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Programa Nº6

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Programa muy especial este mes, nada mas y nada menos que dedicado a “Sus Satánicas Majestades” los Rolling Stones, quienes estuvieron a la vanguardia de la invasión británica de bandas que se hicieron populares en los Estados Unidos en 1964 y se identificaron con la contracultura juvenil y rebelde de los años sesenta. Con raíces en el blues y el rock and roll mas primitivo, la banda comenzó tocando covers pero encontró más éxito con su propio material.
Los Stones representaron la corriente más agresiva de la música rock. En su extenso desarrollo artístico ha ofrecido sonidos rock, R&B, pop, country rock, hard rock, blues rock, fusionado con el funk, el reggae, el folk, o el soul.

Ya sin Ian Stewart en una de sus primeras fotografías.

Los Rolling Stones se formaron en Londres en 1962. La primera formación estable consistió en el líder de la banda Brian Jones (guitarra, armónica, teclados), MIck Jagger (voz principal, armónica), Keith Richards (guitarra, voz), Bill Wyman (bajo), Charlie Watts (batería) e Ian Stewart (piano). Stewart fue retirado de la alineación oficial en 1963, pero continuó trabajando con la banda como músico contratado hasta su muerte en 1985. Los principales compositores de la banda, Jagger y Richards, asumieron el liderazgo después de que Andrew Loog Oldham se convirtiera en el manager del grupo. Jones dejó la banda menos de un mes antes de su muerte en 1969, siendo reemplazado por Mick Taylor, quien se mantuvo hasta 1974. Después de que Taylor dejara la banda, Ronnie Wood tomó su lugar en 1975 y continúa en la guitarra junto con Richards. Desde la partida de Wyman en 1993, Darryl Jones ha desempeñado la función de bajista de gira. Los Stones no han tenido un teclista oficial desde 1963, pero han empleado a varios músicos en ese papel.

Después de un corto período de experimentación con el rock psicodelico a mediados de la década de 1960, el grupo volvió a sus raíces “blues” con “Beggars Banquet” (1968), que junto con sus siguientes lanzamientos “Let It Bleed” (1969), “Sticky Fingers” (1971) y “Exile on Main St.” (1972), son considerados como los mejores trabajos de la banda, sien do esa su “Edad de Oro”. Fue durante este período cuando por primera vez se presentaban en el escenario como “La mejor banda de rock and roll del mundo”.

La banda continuó lanzando álbumes comercialmente exitosos a lo largo de los años 70 y principios de los 80, incluyendo “Some Girls” (1978) y “Tattoo You” (1981), los dos más vendidos en su discografía. Durante la década de 1980, la lucha interna de la banda redujo su producción y solo lanzaron dos álbumes con un rendimiento inferior y no realizaron ninguna gira el resto de la década. Sus fortunas cambiaron a fines de la década, cuando lanzaron “Steel Wheels” (1989), seguido de un grandioso tour por grandes estadios. Desde la década de 1990, el nuevo material ha sido menos frecuente. A pesar de esto, los Rolling Stones continúan siendo una gran atracción en el circuito en vivo. Para el 2007, la banda tenía cuatro de los cinco primeras giras de conciertos con mayor recaudación de todos los tiempos. Los Rolling Stones se instalaron en el Rock and Roll Hall of Fame en 1989 y en el 2004 en su versión inglesa. Sus ventas superan los 250 millones de dolares, con 30 álbumes de estudio, 23 álbumes en vivo y numerosas compilaciones.

¿Pacto con el diablo?

Desde su formación en 1962, los Rolling Stones han sobrevivido a múltiples disputas internas. A principios de 1967, Jagger, Richards y Jones comenzaron a ser perseguidos por las autoridades por su consumo de drogas. Ese mismo año se produjo un enfrentamiento entre Richard y Jones, con la novia de este ultimo (y mas tarde mujer de Richards) de por medio, Anita Pallenberg. Dos años mas tarde Jones se ahogó en circunstancias misteriosas en la piscina de su casa, un mes después de haber dejado la banda, siendo sustituido por un jovencisimo Mike Taylor, recomendado por el mismísimo John Mayall, quien le había tenido como guitarrista en sus Bluesbreakers.

El playback no tiene desperdicio…

John Mayall & The Bluesbreakers, una banda inglesa de bluesrock, liderada por el multi-instrumentista John Mayall, la banda que evolucionaría a los Bluesbreakers en 1965 se formó en marzo de 1963 y se convirtió en una alineación en constante evolución de más de 100 combinaciones diferentes de músicos que actuaron bajo ese nombre. Mayall usó el nombre de la banda entre 1963 y 1967, para luego abandonarla durante unos quince años. Sin embargo, en 1982 se anunció un “Return of the Bluesbreakers”, y el nombre estuvo en uso hasta que la banda se disolvió nuevamente en 2008. El nombre se ha vuelto genérico, sin una clara distinción entre las grabaciones que se acreditarán solo a Mayall y las grabaciones. que deben ser acreditados a Mayall y su banda.

Aunque nunca han producido un éxito radiofónico , el mayor legado de los Bluesbreakers es como “cantera” para músicos británicos de rock y blues. Muchas de las bandas más conocidas que salieron de Gran Bretaña en los años 60 y 70 tenían miembros que llegaron a los Bluesbreakers en algún momento, formando la base de la música de blues britanica. Entre muchos de aquellos músicos están Eric Clapton y Jack Bruce (más tarde de Cream ), Mick Taylor (Rolling Stones), Aynsley Dunbar (Frank Zappa y The Mothers of Invention) y Peter Green, Mick Fleetwood y John McVie quienes formarían Fleetwood Mac, sin duda una de las grandes bandas del rock de todos los tiempos. 

Formada en Londres en 1967 y fundada por el guitarrista Peter Green , el baterista Mick Fleetwood y el guitarrista Jeremy Spencer . El bajista John McVie completó la alineación de su álbum de debut homónimo . Danny Kirwan se unió como tercer guitarrista en 1968. La teclista Christine Perfect , quien contribuyó como músico de sesión del segundo álbum, se casó con McVie y se unió en 1970. En este momento era principalmente una banda británica de blues , que obtuvo el número uno del Reino Unido con ” Albatross “, y tuvo menos éxitos con los singles “Oh Well ” y “Black Magic Woman”. Los tres guitarristas se fueron en sucesión a principios de la década de 1970, para ser reemplazados por los guitarristas Bob Welch y Bob Weston y el vocalista Dave Walker . En 1974, los tres habían salido o habían sido despedidos, dejando a la banda sin un vocalista o guitarrista masculino.

A finales de 1974, la banda conoció al dúo de folk-rock formado por Lindsey Buckingham y Stevie Nicks. Fleetwood Mac pronto le pidió a Buckingham que fuera su nuevo guitarrista principal, y Buckingham estuvo de acuerdo con la condición de que Nicks también se uniera a la banda. La adición de Buckingham y Nicks le dio a la banda un sonido más pop rock, y su álbum homónimo de 1975, “Fleetwood Mac” , alcanzó el número 1 en los los Estados Unidos, “Rumours” (1977), el segundo álbum de Fleetwood Mac después de la llegada de Buckingham y Nicks, produjo cuatro Top 10 en los Estados Unidos y se mantuvo en el primer lugar en la lista de álbumes estadounidenses durante 31 semanas. También alcanzó el primer puesto en varios países del mundo y ganó un Premio Grammy al Álbum del Año en 1978. “Rumours” ha vendido más de 40 millones de copias en todo el mundo, lo que lo convierte en el octavo álbum más vendido de la historia. La banda pasó por problemas personales mientras grababa el álbum, ya que las parejas de la banda (John y Christine McVie, y Buckingham y Nicks) se separaron mientras seguían haciendo música juntos. Esta formación se mantuvo estable a través de tres álbumes de estudio más, pero a finales de los años 80 comenzó a desintegrarse, después de que Buckingham y Nicks dejaran la banda. En 1994 se volvieron a reunir, y el grupo lanzó su cuarto álbum No. 1 en Estados Unidos, un directo titulado “The Dance” (1997). Christine McVie dejó la banda en 1998, pero continuó trabajando con la banda como músico de sesión. Mientras tanto, el grupo se mantuvo unido como cuarteto, lanzando su álbum de estudio más reciente, “Say You Will”, en 2003. Christine McVie se reincorporó a la banda a tiempo completo en 2014. En 2018, Buckingham fue despedido de la banda [y fue reemplazado por Mike Campbell , anteriormente de Tom Petty and the Heartbreakers , y Neil Finn de Split Enz y Crowded House.

Fleetwood Mac han vendido más de 100 millones de discos en todo el mundo, lo que los convierte en una de las bandas más vendidas del mundo . En 1998, algunos de sus miembros fueron incluidos en el Salón de la Fama del Rock and Roll y recibieron el Premio Brit por su contribución a la música.

En 1981, mientras seguía siendo miembro de Fleetwood Mac, Stevie Nicks comenzó su carrera en solitario, lanzando el álbum “Bella Donna”, que encabezó las listas de álbumes de Billboard y alcanzó el multiplatino. Nicks ha lanzado un total de ocho álbumes de estudio en solitario hasta la fecha.

Stephanie Lynn Nicks (nacida el 26 de mayo de 1948), mas conocida como Stevie Nicks es una cantante y compositora estadounidense, conocida por su trabajo como compositora y vocalista de Fleetwood Mac, ademas de por su carrera como solista. Colectivamente, su trabajo como miembro de Fleetwood Mac y como solista produjo más de cuarenta éxitos entre los 50 mejores y vendió más de 140 millones de discos, convirtiéndola en una de las representaciones musicales más vendidas de todos los tiempos con Fleetwood Mac. Es la única mujer que ha sido incluida dos veces en el Salón de la Fama del Rock and Roll , habiendo sido incluida como miembro de Fleetwood Mac en 1998 y mas tarde como solista en 2019.

Nicks estuvo vinculada sentimentalmente a Lindsey Buckingham desde 1966, brevemente a Mick Fleetwood en 1977, al batería y vocalista de los Eagles Don Henley a fines de los años 70, y brevemente al compositor de los Eagles JD Souther. Tuvo también un romance con Jimmy Iovine , quien produjo “Bella Donna” durante 1980–81, y con el guitarrista de los Eagles y James Gang Joe Walsh durante 1983–86, a quien se refirió en 2007 como uno de sus mejores amores, aunque la pareja no pudo mantener la relación debido al abuso de drogas por parte de los dos .Nicks realizó una gira con Walsh en 1984 y escribió “Has Anyone Ever Written Anything for You?” sobre la hija fallecida de Walsh. En la década de 1990, Joe Walsh fue miembro del efímero supergrupo The Best.

The Best fue un banda formada por MUSICOS (si, con mayusculas) tan prestigiosos como Keith Emerson (de Emerson, Lake & Palmer) en los teclados, John Entwistle (de The Who en el bajo y la voz), Joe Walsh Eagles, James Gang en la guitarra y la voz), Jeff “Skunk” Baxter (Steely Dan, Doobie Brothers en la guitarra y la voz), y Simon Phillips (Jack Bruce Band, 801, TOTO en la batería) y un desconocido Rick Livingstone (procedente de una banda de AOR canadiense llamada Agent) quien hacia las veces de voz solista (junto con Baxter, Walsh y Entwistle), Hamish, Angus y Fergus Richardson de la banda Brother se encargaron de los coros. el grupo tocaba un repertorio formado por temas de las bandas en las que habían militado. En 1994 se realizo una gira por Japón y se planeo otra por Estados Unidos, pero esta nunca se realizo.
En 2010, se lanzó un DVD grabado el 26 de septiembre de 1990 en Yokohama, Japón.

Sin duda una banda llena de talento, sin ir mas lejos su batería, Simon Phillips, actual batería de TOTO, y que ha grabado mas de 100 discos y girado/grabado con gente de la talla de Whitesnake, Nazareth, Michael Schenker, Gary Moore y el grandisimo Jeff Beck.

Geoffrey Arnold Beck nacido el 24 de junio de 1944, mas conocido como Jeff Beck es un guitarrista de rock inglés, y sin duda uno de los guitarristas más influyentes del rock, es ademas uno de los tres guitarristas más destacados que han tocado con los Yardbirds (los otros dos son Eric Clapton y Jimmy Page). Beck también formó el grupo Jeff Beck Group, y junto al bajista Tim Bogert y al batería Carmine Appice, el grupo Beck, Bogert & Appice.

La carrera en solitario de Jeff Beck se ha centrado mayoritariamente en temas instrumentales, con un sonido innovador, mezclando varios estilos musicales. Aunque grabó álbumes de éxito en 1975 y 1976 como solista, nunca consiguió un “hit” comercial, algo que si consiguieron músicos de su “época”. Jeff Beck ha recibido el Premio Grammy por Mejor interpretación instrumental de Rock seis veces y  por Mejor interpretación instrumental de Pop una vez. En 2014 recibió el Premio Ivor Novello de la Academia Británica por su destacada contribución a la música de ese pais. Beck ha sido incluido en el Rock and Roll Hall of Fame dos veces: como solista en 2009 y anteriormente en 1992 como miembro de The Yardbirds, grupo ingles formado en Londres en 1963.

Originalmente el sonido de la banda se basaba en el blues, aunque ampliaron su campo al pop, fueron pioneros en el rock psicodélico y contribuyeron a muchas innovaciones en el sonido de la guitarra eléctrica a mediados de la década de 1960. Algunos críticos e historiadores del rock también mencionan su influencia en las tendencias posteriores del punk rock , el rock progresivo y el heavy metal. La alineación principal de la banda contaba con el vocalista Keith Relf, el batería Jim McCarty, el guitarrista/bajista Chris Dreja y el bajista/productor Paul Samwell-Smith. En 1963 entraría a formar parte del grupo Eric Clapton, formando así la primera formación de The Yardbirds. Frustrado por el enfoque comercial, Clapton abandonó bruscamente la banda el 25 de marzo de 1965, Jimmy Page, un joven y destacado guitarrista de sesión, fue su sustituto, Page a su vez recomendó a su amigo Jeff Beck como segundo guitarrista. La banda se separo en 1968, aunque Page siguió un tiempo con una formación llamada The New Yardbirds, embrión de lo que mas tarde sería Led Zeppelin. La banda es conocida por comenzar las carreras de tres de los guitarristas más famosos del rock, Eric Clapton , Jimmy Page y Jeff Beck, quienes se ubicaron entre los cinco primeros de la lista de los 100 mejores guitarristas de la revista Rolling Stone.

Eric Clapton fue sin duda quien mas fama logro de los tres guitarristas que mencionaba antes, tras su salida de The Yardbirds, Clapton comenzó a tocar con John Mayall y los Bluesbreakers. Inmediatamente después de dejar Mayall, Clapton formó el power trío Cream con el batería Ginger Baker y el bajista Jack Bruce. Después de que Cream se separara, formó la banda de blues Blind Faith con su compañero Baker, Steve Winwood y Ric Grech. La carrera en solitario de Clapton comenzó en la década de 1970.

Pattie Boyd…Dos hombres y una mujer.

Con la intención de contrarrestar el aura de “estrella” que había comenzado a formarse alrededor de él Clapton formó Derek & The Dominos, una banda de blues rock formada por, el teclista y cantante Bobby Whitlock, el bajista Carl Radle y el batería Jim Gordon. Dave Mason tocó la guitarra principal en las primeras sesiones de estudio y tocó en su primer concierto en vivo. También Duane Allman, guitarrista de The Allman Brothers contribuyó en “Layla & Other Assorted Love Songs”, único álbum lanzado por la banda. Un álbum doble que no disfrutó de fuertes ventas de manera inmediata ni recibió difusión generalizada en la radio. Aunque se lanzó en 1970, no fue hasta marzo de 1972 cuando el sencillo del álbum “Layla” llegó al top 10 tanto en Estados Unidos como en el Reino Unido, canción que esta dedicada (y habla sobre) Pattie Boyd, mujer de su amigo y miembro en las primeras sesiones de Derek & The Dominos, el Beatle George Harrison.

Y Precisamente George Harison nos lleva hasta nuestros protagonistas, ya que fue el Beatle quien “recomendó” el fichaje de unos jóvenes y emergentes músicos llamados Rolling Stones.

Con esto me despido, un saludo y recuerda…Sube el volumen y disfrútalo!!!. Hasta la próxima!!!

Programa Nº 27

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Bienvenidos a una entrada mas de Rock en Cadena. Dejamos atrás sonidos mas “agresivos” y dedicamos esta entrada a una de las banda mas reconocidas del mundo del Hard Rock, al menos en los 80, además de introducir o acercar a muchos jóvenes hacia este estilo. Mas tarde se adentraron en sonidos mas rockeros para terminar acercándose al pop/rock. Aun así merecen un lugar en Rock en Cadena. Adorados por millones de fans (no hablemos del sector femenino), vendedores de millones de discos, guapos, ricos, ellos son Bon Jovi.

Los Inicios

No se puede entender a Bon Jovi, sin hablar de su líder y fundador Jon Bon Jovi (John Francis Bongiovi Jr.), quien comenzó a tocar música en vivo en 1975, a la edad de 13 años, tocando el piano y la guitarra con su primera banda, Raze. A los 16 años, Jon conoció a David Bryan y formó una banda llamada Atlantic City Expressway. Aún en su adolescencia, Jon tocó en la banda John Bongiovi and the Wild Ones en clubes locales. Ya en 1980, había formado otra banda, The Rest, ese mismo año Jon grabó su primer sencillo, “Runaway” en el estudio de su primo, ayudado por músicos de estudio. La canción fue reproducida por una estación de radio local en una cinta recopilatoria. A mediados de 1982, Jon Bon Jovi encontró trabajo en los Power Station Studios , un estudio de grabación de Manhattan donde su primo Tony Bongiovi era copropietario. Jon grabó varias demos, incluida una producida por Billy Squier, y las envió a compañías discográficas, aunque sin ninguna repercusión.

“¿Sabría el joven Jon lo que se le venia encima?”

En 1983 tocó brevemente en la banda Scandal como guitarrista. En esos días, Jon escribió y cantó los jingles de una emisora de radio local (WAPP 103.5FM “The Apple” en Lake Success, Nueva York), allí el director de promoción sugirió a Jon que les dejara incluir la canción “Runaway” en el álbum recopilatorio de talentos locales de la emisora. Jon se mostró reacio, pero finalmente les dio la canción, que había vuelto a grabar en 1982 (después de una grabación preliminar en 1981) con músicos de estudio locales a los que “bautizó” como The All Star Review: el guitarrista Tim Pierce (Michael Jackson, Roger Waters), el teclista Roy Bittan (E Street Band), el batería Frankie LaRocka (Scandal), y el bajista Hugh McDonald (Lita Ford, Alice Cooper).

La canción comenzó a transmitirse en el área de Nueva York, llegando a otras emisoras cercanas. En marzo de 1983, Jon llamó a David Bryan, quien a su vez llamó al bajista Alec John Such y a un experimentado batería llamado Tico Torres, ambos compañeros en la banda Phantom’s Opera. Tico, mayor que el resto de la banda, había tocado con The Marvelettes y Chuck Berry, apareciendo en 26 discos, el ultimo con Franke and the Knockouts. El amigo y vecino de Jon, Dave (“The Snake”) Sabo, fue el elegido para tocar la guitarra principal en una breve gira de apoyo a “Runaway”, aunque nunca se unió oficialmente a la banda. Él y Jon se prometieron mutuamente que quien triunfara primero ayudaría al otro. Mas tarde Sabo formaría Skid Row. Jon quedó impresionado con el guitarrista Richie Sambora, quien fue recomendado por el bajista Alec John Such y el baterista Tico Torres. Sambora había estado de gira con Joe Cocker, con un grupo llamado Mercy, además de haber sido llamado por Kiss para una audición. También tocó en el álbum “Lessons” (originalmente destinado a ser lanzado en 1982; reeditado en CD a través de Long Island Records en 1995) con la banda Message, del cual Alec John Such era el bajista.

Comienza el espectáculo

“Richie, ALex, Jon, Tico y David…Bon Jovi

Una vez que la banda comenzó a tocar en vivo, llamaron la atención del ejecutivo discográfico Derek Shulman, quien los firmó con Mercury Records, que formaba parte de la compañía PolyGram. Como Jon Bon Jovi quería un nombre para el grupo, una empleada de Doc McGhee (su manager de entonces), sugirió que se llamaran a sí mismos Bon Jovi, siguiendo el ejemplo de las otras bandas famosas como Van Halen. Este nombre fue elegido en lugar de la idea original de llamarse Johnny Electric. La sugerencia, eso si, no fue recibida con entusiasmo. Con la ayuda de su nuevo manager, Doc McGhee, grabaron el álbum debut de la banda, “Bon Jovi”, producido por Tony Bongiovi y Lance Quinn, y lanzado en 1984. El álbum incluyó el primer sencillo de éxito de la banda, “Runaway”, alcanzando el top cuarenta en el Billboard Hot 100. El álbum alcanzó el puesto cuarenta y tres en la lista de álbumes Billboard 200. En 1985, se lanzó el segundo álbum de Bon Jovi, “7800º Fahrenheit” (titulo que hace referencia al punto de fusión de las rocas -rock-). El álbum llegó al puesto treinta y siete en el Billboard 200, siendo certificado Oro y llegando al Platino en 1987. En este álbum aparece el logotipo clásico de la banda utilizado durante los años 80. Durante la gira aparecieron por primera vez en el Monsters of Rock de Inglaterra.

Años de gloria

Después de dos álbumes de cierto éxito, el grupo cambió su enfoque y contrató al compositor Desmond Child como colaborador. Bruce Fairbairn fue elegido para producir y, a principios de 1986, Bon Jovi se mudó a Vancouver, Canadá, para pasar seis meses grabando un tercer álbum. Lo llamaron “Slippery When Wet” después de visitar un club de striptease en Vancouver. El 16 de agosto de 1986, el disco fue lanzado. Pasó ocho semanas en la cima del Billboard 200, los dos primeros sencillos del álbum, “You Give Love a Bad Name” y “Livin ‘on a Prayer”, fueron numero uno en el Billboard Hot 100. El disco fue nombrado álbum más vendido de 1987 por Billboard, y el video de “Livin’ On A Prayer” ganó un MTV Video Music Award como mejor actuación en escenario. La banda ganó un premio a Banda de pop/rock favorita en los American Music Awards y un premio a Grupo de rock favorito en los People’s Choice Awards. Cuando se lanzó “Slippery When Wet” en agosto de 1986, Bon Jovi abría para 38 Special, a finales de 1986, Bon Jovi pasaría seis meses como cabezas de cartel en escenarios de todo Estados Unidos. En agosto de 1987, encabezaron el festival Monsters of Rock de Inglaterra. La banda terminó el año con 130 shows en el “Tour Without End”, recaudando 28.400.000 dólares. “Slippery When Wet” es el álbum mas vendido de Bon Jovi hasta la fecha, certificado como doce veces Platino, lo que lo convierte en uno de los 100 álbumes más vendidos en los Estados Unidos

Decidido a demostrar que el éxito de “Slippery When Wet” no fue una casualidad, Bon Jovi lanzó en septiembre de 1988 su cuarto trabajo, “New Jersey” , llegando al número uno en Estados Unidos, Canadá, Reino Unido, Irlanda, Nueva Zelanda y Australia. El álbum produjo cinco éxitos Top 10 en el Billboard Hot 100, lo que le dio a Bon Jovi el récord de la mayor cantidad de sencillos Top 10 generados por un álbum de hard rock. Dos de los éxitos, “Bad Medicine” y “I’ll Be There for You”, alcanzaron el número uno. Bon Jovi fue noticia cuando MTV prohibió el video de “Living In Sin” por contenido sexual; después de que el video fuese reeditado, MTV lo emitió. El grupo se embarcó en otra gran gira mundial que continuó a lo largo de 1989 y 1990. Visitaron más de 22 países y realizaron más de 232 espectáculos. El 11 de junio de 1989, la banda realizó un concierto en el Giants Stadium de Nueva Jersey, agotando todas las localidades. En Agosto de 1989, la banda voló a la Unión Soviética para el Moscow Music Peace Festival de Moscú. Bon Jovi fue la primera banda autorizada oficialmente por el gobierno soviético para actuar en dicho pais, y “New Jersey” se convirtió en el primer álbum estadounidense lanzado legalmente en la URSS.

“Sin duda, los mejores años del grupo”

El agotamiento de grabar “Slippery When Wet” y “New Jersey” consecutivamente, mas sus correspondientes giras pasó factura al grupo. Al final de la gira de “New Jersey”, la banda tenía 16 meses de conciertos a sus espaldas. Richie, Tico, David, Alec y Jon estaban agotados física, mental y emocionalmente. Tras el ultimo concierto de la gira en México, y sin ningún plan claro para su futuro, los miembros de la banda simplemente se fueron a casa.

Tiempo de cambios

Desilusionado con el negocio de la música, Jon Bon Jovi despidió a su gerencia, asesores comerciales y agentes (incluido el manager de la banda Doc McGhee) en 1991. Jon asumió el control del grupo cerrando filas y creando “Bon Jovi Management”. En octubre de 1991, la banda fue a la isla caribeña de St. Thomas para discutir los planes para el futuro. Resolvieron sus diferencias permitiendo que cada miembro hablara sobre sus sentimientos. Tras resolver sus problemas, regresaron a los estudios Vancouver Little Mountain con Bob Rock para trabajar en el quinto álbum de la banda en enero de 1992.

“No solo el pelo fue lo único que cambió”

El quinto álbum de estudio de Bon Jovi, “Keep the Faith”, fue lanzado en noviembre de 1992, representando “el comienzo de un nuevo capítulo en la historia de Bon Jovi” y marcando un cambio en el sonido y la imagen de la banda. El álbum se alejó de la batería pesada y los solos de guitarra salvajes, pero en su lugar introdujo un sonido más maduro de Bon Jovi con letras más serias. Los medios centraron una atención en el corte de pelo de Jon Bon Jovi, apareciendo incluso en los informativos de CNN. El álbum alcanzó el puesto número cinco en la lista Billboard 200 de EE.UU. siendo certificado con doble platino. La banda apareció en MTV Unplugged pero de manera diferente, ademas de hacerlo en un escenario circular, la banda interpretó temas acústicos y eléctricos. El concierto fue lanzado en 1993 como “Keep the Faith: An Evening with Bon Jovi”.

En octubre de 1994, Bon Jovi lanzó un álbum de grandes éxitos titulado “Cross Road”, con dos nuevos temas: “Always” y “Someday I’ll Be Saturday Night”. El primer sencillo del álbum “Always” se convirtió en el sencillo más vendido de Bon Jovi y se mantuvo entre los diez primeros del Billboard Hot 100 durante seis meses. En el Reino Unido, se convirtió en el álbum más vendido de 1994. Ese año Bon Jovi ganó el premio a la banda de rock más vendida en los World Music Awards. También en 1994, el bajista Alec John Such dejó la banda, el primer cambio de formación desde que comenzó Bon Jovi. Hugh McDonald, quien grabó el tema “Runaway”, reemplazó extraoficialmente a Such como bajista, dejando a la banda como cuarteto.

“El primero en salir”

El sexto álbum de estudio de Bon Jovi, “These Days”, fue lanzado en junio de 1995, siendo un trabajo más oscuro en contraste con el estilo habitual de la banda con canciones de rock “alegres” además de las típicas baladas de amor. Durante la gira, la banda agotó tres noches en el histórico Wembley de Londres. Los conciertos fueron grabados para mas tarde publicar “Bon Jovi: Live From London”, lanzado originalmente en VHS en 1995, editándose en DVD en 2003. Tras el abrumador éxito del These Days Tour, los miembros de Bon Jovi se dieron un respiro de dos años. Pero a diferencia del período posterior a la gira de “New Jersey”, teñido de incertidumbre, este “año sabático” fue una decisión grupal.

Del Rock al Pop

Bon Jovi se reunió en 1999 para grabar la canción “Real Life” para la película EdTV. Después de una pausa de casi cuatro años la banda volvió ese mismo año para comenzar a trabajar en su próximo álbum de estudio. “Crush” publicado en junio de 2000 llegando al doble platino en los Estados Unidos. El primer sencillo destacó como uno de los lanzamientos más exitosos del grupo en la ultima década y, lo que es más importante, se convirtió en un símbolo de la longevidad de la banda, ya que prevalecieron a través de muchos cambios dentro de la escena del rock convencional con un éxito admirable, además, ayudó a presentar a la banda a una nueva generación de fans. Bon Jovi agotó las entradas durante dos noches en el histórico estadio de Wembley de Londres del 19 al 20 de agosto de 2000, convirtiéndose en los últimos conciertos celebrados en ese legendario lugar antes de su demolición. Ese año, la banda tocó para 1.1 millones de fans en 40 estadios de América del Norte, Europa y Japón. Mientras estaba de gira, el grupo lanzó una colección de actuaciones en vivo de toda su carrera en un álbum titulado “One Wild Night Live 1985–2001”, convirtiéndose en el primer trabajo en vivo de Bon Jovi. Las canciones se seleccionaron de archivos de material grabado que la banda había estado recopilando desde sus primeros días en la carretera hasta la gira actual. La banda agotó las entradas para dos conciertos de bienvenida en el Giants Stadium de New Jersey, del 27 al 28 de julio de 2001. La transmisión rompió récords de audiencia para la cadena VH-1. El 21 de octubre de 2001, Bon Jovi actuó en el monumental “Concert For New York” en el Madison Square Garden, recaudando fondos de ayudar y honrar a quienes trabajaron para salvar vidas durante el ataque del 11 de Septiembre.

En Octubre de 2002, el grupo lanzó su octavo álbum de estudio. “Bounce” un trabajo influenciado por los ataques terroristas del 11 de septiembre de 2001. El álbum debutó en el número dos tanto en los Estados Unidos como en el Reino Unido, convirtiéndolo en ese momento el mejor debut de Bon Jovi en toda su historia. En 2003 Bon Jovi se embarcó en un proyecto con la intención de producir un álbum en vivo con canciones acústicas, pero al final la banda terminó reescribiendo, regrabando y reinventando 12 de sus mayores éxitos bajo con una perspectiva muy diferente. El álbum, titulado “This Left Feels Right” fue lanzado a finales de ese mismo año. Al año siguiente, la banda lanzó una caja titulada “100,000,000 Bon Jovi Fans Can’t Be Wrong”, el título es un homenaje al recopilatorio de Elvis “50,000,000 Elvis Fans Can’t Be Wrong. El set constaba de cuatro CDs con 38 temas inéditos y 12 rarezas, así como un DVD. La caja marcó las ventas de 100 millones de álbumes de Bon Jovi y también conmemoró el vigésimo aniversario del lanzamiento del primer disco de la banda en 1984. En noviembre de 2004, Bon Jovi fue galardonado con el Premio al Mérito en los American Music Awards.

Su siguiente álbum, “Have a Nice Day”, fue lanzado en septiembre de 2005, entrando directamente en el número dos tanto en los Estados Unidos como en el Reino Unido, alcanzando el número uno en quince países. Una versión a dúo de uno de los temas del álbum con la cantante Jennifer Nettles de la banda country Sugarland, alcanzó el número uno en Billboard Hot Country Songs, convirtiendo a Bon Jovi en la primera banda de rock en tener un sencillo en dicha lista, logrando en 2007 el premio Grammy a la “Mejor colaboración vocal country”.

La gira de “Have A Nice Day” llevó a la banda a numerosos escenarios y estadios de todo el mundo, convirtiéndose en un éxito comercial ya que el grupo tocó para 2.002.000 fans y la gira recaudó un total de 191 millones de dólares, siendo la tercera gira más taquillera de 2006, justo detrás de las giras de Rolling Stones y Madonna. En junio de 2007, Bon Jovi lanzó su décimo álbum de estudio, “Lost Highway”. Un trabajo influenciado por el sonido country tras el éxito del dueto que realizaron en su anterior álbum. Bon Jovi fue el primer grupo en actuar en el nuevo O2 Arena de Londres.(anteriormente el Millennium Dome) cuando se abrió al público el 24 de junio de 2007. Las entradas se agotaron en media hora (23.000 asientos). El álbum debutó en el Nº1 en el Billboard 200, convirtiéndose en el primer álbum de Bon Jovi en conseguirlo y su tercer álbum en alcanzarlo. La posterior gira fue la más taquillera de 2008, con ventas de entradas valoradas en 210.6 millones de dólares, desde el 14 de noviembre de 2007 hasta el 11 de noviembre de 2008. En total, se vendieron 2.157.675 entradas durante 2008, todo esto unido a la venta de entradas por internet, “Lost Highway Tour” tuvo la mayor recaudación en 2008 con 70,4 millones de dólares.

En 2009, se estrenó el documental sobre la banda, ” When We Were Beautiful “, que narra los altibajos de Bon Jovi durante sus 25 años de historia siguiendo a la banda en su última gira. También en 2009 Jon Bon Jovi y Richie Sambora fueron incluidos en el Salón de la Fama de los Compositores. Ese mismo año la banda lanzó su undécimo álbum de estudio, titulado “The Circle”, un regreso al rock n ‘roll tras su álbum influenciado por el “sonido Nashville”. El álbum debutó en el número uno en Estados Unidos, Canadá, Alemania y Japón. De nuevo la gira posterior fue más taquillera de 2010 tocando para 1.909.234 de fans recaudado 201.1 millones de dólares. Bon Jovi ocupó el segundo lugar en la lista de la revista Forbes de los músicos mejor pagados del mundo, con un ingreso aproximado de 125 millones de dólares ese año. En 2010 Bon Jovi lanzó el recopilatorio “Greatest Hits” con cuatro nuevas canciones. El álbum debutó en el número uno en Canadá, Irlanda, Australia y se ubicó entre los cinco primeros en veinte países. A finales de año, Bon Jovi lanzó la película del concierto, “The Circle Tour Live From Jersey” en los cines de Estados Unidos. En 2013 se publicó “What About Now”, duodécimo álbum de estudio de la banda llegando al número uno en Canadá, Austria, Suecia, Australia y los Estados Unidos, siendo en el tercer álbum consecutivo de Bon Jovi en alcanzar dicho puesto convirtiéndose en su quinto álbum número uno durante toda su carrera.

“¿Blood on Blood?”

El 27 de noviembre de 2012, Bon Jovi lanzó un nuevo álbum de videos en vivo llamado “Inside Out” compuesto por shows en el O2 Arena, MetLife Stadium y Madison Square Garden. El álbum se mostró por primera vez en salas de cine, con proyecciones precedidas por una sesión de preguntas y respuestas con Jon Bon Jovi, Richie Sambora, David Bryan y Tico Torres transmitida en vivo desde un teatro en Nueva York, posteriormente estuvo disponible en iTunes para su compra. El 2 de abril de 2013, Sambora abandonó la gira en curso de la banda por “razones personales” no especificadas. El guitarrista de sesión Phil X lo reemplazó después de haberlo reemplazado durante varias fechas en 2011, permaneciendo esta vez para el resto de la gira, en medio de rumores del despido de Sambora. Tanto Sambora como Jon Bon Jovi negaron el rumor. En noviembre de 2014, Jon Bon Jovi declaró que Sambora había dejado oficialmente la banda.

“Renunció. Se fue. Sin resentimientos”

Jon Bon Jovi

Sambora por su parte declaró que:

“No hay mala sangre por mi parte. Amo a Jon, y todavía veo la posibilidad de un regreso “

Richie Sambora
“Los nuevos atrás, que se vea quien manda”

En 2015 se lanzó “Burning Bridges”, decimotercer álbum de estudio de la banda compuesto por canciones inéditas e inacabadas además de nuevas canciones. Este trabajo fuel el último álbum lanzado a través de Mercury, acabando con una relación de 32 años con el sello. “Burning Bridges” significo el debut del guitarrista Phil X, el productor del álbum, John Shanks, se hizo cargo de la guitarras solista, acompañando desde entonces a la banda como musico adicional en las giras. Un año después se publico un nuevo álbum, “This House Is Not for Sale”, que debutó en el número uno en el Billboard 200, además de ser el primer álbum de Bon Jovi en contar con Hugh McDonald y Phil X como miembros oficiales de la banda. El álbum fue seguido por su tercer trabajo en vivo, “This House Is Not for Sale – Live from the London Palladium”, lanzado ese mismo año.

En 2018 Bon Jovi ingresó en el Salón de la Fama del Rock and Roll. Sambora y Such fueron invitados a la ceremonia. “Bon Jovi: 2020” es hasta la fecha el ultimo trabajo de Bon Jovi . El álbum, cuyo lanzamiento se programó inicialmente para el 15 de mayo de 2020 se retrasó hasta el 2 de octubre del mismo año debido a la pandemia de COVID-19, mas tarde la banda anunció que el Tour Bon Jovi 2020 había sido cancelado debido a la pandemia de COVID-19.

