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Episodio Nº48

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Bienvenidos y bienvenidas a una nueva entrada del blog del podcast Rock en Cadena. Volvemos después de unos meses de «descanso» y lo hacemos de la mano de una de las bandas mas «gamberras» del hard rock americano. Catalogados como una banda de «Glam Metal», vivieron su momento de esplendor a mediados de los 80, en los años dorados del mal llamado «hair metal». Irreverentes, provocadores y ante todo unos verdaderos rockeros, nos dejaron auténticos himnos del rock. Ellos son Twisted Sister.

De las cenizas de Silver Star.

A finales de diciembre de 1972, el guitarrista John Segall (quien luego se rebautizó a sí mismo como «Johnny Heartbreaker» y mas tarde como «Jay Jay French») se unió a la banda de Nueva Jersey Silver Star formada por el batería Mel Anderson («Mel Star») como la «versión de Nueva Jersey de los New York Dolls«, junto a Billy Diamond (guitarra principal), Wayne Brown (voz principal y guitarra), Tony Bunn (bajo) y Steve Guarino (teclados). Segall (Jay Jay French) odiaba el nombre de Silver Star y aprovechando que Michael O’Neill asumió el papel de cantante principal tras la salida del grupo de Wayne Brown, presionó para que se cambiara. A O’Neill se le ocurrió el nombre Twisted Sister durante un ensayo el 14 de febrero de 1973. Junto con el cambio de nombre, se produjeron cambios de estilo que finalmente dieron como resultado que varios miembros dejaran la banda de manera amistosa. Bunn y Guarino se fueron, mientras que Diamond, Star, Segall y el nuevo bajista Kenneth Harrison Neill formaron la nueva formación de Twisted Sister.

«Febrero de 1975: (I-D) Kenneth Harrison-Neill, JJ French, Michael Valentine, Billy Diamond y Mel Starr»

La banda encontró trabajo de inmediato y comenzó a tocar seis noches a la semana. El grupo aseguró una residencia en el club «Mad Hatter» en East Quogue, New York durante el verano de 1973, tocando 78 shows allí y otros 27 shows en otros lugares, haciendo un total de 105 shows desde finales de mayo hasta finales de septiembre. En diciembre de 1974, el grupo había tocado casi 600 noches y alrededor de 3.000 presentaciones, ya que la banda tocaba cinco shows de 40 minutos por noche, cada uno con cambios de vestuario, algunos incluso acababan a las 6:00 de la mañana siguiente. En este punto, el grupo se separó y una segunda versión de la banda trajo a un nuevo cantante principal, Rick Prince y a un nuevo guitarrista, Keith Angel. A principios de 1975, después de que el cantante Prince no se presentara a un ensayo, Jay Jay asumió la voz principal así como el liderazgo de la banda. El grupo se separó de nuevo a finales de Septiembre de 1975. Un mes mas tarde una cuarta versión de la banda comenzó a tocar en el circuito de clubes de New York. Jay Jay contrató a un ex amigo de la escuela secundaria llamado Eddie Ojeda, quien se unió como co-cantante principal y segundo guitarrista, y consiguió al batería Kevin John Grace después de leer un anuncio en el periódico. El bajista Kenneth Harrison Neill siguió en el grupo y completó la formación. La banda siguió una dirección más glam rock, influenciada por David Bowie, Slade, Mott the Hoople, Rolling Stones y The New York Dolls. La banda actuaba asiduamente en los clubes locales, pero sin ninguna repercusión.

Días de club (1976-1982).

En febrero de 1976, el manager de Twisted Sister Kevin Brenner, sugirió a Jay Jay contratar a un vocalista si quería llegar lejos con la banda y le propuso contratar a Danny Snider (Dee Snider). Danny cambió su nombre a Dee por sugerencia de Jay Jay. Esta nueva versión de Twisted Sister duró solo seis semanas tras la marcha del batería Kevin John Grace. Con la incorporación del nuevo batería Tony Petri en abril de 1976, muy influenciado por bandas como Black Sabbath, Led Zeppelin, Slade y Alice Cooper, el grupo tomó una dirección musical más «dura». En 1978, el bajista Kenneth Harrison Neill, abandono el grupo tras una temporada en rehabilitación por alcoholismo siendo sustituido por el bajista del grupo punk The Dictators Mark Mendoza.

«French, Ojeda, Sneider, Petri y Mendoza…1979/1980«

En 1978 el grupo comenzó a grabar demos. Dos canciones de esa demos aparecieron en álbumes recopilatorios de la emisora de radio de rock clásico de Nueva York WBAB, siendo más tarde regrabados para los dos primeros álbumes de la banda. Twisted Sister batió récords de asistencia en grandes salas del área de New York, New Jersey y Connecticut, haciéndose con una creciente base de fans conocidos bajo las siglas «SMFFOTS» (Sick Motherfucking Friends Of Twisted Sister, más tarde fue abreviado a «SMF», Sick Mother Fuckers). El 16 de marzo de 1979 Twisted Sister, aun sin contrato discográfico ni apoyo de emisoras de radio, agotó las entradas del New York Palladium (con capacidad para 3.000 personas). Después del éxito en el Palladium, el grupo comenzó a buscar desesperadamente un contrato discográfico, con el objetivo de salir del circuito de clubes antes de su inminente colapso debido al próximo cambio de la edad mínima para beber de 18 a 21 años. La banda pasó por tres cambios de formación más entre 1979 y 1982. El batería Joey Brighton reemplazó a Tony Petri, el ex batería de The Dictators Richie Teeter reemplazó a Brighton y, finalmente, el 1 de abril de 1982, A.J. Pero reemplazó a Teeter. También en 1982 el futuro batería de Shark Island y The Scream, Walt Woodward III formó parte de la banda, aunque tan solo durante tres días. La banda creó su propia compañía de merchandising además de un sello discográfico, lanzando dos sencillos que llegaron al Reino Unido y llamaron la atención de Martin Hooker, el presidente del sello indie Secret Records, principalmente dedicado a grupos punk. Jay Jay permaneció como manager hasta 1981, momento en el que contrataron al promotor loca Mark Puma como manager de banda. Por sugerencia de dos reporteros de las revistas inglesas «Sounds» y «Kerrang!», Twisted Sister dejó New York para buscar sello discográfico en el Reino Unido. Allí, en abril de 1982, firmaron finalmente con Secret Records. La banda apareció en el programa televisivo The Tube, tras pagar, eso si, 22.000 dólares.

Primeros álbumes.

En junio de 1982, el grupo lanzó su primer EP, «Ruff Cuts», en el sello Secret Records, todavía con Tony Petri en la batería. Poco después apareció el primer álbum de estudio del grupo, «Under the Blade», producido por el bajista de UFO Pete Way. A pesar de tener una calidad de producción más bien baja, el álbum fue un éxito underground en el Reino Unido, lo que dio a la banda suficiente reconocimiento como para ser teloneros de grupos como Motörhead. El álbum tenía un sonido «crudo» de heavy metal muy en la onda del creciente sonido de bandas del Reino Unido conocidas como NWOBHM (New Wave of British Heavy Metal). El álbum incluía una canción con un solo de guitarra de «Fast» Eddie Clarke de Motörhead. Se planeó el lanzamiento de otro sencillo, el futuro éxito «We’re Not Gonna Take It», pero su compañía, Secret Records cerró antes de que Snider pudiera completar la letra. Después de su aparición en el programa de televisión musical The Tube, la filial inglesa de Atlantic Records se intereso por la banda y los contrató. La Atlantic de EE.UU. fue uno de los sellos que había rechazado a Twisted Sister en sus días de clubs. El primer trabajo de la banda bajo su nuevo sello fue «You Can’t Stop Rock ‘n’ Roll», lanzado en 1983 y producido por Stuart Epps. El tema «I Am (I’m Me)» alcanzó el número 19 en las listas del Reino Unido. En cuanto a la producción, el álbum, siendo igual de pesado, sonaba mejor que su predecesor. Tras su vuelta del Reino Unido Twisted Sister es ninguneado por su sello discográfico y mas concretamente por el dueño de la compañía, quien no quiere oír hablar del grupo. Los conciertos son escasos tiendo que conformarse con actuar como teloneros de Krokus y Blackfoot. Sin embargo, el éxito de «You Can’t Stop Rock ‘n’ Roll» es una realidad y la compañía, que no había gastado un dólar en ellos, ve a la banda crecer en venta de discos por lo que decidió promocionar más al grupo grabando un video musical para la canción «You Can’t Stop Rock’n’Roll», convirtiéndose en el primero de una serie de videos cómicos, seña de identidad de la banda.

Años de éxito.

El 10 de mayo de 1984 se publicó su tercer L.P. , «Stay Hungry», llevando Twisted Sister a la fama internacional. El álbum fue producido por Tom Werman, un reputado productor de bandas «glam rock» de mediados de los 80. Durante la grabación, Tom Werman entrego a la banda algunas canciones del grupo Saxon para que las escucharan, lo que provocó un choque con Dee Snider, quien entendió que Werman quería que la banda reemplazara algunas de sus canciones por versiones de Saxon. El guitarrista Jay Jay French también afirma que dos canciones que querían en el álbum no aparecieron debido a la negativa de Werman.

“Hubo una gran fricción entre nosotros y Tom (Werman). Él bebía, nosotros no. Él era la estrella de rock, nosotros no. Nos presentábamos a trabajar al mediodía y él llegaba cada vez que le apetecía. Y el hecho de que este productor eliminó prácticamente todo lo que teníamos, incluidos «We’re Not Gonna Take It», «I Wanna Rock» y «The Price», para traer versiones dice todo sobre su capacidad para elegir una canción exitosa».

Jay Jay French

“Pasé mis días en el estudio peleando con Werman, tratando de mantener una apariencia de quiénes éramos. Tuve que rogarle que incluyera esas canciones. El primer día trajo «Strong Arm Of The Law» y «Princess Of The Night» de Saxon y nos dijo que deberíamos grabarlos en su lugar. Respondí: ‘Sí, son grandes canciones, las escuché la semana pasada cuando hicimos un show con Saxon’. Pensó que como nadie en Estados Unidos los conocía, podríamos salirnos con la nuestra grabándolos”.

Dee Snider

«Peleaba constantemente con Dee, y fue el ingeniero [Geoff Workman] quien esencialmente produjo el álbum”.

Jay Jay French
«Una imagen rompedora para un álbum rompedor»

Aun así, «Stay Hungry» vendió más de dos millones de copias en el verano de 1985, convirtiéndose en el único álbum del grupo en ser certificado platino. Finalmente, en 1995, «Stay Hungry» obtuvo en los Estados Unidos el estatus de multiplatino por ventas de más de 3.000.000 de copias. A día de hoy sigue siendo el mayor éxito de la banda. Durante la exitosa gira, una joven banda, Metallica, abría para Twisted Sister. Los videos de los sencillos » We’re Not Gonna Take It» (Nº21 en los Estados Unidos) y «I Wanna Rock» (Nº68 en los Estados Unidos) se transmitieron casi constantemente en MTV. Además de estos videos Twisted Sister aparecen en la película de comedia surrealista «Pee -wee’s Big Adventure», interpretada por el humorista Pee -wee Herman, en la que la banda aparece haciendo un video ficticio para «Burn In Hell» en el set de rodaje de Warner Bros. cuando son interrumpidos por Pee-wee Herman en bicicleta durante una persecución. A pesar de la naturaleza cómica de los videos de Twisted Sister, estos presentaban violencia contra padres y maestros, lo que colocó a la banda en el punto de mira de organizaciones conservadoras. En 1984 aparece el VHS «Stay Hungry Tour», grabado el 19 de mayo de ese mismo año en el Orange Pavillion de San Bernadino. El VHS cuenta con temas en directo, videos y entrevistas con Dee Snider al inicio y al final de la cinta.

En 1985 el grupo fue señalado por el PMRC (Parents Music Resource Center – Centro de Recursos Musicales para Padres-) como unos de los principales grupos en cuanto a violencia y contendido sexual en sus letras y su actitud. EL PMRC fue un comité estadounidense formado en 1983 con el objetivo de aumentar el control de los padres sobre el acceso de los niños a la música que, según ellos, consideran que tienen temas violentos, relacionados con las drogas o sexuales mediante el etiquetado de álbumes con pegatinas de advertencia para padres. El comité fue fundado por cuatro mujeres conocidas como las «Washington Wives» (las esposas de Washington), en referencia a las conexiones de sus maridos con el gobierno en el área de Washington, DC. Las mujeres que fundaron el PMRC fueron Tipper Gore, esposa del senador y luego vicepresidente Al Gore, Susan Baker, esposa del secretario del Tesoro, James Baker, Pam Howar, esposa del agente inmobiliario de Washington Raymond Howar y Sally Nevius, esposa del ex presidente del Concejo Municipal de Washington, John Nevius. El PMRC creció hasta incluir 22 participantes antes de desaparecer a mediados/finales de la década de los 90.

«Sally Nevius y Tipper Gore dos señoras con mucho tiempo libre»

En agosto de 1985, 19 compañías discográficas acordaron colocar etiquetas con la frase «Parental Guidance: Explicit Lyrics» (Guía para padres: Letras explícitas) en los álbumes para advertir a los consumidores sobre el contenido lírico explícito. Antes de que se pudieran poner las etiquetas, el Senado acordó celebrar una audiencia sobre el llamado «rock porno». La audiencia se llevó a cabo el 19 de septiembre de 1985, cuando representantes del PMRC, tres músicos —Dee Snider de Twisted Sister, Frank Zappa y John Denver— y los senadores Paula Hawkins, Al Gore y otros, testificaron ante el Comité del Senado de Comercio, Ciencia y Transporte sobre «el tema del contenido de ciertas grabaciones de sonido y sugerencias de que los paquetes de grabación se etiqueten para proporcionar una advertencia a los posibles compradores de contenido sexualmente explícito u otro contenido potencialmente ofensivo».

«Nuestros videos están destinados simplemente a ser dibujos animados con actores humanos»

Declaraciones de Dee Snider ante el Comité del Senado de Comercio, Ciencia y Transporte sobre los videos de Twisted Sister

«Son una inmundicia escandalosa»

Senador Ernest Hollings sobre los videos de Twisted Sister.
«La famosa etiqueta»

El 1 de noviembre de 1985, antes de que terminara la audiencia, la RIAA acordó poner etiquetas de «Parental Advisory» en los lanzamientos seleccionados por ellos mismos. Sus canciones «Under the Blade» y «We’re Not Gonna Take It» se mencionaron específicamente en las audiencias del Senado. Una de las acciones tomadas por el PMRC fue recopilar una lista de quince canciones de música popular, en ese momento, que encontraron más objetables. Esta lista es conocida como «Filthy Fifteen» (quince sucias) y además de grupos de heavy como Twisted Sister, Judas Priest, AC/DC o Def Leppard, incluía artistas de pop como Prince, Madonna o Cindy Lauper.

El fin de un sueño.

El 9 de noviembre de 1985, la banda lanzó su cuarto álbum de estudio, «Come Out and Play», producido por el alemán Dieter Dierks, conocido por sus trabajos con sus compatriotas Scorpions y Accept. El álbum no tuvo tanto éxito como su predecesor, aunque le valió a la banda un disco oro por ventas superiores a las 500.000 copias. Tras el éxito de su anterior trabajo la banda se enfrentó al dilema de continuar en la misma dirección comercial para la radio y MTV que tanto éxito les dio, o volver a sus raíces mas heavy metal. «Come Out and Play» fue un intento de ambas cosas, pero el enfoque finalmente resultó ser un fracaso y el álbum marcó el comienzo del declive comercial de la banda. La intro de la canción que abre y da titulo al álbum es un homenaje a la película de culto de 1979 «The Warriors», en la que el villano principal, Luther, canta «Warriors, come out to play» mientras hace tintinear dos botellas con su mano. La versión en casette de «Come Out And Play», así como la edición japonesa del C.D., incluían una pista extra, «King of the Fools», que posteriormente apareció en la reedición del C.D. de Spitfire Records de 1999. El primer single del álbum fue la versión del éxito de Shangri-Las de 1964 «Leader of the Pack», algo que resultó muy impopular entre los fans de la banda y que incluso a los propios Twisted Sister disgustaba, incluido su «irónico» video. Su siguiente sencillo «Be Chrool To Your Scuel» (una parodia del tema de los Beach Boys, «Be True To Your School») contó con la colaboración de artistas como Alice Cooper, Brian Setzer de Stray Cats, Clarence Clemons de la E Street Band y Billy Joel. El video de la canción, que contaba con la aparición de Alice Cooper, no fue emitido por MTV, que lo consideraron ofensivo, e incluso «gore». Este hecho, junto a la persecución del grupo por parte de organizaciones americanas ultracatólicas y conservadoras, un álbum algo «light» y con el grupo dividido en dos (Dee Snider contra el resto de miembros), hicieron que la caída de popularidad y ventas fuera catastrófica para el futuro de Twisted Sister. La gira de apoyo al álbum fue un fracaso, con poca asistencia de publico y muchas fechas canceladas. Ni siquiera el relanzamiento de Atlantic de un «Under the Blade» remezclado ayudó a la banda a recuperar su popularidad.

Tras la gira, el batería A.J. Pero dejo el grupo, siendo reemplazado por el ex batería de Good Rats Joey Franco. En 1986, la banda lanzó en VHS «Come Out and Play: The Videos», que incluía cuatro videos («We’re Not Gonna Take It», «I Wanna Rock», «Leader of the Pack» y «Be Chrool to Your Scuel») unidos por escenas de Snider en una chatarrería siendo visitado por adolescentes con problemas que buscan consejo, todo ello con la canción «Come Out and Play» de fondo. Este VHS nunca ha sido reeditado en DVD. También en 1986, Snider se embarcó en un proyecto en solitario, supuestamente junto al futuro guitarrista de Iron Maiden, Janick Gers, pero la cosa no funcionó.

«Me llamó y hablamos, pero recuerdo haber dicho: ‘No hay manera en este mundo de que me maquille ni nada de eso, simplemente no me gusta esa mierda’. Tuvimos una charla y parecía un tipo bastante agradable. Pero nunca supe nada de mas de él».

Janick Gers sobre Dee Snider.

Tras esto Snider grabó un álbum junto al batería Joey Franco, quien programó la caja de ritmos, y con varios músicos de sesión como Reb Beach en la guitarra y Kip Winger en los coros (justo antes de que formaran Winger ), Jimmy Chalfant y Steve Whiteman de Kix también a los coros y el guitarrista de TNT Ronni Le Tekrø, como arreglista de varios temas. Atlantic Records se negó a lanzar el álbum a menos que estuviera etiquetado como un trabajo de Twisted Sister. El 13 de agosto de 1987 se publicó el quinto álbum de la banda titulado «Love Is for Suckers». Aunque el resto de miembros del grupo no había tocado en las sesiones de grabación, aparecen acreditados como si hubieran participado en el.

«Adios maquillaje, hola Joey Franco!»

La producción, a cargo de Beau Hill quien también grabó teclados en el álbum, se basó en el sonido de Hard Rock comercial que triunfaba en esos días. En esa época el grupo abandono el maquillaje y los trajes estrafalarios y coloridos que habían estado usando desde sus primeros días. El video musical del sencillo principal «Hot Love», tuvo un éxito moderado en MTV. Sin embargo, comercialmente, el álbum fue un completo fracaso, con muchos de los fans de la banda molestos por el cambio de estilo de Twisted Sister. El 12 de octubre de 1987, casi dos meses después del lanzamiento de «Love Is for Suckers», Snider comunico por carta al resto de la banda la decisión de abandonar el grupo, algo que no gusto nada al resto de sus ex compañeros, en especial al bajista Mark Mendoza. El sello discográfico canceló su contrato y Twisted Sister se disolvió. El anuncio público de la desaparición de la banda se produjo en enero de 1988. Años después Snider explicó que la separación fue el resultado de una decisión colectiva tomada después de muchos debates y discusiones. Snider también señaló que la banda se había convertido en una «máquina de negocios» y que necesitaban un descanso para recuperar la creatividad y la pasión por la música y que, si la discográfica no hubiera insistido en lanzar ese último álbum bajo el nombre de Twisted Sister, hubieran vuelto un par de años después con más energía. Hubo otros factores, uno fue la exigencia por parte de Atlantic al grupo de la devolución de los gastos derivados de las giras y las grabaciones. Ya en 1985, Atlantic Records envió a Twisted Sister una carta exigiendo que la banda reembolsara los costos de producción de su segundo álbum «You Can’t Stop Rock ‘n’ Roll», que no había vendido tanto como se esperaba. Mas adelante el álbum «Come Out and Play» supuso otra deuda importante para la banda debido a su alto coste de producción. A todo esto, hay que sumarle las tensiones entre Snider y el resto de la banda por el control creativo y la dirección musical a seguir, algo que se hizo más evidente en el álbum “Come out and Play”

Los «malditos» 90.

En 1992 aparece el recopilatorio «Big Hits and Nasty Cuts: The Best of Twisted Sister», lanzado por el sello Atlantic Records. Jay Jay French participó en la selección de canciones y junto con el productor Tom Werman, trabajó en la remasterización de algunas de las canciones y en la creación de nuevos remixes de algunas pistas. El álbum está compuesto únicamente por temas de sus primeros tres álbumes, omitiendo cualquier material de «Come Out and Play» y «Love Is for Suckers», además, se incluye una versión en vivo de «Shoot ‘em Down» y una versión de «Born to Be Wild» de Steppenwolf. La versión estadounidense contaba con una canción mas, el tema en directo «Run for Your Life», mientras que en la versión internacional el tema «Bad Boys of Rock ‘n’ Roll» fue reemplazado por «Be Chrool to Your Scuel» de «Come Out and Play». La edición japonesa incluía el tema en directo «Come Out and Play» como pista extra. El álbum fue un éxito comercial y alcanzó el puesto número 53 en la lista de álbumes de Billboard, convirtiéndose en disco de platino en los Estados Unidos. El álbum fue etiquetado con la pegatina de Parental Advisory, aviso para padres, por las pistas en vivo del álbum, que contienen alguna que otra palabra mal sonante.

«El álbum con la dichosa etiqueta»

A mediados de los 90 Twisted Sister firma con el sello independiente CMC, publicando el 3 de octubre de 1994, el álbum doble en vivo, «Live at Hammersmith», grabado el 15 de junio de 1984, en el Hammersmith Odeon de Londres, Inglaterra, dentro de la gira de «Stay Hungry». El segundo C.D. cuenta con dos temas grabados en Port Chester, Nueva York, en 1979 con Tony Petri a la batería. En 1988 graban el tema «Heroes Are Hard to Find» para la banda sonora de la pelicula «Strangeland», una película de terror estrenada ese mismo año escrita por Dee Snider y dirigida por John Pieplow. La película se centra en un detective de la policía que intenta salvar a su ciudad, así como a su hija, de un sádico con aspecto «primitivo» (con piercings y tatuajes) que usa las redes sociales del momento (es decir, las salas de chat) para atraer a sus víctimas a la «iluminación» a través de dolorosos y macabros rituales. El concepto de la película se basa en la canción titulada «Horror-Teria (The Beginning): A) Captain Howdy B) Street Justice», la cuarta pista del lanzamiento de 1984 de Twisted Sister, «Stay Hungry», en la que se cuenta la historia de un sádico asesino de niños llamado «Captain Howdy» que finalmente sale libre de la cárcel por un tecnicismo y que mas tarde es vengado por una turba de padres enfurecidos. Una frase de la canción, dicha por Howdy, se traslada a la película después de coser la boca a una de sus victimas: «Ahí… ¡eso esta mejor!». La historia principal de la canción y el personaje tiene similitudes con «A Nightmare on Elm Street» («Pesadilla en Elm Street») y la historia de fondo de Freddy Krueger (el actor que interpreta a Krueger, Robert Englund, también aparece en «Strangeland»), aunque la película se estrenó en los cines seis meses después del estreno de «Stay Hungry». El nombre «Capitán Howdy» fue tomado del film «El Exorcista», donde es usado desde el principio por el rey demonio de Mesopotamia, Pazuzu, quien finalmente posee a Reagan MacNeil.

«La pelicula del polifacético Snider»

El personaje del Capitán Howdy difiere significativamente de un medio a otro: En la canción se le presenta como un asesino «tradicional» de sangre fría consciente de sus acciones, por el contrario, la película retrata a un hombre mentalmente desequilibrado cuyas motivaciones están más a la par con las de un aspirante a líder de una secta. Inicialmente, no se propone matar a nadie, sino que tiene la intención de «ayudarlos» a través de rituales de mutilación y dolor en nombre de la «iluminación trascendental», aunque en realidad son para su propio placer sádico. Desde la publicación del film se rumoreo con la posibilidad de una segunda parte, pero a día de hoy sigue sin haber noticias sobre ello. En 2007 Snider lanzó una precuela en cómic, «Dee Snider’s Strangeland: Seven Sins», escrita por el hijo de Snider, Jesse, pero la compañía que lo editaba cerró después del primer número. En 2008 otra editorial se hizo con los derechos y publicó la tirada completa.

En 1999, Spitfire Records reeditó los álbumes del grupo añadiendo pistas inéditas. Ese mismo año se editó «Club Daze Volume I: The Studio Sessions», un álbum que contiene demos de la banda antes de la grabación de su primer trabajo discográfico (ocho de 1978, cuatro de 1979 y una de 1981). El álbum incluye versiones de canciones que la banda tocaba regularmente en los clubes en los que actuaban en sus primeros años, incluyendo algunas que nunca habían sido lanzadas antes. También incluye algunas canciones que aparecieron en la primera versión del álbum «Ruff Cuts» que la banda lanzó en 1982 antes de firmar con Atlantic Records. El 28 de noviembre de 2001, Twisted Sister se reunió brevemente y se unió a otros artistas y bandas de metal de Nueva York como Anthrax, Overkill, Sebastian Bach y Ace Frehley para un concierto benéfico para la «NYPD y FDNY Widows and Orphans Fund», para proporcionar apoyo financiero y emocional a las familias de los oficiales de policía y bomberos que perdieron la vida en los ataques terroristas del 11 de septiembre de 2001 al World Trade Center de New York. El concierto, que fue llevado a cabo en el Hammerstein Ballroom en la ciudad de Nueva York, fue ideado por el periodista Eddie Trunk y por el exjugador de béisbol Mike Piazza. La reacción a esa primera actuación de Twisted Sister en 14 años fue abrumadora. La demanda de más fechas en vivo fue inmediata y la banda dio los primeros pasos para regresar a los escenarios. En 2002 se lanzó «Club Daze Volume II: Live in the Bars», un álbum en vivo con temas en vivo grabados para programas de radio entre 1979 y 1980, además de dos pistas de estudio inéditas. Las pistas de estudio fueron escritas y grabadas en demo durante las sesiones de grabación de «Stay Hungry» (1984), y completadas y grabadas en 2001 por la formación clásica de la banda.

La reunión.

Twisted Sister se reunió nuevamente en junio de 2003 para el Sweden Rock Festival. La banda también apareció en agosto de ese mismo año en el Wacken Open Air. En marzo de 2004, el grupo ingresó al estudio para volver a grabar completamente el álbum «Stay Hungry «, para su nuevo sello Demolition Records. El álbum fue lanzado ese mismos año para conmemorar el 20 aniversario del lanzamiento original. La banda decidió volver a grabar el álbum debido a su insatisfacción con la calidad de sonido de la grabación original. Este trabajo, producido y mezclado por el bajista de la banda, Mark Mendoza, presenta las mismas canciones que el original, pero con una producción y una calidad de sonido actualizadas. La banda añadió siete temas extras, cuatro nuevos («Come Back», «Plastic Money», «You Know I cry» y «Rock N Roll Saviors»), dos que pertenecen a las sesiones de 1984, pero que fueron descartadas en su momento y que ya aparecieron en el recopilatorio «Club Daze Volume II: Live in the Bars» en 2002, («Never Say Never» y «Blasting Fast & Loud») y «Heroes Are Hard To Find», grabado en el 2000 y editado en la banda sonora de la pelicula «StrangeLand».

«Nueva producción y nueva portada»

La portada de «Still Hungry» es diferente a la original (aquella con Snider y el hueso), en esta nueva portada aparece el grupo en una foto en blanco y negro vestidos «de calle» (foto que apareció en la contraportada de «Stay Hungry») y detrás una imagen de ellos mismos con su atuendo de actuación. El álbum fue bien recibido por la crítica y los fans, principalmente debido a su producción y calidad de sonido mejoradas, así como por el trabajo vocal de Dee Snider. En relación a «Still Hungry», se produjo un cruce de declaraciones entre la banda y el productor original del álbum «Stay Hungry», Tom Werman.

«No sé por qué hacen esto. El disco original fue grabado con amor y habilidad, y aún suena bien hoy. Lo que hicieron con él no me interesa. Me molesta que hayan añadido dos canciones nuevas. No son necesarias. ‘Stay Hungry’ es un disco clásico, y siempre lo será. No se debería cambiar nunca. El original es el mejor».

Tom Werman (productor de «Stay Hungry») acerca de la grabación de «Still Hungry».

«Tom Werman es un productor de mierda. Arruinó nuestro sonido en el primer álbum, ‘Under the Blade’, y lo volvió a hacer en ‘Stay Hungry’. Simplemente no entendió lo que queríamos hacer. Además, en la regrabación, pudimos incluir todas las partes que nos quitaron en la versión original».

Dee Snider en respuesta a las criticas de Tom Werman.

«Me pregunto si Dee Snider tiene algún problema de audición, porque no puedo imaginar por qué querría volver a grabar algo que suena bien. Además, nunca recibí una solicitud de ellos para trabajar en la regrabación. En cuanto a las críticas sobre mi trabajo en el álbum original, creo que los resultados hablan por sí mismos. ‘Stay Hungry’ fue un gran éxito, y estoy muy orgulloso de mi trabajo en él».

