turner, y esta banda llamada Red Dawn.

Banda formada por el teclista David Rosenthal, musico que participo en el álbum «Slip of the Tounge» de nuestros protagonistas del blog Whitesnake, además de haber grabado y girado con Rainbow, Billy Joel, Bruce Springsteen, Enrique Iglesias, Robert Palmer, Steve Vai, Cyndi Lauper o Yngwie Malmsteen. En 1992 forma Red Dawn, anteriormente había grabado algunas demos con el cantante Mitch Malloy (en una banda llamada Infinity), y con el guitarrista de Winger y Whitesnake, Reb Beach. En 1993 se edita su primer (y único trabajo) titulado «Never Say Surrender», el álbum aclamado por la crítica se lanzó originalmente en Japón y mas adelante en el Reino Unido a través de la compañía independiente Now & Then. Junto a Rosenthal estaban el batería (y compañero suyo en Rainbow) Chuck Burgi, el bajista Greg Smith (que casualmente acabaría en Rainbow) el vocalista Larry Baud y el guitarrista Tristan Avakian. Y ya que el nombre de Rainbow ha aparecido varias veces, vamos a continuar con otro miembro de esa banda, quien casualmente estuvo acompañado en su primer trabajo en solitario por el batería Chuck Burgi, el vocalista Joe Lynn Turner.

Joe Lynn Turner, cantante, guitarrista, compositor y productor estadounidense. A finales de la década de 1970, Turner estuvo al frente y tocó la guitarra con la banda de pop rock Fandango, ya en los 80, se convirtió en miembro de Rainbow, tras su disolución (la primera) en marzo de 1984, emprendió su carrera en solitario, lanzando en 1985 el álbum, «Rescue You», una colección de temas AOR comerciales tan de moda a mediados de los 80, el álbum fue producida por el famoso Roy Thomas Baker (Dokken, Mötley Crüe, Queen). Después de su publicación Turner hizo trabajos como musico de sesión, cantando coros para gente como Billy Joel, Cher y Michael Bolton. Siguiendo el consejo de Bolton, Turner comenzó a grabar jingles para radio y televisión. A finales de los 80 pasó un corto periodo de tiempo con el guitarrista de metal neoclásico Yngwie Malmsteen y luego con Deep Purple. Desde mediados de la década de 1990, reanudó su carrera en solitario, además de aparecer como vocalista principal en álbumes tributo y trabajando en varios proyectos. En su primer trabajo en solitario Turner se acompañó de Chuck Burgi a la batería, Bobby Messano a la guitarra y el bajo y Al Greenwood a los teclados, con quien coescribió la mayoría de las canciones del álbum, y mas conocido por ser miembro fundador de una de las bandas mas importantes del rock, Foreigner.

Banda imprescindible en la historia del rock y que sin duda tendrá un episodio en Rock en Cadena. Por el momento nos vamos a centrar en alguno de los músicos que formaron parte de Foreigner, como Ed Gagliardi bajista estadounidense de la banda desde su fundación en 1976 hasta su despido en 1979, grabando los álbumes «Foreigner» y «Double Vision». Gagliardi murió de cáncer el 11 de mayo de 2014, después de luchar contra la enfermedad durante ocho años. Su sustituto en Foreigner fue el inglés Rick Wills, conocido por su trabajo con Small Faces, Peter Frampton y esta otro banda importantísima dentro del rock llamada Bad Company.

Formados en Inglaterra en 1973 por el cantante Paul Rodgers, el guitarrista Mick Ralphs, el batería Simon Kirke y añadiéndose más tarde el bajista Boz Burrell. Bad Company disfrutó de un gran éxito a lo largo de la década de 1970, muchas de sus canciones, como «Bad Company», «Can’t Get Enough», «Good Lovin ‘Gone Bad», «Feel Like Makin’ Lov «, «Ready for Love», «Shooting Star» o «Rock ‘n’ Roll Fantasy» siguen siendo elementos básicos de la radio de rock clásico. Por eso, es otra de las bandas que merecen tener un hueco dentro de Rock en Cadena, así que al igual que con Foreigner nos centraremos en uno de los muchos músicos que han pasado por Bad Company a lo largo de su historia, y lo hacemos de la mano de Dave Colwell, guitarrista inglés miembro entre otros de FM, Humble Pie, con quienes grabó en 2001 el álbum «Back on Track» y permaneciendo de gira con ellos hasta que la banda se disolvió en 2003, Samson y ASAP, acrónimo de Adrian Smith and Project.

Adrian Smith, guitarrista de Iron Maiden, formó ASAP en 1989 cuando Maiden se estaba tomando un descanso después de pasar casi un año de gira con su álbum «Seventh Son of a Seventh Son» de 1988. Su primer y único álbum, «Silver &Gold» de 1989, fue una incursión de Smith dentro del sonido hard rock, alejado del sonido de Iron Maiden, aunque había elementos del sonido más progresivo que la banda había desarrollado durante la década de 1980, con unos teclados más destacados que en la música de Iron Maiden. Smith asumió el papel de cantante principal además de tocar la guitarra. El álbum fue un fracaso comercial, a pesar de la gira promocional y los dos singles lanzados, lo que hizo que la banda pronto dejara de existir. Los músicos que acompañaron a Smith en este álbum fueron Andy Barnett y Dave Colwell a las guitarras, Richard Young a los teclados (los tres músicos tocaron con Smith en varias encarnaciones de Urchin, banda que Smith lideró en el 1970), el bajista Robin Clayton y el batería Zak Starkey, hijo del mítico Ringo Starr. Desde 1996, Zak ha actuado y grabado con la banda de rock inglesa The Who. También ha sido el tercer bateria que ha aparecido con la banda de rock inglesa Oasis. En 2020, se convirtió en el batería de Casbah Club después de que la banda se reuniera tras una pausa de doce años. Otros músicos y bandas con las que ha trabajado incluyen a Paul Weller, The Waterboys, John Entwistle y esta pareja de guitarristas que mucho tienen que ver con los protagonista de este episodio.

En 1989, Bernie Marsden se reunió con el guitarrista y compañero en Whitesnake Micky Moody para formar la banda The Moody Marsden, grabando en 1991 un álbum en vivo en Inglaterra titulado «Never Turn Our Back On The Blues» con Zak Starkey en la batería y Jaz Lochrie al bajo. En 1994 se publica el acústico en vivo «Live In Hell», grabado en Noruega un año antes. Durante la gira por Europa, se grabó un álbum de estudio llamado «Real Faith». La aventura del grupo finaliza aquí, tras esto ambos coincidieron en bandas como Company of Snakes, Snakes y M3, además de aparecer en festivales de blues como dúo. Es un hecho que la aportación de estos dos músicos a la música de Whitesnake es fundamental, aportando un sonido blues/rock al sonido de la banda.

Con Marsden y Moody llegamos a los protagonistas de este episodio, Whitesnake. Espero que os haya gustado. No faltéis a la próxima. ¡Un saludo!

Crea tu sitio web con WordPress.com
Primeros pasos