“Como se estropean los cuerpos ¿verdad?…bueno, algunos”

Bon Jovi ha lanzado 15 álbumes de estudio cinco compilaciones y tres álbumes en vivo. Han vendido más de 100 millones de discos en todo el mundo, lo que los convierte en una de las bandas de rock estadounidenses más vendidas de tolos los tiempos, realizando más de 2.700 conciertos en más de 50 países para más de 34 millones de fans. Independientemente del camino que ha seguido la banda, mas cercano al pop que al rock, es indudable su contribución al hard rock en sus primeros cuatro trabajos, acercando a miles de fans no solo a este estilo, incluso abriendo una puerta al mundo del heavy metal. Nuestro siguiente protagonista es sin duda uno de esos “culpables”, el ex guitarrista de la banda Richie Sambora.

Richie Sambora grabó su primer trabajo en solitario en 1991, bajo el titulo de “Stranger in This Town”, un álbum influenciado por el blues, Eric Clapton tocó la guitarra principal en uno de los temas del álbum. En 1988 lanzó “Undiscovered Soul”, un álbum mas intimo y acústico. En 1990 participo en la banda sonora de la comedia “Las aventuras de Ford Fairlane” con una versión de “The Wind Cries Mary” de Jimi Hendrix. Sambora grabó el tema “Long Way Around” para la película de acción de Steven Seagal de 1997 “Fire Down Below”. La canción, escrita por Seagal y David Pomeranz, aparece en la escena final, sin embargo en la B.S.O. el tema esta cantado por otra persona. En 2001, Sambora grabó el tema “Take Me On” para la banda sonora de la película “On The Line” y en 2002 el tema “One Last Goodbye” para la película “The Banger Sisters”. En 2007 Sambora ingresó en un centro de rehabilitación de Los Ángeles para recibir tratamiento relacionado con el alcoholismo, un año después fue arrestado por conducir ebrio. Tanto su hija de diez años como su amiga estaban en el vehículo. Por primera vez en sus 30 años de carrera, Sambora firmó con un sello independiente, dando como resultado “Aftermath of the Lowdown” lanzado en 2012 y colocándose en el puesto número 10 en los “Mejores álbumes de Hard Rock”, en el puesto 34 en los mejores álbumes independientes, en el puesto 149 en el Billboard 200 y en el puesto 35 en la lista de álbumes del Reino Unido. En 2013, tras su salida de Bon Jovi, Sambora lanzó el sencillo en solitario “Come Back As Me”. En septiembre de 2017, Sambora junto a su novia y guitarrista Orianthi, y bajo el nombre de RSO lanzaron un E.P. de cinco canciones llamado “Rise” seguido de otro E.P. “Making History” que también se lanzó en 2017. El dúo lanzó su álbum debut “Radio Free America” en mayo de 2018, año en el que la pareja rompió su relacion como pareja. Uno de los músicos que acompañó a Sambora en su segundo trabajo, Kenny Aronoff, nos lleva a la siguiente banda, Cinderella.

Banda formada en 1982 en los suburbios de Filadelfia por el cantante, teclista y guitarrista Tom Keifer y el bajista Eric Brittingham. Jon Bon Jovi los vio actuar en el Empire Rock Club de Filadelfia y habló con su hombre de A&R, Derek Shulman, quien después de extensas negociaciones, finalmente firmó con la banda en 1985 un contrato para Mercury/Polygram Records, el guitarrista Jeff LaBar y el batería Jim Drnec se unieron a la banda. Durante la grabación del álbum debut de la banda, “Night Songs”, editado en 1986, Jim Drnec no pudo completar las partes de batería en el estudio y fue despedido, siendo el batería de sesión Jody Cortez quien fuera el encargado de grabarlas. Después de que se completó la grabación, Drnec fue reemplazado por el batería Albie “Al” Barker. Aunque nunca fue miembro oficial de Cinderella, la primera edición de “Night Songs” presenta una foto de Cortez en la contraportada, aunque Coury aparece en la foto de la portada del álbum y como miembro de la banda en las notas interiores. Fred Coury se unió a la banda y estuvo en todos los videos musicales además de realizar la gira promocional. “Nights Songs” alcanzó el triple platino. El segundo álbum de Cinderella, “Long Cold Winter”, lanzado en 1988 y al igual que se debut nombrado triple platino, significó un cambio hacia un sonido de blues rock. Dos baterías de sesión grabaron el álbum, Cozy Powell y Denny Carmassi, de nuevo Coury tan solo apareció en las fotos promocionales, los videos y la gira. “Heartbreak Station”, lanzado en 1990, seguía por el camino del blues/rock. Después de la gira de acompañamiento, Fred Coury dejó la banda, antes de su partida la banda grabó la canción “Hot and Bothered” que apareció en la banda sonora de la película “Wayne’s World”. En 1991, Keifer perdió la voz debido a una paresia de sus cuerdas vocales. Se sometió a varias cirugías para reparar un quiste vocal y una hemorragia. Esto se sumó a los retrasos en la grabación del cuarto álbum de la banda, “Still Climbing”, que finalmente fue lanzado en 1994 con Kenny Aronoff en la batería, pero el álbum desapareció rápidamente de las listas de éxitos. Mercury Records, en consecuencia, abandonó la banda, que hizo una pausa en 1995. Cinderella reanudó su actividad en 1996, y un año después, Mercury Records lanzó una recompilación de grandes éxitos titulada “Once Upon A … ” y una recompilación de videos que contiene todos los videos promocionales de la bandas de los primeros tres álbumes. El grupo realizó una gira por los Estados Unidos en 1998, uno de esos conciertos fue registrado en el álbum en vivo “Live at the Key Club”, lanzado en 1999, año en el que John Kalodner firmó con la banda para Sony Records. Sin embargo, el sello dejó de lado a Cinderella antes de que se pudiera lanzar un nuevo álbum, lo que sumió a la banda en tres años de litigio. Desde entonces el grupo sigue girando de manera puntual, mas para nostálgicos que para nuevos fans y sin ninguna intención de grabar nada nuevo. Y de la mano de uno de los “varios” baterías que pasaron por la banda, Jody Cortez, pasamos a nuestra siguiente banda, Stone Fury.

En 1983, el vocalista Lenny Wolf, tras mudarse de Hamburgo (Alemania) a Los Ángeles, se asoció con el guitarrista Bruce Gowdy para formar Stone Fury, añadiendo a Rick Wilson (bajo) y Jody Cortez (batería). Firmaron con MCA Records y debutaron al año siguiente con “Burns Like A Star”, un álbum que a pesar de tener una buena acogida por parte de la critica y un gran numero de ventas no consiguió colarse en las listas de éxitos. Jody Cortez abandonó el proyecto a finales de 1984, siendo reemplazado por Randy Castillo, quien tocó en la gira (y que aparece en el video que podéis ver mas arriba), Randy Rand (Autograph), reemplazó a Wilson en el bajo. En 1986 el batería Jay Schellen entró a formar parte de Stone Fury, dejando la banda antes de grabar su segundo trabajo “Let Them Talk” de 1986, que contaba con los músicos de sesión Dean Cortez al bajo y Vinnie Colaiuta a la batería. El album presentaba un sonido mas relajado y melódico cercano al AOR, generando escaso interés por parte del publico lo que hizo que la banda se separase, con Lenny Wolf formando Kingdom Come y Gowdy World Trade y mas tarde, la banda con la cual continuamos, Unruly Child.

Unruly Child fue formado por el vocalista Mark Free después de que Signal (banda que fundó tras su salida de King Kobra) se separara en 1989. Bruce Gowdy (guitarra) y Guy Allison (teclados) se unieron a él tras abandonar World Trade, completando la banda Larry Antonino al bajo y Jay Schellen a la batería. Musicalmente, continuaron el camino del AOR añadiendo toques hard. En 1992 la banda debuto con su álbum homónimo. Para su segundo trabajo de 1998 “Waiting for the Sun”, la banda contó con dos nuevos miembros, Kelly Hansen (Hurricane) a la voz en sustitución de Mark Free y Ricky Phillips (Bad English) al bajo por Larry Antonino. En 2002 se publica “UC III” quedando como únicos miembros de la banda Bruce Gowdy y Guy Allison, mas el vocalista Philip Bardowell. Después de 20 años de su debut, los miembros originales se reúnen y graban en 2010 “Worlds Collide” ya con Mark Free como Marcie Free tras su cambio de genero, esta misma formación grabaría “Down the Rabbit Hole” en 2014, “Can´t go Home” en 2017, el directo “Unhinged Live from Milan” en 2018, “Big Blue World” en 2019 y “Our Glass House” ya sin Larry Antonino, siendo el mítico bajista Tony Franklin (Blue Murder) quien lo sustituyera. Dos de los miembros de Unruly Child, el batería Jay Schellen y el vocalista Kelly Hansen nos llevan a nuestra siguiente banda en la cual coincidieron, Hurricane.

Formada en 1983 por Robert Sarzo (guitarra) y Tony Cavazo (bajo), hermanos menores de los Quiet Riot Carlos Cavazo y Rudy Sarzo (guitara y bajo respectivamente). Pronto reclutaron al vocalista Kelly Hansen y al batería Jay Schellen, autofinanciándose, ante el poco interés de las discográficas, su primer E.P “Take What You Want” (1985). El álbum y las constantes giras les llevaron a conseguir un contrato con un sello importante. En 1988, la banda lanzó su álbum “Over the Edge” con un potente pero melódico sonido de hard rock. El álbum alcanzó el puesto 92 en las listas de álbumes de EE.UU. En 1989, Sarzo dejó el grupo y fue reemplazado por el ex guitarrista de Lion, Doug Aldrich, esta formación grabó en 1990 el álbum “Slave to the Thrill”, a pesar de su calidad este no se vendió tan bien como su predecesor, tal vez debido al inminente cambio del panorama musical. La portada del álbum original presentaba a una modelo desnuda acostada sobre una máquina, esta portada fue reemplazada poco después del prensado inicial por otra sin la modelo modelo quedando solamente la máquina. Poco después del lanzamiento del álbum, Aldrich abandonó Hurricane y el grupo se disolvió.

“Censura en el pais de la libertad”

Schellen y Hansen reformaron Hurricane junto al guitarrista Sean Manning y el bajista Larry Antonino publicando en 2001 “Liquifury”, un álbum sin demasiada repercusión. En 2010, Robert Sarzo y Tony Cavazo, miembros fundadores, reunieron de nuevo a la banda y reclutaron al batería Mike Hansen y al cantante Andrew Freeman, siendo sustituido en 2014 por Jason Ames y este su vez por Michael O’Mara en 2016. El guitarrista Doug Aldrich nos lleva a Bad Moon Rising, banda que formó tras abandonar Hurricane.

Liderados por el vocalista escocés Kal Swan y el guitarrista Doug Aldrich, ambos ex miembros de Lion, mas el bajista Ian Mayo y el batería Jackie Ramos (compañeros en Hericane Alice y Bangalore Choir). En 1991 Bad Moon Rising debutan con el E.P. “Full Moon Fever” seguido ese mismo año de su primer álbum homónimo que contaba con invitados de lujo tales como Michael Schenker y Robin McAuley, junto a los bajistas Chuck Wright (Quiet Riot,) y Rocky Newton (M.S.G) y el batería Ken Mary (Alice Cooper/Fith Angel). El álbum “Blood” de 1993 cuenta de nuevo con la sección rítmica compuesta por Wright y Mary, sin embargo, Ramos y Mayo aparecen en el folleto y figuran como miembros del grupo. El álbum se editó en Japón (donde gozan de una gran popularidad) junto al E.P, “Blood On The Streets”. En 1995 Bad Moon Rising publica “Opium For The Masses”, esta vez la versión francesa del álbum incluía otro E.P., “Junkyard Haze”. Tal era el fervor de los fans de la banda en Japón que las versiones norteamericanas de “Opium For The Masses” se importaron al pais del sol naciente para que los fans pudieran comprar ambas versiones. En noviembre de 1998 la banda se disuelve oficialmente publicando en 1999 un recopilatorio titulado “Flames On The Moon”. En 2005, el sello italiano Frontiers Records lanzó los tres álbumes de Bad Moon Rising, además de ocho bonus tracks, bajo el título “The Full Moon Collection”. Dos de los músicos “invitados” en sus dos primeros trabajos nos llevan al siguiente grupo, ya que Chuck Wright y Ken Mary formaron parte de esta buenísima banda llamada House of Lords.

House of Lords, banda de la que ya hablamos en el episodio Nº16 dedicado a Kiss https://rockencadena.home.blog/2020/04/05/programa-no16/. Así que nos centramos en su tercer trabajo “Demons Down” de 1992, en esos días la banda había dejado BMG y anteriormente el bajista Chuck Wright y el batería Ken Mary habían dejado House of Lords. Junto a Christian y Giuffria, los cambios de formación para el nuevo álbum consistieron en el reconocido batería Tommy Aldridge, el bajista Sean McNabb (ex Quiet Riot) y un nuevo guitarrista, Dennis Chick. La llegada de grunge (como no) tuvo un gran impacto negativo en el éxito del álbum y de la banda, quienes en 1993 y a pesar de grabar demos en busca de nuevo sello discográfico, se separaron. Uno de los temas de este “Demons Down” aparecía en la B.S.O. de la película “Hellraiser III: Hell on Earth” , banda sonora que contaba con una variedad de grupos de heavy metal/hard rock ,entre ellos esta banda llamada Triumph.

Banda canadiense formada en 1975 por Mike Levine (bajo), Gil Moore (batería, voz) y Rik Emmett (guitarra/voz), con un estilo muy peculiar mezcla de hard rock, heavy metal y rock progresivo. Pronto se hicieron con un hueco en el panorama musical gracias a sus directos. Durante su carrera Triumph han logrado 18 discos de oro y 9 de platino en Canadá y Estados Unidos. La formacion original grabó los primeros nueve álbumes de estudio de la banda, hasta 1988, cuando Emmett dejó Triumph para emprender su carrera en solitario. Fue reemplazado por Phil Xenedis, y Triumph grabó su último álbum hasta la fecha, “Edge of Excess” (1992) con él antes de hacer una pausa indefinida en 1993. La formación clásica de Moore, Levine y Emmett se reunió para dos conciertos en vivo en 2008, en el Sweden Rock Festival y Rocklahoma, y ​​nuevamente en 2019 para un show de tres canciones en Toronto. Precisamente su ultimo guitarrista nos lleva a la banda protagonista de este episodio, ya que Phill Xenedis, como habréis adivinado es Phill X, actual guitarrista y miembro de Bon Jovi.

Te espero en el próximo episodio!!! y recuerda…Sube el volumen y disfruta!!

Programa Nº26

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Hola a tod@s! y bienvenid@s a este blog dedicado al podcast Rock en Cadena. Dejamos atrás sonidos mas “suaves” para dedicar el episodio Nº 26 a una de las bandas mas influyentes del Thrash Metal. Pertenecientes a los llamados “Big Four” han sabido adaptarse al paso del tiempo madurando tanto en su música como en su imagen. Ellos son Megadeth, comenzamos.

Megadeth se formó en 1983 tras el despido de Dave Mustaine de Metallica justo antes de que la banda grabara su álbum debut “Kill ‘Em All” debido al abuso de drogas y alcohol además de por los conflictos personales con James Hetfield y Lars Ulrich. Desde el día de su despido Mustaine juró venganza formando una banda que seria más rápida y pesada que Metallica con sus nuevos vecinos David Ellefson y Greg Handevidt, quienes tocaban el bajo y la guitarra respectivamente. Si bien Handevidt solo duró unos meses, Mustaine y Ellefson formaron un estrecho vínculo musical. Después de audicionar a varios baterías Dijon Carruthers fue seleccionado, aunque también duró poco en la banda siendo sustituido por Lee Rausch.

“Megadeth como trio en 1984 “

Tras seis meses de intentar encontrar un cantante principal, Mustaine decidió ocuparse él mismo. En 1984, Megadeth grabó “Last Rites” una demo con tres canciones, “Last Rites/Loved to Death”, “The Skull Beneath the Skin” y “Mechanix”, esta ultima un “versión” del tema que Mustaine compuso en Metallica mas conocida como “The Four Horsemen”. Ante la imposibilidad de encontrar un segundo guitarrista Kerry King de Slayer ocupó el puesto en varios espectáculos en el área de San Francisco, en esos días Megadeth reemplazó a Rausch por el batería de jazz-fusión Gar Samuelson. El guitarrista Chris Poland, compañero de banda de Samuelson se unió a Megadeth en diciembre de 1984.

Después de considerar varios sellos, Mustaine firmó con el que ofreció a Megadeth el presupuesto más alto para grabar y hacer giras, un sello independiente llamado Combat Records. En 1985, la compañía le dio a la banda 8.000 dólares para grabar y producir su álbum debut, “Killing Is My Business… and Business Is Good!”. Después de gastar la mitad del presupuesto en drogas, alcohol y comida, la banda despidió al productor original y terminaron la grabación ellos mismos, no sin antes pedir otros 4.000 dólares a Combat Records. A pesar de la mala producción, el álbum fue bien recibido en el circuito underground del Thrash Metal y obtuvo buenas críticas en varias publicaciones musicales, con lo que atrajo el interés de las principales discográficas. La portada marcó el debut de la mascota de la banda Vic Rattlehead, además el álbum incluyó una versión de ” These Boots Are Made for Walkin ‘” de Nancy Sinatra, con un ritmo más rápido y con la letra alterada. La versión generó controversia durante la década de 1990, cuando su compositor, Lee Hazlewood, bajo amenaza de acción legal, calificó los cambios de Mustaine como “viles y ofensivos”. A mediados de 1985, durante la gira, el guitarrista Mike Albert reemplazó a Poland, que estaba luchando contra su adicción a las drogas. Reincorporándose poco antes de que el grupo comenzara a grabar su segundo álbum.

“La formación de los dos primeros álbumes”

Su segundo álbum “Peace Sells… but Who’s Buying?”, publicado en 1986, a través de Capitol Records. El proyecto fue llevado originalmente por Combat Records con un presupuesto de 25.000 dólares, coproducido por Randy Burns. Insatisfecho con sus limitaciones financieras, la banda dejó Combat y firmó con Capitol Records quien compró los derechos del álbum y contrató a otro productor, Paul Lani para mezclarlo de nuevo. La grabación del álbum fue difícil para la banda, debido a los problemas de drogas que los miembros tenían en ese momento. El álbum destacó por su contenido políticos y ayudó a Megadeth a expandir su base de fans. es el primer álbum donde aparece el característico logo del grupo. Durante la gira, Mustaine y Ellefson despidieron a Samuelson por su abuso de drogas. El batería Chuck Behler viajó con Megadeth para las últimas fechas de la gira para mas tarde convertirse en miembro de la banda. Poland se peleó con Mustaine y fue acusado de vender equipo de banda para comprar heroína, como consecuencia fue despedido, reemplazado inicialmente por Jay Reynolds de Malice, siendo este sustituido por su profesor de guitarra, Jeff Young poco antes de grabar su tercer álbum.

Con un presupuesto mayor se lanzó en 1988 “So Far, So Good … ¡So What!”, producido por Paul Lani. La grabación estuvo plagada de problemas en parte debido a la lucha de Mustaine por su adicción a las drogas. Mustaine y Lani se distanciaron durante la mezcla, y Lani fue reemplazada por Michael Wagener , quien remezcló el álbum. “So Far, So Good … ¡So What!” fue bien recibido por los críticos tras su lanzamiento, y entró en el top 30 del Billboard 200 alcanzando finalmente el platino. El álbum incluía una versión de “Anarchy in the UK” de Sex Pistols, Mustaine cambió la letra alegando que la había escuchado incorrectamente. Durante la etapa australiana de la gira la banda se vio obligada a cancelar algunos shows debido a problemas de drogas. Mustaine afirmó que el grupo regresó a casa porque el guitarrista Young “se quedó sin heroína”, lo que Young negó, afirmando que era Mustaine quien quería regresar a Los Ángeles y para entrar en rehabilitación., tambien se especuló con el despido de Young tras las sospechas de que estaba teniendo una aventura con la novia de Mustaine, una acusación que Young también negó. Tanto Young como Behler fueron finalmente despedidos de la banda en 1989. Nick Menza reemplazó a Behler en 1989.

1989 marcó la primera vez desde sus inicios que Megadeth no estuvo de gira, pero si grabaron una versión de “No More Mr. Nice Guy” de Alice Cooper que apareció en la B.S.O. de la película de terror “Shocker” de Wes Craven. La filmación fu complicada ya que Mustaine no podía tocar ni cantar debido a su adicción a las drogas y el alcohol. En el video tan solo aparecen Mustaine y Ellefson, la tercera persona parece ser Ron Laffitte, manager de la banda. Mustaine fue arrestado por conducir bajo los efectos del alcohol y posesión de narcóticos después de chocar contra un vehículo estacionado ocupado por un oficial de policía fuera de servicio. Poco después ingresó en rehabilitación por orden judicial, quedando libre de drogas por primera vez en diez años. Con Mustaine sobrio, Megadeth continuó buscando un nuevo guitarrista, entre los audicionados estaban Lee Altus de Heathen, Eric Meyer de Dark Angel, Jeff Waters de Annihilator y el guitarrista de Guns N ‘Roses, Slash. A Dimebag Darrell de Pantera se le ofreció el trabajo, pero el trato fracasó después de que Mustaine rechazó la peticion de este de reclutar a su hermano, el batería de Pantera Vinnie Paul, ya que Mustaine había contratado a Menza.La oferta también se extendió a Criss Oliva de Savatage. Jeff Loomis, quien más tarde formaría parte de Nevermore, también hizo una audición aunque Mustaine lo consideró demasiado joven para unirse ya que Loomis solo tenía 18 años en ese momento. Mustaine incluso pidio al guitarrista original de Megadeth, Chris Poland, que se reincorporara a la banda, grabando incluso algunas demos, pero finalmente Marty Friedman ocupó el puesto.

“Sin duda la formación mas clásica de Megadeth”

Lanzado en 1990, “Rust in Peace” debutó en el puesto 23 en los Estados Unidos y en el número ocho en el Reino Unido. Las canciones presentaban solos de guitarra más largos y frecuentes cambios de ritmo, lo que sin duda hizo que el álbum solidificase la reputación de Megadeth en la industria de la música.”Rust in Peace” recibió una nominación al Grammy en 1991 como Mejor Interpretación de Metal y fue el tercer álbum de platino del grupo, certificado en diciembre de 1994. En julio de 1991, La banda grabó la canción “Go to Hell” que apareció en la B.S.O. de la película “Bill & Ted’s Bogus Journey”. Lanzado en julio de 1992, “Countdown to Extinction” entró en la lista Billboard 200 en el número dos y fue certificado doble platino en los Estados Unidos y de nuevo recibió una nominación a Mejor Interpretación de Metal en los Premios Grammy de 1993. El éxito del álbum en el extranjero ayudó a la banda a desarrollar un mayor número de seguidores fuera de Estados Unidos.

A principios de 1993 parte de la gira americana tuvo que ser suspendida, incluidas las fechas en Japón, cuando Mustaine volvió al abuso de “sustancias toxicas” y terminó en la sala de emergencias de un hospital. Después de siete semanas de rehabilitación, Mustaine volvió a estar sobrio y la banda regresó al estudio para grabar “Angry Again”, canción que apareció en la B.S.O. de la película “Last Action Hero” de ese mismo año, lo que le valió una nominación al Grammy en 1994. Megadeth regresó al estudio para grabar “99 Ways to Die”, que apareció en The Beavis and Butt-Head Experience, un álbum recopilatorio con canciones comentadas por los personajes de la serie animada “Beavis and Butt-Head”. La canción fue nominada a Mejor Interpretación de Metal en los Premios Grammy de 1995 . Durante essas sesiones, Megadeth grabó una versión de “Paranoid” de Black Sabbath, que apareció en el álbum tributo a la banda titulado “Nativity in Black” , que de nuevo fue nominado a un Grammy en 1996. Su siguiente trabajo “Youthanasia” fue lanzado en noviembre de 1994. Debutó en el número cuatro en el Billboard 200 y llegó a las listas de varios países europeos. El álbum fue certificado oro en Canadá el día de su lanzamiento y platino en los Estados Unidos dos meses después. Megadeth se movió hacia un sonido más convencional y aunque el sonido seguía siendo bastante pesado, era obvio que el thrash metal era “muy escaso” en este disco. Para mejorar la imagen del grupo los miembros de la banda cambiaran sus jeans y camisetas por una apariencia más “moderna”. En 1995 aparece “Hidden Treasures” un E.P. que incluye canciones que aparecieron originalmente en bandas sonoras de películas y álbumes de tributo.

“Y la imagen se refinó”

“Cryptic Writings” fue lanzado en 1997, alcanzando el número diez en el Billboard 200, siendo finalmente certificado oro en los Estados Unidos. Su primer sencillo se convirtió en la canción con mayor ranking de Megadeth en Mainstream Rock Tracks llegando al número cinco, y fue nominada (si, otra vez)como Mejor Interpretación de Metal en los Premios Grammy de 1998. Aunque los cuatro sencillos del álbum entraron en el top 20 en la lista de Mainstream Rock Tracks de Billboard, la respuesta de la prensa al álbum estuvo dividida, una parte del álbum se basó en material más rápido y agresivo, otra con “música orientada a la radio”, con otra parte más melódica. El álbum contó con la colaboración de Megadeth con el productor de country pop (y guitarrista de la banda de AOR, Giant) Dann Huff. A mitad de la gira de 1998, Menza supuestamente descubrió un tumor en su rodilla y se fue para someterse a una cirugía. Jimmy DeGrasso, que había colaborado con Mustaine en MD.45, fue contratado para reemplazar a Menza por el resto de la gira. Aunque inicialmente estaba destinado a ser un reemplazo temporal, DeGrasso se unió a la banda de forma permanente después de la gira. Mas tarde Mustaine aseguro que despidió a Menza porque creía que el batería había mentido acerca de tener cáncer.

Tras el éxito en la radio con Cryptic Writings, Megadeth volvió a trabajar con Dann Huff en su octavo álbum de estudio. “Risk”, lanzado en 1999, fue un fracaso comercial y crítico además de provocar una mala reacción por parte de muchos fans de toda la vida. Aunque sus dos predecesores incorporaron elementos de rock junto con un sonido de heavy metal más tradicional, este prácticamente carecía del sonido thrash característico de la banda. A pesar de esto el álbum debutó en el número 16 en la lista Billboard 200 y fue certificado oro en los Estados Unidos. Al igual que en su anterior álbum la mascota del grupo Vic Rattlehead no aparece en las portadas. El 14 de julio de 1999, el ex batería Gar Samuelson murió de insuficiencia hepática a los 41 años. Tres meses después de la gira, Friedman anunció su renuncia a Megadeth, citando diferencias musicales. En enero de 2000, el guitarrista Al Pitrelli (Savatage, Alice Cooper) se convirtió en el reemplazo de Friedman.

“DeGrasso, Pitrelli, Mustaine y Ellefson”

Después de 15 años con Capitol Records, Megadeth dejó el sello en 2000. Según Mustaine, la salida se debió a las continuas tensiones con la dirección de la compañía. Capitol lanzó un álbum de grandes éxitos titulado, “Capitol Punishment: The Megadeth Years”, con dos nuevos temas: “Kill the King” y “Dread and the Fugitive Mind” grabados por la nueva formación formada por Dave Mustaine, David Ellefson, Jimmy DeGrasso y Al Pitrelli. Su siguiente trabajo “The World Needs a Hero” fue lanzado en 2001 y debutó en el puesto dieciséis en el Billboard 200. Fue prohibido en Malasia cuando el gobierno nacional determinó que el álbum era “inadecuado para la juventud de la nación”. El álbum marcó el regreso de Megadeth a un sonido más agresivo después de las variaciones estilísticas de sus dos álbumes anteriores, aunque los críticos sintieron que el álbum no cumplió con las expectativas generadas por una vuelta a los “orígenes”. La gira de 2001 se interrumpió tras los ataques del 11 de septiembre, cancelándose todas las fechas, incluida la filmación de un DVD en Argentina. En cambio, la banda tocó en dos shows en Arizona el 16 y 17 de noviembre, que fueron filmados y lanzados un año después como el primer lanzamiento en vivo de Megadeth, “Rude Awakening”. El DVD obtuvo la certificación oro en EE.UU. y Canadá. Este es el único álbum de Megadeth que no incluye el logo de la banda en la portada (se encuentra en la barra lateral del DVD).

En enero de 2002, Mustaine fue hospitalizado para la extracción de un cálculo renal administrándosele analgésicos que provocaron una recaída de su adicción a las drogas. Mustaine se registró en un centro de tratamiento en Texas. Mientras estaba allí, Mustaine se quedó dormido con su brazo izquierdo sobre el respaldo de una silla, provocando la compresión del nervio radial. Posteriormente se le diagnosticó una neuropatía radial que lo dejó incapaz de agarrar o cerrar el puño con la mano izquierda. Mustaine anunció en un comunicado de prensa que iba a disolver Megadeth, ya que su lesión en el brazo le impedía tocar la guitarra. Durante los siguientes cuatro meses, recibió fisioterapia y poco a poco comenzó a “recuperar” su mano izquierda.

“David y Dave o mejor dicho…Megadeth”

Para cumplir con las obligaciones contractuales con Sanctuary, Megadeth lanzó el álbum recopilatorio “Still Alive … and Well?”. La primera mitad del álbum contiene pistas en vivo grabadas en el Web Theatre en Phoenix, y la segunda mitad grabaciones de estudio de “The World Needs a Hero”. Convirtiéndose en el último lanzamiento de David Ellefson, bajista y cofundador de Megadeth. Ellefson y Mustaine tuvieron un grave desacuerdo legal sobre los derechos de autor así como del nombre de Megadeth y del catálogo posterior, lo que dio como resultado una demanda fallida por parte de Ellefson. Aunque los dos disfrutaron de una estrecha amistad, se desarrolló una considerable animosidad entre Ellefson y Mustaine. Después de casi un año de recuperación, Mustaine comenzó a trabajar en lo que sería su primer álbum en solitario. El nuevo material fue grabado con los músicos de sesión Vinnie Colaiuta y Jimmie Lee Sloas, bateria y bajo respectivamente.

En mayo de 2004, Mustaine volvió a su proyecto en solitario. Pero las obligaciones contractuales con el sello europeo de la banda, EMI , dieron como resultado el lanzamiento de la grabación como un álbum de Megadeth. Mustaine reformó la banda y se puso en contacto con la alineación de “Rust in Peace” para volver a grabar pistas de acompañamiento. Si bien Nick Menza acordó regresar, tanto Marty Friedman como David Ellefson no pudieron llegar a un acuerdo con Mustaine. Este fue el primer álbum sin Ellefson. Chris Poland, quien tocó la guitarra en los dos primeros álbumes de Megadeth, fue contratado para contribuir con solos de guitarra en el nuevo álbum. Poland optó por aparecer como músico de sesión. El resultado, anunciándose como una vuelta a los orígenes, fue “The System Has Failed” lanzado en 2004. El álbum debutó en el número dieciocho en el Billboard 200. Hasta la fecha, es el único álbum de Megadeth donde el único miembro de la banda es Mustaine.

Megadeth comenzó la gira mundial con la participación del bajista James MacDonough de Iced Earth y el guitarrista Glen Drover de King Diamond. Cinco días antes del primer show, Menza fue enviado a casa poco después de que comenzaran los ensayos por problemas físicos, siendo reemplazado por Shawn Drover, quien permaneció con la banda como miembro regular. En junio de 2005, Capitol lanzó una compilación de grandes éxitos, “Greatest Hits: Back to the Start”, con versiones remezcladas y remasterizadas de canciones elegidas por los fans de los álbumes Capitol de Megadeth. En febrero de 2006, el bajista James MacDonough dejó la banda por “diferencias personales”. Fue reemplazado por James LoMenzo (White Lion y Black Label Society). Ese año Capitol lanzó un DVD de dos discos, “Arsenal of Megadeth”, que incluía imágenes de archivo, entrevistas, shows en vivo y muchos de los videos musicales de la banda. Debido a problemas de licencia, no se incluyeron bandas sonoras ni videos que no pertenecían a Capitol. El DVD fue certificado oro en Estados Unidos y platino en Canadá y Argentina.

“Lomenzo, Mustaine y los hermanos Drover”

Lanzado en 2007, “United Abominations” debutó en el número ocho en el Billboard 200, vendiendo 54.000 copias en la primera semana. Fue el primer álbum de la banda que incluyó a Glen Drover, Shawn Drover y James Lomenzo. Tambien se lanzó “That One Night: Live in Buenos Aires” un álbum grabado en Buenos Aires el 9 de octubre de 2005 en el Estadio Obras Sanitarias publicado en formatos de CD y DVD. El DVD fue certificado oro en los Estados Unidos y Argentina, y platino en Canadá. Este es el único lanzamiento de Megadeth que presenta al bajista James MacDonough. EMI/Capitol Records lanzó en 2007 “Warchest”, un box set con cinco discos (4 CD + DVD) con pistas de estudio, demos, rarezas y grabaciones en vivo de varias de las canciones de la banda de sus primeros diez álbumes de estudio. En enero de 2008, Glen Drover dejó Megadeth, cansado de las giras alegando que quería pasar más tiempo con su familia. También citó problemas personales con otros miembros de la banda. Drover fue reemplazado por Chris Broderick (Nevermore y Jag Panzer). Ese mismo año se lanzó a través de Capitol Records “Anthology: Set the World Afire”, un conjunto de dos discos con canciones que no aparecen en compilaciones anteriores, incluidas demos, temas en vivo y pistas inéditas.

“El hijo prodigo vuelve a casa”

“Endgame”, duodécimo álbum de estudio de Megadeth, fue lanzado en 2009, el álbum entró en el Billboard 200 en el número nueve y alcanzó el número uno en la lista de los mejores álbumes de Hard Rock de EE.UU. El primer single,”Head Crusher” fue nominado a Mejor Interpretación de Metal en los Premios Grammy 2010, octava nominación al Grammy de la banda en 19 años. El bajista original David Ellefson se reincorporó a la banda varios meses después del lanzamiento del álbum, con el Megadeth se embarcó en la gira “Rust in Peace 20th Anniversary Tour” donde la banda interpretaba el álbum entero. Megadeth, junto con Metallica, Slayer y Anthrax, conocidos colectivamente como los “cuatro grandes” del thrash metal, acordaron actuar en el mismo cartel a mediados de 2010. Una de esas actuaciones fue filmada y lanzada como DVD titulado “The Big Four: Live from Sofia, Bulgaria”. “Rust in Peace Live” se lanzó ese año en Blue Ray/CD/DVD como celebración del 20 aniversario del lanzamiento original de “Rust in Peace”. Poco despues Megadeth grabó “Sudden Death” para el videojuego “Guitar Hero: Warriors of Rock”, de nuevo una canción del grupo fue nominado a Mejor Interpretación de Metal en la ceremonia de los Grammy de 2011.

Para el decimotercer álbum de estudio de Megadeth, lanzado en 2011, la banda optó por el “rebuscado” nombre de “Th1rt3en”, debutando en el número 11 en el Billboard 200 además de entrar en el top 20 en varios paises. “Th1rt3en” es el primer álbum de estudio de Megadeth desde 2001 con el bajista y miembro fundador David Ellefson. Además del nuevo material que se escribió para el álbum, la banda decidió reelaborar y lanzar varias canciones más antiguas, algunas de las cuales habían sido lanzadas anteriormente como demos o bonus tracks. De nuevo el primer sencillo del álbum fue nominado por Mejor Interpretación de Hard Rock/Metal en la ceremonia de los Grammy de 2012, además, otra pista de “Th1rt3en”, “Whose Life (Is It Anyways?)”, fue nominada a Mejor interpretación de Hard Rock/Metal en los premios Grammy 2013, ese año también salió a la venta “Countdown to Extinction: Live”, en Blu-ray , DVD y CD, grabado durante la gira “Countdown to Extinction 20th Anniversary Tour” donde la banda interpretaba todo el álbum “Countdown to Extinction”. En 2013 Megadeth publica “Super Collider” , álbum que debutó en el número seis en el Billboard 200, la posición más alta de la banda desde “Youthanasia” de 1994, a pesar de eso, la reacción crítica al álbum, fue en gran parte negativa, ya que fue visto como otro intento de Mustaine por suavizar el sonido de la banda comparando incluso este álbum con “Risk”.