Tom Werman.

También en 2005, la banda lanzó en C.D. y DVD, «Live at Wacken – The Reunion». El C.D. incluye cinco temas en vivo nunca antes lanzados de principios de la década de 1980 (cuatro en Detroit, Portchester, Nueva York en mayo de 1980 y uno en el Marquee de Londres en diciembre de 1982). Únicamente seis temas del C.D. fueron grabados durante su presentación en el festival Wacken Open Air en Alemania el 2 de agosto de 2003. El DVD es el concierto de Wacken con un set que abarca toda la carrera del grupo intercalado con entrevistas a los miembros de Twisted Sister donde cuentan algunos detalles sobre su ruptura a finales de los 80 y los eventos que les llevaron a la reunión, incluido el espectáculo benéfico del Fondo de viudas y huérfanos de la policía de Nueva York y el FDNY, así como la historia de la regrabación de «Stay Hungry». En junio de 2006, la banda anunció que había firmado con el sello discográfico estadounidense Razor and Tie para lanzar su ultimo trabajo, un álbum de música navideña de heavy metal, llamado «A Twisted Christmas». El álbum, producido por el guitarrista de la banda, Jay Jay French, y grabado en los estudios Soundtrack New York de Nueva York, incluye versiones de villancicos tradicionales, como «White Christmas», «O Come All Ye Faithful» y «Silver Bells», así como algunas canciones originales. El álbum cuenta con la participación especial de la cantante Lita Ford en la canción «I’ll Be Home for Christmas». Las canciones de «A Twisted Christmas» fueron reinterpretadas al estilo de la banda, pero manteniendo la melodía de los villancicos originales. El álbum recibió críticas mixtas, con algunos críticos elogiando la originalidad de la banda para crear una versión navideña única y otros criticando la falta de autenticidad del álbum. «A Twisted Christmas» alcanzó el puesto número 140 en la lista de álbumes Billboard 200 en los Estados Unidos. La banda también hizo una gira promocional para el álbum, incluyendo una presentación en el programa de televisión «The Tonight Show with Jay Leno».

Un año después se púbica el DVD «A Twisted Christmas – Live», un álbum en vivo grabado durante la gira navideña de la banda en 2006 en el Starland Ballroom de Sayreville, Nueva Jersey. El álbum incluye todas las canciones del álbum de estudio «A Twisted Christmas», además de algunas canciones clásicas de Twisted Sister. En 2008 se lanzo en C.D.,DVD y Blu-ray, «Live at the Astoria» un álbum en vivo grabado durante uno de los conciertos de la banda en el Astoria de Londres en 2004. La versión en C.D. incluye 18 canciones en vivo, mientras que la versión en DVD y Blu-ray incluye 21 canciones, así como material adicional. Además, también se lanzó una edición limitada en vinilo del álbum. El 4 de junio de 2009, el grupo interpretó por primera vez el álbum «Stay Hungry» en su totalidad en el Sweden Rock Festival, incluyendo canciones nunca antes tocadas como «Don’t Let Me Down» y «Horror-Teria: Street Justice».

En 2011, y después de aparecer en numerosas caras B y recopilaciones, todo el legendario espectáculo que durante dos noches Twister Sister ofreció en 1983 en el club Marquee de Londres estuvo disponible en C.D. Tan solo cinco de los dieciséis temas que componen el álbum no habían sido publicados previamente. Todo ello en una preciosa cubierta troquelada de cartón imitando el logo de la banda (la «t» y la «s» unidas). Lemmy de Mötorhead fue el encargado de presentar a la banda ante el publico ingles.

“Ladies and gentlemen…Twisted mother fuckin’ Sister!”

Lemmy Kilmister presentando a Twisted Sister en el Marquee.

El 8 de noviembre de 2011 se publica una caja de 5 DVD´s en directo con lo más selecto de la banda. Dichos DVD´s son: «Twisted Xmas: Live in Las Vegas», «Live At Wacken», «Live At Reading» y «Double Live», que incluye «North Stage ’82» y «New York Steel ’01». Este lanzamiento incluye decoración navideña de la banda, un pase de backstage en acero, un pin y un facsímil de la primera carta que el club de fans les mandó a sus socios. El 10 de abril de 2012 el ex batería de Twisted Sister, Richard Teeter, que había tocado con la banda en 1980 y 1981, murió de cáncer de esófago.

El final.

En junio de 2014 Twisted Sister comenzó en Europa su «Stay Hungry 30th Anniversary Tour», una gira organizada para celebrar el 30 aniversario del lanzamiento del álbum «Stay Hungry», en la que la banda interpretaba el álbum completo en vivo, así como otros éxitos. Ese mismo año se estrena el documental «We Are Twisted Fucking Sister!» que relata la historia de la banda antes de alcanzar la fama mundial en la década de 1980. El documental fue dirigido por Andrew Horn y se centra en la época en que la banda tocaba en clubes y bares del área de New York y New Jersey a finales de los 70 y principios de los 80. El documental presenta entrevistas con los miembros de la banda así como con amigos y fans. También incluye imágenes de archivo y grabaciones en vivo de la banda en sus primeros días. «We Are Twisted Fucking Sister!» ofrece una visión íntima de la banda en sus primeros años, cuando estaban luchando por encontrar su sonido y su lugar en la escena musical de New York. También muestra los desafíos con los que se enfrentaron en el camino hacia la fama, incluyendo problemas con sus discos y dificultades para conseguir un contrato discográfico. El documental tuvo su estreno mundial en 2014, en el Festival Internacional de Cine de Rotterdam. Desde entonces, se ha proyectado en varios festivales de cine en todo el mundo y también se ha lanzado en DVD y Blu-ray con contenido adicional.

El 22 de mayo de 2014 Twisted Sister comenzó en el festival Rocklahoma en Pryor, Oklahoma, Estados Unidos, la gira «Forty and Fuck It Tour», anteriormente anunciada como la última gira de la banda con una duración de dos años, concluyendo en 2016 con su último concierto en el Arena Monterrey en Monterrey, México, el 12 de noviembre de dicho año. La gira incluyó fechas en América del Norte, Europa, América del Sur y Asia.

«Nosotros decidimos que queríamos dejarlo en lo alto. No queríamos llegar al punto donde la gente dijera: ‘¡Dios mío, otra vez ellos!’. Queríamos tener un gran final y decir adiós de la manera correcta, en términos de calidad y cantidad. Así que, en ese sentido, nos fuimos en lo alto.»

Dee Snider sobre la separación definitiva de Twisted Sister.
«A.J. Pero 1959-2015»

Desafortunadamente el batería de Twisted Sister, A.J. Pero, falleció el 20 de marzo de 2015 a la edad de 55 años. Murió mientras estaba de gira con Adrenaline Mob, con la que tocaba además de Twisted Sister. La causa de la muerte fue un ataque al corazón. Twisted Sister anunció su separación definitiva el 12 de abril de 2016, a través de un comunicado en su página web y en sus redes sociales. En el comunicado, la banda declaró que su gira «Forty and Fuck It» sería su gira final y que después de eso, la banda se retiraría de los escenarios. La decisión fue tomada por los miembros de la banda después de discutirlo durante varios años, y se debió en parte a la muerte del batería de la banda, A.J. Pero, en 2015. Desde entonces, la banda ha permanecido inactiva y ha respetado su decisión de retirarse de los escenarios.

En 2015, Mike Portnoy (The Winery Dogs, además de ex Dream Theater, y curiosamente ex Adrenaline Mob) se unió a Twisted Sister para reemplazar a A.J. Pero y de esta manera finalizar los compromisos de la banda durante el ultimo tramo de su gira «Forty and Fuck It». El 15 de julio de 2016 se lanzó la caja «Rock ‘n’ Roll Saviors – The Early Years» con tres C.D´s en vivo de tres conciertos diferentes: uno en el Detroit Club en Port Chester de New York, el 27 de junio de 1979 con el añadido de algunos temas del show del 24 de mayo de 1980. Otro en el Hammerheads de Long Island, New York, el 8 de agosto de 1980. Y el debut de la banda en el Monsters of Rock de Donington el 20 de agosto de 1983. La caja (forrada de terciopelo rojo) incluye un pase de backstage vintage, tres púas y un lápiz de labios además de un folleto a todo color. Cada concierto cuenta con un batería diferente, Tony Petri en el show del Detroit Club, A.J. Pero en el de Donington y Ritchie Teeter en el de Hammerheads

«A.J. fue uno de los mejores baterías de rock de todos los tiempos. Fue un honor haber tocado con Twisted Sister en su memoria. Siempre lo recordaremos y lo extrañaremos».

Mike Portnoy (batería que reemplazó a A.J. en los últimos conciertos de la gira «Forty and Fuck It» ).

Con el producto de su primer álbum «Under the blade», el bajista de UFO Pete Way continuamos, y este proyecto formado por el mismo en 2003 llamada The Plot.

The Plot fue formada en 2003 por el bajista Pete Way y su amigo y compañero en UFO, el guitarrista Michael Schenker. Los dos querían volver a formar una banda en el estilo de UFO y le pidieron a Phil Mogg y Andy Parker que se unieran a ellos, pero la tensión entre los ex-compañeros de banda seguía estando presente, a pesar de que Way, Schenker y Mogg habían estado involucrados como UFO en la grabación del álbum «Sharks» de 2002. Way y Schenker siguieron adelante con el proyecto y reclutaron al batería Jeff Martin (ex Badlands), quien ya compartió escenario con ambos en la gira de UFO de su álbum «Sharks», además de ser batería de Schenker en varios de sus proyectos. The Plot fue un proyecto de rock’n’roll lamentablemente alejado del nivel de los músicos involucrados (Way y Schenker principalmente). Al embarcarse en una gira en 2003, el grupo fue abucheado repetidamente durante sus conciertos. Hay que decir que Schenker y Way, ambos muy volcados en la botella, atravesaron un período de alcoholismo que afectó a su interpretación escénica y a su capacidad para tomar decisiones acertadas. Es muy posible que The Plot se formara con la idea de divertirse haciendo rock ‘n’ roll enérgico y estridente, pero cuando se filtró una versión pirata de las grabaciones, se decidió lanzar el álbum oficialmente, por lo que en 2003 se publico el primer y único álbum de la banda.

«Decidimos lanzar «The Plot» (el álbum) en este momento por varias razones. Un bootleg de «The Plot» estaba cada vez más disponible en todo el mundo. Queríamos sacar la versión adecuada antes de que fuera demasiado tarde. Es genial ver finalmente este disco lanzado. Michael y yo estamos muy orgullosos de ello”.

Pete Way sobre el lanzamiento homónimo de The Plot.

The Plot quedó como una simpe anécdota en las carreras de Way y Schenker que pronto dieron el proyecto por finalizado. Lamentablemente como ya se ha comentado mas de una vez en el blog de Rock en Cadena, Pete Way falleció el 14 de agosto de 2020, a los 69 años. Continuamos el blog con el tercer miembro de The Plot, el batería y vocalista Jeff Martin y una de sus primeras bandas, Surgical Steel.

Surgical Steel se formó en Phoenix, Arizona a principio de los años 80. El grupo estaba compuesto por Jeff Martin a la voz, Jim Keeler y Paul Kosanovich a las guitarras, Mark Lehman al bajo y Bob Milán a la batería. En 1982 se incluye un tema de la banda en el disco recopilatorio «Metal Massacre II» de Metal Blade Records. En esos días el puesto de bajista estaba ocupado por Greg Chaisson, compañero años después de Jeff Martin en Badlands. Ese mismo año graban su primera demo y dos años mas tarde una segunda donde aparece en los coros de un tema el vocalista de Judas Priest Rob Halford. Y es que el «Metal God» comenzó a visitar Phoenix regularmente a principios de los años 80, (como se detalla en el capítulo diez de sus memorias «Confesiones»), fijando su residencia en Paradise Valley, Arizona (a unos veinte minutos de Phoenix). En esos días Halford todavía disfrutaba del estilo de vida hedonista de los «rock star», de fiesta toda la noche y asistiendo a clubes locales de metal en Phoenix como Mr. Lucky’s, donde Surgical Steel solían tocar, además, durante sus primeros días en Phoenix, Halford se convirtió en un buen amigo del guitarrista de la banda, Jim Keeler, así que el vocalista ingles solía subirse al escenario con el grupo cuando visitaba la ciudad, convirtiendo de la noche a la mañana a Surgical Steel en la banda de heavy metal más grande de Phoenix. Aunque Halford intentó ayudar al grupo a encontrar un sello que los contratara, nunca funcionó. Él y Keeler trabajaron juntos lanzando la revista de entretenimiento «Where It’s Hot» centrada en el área de Phoenix. Surgical Steel apareció en la película Thunder Alley de 1985, rodada en Phoenix, y protagonizada por el ídolo adolescente Leif Garrett (entonces de 24 años). En la película, Surgical Steel se interpreta a sí mismo y contribuyó con dos canciones a la banda sonora: «Surrender» y «Give Me Back My Heart», que interpretan «en vivo» en la película. Entre los músicos «destacados» que pasaron por Surgical Steel se encuentran los bajistas Rik Fox (miembro de unos primerizos W.A.S.P. y Steeler), Ian Mayo ( Bad Moon Rising, Bangalore Choir, Burning Rain, Hericane Alice) y el ya mencionado Greg Chaisson. Entre 1986 y 1987 la banda comenzó a grabar su álbum debut que, por falta de presupuesto, nunca vio la luz. Así que la única grabación «profesional» del grupo fue su participación con el tema «Rivit Head» en el álbum recopilatorio del sello Metal Blade «Metal Massacre II», donde aparecían junto otros grupos como Armored Saint, Trauma (primera banda de Cliff Burton, bajista de Metallica), Aloha (donde militaba el virtuoso guitarrista Marty Friedman, ex Megadeth) y esta banda llamada Obsession.

Banda formada en 1982 en New Haven, Connecticut, por el vocalista Michael Vescera, quien fuera miembro de bandas como Loudness e Yngwie Malmsteen. En 1982 graban a través de Metal Blade Records «Marshall Law», un E.P. con cuatro temas, además de aparecer en el recopilatorio de su nuevo sello llamado «Metal Massacre II». En 1986 la banda lanza su primer álbum con la discográfica Enigma Records, titulado «Scarred for Life», una mezcla de heavy metal tradicional con elementos de rock melódico y AOR. El álbum recibió críticas positivas y ayudó a establecer a Obsession como una de las nuevas bandas de heavy metal de la escena estadounidense. En 1987, se publicó su segundo álbum, «Methods of Madness», que incluía el sencillo «For the Love of Money», que fue un éxito en las radios de rock y metal de la época. El grupo se separó en 1989 y volvió en 2004 para lanzar en 2006 el álbum «Carnival of Lies» donde tan solo Vescera y el batería Mezias continuaban como miembros originales. En 2008 se publica exclusivamente en Japón el recopilatorio «Obsession», con demos, rarezas y temas inéditos. Su ultimo trabajos hasta el momento, «Order of Chaos», de 2012, tan solo cuenta con Michael Vescera como único miembro original de Obsession. El grupo apareció en bandas sonoras de varias peliculas de terror de finales de los 80 como Sleepaway Camp II, Sleepaway Camp III de 1988 y 1989 (Campamento Sangriento II y III) y Leatherface: The Texas Chainsaw Massacre III de 1990 (Leatherface: La matanza deTexas III). Precisamente en una de ellas, Sleepaway Camp III compartían banda sonora con otra banda llamada Anvil.

Formados en 1973 en Toronto, Canada, bajo el nombre de Lips por el guitarrista y vocalista Steve «Lips» Kudlow y el batería Robb Reiner. En 1978, la primera formación de la banda incluía a Kudlow (voz principal, guitarra principal), Reiner (batería), Dave «Squirrely» Allison (guitarra rítmica, coros) e Ian «Dix» Dickson (bajo). Esta formación lanzó en 1981 un álbum independiente llamado «Hard ‘N’ Heavy». Poco después, firmaron con Attic Records y cambiaron su nombre a Anvil. Su álbum independiente fue lanzado por Attic como su álbum debut para la compañía. Después de su lanzamiento, Lemmy, de Motörhead, pidió a Kudlow que se uniera al grupo, para reemplazar a Eddie «Fast» Clarke, pero Kudlow se negó. En 1982 publican «Metal on Metal» y un año mas tarde «Forged in Fire», ambos producidos por el reputado productor Chris Tsangarides. En 1983, el manager de Aerosmith, David Krebs, y el asistente Paul O’Neill firmado un contrato de gestión con Anvil y convencieron al sello discográfico de estos para que liberaran a la banda de su contrato, y así poder firmar con un sello importante. En 1984 y debido al tirón inicial que está teniendo el grupo, es invitado a tocar en Japón en el Super Rock ’84, un festival de rock itinerante celebrado en el país del sol naciente del 4 al 12 de agosto de 1984 en Nagoya, Fukuoka, Osaka y Tokorozawa. El festival también incluía a Bon Jovi, Whitesnake, Scorpions y Michael Schenker Group. Dos años después Krebs y O’Neill dejaron de representarlos, cansados de no poder conseguir a la banda un contrato de grabación con un sello importante. En 1987, la banda firma por el sello estadounidense Metal Blade Records, con los que lanzó tres discos «Strength of Steel» de ese mismo año, convirtiéndose en el disco de mayor éxito comercial del grupo en los Estados Unidos, alcanzando el puesto 191 en el Billboard 200, «Pound For Pound» en 1988 y el directo «Past And Present – Live In Concert» en 1989. En 1991, Anvil firmó con Mausoleum Records publicando ese año su sexto álbum «Worth the Weight», donde contaban con el nuevo guitarrista Sebastian Marino, en sustitución de Dave «Squirrely» Allison. En 1996, y con Ivan Hurd como nuevo guitarrista, firmaron con Hypnotic Records en Canadá y Massacre Records en Alemania con los que lanzaron los álbumes «Plugged in Permanent» (1996), «Absolutely No Alternative» (1997), «Speed ​​of Sound» (1999), «Plenty of Power» (2001) y «Still Going Strong» (2002), todos ellos grabados por el nuevo bajista de la banda, Glenn Five. Estos álbumes no tuvieron apenas repercusión, ni por parte de la critica ni por los fans, no solo de la banda si no también dentro del heavy metal. Aun así Anvil sobrevivió esos años gracias al contrato con la discográfica alemana y a los conciertos en ese país, en ocasiones tocando para poco mas de 20 personas.

«Si no fuera por Alemania, no existiría Anvil».

Steve «Lips» Kudlow.

«A veces tocamos en conciertos donde no hay nadie. Es como si los dueños del club fueran viejos fans que quisieran una fiesta privada para ellos. La excusa generalmente es que nuestra base de fans está en casa cuidando a sus hijos».

Steve «Lips» Kudlow.

«Durante los peores años que ha conocido el Heavy Metal, tuvimos un contrato discográfico en Alemania. Eso nos permitió sacar seis álbumes en los años 90. ¡Eso es increíble!»

Steve «Lips» Kudlow.

En 2006, la banda grabó con Chris Tsangarides, su productor en los 80, «This Is Thirteen», publicado en 2007 y autoeditado por la banda al no poder encontrar un nuevo sello. El álbum estaba disponible exclusivamente en el sitio web de la banda. En esos días el guitarrista Ivan Hurd dejó la banda. En 2008 se estrena la película documental «Anvil! The Story of Anvil», dirigida por el guionista y ex roadie de Anvil Sacha Gervasi. El estreno de la película se produjo en el Festival de Cine de Sundance de 2008. La película fue todo un éxito de critica ya que narra la cruda realidad de una banda que lo pudo tener todo y que tras décadas en el ostracismo sigue al pie del cañón por algo mas importante que el éxito, el amor por la musica de «Lips» y Cia.

«Soy un tipo normal. Tengo un trabajo haciendo entregas. Tengo esposa e hijos. Pero puedo ir a Europa de vez en cuando y tocar para 1000 personas. Eso, para mí, es el éxito».

Steve «Lips» Kudlow.

Gracias al documental, Anvil volvió a la escena del heavy metal y en 2009 abrieron para AC/DC en sus primeros shows de verano del Black Ice World Tour (etapa II de América del Norte) y de Saxon, en una parte de los espectáculos del Reino Unido en noviembre de ese año, además de aparecer en los principales festivales europeos. También en 2009 VH1 Classic Records relanzó «This Is Thirteen» en C.D. y vinilo con una canción recién grabada, «Thumb Hang», que había sido escrita por la banda durante la década de 1980. El doble vinilo contiene versiones regrabadas de los clásicos de Anvil «Metal on Metal» y «666». El 6 de octubre de 2009 Anvil apareció en el «late nite» The Tonight Show with Conan O’Brien, la primera aparición en televisión de su carrera, coincidiendo con el lanzamiento en Norteamérica del DVD «Anvil! The Story Of Anvil». En 2011, y ya como un trio, el grupo lanza «Juggernaut of Justice» además del recopilatorio «Monument of Metal: The Very Best of Anvil». En enero de 2012, el bajista Glenn Gyorffy abandonó Anvil, siendo reemplazado por Sal Italiano. En mayo de 2013, se lanzó «Hope in Hell» y Anvil realizó una gira para promocionar el nuevo álbum; abrieron para Metallica en Singapur, tocaron en el Wacken Open Air Festival en Alemania y en 2014 realizaron una extensa gira por Estados Unidos. En 2014, el bajista Sal Italiano dejó el grupo y lo reemplazó Chris Robertson, quien ya actuaba como bajista de ensayo de la banda y miembro de su equipo de gira, grabando con Anvil los álbumes «Anvil Is Anvil» en 2016, «Pounding the Pavement» en 2018, «Legal at Last» en 2020 y su ultimo trabajo hasta la fecha titulado «Impact Is Imminent» lanzado en 2022. El 1 de enero de 2023 falleció el exguitarrista de Anvil y Overkill Sebastián Marino a la edad de 57 años. Volvemos a las bandas sonoras como punto de enlace y lo hacemos de nuevo con el film Sleepaway Camp II y con esta otra banda llamada Hurricane.

Hurricane participó en la B.S.O. de Campamento Sangriento II con el tema «The girls are out tonight» incluido en su E.P. de 1985 «Take What You Want», que supuso el debut discográfico de esta banda formada por el guitarrista Robert Sarzo, el bajista Tony Cavazo (hermanos menores de Carlos Cavazo y Rudy Sarzo de Quiet Riot), el vocalista Kelly Hansen y el batería Jay Schellen. Ya os hablé de ellos en el episodio 27 dedicado a Bon Jovi https://rockencadena.home.blog/2021/03/05/programa-no-27/. Así que simplemente os cuento una curiosidad sobre el grupo, Hurricane abrió para la versión de Queensrÿche de Geoff Tate en su gira de 2014. El guitarrista, Robert Sarzo tocó con ambos grupos durante toda la gira, ya que, en 2013 entró a formar parte como guitarrista principal de esta versión de Queensrÿche de la cual os hablo a continuación.

Tras el despido de Geoff Tate de Queensrÿche y mientras esperaba el resultado de un acuerdo o fallo judicial que decidiera quién finalmente tendría acceso al nombre de la banda, Tate anunció el 1 de septiembre de 2012, a través de su página oficial de Facebook, su propia alineación bajo el nombre Queensrÿche. Desde ese momento hasta abril de 2014, fecha en la que Tate perdió el derecho a usar el nombre de Queensrÿche ante sus antiguos compañeros de banda, su representante promocionó a su grupo con el nombre de «Queensrÿche Starring Geoff Tate the Original Voice«. Inicialmente la formación incluía a Rudy Sarzo (Quiet Riot, Whitesnake) al bajo, Bobby Blotzer (Ratt) a la batería, Glen Drover (Megadeth) y Kelly Gray (Queensrÿche) a las guitarras y Randy Gane (compañero de Tate en su primera banda Myth y musico de directo de Queensrÿche) a los teclados. Drover dejó la banda a finales de 2012 siendo sustituido poco después por Robert Sarzo (hermano de Rudy), mientras que Blotzer también fue reemplazado en la batería por Simon Wright (Dio, AC/DC). Con esta formación, Tate lanzó el 23 de abril de 2013 el álbum «Frequency Unknown» bajo el nombre de Queensrÿche a través de Deadline Music, un subsello de Cleopatra Records. El álbum incluye diez canciones originales y cuatro bonus tracks que son regrabaciones de cuatro de los grandes éxitos de Queensrÿche.

El álbum fue coescrito, producido y mezclado en tan solo seis semanas por Jason Slater (cofundador y bajista de Third Eye Blind, además de productor de varios álbumes de la «otra» versión de Queensrÿche) y masterizado por Maor Appelbaum, aunque mas tarde la compañía discográfica decidió contratar a Billy Sherwood (Yes) para remezclar el álbum, ya que no estaban contentos con la mezcla anterior, además anunciaron que se lanzarían dos versiones separadas de «Frequency Unknown». Cinco días después, Sherwood abandonó la mezcla del álbum, citando problemas de agenda. Aun así, Cleopatra Records anunció más tarde el lanzamiento de una edición de lujo del álbum que incluía un disco adicional con la mezcla de Sherwood. Mas tarde Slater reveló que él mismo remezclaría tres o cuatro pistas, y otro ingeniero de mezclas remezclaría una o dos pistas, mientras que las otras pistas se dejarían como están. En realidad, todas las pistas fueron remezcladas: Peter Amato remezcló cuatro pistas; Jürgen Engler (Die Krupps) y Chris Lietz remezclaron cinco pistas juntos y Anthony Focx (Beautiful Creatures), Fred Coury (Cinderella), Glenn Fricker , Voytek Kochanek y Slater remezclaron cada uno una pista. El trabajo se repartió entre varias personas, debido al plazo que había que cumplir. El primer lote de C.D. ´s con las mezclas originales se lanzó en los Estados Unidos, pero la discográfica se ofreció a enviar a los clientes (presentando su recibo de compra) un C.D. de reemplazo que contenía las nuevas mezclas. Tras las críticas al álbum por parte de varios blogs y videoblogs, Cleopatra Records lanzó un concurso bajo el nombre «cuánto odias Frequency Unknown» en busca del mejor video despotricando sobre el álbum. Al ganador se le ofreció un viaje VIP gratis a un espectáculo el 29 de junio en Seattle. Tras finalizar el plazo para presentar videos se publicó un video de cuatro minutos que mostraba una recopilación con fragmentos de las «mejores» criticas acompañadas con la reacción de Tate al escucharlas.

«Ahora los fans podrán decidir qué mezcla creen que representa mejor el álbum: la mezcla original, que se lanzará el 23 de abril, o la nueva mezcla de Billy Sherwood que estará disponible en una fecha futura por anunciar… ¡NOSOTROS REMEZCLAMOS, TÚ DECIDES!»

Comunicado de Deadline Music sobre la publicación de «Frequency Unknown».

El álbum tiene muchas apariciones especiales en el estudio de músicos fuera de la versión de Queensrÿche de Geoff Tate. Los solos de guitarra de músicos ajenos a la banda y al equipo de producción fueron aportados por KK Downing (ex Judas Priest), Chris Poland (ex Megadeth), Ty Tabor (King´s X), Brad Gillis (Night Ranger), Dave Meniketti (Y&T) y Chris Cannella. La hija de Tate, Emily, y su hijastra, Miranda, cantaron coros en la versión regrabada de «Silent Lucidity». Fuera de las apariciones especiales, el álbum utiliza principalmente músicos de sesión en lugar de los miembros oficiales de la banda. Las guitarras, el bajo y la batería en las cuatro regrabaciones fueron interpretadas por Martín Irigoyen (músico argentino, compositor y multiinstrumentista de Vernian Process). Craig Locicero toca las pistas de guitarra rítmica en las diez pistas originales. Paul Bostaph (Slayer) y Evan Bautista tocaron la batería en cuatro pistas cada uno, y Slater tocó el bajo en seis pistas, los teclados en dos pistas e interpretó un solo de theremin en una pista. De los miembros oficiales, Tate cantó voces en todas las pistas, Randy Gane interpretó los teclados en seis pistas, el bajo en una pista y proporcionó la orquestación para una regrabación. Rudy Sarzo tocó el bajo en tres pistas, Simon Wright tocó la batería en una pista, y Kelly Gray y Robert Sarzo tocaron cada uno un solo de guitarra en una pista.

«Portada con controversia»

El título, la fecha de lanzamiento, la lista de canciones y la portada del álbum se anunciaron unas horas después de que el Queensrÿche «original», con Todd La Torre en la voz, anunciara la fecha de lanzamiento de su álbum homónimo. La portada de «Frequency Unknown» estuvo acompañada de cierta polémica, la otra formación de Queensrÿche vio una provocación en ella ya que en la portada aparece un puño con tres anillos, el logo de la banda y la «F» y la «U», flanqueándolo. Dichas iniciales a menudo se usan en inglés como un eufemismo para la expresión despectiva «fuck you»(jodete), algo que Tate desmintió categóricamente. Originalmente el puño de la portada del álbum sería el de Tate, pero se usó un modelo de mano diferente porque Tate quería un puño de apariencia más masculina con vello en los nudillos. La banda comenzó el 6 de abril de 2013 el «Operation: Mindcrime Anniversary Tour», celebrando el 25 aniversario del álbum de Queensrÿche del mismo nombre. Tras finalizar la gira en 2014 Tate cambió el nombre de la banda, tras perder el juicio ante sus antiguos compañeros, a Operation: Mindcrime, nombre de otro mítico álbum de Queensrÿche. Con uno de los músicos de estos «efímeros» Queensrÿche continuamos, el batería Simon Wright y su paso por la banda de este genial guitarrista, John Norum.