“El esperado (y merecido) Gramy llegó. Adler, batería que grabó el tema no recogió el premio.”

“Icon”, una compilación de once canciones del material de la era de Capitol de Megadeth, fue lanzada en 2014 como parte de la serie Icon de Universal Music (que absorbió Capitol en 2013). A finales de 2014, Drover abandonó la banda después de diez años, seguido rápidamente por la partida de Broderick, debido a diferencias artísticas y musicales. El batería de Lamb of God Chris Adler y el guitarrista Kiko Loureiro de Angra fueron contratados para tocar en el decimoquinto álbum de estudio de Megadeth, lanzado en 2016 bajo el titulo de “Dystopia”. El álbum debutó en el número tres en la lista Billboard 200, lo que convirtió a “Dystopia” en el segundo álbum de la banda con mayor ranking en los EE. UU. Después de “Countdown to Extinction”, que alcanzó el número dos en 1992. Además, la canción principal le valió a la banda su primera victoria en un Grammy (por Mejor Interpretación de Metal ) en la 59ª Entrega de los Premios Grammy (2017) después de once nominaciones sin éxito. “Dystopia” fue visto por la critica y los fans como una vuelta (otra vez) a los orígenes. Al final de la primera parte de tour norteamericano se anunció que Adler, que actuaba con Lamb of God y Megadeth, ya no estaba en la banda debido a conflictos de programación entre las dos bandas. Por recomendación del propio Adler, Verbeuren de Soilwork lo reemplazó. El ex batería Nick Menza murió de un ataque al corazón el 21 de mayo de 2016, mientras actuaba en un club de Los Ángeles. En 2019 aparece el álbum recopilatorio de Megadeth “Warheads on Foreheads”, creado como una celebración del 35 aniversario de la banda, recogiendo 35 canciones elegidas personalmente por Dave Mustaine a lo largo de la carrera de la banda. Poco después Mustaine fue diagnosticado con cáncer de garganta, teniendo que cancelar varios shows para ese año, afortunadamente a finales de enero de 2020, la banda reanudó su actividad y durante un concierto Mustaine anunció que estaba cien por ciento libre de cáncer.

“Mustaine y su eterna lucha contra Metallica”

Megadeth ha estado siempre envuelto en controversias, principalmente generadas por su líder y fundador Dave Mustaine generalmente sobre problemas con ex compañeros de banda de Metallica, debió a su expulsión de la banda, cómo se llevó a cabo y desacuerdos sobre los créditos de composición. Antes tocar “Anarchy in the UK” en un show de 1988 en Antrim, Irlanda del Norte, Mustaine, algo borracho y confuso, dijo: “¡Este es por la causa! ¡Devuélvan Irlanda a los irlandeses!” lo que provocó en le publico disturbios y luchas entre católicos y protestantes. La banda tuvo que viajar en un autobús a prueba de balas de regreso a Dublín. Mustaine declaró que los vendedores de camisetas lo habían engañado sobre el significado de la expresión “la causa”. Este incidente sirvió de inspiración para la canción “Holy Wars …”. Letras controvertidas y mal interpretadas también han causado complicaciones para la banda, con temas no emitidos por MTV.

“Mustaine, un cristiano bueno con una lengua viperina”

En 2003, después de recuperarse de una lesión en el brazo que amenazaba con terminar su carrera, Mustaine se convirtió en cristiano renacido. Mas adelante Mustaine anuncio que Megadeth no tocaría ciertas canciones en vivo debido a su conversión. En mayo de 2005, Mustaine supuestamente amenazó con cancelar shows en Grecia e Israel con las bandas de metal extremo Rotting Christ y Dissection debido a las creencias anticristianas de las bandas. Esto hizo que las dos bandas cancelaran sus apariciones con Megadeth. En julio de 2004, Ellefson demandó a Mustaine por 18,5 millones de dólares, Ellefson alegó que Mustaine le quitó las ganancias, incluido el merchandising de la gira y los derechos de publicación. La demanda fue desestimada en 2005, y Mustaine presentó una contrademanda alegando que Ellefson había utilizado el nombre de la banda en un anuncio de equipo musical, la demanda se resolvió fuera de los tribunales. Durante el primer mandato de la presidencia de Barack Obama , Mustaine se unió al Movimiento Birther alegando que Obama no nació en los Estados Unidos y, por lo tanto, no podía ser presidente. A pesar de todo ello Megadeth es una de las bandas mas influyentes dentro de Thrash Metal, además ha sido de las pocas en saber mantenerse en primera linea a través de los tiempos. La influencia de bandas de la NWOBHM así como de grupos Punk e incluso de bandas de hard rock de los 70 han hecho de Megadeth una banda con un sonido autentico.

“Vic Rattlehead”

Otro apartado merece la mascota del grupo, Vic Rattlehead, casi tan conocido como el famoso Eddie de Iron Maiden. Vic es una figura esquelética vestida de traje que representa la frase “See no evil, hear no evil, speak no evil” (No veas cosas malas, no oigas cosas malas, no digas cosas malas.) como un símbolo de censura. Sus ojos están cubiertos por una especie de gafas de metal remachada a su cráneo, su boca está cerrada por varios ganchos de hierro, y sus oídos están cerrados con cascos de metal de los que cuelgan cadenas.

“¿Con cual te quedas?”

Dave Mustaine esbozó el dibujo original de Vic para la portada de su primer álbum, sin embargo, Combat Records perdió la obra de arte e improvisó un concepto completamente diferente. La obra de arte original fue recuperada y colocada en la reedición del álbum. El nombre de Vic significa “víctima” y Rattlehead viene de lo que la madre de Mustaine solía decirle cuando esta le golpeaba en la cabeza. Esto luego llevó a la expresión “sacudir la cabeza”. Según Mustaine, la mascota representa sus sentimientos sobre la represión religiosa y la libertad de expresión. Vic apareció en la portada de los primeros cuatro álbumes de la banda (1985-1990) y regresó para el álbum de 2001 “The World Needs a Hero”, el de 2004 “The System Has Failed”, así como el álbum “United Abominations” de 2007, donde se rediseñó a Vic. En 1993, Megadeth apareció como “Vic and the Rattleheads” en el club Rock City de Nottingham.

Vamos a continuar con uno de los muchos músicos que han pasado por Megadeth, el guitarrista actual de la banda Kiko Loureiro y su anterior banda Angra.

Banda brasileña formada en 1991 y liderada por Rafael Bittencourt. El grupo ha lanzado hasta la fecha nueve álbumes de estudio, cinco E.P.s y tres CD/DVD en vivo, con gran popularidad en Japón, Europa y lógicamente Brasil. Angra combina heavy metal, power metal, metal progresivo, metal neoclásico y sonidos folclóricos brasileños. A lo largo de los años el grupo ha sufrido varios cambios en su formación, mención especial merecen, el guitarrista Loureiro, actualmente en Megadeth, el batería Aquiles Priester quien ha tocado para Paul Di’Anno, Vinnie Moore, Tony Macalpine, W.A.S.P. o DragonForce, o los vocalistas André Matos (fallecido en 2019 de un ataque al corazón), Fabio Leoni ex Rhapsody of Fire y actual vocalista de Angra, y nuestro siguiente protagonista, Edu Falaschi y la banda que formó tras abandonar Angra, Almah.

Banda inicialmente establecida en 2006 como un proyecto paralelo del ex cantante de Angra Edu Falaschi, que con el tiempo ha pasado de ser un proyecto en solitario a una banda con miembros estables. El primer álbum de la banda, “Almah”, fue lanzado en 2006. Además de cantar, Edu Falaschi también produjo el disco, compuso todas las canciones y escribió todas las letras. El álbum fue grabado en Finlandia y Brasil con músicos como Emppu Vuorinen (guitarra de Nightwish ), Lauri Porra (bajista de Stratovarius ) y Casey Grillo (batería de Kamelot). El segundo álbum, Fragile Equality, fue lanzado en 2008 y se convirtió en uno de los álbumes más vendidos en Brasil. Falaschi anunció su salida de Angra en 2012, para centrarse en su trabajo con Almah, desde entonces, la banda lanzó “Unfold” (2013), su cuarto álbum, así como una compilación, “Within the Last Eleven Lines”, en 2015. Uno de los músicos que colaboraron en el primer trabajo de Almah, el batería Casey Grillo y su banda de entonces Kamelot.

Banda de power metal estadounidense formada por Thomas Youngblood en 1987. En 1995 lanzó su primer álbum “Eternity” y en 1997 “Dominion”, ese año, el fundador Richard Warner dejó la banda y se incorporó al batería Casey Grillo. En 1998, el cantante Mark Vanderbilt no pudo hacer una gira y Roy Khan (Conception) fue elegido como el nuevo vocalista principal, con estos dos nuevos miembros, Kamelot lanzó su tercer álbum de estudio, “Siége Perilous”. Mas tarde vendrían “The Fourth Legacy”, lanzado en 1999, “Karma” de 2000. El sexto álbum, “Epica” en 2003 y “The Black Halo”. En 2006 se publicó en DVD/CD “One Cold Winter’s Night”, segundo álbum en vivo y primer DVD en vivo de la banda. Un año mas tarde apareció “Ghost Opera”, octavo album de estudio de Kamelot, una reedición de “Ghost Opera”, titulada “Ghost Opera: The Second Coming”, fue lanzada poco después con todo el álbum original además de un segundo C.D. con diez canciones en vivo grabadas durante un concierto en Belgrado , Serbia, con bonus tracks adicionales. “Poetry for the Poisoned” se lanzó en 2010, pero tras la gira de verano por Europa, la banda anunció que Khan había enfermado gravemente durante los ensayos para la próxima gira por EE.UU., solo unos días antes de su inicio. Aunque inicialmente se informó que la banda continuaría la gira con el vocalista noruego Michael Eriksen de Circus Maximus en el lugar de Khan, la banda anunció más tarde que pospondría la gira, sin embargo, a finales de año y debido a la persistente enfermedad de Khan, se anunció que Fabio Lione de Rhapsody of Fire reemplazaría a Khan para las fechas restantes y reprogramadas en las giras de América Latina, Europa y América del Norte en 2011, y más tarde en el Crucero de 70.000 toneladas de metal en 2012. En 2011, la banda lanzó “Poetry for the Poisoned & Live from Wacken – Limited Tour Edition”, que contiene el audio del último concierto grabado de Khan con la banda. En el verano de 2012 Kamelot anunció al cantante de Seventh Wonder Tommy Karevik como nuevo vocalista del grupo, grabando “Silverthorn” en 2012, “Haven” en 2015, y “The Shadow Theory” en 2018. Anteriormente Kamelot anunció que Casey Grillo se había marchado de la banda, el mismo día, el batería de Firewind, Johan Nuñez fue presentado como nuevo batería de la banda. El álbum entró en el Billboard Hard Rock Charts en el número 2 y alcanzó su punto máximo en el Amazon Hard Rock & Metal Charts llegando al número 1. Después de solo dos presentaciones, la banda anunció que Johan Nuñez se retiraría debido a una lesión y que Alex Landenburg de Luca Turilli’s Rhapsody sería su reemplazo, para mas tarde ser anunciado como miembro oficial. El tercer lanzamiento en vivo de la banda, lanzado en Blue Ray/DVD, y publicado en 2020, “I Am the Empire – Live from the 013”, es hasta la fecha su ultimo trabajo. Y otro batería nos lleva a la siguiente banda, Johan Nuñez y su paso por Firewind.

(Otra) banda de power metal formada en 1998 por el guitarrista Gus G. (Dream Evil, Ozzy Osbourne) en principio como un proyecto creado para mostrar su talento a posibles bandas con las que tocar. Tres años después de esa demo (“Nocturnal Symphony”) Firewind se convirtió en una banda grabando su álbum debut “Between Heaven and Hell”. Hasta la fecha, la banda ha lanzado nueve álbumes de estudio y dos directos. Al igual que muchas otras bandas de Power Metal, Firewind goza de cierto numero de fans en Europa. Lo cierto es que Firewind ha pasado a lo largo de su existencia por muchos cambios de personal, actualmente la banda esta compuesta por Gus G. a las guitarras, Petros Christodoulidis al bajo, el recién incorporado Herbie Langhans a la voz y Johan Nuñez (ahora con los españoles Lords of Black) a la batería. Uno de esos innumerables miembros que han pasado por la banda continuamos, el vocalista Apolo Papathanasio y su nueva banda Spiritual Beggars.

El guitarrista Michael Amott (Arch Enemy) formó Spiritual Beggars en 1993 después de dejar Carcass., una banda que mezcla hard rock psicodélico de los 70 con Stoner Metal. La banda debutó en 1994 con su álbum homónimo, seguido de “Another Way To Shine” (1996) y “Mantra” (1998). Su cuarto trabajo “Ad Astra” (2000) gozó de bastante repercusión en cuanto a ventas tanto en Europa como en Japón. En 2002 se publicó “On Fire”. Este álbum contó con una nueva formación tras la salida del cantante y bajista original Christian “Spice” Sjöstrand. Los nuevos miembros fueron Janne “JB” Christoffersson a la voz y Roger Nilsson al bajo. Con estas incorporaciones el sonido de la banda se acercó mas al hard rock “setentero” y “macarra” alejándose del sonido stoner/psicodélico de sus primeros álbumes, algo que continuó con su siguiente trabajo de 2005 “Demons”, donde el bajista y compañero de Amott en Arch Enemy Sharlee D’Angelo (ex King Diamond , ex Mercyful Fate) ocupó el puesto de bajista. La gira de este disco se limitó a un tour con Dio por Japón de tres fechas y una actuación principal en Londres, además del lanzamiento del DVD “Live Fire!”. Tras cinco años de inactividad Spiritual Beggars publicó “Return To Zero” (2010) con nuevos cambios en la formación, incorporándose el cantante Apollo Papathanasio de Firewind. Con el en la banda editaron el directo “Return to Live: Loud Park 2010” (2011), “Earth Blues” de 2013, con gran influencia de Deep Purple, y su ultimo trabajo de 2016 “Sunrise to Sundown”, con un sonido mas hard rock. Desde su creación, Spiritual Beggars se ha visto condicionada al calendario de actividad de la otra banda de Michael Amott, Arch Enemy.

Banda sueca de death metal melódico también formada por el guitarrista Michael Amott junto con el vocalista Johan Liiva, ambos originalmente de la banda de death metal Carnageen en 1995. La banda ha lanzado diez álbumes de estudio, tres álbumes en vivo, tres DVDs y cuatro E.P.s. Con su primer vocalista, Johan Liiva, grabaron “Black Earth” (1996), “Stigmata” (1998) y “Burning Bridges” seguido por el álbum en vivo “Burning Japan Live 1999” publicados en 1999 y 2000 respectivamente. En 2000, el vocalista Johan Liiva se fue siendo reemplazado por la vocalista alemana de death metal Angela Gossow, quien debutó con la banda con el álbum de 200 “Wages of Sin”. “Anthems of Rebellion” fue lanzado en 2003 y el año siguiente el E.P. “Dead Eyes See No Future”, que incluía grabaciones en vivo, junto con versiones de canciones de Manowar, Megadeth y Carcass. El séptimo álbum de Arch Enemy, titulado “Rise of the Tyrant”, fue lanzado en 2007 debutando en el puesto 84 en la lista Billboard 200, el mejor puesto de la banda hasta la fecha, un año mas tarde se editó “Tyrants of the Rising Sun” en formato DVD + CD con un show en vivo filmado en Tokio a principios de 2008, un documental y todos los videos promocionales de “Rise of the Tyrant”. Un álbum recopilatorio titulado “The Root of All Evil” se publicó en 2009 con doce canciones regrabadas que abarcan la carrera de la banda antes de que Gossow se uniera como vocalista, mas tarde vendrían “Khaos Legions” de 2011. En 2014, Gossow emitió un comunicado anunciando su salida del grupo, a pesar de ello Gossow siguió ligada al grupo como manager. La vocalista canadiense Alissa White-Gluz (Agonist) fue presentada como la nueva vocalista de Arch Enemy, grabando en 2014 “War Eternal”. Durante la gira y tras varios cambios de guitarristas Jeff Loomis (Nevermore) se unió a la banda para mas tarde convertirse en miembro oficial, grabando con ello el álbum de 2017 “Will to Power” así como su ultimo trabajo hasta la fecha, “Covered In Blood”, de 2019, un álbum con versiones que la banda ha realizado a lo largo de su carrera. Y el ultimo miembro en entrar en Arch Enemy, Jeff Loomis, nos lleva a nuestra siguiente banda, Nevermore.

Banda formada en 1991 por dos ex miembros de la banda Sanctuary, el vocalista Warrel Dane y el bajista Jim Sheppard. A finales de 1994 se incorporaron el batería Van Williams y el guitarrista Jeff Loomis. En 1995 Nevermore lanzó su álbum debut homónimo. El guitarrista Pat O’Brien se unió a la banda antes del lanzamiento del E.P. “In Memory” y participó en la grabación del álbum posterior “The Politics of Ecstasy”, ambos de 1996. O’Brien dejó Nevermore para tocar en Cannibal Corpse y Curran Murphy de Shatter Messiah se alistó como guitarrista de gira para la banda hasta que Tim Calvert (Forbidden) se unió a Nevermore. En 1999 se lanzó el álbum “Dreaming Neon Black” . Al final de la gira, en 2000, el guitarrista Tim Calvert anunció su salida de la banda. En lugar de encontrar un reemplazo, el grupo decidió continuar como cuarteto, contratando guitarristas de sesión para sus conciertos, tales como Curran Murphy (mas tarde en Annihilator) y Chris Broderick (Jag Panzer, Megadeth). Nevermore graba “Dead Heart in a Dead World”, en el año 2000 y tres años mas tarde “Enemies of Reality”, relanzado y remezclado en 2005 por Andy Sneap tras las críticas por su producción. En la gira, la banda estuvo acompañada por el segundo guitarrista Steve Smyth (Vicious Rumors y Testament), Smyth finalmente se unió a Nevermore de forma permanente, abandonando la banda un año después. Su sexto álbum “This Godless Endeavor”. Su primer DVD, “The Year of the Voyager”, se lanzó en 2008, grabando en 2010 “The Obsidian Conspiracy”. En 2011 Jeff Loomis y Van Williams anunciaron su salida del grupo citando diferencias personales y musicales. El 13 de diciembre de 2017, Warrel Dane murió de un ataque al corazón a la edad de 56 años, poniendo fin a cualquier posibilidad de un reencuentro de Nevermore. El ex guitarrista Tim Calvert murió el 30 de abril de 2018 por complicaciones de su esclerosis lateral amiotrófica. Tenía 52 años. Continuamos con la banda de donde salieron los fundadores de Nevermore, Sanctuary.

Banda de thrash formada en 1985 en Seattle y que a pesar de que nunca alcanzó el éxito comercial, se le atribuye el mérito de popularizar la escena del heavy metal de Seattle en la década de 1980 y principios de la de 1990. Sanctuary lanzó su álbum debut “Refuge Denied” en 1987. El segundo álbum “Into the Mirror Black”, fue lanzado en 1990. Durante la gira el guitarrista Sean Blosl dejó la banda y fue reemplazado por Jeff Loomis. En 1992 la banda se separó ante las presiones de su compañía (Epic) para que el grupo cambiase su sonido hacia el grunge. Epic Records publicó en 1990 el E.P. en vivo “Into The Mirror Live” con un número limitado de copias. En 2010, cuatro de los miembros fundadores de Sanctuary se reunieron para algunas actuaciones, para mas tarde, en 2014, publicar el tercer álbum de estudio de la banda, “The Year the Sun Died”. Tras la muerte en 2017 de su vocalista original la banda realizó una gira en 2018 como tributo a este con el vocalista de Witherfall Joseph Michael a la voz. Al parecer el grupo pretende continuar. Y Sanctuary nos lleva a nuestros protagonistas, Megadeth ya que el productor del primer álbum de la banda fue nada mas y nada menos que le mismísimo Dave Mustaine, y con el y su banda me despido de vosotros, espero que os haya gustado este blog, nos vemos en el próximo, y recuerda: Sube el volumen y disfruta!!

Programa Nº25

Hola!, comenzamos 2021 con una de las mejores y más vendedoras bandas del rock, liderada por el auténtico guitar hero, fuente de inspiración para miles y miles de guitarristas, y que tristemente nos dejó en ese maldito 2020, me estoy refiriendo a Eddie Van Halen y a su banda Van Halen. Comenzamos.

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Los hermanos Van Halen formaron su primera banda, The Broken Combs, en 1964. A medida que ganaban popularidad tocando en fiestas caseras y funciones de la escuela secundaria local, cambiaron su nombre primero a The Trojan Rubber Co, luego en 1972 a Genesis, más tarde aún a Mammoth cuando descubrieron que Genesis ya estaba siendo utilizado por una banda británica (os suenan, no?). En este momento Ed era vocalista y guitarrista principal y su amigo Mark Stone era el bajista. En 1974, cuando David Lee Roth ya llevaba un año aproximadamente como vocalista, Stone fue reemplazado por Michael Anthony, en esos días la banda cambió oficialmente su nombre a Van Halen. Posteriormente, tocó en clubes en Los Ángeles y West Hollywood para audiencias cada vez mayores, aumentando su popularidad a través de la autopromoción, lo que les llevó a conseguir un gran numero de seguidores fieles a la banda.

“Sus dias en el Gazzari”

Ese mismo año, Van Halen fue contratado para tocar regularmente en el club de Sunset Strip Gazzarri’s, haciéndolo hasta 1976. En 1975, también eran la banda habitual de los martes por la noche en el Myron’s Ballroom, así como en clubes conocidos como Whisky a Go Go en Sunset Strip. En el verano de 1976 Gene Simmons de Kiss, vio a la banda, impresionado por lo que vio produjo una cinta de demostración de Van Halen de 29 pistas, titulada “Zero”. Simmons incluso sugirió cambiar el nombre de la banda a Daddy Longlegs. Sin embargo, Simmons no pudo hacer más ya que la gerencia de Kiss opinó que Van Halen “no tenía ninguna posibilidad de lograr éxito”. A mediados de 1977, el ejecutivo de Warner Bros. Mo Ostin y el productor Ted Templeman vieron a Van Halen actuar en el Starwood en Hollywood. Warner le ofreció a la banda un contrato de grabación de dos álbumes bastante básico, uno que favorecía mucho a Warner, pagando a los cuatro 0.70 dólares por unidad (álbum) vendido, un acuerdo que dejaría a la banda con una deuda de más de 1 millón de dólares al concluir su primer gira abriendo para Journey y Montrose. Su primer trabajo de 1978 “Van Halen” alcanzó el puesto 19 en las listas Billboard de música pop, uno de los debuts comercialmente más exitosos del rock (aunque fuera considerado como un álbum de heavy metal/hard rock). En 1996 este álbum consiguió la certificación de Diamante por vender diez millones de copias solo en los Estados Unidos. La química de la banda se basó en la técnica de guitarra de Eddie Van Halen y el carisma de David Lee Roth.

“Eddie, Michael, David y Alex en 1978”

La banda regresó al estudio durante 2 semanas, a finales de 1978, para grabar “Van Halen II”, publicado en 1979 con un estilo similar al de su debut. Este disco produjo el primer sencillo de éxito de la banda, “Dance the Night Away”, que alcanzó el puesto 15 en Billboard Hot 100. Durante los siguientes cuatro años, la banda estuvo de gira sin parar, sin tardar más de 2 semanas en grabar un álbum. “Women and Children First” fue lanzado en 1980, y consolidó aún más el estado de ventas de platino de Van Halen para Warner Bros. En 1981, durante la grabación del álbum “Fair Warning” (lanzado ese mismo año), aumentaron las tensiones artísticas. Eddie buscaba canciones más oscuras y complejas todo lo opuesto con los gustos y el estilo pop de Roth. No obstante, Roth y el productor Ted Templeman, accedieron a los deseos de Eddie en este álbum. El álbum solo alcanzó el estado de platino después de desembolsar 250.000 dólares en emisoras de radio a nivel nacional para que lo hicieran subir de 400 mil copias.

La banda planeaba lanzar un single y tomarse un descanso, la elegida fue una nueva versión del clásico de Roy Orbison de la década de 1960 “Pretty Woman”, que alcanzó el puesto 12 en Billboard Top 100. El video ayudó a su éxito inmediato, aunque fue prohibido por MTV. Sin embargo, debido a la gran presión de Warner Bros., la pausa se canceló y el L.P de 1982 “Diver Down” se grabó, nuevamente, en 2 semanas. La preferencia de Roth por las versiones pop prevaleció esta vez ya que cinco de las doce canciones del álbum son versiones. El álbum se vendió bien, pasando 65 semanas en la lista de álbumes en los Estados Unidos. La banda apareció en el Libro Guinness de los Récords Mundiales por ser la banda mejor pagada (1.5 millones de dólares) por un set de 90 minutos en el US Festival de 1983. Las diferencias entre Roth y Eddie continuaron, y esto causó fricciones con otros miembros de la banda, Billy Sheehan fue tentado por Eddie a entrar en la banda en lugar de Michael Anthony.

“1984” (lanzado el 9 de enero de 1984) fue un éxito comercial, cinco veces platino después de un año de lanzamiento alcanzando el puesto número 2 en las listas de Billboard detrás de “Thriller” de Michael Jackson. Grabado en los recién construidos 5150 Studios de Eddie, el álbum incluía teclados, que solo se habían usado esporádicamente en álbumes anteriores. El sencillo principal, “Jump”, se convirtió en el primer y único éxito pop número uno de la banda con Roth, lo que les valió una nominación al Grammy. Durante el Tour de “1984”, Roth decidió separarse de la banda. Los miembros del grupo han dado diferentes razones para la separación, pero todos estaban firmemente arraigados en el control del sonido, la dirección artística, los sencillos lanzados y el ritmo de la banda.

“Y Diamond Dave dijo adios”

Van Halen tuvo serias dificultades para encontrar un reemplazo para Roth. Para colmo la compañía les aconsejó abandonar el nombre de Van Halen, a lo que Eddie y Alex Van Halen se negaron. Los hermanos y Michael Anthony incluso consideraron tener una serie de cantantes temporales en el álbum para reemplazar a Roth, (Eric Martin y Jimmy Barnes entre otros). Eddie invitó a Patty Smyth de Scandal a reemplazar a Roth, pero ella se negó. También se le ofreció el puesto a Daryl Hall de Hall & Oates pero también se negó. Sin embargo, el ex cantante de Montrose Sammy Hagar consiguió el puesto. El cambio musical fue tan importante que se les empezó a llamar Van Hagar, nombre que según el propio Sammy la compañía veía con buenos ojos.

“5150” (1986), fue un gran éxito, convirtiéndose en el primer álbum número uno de la banda en las listas Billboard. El guitarrista Mick Jones de Foreigner fue contratado como productor, después de que Warner Bros. negara a la banda una libertad creativa total. Para presentar aún más la nueva era de la banda, se colocó un nuevo logotipo de Van Halen en la portada que conservaba elementos del original, pero ahora las líneas que se extendían desde ambos lados de “VH” se envolvían y formaban un anillo. La gira se registró en imágenes y se lanzó en VHS (y mas tarde en DVD) como “Live Without a Net”. OU812 (pronunciado “Oh tu también te comiste uno”) es el octavo álbum de estudio de Van Halen, fue lanzado en 1988. El título provisional era “Bone”, que Alex odiaba. Hagar propuso OU812 después de ver esto en el costado de un camión de reparto en la autopista y encontrarlo divertido (sin embargo, persisten los rumores de que el título era una respuesta encubierta al título del álbum en solitario de 1986 de David Lee Roth, Eat ‘Em and Smile – comételos y sonríe). A pesar de ser un álbum algo mas flojo que “5150” también llego al numero 1 en las listas de éxitos.

“For Unlawful Carnal Knowledge” (F.U.C.K) de 1991 marcó la reconciliación de la banda con el productor Ted Templeman, con quien no habían trabajado desde el álbum “1984”. Debutó en el número 1 en la lista de álbumes Billboard 200 y mantuvo la posición durante tres semanas. La banda ganó el premio Grammy de 1992 a la Mejor Interpretación de Hard Rock con Voz por el álbum. “Live: Right Here, Right Now” lanzado en 1993, es el primer álbum en vivo de Van Halen, con canciones interpretadas durante dos noches en mayo de 1992 en el Selland Arena de Fresno, se lanzó tanto en Cd como en DVD. “Balance” de 1995 es el décimo álbum de estudio de la banda. Alcanzó el número 1 en el Billboard 200 ( su cuarto álbum de estudio número uno consecutivo) y mas tarde, en 2004, el estatus de Triple Platino al vender más de tres millones de copias en los EE.UU. También fue nominado a un Grammy por Mejor interpretación de Hard Rock. Durante la grabación de canciones para la película Twister, los problemas entre Hagar y los hermanos Van Halen se desbordaron. La banda había grabado “Humans Being”, pero Eddie, descontento con la letra de Hagar, retituló la canción y escribió la melodía, algo que molestó a Hagar. Con Hagar en contra de la idea de hacer el proyecto, pero teniendo otra canción para contribuir, los hermanos Van Halen grabaron solos el instrumental “Respect the Wind”, nominada a Mejor Interpretación Instrumental de Rock en los Grammy de 1997.

“¿Guerra de egos o de genios?”

La banda también estaba trabajando en un álbum recopilatorio. Esto origino enfrentamientos entre Hagar y el nuevo manager del grupo, Ray Danniels, (ex cuñado de Alex Van Halen). Hagar se mostró reacio a trabajar en un álbum recopilatorio antes de que saliera un nuevo álbum, pero si el resto de la banda y Danniels insistían en seguir adelante, su preferencia era que debería incluir solo canciones de la era Roth, o como una segunda opción, que deberían lanzarse dos volúmenes, una de las canciones de la era Roth y una de las canciones de la era Hagar. A la vez, las prioridades personales en competencia y las diferencias creativas contribuyeron a aumentar las tensiones interpersonales dentro de la banda, particularmente entre Eddie y Hagar, relación que termino por romperse.

Finalmente en 1996 se publicó “Best Of – Volume I”, primer álbum de grandes éxitos de Van Halen. El álbum no contiene ninguna canción de “Diver Down” de 1982, también incluye el tema que aparece en la banda sonora de Twister, además de dos canciones grabadas para este recopilatorio con el vocalista original David Lee Roth. Van Halen presentó un premio en los MTV Video Music Awards de 1996 y los cuatro miembros originales hicieron su primera aparición pública juntos después de once años. Esto ayudó a llevar la compilación al número uno en las listas de álbumes. En esos días Mitch Malloy se convirtió en el nuevo cantante del grupo, aunque el sueño no duró mucho, ya que el propio Malloy ante los rumores de la reunión de la vieja formación renuncio al puesto de cantante.

“Poco duró la aventura de Cherone.”

Quien si ocupó el puesto de cantante de Van Halen fue Gary Cherone, vocalista de la entonces desaparecida banda Extreme. El resultado fue el álbum “Van Halen III”. Las ventas fueron bajas para los estándares de la banda, y solo alcanzaron una certificación Oro, a pesar de que el álbum alcanzó el puesto número 4 en las listas estadounidenses. La gira resultó decepcionante en términos de asistencia, y tras ella la banda comenzó a trabajar en nuevo material que nunca se editó debido a la marcha (amigable) de Gary Cherone, citando diferencias musicales, aunque es probable que las bajas ventas y la recepción crítica del álbum tuvieran mucho que ver. Posteriormente Eddie citó a Warner como la “responsable” de la salida de Cherone.

En julio de 2004, Van Halen lanzó “The Best of Both Worlds” (certificado platino en Estados Unidos meses mas tarde), una recopilación en doble CD con tres nuevas canciones con Hagar. Estas nuevas canciones se acreditaron a Hagar /Van Halen/Van Halen, lo cual era inusual ya que normalmente se acreditaba a toda la formación, que también incluía a Michael Anthony. Anthony más tarde reveló en entrevistas que Eddie no quería que él fuera parte de la reunión y por esta razón no se le había permitido actuar en las sesiones (explicando su falta de crédito como compositor), con Eddie tocando las partes del bajo en su lugar. La gira fue una de las diez 10 giras más taquilleras de 2004. Después de la gira, todo se vino abajo, tanto Hagar como Anthony admitieron que Eddie tuvo problemas con el alcohol durante la gira, algo que afectó al resto de la banda. Los rumores de una reunión de Roth volvieron a surgir, con Hagar de nuevo fuera de la banda y Michael Anthony admitiendo que los hermanos no lo querían en la gira de reunión de 2004 (actuó por insistencia de Hagar) y que en el álbum “Van Halen III”. En 2006 Anthony fue reemplazado como bajista por el hijo de Eddie, Wolfgang Van Halen. En enero de 2007, Van Halen fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll . Los hermanos Van Halen, Anthony, Hagar y Roth fueron admitidos, aunque solo Hagar y Anthony aparecieron en la ceremonia.

“La vuelta de Roth y la incorporación de Wolfgang”

Después de casi 10 meses de especulaciones y rumores, Van Halen (y Roth) anunciaron que la banda iría de gira por Norteamérica. La gira se inició el 27 de septiembre de 2007. En medio de los rumores de que Eddie estaba de vuelta en rehabilitación, se pospusieron varias fechas de la gira, la razón oficial fue la necesidad de realizar procedimientos médicos a Eddie. La gira de reunión con Roth fue la más taquillera en la historia de la banda, recaudando casi 93 millones de dólares. El nuevo álbum de estudio de la banda, titulado “A Different Kind of Truth”, fue lanzado en 2012, convirtiéndose en el primer lanzamiento de estudio de Van Halen desde 1998 y el primero con Roth como voz principal desde 1984. El álbum debutó en el número 2 en la lista de álbumes Billboard 200 y la gira fue todo un éxito (a pesar de los 150 dólares por entrada) con la mayoría de shows “sold out”. Las leyendas del R&B, Kool and the Gang, fueron elegidas por el (por Roth) para abrir las dos primeras etapas de la gira de Van Halen. El grupo pospuso bastantes fechas que mas tarde fueron canceladas, alegando cansancio y que no había ningún tipo de problema en la banda.

“Hasta siempre maestro”

Van Halen lanzó “Tokyo Dome Live in Concert” en 2015, su primer álbum en vivo con el vocalista original David Lee Roth. El 6 de octubre de 2020, el hijo de Eddie, Wolfgang, anunció en su cuenta de Twitter que Eddie había muerto de cáncer. Su muerte se produjo sólo diez días después de que el bajista original de Van Halen (antes de ser Van Halen), Mark Stone, muriera de cáncer.

“Absolutely no brown ones”

Algo muy curioso de los “caprichos” de Van Halen es la historia de los M&Ms marrones. Las complejas demandas técnicas de una gira de Van Halen tuvieron un efecto secundario en las giras de música moderna, especialmente a través del contrato técnico del concierto (Rider), donde se especifica todo el material que una banda necesita para su show como la energía, la seguridad, el sonido, las luces, etc. Pues bien Van Halen añadió por separado, en un área diferente del contrato que en su camerino se colocaría un tazón de M&Ms y que todos los M&Ms marrones debían ser eliminados. Esto se hizo no porque la banda quisiera hacer demandas caprichosas, sino más bien como una prueba para ver si los requisitos del contrato técnico se habían tenido en cuenta. Si el tazón, sin M&Ms marrones estaba presente, entonces la banda, la gerencia y el equipo podrían asumir con seguridad que se cumplían los requisitos técnico; a la inversa, si faltaba el cuenco, o había M&M’s marrones, entonces la gerencia de Van Halen estaría en su derecho de que su equipo inspeccionara el trabajo, lo rehiciera o incluso cancelara el concierto.

Van Halen ha vendido 56 millones de álbumes en los Estados Unidos y más de 80 millones en todo el mundo, lo que los convierte en uno de los grupos más vendedores de todos los tiempos. Desde 2007 Van Halen es una de las cinco bandas de rock con dos álbumes de estudio en vender más de 10 millones de copias en los Estados Unidos, además de conseguir 13 números uno en Billboard’ s Mainstream Rock. Van Halen ha sido todo un referente para cientos de bandas y músicos de todo tipo de estilos no solo dentro del hard rock. Eddie Van Halen fue sin duda uno de los mas grandes ( o el mas grande) guitarrista de totos los tiempos…y como no, colaboro con el artista Pop mas grande de la historia…Michael Jackson.