Guitarrista noruego de los afamados Europe y del cual ya os hablé en el episodio dedicado a dicha banda https://rockencadena.home.blog/2020/06/05/programa-no18/. Tras abandonar Europe y firmar con Epic Records para la grabación de tres álbumes, Norum comenzó a grabar álbumes con compañías algo mas modestas alejándose del sonido mas comercial y adentrándose en un sonido blues rock mas cercano al de sus ídolos Thin Lizzy y Gary Moore. El primero de ellos fue «Worlds Away», lanzado en diciembre de 1996 a través de su nueva compañía discográfica, Mascot Records. El álbum seguía en la linea de su predecesor, «Another Destination», donde ya dejaba ver su lado mas «bluesy» y donde contaba con el vocalista Kelly Keeling (Baton Rouge), repitiendo en «Worlds Away», donde contaba además con Simon Wright a la batería y Peter Baltes al bajo, (quien ya grabara con Norum su álbum «Face the Truth» de 1992, además de ser compañeros en la banda de Don Dokken) ex bajista de los míticos Accept.

Otra banda que apareció en este blog y que tuvo un episodio dedicado a ellos https://rockencadena.home.blog/2018/12/19/programa-no2/, así que os cuento algo sobre uno de sus álbumes mas emblemáticos, «Metal Heart», sexto álbum de estudio de la banda lanzado en 1985. Aunque el grupo había grabado antes en los Dierks-Studios, propiedad del productor Dieter Dierks, este trabajo fue el primer álbum producido por el propio Dierks. «Metal Heart» también supuso el regreso a la banda del guitarrista Jörg Fischer, quien dos años antes había sido remplazado por Herman Frank (Victory). Tras el éxito de » Restless and Wild » de 1982 y el álbum más vendido hasta la fecha, «Balls to the Wall» de 1983, que sin duda los estableció como una de las grandes e influyentes bandas de metal de la década de los 80, las expectativas del grupo eran muy altas. La banda decidió ir a por todas y afianzarse en el mercado estadounidense, con un álbum que, por un lado, conservará su ADN y, por otro lado, contase con canciones más melódicas y pegadizas. A pesar de eso el álbum no alcanzó en Estados Unidos las cifras de ventas de su predecesor «Balls to the Wall» y aunque no fue bien recibido por la crítica en ese momento, hoy en día los fans de Accept y del heavy en general consideran (consideramos) a «Metal Heart» como uno de los mejores discos de la banda y sin duda uno de los mejores álbumes del genero.

«Un autentico corazón de metal»

El tema que daba titulo al álbum es conocido por contener la versión de dos famosos temas clásicos: «Slavanic March» (Marcha Eslava) de Tchaikovsky en la introducción y «Für Elise» (Para Elisa) de Beethoven en el riff principal y el solo. La canción «Midnight Mover», sobre un traficante de drogas, es una de las canciones más comerciales del álbum y fue seleccionada para un video musical donde se uso la técnica de filmación conocida como «Bullet Time», una combinación de cámara lenta y cámara rápida, que en su día supuso todo un adelanto. Originalmente la portada del álbum era un holograma de un corazón de metal, algo demasiado caro en ese momento, así que se abandonó la idea y en su lugar se usó una imagen del «corazón metálico». Según el guitarrista y líder de la banda, Wolf Hoffmann, la idea del álbum (y la canción) surgió después de leer un artículo sobre un intento de crear un corazón artificial y la idea de que algún día todos tendrían un corazón «fabricado».

Llegamos al final del blog y lo hacemos de la mano del productor de «Metal Heart», el alemán Dieter Dierks, productor habitual de sus compatriotas Scorpions y que en 1985 produjo el álbum «Come Out and Play» de nuestro protagonistas de este episodio, Twisted Sister. Espero que hayáis disfrutado de este blog. Te espero en el próximo episodio, y recuerda, sube el volumen y disfruta!!

Episodio Nº47

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Bienvenidos y bienvenidas a una nueva entrada del blog de Rock en Cadena. Estamos de celebración ya que el podcast del cual sale este blog cumple cuatro años y para celebrarlo dedicamos este episodio a una de las bandas más grandes (y sobre todo mas reconocibles) del rock. Con casi 50 años de historia aun hoy siguen dando «caña». Liderados por un carismático y pintoresco guitarrista han creado verdaderos himnos del rock que pasan y pasaran de generación en generación. Ellos son AC/DC. Comenzamos.

Los inicios.

Los hermanos Malcolm y Angus Young (ambos guitarristas) formaron AC/DC en noviembre de 1973, junto al bajista Larry Van Kriedt, el vocalista Dave Evans y el batería Colin Burgess. Gene Pierson (famoso vocalista australiano) contrató a la banda para tocar en el club nocturno Chequers en la víspera de Año Nuevo de 1973. Ya en esos días Angus Young había adoptado su característico uniforme escolar. La idea fue de su hermana Margaret. Angus había probado otros disfraces: Spider-Man, Zorro, gorila y una parodia de Superman, llamada Super-Ang. El resto de la banda, al contrario que Angus vestían con trajes de raso, mas acordes a la moda «glam» del momento. En alguna que otra actuación, Evans fue reemplazado por el primer manager de la banda, Dennis Laughlin, quien era también vocalista en otro grupo. Al parecer Evans no se llevaba bien con Laughlin, lo que generó cierto rechazo de la banda hacia Evans. Malcolm y Angus desarrollaron la idea del nombre de la banda después de que su hermana, Margaret Young, viera las iniciales «AC/DC» en el adaptador de corriente de una máquina de coser. «AC/DC» es una abreviatura eléctrica que significa «alternating current/direct current» (corriente alterna/corriente continua). Los hermanos vieron que ese nombre simbolizaba la energía de la banda. AC/DC se pronuncia una letra a la vez, aunque la banda se conoce coloquialmente como «Acca Dacca» en Australia. El nombre de la banda está estilizado con un signo de alto voltaje (el famoso rayo) que separa «AC» de «DC» y que se ha utilizado en todos los álbumes de estudio excepto en la edición internacional de «Dirty Deeds Done Dirt Cheap». A mediados de 1974, la banda había construido una sólida reputación en vivo, lo que llevó a ser teloneros de Lou Reed en su visita a Australia. También en 1974, y por recomendación de Michael Chugg, un veterano promotor de Melbourne, Michael Browning, contrató a la banda para tocar en su club, el Hard Rock. Sin embargo Browning no estaba satisfecho con la imagen glam rock de la banda, además de creer que Evans era el cantante equivocado para la banda. Por otro lado quedó impresionado por la forma de tocar la guitarra de los hermanos Young. Poco después, el grupo decidió contratarlo como su nuevo manager con la cooperación del hermano mayor de Malcolm y Angus, George y Harry Vanda. Los hermanos Young decidieron abandonar la imagen glam rock y buscar un sonido (y una imagen) de blues-rock más duro. Por ello, acordaron que Evans no era un líder adecuado para el grupo, y trasladaron su residencia a Melbourne, donde tocaban con frecuencia en el Hard Rock.

Los días de Bon Scott.

En septiembre de 1974, Bon Scott , un vocalista experimentado y amigo de George Young. Curiosamente Scott trabajaba en esos días como chofer de la banda. Al igual que los hermanos Young, Scott nació en Escocia y emigró a Australia en su infancia. La banda había grabado solo un sencillo con Evans, «Can I Sit Next to You, Girl» / «Rockin ‘in the Parlour», que fueron reescritas y regrabadas con Bon Scott. El 17 de febrero de 1975, AC/DC lanzó, exclusivamente en Australia, su primer álbum de estudio, «High Voltage». El álbum, producido por Vanda & Young, se grabó un año antes en tan solo diez días. Las canciones habían sido escritas por los hermanos Young, con letras de Scott. Rob Bailey y Peter Clack eran el bajista y el batería de la banda en ese momento, aunque al parecer, las tareas del bajo las compartían Malcolm y su hermano mayor y productor George, quien también tocaba en vivo con la banda ocasionalmente. Otro batería, Tony Currenti, grabó todas las canciones junto a Bailey excepto en «Baby, Please Don’t Go», grabada por Clack. Sin embargo, ninguno de estos músicos aparece acreditado ni mencionado en el álbum.

«Rudd y Evans, primero y segundo por la izquierda»

Pocos meses después el bajista Mark Evans y el batería Phil Rudd se unieron a la banda. AC/DC lanzó su segundo álbum de estudio, «TNT», el 1 de diciembre de 1975, y de nuevo exclusivamente en Australia y Nueva Zelanda. El bajista Mark Evans y el batería Phil Rudd ya aparecen en el álbum, aunque las dos últimas pistas cuentan con George Young al bajo y Tony Currenti a la batería. «TNT» marcó un cambio de dirección con respecto al álbum debut de AC/DC, con la fórmula por la que se harían famosos: rock and roll duro, basado en el ritmo y el blues.AC/DC estaba programado para tocar en el festival de música de Sunbury de 1975, sin embargo, su actuación se canceló tras un altercado con los managers y el equipo de Deep Purple. Entre 1974 y 1977, con la ayuda de apariciones regulares en Countdown de Molly Meldrum, el programa de televisión de música pop de emisión nacional de ABC, AC/DC se convirtió en uno de los grupos más populares y con mas éxito de Australia. Su actuación el 3 de abril de 1977 fue su última aparición televisiva en directo en más de 20 años.

Es un largo camino hacia la cima (si quieres R&R). Llega el éxito.

Su manager, Michael Browning envió material de la banda a sus contactos en Londres, y llamó la atención de Phil Carson de Atlantic Records. En 1976, la banda firmó un contrato internacional con Atlantic Records. A su llegada a Londres, su gira programada con Back Street Crawler fue cancelada tras la muerte de Paul Kossoff. Como resultado, tocaron en lugares más pequeños para ganar a su nuevo publico hasta que su sello organizó la gira «Lock Up Your Daughters» patrocinada por la revista Sounds, única revista musical importante que todavía apoyaba la música rock. En ese momento, el punk rock estaba de moda y llegó a dominar las páginas de los principales semanarios musicales británicos, New Musical Express y Melody Maker. La prensa británica a veces identificaba a AC/DC con el movimiento punk rock.

«No era posible ni siquiera mantener una pequeña conversación con AC/DC sobre el punk sin que se cabrearan».

Michael Browning, manager de AC/DC.

«El punk rock era solo una moda… No cambió la música; cambió la moda, y eso es básicamente todo».

Malcolm Young.

AC/DC mantuvo su estilo y logró sobrevivir al movimiento punk ganando leales fans el Reino Unido durante ese tiempo. Angus Young comenzó a ganarse «una reputación» por «mostrar su trasero» a la audiencia durante los conciertos. Finalmente el 30 de abril de 1976 y el 14 de mayo de 1976 en los EE.UU. se publicó «High Voltage», primer álbum de AC/DC en obtener distribución mundial. En realidad el álbum era una mezcla de pistas tomadas de los LPs «High Voltage» y «TNT», publicados únicamente en Australia. La mayoría de los temas de este primer lanzamiento internacional provenían del álbum «TNT», incluyendo únicamente dos canciones de su primer LP.

El lanzamiento internacional de «High Voltage» tuvo dos portadas diferentes (además de la original de 1975): una presentaba una imagen de Angus Young, utilizada en la portada del sencillo alemán » It’s a Long Way to the Top (If You Wanna Rock ‘n’ rollo)» y otra para el lanzamiento europeo algo mas «colorida». La mayoría de las ediciones del álbum tienen una versión de «It’s a Long Way to the Top» más corta que la versión original del álbum de 1975. «High Voltage» vendió tres millones de unidades solo en los EE.UU.

El tercer álbum de estudio de AC /DC «Dirty Deeds Done Dirt Cheap» fue lanzado solo en Europa y Australia en 1976. El álbum no se lanzó en los Estados Unidos hasta 1981. Este también fue el primer álbum de AC/DC que se grabó en su totalidad con la misma formación, en lugar de incluir al menos una pista grabada con un bajista o batería diferente. El lanzamiento internacional tuvo variaciones significativas respecto al álbum original. «Jailbreak» (que había precedido al lanzamiento del L.P. en Australia y el Reino Unido) y «RIP (Rock in Peace)» fueron desechados en favor de «Rocker» (del álbum australiano «TNT» de 1975 ) y «Love at First Feel». El álbum no gustó a la filial americana de su sello discográfico que no publicó el álbum en EE.UU. y que incluso barajo la posibilidad de despedir a la banda.

«En medio de la gira, recibí una llamada telefónica diciendo que a Atlantic Records en Estados Unidos no le gustó el álbum Dirty Deeds, de hecho, iban a sacar al grupo del sello. Y ahí fue cuando las cosas se pusieron realmente mal».

 Michael Browning, manader de AC/DC en esos días.

Tras una breve gira por Suecia, regresaron a Londres, donde establecieron nuevos récords de asistencia durante sus conciertos en el Club Marquee. Por el contrario, su actuación en el Festival de Reading de 1976 no obtuvo una gran respuesta entre el publico. AC/DC realizó una extensa gira por toda Europa, girando más tarde por Australia a finales de 1976 para «sanear» sus finanzas y grabar su cuarto álbum de estudio, «Let There Be Rock», lanzado el 21 de marzo de 1977 en Australia por el sello Albert Productions. La portada australiana presenta un a fotografía de los dedos del guitarrista Chris Turner, de la banda australiana Buffalo. La portada de la versión internacional marcó la primera aparición del ahora icónico logo de la banda, diseñado por Gerard Huerta. La fotografía utilizada para la portada internacional fue tomada el 19 de marzo de 1977 en un concierto en el Kursaal Ballroom, Southend, Essex, Reino Unido.

«Tiene los dedos gordos, ¿no?»

Angus al ver la portada australiana de Let There Be Rock.

«Primera aparición del famoso logo de la banda»

El 25 de julio de 1977 Atlantic Records publicó una edición internacional nuevamente modificada. El tema «Problem Child», que aparece en la versión internacional, se lanzó originalmente en su álbum anterior en una versión algo mas larga. El tema «Crabsody in Blue» aparece en lugar de «Problem Child» en todos los paises excepto en EE.UU., Canadá y Japón. A principios de 1977, regresaron a Gran Bretaña y comenzaron una gira europea con Black Sabbath. Si bien Bon Scott y Ozzy Osbourne se hicieron amigos rápidamente, las relaciones entre los demás miembros de las respectivas bandas no fueron nada cordiales. En un incidente, Geezer Butler sacó un «cuchillo» a Malcolm Young, aunque simplemente era un ridículo peine/cuchillo. Tras su gira con Black Sabbath hicieron una gira con Rainbow.

Nuevos cambios y el comienzo del éxito.

A finales de 1977, el bajista Mark Evans fue despedido de la banda. Evans no se llevaba bien con Angus y Malcolm, lo que al parecer fue el detonante de su salida. Ninguno de los hermanos Young ha dado jamás detalles sobre la salida de Evans. Su sustituto fue Cliff Williams, un bajista experimentado que había tocado con varias bandas del Reino Unido desde finales de los 60. Los hermanos Young considerando seriamente contratar a Colin Pattenden de Manfred Mann’s Earth Band. Browning pensaba que Pattenden era demasiado mayor y que no encajaría con la imagen de la banda, por lo que presionó para que Cliff Williams formara parte del grupo.

«Sabías que Mark no iba a durar, era demasiado buen tipo».

Richard Griffiths, director ejecutivo de Epic Records y agente de contratación de AC/DC a mediados de la década de 1970

«Recibí una llamada de Malcolm y Angus. Estábamos en Londres, fui a su apartamento y me dijeron que querían deshacerse de Mark. Él y Angus no congeniaban. Solían tener una especie de toma y daca, pero nada que hubiera pensado alguna vez iba a ser una amenaza para los conciertos».

Michael Browning ex manager de AC/DC.

«Angus y Malcolm, fueron puestos en la tierra para formar AC/DC. Están muy comprometidos. Y si sienten que tu compromiso es algo menor que el de ellos, bueno, eso es un problema. Angus fue intenso. Fue AC/DC 100%. Su ética de trabajo era increíble. Cuando estabas con él, esperaba que todos fueran como él, lo cual es bastante imposible. En ese momento, Malcolm dijo algo sobre que querían un bajista que pudiera cantar, pero creo que fue una cortina de humo. No sé si hubo alguna razón. Es solo la forma en la que sucedió. Sentí que la distancia entre Angus y Malcolm y yo crecía. Cuando me despidieron, no fue tanto una sorpresa como un shock. Había mucha tensión en la banda en ese momento. Acabábamos de salir de una gira con Black Sabbath y el viaje a Estados Unidos se canceló porque la compañía discográfica rechazó el Álbum Dirty Deeds Done Dirt Cheap. Así que fue un período difícil».

La primera aparición de AC/DC en la radio estadounidense fue en 1975, dos años después, el 27 de julio de 1977 en Austin, Texas, tocaron en su primer concierto en Estados Unidos como banda telonera del grupo canadiense Moxy. Inicialmente la banda se centró lugares más pequeños, pero finalmente acabó tocando en CBGB de Nueva York y en el Whiskey a Go Go de Los Ángeles. En diciembre, tocaron frente a una pequeña audiencia en Atlantic Recording Studios en la ciudad de Nueva York, que se transmitió en vivo por Radio WIOQ en Filadelfia. Bajo la dirección del representante Doug Thaler de American Talent International, adquirieron una gran experiencia en el circuito de giras por estadios de EE.UU. abriendo para Ted Nugent, Aerosmith, Kiss, Styx, UFO, y Blue Öyster Cult, además de co-liderar conciertos con Cheap Trick. El 25 de mayo de 1978 se publicó «Powerage», quinto álbum de estudio de la banda y el primero de AC/DC que no tiene una canción principal (aparte del álbum «High Voltage» exclusivo de Australia ), es decir que ningún tema del álbum se titula como el álbum. También es primero trabajo de AC/DC que se lanza con la misma portada para todo el mundo. Los ejecutivos de Atlantic Records en los Estados Unidos se quejaron de que el álbum no contenía un sencillo apto para la radio, así que con las primeras ediciones de «Powerage» listas para salir en el Reino Unido, la banda cumplió y grabó «Rock ‘n’ Roll Damnation». La canción se lanzó en Gran Bretaña a finales de mayo y alcanzó el puesto 24, la mejor posición hasta ahora de un sencillo de AC/DC. A pesar de que las ventas iniciales fueron algo decepcionantes, «Powerage» superó a su predecesor, «Let There Be Rock» , al alcanzar el puesto 133 en la lista Billboard de álbumes en los EE.UU., logrando finalmente la certificación de platino.

«Rock & fútbol…la mejor combinación»

Seis meses después de la publicación de de «Powerage» se publica el primer directo de la banda, «If You Want Blood You’ve Got It» (escrito simplemente en la portada como If You Want Blood ). El título del álbum fue una extensión de la respuesta de Scott aun periodista en el festival Day on the Green en julio de 1978, cuando este le preguntó qué podían esperar de la banda el cantante respondió: «Sangre». La portada es de una sesión con el fotógrafo de Atlantic Records, Jim Houghton, antes de un espectáculo en el Paradise Theatre de Boston. La idea provino del director de arte de Atlantic, Bob Defrin. Inicialmente se había estado trabajando en un recopilatorio llamado «12 of the Best» , pero el proyecto se descartó en favor de un álbum en vivo. El álbum fue grabado durante la gira Powerage de 1978, mas concretamente el concierto en el Apollo Theatre de Glasgow, Escocia, el 30 de abril de 1978. El concierto es recordado por el bis, cuando AC/DC volvió al escenario vestidos con la camiseta de la selección escocesa de fútbol, en homenaje a la patria de Scott y los hermanos Young.

Las cosas comenzaban a ir bien para AC/CD y sobre todo para la compañía estadounidense que veía como la fama (y las ventas) del grupo crecían cada vez mas lo que les hizo pensar que la banda estaba lista para triunfar en los Estados Unidos si tan solo trabajaran con un productor que pudiera darles un sonido «amigable» para la radio. Desde su debut en 1975, todos los álbumes de AC/DC habían sido producidos por George Young y Harry Vanda. El grupo no veía bien la idea de cambiar de productores, especialmente los guitarristas Angus Young y Malcolm Young, quienes sentían un fuerte sentido de lealtad hacia su hermano mayor George. El productor elegido por Atlantic fue el sudafricano Eddie Kramer, conocido por su trabajo como ingeniero para Jimi Hendrix, además de para las «megabandas» Led Zeppelin y Kiss. Aun así Kramer y los chicos de AC/DC no congeniaron.

«Kramer era un poco idiota. Miró a Bon y nos dijo: ¿Vuestro chico puede cantar? Es posible que se haya sentado detrás de los controles de Hendrix, pero el no es Hendrix, te lo aseguro».

Malcolm Young sobre Eddie Kramer.

«Recibí una llamada telefónica de Malcolm en Florida para decirme: Este tipo no tiene remedio, haz algo, está tratando de convencernos de que grabemos esa canción de Spencer Davis , «Gimme Some Lovin´», «I’m a Man», o lo que sea».

Michael Browning ex manager de AC/DC.

Browning recurrió al productor Robert John «Mutt» Lange, para que interviniera. Lange era conocido por producir el éxito número uno de Boomtown Rats , «Rat Trap». En esos dias Michael Browning fue despedido por la banda como su manager, Peter Mensch, un estadounidense que había ayudado a desarrollar las carreras de Aerosmith y Ted Nugent, se ocupo de AC/DC.

«Tres semanas en Miami y no habíamos escrito nada con Kramer. Así que un día le dijimos que íbamos a tener un día libre y que no se molestara en venir. Era sábado, nos colamos en el estudio y ese día grabamos seis canciones, le enviamos la cinta a Lange y le dijimos: ¿Trabajarás con nosotros?».

Bon Scott.

El siguiente álbum de AC/DC, «Highway to Hell» fue lanzado originalmente el 29 de julio de 1979 por Albert Productions, siendo Atlantic Records la responsable de su lanzamiento fuera de Australia. El álbum se convirtió en el primer L.P. de AC/DC en romper el Top 100 de los EE.UU., lo que impulsó a la banda a los primeros puestos de los grupos de hard rock, además, el álbum se convirtió en su primer disco de oro en los Estados Unidos, vendiendo más de 500.000 copias, alcanzando el puesto 17 en las listas americanas y el número ocho en las del Reino Unido.»Highway to Hell» es el segundo álbum de AC/DC más vendido de su historia. En Australia, el álbum se lanzó con una portada diferente, con llamas y un dibujo del mástil de un bajo superpuesto sobre la misma foto grupal utilizada en la portada internacional. Además, el logotipo de AC/DC tiene un tono más oscuro de granate, pero los acentos son un poco más claros. Además, el lanzamiento de Alemania Oriental tenía diseños diferentes y mucho más sencillos en el anverso y el reverso, aparentemente porque las autoridades no estaban contentas con la portada original.

«Dos portadas diferentes para una obra de arte»

La muerte de Bon Scott.

En febrero de 1980, Scott estaba colaborando con Trust, un grupo francés que estaba grabando en un estudio de Londres, a la vez que comenzaba a trabajar junto con Malcolm y Angus Young a en lo que sería el nuevo álbum de AC/DC. El cantante acudió la noche del 18 de febrero al club The Music Machine junto a su «amigo», Alistair Kinnear. Tras una noche de alcohol ambos regresaron a casa de Kinnear, sin embargo, Scott estaba completamente K.O, su amigo incapaz de despertarlo o de llevarlo a casa decidió dejarlo en el coche «a dormir la borrachera». Al día siguiente Kinnear encontró a Bon Scott inconsciente trasladándolo a un hospital, donde se certifico su muerte. La autopsia oficial revelaría que el cantante de AC/DC había muerto ahogado en su propio vómito aunque la causa oficial fue catalogada como «intoxicación aguda por alcohol». A partir de aquí comienza una serie de suposiciones, teorías y mitos sobre su fallecimiento. El principal motivo de debate es el motivo de la muerte en sí. Muchos de los conocidos de Scott, conocido por su gran capacidad para aguantar la bebida, dudaban que la cantidad de copas que ingirió esa noche pudiesen causarle un efecto tan devastador. Otra teoría apunta a que una sobredosis de heroína, habría sido el motivo real de su muerte, aunque la autopsia en ningún momento lo dice y los testimonios sobre si Bon Scott consumía habitualmente heroína siempre han sido contradictorios.

«Bon Scott…gran bebedor»

Sí se considera normal que los consumidores no habituales de heroína que ingieren alcohol suelan experimentar vómitos, y el hecho de que Scott fuera asmático tampoco habría ayudado en una situación de este tipo. La figura del misterioso Alistair Kinnear también había despertado todo tipo de especulaciones. Kinnear era amigo de una ex novia de Bon Scott, Silver Smith. Sus declaraciones fueron inconsistentes y su comportamiento, extraño. Kinnear habría realizado un larguísimo recorrido en coche para acabar dejando al cantante de AC/DC en la puerta de su propia casa ya que, aseguraba, era incapaz de cargar con él, además, dos días después del suceso, Kinnear desapareció sin que se volviese a saber nada más de él hasta que Jesse Fink (autor del libro de 2017 Bon: the Last Highway) logró encontrar un certificado de defunción emitido por un juzgado español en 2015. Durante años, se especuló sobre la posibilidad de que Kinnear fuese un nombre falso de otra persona e, incluso, que no hubiese existido nunca. Al parecer Kinnear y Scott no habían viajado solos en el coche. Les acompañaba Zena Kakoulli, manager de The Only Ones y esposa de su cantante, Peter Perrett, a quien se ha llegado a ubicar también en la fatal escena. Kakoulli, junto a otros testigos, aseguran haber estado con Scott y Kinnear en The Music Machine. Entonces: ¿Cómo es que dos o, incluso, tres personas no pudieran cargar con un inconsciente Scott?. Esto alimenta la hipótesis de que el cantante hubiese fallecido por una sobredosis de heroína y los acompañantes, asustados, hubiesen «urdido» una historia para evitar problemas. La implicación de las drogas habría sido confirmada, además, por Paul Chapman y Pete Way, miembros de UFO, consumidores de heroína en esa época y quienes aseguraban que Bon Scott solía rondar con varios traficantes, incluida su ex novia y el propio Kinnear, que al pare3cer se ganaba la vida traficando con drogas. Ambos, además, afirman haber conocido la noticia de la muerte de Scott antes de la hora en la que Kinnear afirmaba haberle encontrado.

«Tumba de Scott en el cementerio de Fremantle, Australia Occidental»

Para alimentar mas polémica se sospecha que de la casa de Bon Scott habrían desaparecido diversos elementos, entre ellos una libreta en la que el cantante tendría letras para varias canciones del que sería próximo disco de su grupo. El disco, fue vendido por los hermanos Young como un homenaje a su fallecido vocalista, asegurando en todo momento que la aportación de Scott no habría pasado de algunas tomas de batería. Sin embargo, varias personas aseguran haber visto la letra de la canción «You shook me all night long» escrita por Bon Scott. Lo que si parece cierto es que Bon Scott lidiaba con importantes problemas personales, y que consciente de la envergadura de su adicción al alcohol y las drogas estaba dispuesto a abandonar AC/DC para tratarlas. Aun hoy nada puede esclarecer la muerte del vocalista y esto sumado a que muchos de los protagonistas no tengan recuerdos precisos, otros hayan fallecido, y algunos guarden un «extraño» silencio no ayudan en absoluto a aclarar el misterio. La ultima actuación de Bon Scott fue diez días antes de su muerte en el programa musical de la televisión española Aplauso.

La llegada de Brian Johnson y el renacimiento del grupo.

Después de la muerte de Scott, la banda consideró el separarse, pero animados por la insistencia de los padres de Scott de que él hubiera querido que continuaran, decidieron seguir y buscar un nuevo vocalista. Allan Fryer de Fat Lip , el ex vocalista de Rick Wakeman, Gary Pickford-Hopkins y el cantante de Easybeats, Stevie Wright , fueron anunciados por la prensa como posibles reemplazos. También se habló de otros candidatos, como el ex miembro de Moxy Buzz Shearman, quien no pudo probar con la banda debido a problemas de voz, el vocalista de Slade Noddy Holder, y el ex vocalista de Back Street Crawler, Terry Slesser. Siguiendo el consejo del productor «Mutt» Lange, el grupo audicionó al ex cantante de Geordie, Brian Johnson, quien impresionó a los miembros de AC/CD. ​​Para la audición, Johnson cantó «Whole Lotta Rosie» y » Nutbush City Limits » de Ike & Tina Turner. Después de que la banda trabajara a regañadientes con el resto de la lista de solicitantes en los días siguientes, Johnson regresó para un segundo ensayo.

«Johnson en sus primeros días como nuevo vocalista de AC/DC».

Para sorpresa de Johnson, el 29 de marzo, Malcolm Young llamó al cantante para ofrecerle un puesto en la banda. Por respeto a Bon Scott, la banda quería un vocalista que no fuera un simple imitador de él. Además de su voz distintiva, su comportamiento y su amor por la música soul y blues clásica, el grupo quedó impresionado por la atractiva personalidad de Johnson. El 1 de abril de 1980 Johnson fue anunciado oficialmente como el nuevo cantante de AC/DC. Con Johnson como nuevo vocalista, la banda completó la composición de canciones que habían comenzado con Scott para el nuevo álbum, titulado «Back in Black» y producido de nuevo por Mutt Lange. Este trabajo, lanzado en los Estados Unidos el 25 de julio de 1980, el 31 de julio en el Reino Unido y el resto de Europa y el 11 de agosto en Australia, se convirtió en su álbum más vendido y en un hito dentro del hard rock. El álbum alcanzó el número 1 en el Reino Unido y el número 4 en los EE.UU., donde pasó 131 semanas en la lista de álbumes del Billboard 200. Después del lanzamiento de «Back in Black», los discos anteriores de AC/DC «Highway to Hell», «If You Want Blood You’ve Got It» y «Let There Be Rock» volvieron a entrar en las listas británicas, lo que los convirtió en la primera banda desde The Beatles en tener cuatro álbumes simultáneamente en el Top 100 británico. El éxito estadounidense de «Back in Black» llevó a Atlantic, la compañía discográfica estadounidense de la banda, a lanzar por primera vez en los Estados Unidos su álbum «Dirty Deeds Done Dirt Cheap» de 1976. En mayo de 1981 superó a Back in Black en la lista de Estados Unidos alcanzando el número tres. En los EE.UU., el sencillo «You Shook Me All Night Long»/»Have a Drink on Me» se convirtió en el primer éxito de AC/DC en el Top 40 del país, alcanzando el numero 35.