“Beat it”, tema que apareció en el sexto álbum de estudio de Michael Jackson, Thriller (1982). Jones animó a Jackson a incluir una canción de rock en el álbum, aunque Jackson nunca antes había mostrado interés en el género con el tiempo incluyó guitarristas del mundo del rock (Steve Stevens, Jennifer Batten, Orianthi). Ha Eddie Van Halen se le pidió participar con un solo de guitarra (por el que no cobró)Cuando Jones lo contactó inicialmente, Van Halen pensó que estaba recibiendo una llamada de broma. “Beat It” recibió los premios Grammy de 1984 a la grabación del año y la mejor interpretación vocal de rock masculino (¿rock?), así como dos premios de la música estadounidense. Alcanzó el número uno en el Billboard Hot 100, permaneciendo allí durante tres semanas. También se ubicó en el número uno en la lista Billboard Hot Black Singles. En el Billboard ocupó el puesto número 5 en 1983 y está certificado cinco veces platino en USA, con más de 7 millones de copias vendidas en todo el mundo lo que le coloca como uno de los sencillos más vendidos de todos los tiempos. Además de Eddie, Jackson se “rodeo” de la mitad de músicos de otra famosa banda de rock, Toto.

Banda formada en 1977 por David Paich (teclado) y Jeff Porcaro (batería) junto a David Hungate (bajo), Steve Lukather (guitarra), Steve Porcaro (teclado) y Bobby Kimball (voz) y que ha sabido combinar como nadie elementos de pop, rock, soul, funk, rock progresivo, hard rock, R&B, blues y jazz. La banda disfrutó de un gran éxito comercial a fines de la década de 1970 y 1980, comenzando con el debut homónimo de la banda lanzado en 1978. Con el lanzamiento del aclamado por la crítica y comercialmente exitoso “Toto IV” (1982), Toto se convirtió en uno de los grupos de música más vendidos de su era. Toto ha lanzado 14 álbumes de estudio y ha vendido más de 40 millones de discos en todo el mundo. El grupo ha sido galardonado con varios premios Grammy y fue incluido en el Museo y Salón de la Fama de los Músicos en 2009. Y con uno de sus músicos continuamos, el guitarrista Steve Lukather.

Guitarrista, cantante, compositor, arreglista y productor de discos estadounidense, mas conocido como miembro de Toto desde su fundación hasta la actualidad. Lukather, un prolífico músico de sesión, ha grabado pistas de guitarra para más de 1.500 álbumes que representan una amplia gama de artistas y géneros. También ha contribuido a exitosos álbumes y singles como compositor, arreglista y productor. En particular, Lukather fue un destacado colaborador de varios álbumes de estudio de Michael Jackson, incluido Thriller (1982). Lukather ha lanzado siete álbumes en solitario, el último de los cuales, “Transition” , fue lanzado en 2013. Lukather ha sido nominada a doce premios Grammy y ha ganado cinco. Si bien su trabajo con Toto se basó en el pop rock su trabajo en solitario se adentra en el rock progresivo y el hard rock, también muchos de los proyectos paralelos de Lukather se centran en el jazz fusión. Mantuvo una larga colaboración con el guitarrista de jazz Larry Carlton, y fue miembro de la banda de jazz fusión Los Lobotomys, una colaboración de destacados músicos de sesión. Desde 2012, Lukather ha estado de gira con el supergrupo en vivo del ex batería de los Beatles Ringo Starr, la All-Starr Band. Pero nos centramos en su tercer álbum de estudio “Luke” lanzado en 1997, un álbum mucho más diferente y más introspectivo, reflejo de las muchas influencias musicales de Lukather, donde contó, entre otros, con sus compañeros de banda Simon Phillips y David Paich, el batería Gregg Bissonette y el bajista, (compositor de varios de los temas del álbum), Phil Soussan, conocido por su paso por la banda de Ozzy y miembro de esta banda llamada Beggars & Thieves.

Banda compuesta inicialmente por el vocalista Louie Merlino, el guitarrista Ron Mancuso, el bajista Phil Soussan y el batería Bobby Borg, quienes publicaron su primer álbum homónimo en 1990. Phil Soussan y Bobby Borg abandonaron la banda tras realizar algunas fechas de la gira. En 1991 la banda continuo como trio con Louie Merlino en la voz principal, Mancuso en el bajo y la guitarra y el recién llegado Bobby Chouinard en la batería. Con esa nueva alineación más el nuevo teclista Alan St. John la banda grabó su segundo álbum, pero el movimiento grunge explotó comercialmente en esos días y la compañía discográfica dejó a la banda sin lanzar ese segundo álbum. En 1997, el segundo álbum de Beggars & Thieves, “Look What You Create”, se lanzó de forma independiente en MTM Music, dos años más tarde, en 1999, nuevamente en MTM Music, la banda lanzó su tercer CD llamado “The Grey Album”. Sammy Mangiamele reemplazó al batería Bobby Chouinard, quien no pudo terminar su trabajo en ese álbum, lamentablemente, Bobby Chouinard moriría el 8 de marzo de 1997. Su ultimo, “We Are The Brokenhearted” de finales de 2011, cuenta con la colaboración de otro ex Ozzy, el guitarrista Jake E. Lee, quien curiosamente comparte banda con el bajista y guitarrista de Beggars & Thieves, Ron Mancuso en este grupo llamado Red Dragon Cartel.

Banda formada en 2013 por el guitarrista Jake E. Lee. Su álbum debut homónimo fue lanzado en enero de 2014 y contaba con Darren James Smith (batería de Harem Scarem), Ronnie Mancuso al bajo (guitarra de Beggars and Thieves que en esta ocasión se encarga de machacar las cuatro cuerdas), y el batería Jonas Fairley. En 2018 la banda publica “Patina”, un trabajo menos “variado” que su debut y mas definido en lo musical, centrándose en ese hard rock con “alma bluesy” de los 70 tan peculiar de Lee. Su ultimo trabajo cuenta con las incorporaciones de Anthony Esposito al bajo y Phil Varone a la batería. Precisamente con este ultimo continuamos y la banda en la que militó, Saigon Kick.

Formados en 1988 por el vocalista Matt Kramer, el guitarrista Jason Bieler, el bajista Sean Puckett y el batería Phil Varone. Durante la grabación de su primer álbum, Puckett se fue y fue reemplazado por Tom DeFile. Su álbum homónimo fue lanzado en 1991. Su segundo álbum, “The Lizard”, lanzado en 1992, generó el único single de éxito de la banda en entrar en el Billboard Hot 100 en los Estados Unidos, ” Love Is on the Way “, que alcanzó el puesto 12. Justo antes de que comenzara la gira el bajista Tom DeFile fue despedido, siendo reemplazado por el ex bajista de Cold Sweat, Chris McLernon. Finalmente, en 1996 “The Lizard” fue certificado oro, su único álbum en lograr una certificación. Durante la grabación de su tercer trabajo “Water” (1993), Matt Kramer abandonó el grupo debido a la dirección que la banda estaba tomando tanto musical como estilísticamente. Con Kramer fuera, Bieler decidió hacerse cargo de todas las tareas vocales además de tocar la guitarra en el álbum. El guitarrista Pete Dembrowski fue contratado para la gira. El álbum vendió mucho menos que el álbum anterior, y Atlantic decidió dejar la banda en 1994. Con esta formación publicaron su cuarto álbum “Devil in the Details” realizando una gira con gran éxito a nivel mundial, particularmente en el sudeste asiático. En 1997 la banda intentó reunirse con Matt Kramer de nuevo, en esos días Phil Varone ya había dejado la banda siendo reemplazado por Ricky Sanders. Se grabó una nueva canción lanzada en “Moments from the Fringe” (1998), un álbum recopilatorio de demos y rarezas. Al final la “reunión” no duró mucho. Bieler, Dembrowski y Sanders grabarían el último álbum de Saigon Kick, “Bastards” , para su lanzamiento en el Lejano Oriente en 1999. Los tres decidieron entonces retirar el nombre de Saigon Kick y reorganizarse como Super TransAtlantic.

Bieler, Pete Dembrowski y el batería Rick Sanders debutaron como Super TransAtlantic en 1999 con su sencillo “Superdown”, que apareció en la banda sonora de “American Pie”. Su primer álbum, “Shuttlecock”, apareció el año siguiente, con un estilo pop-punk-rock tan de “moda” en USA. Completa la banda el bajista Pat Batger, quien fuera miembro de esta popular banda de los 90 llamados Extreme.

Formados en 1985 por el vocalista Gary Cherone y el baterista Paul Geary. El guitarrista Nuno Bettencourt se unió al grupo en 1985, seguido por el bajista Pat Badger en 1986. La banda publicó su álbum debut homónimo en 1989. Las ventas del primer disco fueron suficientes para respaldar un segundo lanzamiento en 1990, “Extreme II: Pornograffitti”, alcanzando el puesto número 10 en el Billboard 200, siendo certificado oro en mayo de 1991 y doble platino en octubre de 1992, año en que apareció su tercer álbum “III Sides to Every Story” que fue un fracaso comercial (solo vendió alrededor de 700,000 copias, en comparación con el doble platino Pornograffitti ), todo ello alimentado por la creciente tendencia de bandas de grunge. Dos años mas tarde, Geary dejó la banda. Mike Mangini lo sucedió en la batería grabando en 1995 “Waiting for the Punchline”, el álbum no fue un éxito de ventas y Extreme se disolvió después de la gira en 1996 de forma amistosa. De 2004 a 2006 la banda, con su formación clásica, se reunió para algunos shows. En 2008 publicaron “Saudades de Rock” con Kevin Figueiredo en la batería. En 2010 editan en DVD “Take Us Alive”, álbum en vivo grabado en el House of Blues en Boston el 8 de agosto de 2009. En 2016, la banda lanzó “Pornograffitti Live 25: Metal Meltdown”, un cd/dvd de su concierto de 2015 en el Hard Rock Casino de Las Vegas. Además del concierto incluye un documental titulado “Rockshow”, que repasa su carrera con entrevistas exclusivas y filmaciones de los años 80. En 1996, Gary Cherone se unió a uno de los grupos de rock más grandes del mundo, nuestros protagonistas de este blog, Van Halen.

Y con esto me despido, espero que os haya gustado el blog de este mes. Recuerda, sube el volumen y disfruta!!!…Un saludo. Chao.

Programa Nº 24

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Bienvenidos y bienvenidas al 2º aniversario del podcasd y el blog de Rock en Cadena. Dos años desde que esta “locura” empezó a rodar, y en los que hemos “destripado” a bandas de todo tipo, desde Europe a Metallica pasando por clásicos como Deep Purple o grupos mas “modernos” como Dream Theater. Esta vez toca el turno a una de las mejore bandas de Hard Rock de España, Sangre Azul. Comenzamos.

Banda formada en 1982 en Pinto, localidad cercana a Madrid, donde comienzan a tocar versiones de sus bandas favoritas para mas tarde centrarse en sus propias composiciones. En 1985, con José Castañosa “Lili” a la voz ex Triton (y ganador del V Villa de Madrid), J.A. Martin y Carlos Raya a las guitarras, Julio Díaz, ex Mazo y ex Santa (grabando su primer álbum) al bajo y Luis Santurde a la batería, deciden participar en la octava edición del prestigioso concurso Villa de Madrid, ganando el primer premio. El premio les da la oportunidad de grabar un L.P compartido con el resto de finalistas (Esfinge y Furia Animal, 2º y 3º premio respectivamente). Sangre Azul grababa cuatro canciones y los otros dos grupos dos cada uno.

Con “Lili” (en el centro), en los inicios de la banda

La banda no queda contenta con el resultado del L.P y graba un E.P también con Fonomusic al que titulan “Sangre Azul” con las mismas cuatro canciones (“Rey de la ciudad”, “Chicas, Whisky y Rock & Roll”, “Todo mi mundo eres tú” y “Rock & Roll es libertad”) además de un videoclip (nunca emitido). Como dato curioso Luis Santurde aparece como Luis Ortega.

Poco después “Lili”, abandona la banda, quien a pesar de ser “dueño” del nombre de la banda no pone reparos a sus ex-compañeros para continuar usándolo. Su sustituto es Tony, quien fuera vocalista de Muro. Con esta entrada la banda gana muchos enteros y consiguen contactar con el famoso manager Javier Gálvez consiguiéndoles numerosas actuaciones por Madrid, lo que les sirvió para costearse la grabación de lo que seria su primer L.P., grabado en septiembre de 1986 en los Mediterraneo Studios de Ibiza, con Dennis Herman como ingeniero de sonido.

La formación que grabó “Obsesión”

Sus entonces managers, el veterano Javier Gálvez y Ángel Vallecas, negociaron junto al road manager, el argentino Darío McBrian, un contrato con Hispavox. El propio McBrian firmó la producción ejecutiva de su primer trabajo, “Obsesion”, editado en 1987, con un estilo poco habitual en España (desafortunadamente) al estilo de bandas como Dokken, Bon Jovi, Europe o Whitesnake, además de una muy cuidada imagen, avalada además por una gran calidad. La versión en cassette añadía al repertorio una de sus canciones más conocidas, “El rey de la ciudad”, interpretada por Tony. Con este trabajo se dan a conocer en todo el territorio nacional, siendo el grupo revelación y girando por toda la geografía española con un existo tanto de público como de crítica.

Con Juanjo Melero (primero por arriba)

En 1988 se publica “Cuerpo a Cuerpo”, que gracias a los resultados comerciales de su debut permitieron que este gozara de un buen presupuesto de grabación. La producción mejoró bastante, con un sonido mas melódico y comercial, con la inclusión de algunos teclados en varios temas. Este “cambio” les sirvió para darse a conocer a otro tipo de publico al aparecer tanto en televisión como en radios comerciales. Poco después de la publicación de este disco, J.A. Martín abandonaba el proyecto que él mismo ayudó a fundar, siendo sustituido por Juanjo Melero, de Marshal Monroe, banda muy en la onda de sus nuevos compañeros. Como dato curioso tiempo después J.A. Martin formó parte de Marshal Monroe.

Tras el éxito de “Cuerpo a Cuerpo” la banda regresa a los Mediterraneo Studios para registrar “El Silencio de la Noche” (1989), un trabajo donde Sangre Azul da un salto de calidad tanto en producción, ejecución y letras, además de incorporar aun mas el sonido del teclado, de nuevo a cargo de M.A. Collado. Pero la “época” no ayudo en absoluto, desde EE.UU. venían “vientos de cambio” para una nueva década donde el Hard Rock sería desplazado por el grunge, además en España sonidos mas “callejeros” (Barricada, Boikot, Porretas) copaban el mercado. Durante dos años (1990-1991) Sangre Azul la dedica a los directos, compartiendo incluso una gira con Angeles del Infierno y Manzano, en un esfuerzo por revitalizar el Hard Rock en España. Su primer destino internacional fue Francia, donde estaban teniendo una tímida aceptación, pero la gira no salió como se esperaba (con accidente incluido de un autobús lleno de fans en un viaje de Madrid a Paris). De nuevo con Angeles del Infierno, Sangre Azul cruza el charco y realiza una gira por México abriendo para ellos, además de algunos shows en solitario incluyendo alguna fecha en EE.UU. Allí contrastaron su situación en España -donde el Rock continuaba sumido en la más absoluta marginación social y mediática- respecto al privilegio de la música en Sunset Blv. Melero lo vio tan claro que no dudó en quedarse a vivir en Los Angeles. El resto del grupo regresó a Madrid donde comenzó a trabajar en nuevos temas con un enfoque mas maduro alejado del sonido que tanto éxito les dio, la compañía no vio con buenos ojos el cambio y se negó a publicar un nuevo trabajo a la vez que les negaba la carta de libertad. En esos días graban “Sangre y Barro”, tema que aparece en el primer recopilatorio del programa de radio de El Pirata (Emisión Pirata 1), con una letra escrita por el propio locutor donde narra el accidente sufrido en un viaje organizado por su programa para ver a Sangre Azul en Francia.

Son momentos duros para Sangre Azul, y en 1992 deciden rendirse y dar por terminada la banda. Sin duda Sangre Azul ha sido la banda mas grande que España a dado al Hard Rock aportando un calidad comparable a cualquier banda “yanki”, Tony tenia una imagen y una voz perfecta para el estilo, Carlos Raya podía pasar por un “guitar hero” de la talla de George Lynch o Adrian Vandenberg, Melero era el compañero ideal y Julio y Luis aportaban una solida base a unos temas con una calidad impresionante. En 2008 la banda aparece en el concierto presentación del álbum en solitario de Juanjo Melero interpretando dos de sus temas mas clásicos, “Cuerpo a Cuerpo y “Tal Como Soy”, lo que levanta gran expectación ante una posible reunión (algo que en mi humilde opinión jamás sucederá).

Y precisamente con Juanjo Melero continuamos, quien tras su aventura por EE.UU, regreso a España y formó la banda Santa Fe.

Santa Fe se forma en 1993, tras la vuelta a España de Juanjo Melero, influenciado por la escena local de L.A. e impactado por bandas como Faith No More o Living Colour . En 1993 se publica su primer y único disco homónimo producido por Steve Taylor, quien fuera productor de Sangre Azul. Antes de firmar por una multinacional y debido a problemas internos en el grupo, Santa Fe se disuelve. Además de Melero a la guitarra, el grupo estaba formado por Susana Ruiz a la voz, Alex García al bajo y Alberto Madrid a la batería quien fuera miembro de esta conocidísima banda llamada Sôber.

Grupo fundado en 1994 por Carlos Escobedo (bajo y voz) y Antonio Bernardini Guitarra), a los que se les unieron Jorge Escobedo (guitara) y Elías Romero (batería). En 1996 y bajo el nombre de Sôber Stoned publican su primer trabajo titulado “Torcidos” En 1998, Luis Miguel Planelló sustituyó a Elías Romero, y tras grabar el álbum “Morfología” en 1999, (primer trabajo como Sôber) Planelló abandonó la banda y fue reemplazado por Alberto Madrid, quien permaneció en la banda hasta 2005. Ese mismo año decidieron separarse, lanzando un álbum recopilatorio de sus mejores canciones. En 2010 la banda regresa anunciando a Manu Reyes como nuevo integrante, remplazando en la batería a Alberto Madrid (quien falleció en 2006 a causa de un accidente de motocicleta). Junto a su regreso se publicó el álbum “De Aquí A la Eternidad”. Su álbum más reciente, el directo “La sinfonía del Paradÿsso”, fue lanzado en 2018. Hasta la fecha, la banda ha editado ocho discos de estudio. Alcanzaron el éxito al editar “Paradÿsso”, con el que vendieron más de 45.000 copia, alcanzando el disco de oro y de platino. Durante el tiempo que Sôber esta inactivo, los miembros del grupo crean dos bandas paralelas, Savia, proyecto de Carlos Escobedo al que acompaña Alberto Madrid a la batería y Skizzo, formada por los guitarristas Jorge Escobedo y Antonio Bernardini, con la cual continuamos.

Jorge Escobedo y Antonio Bernardini, guitarristas procedentes de Sôber, formaron Skizoo en 2004 junto a Morti a la voz (Fantástico Hombre Bala), Dani Pérez a la batería (Saratoga y Stravaganzza) y Daniel Criado al bajo (XXL), quien tras la publicación del debut discográfico abandona la banda siendo sustituido por Edu Fernández (Stravaganzza). El primer álbum de la banda, “Skizzo” (2005), lanzado por una compañía independiente, y sus dos primeros singles (“Renuncia al sol” y “Habrá que olvidar”) fueron bien recibidos por la critica y el publico, llegando a ocupar el Nº1 en la lista de ventas durante varias semanas. En 2006 ficharon por EMI y reeditaron su primer álbum con la colaboración de Bunbury a las voces en el tema “No todo está perdido”. Además añadieron una versión de la canción “Entre dos tierras”, de Héroes del silencio, dos remixes y un DVD con imágenes de la primera gira. Un año después se lanza “Incerteza”, acompañado de un DVD con un “making of” de la grabación de del álbum. A principios de 2008 comunican su salida de la multinacional EMI, aun así, y de nuevo con una compañía independiente, llega “3” su ultimo trabajo en estudio, al poco de su lanzamiento se anuncia la salida de Dani Pérez y Edu Fernández por motivos personales. El grupo recluto a Iván Ramírez (batería de los desaparecidos Ebony Ark) y a José Hurtado (bajista de Coilbox). El grupo se despidió de sus fans (poco antes de la vuelta de Sôber) con la publicación del C.D “La cara oculta” (2008), formado por rarezas, maquetas, colaboraciones y remixes creadas a lo largo de toda la trayectoria de la banda y no publicadas anteriormente. El 17 de agosto de 2009 Skizoo anunció el parón definitivo en su carrera. De nuevo uno de los miembros del grupo nos lleva a nuestro siguiente artista, Edu Fernández y , en este caso, al solista que acompaña actualmente, Leo Jiménez.

Tras su triunfal paso por Saratoga y su proyecto de banda/solitario LEO/037, del cual no salió demasiado contento, Leo decide centrarse plenamente en su carrera en solitario bajo el nombre de Leo Jiménez. En 2013 publica su primer trabajo “Animal Solitario”, un trabajo donde refleja una variedad de estilos dentro del Heavy Metal, en el que se hace acompañar por Edu Fernández (bajista y ex- Skizzo y Stravaganzza), Antonio Pino (guitarrista y ex- Ankhara) y Carlos Expósito (batería y ex- Jorge Salán, Stravaganzza). En 2015 aparece el doble DVD y doble Cd “20 años tras el Apocalipsis”, un trabajo donde repasa sus veinte años de profesión con un par de directos (DVD), además de un CD de “rarezas” y otro directo mas. En ese momento se incorpora a la banda el guitarrista Rufo Cantero (Dulcamara). En 2016 presenta su disco “La factoría del contraste”, cuya producción reúne los estilos por los que el artista ha pasado durante toda su carrera: desde el heavy metal de Saratoga, Stravaganzza, el death metal de Supra, el hard-rock de LEO/037, hasta versiones vocales de artistas de otro género y trabajos paralelos como su paso por Jesucristo Superstar, en el papel de Jesucristo. “Mesias”, su ultimo trabajo publicado en 2019 es un claro paso hacia sonidos mas duros y oscuros, dejando atrás el heavy/hard con el que tantos éxitos cosechó. Antonio Pino, guitarrista que acompaña a Leo desde su primer trabajo en solitario, nos lleva a nuestra siguiente banda llamada Ankhara.

Banda formada en 1995 en Madrid por Antonio Pino y Cecilio Sánchez a las guitarras, Sergio Martínez al bajo, Jesús Alcalde a la batería y Pacho Brea a las voces, con claras influencias de Power Metal y Metal Progresivo. Es en Madrid donde comienzan a recorrer el circuito de pequeños locales de la escena del metal para poco a poco saltar al resto de España apareciendo en festivales o acompañando a bandas de renombre. En 1999 editan su primer disco “Dueño Del Tiempo” y un año mas tarde “II”. En 2003 Jesús Alcalde (batería) se retira del grupo y Sergio Martínez (bajo), pasa a formar parte de Mägo de Oz. Los nuevos miembros del grupo son Jaime Olivares a la batería y Fernando Mainer al bajo, además de añadir un teclista al grupo, Victor Alonso. Ese mismo año publican “Sombras del Pasado”, un disco más cercano al Metal Progresivo que sus dos trabajos anteriores. En junio de 2004 Ankhara decidió separarse. En 2007 se publicó un disco recopilatorio con el nombre “Lo Mejor De Ankhara”. A principios de 2013 Ankhara anuncia su vuelta con Pacho Brea (voz), Cecilio Sanchez-Robles (guitarra), Alberto Marin (guitarra, quien fuera miembro de la banda en sus orígenes), Sergio Martinez (bajo) y Jesús Alcalde (batería). En 2015 sale a la venta el directo “Dueños del Tiempo”, concierto grabado en Madrid un año antes, donde el grupo puso punto y final a la reunión. En 2017 Jesús Alcalde (batería) abandona la banda por motivos personales siendo remplazado por Matt de Vallejo quien graba el ultimo trabajo de Ankhara , “Sinergia” (2018). Lo curioso de esta banda es que sus dos bajistas han pertenecido a la banda con la que continuamos, Magö de Oz.

Banda de Folk Metal fundada en 1988 por el batería Txus di Fellatio, lider (para lo bueno y lo malo) del grupo. Saltaron a al fama en 1998, con el disco “La leyenda de La Mancha”, llegando a las listas de éxitos musicales de España. La fama del grupo y su éxito, tanto en la prensa especializada como en los medios convencionales a nivel nacional e internacional, especialmente en Hispanoamérica, se hizo aún mayor tras la publicación del disco “Gaia” en 2003, siendo el primer trabajo de una trilogía conceptual completada con los discos “Gaia II: La voz dormida” en 2005 y “Gaia III: Atlantia en 2010”, de igual o mayor éxito. En el 2008, se les entregó el disco de diamante por superar el millón de copias vendidas de toda su obra discográfica solamente en España. Se calcula que habrían vendido más de dos millones de discos entre España y Latinoamérica hasta el año 2013. Se podría hablar mucho de Magö de Oz, pero tal vez sea mejor esperar a un episodio dedicado a ellos (todo se andará). Es evidente que Mago es actualmente, polémicas aparte, la banda mas grande que existe en España (ventas, directos, puesta en escena) y sin duda uno de sus artífices sea su cantante original, José Andrea, quien tras su marcha del grupo formó José Andrëa y Uróboros.

Formado a inicios del año 2012 por el ex vocalista de Mägo de Oz, Jose Andrëa, junto a dos ex miembros más del mismo grupo: el teclista Sergio Cisneros «Kiskilla» y el bajista Pedro Diaz «Peri», acompañados por el guitarrista Juan Flores «Chino» y el batería Juanjo Frontela. Ese mismo año salió al mercado, el primer disco de nombre homónimo a la banda “Uróboros” que va desde el Folk Metal y Heavy Metal hasta a géneros como el Metal Gótico, Metal Sinfónico y Power metal. En 2015, se sumó José Rubio, grabando el segundo disco de la banda, “Resurrección”, con un sonido más potente que al anterior álbum con más presencia del Hard Rock. . Teto Viejo (batería) ingresó a la agrupación en 2016, y posteriormente, el violinista mexicano Santiago Vokram y el flautista Fernando Ponce de León, antiguo miembro de Mägo de Oz. En 2018 sale a la venta el primer álbum en directo de la banda “La Paz, donde todo es posible”, grabado en 2016 en la ciudad natal de José Andrea, La Paz (Bolivia).”Bienvenidos al medievo” (2019) es hasta la fecha su ultimo trabajo. Su segundo trabajo contó con el mítico Bernardo Ballester a la batería, miembro de la también mítica banda con la que continuamos, Santa.

Santa, banda de la que ya hablamos en el episodio dedicado a Barón Rojo https://rockencadena.home.blog/2019/02/03/programa-no4/ . En el primer álbum de la banda “Resurreccion” aparecia el bajista Julio Diaz, quien abandonó Santa, para entrar a formas parte de la banda a la cual dedicamos este episodio, Sangre Azul.

Y con esto me despido de vosotros, pero antes daros las gracias por estos dos maravillosos años de blog y podcast, un millón de gracias por leerme y escucharme, seguiremos en la lucha!!!…y recuerda, sube el volumen y disfruta!!

Programa Nº23

Bienvenidos y bienvenidas a una nueva entrada de Rock en Cadena. Viajamos hasta la vieja Europa de la mano de una de las bandas mas grandes del Hard Rock de todos los tiempos, ellos son Scorpions. Comenzamos.

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Banda formada en 1965 por el guitarrista Rudolph Schenker en Hannover (Alemania). Al principio, la banda tenía influencias beat y el propio Schenker se encargaba de las voces. Las cosas empezaron a cambiar en 1970 cuando el hermano menor de Schenker, Michael, y el vocalista Klaus Meine se unieron a la banda. Con esta formación ganaron un concurso de música en 1972 y grabaron dos canciones para un sencillo que nunca fue lanzado, posteriormente aparecieron en diferentes álbumes recopilatorios. En 1972, el grupo grabó y lanzó su álbum debut “Lonesome Crow”, con Lothar Heimberg al bajo y Wolfgang Dziony a la batería. Durante la gira los Scorpions abrieron para la banda británica UFO. Apunto de finalizar la gira, el guitarrista Michael Schenker aceptó una oferta de UFO. Uli Jon Roth, un amigo de Michael, fue presentado a la banda y los ayudó a terminar la gira. La salida de Michael Schenker provocó la ruptura de la banda. En 1973, a Uli Jon Roth se le ofreció el papel de guitarrista principal, pero rechazó la oferta permaneciendo en su banda Dawn Road. Rudolf Schenker finalmente decidió que quería trabajar con Roth, pero no quería resucitar la última alineación de los Scorpions. Asistió a algunos de los ensayos de Dawn Road y finalmente decidió unirse a la banda, que estaba formada por Roth, Francis Buchholz (bajo), Achim Kirschning (teclados) y Jürgen Rosenthal(bateria). Uli Roth y Buchholz persuadieron a Rudolf Schenker para que invitara a Klaus Meine a unirse a la voz. Si bien había más miembros de Dawn Road que de Scorpions en la banda, decidieron usar el nombre de Scorpions porque era muy conocido en la escena del hard rock alemán y se había lanzado un álbum con ese nombre.

(de iz.a dch.) Francis Buchholz, Klaus Meine, Rudolf Schenker, Uli Roth y Jürgen Rosenthal. Scorpions. 1973.

En 1974, la nueva formación lanzó “Fly to the Rainbow”. Tres canciones fueron coescritas con el guitarrista Michael Schenker como parte de un acuerdo con los Scorpions para dejarlos y unirse a UFO. Achim Kirschning decidió irse después de las grabaciones. Poco después, Jürgen Rosenthal tuvo que dejar el grupo cuando fue reclutado por el ejército siendo reemplazado en julio de 1974 por Jürgen Fechter. En 1975, Rudy Lenners se convirtió en el nuevo batería de Scorpions. Ese año, la banda lanzó “In Trance”, que marcó el comienzo de su larga colaboración con el productor alemán Dieter Dierks. El álbum fue un gran paso adelante para los Scorpions dejando atrás el sonido Psicodélico/progresivo de sus anteriores trabajos, acercándose a un sonido mas cercano al heavy metal lo que hizo que su numero de seguidores aumentase.

Primera portada (de muchas) controvertida.

“In Trance” es el primer álbum de la banda que contiene el ahora famoso logo. La versión original de la portada del álbum fue censurada por mostrar el pecho de la modelo de portada. Los lanzamientos posteriores oscurecieron el pecho para que no fuera visible.

En 1976, los Scorpions lanzaron “Virgin Killer”, primer álbum de la banda en llamar la atención fuera de Europa, sobre todo en Japón. El álbum fue otro paso en el cambio de la banda de la música psicodélica al hard rock. La portada original del álbum mostraba a una niña de diez años desnuda, con un efecto de cristal roto oscureciendo sus genitales. La portada generó controversia: el álbum solo se podía vender sellado en plástico negro en varios países siendo reemplazada en otros por una portada alternativa que representaba a los miembros de la banda.

Dos portadas diferentes para una época …diferente.

Al año siguiente, Rudy Lenners renunció por razones personales y fue reemplazado por Herman Rarebell, un músico experimentado que había grabado con varias bandas en Alemania. “Taken by Force” fue el quinto álbum de estudio de la banda alemana Scorpions, lanzado en 1977. Este fue el primer álbum de Scorpions con el batería Herman Rarebell y el último álbum de estudio con el guitarrista Uli Jon Roth, quien dejó la banda en 1978 tras el final de la gira del álbum, descontento con la dirección comercial que estaba tomando la banda. Precisamente de esa gira salió el siguiente trabajo del grupo, un doble álbum en directo titulado “Tokyo Tapes” lanzado en Estados Unidos y Europa (con portada diferente) seis meses después de su lanzamiento en Japón en 1978. A mediados de ese año, después de audicionar a unos 140 guitarristas, los Scorpions reclutaron a Matthias Jabs además, la banda abandonó RCA por Mercury Records en los Estados Unidos y Harvest/EMI Electrola en todo el mundo.

El puritanismo estadounidense tiene estas cosas…

Apenas unas semanas después de dejar UFO, Michael Schenker regresó al grupo lo que hizo que en la grabación de su siguiente trabajo “Lovedrive” (1979) aparecieran tres guitarristas. “Lovedrive” fue un álbum que impulso carrera de Scorpions, donde se cimentó la “fórmula Scorpions” de canciones de hard rock mezcladas con baladas melódicas. La portada, que de nuevo generó controversia, fue cambiada en Estados Unidos. Después de la finalización y el lanzamiento del álbum, la banda decidió retener a Michael en el grupo, lo que obligó a Jabs a irse. Sin embargo, en abril de 1979, durante su gira por Francia, Michael renunció y Jabs fue contratado permanentemente para reemplazarlo.

Sin duda la formación mas conocida de Scorpions.

En 1980, la banda lanzó Animal Magnetism, nuevamente con una portada provocativa, esta vez mostrando a una niña arrodillada y un Doberman sentado frente a un hombre, aunque esta vez la portada no tuvo que ser reemplazada por una portada alternativa. Poco después del lanzamiento del álbum, Meine comenzó a experimentar problemas de garganta. Necesitó cirugía en sus cuerdas vocales y surgieron dudas acerca de si volvería a cantar. Las demos para el álbum se grabaron con el cantante Don Dokken como cantante principal, quien aparece acreditado en los coros. Blackout fue lanzado en 1982 y rápidamente se convirtió en el álbum más vendido de la banda hasta la fecha, llegando al platino ese mismo año y el oro dos años después.

El álbum de 1984 “Love at First Sting” consolidó el estatus de los Scorpions como una banda internacionalmente popular. Las sesiones iniciales tuvieron lugar en los Polar Studios de Estocolmo en el verano de 1983 con los ex miembros de Rainbow Jimmy Bain en el bajo y Bobby Rondinelli en la batería, aunque en principio se negó su participación en el álbum, Jimmy y Bobby siempre declararon que fueron ellos quienes grabaron el álbum. Impulsado por el sencillo “Rock You Like a Hurricane”, el álbum escaló las listas y obtuvo el doble platino en los Estados Unidos unos meses después de su lanzamiento. MTV dio a los videos del álbum un tiempo de emisión significativo lo que contribuyó en gran medida al éxito del álbum. “Love at First Sting” fue uno de los primeros discos de hard rock grabados digitalmente.La banda realizó una extensa gira y lanzó su segundo álbum en vivo, “World Wide Live” en 1985. Grabado durante una gira mundial de un año y lanzado en el apogeo de su popularidad, el álbum fue otro éxito para la banda, alcanzando el de Nº14 en las listas de éxitos en los Estados Unidos y Nº18 en el Reino Unido.

“Savage Amusement” es el décimo álbum de estudio de la banda, fue lanzado en 1988, cuatro años después de su anterior álbum de estudio, alcanzando el puesto número 5 en los EE.UU. fue certificado platino meses después de su lanzamiento. Este trabajo representaba un sonido más pulido y maduro similar al estilo con el que Def Leppard había tenido éxito. El álbum se vendió bien, pero fue considerado una decepción por la crítica. Fue el último disco de Scorpions producido por Dieter Dierks. En la gira de 1988, los Scorpions se convirtieron en el segundo grupo occidental (no estadounidense) en tocar en la Unión Soviética. En 1989, Scorpions lanzó el álbum recopilatorio “Best of Rockers ‘n’ Ballads”, único álbum recopilatorio de la banda certificado platino en los Estados Unidos, que, además de los éxitos de la banda de 1979 a 1988, incluía varias pistas raras o inéditas. “Crazy World”, de 1990, mostró un sonido menos pulido y es considerado como el último álbum “clásico” de Scorpions. En el Reino Unido, sigue siendo el único álbum del grupo en obtener en noviembre de 1991 la certificación Silver (60.000 unidades vendidas). En los Estados Unidos, es el segundo álbum más vendido de la banda detrás de “Love at First Sting”, y el último álbum de la banda en recibir la certificación de oro o platino en los Estados. El álbum fue impulsado en gran parte por el éxito de la balada “Wind of Change”. La canción reflexiona sobre los cambios sociopolíticos que estaban ocurriendo en Europa del Este y otras partes del mundo al final de la Guerra Fría. Después de la gira el bajista Francis Buchholz dejó el grupo.

Ralph Rieckermann (1º drch) entra en escena.

En 1993, los Scorpions lanzaron “Face the Heat”, con un éxito moderado. El bajo estuvo a cargo de Ralph Rieckermann. El sonido del álbum era más metálico que melódico y ni el single ni la balada de turno estuvieron cerca de igualar el éxito de “Wind of Change”. En 1995 , se produjo un nuevo álbum, “Live Bites”. El disco documentó actuaciones en vivo de 1988 hasta 1994. Antes de grabar su decimotercer álbum de estudio, “Pure Instinct” de 1996 , el batería Herman Rarebell dejó la banda. Curt Cress se hizo cargo de las baquetas del álbum antes de que James Kottak (ex Kingdom Come) se hiciera cargo de forma permanente del puesto de batería. El album recibió bastantes criticas, al contar con mas baladas que temas “movidos”. La portada del álbum fue reemplazada por una portada alternativa en algunos paises debido a la desnudez de la portada original.