Cerca del final de la grabación del álbum, la banda pidió a su tour manager Ian Jeffery que buscase una campana para incluir en el álbum. Jeffery localizó una fundición para producir la campana, pero tardaría en ser fabricada por lo que sugirió al técnico Tony Platt que grabara las campanas de una iglesia cercana. Estas grabaciones no fueron validas debido al sonido de una ráfaga de pájaros que volaban con cada golpe de campana. La fundición adelantó la producción de la campana que pudo ser grabada a tiempo para su inclusión en el álbum. La portada del álbum, completamente negra fue diseñada como una «señal de luto» hacia Bon Scott. Atlantic Records no estuvo de acuerdo con la portada, pero aceptó si la banda ponía un contorno gris alrededor del logo de AC/DC. El 13 de diciembre de 2007, el álbum fue certificado 22 veces multiplatino en los Estados Unidos, lo que representa 22 millones de ventas en ese pais. Esto lo colocó sexto en la lista de álbumes más vendidos en los Estados Unidos. En todo el mundo, había vendido 50 millones de copias.

El octavo álbum de estudio de la banda, «For Those About to Rock (We Salute You)», (aunque en la portada solo aparece el titulo de «For Those About to Rock) fue lanzado el 23 de noviembre de 1981 en los Estados Unidos, el 27 de noviembre de 1981 en el Reino Unido, el 7 de diciembre de 1981 en Australia y el 19 de diciembre de 1981 en Japón. El álbum fue bien recibido por los fans y la critica lo que hizo que se convirtiera en otro gran éxito de la banda. «For Those About to Rock» se convirtió en el primer álbum de AC/DC en alcanzar el número 1 en la lista Billboard de los EE.UU., manteniéndose en lo mas alto durante tres semanas. En el Reino Unido, los dos sencillos del álbum llegaron al puesto 13 y 15. En Australia, el álbum alcanzó el puesto número 3 en la lista de álbumes. A pesar del éxito del álbum, este marca una caída importante en las ventas en los Estados Unidos, vendiendo «solo» 4 millones. El álbum ha vendido aproximadamente siete millones de copias en todo el mundo (cuatro solo en EE. UU.), lo que lo convierte en uno de los álbumes de AC/DC más vendidos en todo el mundo.

La década de los 80; malos tiempos para AC/DC.

«Una portada simple para un álbum simple»

Para su noveno álbum de estudio, «Flick of the Switch», la banda se separó del productor Mutt Lange, en un intento por recuperar la crudeza y la simplicidad de sus primeros álbumes, sin embargo fue considerado poco desarrollado y repetitivo. Sin embargo, «Flick of the Switch» finalmente alcanzó el número 4 en las listas del Reino Unido. Lanzado el 15 de agosto de 1983 el álbum fue considerado una decepción comercial después de no lograr igualar las cifras de ventas de los dos lanzamientos anteriores de la banda, «Back in Black» de 1980 y «For Those About to Rock» de 1981. El álbum se gozó de escasa promoción en los EE.UU. donde llegó al número 15, siendo certificado como disco de platino. El lanzamiento de «Flick of the Switch» representó el comienzo del declive comercial de la banda. La portada del álbum presenta una imagen de Angus dibujada a lápiz. Atlantic Records odiaba la portada, y para colmo Angus también quería que los gráficos del álbum estuvieran grabados en relieve de la misma manera que «Back in Black» pero Atlantic no quería gastar el dinero el algo en lo que no creía.

La grabación del álbum no estuvo exenta de polémicas; después de tener problemas con Malcolm, así como con las drogas y el alcohol, el batería Phil Rudd fue despedido a la mitad de las sesiones de grabación del álbum, aunque había completado sus partes de batería. Según parece durante la anterior gira Rudd había sufrido brotes de ansiedad y nerviosismo. Su tour Ian Jeffery cuenta que Malcolm golpeó al batería después de que este llegara dos horas tarde al show de la banda en el Nassau Coliseum de Long Island, lo que provoco que la banda no pudiera tocar la última canción del bis. El batería de Procol Harum, BJ Wilson, fue contratado para ayudar a completar la grabación si era necesario, pero sus contribuciones no se utilizaron. El puesto de batería fue ocupado finalmente por Simon Wright, después de que se realizaron más de 700 audiciones en los EE.UU. y el Reino Unido. Simon Kirke de Free y Bad Company y ​​Paul Thompson de Roxy Music fueron dos de los baterías audicionados.

«No fue el álbum más feliz. Hubo todo tipo de tensiones dentro de la banda. Todos estaban bastante destrozados en ese momento. En realidad fue el álbum el que lo provocó».

Tony Platt, sobre la grabación del álbum.

«Fue algo absolutamente estúpido que acabó con todo, pero se había estado gestando durante mucho, mucho tiempo».

Ian Jeffery, Tour manager de AC/DC sobre el despido de Rudd.

«Se metió en las drogas y se quemó».

Malcolm Youg sibre Rudd.

La gira no se libró del mal ambiente de la grabación, Malcolm, frustrado por las malas críticas de «Flick of the Switch» y la disminución de la audiencia en ciertas ciudades, despidió al tour manager, Ian Jeffrey. Según cuenta Clinton Walker, autor del libro Highway to Hell: El crédito de producción del álbum, para los propios Malcolm y Angus, fue simplemente la punta del iceberg de una purga que la pareja había efectuado en toda la banda y su infraestructura. Es un síndrome clásico: el activista exitoso que teme a sus propias tropas. Pero Malcolm y Angus nunca confiaron en nadie de todos modos. Despidieron prácticamente a todos: Mutt Lange, quien había diseñado artísticamente su gran avance; el baterista Phil Rudd; Peter Mensch, quien había usurpado el puesto a Michael Browning, incluso el fotógrafo «oficial» de la banda, Robert Ellis fue expulsado. El reemplazo de Rudd por el inglés Simon Wright significó que no quedaba un miembro nacido en Australia en la banda.

El 15 de octubre de 1984 se lanza el E.P. «’74 Jailbreak» compuesto por cinco pistas que anteriormente se habían lanzado solo en Australia. A pesar del título del E.P., la canción «Jailbreak» en realidad se grabó en 1976 y se lanzó originalmente ese año en la versión australiana del álbum «Dirty Deeds Done Dirt Cheap». Las otras cuatro pistas del E.P. se lanzaron originalmente en la versión australiana del álbum debut de la banda, «High Voltage», grabado en 1974 y lanzado a principios del año siguiente.

«Johnson, Wright, los hermanos Young y Williams»

El siguiente álbum de la banda «Fly on the Wall», lanzado el 28 de junio de 1985, fue nuevamente producido por miembros de la banda. Pero a diferencia de su anterior trabajo, producido por la banda al completo, «Fly on the Wall» fue producido por los guitarristas Angus y Malcolm Young, quienes de nuevo esperaban capturar la crudeza y la simplicidad de sus primeros trabajos, en una época en la que el glam metal acaparaba las ventas. Este trabajo es el en el primer álbum de AC/DC en el que todos los miembros de la banda habían nacido en el Reino Unido. El álbum no fue bien recibido por la crítica y su millón de ventas en Estados Unidos palideció al lado de las de «Back in Black» y «For Those About to Rock We Salute You». Algunos críticos también se quejaron de que la voz de Johnson era difícil de «entender».

«Nunca adivinarías lo sexista y políticamente incorrecto que es todo esto si no leyeras las letras, porque seguro que no puedes distinguir una sola palabra que salga de la glotis de Brian Johnson (excepto quizás los títulos de las canciones, que tienden a repetirse como mantras). Angus Young también está en gran forma, tocando los acordes más tontos e irresistiblemente repetitivos de su repertorio».

Tim Holmes de la revista Rolling Stone sobre el álbum.
«Richard Ramirez…Hail Satan!!»

En enero de 1985, la banda se tomó tres semanas de descanso en la grabación de «Fly on the Wall» para encabezar dos noches en el festival Rock in Rio en Río de Janeiro, Brasil, apareciendo ante más de 250.000 personas el 19 de enero junto a Scorpions, Whitesnake y Ozzy Osbourne. La gira Fly on the Wall se vio empañada por la mala publicidad cuando arrestaron al asesino en serie Richard Ramírez, apodado «Night Stalker» por la prensa, quien dijo a la policía que la canción «Night Prowler» del álbum «Highway to Hell» de 1979 lo había llevado a cometer los asesinatos. La policía también afirmó que Ramírez vestía una camiseta de AC/DC y que dejó una gorra del grupo en una de las escenas del crimen. La letra de «Night Prowler» fueron cuidadosamente analizada y algunos periódicos intentaron vincular el satanismo de Ramírez con el nombre de AC/DC, llegando de alguna manera a la conclusión de que las siglas AC/DC en realidad significan Anti-Christ/Devil’s Child (Anticristo/Hijo del Diablo). La banda sostuvo que Ramírez le había dado a la canción una connotación asesina, pero que en realidad la canción trata de un niño que se cuela por la noche en la habitación de su novia mientras sus padres duermen.

«No puedo recordar la última misa negra a la que asistí».

Angus Young.

En el verano de 1985 se lanzó el VHS «Fly on the Wall» donde AC/DC interpreta cinco canciones del álbum en un pequeño bar de Nueva York llamado The Crystal Ballroom. En 1986 la banda volvió a las listas de éxitos con la publicación de su nuevo álbum, «Who Made Who», lanzado el 26 de mayo de año, como la banda sonora de la película de Stephen King «Maximum Overdrive». Tres pistas del álbum, y dos instrumentales, fueron escritas y grabadas expresamente por AC/DC para el álbum. Las pistas restantes fueron lanzadas previamente por la banda, incluida una canción, con el anterior vocalista Bon Scott. La canción «Who Made Who» se convirtió en el sencillo más exitoso de la banda en años, alcanzando el puesto 16 en el Reino Unido y el 33 en los Estados Unidos. A la vez que el álbum se lanzó el VHS «Who Made Who» con cinco videoclips de la banda. El undécimo álbum de estudio de AC/DC, «Blow Up Your Video», lanzado en 1988, reunió a la banda con sus productores originales, Harry Vanda y George Young. Aunque el álbum fue criticado por contener «demasiados tremas de relleno», fue un éxito comercial vendiendo más copias que los dos lanzamientos de estudio anteriores juntos, alcanzando el número 2 en las listas del Reino Unido, la posición más alta de AC/DC desde «Back in Black» en 1980 y el número 12 en los EE.UU., alcanzando la certificación de platino. El álbum fue nominado para el premio Grammy a la Mejor Interpretación Vocal o Instrumental de Hard Rock/Metal en 1989. El sencillo «Heatseeker» se colocó entre los veinte primeros del Reino Unido. En 1989, Wright dejó el grupo para unirse a la banda de Dio y fue reemplazado por el veterano de batería de sesión Chris Slade.

«Vi las señales. Malcolm tenía un problema. Le dije que si no se ponía las pilas, me largaría. No recuerdo que tuviera ningún efecto».

George Young sobre el alcoholismo de Malcolm.
«Steve Young..family bussines».

En vísperas de la etapa norteamericana de la gira (que se extendería de mayo a noviembre), Malcolm Young decidió no participar para tratarse de su adicción al alcohol. A diferencia de Angus, que siempre había sido abstemio, a Malcolm le gustaba beber, pero en los últimos años se había intensificado hasta el punto de afectar a las actuaciones.En abril de 1988, Malcolm reconoció que tenía un problema y, siempre consciente de la muerte prematura de su excompañero de banda Bon Scott, comenzó a asistir a las reuniones de Alcohólicos Anónimos. Lo reemplazó y el sobrino de Malcolm y Angus, Stevie Young, aunque Malcolm estuvo presente en el resto de la gira y en los vídeos promocionales del álbum. Después de que sus últimos álbumes tuvieran un rendimiento comercial inferior al esperado, la gira de «Blow Up Your Video» volvió a poner a AC/DC en el centro de atención del negocio musical. En 1989 se lanzó exclusivamente en Australia el VHS «AC/DC» con 9 videos de la banda.

«Fui al camerino de AC/DC y tomé un whisky con Malcolm y Jonno (Brian Johnson) mientras Mötley Crüe tocaba. Cuando AC/DC salió al escenario, Malcolm claramente había bebido demasiado. Estaban tocando la canción en la que Angus solía hacer su solo de guitarra y se desnudaba, y Malcolm apenas podía mantener un ritmo constante, ni siquiera podía hacer eso. Cayó sobre la batería, y pensé: ‘Tio, esto no va a ningún sitio bueno'».

Doug Thaler, ex agente estadounidense de la banda, sobre uno de los shows de Monsters of Rock de 1984.

«Mi forma de beber me estaba transformando. Me sentí como el Dr. Jekyll y Mr. Hyde. Tuve una charla con Angus. Estaba defraudando a la gente. No tenia muerte cerebral, pero estaba jodido física y mentalmente por el alcohol».

Malcolm Young sobre su adicción al alcohol.

De nuevo en la cima en los difíciles 90.

«Chris Slade debutando a lo grande»

El duodécimo álbum de estudio de la banda, «The Razors Edge», fue producido por Bruce Fairbairn, quien había trabajado anteriormente con Aerosmith y Bon Jovi. George Young estuvo involucrado desde el principio, pero tuvo que retirarse por problemas personales. Brian Johnson no estuvo disponible durante varios meses mientras finalizaba su divorcio, por lo que los hermanos Young escribieron todas las canciones del álbum, una práctica que continuaron haciendo para todos los lanzamientos posteriores. Lanzado en 1990, fue un gran éxito para la banda e incluyó los éxitos «Thunderstruck» y «Are You Ready», que alcanzaron el puesto 5 y 16 respectivamente en la lista Mainstream Rock Tracks de Billboard, y «Moneytalks», que alcanzó el puesto 23 en el Billboard Hot 100, algo que a día de hoy no ha conseguido ningún single de la banda. El álbum alcanzó el número 2 en el Billboard 200 de EE.UU. donde permaneció durante 77 semanas consecutivas y el numero 4 en el Reino Unido. «The Razors Edge» significo un gran éxito comercial que devolvió a la banda a la popularidad de sus años de gloria a finales de los 70 y principios de los 80. Actualmente, el álbum ha vendido 5 millones de copias en los EE.UU., certificándolo como quíntuple platino, y aproximadamente de diez a doce millones de copias en todo el mundo, lo que lo convierte en el cuarto álbum de AC/DC más vendido.

«Estaba jugueteando con mi mano izquierda cuando se me ocurrió ese riff; lo toqué más por accidente que por cualquier otra cosa. Pensé: «no está mal’ y lo grabé en una cinta». Así es como Malcolm y yo trabajamos generalmente. Grabamos nuestras ideas en una cinta y las tocamos el uno para el otro»

Angus Yong sobre el tema «Thunderstruck».

“Comenzó con un pequeño truco que tenía con la guitarra. Se lo toqué a Mal y me dijo: «Tengo una buena idea rítmica que encajará bien de fondo». Construimos la canción a partir de eso. Trabajamos en ella durante unos meses antes de que todo encajara en su lugar. En cuanto a la letra era solo cuestión de encontrar un buen título. Se nos ocurrió esa cosa del trueno y nos parecía que sonaba bien. AC/DC = Potencia. Esa es la idea básica». 

Angus Yong sobre el tema «Thunderstruck».

«El titulo del álbum proviene de un viejo dicho que los granjeros solían usar en Gran Bretaña cuando ibas a tener un buen día soleado, ya sabes, un muy buen día con un sol caliente, y luego, de repente, en la distancia veías esas nubes negras acercándose en el horizonte, algo siniestro… Pensé que era un gran título. El mundo volvió a estar en paz y todos pensaron: «Ah, el Muro de Berlín ha caído y todo será diversión y juegos, una fiesta todas las noches», y ahora puedes ver que no es así. Es solo nuestra forma de decir que el mundo no es perfecto y nunca lo será».

Angus Young sobre el titulo del álbum «The razors Edge»

Durante la gira tres fans murieron en un concierto en el Salt Palace de Salt Lake City, Utah. en enero de 1991. Cuando comenzó el concierto, los fans corrieron al escenario aplastando a los tres e hiriendo a otros tantos. Pasaron 20 minutos antes de que la seguridad del lugar y el grupo comprendieran la gravedad de la situación y detuvieran el concierto. AC/DC llegó a un acuerdo extrajudicial con las familias de las víctimas. AC/DC encabezó el festival Monsters of Rock de Donington Partk durante la gira. En septiembre de 1991, 1,6 millones de personas asistieron al festival Monsters of Rock de Moscú para disfrutar del primer concierto de rock al aire libre que se celebraba en la antigua Unión Soviética. El espectáculo, que también contó con la participación de Pantera, The Black Crowes y Metallica, tuvo una de las mayores asistencias de la historia a un evento musical.

El 27 de octubre de 1992 se publicó «AC/DC Live», segundo álbum en vivo de la banda grabado durante su anterior Tour. Se lanzaron dos versiones, una que contenía un solo CD, y otra, lanzada un mes después, como un álbum doble en L.P. y C.D. conocido como «AC/DC Collector’s Edition» en un estuche (similar en forma a las viejas cajas largas de CD ) y que contenía un billete de dólar de AC/DC conocido como «Angus Bucks», que se lanzaron durante la gira en el momento que interpretaban el tema «Moneytalks». Al mismo tiempo, se lanzó el VHS «AC/DC: Live at Donington», grabado durante el Monsters of Rock de Donington Park el 17 de agosto de 1991, siendo este el el tercer festival Monsters of Rock de la banda. El espectáculo de dos horas se realizó ante 72.500 personas. Este concierto fue lanzado por primera vez en DVD el 3 de noviembre de 2003 y en Blu-ray el 16 de octubre de 2007. A pesar del éxito en ventas del DVD, muchos fans se sintieron decepcionados de que el audio se «retocase», con muchas diferencias con respecto al video original, aunque el DVD lanzado oficialmente en Brasil conserva el audio original.

En 1993, AC/DC grabó el tema «Big Gun» para la banda sonora de la película «Last Action Hero» de Arnold Schwarzenegger. Lanzada como sencillo, la canción alcanzó el número 1 en la lista Mainstream Rock de EE.UU., convirtiéndose en el primer sencillo número 1 de la banda en esa lista. En 1994, Angus y Malcolm invitaron al antiguo batería de la banda Phil Rudd a varias jam sessions. Finalmente, fue contratado de nuevo para reemplazar a Slade, cuya partida se debió en parte al fuerte deseo de la banda de volver a trabajar con Rudd. Slade, que había estado grabando demos con la banda en Londres declaró en 2001 que estaba tan decepcionado y disgustado que no tocó la batería durante tres años. De nuevo con la formación «clásica» de mediados de los 80 AC/DC publica en 1995 «Ballbreaker», producido por Rick Rubin (al igual que el teme «Big Gun»). Rubin y Malcolm Young se enfrentaron por la dirección del álbum, con Rubin exigiendo hasta 50 repeticiones de algunas canciones. Según algunos rumores los rumores Rubin a menudo se ausentaba del estudio y dejaba la banda a su propia suerte mientras el se ocupaba de la grabación del álbum «One Hot Minute» de Red Hot Chili Peppers. Años después, en una entrevista, Young restó importancia a las tensiones entre él y Rubin, aunque mas adelante admitió que: «Trabajar con él fue un error». El álbum encabezó las listas de ventas en la Australia natal de AC/DC, siendo certificado oro el día del lanzamiento, con 35.000 unidades vendidas. El álbum alcanzó el top 10 en muchos países, incluido el número 4 en los EE.UU., el número 6 en el Reino Unido y encabezando las listas de éxitos de Finlandia, Suecia y Suiza. Actualmente está certificado como doble platino en los EE.UU., por ventas superiores a los dos millones de copias.

«Un cartel demasiado tipico»

El 19 de noviembre de 1996 se lanza «No Bull» un VHS en vivo filmado en la Plaza de Toros de Las Ventas de Madrid el 10 de julio de 1996 durante la gira mundial «Ballbreaker». El 16 de octubre de 2000 se lanzó DVD y el 16 de septiembre de 2008 en Blu-ray. El 8 de septiembre de 2008, se lanzó una edición del director titulada «No Bull: The Director’s Cut» en formato DVD y Blu-ray, con el concierto original, así como tres nuevas funciones adicionales.

En 1997, se lanzó un boxset llamada «Bonfire» que contenía cuatro álbumes; una versión remasterizada de «Back in Black»; «Volts» (un disco con tomas alternativas, tomas descartadas y cortes en vivo perdidos) y dos álbumes en vivo, «Live from the Atlantic Studios» y «Let There Be Rock: The Movie». El primero se grabó el 7 de diciembre de 1977 en los Atlantic Studios de Nueva York, mientras que «Let There Be Rock: The Movie» fue un álbum doble grabado en 1979 en el Pavillon de Paris y fue la banda sonora de la película, «AC/DC: Let There Be Rock». La versión estadounidense de «Bonfire» incluía un folleto a color, un póster de dos caras, una pegatina, un tatuaje temporal, un abrebotellas de llavero y una púa de guitarra. El boxset fue criticado por parte de los fans de AC/DC por su contenido limitado y algunas rarezas seleccionadas. AC/DC defendió este lanzamiento, afirmando que había muy poco grabado por Scott que no se hubiera lanzado ya.

La popularidad sigue creciendo.

En 1999, AC/DC grabó su decimocuarto álbum de estudio, «Stiff Upper Lip», producido por el hermano de Malcolm y Angus, George Young, y lanzado en febrero de 2000. El álbum fue mejor recibido por la crítica que «Ballbreaker», pero se consideró que carecía de nuevas ideas. El lanzamiento australiano incluyó un disco adicional con tres videos promocionales y varias presentaciones en vivo grabadas en Madrid, España en 1996. «Stiff Upper Lip» alcanzó el número 1 en cinco países, incluidos Argentina y Alemania, el numero 2 en tres países, España, Francia y Suiza, el numero 3 en Australia, el numero 5 en Canadá y Portugal y el numero 7 en Noruega, Estados Unidos y Hungría. El primer sencillo, que daba titulo al álbum, permaneció durante cuatro semanas en el número 1 en las listas de Mainstream Rock de EE.UU. Los otros sencillos lanzados también entraron en las listas alcanzando el número 7 y el número 31 en el Mainstream Rock Tracks de Billboard.

«Es un álbum excelente. Fue muy fácil de grabar en la medida en que Malcolm y Angus tenían todo listo, así que básicamente solo teníamos que llegar y tocar lo mejor que pudiéramos».

Cliff Williams sobre la grabación de «Stiff Upper Lip».
«Legarock»

El 22 de marzo de 2000, el municipio de Leganés (cerca de Madrid ) nombró una calle en honor a la banda como «Calle de AC/DC» («Calle AC/DC»). Malcolm y Angus asistieron a la inauguración junto a muchos fans. Horas mas tarde, la placa con el nombre del grupo fue robada. Siendo reemplazada dos horas después y robada nuevamente apenas tres días después del hecho. Desde entonces, la placa había sido robada en numerosas ocasiones, lo que obligó al municipio de Leganés a comenzar a vender réplicas de la placa oficial de la calle. El VHS «Stiff Upper Lip Live» se lanzó en 2001 y fue grabado el 14 de junio de ese mismo año en el Olympiastadion de Munich, Alemania, durante su «Stiff Upper Lip Tour».

«AC/DC junto a Steven Tyler de Aerosmith, quien introdujo al grupo en el Salón de la Fama del Rock and Roll»

En 2002, AC/DC firmó un contrato de varios álbumes a largo plazo con Sony Music. Un año después la banda fue incluida en el Salón de la Fama del Rock and Roll. La banda ocupó el segundo lugar en una lista de los artistas con mayores ingresos de Australia en 2005, siendo sextos en 2006, a pesar de no haber estado de gira desde 2003 ni lanzado un álbum desde 2000. El 1 de octubre de 2004, una vía central de Melbourne, Corporation Lane, pasó a llamarse ACDC Lane en honor a la banda. La ciudad de Melbourne prohibió el uso del carácter de barra oblicua en los nombres de las calles, por lo que se combinaron las cuatro letras.

El 28 de marzo de 2005 AC/DC publicó el DVD «Family Jewels» que presenta los videos musicales, clips en vivo y videos promocionales del grupo desde 1975 hasta 2008. El primer disco contiene videos de la era de Bon Scott (1975-1980), como la primera aparición de la banda en televisión y una actuación en televisión diez días antes de la muerte de Scott, y el segundo disco contiene material de la era de Brian Johnson hasta 1991. El DVD fue certificado diez veces platino en EE.UU. por ventas superiores a 1 millón de copias. El 16 de octubre de 2007, Columbia Records lanzó un DVD doble y triple titulado «Plug Me In» que consta de cinco y siete horas de imágenes raras, e incluso una grabación de AC/DC en una escuela secundaria interpretando varios temas. El disco uno contiene shows raros de la banda con Bon Scott, y el disco dos trata sobre la era de Brian Johnson. La edición de coleccionista contiene un DVD extra con más entrevistas además de 21 interpretaciones raras de Scott y Johnson. La mayoría de las tiendas de música tenían un C.D. extra de «Plug Me In» con los temas en directo «Dog Eat Dog» grabado en Glasgow en 1978 y «Back in Black» grabado en Moscú en 1991. Best Buy en EE.UU. tenía una edición limitada con tres canciones en vivo y Wal-Mart en los EE.UU. un C.D. extra exclusivo con cinco canciones en vivo.

«El monumental escenario del Black Ice Tour»

El 20 de octubre de 2008 se lanzó el decimoquinto álbum de estudio de AC/DC titulado «Black Ice». El álbum fue producido por Brendan O’Brien. «Black Ice» fue la primera grabación original de la banda desde «Stiff Upper Lip» de 2000, siendo la brecha de ocho años la más larga entre los sucesivos álbumes de estudio de AC/DC. «Black Ice» es también el álbum de estudio más largo (con mas tiempo de ejecución) de AC/DC. El álbum se vendió en los EE.UU. exclusivamente en Walmart, Sam’s Club y en la pagina web oficial de la banda. «Black Ice» debutó en el número 1 en las listas de álbumes en 29 países y también fue el álbum debut más grande de Columbia Records (desde que Nielsen SoundScan comenzó a rastrear los datos de ventas de Billboard en marzo de 1991). El álbum ha sido multi platino en ocho países, incluidos EE.UU., Australia, Canadá, Suiza, Suecia, Noruega, Alemania y la República Checa. Además de alcanzar el disco de platino en doce países (Austria, Bélgica, Dinamarca, Finlandia, Francia, Hungría, Irlanda, Italia, Reino Unido, Argentina, Singapur y Nueva Zelanda) así como el disco de oro en cuatro países (Países Bajos, España, Polonia y Brasil). «Black Ice» fue el segundo disco más vendido de 2008, por detrás de «Viva La Vida» de Coldplay con 6 millones de copias vendidas en todo el mundo. El primer día de su lanzamiento en EE.UU., el 20 de octubre de 2008, «Black Ice» vendió más de 193.000 unidades. Ocho días después el álbum debutó en el número uno en la lista de álbumes Billboard 200 de EE.UU., vendiendo más de 784.000 copias en su primera semana, la segunda venta más alta en 2008 de un álbum en una semana en EE.UU.

«La formación del Black Ice Tour»

«Black Ice» fue el segundo lanzamiento de AC/DC en encabezar las listas estadounidenses, después de «For Those About to Rock We Salute You» (1981) y se convirtió en el mayor debut de un álbum de hard rock convencional. Al 31 de diciembre de 2008, el álbum había vendido 1.915 millones de copias en los EE.UU., según Nielsen SoundScan,. En Australia debutó en el número uno en las listas de álbumes vendiendo más de 90.000 unidades, y en las listas de álbumes del Reino Unido, con 110.000 copias vendidas convirtiéndose en su primer número uno en el Reino Unido desde «Back in Black» (1980). En Canadá, el álbum debutó en el número uno y vendió 119.000 copias en su primera semana, lo que lo convirtió en el álbum debut más vendido en Canadá en 2008, ocupando el primer lugar en Canadá durante tres semanas consecutivas, con ventas de más de 200.000 copias. En Alemania, «Black Ice» se convirtió en el decimocuarto álbum más vendido de la década de 2000, con ventas de 1 millón de copias. En la 51ª entrega de los premios Grammy de 2009, el tema «Rock ‘n’ Roll Train» fue nominada a Mejor interpretación de rock por un dúo o grupo vocal, siendo «Black Ice» nominado en la ceremonia de 2010 a Mejor álbum de rock ganando en la categoría Mejor Interpretación de Hard Rock con el tema «War Machine». El «Black Ice World Tour» fue la gira con mas éxito de AC/DC, recaudando 441,6 millones de dólares, lo que lo convierte en la cuarta gira de conciertos con mayor recaudación de todos los tiempos. A finales de septiembre de 2009, la banda reprogramó seis conciertos cuando Brian Johnson se sometió a una operación de úlcera.

«Backtraks..a todo lujo»

El 10 de noviembre de 2009 se lanzó «Backtracks», un box set con temas de estudio de la banda y rarezas en vivo. Se lanzaran dos ediciones: La Edición Deluxe (disponible solo a través de acdc.com y enviada antes de la fecha programada de su lanzamiento, debido a la abrumadora reacción de los fans) incluye tres C.D.s, dos DVDs, un L.P., un libro de tapa dura de 164 páginas y reproducciones de productos coleccionables, todo ello alojado en un amplificador (tipo Marshall) de guitarra operativo de 1 vatio. El C.D. «Studio Rarities» incluye pistas de estudio raras que incluyen caras A, caras B y lanzamientos solo en el Reino Unido y Australia, mientras que los otros dos C.D.s, llamados «Live Rarities», presentan pistas en vivo que han aparecido en sencillos, E.P.s y álbumes promocionales o de bandas sonoras a lo largo de los años. También se incluye la tercera parte de la serie del DVD «Family Jewels» además del concierto en DVD grabado en 2003 en de Circus Krone, Munich, Alemania. La Edición Estándar (lanzada como una versión «económica» más pequeña para aquellos que no podían pagar el elevado precio de la Edición Deluxe) incluye dos C.D.s y un DVD. El C.D. uno contiene lo más destacado de «Studio Rarities», mientras que el CD dos contiene lo más destacado de «Live Rarities». El DVD es la tercera parte de «Family Jewels».

El 19 de abril de 2010, AC/DC lanzó «Iron Man 2», la banda sonora de la película homónima que recopila pistas anteriores de los álbumes de estudio de la banda. El álbum debutó en el número 1 en la lista de álbumes del Reino Unido tras su lanzamiento, dando a AC/DC su tercer álbum número 1 en el Reino Unido tras «Back in Black» y «Black Ice». En EE.UU. debutó en el numero 4 en el Billboard 200, vendiendo 76.000 copias en su primera semana de su lanzamiento convirtiéndose en el octavo top 10 de la banda en ese pais. También alcanzó el número 1 en Mainstream Rock Albums, permaneciendo en ese puesto durante cinco semanas consecutivas. AC/DC cerró el «Black Ice World Tour» en Bilbao, España el 28 de junio de 2010, después de 20 meses en los que la banda visitó 108 ciudades en más de 28 países, con una audiencia estimada de más de cinco millones de personas.En mayo de 2011 se publica en DVD y Blu-ray «Live at River Plate», concierto en vivo que incluye imágenes de tres conciertos realizados en diciembre de 2009 en el Estadio Antonio Vespucio Liberti en Buenos Aires , Argentina, estadio del club de fútbol argentino River Plate. La grabación de los conciertos requirió el uso de 32cámaras HD. Además de las imágenes en vivo, se incluyen entrevistas con miembros de la banda, personal del equipo de gira y fans. El DVD debutó en el puesto número uno de DVD de música en diecisiete países, vendiendo 19.000 copias en los Estados Unidos durante su primera semana a la venta. En Brasil alcanzó el disco de platino en solo dos semanas, vendiendo 40.000 copias. El 19 de noviembre de 2012 AC/DC lanzó el C.D. doble «Live at River Plate» un álbum en vivo grabado durante el «Black Ice World Tour» el 4 de diciembre de 2009 en el Estadio River Plate de Buenos Aires.

Cambios, malas noticias y pausa.

«Triste y macabro final para Malcolm. D.E.P.»

Al final del «Black Ice World Tour», Malcolm Young fue diagnosticado de cáncer de pulmón. Se trató en una etapa temprana, por lo que la cirugía fue un éxito y se extirpó el tumor. También tenía un problema cardíaco por lo que fue necesario implantarle un marcapasos. En abril de 2014, Malcolm enfermó gravemente y no pudo seguir actuando. El 16 de abril de ese año, AC/DC publicó una nota en la que decía que Young «se tomaría un descanso de la banda debido a problemas de salud». El 24 de septiembre de 2014, la dirección de la banda anunció que Malcolm se retiraba oficialmente y que no volvería a unirse a AC/DC. En julio de 2014, AC/DC anunció que habían terminado de grabar su próximo álbum y que el sobrino de Malcolm, Stevie Young , reemplazó a Malcolm en el estudio. Stevie continuó reemplazando a Malcolm en la gira mundial «Rock or Bust» de 2015 convirtiéndose finalmente en miembro de la banda. El 23 de septiembre de 2014, la oficina de Management de la banda confirmó que Malcolm había dejado oficialmente AC/DC. El último show de Malcolm con la banda fue el 28 de junio de 2010 en Bilbao, España. El 26 de septiembre de 2014, el periodico The Sydney Morning Herald informó que a Malcolm le habían diagnosticado demencia y había sido ingresado en un hogar de ancianos donde podía recibir atención a tiempo completo. Una fuente cercana a la familia fue citada en este artículo diciendo que tenía «pérdida total de la memoria a corto plazo». La familia de Young confirmó cuatro días después que tenía demencia, diciendo que Young «sufre de demencia y que la familia le agradecería que respetaran su privacidad». Malcolm murió a causa de la enfermedad el 18 de noviembre de 2017 a la edad de 64 años. El hermano mayor de Angus y Malcolm y productor habitual de AC/DC, George, murió unas semanas antes que él, el 22 de octubre de 2017.

«Wanted»

El 6 de noviembre de 2014, el batería Phil Rudd fue acusado de intento de asesinato, amenaza de muerte, posesión de metanfetamina y posesión de cannabis, tras una redada policial en su casa. El cargo de intento de asesinato fue retirado al día siguiente, pero los otros cargos se mantuvieron. AC/DC emitió un comunicado aclarando que la gira de promoción de «Rock or Bust» (su nuevo álbum) continuaría, pero no aclaró si Rudd participaría o no, o si aun era miembro de la banda. En abril de 2015, Rudd se declaró culpable de los cargos de drogas y amenaza de matar a un ex asistente. Poco después, la pagina web de la banda eliminó a Rudd como batería de la banda y lo reemplazó con Slade, quien ya había aparecido con AC/DC en la firma benéfica antes de los premios Grammy. El 9 de julio de 2015, a Rudd se le negó la libertad sin cargos y fue sentenciado a ocho meses de arresto domiciliario.

«Rock or Bust» decimosexto álbum de estudio de AC/DC fue lanzado el 28 de noviembre de 2014, siendo el primer álbum del grupo que presenta al guitarrista rítmico Stevie Young, además de ser el álbum de estudio más corto jamás lanzado por la banda. El primer sencillo del álbum (lanzado antes que el álbum) fue todo un éxito alcanzando el top 40 de las listas en varios países. «Rock or Bust» alcanzó el puesto número 1 en 12 países, incluidos Australia, Canadá, Alemania y Suecia. Alcanzó el top 5 en otros 12 países, incluidos Nueva Zelanda, el Reino Unido, los Estados Unidos e Italia. En los Estados Unidos, el álbum vendió 172.000 copias en su primera semana de lanzamiento y debutó en el puesto número 3 en el Billboard 200. A partir de enero de 2015, vendió 500.000 copias en los EE.UU. lo que llevó a conseguir el disco de oro, el álbum número 22 de la banda en alcanzar tal estatus. En Canadá, debutó en el número 1 en la lista de álbumes canadienses, vendiendo 31.000 copias en su primera semana de lanzamiento. En todo el mundo, «Rock or Bust» vendió un total de 2,8 millones de copias en 2014.

«Johnson y los coches, una afición que casi acaba con su otra pasión»

El 7 de marzo de 2016, la banda anunció que las últimas diez fechas de la gira mundial «Rock or Bust» se reprogramarían ya que los médicos de Johnson le habían ordenado que dejara de hacer giras de inmediato, ya que su pérdida de audición se había acelerado y corría el riesgo de quedar completamente sordo si persistía en la carretera. Las diez fechas canceladas se realizarían a lo largo del año «probablemente con un vocalista invitado», dejando «en le aire» el futuro de Johnson en las giras con el grupo. Johnson declaró más tarde que su pérdida auditiva no provino de actuar durante 36 años con AC/DC, sino más bien de su amor por las carreras de coches y de haberse olvidado de ponerse tapones para los oídos durante una carrera en la que se rompió el tímpano izquierdo. El 19 de abril de 2016, Johnson hizo una declaración oficial sobre sus problemas de salud y su incapacidad para realizar giras. En el comunicado, reconoció sus continuas dificultades auditivas, pero declaró sus intenciones de continuar grabando y poco a poco reanudar las giras si su salud mejora lo suficiente.

«¿El rey en su trono?»

El 16 de abril de 2016, AC/DC emitió un comunicado anunciando la incorporación del líder de Guns & Roses, Axl Rose, como vocalista principal de la banda durante el resto de las fechas de su gira de 2016. Debido a una rotura en el pie que había sufrido en los ensayos Rose realizó algunos conciertos sentado en una silla, pero no era una silla cualquiera, sino el «trono» que le prestó Dave Grohl (líder de Foo Fighters y batería de Nirvana) utilizó con su banda cuando él se había roto una pierna.

«Los miembros de la banda de AC/DC quisieran agradecer a Brian Johnson sus contribuciones y dedicación a la banda a lo largo de los años. Le deseamos todo lo mejor con sus problemas de audición y futuras aventuras. Por mucho que deseemos terminar esta gira como comenzó, entendemos, respetamos y apoyamos la decisión de Brian de dejar de hacer giras y salvar su audición. Estamos dedicados a cumplir con el resto de nuestros compromisos de gira con todos los que nos han apoyado a lo largo de los años, y somos afortunados de que Axl Rose tenga la amabilidad de ofrecer su apoyo para ayudarnos a cumplir con este compromiso. AC/DC reanudará su gira mundial Rock or Bust con Axl Rose como vocalista».

Comunicado de la banda.
«38 años apoyando a los Young»

El 8 de julio de 2016 Cliff Williams comunicó que pronto dejaría la banda. Al final de la gira mundial «Rock or Bust», emitió una declaración en video confirmando su partida. Su último show con AC/DC fue en Filadelfia el 20 de septiembre de 2016. Después de completar la gira «Rock or Bust» en 2016, AC/DC hizo se tomó un descanso.

Reunión.

El 30 de septiembre de 2020, AC/DC confirmó oficialmente el regreso de Brian Johnson, Phil Rudd y Cliff Williams a la banda, junto con Angus y Stevie Young reuniendo la formación que grabó «Rock or Bust». El 13 de noviembre de 2020 se lanzó «Power Up» (abreviado como PWR/UP y escrito como PWRϟUP) es el decimoséptimo álbum de estudio de AC/DC. En Australia, «Power Up» debutó en el número uno en las listas de álbumes, convirtiendo a AC/DC en el primer grupo en tener un álbum australiano número uno en cinco décadas consecutivas (de 1980 a 2020). El álbum vendió 21.535 copias en su primera semana superando al resto de bandas del top 15. A partir del 12 de diciembre, pasó cuatro semanas en el número uno, convirtiéndose en el álbum número 1 más largo en Australia en 2020. En los Estados Unidos, «Power Up» debutó en el número uno en la lista Billboard 200, con 117.000 unidades vendidas en su primera semana, convirtiéndose en el tercer álbum de la banda en alcanzar el número uno en la lista, después de «For Those About to Rock We Salute You» (1981) y «Black Ice» (2008). El álbum debutó el 13 de noviembre de 2020 en el número uno de la lista de álbumes del Reino Unido con 62.000 copias vendidas. En Alemania debutó en el número uno, vendiendo casi 160.000 copias, su mejor debut en años, manteniéndose en esa posición durante un total de 5 semanas no consecutivas, convirtiéndolo en el álbum más vendido de 2020. A nivel mundial, fue el sexto álbum más vendido de 2020 con 1,37 millones de copias vendidas.

AC/DC se han definido a sí mismos como «una banda de rock and roll, nada más y nada menos», alejando toda duda de si son o no una banda de «heavy metal», a pesar de que AC/DC fue una influencia un tanto formativa en la nueva ola de bandas británicas de heavy metal (NWOBHM) como Saxon e Iron Maiden que surgieron a fines de la década de 1970, en parte como una reacción al declive de las bandas tradicionales de hard rock de principios de la década de 1970. A lo largo de su carrera, las canciones de AC/DC han sido criticadas por simplistas, monótonas, vulgares y sexistas. Los miembros del grupo siempre han argumentando que las letras son una broma.

«No somos una banda de machos. Nos tomamos la música mucho más en serio que las letras que son solo frases».

Malcolm Young sobre las acusaciones de sexistas.

AC/DC ha vendido más de 200 millones de discos en todo el mundo, incluidos 75 millones de álbumes en los Estados Unidos, lo que los convierte en el noveno artista con mayores ventas en los Estados Unidos y el decimosexto artista con mayores ventas en todo el mundo. «Back in Black» ha vendido aproximadamente 50 millones de unidades en todo el mundo, lo que lo convierte en el segundo álbum más vendido de cualquier artista y el álbum más vendido de cualquier banda. El álbum ha vendido 25 millones de unidades en los Estados Unidos, donde es el cuarto álbum más vendido de todos los tiempos. La popularidad de AC/DC va mas allá de su música, convirtiéndose en una de las bandas de rock mas reconocibles del planeta.

Vamos a continuar con el primer bajista de AC/DC, Mark Evans, y su paso por esta otra banda australiana llamada Rose Tatto.

Banda formada en Sydney en 1976 por el guitarrista de slide Peter Wells, junto a Leigh Johnston en la guitarra rítmica y Tony Lake en la voz principal. Mas tarde el batería Michael Vandersluys y el bajista Ian Rilen completaron la formación. Rilen había aprendido a tocar el bajo de manera autodidacta mientras estaba en prisión y le dio a la banda de Wells la reputación callejera que este buscaba. El guitarrista rítmico Mick Cocks pronto reemplazó a Johnston; Lake y Vandersluys fueron sustituidos por Angry Anderson y Dallas «Digger» Royall, respectivamente. Rose Tattoo actuó por primera vez en la víspera de Año Nuevo de 1974 en el club de rock local, Chequers. El sonido de rock duro de Rose Tattoo ganó rápidamente seguidores en el área de Sydney. Los miembros de AC/DC eran fans de la banda y los recomendaron a su sello, Albert Productions. Antes del lanzamiento del sencillo debut de la banda, producido por Harry Vanda y George Young (ex The Easybeats, y productores de AC/DC), Cocks ocupó el puesto de bajista para tras la partida de Rilen. El L.P debut homónimo de Rose Tattoo, publicado en 1978, alcanzó el top 40 en la lista australiana de álbumes en noviembre de ese año. El álbum, producido por Vanda & Young, fue lanzado en algunos mercados como «Rock N’ Roll Outlaw». A mediados de 1980 realizaron una gira por los Estados Unidos y luego por Europa (incluido el Reino Unido). A principios de 1981, «Rock N’ Roll Outlaw» comenzó a aparecer en las listas de Europa, alcanzando el puesto número 2 en Francia, el número 5 en Alemania y el número 60 en el Reino Unido. Tres años después de su debut, la banda publicó el álbum, «Assault and Battery», que alcanzó el top 30 en Australia. Tanto «Rock N’ Roll Outlaw» como «Assault and Battery» alcanzaron el número 1 en la lista de álbumes de heavy metal del Reino Unido.

«»Sangre, sudor y…R&R!!»

La gira europea de 1981 de Rose Tattoo incluyó una aparición en el Reading Festival, donde Anderson golpeó repetidamente los amplificadores con la cabeza hasta sangrar. Fueron aclamados como la banda más ruidosa en tocar en el Marquee Club de Londres desde Led Zeppelin. En 1982 publican «Scarred for Life» realizando posteriormente una gira por los Estados Unidos abriendo para Aerosmith y ZZ Top. La visita de la banda a los Estados Unidos no fue un gran éxito, pero demostró ser influyente en la escena underground del sleaze metal de Los Ángeles, con bandas como Guns & Roses o L.A. Guns. En 1983, tan solo Anderson y Leach permanecen en la banda. Con una nueva formación publican en 1984 «Southern Stars» su último álbum para Albert Productions y Vanda & Young como productores. El álbum acercó al grupo a un sonido mas hard/aor. Tras nuevos cambios de miembros en la banda Rose Tatto se queda como un cuarteto publicando en 1986 «Beats from a Single Drum». La banda se separó a finales de 1987.

Rose Tattoo abrió para Guns & Roses en la etapa australiana de su gira «Use Your Illusion Tour». Rose Tattoo se reunió de nuevo en 1998 para la gira «All Hell Breaks Loose!!». En el año 2000 la banda apareció en el festival Wacken Open Air donde se grabó el álbum en vivo «25 to Life», publicado en ese mismo año. 2002 vio el lanzamiento de «Pain», el primer álbum de estudio de la banda en 16 años. En 2007 se publica «Blood Brothers» y en junio de ese año, Rose Tattoo volvió a abrir para Guns & Roses junto a Sebastian Bach en la etapa australiana de su «Chinese Democracy Tour». En octubre abrieron para Motörhead en las fechas de su gira por Australia. En 2017 el grupo publica el directo «Tatts – Live in Brunswick», grabado en el Bombay Bicycle Club (también conocido como Bombay Rock) en Brunswick, Melbourne, como parte de su gira Never Too Loud de 1982. En 2017 se anunció una nueva formación de Rose Tatoo en la que se incluía al ex bajista de AC/DC Mark Evans. En 2020 se lanzó «Outlaws», una regrabación del álbum debut homónimo de Rose Tattoo más tres canciones que no aparecieron en el lanzamiento de 1978. El 1 de septiembre de 2020 John Meyer, el guitarrista de slide del grupo de 1983 a 1985, murió. Para 2010, cinco ex miembros del grupo habían muerto de varios tipos de cáncer: Dallas Royall (cáncer de garganta, 1991), Peter Wells (cáncer de próstata, 2006), Ian Rilen (cáncer de vejiga, 2006), Lobby Loyde (cáncer de pulmón, 2007) y Mick Cocks (cáncer de hígado, 2009). Uno de los muchos músicos que han pasado por Rose Tatoo nos lleva a nuestra siguiente banda, el batería Jackie Barnes y su paso por esta banda fundada por otro australiano llamada The Dead Daisies.

Banda formada en 2012 por el guitarrista David Lowy y de la cual os hable en el episodio dedicado a Thin Lizzy https://rockencadena.home.blog/2019/10/05/programa-no11/. Como os decía en ese episodio Glenn Hughes se unió a la banda en 2019 como cantante principal y bajista en sustitución del vocalista John Corabi y el bajista Marco Mendoza. El 22 de enero de 2021salió a la venta el álbum «Holy Ground» con Glenn Hughes a la voz principal y el bajo, los guitarristas Doug Aldrich, y David Lowy y el batería Deen Castronovo. Poco después se anuncio que el batería Tommy Clufetos, anteriormente en la banda para la gira europea de 2015, regresaría para futuros shows en vivo. En enero de 2022 el batería Brian Tichy se unio de nuevo al grupo a la vez que se lanzaba el E.P. «Live From Daisyland», con cuatro temas en vivo incluido la versión del clásico de Deep Purple «Burn». En julio de 2022 Glenn Hughes, dio positivo por COVID-19 y no pudo unirse a sus compañeros de banda en los shows restantes de su gira europea de verano de 2022. Para el resto de conciertos, Dino Jelusick ( corista de Whitesnake) se hizo cargo de la voz principal, mientras que Yogi Lonich de Buckcherry ocupó el puesto de bajista. El 30 de septiembre de 2022 se lanzó el último álbum hasta la fecha de The Dead Daisies titulado «Radiance». Y ya que hablamos de Glenn Hughes vamos a continuar con el y esta super banda llamada Black Country Communion.

Banda anglo-estadounidense formada en 2009 por Glenn Hughes y el guitarrista de blues Joe Bonamassa tras conocerse por primera vez en el NAMM Show de 2006 y mas tarde, en 2009, actuando juntos en House of Blues de Los Ángeles para la cadena de instrumentos Guitar Center, momento en el cual los dos decidieron formar una nueva banda. La idea de reclutar al batería Jason Bonham y al teclista Derek Sherinian fue sugerida por Kevin Shirley quien fuera el productor de su primer trabajo. Antes de la incorporación de Sherinian se consideró un segundo guitarrista para la banda en lugar de un teclista. El nombre Black Country Communion no se utilizó hasta mayo de 2010, después de que una amenaza de acción legal de otra banda impidiera que el grupo usara el nombre Black Country. Hughes reveló más tarde que la banda en cuestión supuestamente exigió 500.000 dólares por el derecho a usar el nombre Black Country, algo que tachó como «simplemente grosero». En 2016, Hughes explicó que su grupo había comprado con éxito el nombre Black Country a la otra banda (por menos de los 500.000 dólares exigidos inicialmente), aunque cuando se resolvió el caso era demasiado tarde para usar el nombre y que tuvieron que continuar usando el nombre de Black Country Communion. El álbum debut homónimo de la banda se lanzó en Europa el 20 de septiembre de 2010 y en América del Norte un día después. En la noche de su lanzamiento europeo, la banda tocó su primer show oficial en los John Henry Rehearsal Studios de Londres, frente a un selecto publico de entre 75 y 100 persona. El álbum fue un éxito de ventas en el Reino Unido, alcanzando el número 13 en la lista de álbumes y encabezando la lista de álbumes de rock de dicho pais. En los EE.UU. alcanzó el puesto 54 en la lista de álbumes del Billboard 200. La ​​banda no realizó gira para promocionar el álbum, tocando solo dos shows en el Reino Unido. El siguiente álbum de Black Country Communion «Black Country Communion 2» fue lanzado el 13 de junio de 2011 en Europa y al día siguiente en América del Norte, vendiendo más de 8.000 copias en su primera semana en los EE.UU, alcanzando solo el número 71 en le Billboard 200. El álbum también tuvo menos éxito en la lista de álbumes del Reino Unido, alcanzando el puesto 23 (diez puestos por debajo de su predecesor). La banda realizó una breve gira por Europa entre junio y julio junto a Michael Schenker Group. El grupo también actuó en los EE.UU. por primera vez tocando un total de siete shows en seis estados entre el 10 y el 19 de junio de 2011. El 24 de octubre de 2011 y el 15 de noviembre en Blu-ray se publicó el DVD en directo «Live Over Europe», grabado durante tres conciertos en las ciudades alemanas de Hamburgo, Múnich y Berlín. El 28 de febrero de 2012 se lanzó en formato C.D. En el verano de 2012 comienzan las tensiones entre miembros de la banda, a pocos meses de la publicación de su tercer álbum Hughes dudaba del futuro de la banda culpando a la falta de giras regulares del grupo (debido en parte a la apretada agenda de giras en solitario de Joe Bonamassa) como un obstáculo para el éxito del grupo. Más tarde aclaró que sus declaraciones tenían como objetivo motivar a sus compañeros a comprometerse mas con el grupo, asegurando que si la banda no podía hacer giras regularmente, buscaría otra banda que lo hiciera. Bonamassa finalmente respondió a los rumores de que dejaría Black Country Communion, condenando el «bullying» de Hughes hacia el para completar el programa planeado para 2013 a pesar de saber que no podría, así como la forma en que Hughes reveló públicamente las tensiones en la banda y su pretensión de ser el único compositor de su siguiente álbum. Finalmente su tercer álbum «Afterglow» fue lanzado en octubre de 2012. El 13 de marzo de 2013, Bonamassa anunció que «felizmente ya no estaría involucrado» con Black Country Communion. Diez días después, Hughes confirmó que la banda había terminado y reveló que Bonamassa no permitiría que los miembros restantes continuaran con el nombre de Black Country Communion, e insinuó que Jason, Derek y el continuarían con un nombre distinto cuando fuera el momento adecuado. En abril de 2016 la banda se reunió de nuevo publicando el álbum «BCCIV» el 22 de septiembre de 2017, convirtiéndose en el primer lanzamiento de la banda en llegar al top ten de la lista de álbumes del Reino Unido. Al contrario de los lanzamientos anteriores del grupo, ni el batería Jason Bonham, ni el teclista Derek Sherinian ni el productor Kevin Shirley contribuyeron a la composición del álbum. Uno de los miembros de Black Country Communion, el batería Jason Bonham, nos lleva a nuestra siguiente banda a la cual ya dedicamos un episodio, UFO.

Los legendarios UFO, protagonistas de un episodio de Rock en Cadena https://rockencadena.home.blog/2021/11/06/programa-no35/. Jason Bonham (hijo del fallecido batería de Led Zeppelin, John Bonham) se unió a UFO en 2004 al igual que el virtuoso guitarrista Vinnie Moore quienes junto a los míticos Mogg, Way y Raymond publicaron ese mismo año a través del sello discográfico alemán SPV/Steamhammer «You Are Here», decimoséptimo álbum de estudio de la banda producido por el musico y productor alemán Tommy Newton. Bonham tan solo grabaría un álbum mas con UFO, el directo «Showtime» lanzado en 2005 y grabado en el Pumpwerk de Wilhelmshaven, Alemania ese mismo año. «Showtime» fue lanzado en doble C.D. y doble DVD, este ultimo además del concierto contenía una serie de temas grabados en directo el 26 de mayo de 2005 en los Peppermint Park Studios en Hannover, Alemania. A finales de agosto de 2022, el vocalista Phil Moog sufrió un infarto y la gira despedida por Europa tuvo que ser cancelada. De entre los muchos músicos que pasaron por UFO vamos a continuar con tal vez uno de los menos conocidos, el teclista de directo Jem Davis, miembro de otra banda británica llamada FM.

Formados en Londres en 1984 por los ex Samson Merv Goldsworthy (bajista) y Pete Jupp (bateria) los hermanos Overland: el vocalista y guitarrista Steve y el guitarrista Chris Overland (ex Wildlife) y el teclista Philip Manchester (conocido como Didge Digital de la banda new wave The Invaders). En diciembre de 1984 una demo les ayudó a conseguir un contrato discográfico con el sello CBS/Portrait. Ese mismo mes la banda salió de gira por Alemania con Meat Loaf. Su álbum debut, «Indiscreet» fue lanzado en 1986. La canción «That Girl» fue versionada por Iron Maiden y apareció como cara B de su sencillo «Stranger in a Strange Land» anteriormente fue interpretada en vivo por The Entire Population of Hackney, un proyecto de Nicko McBrain junto a Adrian Smith y miembros de Samson y Urchin, incluido el guitarrista Andy Barnett, amigo y compañero de Adrian Smith en Urchin y antiguo y futuro miembro de FM. El tema, escrito por Merv Goldsworthy, Pete Jupp y Andy Barnett fue una de las canciones de la demo que aseguró a FM su contrato discográfico en 1984. Cuando se lanzó «Indiscreet» , FM había reescrito partes de la canción, mientras que la versión de Iron Maiden, lanzada tres semanas después, se basó en el tema original. FM cambió de sello discográfico y los hermanos Overland fueron a los Estados Unidos a escribir con el productor y compositor Desmond Child. En 1989, lanzaron su segundo álbum titulado «Tough It Out». Poco después, Chris Overland decidió dejar FM. En su lugar, el grupo reclutó a Andy Barnett, un guitarrista que ya había estado en una primera formación del grupo. Su debut con FM fue el álbum de 1991 «Takin’ It To The Streets» editado por su nuevo sello Music For Nations. El álbum contenía una versión de «I Heard It Through the Grapevine» de Marvin Gaye, pero lo que se pensó seria un éxito, no lo fue. A finales de 1991 el teclista Didge Digital (Philip Manchester) abandonó el grupo. Su siguiente álbum, «Aphrodisiac» de 1992 ve al grupo convertirse en cuarteto, prescindiendo de los teclados en este trabajo. En 1993 publican el directo «No Electricity Required» grabado en noviembre 1992 en el Ezee Studio 3 de Londres, así como su versión en VHS titulado «Live Acoustical Intercourse». En esos dias el teclista Jem Davis (ex Tobruk y UFO), acaba uniéndose a la banda grabando con ellos «Dead Man’s Shoes» publicado (con nueva compañía, Raw Power) en 1995. Tras este trabajo la banda se separó. El 27 de octubre de 2007, FM volvió a tocar en público por primera vez en doce años, en el festival Firefest. La gran acogida por parte del publico hizo que la banda tomase la decisión de hacer que la reunión fuera permanente. Sin embargo, el guitarrista Andy Barnett no pudo comprometerse con la banda. Por sugerencia de Steve Overland, Jim Kirkpatrick se unió al grupo debutando en el E.P. de 2009 «Wildside» que contenía nuevas grabaciones y pistas en vivo. Esos temas nuevos aparecieron en su siguiente álbum de 2010, «Metrópolis» el primero desde 1995. En 2010 se publica un nuevo E.P titulado «City Limits» con temas inéditos y temas en vivo. En enero de 2012 se organizaron tres conciertos especiales en Glasgow, Manchester y Londres para celebrar el 25 aniversario del lanzamiento de su álbum debut «Indiscreet», donde la banda tocaba el álbum en vivo en su totalidad. Se grabaron los espectáculos de Manchester y Londres, y el 1 de abril de 2013 se lanzó el DVD en directo «Indiscreet 25 Live». Un año antes ya se había lanzado el DVD en directo «Live In Europe» grabado durante su gira de 2011 por Europa. El 26 de noviembre de 2012 se publica un nuevo E.P. de nueve pistas titulado «Only Foolin´» con nuevas grabaciones de estudio y pistas en vivo grabadas en los conciertos de Indiscreet 25 Live. En 2013 FM lanzó dos álbumes seguidos: «Rockville», el 11 de marzo debutando en la lista oficial de rock del Reino Unido en el puesto numero 6, y «Rockville II» el 25 de marzo. El 31 de marzo de 2014 FM lanzó un nuevo E.P. de once pistas titulado «Futurama» con cuatro nuevas pistas de estudio, seis nuevas grabaciones en vivo y una mezcla extendida. En 2015 FM ficha (como no) con el sello Frontiers Records con quienes lanzan, el 20 de abril de 2015 en el Reino Unido y Europa y el 21 de abril en EE.UU., su noveno álbum de estudio «Heroes and Villains». En 2016, FM celebró el 30 aniversario de su álbum debut con el lanzamiento de «Indiscreet 30», regrabando las pistas originales. En 2018 publican «Atomic Generation», y en 2019 el directo en C.D. y DVD «The Italian Job», grabado en Milan el 29 de abril de ese mismo año en el Frontiers Rock Festival. 2020 vio el lanzamiento de «Synchronized» y 2021 el del doble C.D. en directo «Tough It Out Live» grabado durante los últimos shows de FM en 2019 en el Reino Unido y Alemania donde la banda tocó en su totalidad el álbum «Tough It Out» celebrando el 30 aniversario de su lanzamiento. Además de las canciones del álbum «Tough It Out», este lanzamiento en vivo se completa con una serie de temas que FM rara vez tocaba en directo. El ultimo trabajo de la banda es «Thirteen» de 2022. FM (por cierto, llamada FM UK en EE.UU. para no confundirse con la banda canadiense de rock progresivo FM) apareció en la banda sonora de la película de 1988 Iron Eagle II (Águila de Acero II) donde aportaban temas, Alice Cooper, Mike Reno (vocalista de Loverboy), Rick Springfield y este grupo con el que continuamos llamado Britny Fox.