1999 vio el lanzamiento de “Eye II Eye” y un cambio significativo en el estilo de la banda, mezclando elementos de pop y techno. Este cambio no fue visto con buenos ojos por la gran mayoría de sus fans. Por primera vez (y, hasta ahora, única), Scorpions lanzó una canción grabada en gran parte en alemán, “Du bist so schmutzig” (“Eres tan sucio”). Es el primer álbum de estudio de Scorpions que presenta a James Kottak en la batería y el último álbum de Ralph Rieckermann en el bajo. Al año siguiente, los Scorpions colaboraron con la Filarmónica de Berlín, de lo que salió un álbum llamado “Moment of Glory”. El álbum contribuyó en gran medida a reconstruir la reputación de la banda después de las duras críticas de “Eye II Eye”, sin embargo, los críticos los acusaron de seguir la línea de la colaboración similar de Metallica ( S&M ) con la Sinfónica de San Francisco que había sido lanzada el año anterior. En 2001, los Scorpions lanzaron “Acoustica”, un álbum en vivo que presenta reelaboraciones acústicas de los mayores éxitos de la banda, además de nuevas pistas. Aunque apreciado por los fans, la falta de un nuevo álbum de estudio fue frustrante para algunos, y “Acoustica” hizo poco para que la banda volviera a ser el centro de atención.

Entrando en el nuevo milenio con nueva formación.

En 2004, la banda lanzó “Unbreakable” , un álbum que fue aclamado por los críticos como un esperado regreso a la formula que tanto éxito dio a la banda. El álbum era el más pesado que la banda había lanzado desde Face the Heat . Ya sea como resultado de una mala promoción por parte del sello de la banda o del largo tiempo entre lanzamientos de estudio, “Unbreakable” recibió poca difusión y no llegó a las listas. Este fue el primer álbum con Paweł Mąciwoda al bajo. A principios de 2006, lanzaron el DVD “1 Night in Vienna” con pistas en vivo y un documental.

“Humanity: Hour I”, lanzado en 2007, fue un álbum conceptual basado en una historia de Desmond Child y Liam Carl, que predice un mundo destrozado por una guerra civil entre humanos y robots. El álbum fue producido por James Michael y Desmond Child. También es de destacar el logotipo de la banda en la portada del álbum: la fuente del texto es similar a sus dos primeros álbumes, a diferencia del logotipo más famoso de la banda. Esta es solo la tercera vez en la carrera de la banda (y la primera vez en 33 años) que se utiliza una fuente menos familiar. Sin embargo, si uno mira de cerca, su logotipo más familiar se puede ver en la parte posterior del cuello del humanoide. “Sting in the Tail” fue lanzado en 2010. En ese momento era el álbum de despedida, lanzado antes de su gira de despedida. El sonido del álbum era similar al de los lanzamientos clásicos de los 80, pero con un toque moderno. En principio el álbum se llamaría “Humanity: Hour II”, pero finalmente se descartó. El álbum debutó en la posición Nº 23 en la lista Billboard 200, siendo el debut más alto de la banda en más de 20 años. “Comeblack”, de 2011 fue pensado como un álbum de regreso, tras su gira de despedida. La mitad del álbum presenta versiones regrabadas de sus propias canciones clásicas y la otra mitad versiones de canciones populares de rock de los años 60 y principios de los 70.

Versiones, versiones, versiones…

En 2013, la banda lanzó el álbum “MTV Unplugged in Athens”. El álbum incluía canciones clásicas interpretadas acústicamente, además de actuaciones en vivo de canciones no tan conocidas del repertorio de Scorpions. “Return to Forever”, decimoctavo álbum de estudio de la banda, fue lanzado en 2015, y contenía, además de alguna canción nueva, canciones inacabadas de “Blackout”, “Love at First Sting”, “Savage Amusement” y “Crazy World”. El batería James Kottak, que dejó la banda en mayo de 2014 para entrar en rehabilitación, volvió a tocar en este álbum. El 28 de abril de 2016, se anunció que el batería de Motörhead, Mikkey Dee, reemplazaría a James Kottak y tocaría la batería en 12 fechas en Norteamérica. El 12 de septiembre de 2016, Dee fue anunciado oficialmente como el nuevo batería de la banda.

Scorpions sigue dando guerra.

Scorpions ha vendido más de 110 millones de discos en total. Han lanzado 18 álbumes de estudio, 27 álbumes recopilatorios y 74 sencillos. Seis de sus singles han alcanzado el número uno en las listas de éxitos en diferentes países. Sus álbumes, singles, compilaciones y lanzamientos de videos han alcanzado el estatus de oro, platino y multiplatino 200 veces en diferentes países. Su música ha inspirado a grupos de muy diferentes estilos, desde el hard rock al black metal pasando por el thrash metal o el power metal. Vamos a continuar con uno de esos músicos que “grabó” su famoso “Love at First Sting”, el batería Bobby Rondinelli y la banda que lleva su nombre, Rondinelli.

Ray Gillen, Boby y Teddy Robdinelli y James Lomenzo.

Banda formada en 1984 por el experimentado batería Bobby Rondinelli, junto a su hermano Teddy a las guitarras, con un sonido Hard Rock típico de la época. Poco antes de comenzar este proyecto, Rondinelli grabó el álbum “Love at First Sting” de Scorpions. En 1985 los hermanos completaron formación con el bajista James Lomenzo y el cantante Ray Gillen. El grupo ganó cierta popularidad en todo el circuito de la costa este, despertando el intereses de compañías importantes. Como resultado, se grabó una demo a finales de 1985, poco después Lomenzo dejó el grupo para ir a White Lion, siendo reemplazado por Tommy Hendrikson. Esta formación duró hasta marzo de 1986, cuando Black Sabbath se puso en contacto con Gillen para reemplazar a Glenn Hughes. El proyecto se disolvió cuando Hendrikson se unió a los alemanes Warlock. En 1996 se editó esa primera demo con el añadido de cuatro temas en directo, al parecer como homenaje al recientemente fallecido Ray Gillen. En 2002 Rondinelli publico un segundo álbum, “Our Cross-Our Sins”, de nuevo con su hermano Teddy a las guitarras al que se sumó su tambien hermano Robert Rondinelli en los teclados, y los ex Black Sabbath Tony Martin a la voz y Neil Murray al bajo. Pero vamos a continuar con uno de los músicos que grabaron este álbum, el bajista James Lomenzo y la banda a la que fue tras abandonar a Bobby Rondinelli, White Lion.

Banda formada en Nueva York en 1983 por el vocalista danés Mike Tramp y el guitarrista estadounidense Vito Bratta. Junto al al batería Nicki Capozzi y al bajista Felix Robinson (ex Angel) grabaron en 1984 su álbum debut “Fight to Survive”, pero la compañía no contenta con la grabación se negó a lanzar el álbum rescindiendo el contrato de la banda. El álbum fue finalmente lanzado en Japón en 1985 y en Estados Unidos al año siguiente. Tras la grabación de su primer trabajo, Felix Robinson se fue y fue reemplazado por el bajista Dave Spitz (hermano del guitarrista de Anthrax, Dan Spitz). Dave Spitz se fue a finales de 1985 para unirse a Black Sabbath, y fue reemplazado por James LoMenzo. Nicki Capozzi fue posteriormente despedido y reemplazado por el ex batería de Anthrax Greg D’Angelo. Su segundo álbum, “Pride” de 1987, alcanzó el puesto número 11 en Billboard 200 y permaneció en el durante un año completo, vendiendo dos millones de copias solo en los EE.UU. consiguiendo el doble platino. La banda continuó su éxito con su tercer álbum, “Big Game” (1989) que alcanzó el estatus de Oro. Su cuarto álbum de 1991 “Mane Attraction”, fue bien recibido por los fans, pero desafortunadamente, el álbum no logró llegar al top 20 como los dos últimos álbumes. Recibiendo poco apoyo debido a la reciente explosión del grunge. Greg D’Angelo y James Lomenzo dejaron la banda poco después del lanzamiento del álbum, citando “diferencias musicales”, pero White Lion continuó con el bajista Tommy “T-Bone” Caradonna y el batería Jimmy DeGrasso. Después de una breve gira, Tramp y Bratta decidieron dar por terminado White Lion en 1992. Poco después su primer álbum recopilatorio, “The Best of White Lion” fue lanzado. Y con el bajista Dave Spitz, del que ya hemos hablado en otros episodios, continuamos, y su paso por esta banda de estilo similar a White Lion, los también norteamericanos Great White.

Formada en Los Ángeles en 1977 por el guitarrista Mark Kendall y el vocalista Jack Russell como Dante Fox para mas tarde convertirse en Great White. La banda se hizo popular en 1987 cuando lanzaron “Once Bitten…”, llegando al platino en abril de 1988. La banda siguió con “…Twice Shy” en 1989, álbum que fue certificado platino en julio y doble platino en septiembre. Ya en los 90 Great White grabó “Hooked” en 1991, que fue certificado oro, y Psycho City un año después. Capitol publicó el recopilatorio “The Best of Great White: 1986-1992” en 1993, cuando Great White ya había dejado el sello. La banda continuó lanzando material nuevo en la década de 1990, aunque ninguno de sus materiales llegó a las listas de Estados Unidos, disolviéndose en 2001. Poco después, el vocalista Jack Russell comenzó a hacer giras como Jack Russell’s Great White, un grupo que no incluía al guitarrista y cofundador de la banda, Mark Kendall.

Así quedó la sala tras el incendio.

La banda volvió a ser noticia el 20 de febrero de 2003. Al comienzo de una actuación en el club nocturno “The Station” en Rhode Island, la pirotecnia utilizada por el equipo de la banda creó una lluvia de chispas que encendieron el material de espuma que insonorizaba el techo. Cien personas, incluido el guitarrista Ty Longley, murieron en el incendio. Aproximadamente 115 supervivientes resultaron gravemente quemados, mutilados y desfigurados de forma permanente. Aunque la banda estaba actuando oficialmente bajo el sobrenombre de Jack Russell’s Great White en el momento del incidente los medios se refirieron a ellos como Great White. La banda se reformó en 2006, y en 2011, Russell dejó la banda y comenzó a realizar giras de nuevo como Jack Russell’s Great White. Tras varios problemas legales Great White continuo con el vocalista Terry Ilous (XYZ) grabando en 2012 “Elation”, duodécimo álbum de estudio de la banda, y “He Saw It Comin'” en 2017, antes de ser reemplazado en 2018 por Mitch Malloy. Con su vocalista original continuamos, y su participación el este álbum de Herman Rarebell, batería de la banda protagonista de este episodio.

En 1982 Rarebell decidió comenzar un proyecto en solitario, y más tarde ese año lanzó el álbum titulado “Nip In the Bud”. El álbum se volvió a grabar en 1985 con el nombre cambiado a “Herman Ze German & Friends” y contó con músicos como Jack Russell (Great White), Stephen Marriott (Small Faces), Juan Crucier (Ratt), Charlie Huhn (Victory) y Don Dokken (Dokken), quien se encargó de la mayoría de las voces. Hasta el día de hoy sigue siendo el único miembro de Scorpions que ha lanzado un proyecto en solitario cuando todavía era miembro de la banda. Con uno de los vocalistas que aparecen en este álbum continuamos, Don Dokken y su banda Dokken.

Dokken fueron los protagonistas del primer podcast de Rock en cadena así como de la primera entrada publicada de este blog https://rockencadena.home.blog/2018/12/02/programa-no1/ así que vamos a centrarnos en su segundo álbum de 1984 “Tooth and Nail”. Después del lanzamiento de su álbum debut de 1981, Dokken firmó un contrato con Elektra Records y finalmente lanzó el álbum en su país de origen en 1983, pero la reedición remezclada fue un fracaso comercial, y Elektra meditó en dejarlos. La agencia de managers del grupo convenció al sello para que financiara el lanzamiento de otro álbum. Mientras tanto, el bajista Juan Croucier había dejado Dokken para unirse a Ratt y el guitarrista George Lynch había renunciado y vuelto a unirse varias veces. Fue evidente desde el principio una manifiesta incompatibilidad de carácter entre Lynch y el vocalista Don Dokken, lo que les impidió trabajar juntos y más de una vez se intensificó en abierta hostilidad. Durante las idas y venidas de Lynch, Dokken probó a otros guitarristas, incluido Warren DeMartini de Ratt. Lynch audicionó para la banda de Ozzy Osbourne como reemplazo del difunto Randy Rhoads, pero no fue seleccionado, volviendo con Dokken después del lanzamiento de su primer álbum en los Estados Unidos. Jeff Pilson, se unió a la banda como bajista en 1984.

Lynch, Don, Pilson y Brown en 1984.

Antes de que comenzara la preproducción, Don Dokken propuso como productor a su amigo alemán Michael Wagener, productor de su primer trabajo. Como era de esperar, la amistad de Wagener con Dokken y la insatisfacción de Lynch por el sonido de su álbum debut llevó al rechazo de la propuesta del cantante por parte del resto de la banda. Elektra Records seleccionó al experto Tom Werman para producir el álbum, quien estuvo presente en los ensayos y ayudó a seleccionar y arreglar las canciones antes de que comenzara la producción con el veterano ingeniero de sonido Geoff Workman, cuya personalidad y comportamiento errático no encajaba fácilmente con la dirección de Werman. Esta relación problemática solo se sumó al creciente choque de egos entre Lynch y Dokken, que se vio agravado aún más por el abuso de cocaína y alcohol por parte de músicos y técnicos. Werman estableció el horario de trabajo para evitar la presencia del guitarrista y vocalista en el estudio, con el primero grabando con el resto de la banda a última hora de la mañana y por la tarde y el segundo por la noche. Este arreglo se mantuvo durante toda la grabación, ya que Lynch y Dokken nunca trabajaron juntos en el estudio de grabación.

Michael y Don…amigos para siempre.

Después de unas semanas de trabajo, la situación explotó cuando Lynch rechazó violentamente el consejo de Werman para algunos de sus solos de guitarra y se negó a trabajar de nuevo con el productor. Werman renunció, con Don Dokken solicitando nuevamente la contratación de Michael Wagener para completar las grabaciones y mezclar las pistas, algo que el resto de la banda continuó rechazando, poniendo en peligro el lanzamiento del álbum. Elektra cumplió con la petición de Dokken, pero contrató también al productor británico Roy Thomas Baker, famoso por su trabajo con Queen y por su estilo de vida algo mas relajada y permisiva, su tarea principal era mantener a la banda bajo control y ocupada mientras Wagener grababa la voz principal por la noche y mezclaba el álbum, con la ayuda, en secreto, de Dokken. “Tooth and Nail” recibió críticas positivas, pero las ventas fueron lentas, alcanzando el Nº 49 en la lista de álbumes Billboard 200 de EE.UU. y el Oro más de diez meses después de su lanzamiento, tras el éxito del sencillo “Alone Again” (tema inicialmente rechazado por Lynch) y del video musical que lo acompaña. El álbum fue certificado Platino en 1989, después de que tanto “Under Lock and Key” (1985) como “Back for the Attack” (1987) hubieran alcanzado tal estatus. El “polémico” Lynch nos lleva a la siguiente banda formada a dúo con otro grande de los 80, el Stryper Michael Sweet y este proyecto llamada Sweet & Lynch.

Sweet & Lynch, otra idea de Serafino Perugino, Presidente de la discográfica italiana Frontiers Records, que tanto bien hace a los amantes del Hard rock, quien une la voz de Stryper a las indiscutibles habilidades del maestro Lynch, ex Dokken. En 2015 se publicó su primer trabajo titulado “Only to Rise” lleno de temas con ese aire “ochentero” pero con una producción y un sonido acorde con los tiempos que corren. “Unified” de 2017, ofrece otro álbum repleto de riffs melódicos y ritmos pesados dando un paso mas dentro del hard rock. Además de los “protagonistas” del dúo Sweet & Lynch se acompañan del ex Megadeth y ex White Lion, James Lomenzo al bajo, y Brian Tichy, ex Whitesnake, a la batería, quien también fuera miembro de esta banda llamada China Rain.

Banda de Randy Jackson (Randy Jackson´s China Rain) mas conocido por su papel como líder de la banda Zebra. Su primer y único álbum fue editado en 1991 bajo el nombre de “Bed of Nails”, en un intento de “engancharse” al hard rock que había dominado el mercado a mediados y finales de los 80, Randy se acompaño en las composiciones por gente como Jack Ponti, Dave Sabo y Rachel Bolan de Skid Row o Mark Slaughter de Slaughter, pero un sonido demasiado cercano al AOR acompañado del auge del grunge en esos días hicieron del álbum un fracaso comercial. La banda, además de Randy a la guitarra y la voz, estaba compuesta por Ronnie Snow a la guitarra, Brian Tichy a la batería y Teddy Cook al bajo, musico que posteriormente grabó y giró como miembro de la banda del grandísimo Dio.

El genial Ronnie James Dio, quien en 1990 lanzaba su álbum “Lock Up the Wolves” con un cambio completo de músicos con respecto al anterior álbum, incluyendo al guitarrista de dieciocho años de edad, Rowan Robertson, el ex Yngwie, Jens Johansson a los teclados, Simon Wright a la batería, que había tocado con AC/DC desde 1983 hasta 1989 y el bajista Teddy Cook. “Lock Up the Wolves” mostró un aspecto diferenciado en su conjunto con trabajos anteriores. El álbum obviamente carece de un clásico (épico) como los de anteriores trabajos, pero aún así, contiene buenos temas, junto a otros en la que la “formula” que tantos éxitos le dieron en el pasado aquí aparecen repetitivos y aburridos. El álbum no tuvo éxito y terminó siendo dejado de lado por los críticos y por gran parte de sus fans. Entre las composiciones de “Lock Up the Wolves” aparecían dos temas firmados por el amigo y mítico bajista de Dio Jimmy Bain, quien como recordareis “participó” en la grabación de “Love at First Sting”, álbum de los protagonistas de este episodio, Scorpions, con los que me despido. Un saludo, te espero en el próximo episodio, y recuerda…Sube el volumen y disfruta!!!

Programa Nº22

Bienvenid@s a otra entrada mas del blog dedicado al podcast Rock en Cadena. Cambiamos radicalmente de estilo y nos vamos con uno de los “Big Four” del Thrash Metal, los neoyorkinos Anthrax. Comenzamos.

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Formados en Queens , Nueva York, en 1981 por el guitarrista Scott Ian y (por aquellos días también guitarrista) Dan Lilker. La banda lleva el nombre de la enfermedad del mismo nombre que Ian vio en un libro de texto de biología, elegida porque sonaba “suficientemente malvada”. La formación inicial de Anthrax estaba compuesta por el cantante John Connelly, el batería Dave Weiss y el bajista Paul Kahn. Kahn fue reemplazado brevemente por el bajista Kenny Kushner antes de que Lilker se hiciera cargo del bajo y Greg Walls se uniera como guitarrista principal. Weiss fue reemplazado por Greg D’Angelo. El hermano menor de Scott Ian, Jason Rosenfeld, fue vocalista temporal hasta que el ex compañero de escuela de Ian, Neil Turbin, se unió a la banda a finales de agosto de 1982. En esos días la banda grabó su primera demo. El guitarrista Greg Walls dejó Anthrax en el verano del 83 y fue reemplazado por Bob Berry, quien pronto fue reemplazado por Dan Spitz, quien anteriormente fue miembro de la banda de thrash de Nueva Jersey Overkill. Poco después se grabó una segunda demo. El bateria Charlie Benante reemplazó a D’Angelo (más tarde de White Lion) en septiembre de 1983.

“1983, con Turbin y Lilker”

A finales de 1983, el sello discográfico “Megaforce Records” de Jon Zazula, (quien había lanzado recientemente el álbum debut de Metallica, “Kill ‘Em All”, con gran éxito), accedió a firmar con Anthrax y la banda grabó el single “Soldiers of Metal”, producido por Ross the Boss (Manowar). El lado B era la canción “Howling Furies” rescatada de una demo anterior con Greg D’Angelo en la batería (su única grabación con ellos). Anthrax lanzó su álbum debut “Fistful of Metal” en enero de 1984. Sin embargo, las tensiones aumentaron entre Lilker y el resto de la banda, quienes argumentaron su “poca destreza con el bajo”, lo que finalmente llevó a la banda a despedir a Lilker, siendo reemplazado por el sobrino y roadie de Benante, Frank Bello.

En agosto de 1984, Neil Turbin y Anthrax tomaron caminos separados, Turbin había contribuido con ideas de canciones, letras, títulos y arreglos a la mayoría de las canciones del álbum, pero Ian y Benante sentían que necesitaban un control más estricto de la composición, yTurbin se vio obligado a dejar la banda. El periodista musical Eddie Trunk declaró años mas tarde que presionó a Zazula y Anthrax para que despidieran a Turbin de la banda. El cantante Matt Fallon fue contratado brevemente a finales de 1984, pero él y la banda pronto se separaron. Los miembros restantes decidieron tocar en vivo como un cuarteto anunciado como The Diseased, con Scott Ian en la voz, interpretando versiones de hardcore punk hasta que se pudiera encontrar un cantante permanente. En 1985, Joey Belladonna, quien no estaba demasiado familiarizado con el thrash metal, fue elegido como nuevo vocalista. El E.P. “Armed and Dangerous” marcó el debut discográfico de Belladonna ( y el de Frank Bello) a pesar de que incluía dos pistas en vivo de 1984 y las dos canciones del single “Soldiers of Metal” que tenían a Neil Turbin como vocalista.

“Spitz, Benante, Belladonna, Ian y Bello, sin duda los verdaderos Anthrax”

El segundo álbum de Anthrax, “Spreading the Disease”, fue lanzado en octubre de 1985. Este fue el último álbum de Anthrax que incluyó la composición de canciones de Turbin, ademas de ser el primero en presentar la composición del bajista Dan Lilker después de su salida de la banda. En 1986 Anthrax realizó una gira por Europa con Metallica, la gira se suspendió tras el accidente de autobús en el que murió al bajista de Metallica Cliff Burton.

El tercer trabajo de la banda “Among the Living” apareció en marzo de 1987, logrando el status de Oro en 1990. El álbum mostraba “el lado humorístico” y experimental de la banda, comenzando una tendencia lírica centrada en películas, cómics y novelas de Stephen King. “Among the Living” se basa en la novela de Stephen King “The Stand” (Apocalipsis en España), “I Am the Law” es un tributo al héroe del cómic Judge Dredd, numerosos personajes, escenarios y elementos de la historia del universo ficticio de Dredd se mencionan en la letra de la canción, siendo el título el eslogan del personaje. “Efilnikufesin (NFL)” (“nise fukin life” escrito al revés y traducido como “buena vida de mierda”) trata sobre la adicción a las drogas y la muerte del comediante John Belushi, así como “A Skeleton in the Closet” se basa en la novela de Stephen King “Apt Pupil” de la colección “Different Seasons”. El álbum estaba dedicado a la memoria de Cliff Burton. “I Am the Law” se publicó como sencillo respaldado por “I’m the Man”, un híbrido entre rap y metal.

“Y Belladonna dijo adios”

Anthrax regresó en 1988 con su cuarto álbum “State of Euphoria”, que alcanzó el número 30 en la lista Billboard 200 ademas de ser certificado Oro en 1989. El álbum continua con su linea de utilizar referencias de novelas/cine, con temas basados en novelas de Stephen King y películas de David Lynch, así como critica social. En 1990 Anthrax lanzó “Persistence of Time”, su trabajo mas “serio”, que superó el éxito de su trabajo anterior siendo más oscuro, más técnico y más progresivo, abandonando el “humor” y las referencias a los cómics/novelas/cine que eran comunes en sus álbumes anteriores. “Persistence of Time” llegó al Nº24 en la lista Billboard 200 y fue certificado oro en 1991. El álbum fue nominado en 1991 al Grammy en la categoría de Mejor Interpretación de Metal. Durante la composición del disco, el local de ensayo de la banda sufrió un incendio perdiendo mas de 100.000 dolares en equipo.

“buenos tiempos para el rap-metal”

En 1991, Anthrax colaboró ​​con Public Enemy en una versión de “Bring the Noise”. “Attack of the Killer B’s”, un álbum recopilatorio de caras B , versiones y rarezas, fue lanzado ese mismo año y contó con tres pistas de su E.P. “Penikufesin” de 1989, una nueva versión de “I’m the Man” y una versión de “Bring the Noise” en la que Ian hizo algunas voces. A finales de 1992, el cantante Joey Belladonna fue despedido de Anthrax por diferencias creativas y estilísticas.

Después de despedir a Belladonna, los miembros restantes de Anthrax audicionaron a varios vocalistas, John Bush, vocalista de Armored Saint, fue el elegido, de hecho, había sido presentado como un posible reemplazo de Belladonna unos años antes debido al abuso de drogas y alcohol por parte de este. La banda firmó con “Elektra”, lanzando “Sound of White Noise” en 1993, lo que significo un cambio con el trabajo anterior de Anthrax, con un sonido mas oscuro influenciado por el rock alternativo, a pesar de ello el álbum recibió críticas en su mayoría positivas, debutando en el puesto número 7 en las listas de Billboard 200, la posición más alta de Anthrax en las listas, ademas de alcanzar el oro. Después de “Sound of White Noise”, el guitarrista Dan Spitz dejó la banda, dejando a Anthrax como cuarteto durante dos años.

“Live: The Island Years” lanzado en 1994, fue el primer álbum en vivo de Anthrax, cuyo lanzamiento se debió a obligaciones contractuales restantes con su anterior compañía discográfica, tras la firma de la banda con “Elektra”. Como tal, la lista de canciones está elaborada a partir de dos fuentes dispares: la banda sonora del anterior vídeo casero de la banda “Live Noize”, grabado en 1991 y cintas de un concierto grabado en 1992 .El álbum presenta al vocalista Joey Belladonna, quien había sido reemplazado por John Bush dos años antes.

“Bush entra en escena…el cantante, no el presidente de U.S.A.”

En 1995, Anthrax lanzó su séptimo álbum de estudio “Stomp 442” (único álbum que no presenta el logotipo tradicional de la banda), en el que Charlie Benante interpretó la mayoría de las partes de la guitarra principal siendo asistido por Dimebag Darrell de Pantera y Paul Crook, quien más tarde se convirtió en el guitarrista principal de gira de la banda durante varios años. Debido a la escasa promoción del álbum, este tuvo menos éxito comercial que su predecesor, lo que hizo que Anthrax rompiera sus vínculos con el sello. La banda lanzo “Volumen 8: The Threat Is Real” en 1998, un trabajo con un sonido cercano al creciente Nu Metal. Al igual que en su anterior trabajo, Benante interpretó partes de guitarra principal junto con Crook y Darrell. Un año mas tarde se publicó el álbum de grandes éxitos “Return of the Killer A’s” que contiene la versión de “Ball of Confusion” (The Temptations) siendo la primera grabación de Anthrax con el ex cantante Joey Belladonna desde 1991, y la primera con el ex bajista Dan Lilker desde 1984. Ninguno de los dos permanecería con la banda después de la grabación de esa canción. Se planteó una gira con los dos vocalistas, Belladonna y Bush, pero Belladonna decidió no participar en el último minuto.

“No vamos a cambiar nuestro nombre”

A pesar de las dificultades y los enredos legales sobre los derechos del álbum, Anthrax continuó y en 2001, Rob Caggiano, guitarrista/productor se unió a la banda como guitarra solista. Durante los ataques de ántrax de 2001 en los Estados Unidos, la banda cambió su sitio web y bromeo sobre la posibilidad de cambiar el nombre de la banda. En 2003, la banda lanzó su noveno álbum de estudio, “We Come for You All” que a pesar de reactivar la banda de nuevo, no llego a ser un álbum “vendedor”.

En 2004, aparece “The Greater of Two Evils”, con canciones originalmente cantadas por Neil Turbin y Joey Belladona regrabadas por la alineación de Anthrax en esos días y “Music of Mass Destruction” segundo álbum en vivo de Anthrax que aparecio tanto en CD como en DVD. El bajista Frank Bello anunció poco después que dejaría la banda para unirse a Helmet, reemplazado por el miembro de Fates Warning y Armored Saint Joey Vera. En abril de 2005, se anunció que la formación “clásica” de Anthrax (Scott Ian, Charlie Benante, Dan Spitz, Joey Belladonna y Frank Bello) se reuniria para una gira. Aunque se esperaba que la formación grabara un nuevo álbum después de la gira, tanto Belladonna como después Bush, declinaron la oferta, lo que si se publicó fue “Alive 2”, tercer álbum en vivo y segundo DVD en vivo de la banda que incluye al entonces ex vocalista Joey Belladonna y al ex guitarrista Dan Spitz.

“Breve paso el de Dan Nelson -segundo izd- por la banda”

En diciembre de 2007, se anunció que el nuevo vocalista de la banda sería Dan Nelson y que Rob Caggiano regresaría como guitarrista principal. En julio, el manager de la banda confirmó la salida de Dan Nelson debido a una enfermedad. Nelson lo negó, diciendo que fue despedido. Todas las actuaciones posteriores fueron canceladas excepto el Festival Sonisphere del Reino Unido (y otras cinco en 2010), que contó con John Bush como vocalista.

A finales de 2009, Anthrax confirmó su participación en varios conciertos de los “Big Four” con Metallica, Megadeth y Slayer como parte de las fechas del Festival Sonisphere 2010 en Europa. John Bush decidió que no quería comprometerse con la banda a tiempo completo y dejó Anthrax por segunda vez, con Joey Belladonna regresando a la banda a principios de 2010. Uno de los shows de la gira (Sogia, Bulgaria), fue transmitido en cines y luego lanzado en DVD y Blu-ray.

“Worship music” fue lanzado el 12 de septiembre de 2011 y debutó en el puesto número 12 en las listas de álbumes Billboard Top 200, su posición más alta desde “Sound of White Noise” en 1993. Este trabajo fue calificado como una vuelta a las raíces de la banda. En enero de 2013, Anthrax anunció que el guitarrista principal Rob Caggiano había dejado la banda para unirse a Volbeat. Poco después se anunció que Jonathan Donais de Shadows Fall había sido contratado como guitarrista principal de gira de la banda, entrando como miembro oficial en agosto de ese año. En marzo, Anthrax lanzó el E.P. “Anthems” con versiones de rock de la década de 1970, así como dos nuevas versiones de la canción “Crawl” de “Worship Music”. Un año después se publicó un DVD en vivo, “Chile on Hellen” que contó con la actuación de la banda en 2013 en el Teatro Caupolican en Santiago, Chile. La banda lanzó en 2016 su undécimo álbum de estudio titulado “For All Kings”, ingresando en el número 9 en la lista Billboard 200, marcando la primera vez que la banda ha tenido un álbum en el top 10 de la lista desde “Sound of White Noise”, que fue lanzado en 1993 y debutó en el número 7. Sin duda un álbum con un sonido y una producción mas acorde con los tiempos que corren. En 2018 se publicó el DVD en vivo “Kings Among Scotland” grabado durante su gira de 2017 en Escocia.

“Ultima formación con Bello, Ian, Belladonna, Benante y Donais”

El grupo es considerado uno de los líderes de la escena thrash metal de los 80 y ademas de ser una de las primeras bandas del genero (junto con Overkill y Nuclear Assault) en emerger de la costa este. La banda ha lanzado 11 álbumes de estudio y 26 sencillos, vendiendo 2,5 millones de discos en los Estados Unidos de 1991 a 2004, con ventas mundiales de 10 millones. En sus primeros álbumes exhibía un sonido típico de thrash-metal y era conocido por el humor y las referencias a los cómics en las letras, distinguiendo a la banda de sus contemporáneos. En 1993 con la publicación de “Sound of White Noise” (el primer trabajo con el cantante John Bush), el grupo incorporó influencias del grunge y el metal alternativo en una linea más oscura, con un sonido más alternativo y groove metal. Desde la vuelta del cantante Joey Belladonna la banda ha vuelto a sus orígenes con un sonido mas refinado, así como producciones mas pesadas. Y con uno de sus miembros “originales” seguimos, el guitarrista Dan Spitz y su banda Red Lamb.

En 1995, Spitz dejó Anthrax para seguir una carrera en la relojería suiza de lujo, asistiendo a la escuela de relojería suiza “WOSTEP” con una beca completa. Fue certificado como Especialista en Complicaciones Mecánicas, obtuvo títulos suizos en ingeniería micro-mecánica y abrió su propio servicio de relojes de lujo para las operaciones norteamericanas de la empresa de relojes suizos “Chopard”. Spitz se regresó a Anthrax para una gira de reunión en 2005, apareciendo en el DVD “Alive 2”, dejando la banda nuevamente en 2008 para volver a su carrera como relojero. En 2010, Spitz formó una nueva banda de rock/metal cristiano, Red Lamb, nacida de las cenizas de su anterior banda DeuxMonkey, junto al vocalista Wade Black (Crimson Glory, Seven Witches), el bajista Peter Baltes (Accept) y el batería Patrick Johansson (Yngwie Malmsteen, W.A.S.P.), pero Black dejó la banda y el proyecto se transformó en Red Lamb. El álbum debut homónimo de Red Lamb fue lanzado en febrero de 2012 coproducido por Spitz junto a Dave Mustaine (Megadeth) quien escribió junto a Spitz las letras del álbum. La canción “Puzzle Box”, trata sobre el autismo, enfermedad que se diagnosticó a sus dos hijos gemelos a los 16 meses de edad. Desde entonces Spitz es un ferviente activista en la lucha contra esta enfermedad. El primer trabajo de Red Lamb ademas de contar con Spitz en las guitarras, contaba con el vocalista Don Chaffin, Chris Vrenna a los teclados, el bajista Randy Coven y el batería Patrick Johansson, este ultimo miembro, entre otras bandas, de este grupo Sueco/Esdadounidense llamado NorthTale.

Grupo de power metal formado a finales de 2017 por el guitarrista brasileño Bill Hudson, inicialmente como un proyecto en solitario mientras estaba de gira con UDO. Hudson reclutó a Christian Eriksson (Twilight Force) como vocalista y al batería de Yngwie Malmsteen Patrick Johansson. Los tres se conocían de coincidir en giras conjuntas con sus respectivas bandas. Para completar la banda, Eriksson contrató a su compañero sueco Mikael Planefeldt y a Jimmy Pitts como teclista. Su primer trabajo “Welcome to Paradise” se publicó en 2019. En junio de 2020, NorthTale anunció la marcha de Christian Eriksson, por diferencias musicales con respecto a su segundo álbum. Para ser sinceros el grupo no tiene nada nuevo que ofrecer, ya que el sonido y las composiciones del álbum no abandona el rol del Power Metal con temas rápidos y grandilocuentes tan típicos de este estilo, lo mas destacable sin duda es su guitarrista y creador Bill Hudson quien trabajó con la Trans-Siberian Orchestra, con las bandas alemanas de heavy metal UDO y Dirkschneider, ambas lideradas por el ex vocalista de Accept Udo Dirkschneider, la banda estadounidense de death metal I Am Morbid, con el ex líder de Morbid Angel, David Vincent, así como con Savatage, Jon Oliva’s Pain, Power Quest y esta buenisima banda con la que continuamos, Circle II Circle.

Circle II Circle es una banda estadounidense formada en 2001 por el ex vocalista de Savatage, Zachary Stevens. La banda se distingue por tocar géneros variados de metal, como el heavy metal tradicional, power metal y metal progresivo. Desde 2003 hasta hoy Circle II Circle ha lanzado siete álbumes de estudio, en los dos primeros contaba con la participación del ex cantante de Savatage Jon Oliva y el guitarrista Chris Caffery tanto en la composición como tocando en ellos. El grupo ha pasado por innumerables cambios de miembros, sin llegar a tener una base solida duradera. Y ya que el nombre de Savatage ha aparecido varias veces que mejor que continuar con ellos.

Banda de la que ya hablamos en anteriores episodios y que sin duda es considera como un miembro importante del movimiento de heavy metal estadounidense de principios y mediados de la década de 1980, ademas de ser una influencia clave en muchos géneros, como power metal, metal progresivo, speed metal, thrash metal, death metal y metal sinfónico. A pesar de todo ello, como ya dijimos en otro episodio, Savatage no ha sido una banda demasiado importante dentro del heavy metal, teniendo en cuenta la calidad tanto de sus composiciones como de su directo, todo ello acompañado de unos músicos de una calidad indiscutible como sus fundadores, los hermanos Oliva (Jon y Chris, voz/teclado y guitarra respectivamente), el vocalista Zachary Stevens, y los guitarristas Chris Caffery, Al Pitrelli y Alex Skolnick, este ultimo mas conocido por su trabajo en la banda que viene a continuación, Testament.