Formados en 1985 en Filadelfia por el vocalista principal y guitarrista rítmico «Dizzy» Dean Davidson, el bajista Billy Childs y los ex Cinderella Michael Kelly Smith en la guitarra principal y Tony Destra en la batería. Davidson bautizó a la banda Britny Fox en honor a un antepasado suyo galés. En 1986 graban la demo «In America», y gracias a sus conexiones con Cinderella, consiguen un importante contrato discográfico. Sin embargo, cuando las cosas comenzaban a ir bien el batería Tony Destra murió en un accidente automovilístico en 1987. En medio de la gira, contrataron temporalmente al batería Adam West (también conocido como Adam Ferraioli), quien grabó con ellos la demo de 1987 titulada «Rock Is Gonna Fight», mas tarde contrataron a John DiTeodoro (Johnny Dee) como miembro oficial de la banda. El álbum debut homónimo de la banda, lanzado en 1988, fue uno de los estrenos con más éxito de la temporada 1988–89, alcanzando el numero 39 en el Billboard 200, logrando el disco de oro (más de 500.000 copias) y atrayendo a más de 625.000 fans a sus más de 130 conciertos como teloneros de Poison y Warrant. Tras el lanzamiento del segundo álbum «Boys in Heat» de 1989, el vocalista Dean Davidson abandono la banda a pesar de que el álbum debutó en el puesto 149 en la lista de álbumes Billboard 200 llegando al puesto 79 una semana desoues, permaneciendo allí durante 3 semanas. Tommy Paris, también conocido como Don Jillson, cuando formaba parte de la banda Jillson, se convirtió en el nuevo vocalista de Britny Fox. Con Paris en el grupo publican en 1991 «Bite Down Hard». Sin embargo, la popularidad del glam metal estaba en declive en ese momento, debido a la creciente popularidad del movimiento grunge. Britny Fox se disolvió en 1992 y se reunió en 2000 con la misma formación antes de su disolución publicando en 2003 su cuarto álbum de estudio, «Springhead Motorshark». La banda realizó una gira por Estados Unidos y Europa en 2007 con dos nuevos miembros, el guitarrista Tommy Krash y el batería Henry Now (en principio el ex batería de White Lion, Greg D’Angelo, formaba parte del grupo, pero se rompió el pie durante el ensayo y tuvo que ser reemplazado). A finales de 2007, el bajista Billy Childs era el único miembro de Britny Fox al que se unieron el vocalista principal y guitarrista rítmico Jamie Fletcher, el guitarrista Greg Polcari y el batería Henry Now, con los que de nuevo giró en 2008 por Estados Unidos y Europa. En 2010, «Dizzy» Dean Davidson intentó sin éxito reunir a los miembros de la formación original del primer álbum. En 2015, se anunció que Britny Fox se había reunido de nuevo con los miembros originales Billy Childs, Johnny Dee, Tommy Paris y el nuevo guitarrista Chris Sanders para la grabación de un nuevo álbum. Esta formación tocó seis shows en 2015 y ocho shows en 2016, pero ninguno desde entonces. En una entrevista de 2017, el bajista Billy Childs declaró que la grabación del álbum había sido descartada, pero no llegó a decir si la banda se había separado o no. El batería Johnny Dee nos lleva a la siguiente banda de la cual formó parte (cuando aun se lo conocía como John DiTeodoro) antes de su incorporación a Britny Fox, Waysted.

Banda formada en 1982 por el ex bajista de UFO Pete Way y el vocalista escocés Fin Muir (Ian Muir) a quienes se unen el batería Frank Noon (uno de los primeros baterías de Def Leppard), el guitarrista Ronnie Kayfield y el teclista/guitarrista y compañero de Way en UFO Paul Raymond. Waysted firmó con Chrysalis Records y lanzó su primer álbum «Vices» en 1983. Sin embargo, las inestabilidades de formación que plagaron a la banda durante toda su existencia, comenzaron cuando Paul Raymond fue despedido en vísperas de una gira por el Reino Unido abriendo para DIO en su Holy Diver Tour de 1983. En 1984 el guitarrista Barry Benedetta se unió al grupo antes de la gira por Estados Unidos con Ozzy Osbourne y Mötley Crüe, pero al igual que ocurriera con Kayfield y Noon el también fue despedido de la banda poco después de que Waysted y su sello Chrysalis se separaran.

«Ozzy, Mötley y Waysted…fiesta asegurada»

Ese mismo año lanzan su segundo trabajo en formato E.P. titulado «Waysted», con dos nuevas incorporaciones, el también miembro de UFO Andy Parker a la batería y el guitarrista Neil Shepard. El E.P. alcanzó el puesto 73 en la lista de álbumes del Reino Unido. Este trabajo fue reeditado en C.D. en 2008 como «Waysted Plus», con el añadido de seis canciones grabadas en vivo en el Kerrang! Weekend Festival, en Caister, Great Yarmouth, Reino Unido, el 14 de octubre de 1984. Con Raymond de vuelta al grupo Waysted se embarca en el World Slavery Tour de Iron Maiden en su etapa por Reino Unido.

En 1985 se publica «The Good the Bad the Waysted» en el que solo aparecen Muir, Way y Raymond mas los músicos de sesión Jimmy DiLella a la guitarra y los teclados y Jerry Shirley (Humble Pie) a la batería. También en 1985 Phil Taylor, batería de Motörhead, se unió brevemente a Waysted. De nuevo se producen cambios en la formación, el vocalista Danny Vaughn y el batería John DeTiodoro (Johnny Dee) se unieron a Way y Chapman, únicos supervivientes de la formación original. Waysted firma con la multinacional EMI publicando en 1986 «Save Your Prayers». El álbum, producido por Simon Hanhart quien había trabajado con Marillion y Saxon entre otros, es un cambio total en el sonido del grupo acercándose al hard/aor comercial. Su primer single, cuyo video tuvo bastante difusión en MTV, ayudo al álbum a entrar en la lista Bilboard 200 en la posición 185. La nueva formación de Waysted se embarcó en una gira por el Reino Unido y Europa abriendo para Status Quo, repitiendo un año después con Iron Maiden en el Somewhere on Tour por Norteamérica e Inglaterra. En 1987 Waysted se separó. En el año 2000 se edita «Wilderness of Mirrors» que básicamente son las demos de su ultimo trabajo «Save Your Prayers» remezcladas por Paul Chapman. Ese mismo año se edita el directo «You Won’t Get Out Alive» grabado en 1984. En 2003 Way reformó Waysted junto al vocalista original de la banda, Ian Muir, editando un año después «Back From The Dead» junto al guitarrista Chris George, y los baterías Scott Phillips y Paul Haslin. En 2005 se publica » ‘Boot From The Dead», una grabación pirata oficial de cuatro canciones grabadas durante el concierto de Waysted en el Mean Fiddler de Londres el 18 de febrero de 2005 Un año después se publica otro directo «Organized Chaos…Live» grabado en The Barfly, Glasgow el 21 de septiembre de 2005. En 2007 se publica «The Harsh Reality». En julio de 2020 se lanzó una caja especial con 5 cds bajo el título de «Waysted: Heroes Die Young – Waysted Volume 2 (2000-2007)», estos cinco cds son, Wilderness Of Mirrors: Save Your Prayers Sessions (2000), Back From The Dead (2004), «Boot From The Dead» (2005) más dos temas de la edición japonesa de «Back From The Dead» que aparecieron como bonus track y que son regrabaciones de UFO con Paul Chapman a la guitarra, «Organized Chaos…Live» (2006) y «The Harsh Reality» (2007). Lamentablemente el 14 de agosto de 2020 su líder y fundador Pete Way fallecio el 14 de agosto de 2020. Y es el precisamente quien nos lleva a nuestra siguiente banda, otro de sus proyectos, llamado Damage Control.

Proyecto formado por Pete Way en 2006 junto a Spike, vocalista de Quireboys, el bateria Chris Slade y el guitarrista Robin George a la guitarra. En 2007 lanzan su debut homónimo, tras el cual Spike es despedido. El segundo y último álbum de Damage Control, «Raw», fue lanzado en 2009 y grabado como un trío con Pete Way y Robin George compartiendo la voz principal. El álbum contenía diferentes versiones de todas las canciones del primer álbum excepto una, además de tres canciones nuevas. El grupo, con un sonido hard blues muy setentero, no tuvo mucha mas repercusión mas allá de sus dos trabajos. El batería de Damage Control, y de muchas otras bandas, Chris Slade nos lleva a nuestros protagonistas del episodio, ya que como os comentaba al principio formó parte de AC/DC en los 90 y de nuevo en 2008 en el Black Ice World Tour. Antes de despedirme, me gustaría compartir algo que algunos (si habéis oído el podcast o visitado facebook o twitter) ya sabréis, y es que durante un tiempo Rock en Cadena estará en «stand by», es momento de parar tomar aire y volver en 2023 con tan solo cinco o seis episodios. Daros las gracias a todos y todas y desearos un feliz 2023 lleno de alegría, paz…y mucha música. Sube el volumen y disfruta!!!…Hasta la vista!

Episodio Nº46

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Bienvenidos y bienvenidas a una nueva entrada de Rock en Cadena. Hacia mucho tiempo que no dedicamos un episodio a los solistas (o solistas con banda) dentro del heavy/rock. Pues bien, en este episodio nos centraremos en uno de los guitarristas mas influyentes de los años 70/80. Miembro de dos grandes bandas europeas, decidió emprender una carrera en solitario a pesar de las muchas ofertas para entrar a formar parte de grandes grupos. Fácilmente reconocido por su inseparable Gibson Flying V, temperamental y prodigioso creador de los rifs y solos mas melódicos del heavy, aun hoy nos sigue deleitando con su creatividad. El es Michel Shenker y su banda Michael Schenker Group.

La aventura en solitario.

Tras abandonar UFO Michael Schenker regresó a Hannover en noviembre de 1978 para recuperarse de sus adicciones. Allí, volvió a unirse a Scorpions tocando en tres pistas del nuevo álbum «Lovedrive» y regresando a los escenarios con la banda en marzo de 1979 para una larga gira europea. Sin embargo, después de un par de fechas, Michael, colapsado por el cansancio, decidió que no quería tocar temas de «otros» lo que precipitó su salida de Scorpions por segunda vez. En septiembre de 1979, Michael hizo una prueba con Aerosmith en Nueva York tras la marcha de Joe Perry. Según el biógrafo de Aerosmith, Schenker se marchó enfadado después de que el productor Gary Lyons hiciera varios chistes sobre los nazis.

«Estuve sentado en una habitación de hotel durante cinco días y no pasó nada. Ese es un buen ejemplo de lo que hacen estas grandes bandas: se sientan durante horas y días, no hacen nada y gastan dinero.»

«Bajé, y entré en el estudio de ensayo, y por supuesto, todo el mundo estaba esperando a Steven Tyler. Bueno, al final, Steven Tyler entra, y estaba completamente «puesto» y fuera de sí, así que realmente no tenía sentido ensayar o hacer nada. Y para ser honesto, yo mismo no estaba realmente bien después de esperar durante cinco días en una habitación de hotel, así que básicamente, todos nos separamos, y volví a Inglaterra.»

Michael Schenker sobre su audición con Aerosmith

El manager de Schenker en esos días Peter Mensch y su socio Cliff Burnstein intentaron juntar a Michael con el batería Aynsley Dunbar (Journey, Jefferson Starship) y Sammy Hagar de Montrose en las voces, quien más tarde fuera vocalista de Van Halen. Además, Geddy Lee y Neil Part de Rush ofrecieron ayuda a Michael para grabar su primer álbum en solitario. Schenker se tomó un par de meses para pensar y a finales de 1979, decidió formar su propia banda. En Londres, reclutó al desconocido cantante Gary Barden, mientras que el bajista Billy Sheehan (Talas, Mr.Big) y el batería Danny Carmassi (ex-Montrose) volaron hasta allí para formar una primera alineación de Michael Schenker Group, algo que tan solo duró un mes, con Schenker obligado a regresar a Hannover para ser hospitalizado a principios de 1980 para tratar su adicción a las drogas y el alcohol.

Nace The Michael Schenker Group.

«Schenker a principios de los 80»

En abril de 1980, estaba de regreso en Londres grabando su álbum debut en solitario con Gary Barden, Don Airey a los teclados, Mo Foster al bajo y Simon Phillips a la batería. Producido por Roger Glover de Deep Purple, alcanzó el puesto número 8 en la lista del Reino Unido, Schenker salió de gira con su nueva banda, formada por Barden a la voz, el excompañero de Schenker en UFO Paul Raymond a la guitarra y los teclados, el bajista Chris Glen (ex-Sensational Alex Harvey Band) y el «veterano» batería Cozy Powell (Jeff Beck Group, Rainbow). La banda, compuesta en esos momentos por Gary Barden, Paul Raymond, Chris Glen, Cozy Powell y el propio Michael Schenker, grabaron un nuevo álbum, «MSG», publicado en septiembre de 1981. La producción corrió a cargo de Ron Nevison, quien se excedió en los gastos de producción haciendo que la grabación del álbum se excediera del presupuesto, generando una deuda que persiguió a la banda por el resto de su carrera profesional. Este segundo trabajo alcanzó el puesto 14 en las listas del Reino Unido, el 31 en Holanda, y el 81 en los Estados Unidos, mientras que en Japón logró el puesto 15 con ventas de 48 mil copias y once semanas en el top ten nipón. En agosto de 1981, mientras Ron Nevison mezclaba el nuevo álbum, Michael Schenker Group ya estaba despegando para tocar en Japón donde su éxito era masivo, grabando en vivo su actuación en el Nippon Budokan de Tokio ante más de 10 000 personas. Y todo esto antes de que se lanzara su segundo álbum de estudio. Su tercer trabajo y primer álbum en vivo fue «One Night at Budokan», editado en 1982 solo para el mercado japonés.

“Era como los Beatles, los fans estaban absolutamente locos y emocionados»

Michael Schenker sobre la gira por Japón en 1981.

El álbum comienza a venderse de importación en el resto del mundo a precios bastante altos, lo que obliga a su compañía Chrisalis a editarlo primero en el Reino Unido y luego en el resto del mundo. El álbum se coloca en febrero de 1982 en el número 5 de las listas británicas, consiguiendo el disco de plata tras superar las 60.000 copias vendidas. En 2001, un relanzamiento japonés agregó tanto «Tales Of Mystery», omitido del álbum original, como un solo de batería de Cozy Powell de un espectáculo de Osaka. Por esos días Gary Barden y Paul Raymond abandonan Michael Schenker Group por problemas con el manager de la banda, Peter Mensch, que quería un nuevo cantante para subir al grupo de categoría. El rumor es que el manager despidió a Barden y que el motivo de reclutar un vocalista de renombre era para recuperar rápidamente los enormes costos de grabación del álbum «MSG». Mensch sugirió a David Coverdale y Michael le pidió que se uniera a Michael Schenker Group, sin embargo este a su vez quería que Michael, Cozy y Chris se unieran a Whitesnake. Evidentemente ninguna de ambas cosas sucedió, y Schenker intentó reclutar al vocalista de Grand Prix, Robin McAuley, pero fue rechazado, por lo que Michael decidió formar equipo con el ex vocalista de Rainbow Graham Bonnet. Bajo la producción de Martin Birch, productor habitual de Iron Maiden, la banda se fue a Francia, al castillo Le Château d’Hérouville para comenzar a grabar el nuevo álbum. Cozy Powell abandona Michael Schenker Group, para unirse, esta vez sí, a Whitesnake. También el manager Peter Mensch deja de trabajar para la banda. El batería Ted McKenna excompañero de Chris Glen en The Sensational Alex Harvey Band se une a Michael Schenker Group. El teclista de sesión Tommy Eyre también colabora en el álbum. Durante la grabación Schenker recibe una llamada de Ozzy Osbourne en estado de shock por la muerte de Randy Rhoads. Ozzy, que aún tiene fechas contratadas para la gira, pide a Schenker que se una a su banda. Michael pide a Ozzy una serie de condiciones bastante estrafalarias y caras, con la intención de que Ozzy le diera un no como respuesta y así no ser el quien se negara a tocar en la banda de Ozzy.

“Muchas bandas querían que me uniera a ellas, pero tuve que rechazarlas a todas porque tenía la visión de obtener este desbordamiento de energía, de experimentos musicales, instrumentos acústicos, instrumentos eléctricos, tantas cosas”.

Michael Schenker.
«Efímero paso el de Grahan Bonnet por MSG»

El nuevo álbum «Assault Attack», publicado en 1982 llegó al numero 9 en las listas japonesas y al 14 en las listas del Reino Unido. Antes de comenzar la gira el grupo preparó un concierto de calentamiento a finales de agosto, dos días antes de su debut en el Reading Festival de 1982, el concierto de calentamiento celebrado en la Universidad de Sheffield fue un desastre, Bonnet y el resto de la banda estuvieron bebiendo antes del concierto, al comenzar Bonnet se horrorizó al ver que sus hojas con las letras que estaban pegadas a los monitores estaban arrugadas y rotas por los fans que se encontraban mas cerca del escenario. Bonnet recrimino a la audiencia de mala manera siendo reprendido por los fans, además la cremallera de su pantalón se rompió, haciendo que sus atributos fueran parte del «espectáculo», tras lo cual abandonó el escenario obligando al resto de la banda a terminar el concierto de manera instrumental. Bonnet se retiró al hotel de la banda y se marchó a la mañana siguiente en un tren a Londres, donde su manager le dijo que lo habían despedido. Pero existen varias versiones de lo ocurrido, una es que Bonnet se enojó cuando supo que Hugh, el hermano del batería Ted McKenna haría coros y por ello discutió con Michael, e incluso se dijo que ambos llegaron a las manos y que por ello Graham comenzó a esparcir el rumor de que en los conciertos de la banda el que en realidad tocaba la guitarra detrás del escenario era el roadie Steve Casey, algo que nos lleva a otra versión en la que un Bonnet borracho sacó a Steve Casey de detrás de los amplificadores y lo presentó al publico como el que realmente tocaba en la banda, para molestia de Schenker claro.

“Todos habíamos estado bebiendo esa tarde. A la hora del espectáculo, estaba borracho. Realmente hice el ridículo”.

Grahan Bonnet sobre su única actuación con MSG.

“Estaba tocando, miré a mi derecha y no había cantante. Así que terminamos tocando todo el show sin Graham. Y nunca lo vi después”.

Michael Schenker sobre el incidente de la Universidad de Sheffield.

“Comenzamos con Armed And Ready , hicimos otra canción y luego Let Sleeping Dogs Lie. Es uno de esos temas en los que hay un riff y luego una voz. Graham siempre entraba en el riff y decíamos: ‘No, eso está mal’. Lo hizo de nuevo en el concierto en Sheffield y la canción se detuvo. Graham dijo: ‘A la mierda’ y simplemente salió del escenario. Allí había 750 personas pensando qué carajo está pasando“.

Chris Glen sobre el incidente de la Universidad de Sheffield.

“Después del concierto, Ted y yo nos subimos a un Mercedes y debimos conducir a unas 120 mph para regresar a Londres y reunirnos con Gary Barden el jueves por la noche para ensayar con él el viernes y tocar en Reading el sábado”.

Chris Glen.

A falta de 48 horas para tocar en el festival de Reading, la banda recurre a Gary Barden, quien regresa a al banda salvando la actuación. En 1993 la BBC, que había grabado el concierto, lo publicó a través de la serie «BBC Radio One Live In Concert». Barden se reincorporó a MSG por el resto de la gira, al igual que el teclista Andy Nye. En esos días el manager Peter Mensch deja de trabajar para la banda. Con la inesperada partida de Bonnet (pasó a formar Alcatrazz), se decidió que Barden volvería a grabar todas las pistas vocales del cantante anterior para «Assault Attack», pero los costes de una nueva grabación eran altísimos y el álbum finalmente salió con la voz de Bonnet intacta.

«Una portada con historia»

Con el regreso de Gary Barden como vocalista, la banda grabó su cuarto álbum de estudio «Built to Destroy», publicado en octubre de 1983, llegando al puesto 23 en la lista de álbumes del Reino Unido. En eso días, MSG firmó un contrato de gestión con la empresa CCC Management, la cual estaba dispuesta a invertir en la banda, siempre y cuando ésta también hiciera ciertos cambios estructurales en su música, y el sonido del álbum se «suavizó», dando algo mas de protagonismo a los teclados. El vocalista de Ted Nugent, Derek St. Holmes, recomendado también por la nueva agencia del grupo, y que después se uniría a la posterior gira, canta uno de los temas, «Still Love That Little Devil», que apareció solo en la edición americana del álbum, donde fue mezclado de nuevo (la diferencia es inapreciable) y con el orden de las canciones alterado. También la canción «Rock Will Never Die» fue «renombrada» como «Walk the Stage» en la edición británica. Otro tema del álbum “Red Sky” fue coescrito por José Luis “Sherpa” Campuzano, bajista de Barón Rojo, aunque aparece como J.Luis, algo que según el no le reporta ninguna compensación económica. La portada del álbum es sin duda una de las mas impactantes, no solo de MSG, si no de la historia del heavy. En ella se puede ver al propio Schenker destrozando su Flying V contra el cristal trasero de su propio Mercedes 450 SL mientras una chica (la modelo Caroline Dodd) con la ropa rasgada y botella en mano es testigo de la escena. La idea de la portada fue del propio Michael, basándose en una historia «real».

“Fue una historia real que sucedió en medio de la noche. Tuve un problema con mi novia y, ya sabes, dejé salir mi ira, saliendo a la calle con la guitarra y estrellándola contra mi Mercedes y alejándome del lugar. En realidad, el coche de policía me siguió y uno de los agentes me dijo: ‘Oye, ¿sabes lo que acabas de hacer?’ Dije: ‘Sí, acabo de romper mi guitarra y mi auto’. Y se fueron. Fue increíble y luego pensé, si podemos capturar esto, de alguna manera, sería una gran portada de álbum. El título «Built to Destroy» (Construido para destruirse) es en realidad como hacen los budistas, construyen algo, luego lo destruyen, luego construyen algo de nuevo, luego lo destruyen, parece ser que eso es lo que hacemos los humanos”.

Michael Schenker sobre la portada de «Built to Destroy».

Derek St. Holmes abandonó la banda durante la parte final de tour europeo, ocupando su lugar, tan solo en un concierto, John Verity, ex vocalista y guitarrista de Argent. Terry Slesser (ex-Back Street Crawler) actuó como vocalista de apoyo, aunque oculto detrás de los amplificadores, durante el ultimo tramo de la gira europea de 1983, la gira por Japón en enero de 1984 y la posterior gira por los Estados Unidos que comenzó en febrero. Chris Glen abandonó repentinamente la banda en marzo, siendo sustituido para continuar la gira por el ex Balance, Dennis Feldman. Mas tarde, en abril, Gary Barden también dejó la banda. Al parecer, durante uno de los conciertos de la gira estadounidense abriendo para Ted Nugent, tuvo que ser suspendido tras una discusión entre Schenker, y Gary Barden y Chris Glen que se negaban a tocar molestos porque el equipo de gestión del grupo no pagaba para que sus esposas/novias viajaran con ellos, mientras que la esposa de Michael sí viajaba con él.

«Chris estaba loco y siempre hacía cosas estúpidas. Cuando yo era un borracho, jugaba y armaba jaleo con Chris. Pero, desde que dejé de beber alcohol hace seis meses, no soporto la estupidez de los chicos que se entregan a la bebida. Es como ver lo que yo era hace seis meses».

Michael Schenker sobre el despido de Chris Glen.

En ese momento Schenker estaba endeudado, sin manera alguna de poder pagar los anticipos recibidos por su compañía discográfica, Chrysalis. Tal vez su contrato con CCC, mas centrados en alcanzar el éxito en los Estados Unidos, acabó pasándole factura, afectando a su música y a las relaciones con el resto de miembros de la banda, produciéndose cambios constantes de integrantes. Para librarse de la deuda, Michael aceptó el lanzamiento del álbum en vivo «Rock Will Never Die», grabado durante dos noches en octubre de 1983 en el Hammersmith Odeon de Londres. El álbum fue lanzado en junio de 1984, publicándose también en VHS. La versión de UFO que cierra el álbum, «Doctor, doctor», cuenta con la colaboración de los Scorpions, Klaus Maine, y del hermano mayor de Schenker, Rudolf. El bajista Chris Glen, el batería Ted McKenna, Andy Nye a los teclados, y los vocalista Derek St. Holmes y Gary Bardem completaron la formación junto a Schenker. El álbum alcanzó el puesto 24 en la lista de éxitos del Reino Unido.

En junio de 1984, Ray Kennedy (ex KGB), ingresó como nuevo vocalista. Con él concluyeron el tour tras el cual, ingresaron en el Roundhouse Studio para grabar tres nuevos temas escritos por Kennedy. Con esta formación volvieron a Japón, como parte del festival Super Rock 84 junto a Scorpions, Whitesnake, Anvil y Bon Jovi. Tras regresar de Japón, Ray dejó la banda y a finales de año Feldman, Nye y McKenna también abandonaron MSG. Schenker se trasladó a Nueva York para ensayar con el vocalista Fran Cosmo, el bajista Bruce Smith y el guitarrista británico Roland Jones, grabando una demo en el estudio del vocalista de Mott The Hoople, Ian Hunter. Sin embargo, esta formación duró poco mas de seis meses. Mas tarde Schenker adicionó a varios vocalistas, entre ellos el ex vocalista de Airrace, Keith Murrell. Al final el elegido fue el ex vocalista de Grand Prix Robin McAuley…pero esa es otra historia.

Vuelta a empezar en los duros 90.

Despues de muchos años en los que Schenker se vio en vuelto en varios proyectos, volvió a la acción en 1996 y reclutó nuevos músicos para una nueva versión de Michael Schenker Group. Esta vez los elegidos fueron el ex vocalista sueco de Great King Rat, Leif Sundin, el bajista Barry Sparks (Yngwie Malmsteen, Dokken), y el batería Shane Gaalaas (Yngwie Malmsteen), con los que grabó el quinto álbum de estudio de MSG, «Written in the Sand», editado ese mismo año y que no significo demasiado en el regreso del guitarrista alemán. El álbum no fue del agrado de los viejos fans de la banda que aun quedaban, además de ser un momento difícil dentro del negocio musical para viejas glorias del heavy/hard de los 80. La gira estadounidense tuvo que cancelarse debido a que el visado de trabajo de Sundin fuera rechazada por las autoridades «yankis». Schenker no se rindió y realizó una gira por Estados Unidos presentando un espectáculo titulado «The Michael Schenker Story», donde hacia un repaso musical de toda su trayectoria. El puesto de vocalista para la gira fue ocupado por el cantante estadounidense David Van Landing. Sundin regresaría, junto con Van Landing, para la etapa japonesa de la gira.

«Los MSG de los 90: S, Gaalas, B. Sparks, M. Schenker y L. Sundin».

En 1997 se lanza a través de la propia compañía discográfica de Michael Schenker, «Michael Schenker Records», «The Michael Schenker Story Live» un doble CD en vivo de grabado durante la gira de marzo de 1997 por Japón. El espectáculo grabado fue el último de una serie de cinco conciertos realizados en el Nakano Sun Plaza en Tokio el 19 de marzo de 1997. El guitarrista ritmico y teclista Seth Bernstein acompañaba a Schenker junto a Sundin, Sparks, Gaalaas y Van Landing. El concierto fue filmado y lanzado en VHS en 1999 y en 2005 en DVD bajo el título «Live in Tokyo 1997», con imágenes de la gira mundial Unforgiven de 2000. Como curiosidad el álbum de lanzó de cinco maneras diferentes: en 1997 y 1999 (vendido en los conciertos de MSG) bajo el sello de Schenker, en 1999 con InsideOut en Japón, en 2000 con Cargo y en 2001 con SPV. Este ultimo presenta en la parte posterior del folleto a Shane Gaalaas como bajista. Otro error es la inclusion en la lista canciones de dos temas que no están presentes en el segundo CD. Las canciones que faltan son «Bijou Pleasurette» y «Lost Horizons». Ambas canciones se reproducen en el concierto, pero no aparecen en el CD, pero se si se incluyen en el DVD «Live in Tokyo 1997», lanzado en 2005.