Banda estadounidense de thrash metal formada en 1983 bajo el nombre de Legacy. Testament es sin duda una de las bandas más populares e influyentes de la escena del thrash metal, así como uno de los líderes de la segunda ola del género de finales de los 80. Después de firmar con Atlantic Records en 1986, y cambiar su nombre de Legacy a Testament, lanzaron su álbum debut “The Legacy” en 1987, seguido un año después por “The New Order”. Sus siguientes cuatro álbumes de estudio: “Practice What You Preach” (1989), “Souls of Black” (1990), “The Ritual” (1992) y “Low” (1994) continuaron con el éxito de la banda, llegando el primero de los tres a entrar en el Top 100 de la lista Billboard 200. A lo largo de su carrera, Testament ha experimentado varios resurgimientos de popularidad, con sus dos últimos álbumes de estudio, “Dark Roots of Earth” (2012) y “Brotherhood of the Snake” (2016), entrando en el Top 20 en el Billboard 200. La banda lanzó su último álbum de estudio, “Titans of Creation”, el 3 de abril de 2020. La formación actual de la banda está formada por los guitarristas Eric Peterson y Alex Skolnick, el vocalista Chuck Billy, el batería Gene Hoglan y el bajista Steve Di Giorgio quien nos lleva a nuestra siguiente banda, bueno, en este caso solista.

Sebastian Philip Bierk, conocido profesionalmente como Sebastian Bach, es un cantante canadiense que alcanzó el éxito como líder de la banda de heavy metal Skid Row de 1987 a 1996. Mas tarde, actuó en Broadway ademas de realizar apariciones en cine y televisión. Tras ser despedido de Skid Row en 1996, Bach formó The Last Hard Men, con el guitarrista de Frogs Jimmy Flemion, el guitarrista de Breeders contratado para tocar el bajo Kelley Deal y el bateria de Smashing Pumpkins Jimmy Chamberlin . El grupo grabó un álbum homónimo de larga duración para Atlantic Records , que luego optó por no publicarlo, lanzándose en 1998 en una edición muy limitada y sin apoyo por parte de otra compañía. En 1999, Bach lanzó su álbum debut en solitario “Bring ‘Em Bach Alive!”, un álbum en vivo de canciones de Skid Row ademas de cinco nuevas grabaciones de estudio. Entre 2000 y 2003, Bach comenzó a actuar en producciones de Broadway (Jekyll & Hyde, The Rocky Horror Show y Jesus Christ Superstar). En 2007 publica “Angel Down” primer lanzamiento que presenta todo el material original grabado en estudio y donde aparece el bajista Steve DeGiorgio. “Kicking & Screaming” se lanzó en 2011 debutando en el Billboard Top 200 Album Chart en el puesto 73. “Give ‘Em Hell”, su “tercer” trabajo con material original apareció en 2014 y contaba con la participación de Duff McKagan (Guns & Roses) al bajo y los guitarristas Steve Stevens (Billy Idol) y John 5 (Marilyn Manson). En 2019, Bach realizó una gira con motivo del 30 aniversario del álbum debut homónimo de Skid Row, tocándolo en vivo en su totalidad. Otro de los músicos que lleva mucho tiempo colaborando con Bach seguimos, el batería Bobby Jarzombek, miembro entre otros de bandas como Riot, Halford, Iced Earth y actualmente miembro de la banda de metal progresivo Fates Warning.

Fates Warning es una banda estadounidense de metal progresivo formada en 1982 por el vocalista John Arch, los guitarristas Jim Matheos y Victor Arduini, el bajista Joe DiBiase y el batería Steve Zimmerman. Grupo pionero del movimiento de metal progresivo, Fates Warning es uno de los llamados “Tres Grandes” del género, junto con Queensrÿche y Dream Theater, bandas responsables de la creación, desarrollo y popularización del metal progresivo. Su trabajo inicial, influenciado por la nueva ola de heavy metal británico, también fue importante en el desarrollo del power metal estadounidense. Fates Warning ha lanzado doce álbumes de estudio, dos álbumes en vivo, un álbum recopilatorio, y tres DVDs (todos ellos en vivo). La banda experimentó un gran éxito comercial en EE.UU con el lanzamiento en 1986 de su tercer álbum de estudio, “Awaken the Guardian”, que alcanzó el puesto 191 en el Billboard 200, convirtiendose en el primer álbum lanzado en Metal Blade en entrar en esa lista. Sus siguientes tres álbumes, “No Exit” (1988), “Perfect Symmetry” (1989) y “Parallels” (1991), también alcanzaron cierto éxito. Fates Warning ha experimentado numerosos cambios de alineación, de 1982 a 1996, y temporalmente en 2010, Matheos y DiBiase fueron los únicos miembros originales restantes de la banda, siendo el primero el único miembro constante. Su formación actual está formada por el guitarrista Jim Matheos, el vocalista Ray Alder, el batería Bobby Jarzombekel y bajista Joey Vera, otro musico de lujo que entre su curriculum aparece esta banda llamada Armored Saint.

Formada en 1982, por los hermanos Phil Sandoval (guitarra principal) y Gonzo Sandoval (batería) con el guitarrista Dave Prichard a los que mas tarde se les unió John Bush a la voz y Joey Vera al bajo. Armored Saint lanzó su álbum debut “March of the Saint” en 1984 seguido por “Delirious Nomad” de 1985, momento en el que el guitarrista Phil Sandoval dejó el grupo. Su tercer álbum lanzado en 1987 “Raising Fear”, fue grabado por los cuatro miembros restantes. Poco después del lanzamiento de su primer álbum en vivo “Saints Will Conquer” y una formación de corta duración que incluía a Alan Barlam (entonces guitarrista de Hellion), Armored Saint agregó a Jeff Duncan (Odin), como guitarrista rítmico, mientras que Gonzo Sandoval dejó brevemente la banda siendo reemplazado por Eddie Livingston. El guitarrista Dave Prichard murió de leucemia el 27 de febrero de 1990, poco antes de que comenzaran las sesiones de grabación de “Symbol of Salvation”, lanzado en 1991 con bastante éxito. Después de una breve pausa, los hermanos Sandoval regresaron a la banda. En 1992, la banda contribuyó con la canción “Hanging Judge” a la banda sonora de Hellraiser III: Hell on Earth , incluida una breve aparición en la película. Varios meses después, a John Bush le ofrecieron el puesto de vocalista en Anthrax, inseguro del futuro de Armored Saint, Bush aceptó el trabajo. Los hermanos Sandoval intentaron audicionar a nuevos miembros para continuar con la banda, pero después de muchos intentos fallidos, Armored Saint se disolvió oficialmente. En 1999, con Anthrax en pausa temporal, John Bush y Joey Vera decidieron reformar Armored Saint. Toda la formación de “Symbol of Salvation” regresó al estudio, y en 2000 se lanzó el álbum “Revelation”. Al año siguiente, la banda lanzó “Nod to the Old School”, una colección de rarezas, demos y tomas descartadas (muchas de los años de Prichard), además de algunas pistas nuevas. La banda lanzó su sexto álbum titulado “La Raza” en 2010 seguido de “Win Hands Down” en 2015 y de su primer álbum en vivo en 29 años, “Carpe Noctum” publicado en 2017. Y de esta manera su cantante John Bush nos lleva a los protagonistas de este episodio, Anthrax. Espero que hayáis disfrutado de la lectura. Un saludo y recuerda…Sube el volumen y disfruta!!!

Programa Nº21

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Bienvenidos a una nueva entrada de Rock en Cadena. Volvemos a los años 80 con una de las bandas británicas mas importantes de esa década, una banda “llena estadios” con unas cifras de ventas de discos envidiables, ellos son Def Leppard. Comenzamos.

La banda, llamada originalmente Atomic Mass, estaba compuesta por Pete Willis en la guitarra, Rick Savage en el bajo y Tony Kenning en la batería, corría el año 1977. Con solo 18 años en ese momento, Joe Elliott hizo una prueba para la banda como guitarrista tras un encuentro casual con Willis después de perder un autobús en noviembre de 1977. Durante su audición se decidió que era más adecuado para ser el cantante principal. Elliott propuso el nombre “Deaf Leopard”, nombre que originalmente pensó mientras diseñaba carteles de bandas en la clase de arte. A sugerencia de Kenning, la ortografía se modificó ligeramente para que el nombre se pareciera menos al de una banda punk. En enero de 1978, Steve Clark se unió a la banda.

“Todo tiene un principio”

En noviembre, justo antes de las sesiones de grabación de lo que sería un lanzamiento de tres canciones conocido como “The Def Leppard E.P.”, Kenning abandonó la banda, siendo reemplazado para esas sesiones por Frank Noon. A finales de mes, Rick Allen , que entonces solo tenía 15 años, se unió a la banda como nuevo batería. Las ventas del E.P. se dispararon gracias al tema “Getcha Rocks Off” emitido repetidamente por el famoso DJ de BBC Radio 1, John Peel.

A lo largo de 1979, la banda consiguió una legión de fans entre los fanáticos del hard rock y el heavy metal británicos y fueron encumbrados entre los líderes de la nueva ola del movimiento de heavy metal británico. Su creciente popularidad les llevó a un contrato discográfico con el principal sello Phonogram/Vertigo (Mercury Records en los Estados Unidos). El álbum debut de Def Leppard, “On Through the Night”, fue lanzado el 14 de marzo de 1980. Aunque el álbum alcanzó el Top 15 en el Reino Unido, muchos de los primeros fans se decepcionaron tras intuir que la banda estaba tratando de atraer demasiado a las audiencias estadounidenses grabando canciones como “Hello America” ​​y haciendo más giras en los Estados Unidos (como apoyo a Pat Travers, AC/DC y Ted Nugent).

Durante una actuación en el Festival de Reading en agosto de ese mismo año se vio empañada cuando la audiencia expresó su descontento al arrojar a la banda latas de cerveza y botellas llenas de orina. Este incidente se atribuyó parcialmente a una portada de la revista Sounds, en la que se leía: “¿Ha cambiado Leppard de sito?”, acusando a la banda de venderse en el mercado estadounidense.

“Insert de High n´Dry”

Para entonces, la banda había llamado la atención del productor de AC/DC, Robert John “Mutt” Lange , quien aceptó trabajar en su segundo álbum, “High ‘n’ Dry”, lanzado el 6 de julio de 1981. El enfoque meticuloso de Lange en el estudio les ayudó a comenzar a definir su sonido. A pesar de las bajas cifras de ventas del álbum, el vídeo de la banda para ” Bringin ‘On the Heartbreak ” se convirtió en uno de los primeros vídeos de metal reproducidos en MTV en 1982, lo que le dio a la banda una mayor visibilidad en los Estados Unidos. Después del lanzamiento del álbum, siguieron las giras europeas y americanas.

Hacia el final de las sesiones de grabación de su tercer álbum, “Pyromania”, lanzado el 20 de enero de 1983 y también producido por Lange, Willis, fue despedido por abuso excesivo de alcohol y fue reemplazado por el guitarrista Phil Collen, quien contribuyó con algunos solos de guitarra y partes de guitarra adicionales que aún no habían sido grabadas por Willis. El sencillo principal, “Photograph”, convirtió a Def Leppard en un grupo popular, reemplazando a “Beat It” de Michael Jackson como el vídeo más solicitado en MTV. El álbum fue un cambio de las raíces tradicionales del heavy metal de la banda hacia un glam metal y hard rock más “comercial”

“Phil Collen ya aparece en los vídeos”

“Pyromania” vendió seis millones de copias en 1983 (más de 100.000 copias cada semana en ese año) y se mantuvo en la cima de las listas de éxitos de EE.UU. sólo eclipsados por “Thriller” de Michael Jackson . El éxito del álbum, fue el catalizador del movimiento “pop-metal” de los 80. En 2004, “Pyromania” obtuvo la certificación Diamante y vendió más de 10 millones de copias en Estados Unidos. En 1983 y tras su gran éxito, la banda comenzó a escribir un nuevo album. Mutt Lange se unió inicialmente a las sesiones de composición de canciones, pero luego de repente se negó a regresar como productor debido al agotamiento. Jim Steinman (productor del “Bat Out of Hell” de Meat Loaf) fue contratado. Sin embargo, Steinman trabajó brevemente con la banda.

“Monsters of Rock 1986”

El 31 de diciembre de 1984, el batería Rick Allen perdió el brazo izquierdo en un accidente automovilístico. Allen conducía con su novia holandesa, Miriam Barendsen, cuando su Corvette se salió de la carretera en una curva cerrada y atravesó un muro de piedra. A pesar de la gravedad del accidente, Allen se comprometió a continuar con su papel como batería de Def Leppard, usando sus piernas para hacer parte del trabajo de batería que antes hacía con los brazos. Trabajó con la compañia Simmons para diseñar una batería electrónica personalizada. Los otros miembros de la banda apoyaron la recuperación de Allen y nunca buscaron un reemplazo. Durante este período, Mutt Lange regresó como productor. Def Leppard trajo a Jeff Rich, batería de Status Quo, en agosto de 1986 para tocar junto a Allen durante la mini gira de calentamiento de Def Leppard por Irlanda hasta que Allen pudiera tocar solo. El regreso de Allen se selló en Monsters of Rock de 1986.

Después de más de tres años de grabación, el cuarto álbum de Def Leppard, “Hysteria” , fue lanzado el 3 de agosto de 1987. Uno de los primeros sencillos del álbum, “Animal”, se convirtió en el primer Top 10 de la banda en el Reino Unido, alcanzando el Nº6 en la lista de singles del Reino Unido. “Animal” también comenzó su racha de diez sencillos consecutivos en el Top 40 del Billboard Hot 100 de EE.UU.” Hysteria” encabezó inmediatamente las listas de álbumes del Reino Unido en su primera semana de lanzamiento, pasando 105 semanas en la lista. Las ventas iniciales en Estados Unidos fueron relativamente bajas (en comparación con “Pyromania”) hasta el lanzamiento del cuarto single, “Pour Some Sugar on Me”. La canción alcanzó el número 2, e “Hysteria” finalmente alcanzó la cima del Billboard 200 de EE.UU. en julio de 1988.

“Hysteria” es uno de los pocos álbumes que tiene siete sencillos o más en el Hot 100 de EE.UU.: “Women” (#80), “Animal” (#19), “Hysteria” (#10), “Pour Some Sugar on Me “(# 2),” Love Bites “(# 1),” Armageddon It “(# 3) y” Rocket “(# 12). Permaneció en las listas durante tres años y ha vendido más de 25 millones de copias en todo el mundo. Igualmente de exitosa fue la gira de acompañamiento de 16 meses, en la que la banda actuaba en un escenario circular.

“Su famoso escenario circular, también usado en la gira de “Adrenalize”.

Después de “Hysteria”, la banda se dispuso rápidamente a trabajar en su quinto álbum, con la esperanza de evitar otra brecha prolongada. El alcoholismo de Steve Clark empeoró hasta el punto de que constantemente entraba y salía de rehabilitación. Las sesiones de grabación sufrieron esta distracción y, a mediados de 1990, se le concedió a Clark un “permiso” de seis meses fuera de la banda. Clark murió en su casa de Londres a causa de una mezcla de medicamentos recetados y alcohol el 8 de enero de 1991. Los miembros restantes de la banda decidieron continuar y grabaron el álbum como un cuarteto. El quinto álbum de Def Leppard, “Adrenalize” , fue finalmente lanzado el 31 de marzo de 1992. El álbum entró simultáneamente en el número uno en las listas de álbumes del Reino Unido y Estados Unidos, permaneciendo en este último durante cinco semanas. Entre finales de 1991 y principios de 1992, comenzaron las audiciones para otro guitarrista. Entre los guitarristas que audicionaron se encontraban Adrian Smith, John Sykes y Gary Hoey. Al final, la banda eligió a Vivian Campbell (Dio y Whitesnake). En abril de 1992, Def Leppard apareció en el concierto tributo a Freddie Mercury en el estadio de Wembley, interpretando tres canciones, “Animal”, “Let’s Get Rocked” y ” Now I’m Here ” de Queen con el guitarrista Brian May . Joe Elliott interpretó más tarde “Tie Your Mother Down” con los miembros restantes de Queen y el guitarrista de Guns N ‘Roses, Slash. Ese concierto sirvió como presentación del nuevo guitarrista. La banda se embarcó en una nueva gira mundial pero la suerte de la banda comenzó a verse afectada por el auge del grunge.

Una colección de caras B y pistas inéditas grabadas entre 1984 y 1993, llamada “Retro Active”, fue lanzada en octubre de 1993, precedida por el éxito de la balada acústica “Two Steps Behind” (de la película Last Action Hero de Arnold Schwarzenegger). “Retro Active” ha vendido 3 millones de copias en todo el mundo hasta la fecha. En 1995, Def Leppard publicó su primera colección de grandes éxitos, “Vault: Def Leppard Greatest Hits (1980-1995)”, que alcanzó el número 3 en el Reino Unido y vendió más de 5 millones de copias en los Estados Unidos. El álbum incluyó una nueva pista, la balada “When Love & Hate Collide”, que se convirtió en su mayor éxito en el Reino Unido, alcanzando el nº 2 en la lista de singles de ese país.

“Malos tiempos para el hard rock. ¿Adaptarse o morir?”

El 23 de octubre de 1995, la banda ingresó en el Libro Guinness de los Récords al realizar tres conciertos en tres continentes en un día (Tánger, Marruecos; Sheffield, Inglaterra; y Vancouver, Canadá).Su siguiente album, “Slang”, lanzado en mayo de 1996, marcó un cambio musical drástico para la banda al presentar letras más oscuras y un toque de rock alternativo. La recepción de la audiencia estadounidense para Slang y su gira posterior significo un descenso importante de éxito con respecto a la década anterior.

Tras un repunte de popularidad en USA, Def Leppard volvió a su sonido clásico con el álbum de 1999 “Euphoria”. El primer sencillo, “Promises”, reunió a la banda con Mutt Lange (ayudando en la composicion) llegando al #1 en las listas de Mainstream Rock de Estados Unidos durante tres semanas. En 2001, VH1 produjo y emitió “Hysteria – The Def Leppard Story”, una película biográfica que narraba la historia de la banda entre 1977 y 1986. El octavo álbum de Def Leppard, “X” , vio como la dirección musical de la banda se movia más hacia el pop y se alejaba de las raíces del hard rock de la banda. El álbum se convirtió en el menos exitoso de la banda, llegando al nº 11 en los EE.UU. y al nº 14 en las listas británicas. El 23 de mayo de 2006, Def Leppard lanzó un álbum de versiones titulado “Yeah!” . El disco era un homenaje a las canciones de rock clásico de su infancia, originalmente grabadas por Blondie, The Kinks, Sweet, ELO y Badfinger entre otros. Debutó en el número 16 en los EE.UU., siendo su décimo álbum Top 20 consecutivo. El 25 de abril de 2008, Def Leppard lanzó su primer álbum con nuevo material de estudio en seis años, “Songs from the Sparkle Lounge”. El álbum debutó en el número 5 del Billboard 200 en los EE.UU.

“En Las Vegas, a lo Sinatra”

En 2011, la banda lanzó su primer álbum en directo titulado “Mirror Ball – Live & More”, un álbum en vivo de dos discos, con tres nuevas pistas de estudio. El año siguiente, Def Leppard realizó una residencia de once espectáculos en el Hard Rock Hotel and Casino en Las Vegas, Nevada, del 22 de marzo al 13 de abril de 2013. La residencia, conocida como “Viva! Hysteria”, contó con un espectáculo de dos partes, con la primera mitad con Def Leppard abriendo para ellos, bajo el alias “Ded Flatbird“, (en broma llamada la mejor banda de covers de Def Leppard en el mundo), cuando luego tocaban canciones rara vez interpretadas en vivo. El set de apertura varió cada noche, desde tocar los mejores éxitos de álbumes como “On Through the Night”, “Slang” y “Euphoria”, a ser toda la primera mitad de High ‘n’ Dry. La segunda mitad, y “evento principal” fue Def Leppard, interpretando ellos mismos su álbum más vendido, “Hysteria” , de principio a fin. Un álbum en vivo, también titulado “Viva! Hysteria” fue lanzado el 22 de octubre de 2013.

En junio de 2013, Vivian Campbell anunció que había desarrollado linfoma de Hodgkin, una forma maligna de cáncer que afecta a las células de Reed-Sternberg, ubicadas en los ganglios linfáticos. Continuó actuando con Def Leppard, y no se cancelaron ni reprogramaron espectáculos. La sola idea de cancelar cualquier programa y no hacer nada disgustó a Campbell, creyendo que actuar sería la mejor “terapia” ante la enfermedad. En noviembre de 2013, anunció que estaba en remisión . Sin embargo, el cáncer resurgió y volvió a recibir quimioterapia. El undécimo álbum de estudio, titulado “Def Leppard” se lanzó el 30 de octubre de 2015. El álbum fue grabado en el estudio casero de Elliot, llamado Joe’s Garage, en Dublín , Irlanda.

Durante el descanso que siguió a su gira de 2015, Def Leppard dirigió el crucero de conciertos “Hysteria on the High Seas” a bordo del MSC Divina en enero de 2016. Joe Elliott enfermó de laringitis la noche de su actuación en el crucero. Esto llevó a la banda a actuar sin Elliott por primera vez en su historia. Vivian Campbell y Phil Collen cantaron como voces principales en dos canciones (de las siete que tocaron), además de dos canciones con la voz de Andrew Freeman y dos más con Eric Martin y Kip Winger . Además de esto el ex bajista de Dio y compañero de Campbell y Freeman en Last in Line, murió de cáncer de pulmón a bordo del barco esa misma noche, lo que provocó que Last in Line cancelara su actuación del día siguiente.

“Def Leppard surcando los mares”

El 10 de febrero de 2017, la banda lanzó “And There Will be a Next Time … Live from Detroit”, un doble álbum en vivo y vídeo del concierto. El 30 de noviembre de 2018, la banda lanzó una nueva recopilación de 2 discos, titulada “The Story So Far – The Best Of” . Además de 34 de los grandes éxitos de Def Leppard, la colección incluía una versión de la banda del éxito de Depeche Mode “Personal Jesus”, la nueva canción navideña “We All Need Christmas”, y el nuevo remix de “Rock On”. Entre el 24 de agosto y el 9 de septiembre de 2019, la banda realizo una segunda residencia en Las Vegas titulada “Def Leppard Hits Vegas — The Sin City Residency”. La formación actual de la banda, junto con los miembros anteriores Pete Willis y Steve Clark, fueron incluidos en el Salón de la Fama del Rock and Roll el 29 de marzo de 2019.

Def Leppard estuvo entre los grupos más exitosos de la nueva ola de bandas de heavy metal británicas a principios de la década de 1980. Combinaban el poder puro del metal con un énfasis pop en la melodía, ganchos pegadizos y armonías vocales que, sobre todo más adelante, contrastaban con las bandas de punk y metal contemporáneo más duras. La música de Def Leppard es una mezcla de hard rock, AOR , pop y elementos de heavy metal, con voces de múltiples armónicas y riffs de guitarra melódicos, algo que han tenido en comun los cuatro guitarristas que han pasado por la banda. Y con el “ultimo” en entrar en la banda continuamos, el gran Vivian Campbell que ademas de ser parte de bandas tan grandes como Whitesnake y Dio, forma parte de esta banda llamada Last in Line.

Banda de rock británico-estadounidense formada en Los Ángeles, California en 2012 por ex miembros de la formación original de Dio. El nombre de la banda proviene del álbum de Dio de 1984 “The Last in Line”. Después de la muerte de Ronnie James Dio en 2010, Vivian Campbell puso en marcha la idea de reunir a los miembros originales de Dio por primera vez desde su salida de la banda en 1986. La idea se hizo realidad cuando se unió a Appice, Bain y Schnell para una jam session con el vocalista Andrew Freeman en febrero de 2012. El 10 de noviembre de 2015, se anunció que Schnell ya no sería parte de la banda, ya que querían volver a la época en que grabaron como un cuarteto “Holy Diver”, antes de que Schnell se convirtiera en parte de Dio.

“Sin duda, uno de los grandes. D.E.P.”

“Heavy Crown”, lanzado en 2016 fu el álbum debut del grupo. El álbum fue producido por el bajista Jeff Pilson (Dokken, Foreigner). Este fue el último álbum en el que Jimmy Bain tocó el bajo antes de su muerte el 23 de enero de 2016 (de la que os he hablado anteriormente). Tras su muerte, la banda reclutó a Phil Soussan como su nuevo bajista, quien junto al resto de la banda grabó “II”, segundo álbum de la banda, lanzado en 2019 y producido por ellos mismos junto a Jeff Pilson. Con Soussan continuamos y su paso por la banda de otro de los grandes del Heavy, el loco Ozzy.

Soussan, tocó en el álbum de Ozzy Osbourne de 1986 “The Ultimate Sin” y coescribió el sencillo “Shot in the Dark”. Como Ozzy ya apareció en programas anteriores (y es muy probable que tenga el suyo propio), vamos a centrarnos en este álbum. “The Ultimate Sin” fue el cuarto álbum de estudio de Ozzy Osbourne lanzado el 22 de febrero de 1986. Es el segundo y último de los álbumes de Osbourne que presenta al guitarrista principal Jake E. Lee, y el primero con el batería Randy Castillo y el bajista Phil Soussan. El álbum llegó al platino en mayo de 1986 y fue galardonado con el estatus de doble platino en octubre de 1994. La mayoría de las letras del álbum fueron escritas por el bajista y letrista de Osbourne Bob Daisley, quien dejó la banda antes de grabar tras un desacuerdo con Osbourne, lo que provocó la contratación de un desconocido bajista llamado Phil Soussan. El futuro batería de Y&T y Megadeth, Jimmy DeGrasso, trabajó con Lee y Daisley en demos para el álbum, pero esta versión de la banda se vino abajo debido al compromiso de Osbourne con el concierto de reunión de Black Sabbath para el Live Aid en el verano de 1985. Castillo y Soussan finalmente reemplazaron a DeGrasso y Daisley una vez que comenzó la grabación. El título provisional del álbum fue “Killer of Giants” (cancion que aparece en el álbum). Osbourne optó por cambiar el título a “The Ultimate Sin” en el último momento. En 1987, después de que concluyeron las diversas giras en apoyo del álbum, el guitarrista Lee fue despedido inesperadamente por la esposa y manager de Osbourne, Sharon. La justificación específica para el despido de Lee sigue siendo desconocida. El bajista Soussan también se fue, con Bob Daisley entrando una vez más en la banda. Y ya que la cosa va de bajista continuamos con Mike Inez, quien fuera bajista de Ozzy años mas tarde y que ademas de pertenecer a Alice in Chains grabó para otro “grande” del rock, el guitarrista Slash y su proyecto llamado Slash’s Snakepit.

Slash’s Snakepit, banda formada por el guitarrista de Guns N’ Roses Slash en 1993. Aunque a menudo se describe como un proyecto en solitario o un proyecto, Slash afirmó que era una banda donde todos los miembros contribuían por igual. Después de la gira mundial de “Use Your Illusion I” y “Use Your Illusion II”, Slash construyó un pequeño estudio casero, apodado The Snakepit, sobre su garaje y comenzó a trabajar en demos de las canciones que había escrito durante la gira. Slash trabajó en las demos con el bateria y compañero de banda de Matt Sorum, más tarde se les unió el guitarrista Gilby Clarke y el bajista Mike Inez. Slash tocó los demos al cantante de Guns N ‘Roses, Axl Rose, quien rechazó el material, aunque más tarde querría usarlos para el próximo álbum de Guns N’ Roses. Slash decidió grabar las demos de Snakepit con Sorum, Clarke e Inez, añadiendo más tarde al ex guitarrista de Jellyfish en directo Eric Dover como vocalista principal. La decisión de grabar con Dover llevó a un desacuerdo entre Slash y Sorum, debido a que Slash no buscó la aprobación de Sorum antes de contratar a Dover. Su primer álbum, titulado “It’s Five O’Clock Somewhere”, fue lanzado en 1995. Ante la insistencia del sello discográfico, el álbum fue lanzado bajo el nombre de Slash’s Snakepit, en lugar de The Snakepit, a pesar de que Slash no quería que se usara su nombre. Durante la mitad de la gira la compañía retiro el apoyo financiero para la banda y Slash’s Snakepit se disolvió poco después con Slash volviendo a Guns N´Roses. Tras su salida de Guns N ‘Roses en 1996, Slash formó la banda de covers Slash’s Blues Ball. Después de una gira en 1997, Slash y el bajista de la banda, Johnny Griparic, formaron una nueva formación de Slash’s Snakepit formada por Slash, Griparic, el cantante Rod Jackson, el guitarrista Ryan Roxie y el batería Matt Laug (Roxie y Laug eran ex miembros de la banda solista de Alice Cooper). Grabaron y lanzaron un segundo álbum titulado “Ain’t Life Grand” en 2000. Para la gira, Keri Kelli se unió al grupo en lugar de Ryan Roxie, quien se fue tras la finalización del álbum. Sin embargo, después del ultimo show de la gira, Slash disolvió la banda debido a la falta de compromiso por parte de los otros miembros del grupo. Y ya que estamos con Slash seria imperdonable no recordar a su banda de siempre…Guns N´Roses.

Como la banda ya tuvo su programa https://rockencadena.home.blog/2019/01/07/programa-no3/, vamos a centrarnos en este directo llamado “Appetite for Democracy 3D”. El 13 de agosto de 2012, la banda anunció una residencia en The Joint en Las Vegas titulada “Appetite for Democracy”, celebrando el 25 aniversario del álbum debut de la banda, “Appetite for Destruction”, y el cuarto aniversario del álbum “Chinese Democracy”. El 21 de noviembre de 2012, la actuación de la banda en Las Vegas se grabó en 3D y se proyectó en los cines en 2014 antes de ser lanzada como “Appetite for Democracy 3D” el 1 de julio de 2014. Este es el primer lanzamiento en vivo en DVD de Guns N ‘Roses desde “Use Your Illusion I” y “Use Your Illusion II” en 1992. La portada presenta parte de la portada original prohibida de “Appetite For Destruction”.

El DVD vendió 4.800 copias en los Estados Unidos en su primera semana, y debutó # 1 en la lista de ventas de vídeos musicales de Billboard, vendiendo 6.400 copias en sus primeras dos semanas. En esos días la banda estaba compuesta por AXL a la voz, Dizzy Reed (quien participó en el primer álbum de Slash’s Snakepit a los teclados y piano) Chris Pitman a los teclados, Tommy Stinson al bajo, Frank Ferrer a la batería y los guitarristas Ron “Bumblefoot” Thal, Richard Fortus y DJ Ashba, conocido por su trabajo con bandas de hard rock como BulletBoys o Beautiful Creatures ademas de haber trabajado con varios artistas como Mötley Crüe, Drowning Pool, y Neil Diamond. Actualmente es el guitarrista principal de Sixx: AM, banda con la que continuamos.

Banda formada en 2007 por Nikki Sixx como un proyecto paralelo de este, quien en ese momento también era bajista de Mötley Crüe, ademas de contar con el guitarrista DJ Ashba y el vocalista James Michael. El nombre Sixx: AM es una combinación de todos los apellidos de los miembros ( Sixx, A shba, M ichael). La banda debutó en 2007 con “The Heroin Diaries Soundtrack” , que se basa en la autobiografía de Sixx, “The Heroin Diaries: A Year in the Life of a Shattered Rock Star”. El álbum no tenía batería “fisico” porque el cantante principal y guitarrista rítmico James Michael programó todas las baterías. El ex batería de Beautiful Creatures, Glen Sobel, fue el elegido para los directos. En 2008 editan dos E.P., uno en vivo titulado “Live is Beautiful” y grabado durante el Crüe Fest de Mötley Crüe en el verano de ese año, (con Tony Palermo como batería) y “X-Mas In Hell” solo en descarga digital. En 2011 aparece su segundo trabajo “This Is Gonna Hurt”, como el primer álbum que sirvió como banda sonora del primer libro de Nikki Sixx, este álbum es un complemento de su segundo libro del mismo nombre compuesto básicamente por fotografías, también se editó ne descarga digital su tercer E.P. “7” con siete temas acústicos de sus dos primeros trabajos. “Modern Vintage” su tercer álbum publicado en 2014 incorpora al batería Jeff Fabb y es el primero de la banda en no basarse en ningún libro. “Prayers for the Damned” (denominado “Prayers for the Damned, Vol. 1 en la portada del álbum) es el cuarto álbum de estudio de Sixx: AM. Es la primera mitad del álbum doble “Prayers for the Damned / Blessed”. Siete meses después apareció la segunda mitad, “Prayers for the Blessed”, para los dos trabajos Dustin Steinke fue el encargado de las baterías. Con Nikki Sixx y su banda “de verdad” continuamos…Mötley Crüe.

Al igual que sus “amigos” de Guns N´Roses, Mötley ya tuvo su programa https://rockencadena.home.blog/2019/09/05/programa-no10/ así que nos volvemos a centrar en el álbum donde aparece el vídeo anterior “Decade of Decadence 81-91” álbum recopilatorio de grandes éxitos publicado el 19 de octubre de 1991 que alcanzó el número 2 en Billboard 200 de los EE.UU. llegando al doble platino. Fue el sexto álbum de la banda en general y el primero de muchas recopilaciones de grandes éxitos. El álbum ahora está agotado, después de haber sido reemplazado por “Greatest Hits” en 1998 y por una reedición en 2009. La última recompilación presentaba un orden de canciones diferente, incluido material inédito. Las canciones, “Teaser”, “Rock ‘n’ Roll Junkie”, “Primal Scream”, “Angela” y “Anarchy in the UK” fueron reeditadas en la recompilación “Supersonic and Demonic Relics” en 1999, y los remixes de “Live Wire”,”Piece of Your Action”,”Home Sweet Home” y la versión en vivo de “Kickstart My Heart” fueron reeditadas en “Music to Crash Your Car para: Vol. 2” otro recopilatorio de Mötley. “Rock n ‘Roll Junkie” apareció en la película de Andrew Dice Clay, Las aventuras de Ford Fairlane, que contó con un cameo de Vince Neil. Con otro artista cuyo tema aparecía en esa misma banda sonora continuamos, Billy Idol.

Músico, cantante, compositor y actor inglés que posee la doble ciudadanía británica y estadounidense. Comenzó su carrera en la década de 1970en la escena punk londinense como miembro del grupo Generation X. Posteriormente, se embarcó en una carrera en solitario que lo llevó al reconocimiento internacional y convirtió a Idol en uno de los referentes de la llamada “segunda invasión británica”. Su debut en solitario, “Billy Idol” (1982), fue un éxito comercial, convirtiendo a Idol en un elemento básico de la entonces recién establecida MTV. “Rebel Yell” (1983), su segundo trabajo, siguió el mismo camino que el anterior llegando al doble platino en USA. En 1986, lanzó “Whiplash Smile”, en 1988 un recopilatorio titulado “Idol Songs: 11 of the Best”, siendo platino en el Reino Unido. Ya en los 90 publica, “Charmed Life”, lanzado en 1990, el sencillo principal, “Cradle of Love”, apareció en la banda sonora de Las aventuras de Ford Fairlane. La canción era famosa por su vídeo, que ganó el premio MTV Video Music Award de 1990 al “Mejor vídeo de una película”. El 6 de febrero de 1990, Idol estuvo involucrado en un grave accidente de motocicleta, que casi le costó una pierna. Una noche, mientras volvía a casa desde el estudio, fue atropellado por un automóvil cuando se salto un Stop, lo que requirió que le colocaran una barra de acero en la pierna. Poco antes de esto, el director de cine Oliver Stone había elegido a Idol para un papel en su película “The Doors”, pero el accidente le impidió participar de manera importante y el papel de Idol se redujo a una pequeña aparición. Idol interpretó al amigo bebedor de Jim Morrison, Cat. Tambien fue la primera elección de James Cameron para el papel del villano T-1000 en “Terminator 2: el juicio final” el papel se re escribió por completo como resultado del accidente, ademas fue propuesto para el papel del villano Jacob Kell en “Highlander: Endgame”, pero Bruce Payne fue elegido.”Charmed Life” fue el cuarto álbum de estudio de Idol lanzado en 1990, en contra del consejo de sus médicos, logró hacer apariciones para promover el álbum. En 1993 publicó Cyberpunk para después alejarse de la opinión publica centrándose en su vida personal. Una sobredosis de esteroides hizo que se centrase mas en su familia. Tras esto hizo un regreso musical con el lanzamiento de “Devil’s Playground” (2005) y nuevamente con “Kings & Queens of the Underground” (2014). Uno de sus músicos mas allegados, el guitarrista y compositor Steve Stevens, nos lleva a la siguiente banda, Atomic Playboys.

Atomic Playboys, banda formada por el guitarrista y compositor estadounidense Steve Stevens, conocido principalmente como el guitarrista y colaborador de composición de Billy Idol, ademas de haber tocado para Michael Jackson y Robert Palmer entre muchos otros. En 1987 ganó un Grammy a la Mejor interpretación instrumental pop por el tema de Top Gun “Top Gun Anthem”. El primer y único álbum homónimo de la banda se edito en 1989 con un sonido hard americano de la época, la portada fue diseñada por el mismísimo H.R. Giger el que creó el Alien de Ridley Scott para su peli de 1979. La banda contaba con la voz de Perry McCarty (ex Warrior), y los músicos de sesión Anton Fig y Thommy Price a las baterías y Kasim Sulton al bajo en tan solo una pista ya que el propio Stevens se hizo cargo del bajo en el resto de temas. Precisamente uno de los temas del álbum era una versión de los británicos Slade de su tema “Action”, tema que también versionaron los protagonistas de este blog en su álbum de “rarezas” “Retro Active”.

De esta forma llegamos a nuestros protagonistas Def Leppard, espero que hayáis disfrutado, nos vemos en la próxima. Y recuerda, “Sube el volumen y disfruta!!”.

Programa Nº20

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Bienvenid@s al blog del podcast Rock en Cadena. Esta vez dejamos atrás a los legendarios grupos de los 80, y nos sumergimos en los “no tan añorados” 90, y lo hacemos con una de las bandas mas representativas del llamado metal progresivo. Ellos son Dream Theater. Comenzamos.

Dream Theater se formó en Massachusetts en 1985 cuando el guitarrista John Petrucci, el bajista John Myung y el batería Mike Portnoy decidieron formar una banda mientras asistían al Berklee College of Music. LO hicieron bajo el nombre de Majesty. Según el documental de “The Score So Far…”, estaban esperando en la cola para comprar entradas para un concierto de Rush en el Berklee Performance Center mientras escuchaban a la banda. Portnoy comentó que el final de la canción “Bastille Day” sonaba “majestuoso”. Entonces se decidió que Majesty sería el nombre de la banda. Petrucci le pidió a su compañero de banda de la escuela secundaria Kevin Moore que tocara el teclado. Después de aceptar el puesto, otro amigo, Chris Collins entró como vocalista. Durante este tiempo, los horarios tan apretados de Portnoy, Petrucci y Myung los obligaron a abandonar sus estudios para concentrarse en su música, ya que sentían que no podían aprender más en la universidad. Moore también dejó su universidad, para centrarse en la banda.

“Majestic”

En los primeros meses de 1986 la banda grabó una colección de demos titulada “The Majesty Demos”, las 100 copias se agotaron rápidamente, las copias dobladas del cassette se hicieron populares dentro de la escena progresiva del metal. En noviembre de 1986, Chris Collins fue despedido.

Tras un año buscando reemplazo, Charlie Dominici, (15 años mayor que el resto de la banda y con más experiencia) consiguió el puesto. Esto les condujo a una estabilidad como banda que se vio reflejado en un aumento de conciertos y popularidad. Poco después de contratar a Dominici, se encontraron con que otra banda tenia el nombre de Majestic registrado, lo que les hizo tener que buscar otro nombre para la banda. Se propusieron y probaron varias posibilidades, entre ellas Glasser, Magus y M1. Finalmente, el padre de Portnoy sugirió el nombre Dream Theater, el nombre de un pequeño teatro en Monterey, California, convirtiéndose en el nuevo nombre de la banda.

“Charlie Dominici, vocalista de su primer trabajo”

Dream Theater firmó su primer contrato discográfico con Mechanic Records, una división de MCA, el 23 de junio de 1988 y se dispuso a grabar su álbum debut. “Dream and Day Unite” se lanzó en 1989 con mucho menos apoyo del esperado. Mechanic terminó rompiendo la mayoría de las promesas financieras que habían hecho a Dream Theater antes de firmar su contrato, por lo que la banda se limitó a tocar en la ciudad de Nueva York. La gira promocional del álbum consistió en solo cinco conciertos, todos los cuales fueron relativamente locales. Después del cuarto show, Charlie Dominici fue despedido porque la banda estaba empezando a sentir las limitaciones de su voz en función del estilo vocal que querían, sin embargo poco después, la banda Marillion le pidió a Dream Theater que les abriera en un concierto en el Ritz de Nueva York, por lo que Dominici tuvo la oportunidad de presentarse por última vez. Pasarían otros dos años antes de que Dream Theater tuviera un vocalista de reemplazo.

Después de la partida de Dominici, Dream Theater luchó con éxito para ser liberado de su contrato con Mechanic, durante ese tiempo la banda audicionó una gran cantidad de cantantes (entre ellas el ex líder de Fates Warning, John Arch), con alguno de ellos llego a realizar algún concierto, tocando la mayoría de temas de forma instrumental, incluso se presentaron bajo el nombre de YtseJam realizando conciertos instrumentales. En enero de 1991, el grupo recibió una demo de Kevin James LaBrie, de la banda de hard rock Winter Rose, quedando impresionados, reclutaron inmediatamente a LaBrie, quien “cambió” su nombre a James LaBrie para no “coincidir” con el otro Kevin. Durante los siguientes meses, la banda volvió a tocar shows en vivo (aún principalmente en Nueva York), Atco Records (ahora East West ), una división de Elektra Records , trtas escuchar una demo de tres temas, firmó a Dream Theater con un contrato de siete álbumes.

“La formación que “empezó” todo”

El primer álbum que se grabó bajo su nuevo contrato discográfico fue “Images and Words” (1992), llegando al Oro en EE.UU. y al platino en Japón. Un año mas tarde, dentro de su gira europea, la banda grabó su primer directo “Live at the Marquee”. Además, se lanzó una compilación de vídeos de sus conciertos japoneses (mezclados con imágenes fuera del escenario) como “Images and Words: Live in Tokyo”.

El tercer álbum de estudio de Dream Theater, “Awake” fue lanzado en 1994 en medio de una tormenta de controversias entre los fanáticos. Poco antes de que el álbum se mezclara, Moore había anunciado al resto de la banda que abandonaría Dream Theater, la banda tuvo que buscar un teclista de reemplazo antes de salir de gira. El ex de Yngwie Malmsteen/Dio, Jens Johansson, estaba entre los nombres más importantes para la audición, pero los miembros de la banda estaban ansiosos por ocupar el puesto con el teclista Jordan Rudess, invitandolo a tocar en un concierto de prueba con la banda en el Concrete Foundations Forum en Burbank, California. Aunque el espectáculo fue un éxito, y se le pidió a Rudess que ocupara el puesto permanentemente, optó por hacer una gira con The Dixie Dregs en su lugar, ya que le otorgó más libertad personal. Dream Theater contrató a su ex alumno de Berklee, Derek Sherinian, quien previamente había girado y grabado con Alice Cooper y KISS. Al final de la gira, la banda decidió tomar a Sherinian como reemplazo de Moore.

Con Sherinian en la banda se lanzó en 1995 “A Change of Seasons” un E.P. junto con una colección de canciones de un show en vivo grabado en Londres a principios de ese año. El contacto principal de la banda dentro del sello fue despedido y la compañía decidió pedir al grupo un sonido mas asequible para las emisoras de radio, incluso se reclutó al compositor/productor Desmond Child para “pulir” el sonido de Dream Theater. La banda tenía suficiente material para un álbum doble, pero se le pidio que lo redujera a un disco por razones de presupuesto, el resultado fue “Falling into Infinity” de 1997, en general, el álbum fue una decepción crítica y comercial, con unos fans decepcionados más familiarizados con el sonido anterior de la banda. Ademas surgieron los primeros conflictos creativos, con John Petrucci aceptando la petición de cambio de la etiqueta, todo lo contrario que Mike Portnoy. Durante la etapa europea de la gira mundial, se grabaron dos shows para un álbum en vivo titulado “Once in a LIVEtime”.

Tras acabar la gira Derek Sherinian abandonó el grupo, lo que hizo que de nuevo Portnoy y Petrucci “tanteasen” una vez más a Rudess para unirse a Dream Theater. En 1999, aceptó una oferta para convertirse en el tercer teclista de Dream Theater. En 1999, “Metropolis Pt. 2: Scenes from a Memory” fue lanzado con gran éxito de crítica, siendo elogiado como la obra maestra de la banda, a pesar de alcanzar el número 73 en la lista de álbumes de EE.UU. Como resultado de un ultimátum de Portnoy, el sello le dio a la banda un control creativo completo. La banda comenzó revisitando la continuación de “Metropolis – Part I”, que se había escrito parcialmente durante las sesiones de “Falling into Infinity” pero que no se había completado ni utilizado en ese álbum. Decidieron expandir la canción de 21 minutos en un álbum conceptual completo, con una historia que gira en torno a temas como la reencarnación, el asesinato y la traición.

“Con Rudess se completa la formación mas duradera y reconocida”

Para la última fecha de la gira norteamericana, en el Roseland Ballroom en la ciudad de Nueva York, se contrataron actores para interpretar a los personajes de la historia, ademas de un coro de gospel en algunas secciones de la actuación. El concierto fue filmado y finalmente lanzado a principios de 2001 como el primer lanzamiento de DVD de la banda, “Metropolis 2000: Scenes from New York”, que recibió la certificación de Oro en los Estados Unidos un año después. La banda también lanzó el cd “Live Scenes from New York”. La portada original representaba uno de los primeros logotipos de Dream Theater (el corazón ardiente de “Images and Words”, modelado en el Sagrado Corazón de Cristo) modificado para mostrar una manzana (como “la gran manzana”) en lugar del corazón, con Nueva York en el horizonte, incluidas las torres gemelas del World Trade Center, en llamas. En una desafortunada coincidencia, el álbum fue lanzado en la misma fecha que los ataques del 11 de septiembre. El álbum fue rápidamente retirado por la banda y fue relanzado por ilustraciones diferentes, aunque las pocas copias que se vendieron con la obra de arte original se han convertido en objeto de colección.

“La portada de la controversia”

Cuatro años después de que solicitaron a East West que les permitiera lanzar un álbum doble, finalmente tuvieron su oportunidad con “Six Degrees of Inner Turbulence” (2002). El primer disco consistió en cinco pistas de 7 a 13 minutos de duración, y el segundo disco se dedicó por completo a la pista del título de 42 minutos, que sigue siendo hasta la fecha la canción más larga que Dream Theater ha escrito. El album fue muy bien recibido por la crítica y los fans, debutando en las listas de Billboard en el número 46 y en las listas de Billboard Internet en el número 1.

Con “Train of Thought” (2003), la banda tenía como objetivo escribir un álbum más orientado a las canciones. Aunque fue un éxito de critica, su sonido de metal más directo enajenó a muchos de los fans del grupo, quienes habían sido atraídos por las raíces de rock progresivo de la banda. Durante la gira se registró “Live at Budokan”, lanzado en 2004, siendo un año mas tarde certificado como platino en los Estados Unidos. “Octavarium” fue lanzado en 2005 y llevó el sonido de la banda en otra nueva dirección. Sus ocho canciones incluyeron una continuación de la saga “12 pasos” de Portnoy (“The Root of All Evil”, pasos 6–7 en el plan de 12 pasos para la desintoxicación de su alcoholismo), así como la canción principal, “A Change of Seasons”, de 24 minutos. “Octavarium” recibió críticas mixtas por parte de los fans. En 2006 se lanzó “Score” con canciones de toda la historia de la banda, así como una segunda mitad acompañada por una orquesta sinfónica completa (la “Orquesta Octavarium”). Este lanzamiento fue el tercer DVD en vivo de la banda en ser certificado platino en los Estados Unidos. El noveno álbum de estudio de Dream Theater, “Systematic Chaos”, fue lanzado en 2007 llegando al número 19 en el Billboard 200. En 2008, la banda lanzó un álbum recopilatorio de dos discos titulado “Greatest Hit (… y 21 Other Pretty Cool Songs)”, el título hace referencia (en tono de broma) a la canción “Pull Me Under”, único éxito significativo de radio de la banda. También se lanzó un DVD llamado “Chaos in Motion 2007–2008”, con canciones grabadas en varios shows durante la gira.

Su décimo álbum, “Black Clouds & Silver Linings”, fue lanzado en 2009, debutando en el numero 6 en la lista de álbumes Top 200 de Billboard, con un total de 40,285 ventas en la primera semana, haciendo su entrada más alta en la lista. El álbum presentaba “The Shattered Fortress”, la última de la serie de canciones de Mike Portnoy sobre su recuperación en 12 pasos del alcoholismo. El 8 de septiembre de 2010, Mike Portnoy anunció que dejaría Dream Theater, citando como razones sus mejores relaciones en otros proyectos, agotamiento y su deseo de un descanso. Más tarde Petrucci reveló que originalmente, Portnoy no quería abandonar la banda; solo quería tomarse un descanso de cinco años. Finalmente redujo este número a alrededor de un año, solo después de que el resto de la banda rechazó su propuesta, Portnoy decidió renunciar. Después de que Portnoy dejó Dream Theater, las relaciones entre él y sus ex compañeros de banda se tensaron, aun así Portnoy esta dispuesto a volver cuando se lo pidan, pero al parecer LaBrie es quien a tomado los mandos de la nave y no parece añorar los tiempos con Portnoy.

Poco más de un mes después de la partida de Portnoy, Dream Theater comenzó a audicionar a futuros candidatos, estos fueron Mike Mangini, Derek Roddy, Thomas Lang, Virgil Donati, Marco Minnemann, Aquiles Priester y Peter Wildoer. El batería de Fates Warning, Bobby Jarzombek, también fue invitado a una audición, pero tuvo que rechazar la oferta debido a problemas de agenda. Los resultados de la audición no se hicieron públicos hasta abril de 2011 a través de una serie documental de tres partes de YouTube llamada “The Spirit Carries On”. En el último episodio de la serie, se reveló que Mangini era el seleccionado. Más tarde, Petrucci explicó que Portnoy se les acercó para reunirse después de haber seleccionado a Mangini; Para entonces, Mangini había dejado su trabajo como profesor en Berklee y se había comprometido con Dream Theater, por lo que la oferta de Portnoy fue rechazada.

Su siguiente álbum, “A Dramatic Turn of Events”, lanzado en 2001, debutó en el número uno en algunos países y alcanzó el octavo puesto en el Billboard 200. Aunque el álbum recibió críticas mixtas, ganó numerosos premios de publicaciones musicales y su sencillo principal, “On the Backs of Angels”, fue nominado a Mejor Interpretación de Hard Rock/Metal en los Premios Grammy 2012 , convirtiéndose en la primera nominación al Grammy de la banda. En 2013 apareció el duodécimo álbum homónimo de la banda, llegando al numero 7 en la lista Billboard 200 (tercer álbum consecutivo entre los 10 mejores). Además, el álbum ocupó el top 10 en 24 países, incluidos Japón, Alemania, Argentina, Países Bajos, Finlandia, Italia, Suiza, Canadá, Dinamarca, Noruega, Austria, Australia y Reino Unido. El séptimo álbum en vivo de Dream Theater, “Live at Luna Park”, grabado durante su anterior gira, fue lanzado ese mismo año.

“Los actuales DT”

Dream Theater lanzó en 2014 su octavo álbum en vivo en formato BlueRay, “Breaking the Fourth Wall”, grabado en vivo en The Boston Opera House. The Astonishing, un álbum conceptual ambientado en una sociedad futura distópica desprovista de música real, centrada en un conflicto entre un grupo de rebeldes y un imperio opresivo, fue lanzado en 2016, seguido en 2019 por “Distance over Time”, convirtiéndose en álbum más exitoso de la banda hasta la fecha, ocupando los 10 primeros puestos en 19 países (incluido el número uno en Alemania y Suiza). “Distance over Time” es el primer álbum de estudio de Dream Theater con un tiempo de ejecución de menos de una hora desde “Images and Words” de 1992, y el más corto desde el debut de la banda, “When Dream and Day Unite” de 1989.

Sin duda Dream Theater es una de las bandas mas grandes del metal progresivo (si no la mejor), la calidad y el virtuosismo de sus miembros es algo indiscutible que no solo se ve reflejado en Dream Theater, también en los innumerables proyectos en los que los miembros de la banda están o estuvieron involucrados, como este en el que su batería y fundador Mike Portnoy esta inmerso, The Winery Dogs.

La idea de la banda comenzó como un proyecto de Mike Portnoy y el bajista Billy Sheehan, con el objetivo de formar un power trio rock junto a un vocalista/guitarrista. Después de un proyecto fallido, llamado Bad Apple, con el guitarrista/vocalista John Sykes, el presentador del programa de entrevistas Eddie Trunk se enteró y sugirió que Richie Kotzen, quien previamente había tocado con Sheehan en la banda Mr. Big, fuera el elegido. El álbum debut homónimo de la banda fue lanzado en 2013 y en 2015 su segundo trabajo titulado “Hot Streak”. El sonido de The Winery Dogs esta claramente influenciado por un sonido de rock clasico como el de Led Zeppelin, Cream o Jimi Hendrix, así como artistas más nuevos como Soundgarden, The Black Crowes o Lenny Kravitz. Todo esto añadido al curriculum de sus tres componentes hacen de la banda un grandisimo grupo. Y con uno de ellos continuamos, el gran Billy Sheehan y su paso por la banda de este mítico y carismático vocalista, David Lee Roth.

A finales de 1985, Roth formó una virtuosa banda de acompañamiento compuesta por el guitarrista Steve Vai, el bajista Billy Sheehan y el bateria Gregg Bissonette. Con la producción del veterano productor de Van Halen, Ted Templeman, Roth lanzó su L.P. debut en solitario, “Eat ‘Em and Smile” en 1986, incorporando algunos de sus gustos musicales más eclécticos, como el jazz y el blues. El disco fue un éxito comercial y crítico generalizado, situándose en el número 4 en el Billboard Top 200, vendiendo más de 2 millones de copias solo en los EE.UU. Skyscraper fue el segundo álbum de estudio de David Lee Roth lanzado en 1988, producido por el propio Roth y Steve Vai. Skyscraper alcanzó el puesto número 6 en la lista de álbumes de Billboard y finalmente vendió dos millones de copias en los Estados Unidos. Poco después de su lanzamiento, Sheehan dejó la banda de Roth debido a diferencias musicales, siendo reemplazado a tiempo para la gira por el bajista Matt Bissonette, (hermano del batería Gregg Bissonette). La gira internacional fue una producción importante que presentó, en diferentes puntos durante cada concierto, a Roth surfeando sobre la audiencia en una tabla de surf suspendida de las vigas de los recintos, y bajando al centro del escenario en un ring de boxeo. El show también presentaba a la banda en una parte tocando tambores de acero caribeños y en un “acustico” donde la banda realizaba versiones acústicas de algunos clásicos del rock and roll. Después de la gira, Vai dejó la banda de Roth para seguir una carrera en solitario y grabar y hacer una gira con Whitesnake. Años mas tarde Vai formaría su propia banda llamada como el, Vai.

Vai dejó Whitesnake en 1990 para perseguir sus propios caminos musicales y formó una banda que incluía a Devin Townsend en la voz, T.M. Stevens en el bajo y Terry Bozzio en la batería. El grupo lanzó “Sex & Religion” en 1993, que se describió como de naturaleza visceral, combinando una sección de ritmo de metal compositivo y progresivo con los arreglos vocales de Devin Townsend. El álbum alcanzó el número 48 en el Billboard 200 de los Estados Unidos, el número 17 en la lista de álbumes del Reino Unido y también se ubicó entre los 60 principales en otros cuatro países. Durante la grabación surgieron bastantes conflictos entre los músicos implicados en el proyecto, dejando a Vai como único responsable de todo, esto hizo que la banda se separase después de acabar el álbum. Vai posteriormente realizó una gira solo con Townsend y varios baterías y bajistas de sesión. Con uno de los miembros de la banda que si grabaron el disco seguimos, el bajista T.M. Stevens, músico que ha girado y grabado con infinidad de solistas y grupos, como este proyecto llamado Mojo Bros.

Proyecto creado por Al Pitrelli y Joey Franco, guitarra y batería respectivamente, quienes estuvieron acompañados por Danny Miranda y T.M. Stevens al bajo, Derek Sherinian a los teclados, ademas de Joe Lynn Turner colaborando en los coros en uno de los dos únicos temas cantados en el álbum, y Burt Carey quien puso las voces en el otro tema. Tan solo editaron un trabajo en 1995, con 13 temas, (11 instrumentales) donde la pareja de músicos deja volar toda su creatividad. Estos dos músicos Neoyorquinos ya habían colaborado juntos en otra banda llamada Widowmaker.

Banda formada por el líder de Twisted Sister Dee Snider quien tras su fallido proyecto llamado Desperado, reclutó al bajista de estos, Marc Russel, al guitarrista Al Pitrelli y a Joey Franco, quien fuera compañero de Snider en el ultimo álbum de Twisted Sister, para formar Widowmaker, banda con un sonido algo mas duro (incluida la imagen) al que nos tenia acostumbrados en su anterior banda, aunque es cierto que recuerda a los inicios de Twisted Sister. Un primer trabajo, “Blood and Bullets” de 1992 que aun contenía algunos “descartes” de Desperado y que aun así sonaba mas crudo y “Stand by for Pain” de 1994 con un sonido mas cercano al grunge y que como la mayoría de bandas del hard de los 80 no supo adaptarse a ese estilo. La banda se disolvió engullido por el grunge que arraso con todo vestigio de tiempos pasados. Continuamos con Joey Franco, veterano batería que también colaboró con otro gran cantante de otra gran banda, el es Steve Walsh.

Steve Walsh, vocalista y teclista de los grandisimos Kansas, una de las bandas de culto de nuestros protagonistas del programa. Durante el tiempo de Walsh con la banda, grabó dos álbumes de gran éxito, “Leftoverture” de 1976 y “Point of Know Return” de 1977, ademas de grabar 12 álbumes de estudio, seis álbumes en vivo y numerosos singles. En 1978 fue invitado, así como el batería de Kansas Phil Ehart, a tocar en el segundo álbum en solitario de Steve Hackett (Yes), “Please Don’t Touch”. Cantó en dos de las canciones del L.P, “Narnia” y “Racing in A”. Hackett lanzó “Narnia” como sencillo, pero no antes de que la agencia de management de Walsh insistiera en que Hackett volviera a grabar la pista con otro vocalista para no confundir a los fanáticos de Kansas y hacerles creer que la canción era un nuevo lanzamiento de estos. John Perry, un cantante relativamente desconocido, fue contratado para grabar la voz de “Narnia” para el single. Walsh dejó Kansas en 1981 debido a diferencias creativas con el compositor principal de la banda Kerry Livgren. A principios de 1980, lanzó su primer álbum en solitario, “Schemer-Dreamer”. En 1982 formó una banda de rock llamada Streets, que lanzó los álbumes, “1st” en 1983 y “Crimes in Mind” en 1985 antes de disolverse. Kansas se separó en 1984, pero se reformó en 1985 con Walsh nuevamente a bordo. en 2000 Walsh lanzó su segundo álbum en solitario, titulado “Glossolalia”. En 2003 unió fuerzas con Daniele Liverani para formar la banda Khymera, donde cantó las voces principales en su primer álbum homónimo.En 2005 apareció su tercer álbum en solitario, “Shadowman”. En 2017, Walsh lanzó un álbum “en solitario” junto a Tommy Denander. El 30 de junio de 2014, Walsh anunció que se retiraría de Kansas después de 41 años, grupo con el que continuamos.

Banda de rock estadounidense que se hizo popular en la década de los 70 con exitosos como “Carry On Wayward Son” y “Dust in the Wind”. La banda ha producido nueve álbumes de oro, tres álbumes multiplatino, otro álbum de estudio de platino, un álbum doble de platino en vivo, y un sencillo de un millón de ventas, “Dust in the Wind”. Kansas estuvo en las listas de éxitos durante más de 200 semanas en las décadas de 1970 y 1980, ademas de giras con entradas agotadas en América del Norte, Europa y Japón. “Carry On Wayward Son” fue la segunda canción más escuchada en la radio estadounidense de rock clásico en 1995 y la número 1 en 1997. Debido a diferencias creativas sobre la dirección del grupo, su cantante principal Steve Walsh se fue en octubre de 1981. Fue reemplazado por el vocalista/ teclista/guitarrista John Elefante, quien encajaba perfectamente en el giro hacia el rock cristiano que pretendía el otro líder de la banda, el guitarrista Kerry Livgren, quien por esa época se había “reconvertido” al cristianismo. Elefante fue elegido entre más de 200 candidatos, tales como Sammy Hagar, Doug Pinnick o Ted Neeley (quien interpretó al personaje principal en la película Jesus Christ Superstar). Después de tan solo dos álbumes con la banda, Kansas se separó, volviendo en 1986 con Walsh de nuevo a las voces ademas del guitarrista de Dixie Dregs, Steve Morse, actual guitarrista de los legendarios Deep Purple, y que también participa en esta super banda de virtuosos llamada Flying Colors.

El objetivo de la banda, creada por el productor ejecutivo Bill Evans, es combinar música compleja con composiciones accesibles, o mas “comerciales”. Flying Colors esta formado por Neal Morse (Spock’s Beard), Dave LaRue (Dixie Dregs, Steve Morse Band, Joe Satriani, Steve Vai), Steve Morse (Steve Morse Band, Dixie Dregs, Deep Purple, Kansas) y Mike Portnoy (Dream Theater, Adrenaline Mob), lo que hace que el objetivo de “música compleja ” se cumpla, con el añadido del vocalista Casey McPherson. El álbum debut homónimo se lanzó en 2012., y debutó en el número 9 en la lista de Hard Rock de Billboard. “Live in Europe” fue su segundo trabajo, grabado en vivo durante su primera gira por Europa en 2012, dos años mas tarde, en 2014, lanzarían su álbum de estudio “Second Nature”, seguido en 2015 de otro directo titulado “Second Flight: Live at the Z7”, donde la banda “experimentó” con nueva tecnología de audio y vídeo en este lanzamiento. Uno de esos “experimentos” permitia a los oyentes moverse entre dos lugares en la sala mientras miraban el concierto, cada uno con su propia mezcla envolvente. Otra característica era una mezcla de audio en 3D para auriculares, donde cada fuente de sonido se colocaba en una ubicación específica alrededor del oyente. Los críticos lo sitúan entre los álbumes en vivo con mejor sonido jamás creados. “Third Degree” es el tercer álbum de Flying Colors, lanzado en 2019.

Y acabamos como empezamos, con Mike Portnoy, sin duda el “alma” de la banda a la que dedicamos este blog y el podcast de Rock en Cadena, Dream Theater. Espero que halláis disfrutado de la lectura. Hasta la próxima, y no lo olvides, sube el volumen y disfruta!!.

Programa Nº19

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Bienvenidos a una nueva entrada del blog dedicado al podcast Rock en Cadena. Esta vez volvemos con uno de los grupos míticos del hard rock, liderado por otro mítico (y polémico) guitarrista. Señoras y señores…RAINBOW

En 1973, Blackmore había dirigido Deep Purple a través de un cambio significativo de personal, con Ian Gillan y Roger Glover siendo reemplazados por David Coverdale y Glenn Hughes. Sin embargo, los nuevos miembros estaban ansiosos por agregar nuevos estilos musicales y Blackmore vio como la banda rechazaba “Black Sheep of the Family” (un tema de Quatermass) y “Sixteenth Century Greensleeves”. Blackmore decidió grabar la canción con Ronnie J. Dio a al voz, usando la banda de Dio Elf como músicos. Satisfecho con los resultados Blackmore decidió grabar un álbum completo, presentándolo como “Ritchie Blackmore’s Rainbow”, grabado entre febrero y marzo de 1975 en Musicland Studios en Munich, Alemania. El nombre de la banda fue tomado del Rainbow Bar and Grill en West Hollywood, California.

Blackmore, Dio y “los ELF”

La música de Rainbow se inspiró en parte en la música clásica descubierta por Blackmore cuando este comenzó a tocar el violonchelo para ayudarlo a construir progresiones de acordes interesantes, y en las letras sobre temas medievales que Dio escribía. Dio poseía un rango vocal potente y versátil que abarcaba desde el hard rock hasta las baladas.

Blackmore no estaba contento con llevar la alineación de Elf en vivo, asi que, poco después de que se grabara el álbum el guitarrista despidió a todos, excepto a Dio. Blackmore reclutó al bajista Jimmy Bain, el teclista estadounidense Tony Carey y el batería Cozy Powell. Esta formación también comenzó la primera gira mundial de la banda. La pieza central de la presentación en vivo de la banda fue un arco iris controlado por computadora que incluía 3.000 bombillas, que se extendían 40 pies a través del escenario. Un segundo álbum, “Rising”, fue grabado en 1976.

“Rainbow 1977…Mark III??”

En agosto de 1976, Blackmore decidió despedir a Carey, alegando que su estilo de tocar era demasiado complicado para la banda. Incapaz de encontrar un reemplazo inmediato, Carey fue reincorporado de nuevo, pero a medida que la gira mundial avanzaba, Carey se convirtio en el blanco de las bromas y el “humor” de Blackmore. Mas tarde Blackmore decidió que el bajista Bain no era no suficientemente bueno y lo despidió en enero de 1977. Poco después Carey siguió el mismo destino que el bajista. Blackmore, sin embargo, tuvo dificultades para encontrar reemplazos que le gustaran. En los teclados, después de audicionar a varios artistas de alto nivel, como Mark Stein de Vanilla Fudge, Matthew Fishery de Procol Harum y Eddie Jobson de Roxy Music, Blackmore finalmente seleccionó al canadiense David Stone, de la banda poco conocida Symphonic Slam. Para el bajo, Blackmore originalmente eligió a Mark Clarke, (ex Uriah Heep), pero una vez en el estudio para la grabación del siguiente disco, “Long Rock Live ‘n’ Roll”, Blackmore disgustado con el método de digitación de Clarke lo despidió en el acto y tocó el bajo en todas las canciones menos cuatro: la canción principal del álbum, “Gates of Babylon”, “Kill the King” y “Sensitive to Light”. El bajista de Widowmaker Bob Daisley fue contratado para grabar estas pistas, completando una nueva formación de la banda. Los primeros trabajos de Rainbow presentaban principalmente letras místicas con un estilo neoclásico de metal. Después del lanzamiento y la extensa gira mundial en 1977-1978, Blackmore decidió que quería llevar a la banda en una nueva dirección comercial lejos del tema “espada y brujería”. Dio no estuvo de acuerdo con este cambio y dejó Rainbow.

“El photoshop de la época”

La funda interior presenta una foto de doble página con lo que a priori parece una gran multitud en un concierto en vivo de Rainbow. Sin embargo, es una imagen de la multitud en un concierto de Rush con el lema del grupo cambiado por el título del álbum ademas de oscurecer las camisetas de Rush con las que aparecen sus fans.

Blackmore le pidió a su ex compañero en Purple Ian Gillan que reemplazara a Dio, pero Gillan lo rechazó. Después de una serie de audiciones, Graham Bonnet, ex cantante/guitarrista de The Marbles, fue el elegido. Powell se quedó, pero Daisley fue despedido y David Stone dejó la banda para ser reemplazado por el teclista Don Airey. Al principio, la banda audicionó a varios bajistas, pero a sugerencia de Cozy Powell, Blackmore contrató a otro ex miembro de Deep Purple, Roger Glover, como productor, bajista y letrista. El primer álbum de la nueva formación, “Down to Earth”, dio los primeros éxitos de la banda en las principales listas de singles , “All Night Long ” y el tema compuesto por Russ Ballard “Since you been gone “.

“Glover, Airey y Bonnet entran en acción”

En 1980, la banda encabezó el festival inaugural Monsters of Rock en Castle Donington en Inglaterra. Sin embargo, este fue el último concierto de Powell con Rainbow, quien ya había anunciado su intención de abandonar la banda, dado que no le gustaba la dirección cada vez más pop rock de Blackmore. Bonnet también renunció para seguir en solitario.

Para el siguiente álbum, “Difficult to Cure” (1981), Bonnet y Powell fueron reemplazados por los estadounidenses Joe Lynn Turner y Bobby Rondinelli, respectivamente. La canción principal del álbum era una versión de la Novena Sinfonía de Beethoven. El álbum dio a la banda su sencillo con más éxito en el Reino Unido, “I Surrender” (otra canción de Ballard), que alcanzó el Nº3. Después de la gira, Don Airey renunció por diferencias musicales y fue reemplazado por el también estadounidense David Rosenthal.

“El E.P lanzado en USA, ¿de que me suena la portada?”

Rainbow sonó con asiduidad en las estaciones de radio en los EE.UU dedicadas al AOR con el tema “Jealous Lover”, alcanzando el Nº13 en la lista de Rock Tracks de la revista Billboard. El tema fue publicado como el lado B de “Can’t Happen Here”, “Jealous Lover” se convirtió posteriormente en la canción principal de un E.P lanzado en los EE.UU. con una portada similar a “Difficult to Cure”.

El siguiente álbum de estudio de Rainbow fue “Straight Between the Eyes” publicado en 1982. El álbum tuvo más éxito en los Estados Unidos que su anterior trabajo. La banda comenzo a captar a un tipo de publico mas cercano al AOR. El sencillo “Stone Cold” fue una balada que tuvo cierto éxito en las listas (Nº1 en la lista de Rock Tracks de la revista Billboard) y su vídeo recibió mucha difusión en MTV. La exitosa gira de apoyo se saltó el Reino Unido por completo y se centró en el mercado estadounidense. Se filmó una fecha en San Antonio, Texas, el resultado fue el directo “Live Between the Eyes” también emitido repetidas veces en MTV. En 1983 Rainbow publica “Bent Out of Shape”, un álbum especialmente dirigido al mercado estadounidense, incluso el título es una frase utilizada mas en el ingles estadounidense que en el británico. El batería Bobby Rondinelli fue despedido en favor del ex batería de Balance Chuck Burgi. El álbum presentó el sencillo “Street of Dreams”. Blackmore afirmó en su sitio web que el vídeo de la canción fue prohibido por MTV por sus imágenes de “hipnotismo”, el Dr. Thomas Radecki de la Coalición Nacional sobre Violencia de Televisión criticó a MTV por transmitir el vídeo, contradiciendo la afirmación de Blackmore. La gira resultante vio a Rainbow regresar al Reino Unido, y también a Japón en marzo de 1984, donde la banda interpretó “Difficult to Cure” con una orquesta completa. El concierto también fue filmado.

“Ya me diréis si habéis sido hipnotizados”

En 1984 Deep Purple volvió a reunirme y Rainbow se disolvió. El grupo se despidió ese mismo año con el álbum “Finyl Vinyl”, compuesto a partir de pistas en vivo y lados B de singles. En 1993, Blackmore dejó Deep Purple permanentemente debido a “diferencias creativas” con otros miembros, y reformó Rainbow con miembros completamente nuevos, con el cantante escoces Doogie White, Paul Morris a los teclados, Greg Smith al bajo y John O’Reilly a la batería. La banda lanzó “Stranger in Us All” en 1995, y se embarcó en una extensa y exitosa gira mundial. El batería John O’Reilly fue reemplazado para la gira por Chuck Burgi quien ya habia sido miembro de la banda. John Miceli (Meat Loaf) se unió a la banda para los espectáculos de Estados Unidos, de febrero a mayo de 1997, más uno en Dinamarca.

“Unos reformados Rainbow”

El concierto de Düsseldorf, Alemania, fue filmado de manera profesional para el programa de televisión Rockpalast. Este show, inicialmente lanzado como bootleg (y considerado por muchos coleccionistas como el mejor de la carrera de Rainbow), fue oficialmente lanzado en 2013 por Eagle Records en CD y DVD como “Black Masquerade”. Los shows en vivo presentaron cambios frecuentes en el set list e improvisaciones musicales que resultaron populares entre los “coleccionistas” siendo muchos espectáculos buscados más de una década después. A pesar de todo, Blackmore dirigió su atención a su antigua pasión musical, la música renacentista y medieval. Rainbow fue disuelto una vez más en 1997. Blackmore, junto con su compañera Candice Night como vocalista, formaron Blackmore’s Night, banda influenciada por la música “renacentista”.