En 1999 se lanzó un nuevo álbum de estudio titulado «The Unforgiven», con caras nuevas en la banda, el ex Baton Rouge Kelly Keeling, se ocupaba de las voces junto a Seth Bernstein en la guitarra rítmica y los teclados, John Onder en el bajo y Gaalas como único «superviviente» del trabajo anterior. Para la gira por Estados Unidos, Schenker recurrió al vocalista de Stealhouse Lane, Keith Slack. Durante la gira se graban en mayo de 1999 los tres concierto que el grupo realiza en The Edge, (Palo Alto – California), lanzado ese mismo año en formato doble CD. El álbum contiene temas de Scorpions, UFO, Michael Schenker Group y su propio trabajo en solitario. En el momento de la grabación MSG estaba compuesto por los vocalistas Keith Slack y Leif Sundin, Shane Gaalaas en la batería, Barry Sparks en el bajo y Wayne Findlay en los teclados y la guitarra rítmica.

Cambio de siglo.

De nuevo el guitarrista alemán renovó la banda contratando al vocalista Chris Logan, al batería Jeff Martin (vocalista de Racer X y batería de Badlands) y al bajista James «Reverend» Jones. Con esta formación graba y edita en 2001 el álbum «Be Aware Of Scorpions». La versión japonesa del álbum cuenta con un bonus track extra con Jeff Martin como vocalista principal. El titulo trajo una serie de controversias, por un lado se rumoreaba que la relacion de los hermanos Schenker iba de mal en peor y por ende con el resto de «escorpiones» y por otro lado se especulaba con la vuelta del pequeño de los Schenker a Scorpions. Pero todo eran conjeturas, ya que el titulo en realidad era una frase que el fotógrafo de la banda les dijo para captar su atención mientras realizaban la sesión fotográfica en el jardín de la casa de Michael en Arizona. Para promocionar el álbum se cerraron para finales de 2001 una serie de fechas en Japón como cabezas de cartel, sin embargo, Jeff Martin abandonó la banda cansado de soportar las adicciones a la bebida de Michael Schenker, por lo que la gira fue cancelada. Por el contrario la gira por USA comenzó con varios shows con entradas agotadas y criticas mas que favorables, pero el 6 de diciembre en Palo Alto en el Icon Supperclub comenzaron los contratiempos, el grupo abrió el espectáculo con «Into The Arena» pero Shenker no pudo terminarlo. Se le dijo a la audiencia que el guitarrista estaba enfermo y se reembolsaron las entradas. Algunos shows posteriores fueron reprogramados, pero poco después se cancelaron.

«Schenker y la Flying V…¿unidos al nacer?»

En esos días la vida de Schenker estaba patas arriba, el alemán subastó a través de internet una colección de guitarras e incluso un autobús de gira. La famosa Gibson Flying V nº1 de Schenker se vendió por 18.000 dólares. En 2003 el guitarrista puso a la venta más artículos personales, incluidas guitarras y ropa. En abril Schenker presentó una nueva formación de la banda formada por el vocalista Chris Logan, el bajista Stu Hamm y el batería Jeremy Colson, quienes grabarían el nuevo álbum de MSG titulado «Arachnophobia», lanzado en junio de 2003 y producido por el caza talentos de guitarristas, Mike Varney. El guitarrista de Night Ranger, Jeff Watson aparece acreditado en el disco como músico invitado, sin embargo, tiempo después se reveló que Schenker había desaparecido en medio de la grabación. Por lo que Watson tuvo que realizar la mayor parte del trabajo de guitarra en el disco, incluidos los solos.

«Michael estaba desapareció en combate. Algo sucedió y no pudo terminar su nuevo disco. Así que fui y lo terminé para él. Toqué todos los solos en aproximadamente la mitad del disco, incluida la canción principal. Toqué en las pistas 3, 5, 7 y 9. Asi que, si suena como Michael, soy yo».

Jeff Watson sobre su trabajo en el álbum «Arachnophobia».

«Lo que pasó fue que tuve depresión por la separación de mi esposa. Perdí mi estudio de grabación, que era un estudio de grabación de primera clase, y básicamente todo. Así que pasé por el proceso normal de sufrimiento, por el que tienes que pasar. Hicimos el disco en tres etapas. Estaba lidiando con mi vida privada en uno de esos descansos, y me derrumbé. Eso es básicamente lo que pasó».

Michael Schenker sobre el álbum «Arachnophobia».

El grupo anunció una serie de fechas en EE.UU. de noviembre a diciembre, de nuevo con una alineación renovada, con el vocalista Chris Logan y el bajista James «Rev» Jones el guitarrista y teclista Wayne Findlay y el ex batería de Black ‘n’ Blue, Pete Holmes. En mayo de 2004 Schenker comentó que su divorcio lo había dejado casi en la indigencia, y que en su peo momento sus posesiones personales ascendían a «una bicicleta, algunas camisas y algunos pantalones». MSG anunció planes de gira para el otoño de 2004, pero de nuevo comenzaron los viejos problemas. En principio, los dos primeros shows transcurrieron con normalidad, pero poco después Schenker fue hospitalizado tras una crisis. Pronto se le dio el alta para reanudar la gira, pero tuvo que regresar al hospital mientras se dirigían al próximo concierto. El 14 de noviembre, tras una actuación en Estocolmo, Suecia, el cantante Chris Logan abandonó la banda. Al día siguiente emitió un comunicado afirmando que había sido «gravemente herido» al ser «atacado dos veces por la espalda por un miembro de la gira». Según informaron el vocalista perdió varios de sus dientes. Schenker también emitió un comunicado asegurando que su ex compañero de banda Gary Barden ayudaría en los espectáculos del Reino Unido. Sin embargo, el propio Barden lo negó. Finalmente el vocalista Leif Sundin asumió las tareas vocales para el resto de la gira.

«Fui atacado dos veces por la espalda por un miembro de nuestra gira, que era demasiado grande y cobarde como para enfrentarse conmigo cara a cara. Me lastimé gravemente en el incidente, y no puedo seguir en las condiciones actuales».

Chris Logan sobre el incidente en Estocolmo.

«Realmente no lo sé. Estaba dormido cuando mi tour manager entró con un ojo morado. Y sé que Chris estaba borracho. Pero en realidad no sé qué pasó exactamente».

MIchael Schenker al ser preguntado sobre la pelea de Chris Logan.

En noviembre de 2004 se lanzó el DVD «World Wide Live 2004» grabado en marzo de ese mismo año en el Metalmania Festival, de Polonia. La lista de canciones incluye lo más destacado de todas las etapas de la carrera de Schenker: desde los éxitos de UFO hasta las canciones clásicas de MSG, incluidas sus composiciones en solitario. Ademas de contar con extras, el DVD presenta un CD con el audio del concierto. En mayo de 2005 Rev Jones (bajo) y Pete Holmes (batería) abandonaron el grupo «debido a las continuas fechas canceladas de la gira y las malas decisiones de la agencia de managers».

En julio de 2005 MSG publica el álbum de versiones «Heavy Hitters». Originalmente la idea era lanzar un álbum de versiones realizadas por Schenker y un grupo de «estrellas del rock» como músicos invitados», sin embargo el álbum fue etiquetado y comercializado como un álbum de MSG. El álbum fue producido por Brett Chassen y Bob Kulick y cuenta con versiones de temas de UFO, Nazaret, Elvis o Black Sabbath entre otros. En 2008 fue relanzado como un álbum en solitario de Michael Schenker bajo el título «Doctor Doctor: The Kulick Sessions» e incluía cuatro pistas adicionales. También existe una versión Deluxe de este lanzamiento disponible solo en formato digital bajo el título «Guitar Masters: The Kulick Sessions», con versiones instrumentales de todas las canciones del álbum excepto «Save Yourself». «Heavy Hitters» fue reeditado nuevamente en 2011 por el sello Store For Music con el título «By Invitation Only» , incluyendo la canción «Run to the Hills», que Schenker y McAuley habían grabado para el álbum tributo a Iron Maiden «Numbers from the Beast».

«Para ‘Heavy Hitters’ se me pidió que tocara todas las guitarras y recibí solo una pequeña paga. No tenía idea de que usarían el nombre de MSG para vender el álbum ganado 15 veces el dinero que me dieron a mi, y que hubiese ganado yo bajo circunstancias normales con MSG. Además al hacer lo que hicieron le dieron a MSG la etiqueta de banda de versiones. MSG fue creada por mi como una banda especial, para expresarme libremente basándome en mis decisiones. Ellos cogieron lo que logré en su propio beneficio. Está siendo estudiado por abogados. Espero que con esta acción yo y otros ganemos un poco más de respeto en este mundo de «sálvese quien pueda». Afortunadamente el álbum es bueno y tiene grandes músicos.»

Michael Schenker sobre el álbum «Heavy Hitters»

En marzo de 2005 se edita el álbum «Tales of Rock’n’Roll», coincidiendo con el 25 aniversario de la banda. El álbum contó con una nueva formación de MSG, con el propio Michael, el vocalista Jari Tiura, el teclista/guitarrista Wayne Findlay, el ex compañero de Schenker en UFO Pete Way al bajo y el batería Jeff Martín, además de la participación de todos los cantantes principales de las formaciones pasadas de MSG (Gary Barden, Graham Bonnet, Robin McAuley, Kelly Keelling, Leif Sundin y Chris Logan) donde cada uno de ellos escribió y cantó una canción. El bajista «Rev» Jones y el batería Pete Holmes se incorporaron a la banda para su posterior gira por Europa. Las fechas de EE.UU. fueron anunciadas para mas tarde ser canceladas. En agosto, el guitarrista publicó varios mensajes personales entre él y el cantante Jari Tiura en la pagina web de este, culpándolo por la cancelación de la gira. Después de decir «Dejé de tocar», Schenker continuó diciendo: «Estoy cansado de cambiar de músicos y cantantes. MSG terminó y ya no estoy inspirado». Poco después, todo el contenido se eliminó de la pagina web de Schenker y se reemplazó por un logotipo de MSG invertido. Posteriormente, los miembros de la banda declararon que la gira fracasó debido a problemas financieros. En noviembre de 2005 problemas legales obligaron al guitarrista a abandonar los EE.UU., Schenker publicó en su pagina web: «Me amenazan con la suspensión de mi pasaporte, la congelación de mis bienes y la cárcel». Sin embargo, al día siguiente Schenker declaró que todos los problemas se habían resuelto. Luego se anunciarían fechas para un gira en noviembre por Asia. Desafortunadamente, el 17 de noviembre, el concierto en el Nakano Sunplaza de Tokyo (Japón), fue cancelado después de solo tres canciones. El grupo interpretó «Assault Attack», «Ready To Rock» y «Let It Roll», sin que Schenker fuera capaz de interpretar los solos, antes de abandonar el escenario. Inmediatamente después, el bajista «Rev» Jones publicó un comunicado criticando al guitarrista. La banda actuó en Tailandia, y de nuevo el concierto fue criticado por las «habilidades» de Schenker. El ultimo concierto de la gira, en Taipei, el 25 de noviembre, también fue cancelado debido a una «enfermedad» de Schenker.

«Quiero pedir perdón a todos los fans que me han escrito y a todos los fans de Japón y Tailandia por el guitarrista sin talento que ocupó el escenario junto a mí en los últimos shows de MSG. Yo mismo no podía creer lo mal que estaba tocando Schenker. Aunque yo, Pete (Holmes, batería), Jari (Tiura, voz) y Wayne (Findley (guitarra/teclados) dimos el 110%, por lo que vi el dio menos del 1% y eso es tan irrespetuoso no sólo con la banda y con el equipo sino también con los fieles fans de MSG. Así que otra vez pido perdón por sus acciones porque él nunca pediría perdón por si mismo. Tenemos dos shows más y SE ACABÓ».

«Rev» Jones sobre los concierto en la gira Asiatica de 2006
«Todo un detalle por parte de Schenker compartir portada con Barden».

En enero de 2007 se presentó una nueva formación de MSG que incluía a Schenker, el vocalista Jari Tiura, el guitarrista y teclista Wayne Findlay, el bajista Barry Sparks y el bateria Bodo Schopf. Poco después, Frank Rummler reemplazó a Sparks. El 24 de abril de 2008 se lanzó el álbum «In The Midst Of Beauty» undécimo álbum de estudio de Michael Schenker Group, y que marcó el regreso de su primer vocalista, Gary Barden, después de haber participado en los dos primeros trabajos de la banda. El álbum se ubicó en Alemania en el número 78, en Suecia en el 60 y en Japón en el 30. En las listas de HMV Japan Rock y en las listas de Amazon Japan alcanzó el número 2. Además de Schenker y Barden el álbum cuenta con los veteranos Simon Phillips a la batería, Neil Murray al bajo y Don Airey a los teclados. En la portada del álbum figura el logo de la banda con los nombres de Schenker y Barden. A mediados de junio el ex batería de AC/DC Chris Slade, se unió a las filas de MSG para la gira de 2008 junto a Gary Barden, Chris Glen, Wayne Findlay y el propio Michael Schenker.

«Este título surgió a través de mi experiencia y me di cuenta de que, en medio de la belleza, la bestia siempre está esperando y lista para atacar».

Michael Schenker sobre el titulo del álbum «In The Midst Of Beauty».

30 aniversario, 50 aniversario…

En 2010 MSG sale de gira para celebrar el 30 aniversario de la banda. Durante su gira por Japón se graba la actuación del 13 de enero de ese mismo año en el Nakano Sun Plaza en Tokio, emitido el 27 de marzo por el canal de televisión japonés NHK-BS2. En esta gira, el grupo estaba formado por Michael Schenker, Gary Barden, Simon Phillips, Wayne Findlay y Neil Murray y de nuevo el set list estaba compuesto por temas de todas las etapas de la carrera de Schenker: desde éxitos de UFO y Scorpions, pasando por temas clásicos de MSG, hasta sus trabajos en solitario. En octubre se lanzó en doble CD dicha actuación, bajo el titulo de «The 30th Anniversary Concert – Live in Tokyo». También se lanzó en DVD y en Blu-ray, con material exclusivo de los ensayos en Los Ángeles e impresiones de los músicos en el backstage. Durante la gira Europea Chris Slade y Pete Holmes se turnaron en sustitución de Phillips mientras que la posición de bajista fue ocupada por Chris Glenn. Para el tramo americano de esa misma gira se unieron a MSG el mítico batería Carmine Appice y el bajista Elliott «Dean» Rubinson, director ejecutivo de Dean Guitars.

En 2011 MSG realiza una gira por USA en la que el antiguo compañero de Schenker en McAuley Schenker group, Robin McAuely, se encarga de las tareas vocales acompañados por Wayne Findlay a los teclados y las guitarras, Pete Holmes a la batería y Elliot Rubinson al bajo, quien falleció a causa de un cáncer el 6 de febrero de 2017. Anteriormente, el 17 de noviembre de 2015, el que fuera vocalista de MSG, David Van Landing, murió en un accidente de trafico tras chocar contra un camión de basura. El batería Ted McKenna falleció el 19 de enero de 2017 a los 68 años de edad. El músico se estaba sometiendo a una operación de hernia de rutina cuando una “ocurrencia anormal” causó una hemorragia que no se pudo detener, pese a intentar salvar su vida durante 10 horas. Otro de los músicos de MSG, el guitarrista y teclista Paul Raymond, murió el 13 de abril de 2019 a los 73 años de edad de un ataque al corazón. Un año mas tarde, el compañero de Raymond y Schenker en UFO, y ocasionalmente de MSG, Pete Way, fallecía el 14 de agosto de 2020 a consecuencia de unas heridas sufridas en un accidente de trafico dos meses antes de su muerte.

El 29 de enero de 2021 se lanzó el álbum «Immortal», coincidiendo con el 50 aniversario de Schenker como un musico. El álbum entro entró en las listas de en Japón (Nº3), Alemania (Nº8), Suiza (Nº8) y Suecia (Nº8).Para este trabajo Schenker cuenta con un variado elenco de estrellas del rock, a la voz están Ronnie Romero (Rainbow), Ralf Scheepers (Primal Fear), Joe Lynn Turner (ex Deep Purple) y Michael Voss (Mad Max) quien también produjo el disco. al bajo Barry Sparks (ex Dokken), al teclado a Derek Sherinian (ex Dream Theater) y a la batería, Simon Phillips (ex Toto) y Brian Tichy (ex Whitesnake), entre otros muchos. Para la gira mundial donde Schenker celebraba sus 50 años como musico, además de promocionar el ultimo trabajó de MSG, contó con una nueva formación encabezada por Schenker, apoyado por el vocalista Ronnie Romero, el guitarrista y teclista Steve Mann, el bajista Barend Courbois y el batería Bodo Schopf.

«Ultima formación de MSG, ¿ultima?»

El 27 de mayo y bajo el nombre de «Universal» se editaba el que hasta la fecha es el ultimo trabajo de MSG. Nuevamente producido, al igual que su trabajo anterior, por el propio Schenker y Michael Voss, el álbum cuenta, además de los músicos que acompañaron a Schenker en la anterior gira, con un buen puñado de invitados entre los que destacan los vocalistas Michael Kiske (Helloween) y Ralf Scheepers (Primal Fear), los baterias Simon Phillips (ex Toto, The Who), Brian Tichy (ex Whitesnake, ex Foreigner), Bobby Rondinelli (ex Rainbow), así como los legendarios bajistas Bob Daisley (ex Black Sabbath) y Barry Sparks (ex Yngwie Malmsteen, ex Dokken). Durante la gira Robin McAuley se encargó de las tareas vocales en algunos shows de MSG. y precisamente con el gran Robin McAuley continuamos.

Vocalista irlandés, principalmente conocido como el vocalista de McAuley Schenker Group de 1986 a 1993, cuando se unió a Michael Schenker y aprovechando la «inicial de»M» de McAuley, siguieron usando las iniciales MSG, que Michael usó para Michael Schenker Group. Junto a el lanzó que vio a la tres álbumes de estudio: «Perfect Timing», «Save Yourself» y MSG, un álbum en vivo «Unplugged Live» y un E.P. exclusivo para Japón «Nightmare: The Acoustic MSG». En 2012 hizo algunas apariciones con Schenker y también en 2016 tanto con Michael Schenker Fest, junto a los cantantes originales de MSG Gary Barden y Graham Bonnet, como en Michael Schenker’s Temple of Rock junto a Doogie White (ex Rainbow). McAuley también fue vocalista entre otros de Grand Prix y Far Corporation, quies ya aparecieron en el programa dedicado a Queen https://rockencadena.home.blog/2021/12/05/episodio-no-36/. En 1999, McAuley lanzó su primer álbum en solitario, «Business As Usual», escrito y grabado con la ayuda de Frankie Sullivan futuro compañero de McAuley en Survivor. McAuley también es miembro desde hace mucho tiempo del show de Las Vega Raiding the Rock Vault, un espectáculo de rock repleto de estrellas del genero. Además es el vocalista del proyecto llamado «Black Swan» junto al guitarrista Reb Beach y sus el bajista Jeff Pilson y el batería Matt Starr. En mayo de 2021 lanzó su segundo álbum en solitario bajo el titulo de «Standing on the Edge». En en 1991, grabó la balada «Teach Me How to Dream» que apareció en la banda sonora de la película «If Looks Could Kill» (Agente Juvenil), una comedia de acción de espías. En dicha banda sonora también aparecían Bang Tango y esta joven banda llamada Trixter.

Steve Brown y Doug «Dougie C.» Cowie, guitarrista y bajista respectivamente, formaron el grupo Rade, Brown and Cowie en 1983 en Paramus, Nueva Jersey. Pronto, reclutaron al batería Mike Pane y al cantante Pete Loran, quien después de un solo concierto, fue reemplazado por Mark «Gus» Scott y la banda cambió su nombre a Trixter. En tan solo tres años, se convirtieron en una banda fija en las salas de conciertos de L.A, ganándose el apoyo de los fans gracias a la fuerza de sus directos. En 1987, Trixter llenava salas con el cartel de «sold out», tocando junto a bandas como Kix o Skid Row. Gracias a esto la banda fue «tanteada» por varios sellos discográficos importantes. En 1988, Trixter comenzó a grabar lo que pretendía convertirse en su primer álbum de estudio titulado «Just Have Fun». El álbum nunca fue lanzado y en noviembre de 1988, el miembro fundador Dougie C. fue reemplazado por el bajista PJ Farley. En mayo de 1989, la banda firmó un contrato con MCA Records. En mayo de 1990, la banda lanzó su álbum debut homónimo, donde aparecían muchas de las canciones de aquel fallido «primer album». El primer sencillo escaló lentamente en las listas, alcanzando el número 1 en Z-Rocks Top 100 en julio de 1990. En septiembre, la banda comenzó una gira nacional y, después de dos semanas, consiguieron el puesto de teloneros de Stryper. A mediados de octubre Trixter se unió a Don Dokken en otra gira por los Estados Unidos. Durante esa gira MTV comenzó a emitir uno de los videos del grupo y en una semana, el video fue el número 1 en Dial MTV, ocupando esa posición durante cinco semanas seguidas. En diciembre de 1990, Trixter filmó el video del segundo sencillo del album, en un espectáculo en vivo en el condado de Rockland, Nueva York, agotando las entradas. La banda también grabó el tema, «One Mo Time», para la B.S.O de la película «If Looks Could Kill» del mismo año. La canción contó con Edgar Winter en el saxofón. En enero de 1991, el álbum había vendido 20.000 unidades por semana. El segundo video del grupo fue el Nº1 en MTV durante tres semanas. El álbum alcanzó el puesto 28 en la lista de álbumes Top 200 de Billboard y el primer sencillo fue un éxito Top 50 en la lista Top 100 Singles de Billboard. Mas tarde la banda se embarcó en una gira de cinco meses por USA como teloneros de Scorpions. En febrero su álbum debut se convirtió en disco de oro. En junio de 1991, Trixter inició la gira «Blood, Sweat & Beers» junto a Warrant y FireHouse. Se lanzaron el video y el sencillo de otro tema del álbum y, una vez más, el video llegó al número 1 en MTV durante dos semanas y el sencillo llegó al Top 100 en Billboard. En enero de 1992, Trixter comenzó la grabación de su segundo álbum, a la vez que renegoció su contrato discográfico con MCA Records. El nuevo álbum, «Hear!», fue lanzado en octubre de 1992, bajo la producción de James «Jimbo» Barton, productor entre otros de Rush y Queensrÿche. Trixter comenzó una segunda gira por USA, abriendo para Kiss y en enero de 1993 comenzaron una gira de clubes como cabezas de cartel. El álbum se vendió en Japón, por lo que la banda fue invitada a hacer dos shows: uno en Osaka y otro en Kawasaki. Trixter terminó la gira de su segundo álbum a finales de junio de 1993. «Hear!» no logró captar la atención del mercado de MTV, con el grunge de en pleno apogeo, alcanzando el puesto 109 en el Billboard 200. La banda fue despedida por su compañía de discos y cortó sus relaciones con su agencia de management. En octubre de 1994, la banda lanzó bajo el sello independiente Backstreet Records el E.P. de versiones «Undercovers» con temas de Supertramp, Paul Simon, The Beatles y AC/DC entre otros. En 1995 el grupo se separó. En 2008 los miembros originales de Trixter se reunieron para una pequeña gira, publicando ese mismo año el CD en directo «Alive in Japan» grabado durante sus dos concierto en Japon en 1993. El Cd incluye dos temas nuevos. Un año después se publica el recopilatorio «Best of Trixter». En 2012, el sello italiano Frontiers Records lanzó un nuevo álbum de estudio de Trixter titulado «New Audio Machine», publicando en 2015 lo que hasta hoy es su ultimo trabajo «Human Era». Con su líder y guitarrista, Steve Brown, continuamos y este proyecto llamado Tokyo Motor Fist.

Banda/proyecto de hard/AOR, con claras influencias de las grandes bandas de los 80, nacida de la alianza entre el cantante de Danger Danger, Ted Poley, y el guitarrista/productor Steve Brown de Trixter. Ted y Steve son amigos desde hace mucho tiempo, ya que con sus respectivas bandas, Danger Danger y Trixter, cuando ambas bandas comenzaban sus carreras. A lo largo de los años, mantuvieron una gran relación personal y la idea de hacer un disco juntos estuvo entre sus proyectos durante muchos años. Como no, Frontiers Records lo hizo realidad, publicando en 2017 el álbum debut homónimo de la banda. En 2020 el grupo publica su segundo trabajo titulado «Lions». El grupo no se prodiga en directo, centrándose sobre todo en festivales dedicados a bandas de los 80. Junto a Brown y Poley completan la banda la sección rítmica formada por el bajista Greg Smith ex Rainbow y el batería Chuck Burgi ex Rainbow, Blue Oyster Cult, Joe Lynn Turner y esta banda llamada Balance.

Formados a principios de los 80 por el cantante y guitarrista Peppy Castro (Blues Magoos) acompañado por al guitarrista Bob Kulick y el teclista Doug Katsaros, en un intento de emular el sonido (y el éxito) de bandas como Toto. El trío grabó su álbum debut homónimo con músicos de sesión, uno de los cuales, el baterista Andy Newmark, también coescribió una de las canciones del álbum y por poco tiempo fue miembro oficial de la banda. Newmark fue reemplazado por Gregg Gerson, quien dejó el grupo para tocar con Billy Idol. Antes de grabar su siguiente álbum, Balance incorporó al grupo al batería Chuck Burgi y al bajista Dennis Feldman (ex-Speedway Blvd., MSG). El álbum alcanzó el puesto 133 en el Billboard 200, y su primer sencillo al puesto 22 en la lista de sencillos Billboard Hot 100. El segundo single alcanzó el puesto 58. Desde entonces la banda no logró volver a las listas de éxitos. Su segundo álbum, «In For The Count» fue coproducido por Tony Bongiovi, (primo de Jon Bon Jovi). Tras el «Black Friday» donde CBS, Epic y Portrait despidieron a 200 empleados, Balance perdió los apoyos que tenia dentro del sello, sufriendo el álbum «In For The Count» las consecuencias. Aunque las cosas no pintaban bien en la compañía, esta, les pidió que escribieran una canción para un importante anuncio japonés de coches. La canción también se lanzó comercialmente a través de Polydor, como cara B del ultimo single del grupo. Balance realizó una breve gira por Japón antes de dejarlo debido a la falta de interés de su sello y su agencia de management. A raíz de la reedición de 2006 de «In For the Count», el sello italiano Frontiers Records lanzó en 2009 el álbum «Equilibrium», con los miembros originales Kulick, Castro y Katsaros, junto al batería Brett Chassen, quien también coprodujo el álbum con Kulick. El hermano de Bob, Bruce Kulick aparece como invitado en el álbum tocando el bajo, así como Jesse Castro en la batería. En 2014, la banda se reunió para sus primeros shows en vivo en 31 años para una breve gira de tres fechas en Suecia. Peppy Castro, Bob Kulick y Doug Katsaros se unieron a Dan Larsson en el bajo y Jonas Wikström en la batería. Bob Kulick murió el 28 de mayo de 2020, a los 70 años. En los años 90 Kulick y Feldman, este último bajo el nombre de Dennis St. James y como vocalista, volverían a formar equipo nuevamente en la banda Skull, cuyo único álbum, «No Bones About It», fue lanzado en 1991; Bruce Kulick y Chuck Burgi aparecen en el álbum como invitados en varias pistas. Castro, Katsaros, Burgi y Feldman (junto con el hermano menor de Bob Kulick, Bruce) volvieron a coincidir tras la primera separación de Balance cuando aparecieron en el álbum de 1985, «Everybody’s Crazy», de este vocalista llamado Michael Bolton.

Nacido como Michael Bolotin y conocido profesionalmente como Michael Bolton, comenzó su carrera mediados de la década de 1970 como líder de la banda de hard/AOR Blackjack, estilo con el que continuó, a mediados de los 80 y ya en solitario como Michael Bolton (sus dos primeros álbumes aparecen con su nombre original). Su primer álbum homónimo de 1983 (tercero en realidad) y primero bajo el nombre de Michael Bolton, contó con su ex compañero en Blackjack, Bruce Kulick a la guitarra, siendo reemplazado para la gira por Al Pitrelli (Alice Cooper, Megadeth), aunque la gira se canceló tras cuatro conciertos. Para su siguiente álbum de 1985, «Everybody’s Crazy», Bruce Kulick fue de nuevo el encargado de grabar las guitarras acompañado, entre otros, por su hermano Bob y los ex compañeros de este en Balance, Katsaro, Burgi y Feldman. La canción de daba titulo al álbum apareció en la película Back to School (Regreso a la escuela) de 1986. Dado el contraste en el estilo musical entre este álbum y la mayoría de la producción musical posterior (y más exitosa) de Bolton, las canciones del álbum rara vez aparecen en sus álbumes recopilatorios, según el productor del álbum Neil Kernon, Bolton no quería relanzar «Everybody’s Crazy» o su álbum homónimo de 1983 en C.D. por temor a confundir a sus «nuevos» fans. Después llegarían «The Hunger» y «Soul Provider», de 1987 y 1989 respectivamente, donde el estilo de Bolton empieza a orientarse mas hacia las baladas, gracias a lo cual ha vendido más de 75 millones de discos, colando ocho álbumes entre los 10 mejores y dos sencillos número uno en las listas de Billboard, además de ganar seis American Music Awards y dos premios Grammy. Pero no todo fue un camino de rosas en le éxito de Bolton, el 24 de febrero de 1992, el grupo estadounidense de R&B Isley Brothers, presentó una demanda contra Bolton, alegando que su exitosa canción de 1991 «Love Is a Wonderful Thing» plagió su canción de 1966 del mismo nombre. Dos años después un jurado de Los Ángeles falló a favor de los Isley Brothers. El jurado determinó que hubo cinco casos en los que la canción de Bolton plagió la melodía de los Isley Brothers. Bolton, el coautor Andrew Goldmark y Sony Publishing recibieron la orden de entregar a los Isley Brothers más de 5 millones de dólares de las ganancias de las ventas de la versión de Bolton. Fue el pago más grande de la historia por plagio en la industria de la música. Bolton, Goldmark y Sony apelaron el veredicto y la lucha judicial continuó durante casi siete años más. El caso concluyó el 22 de enero de 2001, cuando la apelación fue rechazada. En 1986 el compositor Gary William Friedman presentó una demanda contra Branigan, los compositores Bolton y Doug James y otras partes involucradas en la grabación, alegando que «How Am I Supposed to Live Without You» copió su canción «Promise Me I’ll Feel This Way Tomorrow». En su testimonio del juicio del 5 de agosto de 1986, Branigan interpretó la canción de Bolton y James y otras dos canciones grabadas por varios artistas. A finales de agosto de 1986, el jurado de un tribunal federal de Nueva York absolvieron a los acusados ​​de los cargos. En su época «rockera» Bolton supo arroparse de músicos de la escena, talles como: Bob y Bruce Kulick, Aldo Nova, Jonathan Cain y Neal Schon de Journey, Steve Lukather, Michael Landau, Dann Huff, Hugh McDonald y este magnifico teclista llamado Mark Mangold, miembro de Touch, American Tears, Drive, She Said y esta otra banda llamada The Sign.