En 2015, Blackmore anunció que tocaría en el verano de 2016 conciertos “solo de rock” bajo el nombre de Ritchie Blackmore’s Rainbow, sus primeros shows de rock desde 1997. La nueva “alineacion” de Rainbow se anunció el 6 de noviembre de 2015, con el cantante hispano/chileno de Lords of Black, Ronnie Romero, el teclista de Stratovarius Jens Johansson, el batería de Blackmore’s Night David Keith y el bajista Bob Nouveau (Bob Curiano). A pesar de que Blackmore no tenia previsto lanzar nueva música, este reveló en una entrevista que Rainbow estaba en el estudio grabando dos nuevas pistas, una nueva canción, y también una “de las viejas”. “En lugar de hacer un álbum, podemos lanzar singles”, declaró. Rainbow lanzó el álbum en vivo “Memories in Rock II (Live)” en 2018, con el añadido de la canción final, “Waiting for a Sign”, grabada con la formación actual de la banda, siendo la primera canción de Rainbow en 23 años. También se publicó el tema “The Storm”, una auto-versión de Blackmore’s Night.

Sin ninguna duda Rainbow es considerada una de la bandas mas influyentes dentro del rock, ademas nadie puede discutir que Richie Blackmore es considerado uno de los más grandes guitarristas de la historia del rock y sin duda uno de los más influyentes. Es padre, junto a otros guitarristas de la época, de lo que luego sería llamado como “hard rock” y sobre todo, por su trabajo en Rainbow, impulsor de la aparición del rock con marcadas influencias “clásicas”, llamado mas tarde “metal neoclásico” o incluso power metal en las últimas décadas.

“La ¿ultima? formación de Rainbow”

La banda ha vendido más de 28 millones de discos en todo el mundo, a pesar de los continuos cambios de personal, con cada álbum de estudio grabado con una formación diferente, y dejando a Blackmore como el único miembro constante de la banda. Y con uno de eso músicos que iban y venían continuamos, el vocalista Grahan Bonnet quien tras su breve paso por la banda y la grabación de un disco en solitario se vio tentado por el ex UFO Michael Schenker para formar parte de Michael Schenker Group.

Michael Schenker, otro de músico que ya había sonado anteriormente en Rock en Cadena y que tras regresar de Japón en agosto de 1981, después de haber grabado el álbum en vivo “One Night at Budokan”, Schenker y su banda realizaron una breve gira por el Reino Unido. Después de la gira, Cozy Powell y Peter Mensch (manager de Michael Schenker Group) querían un mejor cantante para la banda y sugirieron a David Coverdale, pero Schenker quería a Graham Bonnet. Después de algunos desacuerdos, Mensch y la banda dejaron de trabajar juntos y Bonnet se unió al grupo en febrero de 1982. Mientras tanto, Powell y Paul Raymond abandonaron la banda por motivos personales y fueron reemplazados por el batería Ted McKenna y el teclista de sesión Tommy Eyre. Después de cuatro meses, la banda se fue a Francia para comenzar a grabar el álbum que se convertiría en “Assault Attack”. Sin embargo, Bonnet fue despedido del grupo después de un solo concierto, en el Politécnico Sheffield (ahora llamado Universidad Sheffield Hallam), cuando salio borracho al escenario. Uno de los músicos que grabó ese álbum que acompanó y acompaña a Michael Schenker nos lleva a la siguiente y poco conocida banda, GMT.

GMT fue una banda de los 80 llamada, formada por Mcauley tras abandonar Grand Prix y que contaba con Chris Glenn al bajo, el ex batería de Motörhead en esos días Phill Taylor, y el guitarrista alemán Marcus Schleicher. En principio Mcauley grabó unas demos con el ex guitarrista de Thin Lizzy y Motörhead Brian Robertson, quien renunció poco antes de la marcha del grupo a Alemania, donde se grabó el álbum. Al parecer una mala gestión del grupo y un escaso apoyo por la discográfica hicieron que tan solo se editara un mini L.P. en 1985 bajo el título de “Wargames”, con muy poca repercusión. Uno de los temas de ese mini L.P. apareció en la banda sonora de una película llamada Class of Nuke em high, de la productora “friki” Troma Entertainment compañía estadounidense de producción y distribución de películas independientes especializada en películas de bajo presupuesto, principalmente del género de terror, con elementos de comedia, parodia, gore y mucha sangre.Y con esa misma B.S.O. donde aparecen GMT continuamos ya que también aparece esta otra banda británica también poco conocida llamada Stratus.

“El hard rock y sus problemas para triunfar en U.K”

Banda británica formada por el ex batería de Iron Maiden Clive Burr, los hermanos Chris y Tino Troy de Praying Mantis (banda que en ese momento estaba inactiva), el teclista Alan Nelson y el ex cantante de Grand Prix Bernie Shaw. Originalmente se llamaban Clive Burr’s Escape, ya que grabaron algunas sesiones de estudio bajo ese apodo, y antes de establecerse como Stratus, se les conocía como Tygon y Stratas. La banda se alejaba bastante del enfoque utilizado por otras bandas de la New Wave Of British Heavy Metal, empleando un uso extensivo de teclados y armonías vocales con múltiples partes. Hicieron un solo álbum, “Throwing Shapes” en 1985, pero la historia salió mal y la banda se separó poco después de su lanzamiento. Los miembros de la banda siguieron con sus carreras, como los hermanos Troy, quienes retomaron su antigua banda con la cual continuamos, Praying Mantis.


Banda formada en 1973 (mucho antes de la aparición del NWOBHM) por los hermanos Troy. En 1980 la popularidad del grupo creció gracias a ser teloneros de Iron Maiden y Gamma, banda del guitarrista Ronnie Montrose. Uno de sus temas se incluyó en el recopilatorio “Metal for Muthas” lo que les valió un contrato discográfico con Arista Records publicando “Time Tells No Lies” en 1981. La inestabilidad del sello debilitó su éxito y Arista decidió no grabar un segundo trabajo. Al año siguiente firmaron para Jet Records, grabando dos singles que no tuvieron el éxito deseado y la banda se retiró. Durante la grabación de “Time Tells No Lies”, Praying Mantis grabó una versión de la canción “I Surrender” escrita por Russ Ballard, curiosamente Rainbow se adelantó con su versión convirtiendose en un éxito mundial, por el contrario, Praying Mantis lanzó “Cheated”, que alcanzó el número 69 en el UK Singles Chart en enero de 1981. Aunque formaban parte de la nueva ola de la escena británica de heavy metal, Praying Mantis se decantaron por una dirección musical más melódica y con sonido mas AOR que sus contemporáneos, lo que sin duda les hizo perder fuerza ante bandas como Saxon, Iron Maiden, Diamond Head o Raven.

“¿A quien le damos la autoria del disco?”

La banda mantuvo una fuerte base de admiradores en Japón y cuando los hermanos Troy reformaron temporalmente Praying Mantis para una gira de nostalgia de NWOBHM en 1990, la respuesta los alentó a resucitar a la banda. Su trabajo en vivo fue lanzado como “Live at Last” un álbum que contiene canciones de su primer álbum “Time Tells No Lies”, en realidad solo tiene seis pistas en el álbum de las catorce, siete de las cuales son canciones de Iron Maiden cantadas por su ex cantante, Paul Di’Anno, ademas de un tema de Lionheart, banda de otro ex Maiden, Dennis Stratton, quien mas tarde formaría parte de Praying Mantis de manera oficial.

Y con el mítico Paul Di´Anno continuamos, y esta banda llamada Battlezone.

Después de la ruptura de su banda homónima, Di’Anno formó Strike con DeeRal (guitarra) el batería Bob Falck y los hermanos Hurley, John (guitarra) y Chaz (bajo). El proyecto finalmente se llamó Battlezone. Mas tarde la formación paso a estar compuesta por Di’Anno, los guitarristas John Wiggins y John Hurley, el bajista Laurence Kessler y Adam Parsons en la batería. Sin embargo, Parsons se fue poco después y Falck reapareció a tiempo para grabar el primer álbum de la banda “Fighting Back” (1986). Battlezone realizó en 1987 una gira por clubes de EE.UU. pero las diferencias musicales y las peleas (físicas) dentro de la banda acabaron con la salida de John Hurley y Bob Falck al acabar la gira, siendo sustituidos por Graham Bath y Steve Hopgood (guitarra y batería). El segundo álbum del grupo se tituló “Children of Madness” alcanzando un considerable éxito comercial. El guitarrista Graham Bath, fue reemplazo por Alf Batz, quien se unió justo a tiempo a la banda en Nueva York para la filmación del vídeo “I Don’t Wanna Know” emitido con asiduidad en la MTV estadounidense. Las drogas y las luchas internas nuevamente golpearon a la banda. Hacia el final de la gira, la mayoría de los miembros habían dejado a Di’Anno quien tuvo que completar la gira con una banda de apoyo para cumplir con su contrato. A finales de 1989 la banda se disolvió. Y de nuevo un miembro de Battlezone nos lleva a nuestro siguiente grupo, el guitarrista John Hurley esta otra banda de la NWOBHM llamada Tokyo Blade.

Banda formada a finales de la década de 1970 bajo el nombre de White Diamond, que luego cambió a Killer en 1981 para mas tarde volver a cambiarse a Genghis Khan. La banda cambió su nombre nuevamente, firmando con un sello discográfico independiente grabando su primer álbum. Este álbum fue homónimo en todo el mundo, excepto en los Estados Unidos y Canadá, donde salió bajo el título de “Midnight Rendezvous” en 1984. De hecho, fue una recompilación de 4 grabaciones anteriores cuando se llamaron Genghis Khan y 4 canciones del álbum original. Cuando se lanzó el siguiente álbum, el vocalista Alan Marsh fue reemplazado por Vic Wright. El álbum “Night of the Blade” fue publicado en 1984 con Wright en la voz. Sin embargo, en 1998, una edición del álbum con la voz original de Marsh fue lanzada como “Night of the Blade … The Night Before”. El tercer disco de la banda, “Black Hearts & Jaded Spades” fue lanzado en 1985 por el propio sello de la banda en Europa y disponible en los Estados Unidos solo como importación. A finales de año, Tokyo Blade se disolvió. El guitarrista original Andy Boulton continuó grabando bajo el nombre de Andy Boulton’s Tokyo Blade, con una formación completamente nueva. Esta nueva encarnación de Tokyo Blade lanzó el álbum “Ain’t Misbehavin´” en 1987 y “No Remorse (con otra formación) en 1988, pero Tokyo Blade nuevamente se disolvió. A mediados de los 90 la banda volvió, grabando algunos álbumes con muy poca repercusión y apareciendo en festivales mas por “nostalgia” que por numero de fans. Tokyo Blade pasó por muchos cambios de formación, a menudo cambiando su estilo musical durante los años de actividad. Sin embargo, la banda todavía está activa hoy, con la mayoría de los miembros originales en la alineación. Uno de los que no esta es su segundo vocalista Vick Wright (Vicki James Wright) quien tras la disolución del grupo probó suerte cruzando el atlántico y formando esta banda llamada Johnny Crash.

Banda formada en 1985 por el ex cantante de Tokyo Blade Vick Wright (Vicki James Wright). Una banda con un sonido que en su día se comparó a AC/DC e incluso a sus contemporáneos Junkyard, Rhino Bucket o The Four Horsemen. En 1990, la banda lanzó su primer álbum, “Neighborhood Threat”, con Vicki James Wright (voz), August Worchell (guitarra), Christopher Stewart (guitarra), Stephen “Punky” Adamo (batería) y Terry Nails (bajo). El sencillo “Hey Kid” obtuvo cierto éxito y su vídeo recibió cierta notoriedad en MTV. El guitarrista JJ Bolt y los futuros miembros de Guns N ‘Roses, Dizzy Reed y Matt Sorum, se unieron a la banda para reemplazar a Worchell y Adamo. Sin embargo, antes de que se pudiera lanzar el segundo álbum, Johnny Crash fue eliminado por su sello discográfico, en ese momento Stewart sugirió mudarse a Europa, James Wright no estuvo de acuerdo y la banda se separó. En 1992, el bajista Andy Rogers murió de una sobredosis de heroína. En 2008 se publicó el álbum inédito “Unfinished Business”. Vicki James Wright , quien volvió a su nombre original, Vick Wright, se dedico al mundo cinematográfico como director de cine. Johnny Crash apareció en un C.D recopilatorio de la revista Metal Hammer titulado “Hammer Rocks” con su tema “Cruisin’ For A Bruisin”, donde también aparecían bandas como Love/Hate, Pink Cream 69, Suicidal Tendencies, Shark Island y esta buenísima banda danesa, que además compartió gira con Johnny Crash, llamados Pretty Maids.

Banda danesa de hard rock/heavy metal formada en 1981 por Ronnie Atkins y Ken Hammer. En 1983, la banda lanzó su primer E.P. titulado “Pretty Maids”, la buena aceptación de su trabajo les llevo a una gira por el Reino Unido ese mismo año. En 1984 la banda firmó con CBS Records, que remezclaron y relanzaron su E.P. homónimo con una portada diferente. En 1984, la banda lanzó su álbum debut “Red, Hot and Heavy” que fue un éxito. Su segundo álbum “Future World” , lanzado en 1987, fue grabado en la ciudad de Nueva York con el reconocido productor Eddie Kramer. Este álbum define el sonido de la banda, con temas “cañeros” mezclados con momentos más melódicos y comerciales, lo que podríamos definir como “metal melódico”. “Jump the Gun” de 1990 ofreció más de lo mismo, pero a pesar de que el sello discográfico hizo todo lo posible para romper las listas mundiales con este disco, nunca despegó, excepto en Japón. Se desconoce si fue falta de hits, marketing o simplemente fueron otra víctima mas de la música grunge, pero el disco no estuvo a la altura de las expectativas. La banda se separó, dejando solo a los miembros fundadores Ron Atkins y Ken Hammer. Precisamente “Jump the Gun” estaba producido por Roger Glover, bajista de Deep Purple y de la banda a al cual dedicamos el podcast de Rock en Cadena y este blog, Rainbow. Espero que hayáis disfrutado, nos vemos en otra entrada!!..y recuerda, sube el volumen y disfruta!!

Programa Nº18

Sed bienvenidos a un nuevo blog del potcast Rock en Cadena. Llega el verano, el calor y que mejor que hacerlo con este grupo que “subió” la temperatura de muchas (y muchos) fans allá por el 86. Una banda que rompió las listas de éxitos de muchos países. Mas famosos que sus compatriotas ABBA, ellos son Europe. Comenzamos.

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Formados en Estocolmo en 1979, como Force, integrada por el vocalista Joey Tempest, el guitarrista John Norum, el bajista Peter Olsson y el batería Tony Reno. La banda envió varios demos a compañías discográficas, pero se les dijo que para ser publicados tenían que cortarse el pelo y cantar en sueco. Dos años después, Olsson dejó la banda y fue reemplazado por John Levén. Un par de meses después, Levén se unió a la banda Rising Force de Yngwie Malmsteen, y el ex bajista de Malmsteen, Marcel Jacob, se unió a Force. Sin embargo, esto solo duró tres meses, al parecer, Levén tuvo problemas con Malmsteen, por lo que él y Jacob cambiaron de lugar nuevamente. En 1982, la novia de Tempest inscribió a Force en el concurso sueco de talentos del rock Rock-SM. Compitiendo contra 4.000 bandas, ganaron el concurso gracias a dos canciones, “In the Future to Come” y “The King Will Return”. La recompensa fue un contrato discográfico con Hot Records . Tempest ganó el premio individual al Mejor cantante principal , y Norum ganó el premio al Mejor guitarrista. Justo antes del concurso, Force cambió su nombre a Europe.

Europe 1982. El bigote de Tempest no tiene precio.

El álbum debut homónimo se lanzó al año siguiente y se vendió bien tanto en Suecia como en Japón. El álbum se ubicó en el número 8 en el país de origen de la banda y el sencillo “Seven Doors Hotel” se convirtió en un éxito Top 10 en Japón. En 1984 se publico su segundo trabajo, “Wings of Tomorrow”. El álbum obtuvo interés de CBS Records, que les ofreció un contrato internacional en 1985.

El teclista Mic Michaeli fue reclutado para tocar en conciertos en vivo, y se convirtió en miembro oficial de la banda poco después. Al mismo tiempo, Tony Reno fue despedido por su falta de motivación y presunto retraso en los ensayos. El bajista Peter Olsson afirmó que Reno fue reemplazado en los álbumes por una caja de ritmos. Su reemplazo fue Ian Haugland.

En 1985, Europe grabaron “Rock the Night” para la banda sonora de la película “On the Loose”. Varios meses después se le pidió a Joey Tempest que escribiera una canción para el proyecto de caridad “Swedish Metal Aid”. Escribió “Give a Helping Hand”, un tema que contó con las estrellas más importantes del rock y el metal sueco. Los ingresos de las ventas del single, producido por el guitarrista de Easy Action Kee Marcello , fueron donados para paliar el hambre en Etiopía.

Nunca hubo tanta laca reunida en una misma habitación.

Europe comenzó la grabación de su próximo álbum con el productor de Journey Kevin Elson. El resultado fue “The Final Countdown”. Lanzado el 26 de mayo de 1986, el álbum le dio a la banda su avance internacional, fue certificado Triple Platino en los Estados Unidos y alcanzó el número 8 en la lista Billboard 200. La canción principal, que se basó en un riff de teclado compuesto por Tempest ya en 1981-82, fue lanzado como el primer sencillo y se convirtió en un éxito mundial, llegando al número 1 en 25 países, como el Reino Unido, Francia, España y Alemania. El single “Rock the Night” estaba en el top 10 de las listas de países europeos, mientras que la “power balad” “Carrie” ” alcanzó el número 3 en la lista Billboard Hot 100.

Disgustado con la dirección que estaba tomando la banda, ademas de no estar conforme con el “protagonismo” del teclado en el nuevo álbum, unido a varios desencuentros con el manager del grupo, John Norum decidió abandonar Europe en noviembre de 1986 para seguir una carrera en solitario. Se le pidió a Kee Marcello que lo reemplazara, y después de considerarlo, decidió unirse a la banda, uniéndose a la banda en su apogeo comercial.

Kee Marcello, en el momento gusto, en el sitio correcto.

No menos de tres sencillos de “The Final Countdown” alcanzaron el Top 30 en los Estados Unidos. 1987 incluyó exitosas giras por Europa y los Estados Unidos. El siguiente album se tituló “Out of This World” y fue lanzado en 1988. El mayor éxito del álbum fue “Superstitious”, que alcanzó el número 31 en el Billboard Hot 100 y el número 9 en Mainstream Rock Tracks. “Superstitious” sería la última canción de Europe en aparecer en los Estados Unidos. El álbum fue certificado platino en los Estados Unidos y alcanzó el número 19 en la lista Billboard 200.

En septiembre de 1989, Europe dio un concierto en el club Whiskey a Go Go en West Hollywood, California, bajo el seudónimo de Le Baron Boys. Ese nombre luego se usaría como título para un bootleg de Europe muy conocido, que contenía grabaciones de demos de 1989-90. Dos años después, se lanzó el álbum “Prisoners in Paradise”, pero recibió poca atención de los medios debido al “boom” del movimiento grunge. Aunque las ventas fueron bajas en comparación con los álbumes anteriores, el sencillo “I’ll Cry for You” logró alcanzar el número 28 en las listas del Reino Unido. Después de diez años de vivir, grabar y salir de gira juntos, Europe decidió tomar un descanso al final de la gira de 1992. En ese tiempo, Tempest, Norum y Marcello lanzaron álbumes en solitario, mientras que los otros miembros participaron en varios proyectos y bandas diferentes. A pesar de eso Europe fue eliminada de Epic Records.

Los miembros de la banda comenzaron a discutir la posibilidad de una reunión de Europe en 1998. Para las celebraciones del milenio de 2000, se le pidió a Europe que hiciera un concierto en Estocolmo en la víspera de Año Nuevo de 1999. Ese sería el primer concierto del grupo y, hasta la fecha, el único con sus dos guitarristas principales, ya que John Norum y Kee Marcello había aceptado la oferta de tocar esa noche con el resto del grupo. Tocaron “Rock the Night” y “The Final Countdown”.

El 2 de octubre de 2003 se hizo oficial: Europe anunció planes para un nuevo álbum y una gira mundial. La banda volvió a la alineación de “The Final Countdown”, con John Norum como único guitarrista. Kee Marcello afirmó que estaba demasiado ocupado con sus propios proyectos como para involucrarse en un nuevo álbum del grupo.

Europe 2004. Y aun seguían guapos…

En el verano de 2004, Europe realizó una gira de festivales por el continente europeo. El álbum “Start from the Dark” fue lanzado el 22 de septiembre de 2004, el mismo día en que John Norum se convirtió en padre. Un trabajo con un sonido más moderno en comparación con los álbumes anteriores, vendiendo más de 600.000 copias en todo el mundo.

Europe lanzó su séptimo álbum, “Secret Society”, en 2006, continuando con la linea de su trabajo anterior, alejándose del sonido “ochentero” que tantos éxitos les dio. El 26 de enero de 2008, Europe hizo un concierto semi-acústico en vivo, llamado “Almost Unplugged”. La banda estuvo acompañada por un cuarteto de cuerda y tocó versiones reelaboradas de sus propias canciones, así como versiones de canciones de bandas que han influido en el sonido de Europe a lo largo de los años: Pink Floyd, UFO, Led Zeppelin y Thin Lizzy. El programa fue transmitido en vivo por Internet en el sitio web oficial de Europe. Fue lanzado en CD el 17 de septiembre de 2008 y en DVD el 19 de agosto de 2009.

El octavo álbum de estudio de Europe, “Last Look at Eden”, fue lanzado en 2009, con un sonido mas cercano a las raices del grupo, con mucha influencia de bandas de los 70, como Thin Lizzy o Whitesnake. En 2012 se publica “Bag of Bones”, en linea con su anterior trabajo, debutando en el número 2 en la lista de álbumes suecos, siendo certificado Oro en Suecia. La banda tocó en el 30 aniversario del Sweden Rock Festival en 2013, grabando su actuación para un doble CD, DVD y disco blu-ray , que se lanzó en 2013. El décimo álbum de estudio de Europe, “War of Kings”, fue lanzado en 2015, ese mismo año el grupo participó en una importante campaña publicitaria de televisión por cable de GEICO que se emitió en los Estados Unidos, aparecieron cantando “The Final Countdown” en un horno microondas cocinando un burrito. Aunque suene “a broma”, la banda consiguió un repunte de popularidad en los estados Unidos. Europe lanzó su undécimo álbum de estudio, titulado Walk the Earth.

Desde su formación, Europe ha lanzado once álbumes de estudio, tres álbumes en vivo, tres recopilatorios y veinticuatro vídeos musicales. Europe ha vendido más de 25 millones de discos en todo el mundo. La banda ha tenido dos de los 20 mejores álbumes en la lista Billboard 200 (“The Final Countdown” y “Out of This World”) y tres singles en el top 30 en la lista Billboard Hot 100 de singles (“The Final Countdown”, “Rock the Night” y “Carrie”. La banda está influenciada principalmente por Whitesnake, Deep Purple, Rainbow, Led Zeppelin, Thin Lizzy, UFO y Michael Schenker Group.

Arrancamos con uno de los primeros miembros de Force, Marcel Jacob, y su banda llamada Talisman.

Grupo formado por el bajista Marcel Jacob, quien previamente había tocado con (entre otros) Rising Force, John Norum y Power. Mientras Jacob tocaba con John Norum, comenzó a trabajar en temas que pensó que terminarían en el segundo álbum en solitario de Norum. El cantante en esas demos fue Göran Edman, también en el grupo de John Norum en ese momento. Norum rechazó las canciones y, mientras tanto, le ofrecieron a Göran la oportunidad de unirse a la banda de Yngwie Malmsteen. Jacob se encontró con un interés discográfico pero sin banda. Marcel contactó a Jeff Scott Soto, compañero suyo durante su época con Yngwie Malmsteen. Marcel cambió el nombre de su proyecto en solitario, Guitars On Fire por Talisman. El primer álbum lo gravaron Soto a las voces, Christopher Ståhl (Power) y Mats Lindfors (Norum, Grand Slam) en las guitarras, Peter Hermansson (220 Volt, Norum) tocando la batería en algunas pistas y Mats Olausson ( Yngwie Malmsteen) en los teclados. Jacob programó el resto de la batería y tocó todas las guitarras rítmicas. Elektra, con quien Jacob había firmado contrato, se declaró en quiebra y se retrasó el lanzamiento del álbum. Un empleado de Elektra se mudó a una nueva discográfica comprando los masters del primer álbum.

Un grandisimo músico.

“Talisman”, como se tituló el álbum, se lanzó en 1990. El primer sencillo “I’ll Be Waiting” alcanzó el número 2 en la lista de singles de Suecia y 33,000 copias del álbum se vendieron en dos meses en Suecia. En vivo, la banda contó con Jason Bieler en la guitarra (Saigon Kick), Jakob “Jake Samuel” Samuelsson en la batería y Thomas Vikström (Talk of the town, Candlemass) en teclados y coros. Desgraciadamente, el 21 de julio de 2009 Marcel se quitó la vida después de muchos años de problemas personales y de salud. Tenia 45 años.

Uno de esos primeros músicos de directo nos lleva a nuestra siguiente banda, The Poodles, donde Jakob “Jake Samuel” Samuelsson cambió las baquetas por la voz.

Formada por el cantante Jakob Samuel (también conocido como Jake Samuels), el bajista Pontus Egberg, guitarrista Pontus Norgren y el batería, Christian Lundqvist. Antes de la formación de The Poodles, Norgren y Samuel fueron miembros de Talisman, ademas de tocar juntos en un trío de power metal con temático de “El señor de los anillos” llamado The Ring. En 2006, se le pidió a Jakob Samuel que cantara la canción “Night of Passion” para el Melodifestivalen 2006 (festival para representar a Suecia en Eurovision) uniéndose a el Christian Lundqvist como batería, posteriormente se unieron a ellos el bajista Pontus Egberg (anteriormente de Lion’s Share) y Norgren para interpretar la canción como The Poodles. El grupo quedó en cuarto lugar. Ese mismo año se lanzó su álbum debut “Metal Will Stand Tall”. El 20 de diciembre de 2018, la banda anunció su disolución, debido a otros proyectos musicales. Diez años antes, en 2008 el guitarrista Pontus Norgren dejó la banda para unirse a HammerFall, siendo reemplazado por Henrik Bergqvist.

Un Pontus Norgren que ademas de guitarrista y productor es ingeniero de sonido en vivo, trabajando para gente como Thin Lizzy durante la gira de la banda en 2000, sirviendo de manera similar a Europe y Yngwie J. Malmsteen. Antes de formar parte de Hammerfall Norgren tocó con bandas como Talisman, Humanimal, The Ring, Zan Clan y esta banda con la que continuamos llamada Great King Rat.

Formada por la “flor y nata” de la escena escandinava del Hard Rock melódico de finales de los 80 y principios de los 90, Great King Rat se formó en 1989 y contaba con el vocalista Leif Sundin (Michael Schenker Group, Treat), el guitarrista Pontus Norgren (Talisman, The Poodles), el batería Tomas Broman (Humanimal) y el bajista Mikael Hoglund. En 1990 debutaron con un álbum homónimo, lleno de hard rock con toques melódicos y de blues rock, dignos de cualquier banda grande de los Estados Unidos. Esto los convirtió en una banda joven y prometedora con numerosas y favorables criticas en revistas de rock de primer nivel. No pasó mucho tiempo antes de que los gerentes y representantes de varias etiquetas importantes de todo el mundo fueran volando a Estocolmo, Suecia, para ver de qué se trataba el rumor. Pero todos los cuentos de hadas no tienen finales felices, y la banda se disolvió en 1993. Su segundo álbum, “Out Of The Can”, fue lanzado físicamente en 1998. Debido a su estado de “banda de culto” y la demanda popular, se le pidió a Great King Rat que hiciera un espectáculo exclusivo en el Sweden Rock Festival de 2017 para celebrar el 25 aniversario de su álbum debut. Cuando la banda se disolvió los miembros continuaron ocupados con bandas/artistas como Glenn Hughes, Joe Lynn Turner, Michael Schenker, John Norum, Electric Boys, Hammerfall, The Poodles y Thunder, banda que “fichó” al bajista de Great King Rat en 1993.

Thunder, otra buenísima banda de hard rock de la que ya hablamos en otro programa (https://rockencadena.home.blog/2019/12/05/programa-no13/), así que nos centraremos en el único trabajo en el que apareció Mikael Höglund, quien en 1993 sustituyo al bajista original de la banda Mark “Snake “Luckhurst, despedido del grupo debido a un incidente en el que el bajista arrojó un pastel de cumpleaños al fotógrafo Ross Halfin, después de que este pidiera hacer fotos solo de Morley y Bowes juntos. “Behind Closed Doors”, tercer álbum en estudio de la banda, no se lanzó en Estados Unidos, aun así alcanzó el número 5 en el Reino Unido y generó tres sencillos en el top 40 de ese país, alcanzando también los cinco primeros puestos de la lista de singles de rock y metal del Reino Unido. Mikael Höglund, quien no participo en las grabaciones del siguiente álbum debido a “compromisos familiares”, anunció que dejaría Thunder justo antes de la publicación del álbum. Uno de los fundadores de Thunder, su batería Gary James, actualmente pertenece a este “supergrupo” británico llamado Snakecharmer.

Snakechamer se formó en 2011 por el guitarrista Micky Moody y el bajista Neil Murray, dos ex miembros de Whitesnake. La pareja reclutó una formación estelar que incluyó al batería de Thunder y Magnum Harry James, el ex guitarrista de Wishbone Ash Laurie Wisefield, el teclista de Ozzy Osbourne/Black Sabbath Adam Wakeman (hijo del mítico Rick Wakeman) y el vocalista de Heartland Chris Ousey. Como era de esperar, Snakecharmer comenzó como un proyecto para que Moody y Murray volvieran a tocar los viejos clásicos de Whitesnake, pero pronto comenzaron a incorporar sus propias canciones en los sets en vivo. El álbum debut homónimo de la banda, lanzado en 2013, los hizo combinar el clásico sonido rock-blues de Whitesnake con el hard rock melódico. Después de la salida amistosa de Moody en 2016, Snakecharmer reclutó a Simon McBride, y con el a bordo, la banda grabó en 2017 su segundo y ultimo álbum hasta la fecha llamado “Second Skin”. El mitico bajista Neil Murray nos sirve como hilo conductor para continuar con nuestro siguiente protagonista, el gran Brian May.

A raíz de la muerte de Mercury en noviembre de 1991, May eligió lidiar con su dolor comprometiéndose lo más posible a trabajar, primero terminando su álbum en solitario, “Back to the Light”, y luego viajando por todo el mundo para promoverlo. A finales de 1992, se formó oficialmente Brian May Band, banda que se creo originalmente en octubre de 1991 para la actuación en el festival de guitarra Guitar Legends en Sevilla, España. La sección rítmica de la banda era Cozy Powell y Neil Murray, quienes habían trabajado juntos anteriormente en Black Sabbath y Whitesnake, añadiéndose Spike Edney, quien fuera teclista de gira de Queen entre 1984 y 1986, Jamie Moses a la guitarra y dos impresionantes vocalistas para los coros, Catherine Porter y Shelley Preston. Con esta formación giró a lo largo de 1993, editándose un año después “Live at the Brixton Academy” único trabajo bajo el nombre de The Brian May Band. En 1998 May lanzó su segundo trabajo de estudio titulado “Another World” que contó entre muchos otros, con los miembros de The Brian May Band.

Uno de los grandes.

Desgraciadamente El 5 de abril de 1998, Cozy Powell murió en un accidente automovilístico. Esto causó una interrupción en la próxima gira de The Brian May Band, Steve Ferrone fue contratado para ayudar a May a terminar de grabar las pistas de batería y unirse a la banda. Después de la gira promocional, Eric Singer lo reemplazó para la gira mundial de 1998. Antes de su muerte Powell sufrió una lesión en un accidente de motocicleta lo que hizo que tuviera que retirarse de los ensayos de la gira con Yngwie Malmsteen, músico sueco (que casualidad!!) con el que continuamos.

Cozy Powell grabó “Facing the Animal”, décimo álbum del virtuoso guitarrista Yngwie Malmsteen lanzado en 1997 y que contaba con Mats Levén a la voz, Mats Olausson a los teclados y Barry Dunaway al bajo. Este trabajo contiene temas como “Air on a Theme” que es un arreglo del segundo movimiento (Largo) del “Concierto para Piccolo en do mayor (RV443)” de Antonio Vivaldi , “Braveheart” que contiene el riff de “Over the Hills and Far Away” de Gary Moore y “Poison in your veins” que comienza con el riff del inicio de “Road Racin” de los americanos Riot. A pesar de ello los temas viene acreditados por el propio Malmsteen. Para cuando apareció este trabajo la popularidad de Yngwie estaba en caída libre, atrás quedaron tiempos mejores pare el y el estilo neoclasico que tanta fama le dio. A pesar de su “ego” el virtuoso sueco ha sabido rodearse de lo mejor del panorama musical, sobretodo en lo referente a los vocalistas, contó entre otros con un jovencisimo Jeff Scott Soto, quien con los años se convertiría en uno de los grandes vocalistas del panorama mundial, con Joe Lynn Turner, cantante que lo fuera de Rainbow y Purple, bandas de su admiradisimo Richie Blackmoore y Goran Edman uno de los vocalistas con mas reconocimiento en Suecia y que tambien fue cantante de otro gran guitarrista llamado John Norum.

John Norum, guitarrista de origen noruego quien se mudó siendo niño a Estocolmo, Suecia, donde creció y pasó la mayor parte de su vida. Y donde fundó Force, el embrión de Europe, banda a la cual dedicamos este blog. Después de haber dejado Europe, Norum firmó un contrato en solitario para 3 álbumes de estudio con el sello Epic. Su debut en solitario, “Total Control”, fue lanzado en 1987. Norum cantó en casi todas las canciones, mientras que Goran Edman cantó tan solo en tres. El álbum tuvo éxito en Suecia , llegando al numero 4 en las listas de ese país, obteniendo el status de platino. Norum ganó todos los premios de música del año en el país en 1988. El talento de John Norum, despertó el interés del vocalista Don Dokken de la banda estadounidense Dokken, quien contó con el para su primer trabajo en solitario “Up From The Ashes” de 1990. Ese mismo año Norum lanzó un mini EP en vivo, grabado en 1988, titulado “Live In Stockholm”. En 1992, se lanzó el álbum “Face The Truth”. El álbum fue un donde Glenn Hughes cantaba prácticamente todas las canciones. Joey Tempest paarecio en un dueto con el propio Norum. “Another Destination”, de 1995 fue su último lanzamiento para Epic Records, el vocalista Kelly Keeling (Baton Rouge) se hizo cargo de las voces al igual que en su siguiente trabajo de 1996 “Worlds Away”. Al año siguiente, se grabó un espectáculo en Japón (con el nuevo cantante, Leif Sundin), que se lanzó como “Face It Live”. A finales de 1997, John Norum realizó 15 shows con Dokken en los Estados Unidos , reemplazando a George Lynch quien una vez más había dejado la banda. En 1999 publicó “Slipped Into Tomorrow”, con él en la voz. En 2001, Norum se unió a Dokken como miembro oficial, grabando el álbum “Long Way Home”, pero durante la gira por Europa, no satisfecho con el temperamento de Don Dokken, decidió abandonar la banda. Ese mismo año, Norum rechazó una oferta de UFO antes de unirse a Europe (Norum ya los había rechazado en 1996). Mientras continuaba en Europe, Norum lanzó otro sexto y séptimo álbum en solitario, “Optimus” en 2005 y “Play Yard Blues” en 2010, cantando en ambos álbumes.

Norum y Michelle Meldrum.

Norum es el hermano mayor del cantante Tone Norum y su padrastro es Thomas Witt, un ex productor discográfico, ejecutivo de Columbia y batería de Eddie Meduza (un cantante seco de rockabilly). Norum vivió durante un tiempo en los Estados Unidos, donde conoció y se casó con Michelle Meldrum en 1995, fundadora y guitarrista principal de la banda de rock duro Phantom Blue y la banda de metal sueca Meldrum. El 21 de mayo de 2008, Michelle murió a consecuencia de un quiste en su cerebro.

Y con John Norum volvemos a la banda del principio, Europe. Espero que os haya gustado el blog y el podcasd, no olvidéis dejar vuestro comentario y como… Sube el volumen y disfruta!!..Chao!!

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