Debido a que casi ninguno de los músicos de la escena Hard/AOR está en bandas que ocupan todo el año, tienen tiempo de inactividad para forjar todo tipo de colaboraciones interesantes entre ellos. Una de ellas es The Sign, supergrupo de AOR/Sinfónico formado por el teclista Mark Mangold (American Tears, Touch, Drive, She Said), el guitarrista, Randy Jackson (Zebra, China Rain) y el cantante Terry Brock (Strangeways) al que mas tarde se unieron Billy Greer (Kansas, Streets) y Bobby Rondinelli (Rainbow, Black Sabbath). Su álbum debut, lanzado en 2000, fue «Signs Of Life» a través del sello italiano Frontiers Records quien encargó a Mark Mangold la creación de este proyecto convertido en de The Sign. Su segundo álbum, «The Second Coming», lanzado en 2004 vio la salida del grupo de Billy Greer y Bobby Rondinelli. Mark Mangold se encargo de la batería (imagino que programada), para el bajo contaron con Teddy Cook y Mark Hermann, además de incorporar a un segundo guitarrista, Jon Bivona, que también grabó algunas pistas de bajo. Una vez más, la banda entrega un álbum conceptual en torno a Aryon, una niña salvada de un coma. En 2018 se reeditaron y se remasterizaron sus dos álbumes bajo el sello Scape Music, en formato de C.D. doble con el añadido de bonus track. El grupo no se prodiga mucho en directo, mas allá de algún que otro festival dedicado al hard/AOR. Y ya que estamos con proyectos continuamos con otro en el que Billy Greer (Kansas, Streets) esta involucrado, Seventh Key.

Banda formada por el guitarrista Mike Slamer (City Boy, Streets) y el bajista y vocalista Billy Greer de Kansas y compañero de Slammer en Streets. De nuevo Frontiers está detras de este proyecto, aportando hasta el nombre de la banda. En 2001 lanzan su álbum debut homónimo donde Mike Slammer también se ocupaba de la batería apareciendo bajo el seudónimo de Chet Wynd. Dave Manion, teclista ocasional de Kansas también colaboraba en el álbum. Su segundo trabajo, «The Raging Fire» de 2004, cuenta con el batería Jamie Thompson. En 2005 se edita el directo «Live in Atlanta», con 12 canciones en directo más tres temas nuevos en estudio a modo de bonus track. En el directo Seventh Key cuenta con Terry Brock a la guitarras y coros, algo que ya hacía en los álbumes en estudio, David Manion a los teclados y Pat MacDonald como batería. Además contaban con la colaboración del violinista de Kansas Robby Steinhardt y el hermano de Billy Greer, Johny Greer. El concierto se grabó el 23 de mayo de 2005 ante un grupo de amigos y familiares, editandose un año después en DVD. «I Will Survive» de 2013 es hasta el momento el último trabajo de Seventh Key, con Slammer de nuevo ocupándose de la batería bajo el seudónimo de Chet Wynd. El grupo tiene poca actividad en directo siendo un proyecto del que se ocupan cuándo tienen hueco en sus agendas tanto Greer con Kansas como Slammer produciendo y componiendo para otros grupos. Y con Mike Slammer continuamos y esta banda que formó a finales de los 90 llamada Steelhouse Lane.

Banda creada en 1990 por el guitarrista y productor Mike Slamer miembro entre otras bandas de City Boy y Streets (banda que formó con el cantante de Kansas Steve Walsh), como guitarrista «a sueldo», tocó las guitarras em los dos primeros álbumes de Warrant. Slamer pensó en crear el álbum de hard rock melódico perfecto, formando una banda para acompañarlo: Steelhouse Lane (llamado así por la calle donde Slammer solía vivir). Presentó su idea al director de A&R de MTM Music, Magnus Soderkvist. A Soderkvist, un gran admirador del trabajo de Slamer desde hace mucho tiempo, le encantó la idea. Los viejos amigos de Slamers, James Christian (House Of Lords) y el compañero de composición Mark Baker, le presentaron al joven cantante (a penas veinte años) Keith Slack, quien se convirtió en el vocalista de la banda, a el se unirían DeWayne Barron en la batería, el guitarrista Chris Lane y el bajista Alan Hearn. Para el álbum debut de la banda, «Metallic Blue», de 1998, Slammer decidió usar varias canciones nuevas con algunos temas antiguos que escribió para otros grupos y solistas como House Of Lords, Hardline, Wall Of Silence, Tower City y James Christian. El álbum fue producido por Mike Slamer (quien también contribuyó con guitarras y teclados/programación). Su segundo trabajo lanzado en 1999, «Slaves Of The New World», cuenta con la misma formación que su anterior trabajo y al igual que «Metallic Blue», también aparece un tema ya grabado anteriormente por la antigua banda de Slammer, Streets. Poco después la banda desaparece. En 2009 se reedito su segundo trabajo «Slaves Of The New World» con un bonus track de otra versión de Streets y en 2010 el sello Scape Music lanzó en formato digipack los dos álbumes de la banda, su debut del 98 con un bonus track y la reedición de 2009 de su segundo trabajo. Y con Steelhouse Lane y su vocalista llegamos a los protagonistas de este episodio, ya que Keith Slack fue vocalista de MSG y grabó aquel «Live The Unforgiven World Tour 1999». Con MSG me despido de vosotros y os invito a que no faltéis al próximo episodio donde celebraremos el 4º aniversario del programa. Os espero!!!…y recuerda, sube el volumen y disfruta!!

Episodio Nº45

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Bienvenidos y bienvenidas a una nueva entrada del blog de Rock en Cadena. Tras el especial al Metal Latino (solo publicado en podcast), volvemos con una banda que gran parte de su éxito se lo debe al publico de Latinoamérica y mas concretamente al de México. Banda mítica española que a principios de los 90 tuvo que emigrar para poder «subsistir» haciendo Heavy Metal, estilo que en España estaba herido de muerte. Ellos son Angeles del Infierno.

Los primeros días.

Formados a finales de 1970 en Lasarte (Guipúzcoa) por el guitarrista Robert Álvarez, quien había vivido 10 años en suiza y ya tenía experiencia con otra banda, y el bajista Santi Rubio. Ya en el País Vasco, el guitarrista recupero el nombre de aquella banda suiza, The Flood y en 1978 comenzó a elaborar un repertorio de versiones de temas de Deep Purple, Led Zeppelin o Jimi Hendrix. Tras varios cambios en la banda, la formación con la que comenzaron a rodar fue la compuesta por Robert Álvarez y Manu García a las guitarras, Santi Rubio al bajo y el batería Iñaki Munita. Juan Gallardo se ganó el puesto como vocalista después de que pasaran por la banda un total de 14 cantantes entre 1979 y 1982. En ese momento nace el tándem compositivo formado por Juan Gallardo y Robert Álvarez además de cambiar el nombre de la formación por el definitivo Angeles del infierno. Su primera grabación fue el tema «Rock’n’roll», que incluyeron en un recopilatorio titulado «Gipuzkoa Star 82» promovido por la Diputación de Guipúzcoa, en el que participaron 15 grupos de esa provincia.

«Angeles del Infierno y la portada de su primera grabación«

Esta grabación les ayudó a realizar 50 conciertos entre mayo del 1982 y enero de 1983. Tal era la popularidad del grupo que antes de tener nada grabado, se les presenta la oportunidad de abrir los conciertos de Mötorhead en noviembre de 1982 en el Palacio de los Deportes de Bilbao y de Saxon en abril de 1983 en el Velódromo de Anoeta de San Sebastián. Al igual que Asfalto años atrás, Angeles del Infierno tocaba con regularidad sin tener nada publicado por parte de ninguna compañía discográfica, ni lógicamente nadie que les hiciera ningún tipo de promoción. El grupo llenaba en todos sus conciertos, prueba de ello fue su actuación en el Festival de Mazarrock de 1983. A pesar de tocar a altas horas de la madrugada, lograron captar la atención del manager Jesús Caja, quien a partir de ese momento se hizo cargo de ellos, compartiendo oficina con grupos de la talla de Banzai, Barón Rojo y otros grupos importantes del heavy español. Todo esto no paso desapercibido para la multinacional WEA, que fichó al grupo por sugerencia del locutor y productor Vicente “Mariskal” Romero. «Pacto con le Diablo», el álbum debut de Angeles del Infierno, ya había sido grabado con anterioridad a su fichaje por la multinacional, que solo tuvo que firmar la exclusiva con el quinteto para comenzar a promocionarlo. El álbum, editado en 1984 fue grabado en los Mediterráneo Studios de Ibiza, donde Vicente Romero trabajaba como director del estudio y contó con un equipo de ingenieros de sonido compuesto por Brad Davis, y el dúo de ingenieros habituales de Judas Priest en esa época Mark Dodson y Dennis Herman. El disco se convierte en un éxito total, tanto a nivel de ventas como de crítica, liderado por el tema, «Maldito Sea Tu Nombre» convertido en todo un himno . El 18 de enero de 1984, antes de la publicación de su álbum debut actuaron en el Velódromo de Anoeta de San Sebastián ante aproximadamente 14.000 personas como teloneros de AC/DC en su primera visita a España.

«Portada de Diabólica, mas acorde con el titulo que Fuera de la Ley»

Su segundo trabajo, «Diabólica» de 1985 y que en principio iba a titularse «Fuera de la ley», fue grabado también en los Mediterráneo Studios de Ibiza, cuenta de nuevo con Brad Davis y Mark Dodson en los controles. Este trabajo continuo en la línea del anterior álbum en una mezcla del sonido de Judas Priest o Mötorhead combinado con unas letras que reflejaban el sentir de la juventud española de la época. Temas como «Con Las Botas Puestas», «Fuera De La Ley» o la balada «Al Otro Lado Del Silencio» llevaron a Angeles del Infierno a ganarse un hueco en el olimpo del heavy patrio. De nuevo el grupo vuelve a la carretera pero la competencia con bandas de su misma oficina de manager hace que las actuaciones se resientan. Aunque ese mismo año Banzai desaparece como banda y tres años después Barón Rojo rompe con Jesús Caja, convirtiendo a Angeles del Infierno en objetivo preferente del manager, aumentando así sus conciertos.

De Madrid a México.

En 1986 editaron el mini elepé «Instinto animal», con cuatro canciones que más tarde aparecerían en su siguiente disco, «Joven para morir», editado ese mismo año y que no funcionó tan bien como se esperaba, y es que la decisión de publicar el E.P. “Instinto Animal” fue bastante arriesgada, ya que dejó tan alto el listón que las ventas de su siguiente álbum se resintieron. Además este adelanto dejaba ver un cambio de estilo del quinteto.

«Portada de Joven para morir«

De hecho en la portada y contraportada de aquel L.P. se reflejaba el cambio estético del movimiento heavy, con una combinación visual de guantes sin dedos, mallas, vaqueros y botas John Smith que define perfectamente la estética de la época. De nuevo, una balada, «Pensando En Ti» vuelve a ser la gran baza para incrementar la venta de discos de Angeles del Infierno. De nuevo el álbum al igual que el E.P. fueron grabados en los Mediterráneo Studios, con Dennis Herman, otra vez, como ingeniero de sonido. En esos días comienzan a sonar los cantos de sirena procedentes de México, donde las ventas de “Diabólica” iban camino de las 100.000 copias. El público de Argentina y Venezuela también parecía conectar con el grupo en la distancia, mientras que en España la fiebre por «Angeles» pasaba de la euforia a un término más moderado. A todo esto, los músicos llevaban viviendo en Madrid desde 1986. Esta decisión estratégica les sirvió para situarse en la órbita de los medios especializados y los centros de poder del negocio, pero también a vivir intensamente la noche madrileña, como los propios Angeles del Infierno reconocían abiertamente. En 1987 se produjo la baja del batería Iñaki Munita. Su sustituto fue José Sánchez, de Bella Bestia cuya presencia no había dejado indiferente a nadie, aparecía enjaulado dentro de la batería con una máscara y le apodaban «La Bestia». Este hecho coincidió con la edición de su primer recopilatorio titulado «Lo Mejor De Angeles Del Infierno». El recopilatorio ofrecía como incentivo la inclusión del tema “Heavy Rock”, que había obtenido cierta popularidad entre sus fans al formar parte de su «set-list» de directo, además de tratarse de la cara B de su primer single: “Maldito Sea Tu Nombre”. En 1988 editan su cuarto álbum «666» producido y mezclado por Mark Dearnley ingeniero de grabación de AC/DC o Mötorhead entre otros muchos. El álbum, grabado en Madrid y no en los habituales Mediterráneo Studios de Ibiza, muestra un giro en el estilo de la banda con un sonido más suave y más cercano al hard rock y con unas letras más sencillas y alegres. Uno de los temas es la versión en español de «Mama, we’re all crazy now» de Sweet rebautizada como «Estamos todos locos». La imagen del grupo también sufrió un cambio: Juan Gallardo abandonó su característica gorra de cuero para raparse el pelo y dejarse una larga coleta; a su vez, el resto de la banda adoptó un look más refinado y elegante. Aun así, la difusión comercial de su música no se resintió. El disco estaba orientado a la búsqueda de un público más amplio y logró entrar con fuerza en el mercado latinoamericano y estadounidense.

En 1990 formaron parte de la gira organizada por la revista Metal Hammer junto a Sangre Azul y Manzano. Momento en el que se produce un nuevo cambio de batería: José Sánchez es sustituido por Javier Gómez «Cozy», ex Hamlet. La repercusión lograda con el álbum «666» es tal que la banda empieza a recibir discos de platino, no solo en España donde es el disco más vendido de Angeles del Infierno, sino también de diversos países de Latinoamérica, logrando así cruzar el Atlántico para llevar a cabo su primera gira por el continente americano. La acogida en México no puede ser mejor, siendo testigos directos del crecimiento de la comunidad latina del Metal, quienes les adoptaron como uno de sus grupos fetiche. La demanda de directos en México y Estados Unidos no dejaba de incrementar. Su segunda visita al pais azteca la hicieron en compañía de Sangre Azul, aprovechando para incidir en el circuito de clubs de la Costa Oeste californiana. A ellos regresaran en 1992, donde llenaron por completo sitios como el Hollywood Palace, ganándose a pulso un gran número de seguidores y aunque estos shows no se los puede catalogar de giras, sus actuaciones en ambos países les abrieron las puertas de un nuevo mercado llamémoslo “virgen”. Aquí es cuando llega el momento de tomar la decisión de continuar en España para seguir enfrentándose a los problemas de siempre (marginación del Rock en los medios, escasa infraestructura para conciertos, etc.) o centrarse en este nuevo mercado. Mientras se lo pensaban, en 1991 abandonó la formación uno de sus músicos de siempre, el guitarrista Manu García. Le sustituyó Guillermo Pascual, teclista de Júpiter, que en este caso pasó a encargarse de la segunda guitarra y los teclados, algo que ya hizo a modo de colaboración interpretando partes de teclado en el álbum «666».

Conquistando Latinoamérica.

«ADI 1992»

No sería hasta 1993 cuando publican un nuevo álbum “A cara o cruz”. Esta vez las tareas de producción corrieron a cargo de Stephan Galfas, conocido por sus trabajos con gente de la talla de Cher, The Allman Brothers Band, Meat Loaf, Stryper o Saxon entre muchos otros. El álbum se grabó en los estudios Carriage House Stamford, de Connecticut con un nuevo y cuarto batería, Tony Montalvo. En este punto todo era ya muy americano, tanto por sus objetivos musicales y comerciales, como por la actitud y la estética también más acordes a los años 90. El álbum no obtiene el resultado esperado en España. No obstante, la acogida de «A cara o cruz» es mucho más favorable al otro lado del Atlántico. En España cada vez se tenían menos noticias de Angeles Del Infierno y algunos comenzaron a darlos por desaparecidos. Las idas y venidas de miembros en la banda se suceden, en 1995 se produce, como no, otro cambio de batería, Rafa Delgado sustituye a Tony Montalvo, y en 1996 Guillermo Pascual abandona el grupo siendo sustituido por Alfonso Polo. Todo esto motiva que la banda decida afincarse en el continente americano con el fin de explotar las enormes posibilidades que esas tierras les ofrece, fijando su residencia en Miami. Mientras su éxito en México y Estados Unidos se cimienta con potentes descargas, los problemas con la discográfica, con la que el grupo no quiere continuar, les imposibilita sacar nuevo material. La compañía, a la vista del millón de discos que la banda logra vender en el continente americano, se muestra reacia a dejarles marchar, editando en 1997 un nuevo recopilatorio de la banda, “Lo mejor de Ángeles del Infierno: 1984-1993”. Ese mismo año, el bajista y cofundador de Angeles del Infierno, Santi Rubio, decide abandonar el grupo. Su puesto es ocupado por Alfonso Polo que pasa de guitarrista a bajista, incorporándose Ix Valieri, más tarde en Zero3Siete como nuevo guitarrista. En 1998, con Juan Gallardo y Robert Álvarez como únicos supervivientes de los «angeles» originales se embarcan en una nueva y extensa gira por el territorio americano, México principalmente, acompañados ahora por Alfonso Polo al bajo, Gustavo Hermosillo a la guitarra rítmica y Gerardo García a la batería quienes culminarían esa gira cerrando el festival Vive Latino 98. Al año siguiente continúan otra exitosa gira por México y Estados Unidos. El grupo quería abandonar Warner, pero la compañía no quería dejar marchar a una fuente de ingresos tan rentable e inesperada en el mercado latinoamericano. En realidad, pocos grupos habrán dado tanto dinero a Warner con una inversión casi mínima. La propia compañía reconoce ventas multiplatino de Angeles Del Infierno en todo el mundo, principalmente en toda América. Finalmente en el año 2000, el grupo consigue por fin la carta de libertad de la discográfica, en ese momento la banda se plantea la grabación de un nuevo disco. Pero el éxito logrado en Estados Unidos los lleva de nuevo a la carretera, encabezando una de las fechas del prestigioso festival March Metal Meltdown. Ese mismo año, y tras muchos de ausencia, la banda vuelve a España para participar en el Viñarock 2000, en una emotiva actuación. En 2001 se publica una reedición del recopilatorio «Lo mejor de Ángeles del Infierno: 1984-1993» bajo el título de «Éxitos Diabólicos», con una nueva portada y la orden de los temas alterada respecto a la original. Durante el 2001 y el 2002 y ante la continua expansión del grupo en ambos países se suceden de nuevo las giras por México y Estados Unidos, para volver, por segunda vez a España para otra actuación en el Viñarock 2002, donde la banda presentó algunos temas de lo que en breve seria su nuevo disco. En ese año su ex compañía publica «Discografía 1984-1993», 5 C.D,s en formato box set con todos los álbumes publicados hasta la fecha por el grupo.

Todos somos Angeles.

Por fin en 2003 se publica su esperado álbum titulado «Todos somos Angeles», que para sorpresa de propios y extraños fue editado por Warner, la “compañía del conejito de la suerte” como la llama el guitarrista Robert Álvarez. El álbum fue grabado en Miami de nuevo bajo la producción y mezclas de Stephan Galfas. Junto a Juan Gallardo y Robert Álvarez estaban el guitarrista Gus Santana, que también se encargó del bajo, el batería Rafa Delgado y un viejo conocido, Guillermo Pascual que colaboró tanto en los teclados como en las guitarras. El álbum refleja el nuevo estilo de Angeles Del Infierno, que ofrece una cara que poco tiene que ver con el pasado, el tiempo dirá si trata de una evolución o simplemente algo pasajero. El C.D. incluye una versión rockera de “El Rey”, la popular canción mexicana de José Alfredo Jiménez que el grupo llevaba años tocando en sus directos. En septiembre de ese mismo año Angeles del Infierno recibió un disco multiplatino de parte de su discográfica Warner Music por sus ventas en todo el mundo. En 2004 repiten de nuevo en el Viña rock, al igual que en la edición de 2006, año en el que también tocan en España en el festival Metal Way, celebrado en Jerez y Gernika el 28 y 29 de julio. En 2007 se publica «20 años de Rock & Roll en la Carretera discografía completa 1984-2003», de nuevo en formato box set con toda la discografía del grupo más dos caras Bs «Angel del infierno», nunca antes editada en cd y «Heavy Rock». También se incluye el video del tema «A cara o cruz» y una entrevista con el grupo de 1993 con motivo del lanzamiento del álbum del mismo nombre. En 2011 una vez más tocan en el festival Viña rock, volviendo en 2015 al festival Rock Fest de Barcelona. Actualmente Angeles del Infierno está formado por los incombustibles Gallardo y Alvarez, Foley a la guitarra, quien fuera bajista tras la publicación de «Todos somos Angeles» hasta que en 2008 paso a ocupar la posición de guitarrista, Alex al bajo, Gerardo García a la batería y Eddie a los teclados. Continuamos con uno de los muchos músicos que han pasado por las filas de Angeles del Infierno, el batería José Sánchez quien antes de formar parte de la banda procedía de los míticos Bella Bestia.

Formados en el madrileño barrio de Vallecas en 1983 por el bajista José María San Segundo más conocido como Pepemari y el guitarrista Tony Acebes musico curtido en el rock madrileño por su paso por bandas como Unión Pacific, Ñu o Piel Metal grupo embrión de Bella Bestia. A ellos se les unen Manolo Arias a la guitarra quien más tarde formaría Niagara, el batería Enrique Ballesteros (ex-Banzai), y el vocalista Elías Sánchez. Con un sonido y estética glamrock comienzan a dar conciertos por Madrid con relativo éxito. Poco después el cantante Elías es expulsado de la banda por no dar la imagen que el grupo quería y es sustituido por Tony Cuevas ex Furia Animal y futuro compañero de Arias en Niagara. En 1984 y con esa formación, Bella Bestia graba y edita su primer álbum homónimo del cual solo se imprimieron mil copias, convirtiéndolo hoy en día en una joya de coleccionismo, aunque la compañía Avispa lo reeditó en formato CD en el año 2000. Con el álbum en la calle, empiezan a dar conciertos pero Tony Cuevas se marcha a la mili y el grupo decide volver a cambiar de cantante, siendo el elegido es Pancho Martín. También por aquellas fechas Enrique Ballesteros deja la batería y le sustituye José Sánchez (La Bestia), ya os comentaba antes que aparecía en directo con una mascara y enjaulado en la batería, para dar mas «veracidad» al asunto se inventaron que «la bestia» en realidad era un desequilibrado mental que salía del manicomio solo para los directos, de hecho siempre llegaba en una ambulancia, y era llevado al escenario en camilla. Con esta nueva formación graban el 27 de septiembre de 1985 en la mítica sala Canciller de Madrid lo que estaba predestinado a ser un álbum en directo y segundo en su carrera, pero fue un desastre tanto de grabación como de producción y nunca vio la luz. Poco después Manolo Arias decide dejar Bella Bestia, según sus ex compañeros nunca terminó de gustarle la imagen del glam y es sustituido por Pepe Rubio. En 1986 se edita lo para mucha gente es el mejor álbum de la banda «Lista para matar». El disco se lanzó junto con un maxi de 4 temas grabados en la sala Canciller unos meses antes. En este L.P. la formación de grupo estaba compuesta por Pancho Martín a la voz, La Bestia a la batería, Pepe Rubio y Tony Acebes a las guitarras y José María San Segundo al bajo. El álbum cuenta con una versión del tema «Fox on the run» de Sweet y en el maxi en directo aparece un tema que nunca salió en estudio «El gran mago». Comienzan los buenos tiempos para la banda con continuos conciertos llenando cada vez que ofrecían algún concierto en Madrid. De nuevo se produce un cambio en la batería (La Bestia) deja la banda y le sustituye Lamberto, aunque la gente le sigue llamando «La Bestia». Las puestas en escena eran espectaculares, el batería seguía encerrado en una jaula, había explosiones, pirotecnia, todo muy glam. Pero a lo largo de 1987 Bella Bestia dejan de hacer directos y la gente empieza a olvidarse de ellos. Con algunos temas terminados pero no como para llenar un L.P., la compañía les mete prisa para grabar un nuevo álbum, a todo esto se une que el guitarra Pepe Rubio abandona la banda al parecer por diferencias musicales. Los cuatro miembros restantes Pancho a la voz, José María San Segundo al bajo, Tony Acebes a la guitarra y Lamberto a la batería se meten en el estudio para grabar el tercer álbum de Bella Bestia, «No, cariño no», editado en 1988. Pero las prisas no son buenas y el álbum no tuvo la aceptación que se esperaba y además de una escasa, por no decir nula promoción por parte de la compañía. A esto hay que unirle que en aquellas fechas el heavy/rock ya estaba en declive. Para este disco la banda deja a un lado los maquillajes, quizás debido a ciertas críticas que les acusaban de ser solo imagen, para ocultar sus limitaciones. Uno de los fundadores del grupo y compositor de la gran mayoría de temas Tony Acebes abandona Bella Bestia y el resto decide disolverse. Todo esto antes de la publicación del álbum. En 1996 Pepe Mari, Pepe Rubio, Lamberto y Pancho consideran la opción de resucitar a Bella Bestia junto a la estética de los 80. Pero la idea no funciona y dos años más tarde el grupo decide aparcar definitivamente el proyecto. En 2004 Pepe Mari, Lamberto y Pancho se vuelven a reunir junto a dos nuevos guitarristas y el grupo hace un concierto especial en el festival Viña Rock, con unas criticas nada favorables. Posteriormente en 2008 cerrarían el festival Leyendas del Rock, ya sin Lamberto en la formación y con el resto de la banda formada por miembros y ex miembros del grupo de Pepe Mari en esos momentos. En 2011 aun con Pepe Mari y Pancho como únicos supervivientes se intenta grabar un álbum en vivo con colaboraciones de casi todos los ex miembros de la banda, pero el resultado final no convence y la grabación se queda en nada. En 2013 Bella Bestia lanza a través de VMP Music su cuarto álbum, el primero desde 1988, titulado «Violando la ley», grabado por César Ortiz (ex Nocturnia) a la voz, Pepe Mari al bajo, el batería Mario del Amo y los guitarristas Miguel Ángel López «Cachorro» (Panzer, Harakiri, Coz) y Ángel Funes (ex Venganza y Muro). Tras la publicación del álbum el vocalista Cesar Ortiz abandona la banda siendo sustituido por David Valera quien aparece en el video promocional del álbum. El 7 de octubre de 2017 Bella Bestia graba en la sala Cool Stage de Madrid lo que más adelante seria su doble DVD en directo, celebrando el 30 aniversario de su segundo trabajo «Lista para Matar». En ese momento la banda estaba compuesta por Pepe Mari al bajo, David Valera a la voz, Pol DQ de Megara y ex Black Rock a la batería, y los guitarristas Roberto Gutiérrez y Miguel Ángel López «Cachorro». El concierto contó como invitados con Pepe Rubio y Tony Cuevas ex Bella Bestia y Chino ex vocalista de Banzai. El doble DVD titulado «30 Aniversario Lista para Matar», se lanzó de forma limitada a tan solo 500 copias. El primer DVD cuenta con el concierto integro y el segundo con making off, entrevistas, fotos, videos, etc. En 2018 se reedito el primer álbum de la banda bajo el título de «El principio de las cosas» con una nueva portada y el orden de los temas alterado respecto al original. Ya en 2004 se lanzó un doble cd con el segundo y tercer trabajo de la banda. Actualmente el grupo está de gira celebrando su 40 aniversario con Fran Vázquez ex Cherokee, Nova Era y Katie King como nuevo vocalista de la banda. El incombustible Pepe Mari nos lleva a nuestra siguiente banda, Beethoven R.

Banda formada a principios de 1998, tras una corta reunión de Bella Bestia que derivó en una nueva formación que incluía a Pepe Mari San Segundo (bajo) y José Luis Saiz (guitarra), a quienes se les unen Antonio Alcoba (batería ex Reina de Corazones) y Javier Kiercheben a la guitarra. Al poco tiempo se incorpora el vocalista Iván Urbistondo. Tras algunos conciertos para darse a conocer, la banda decide cambiar de nombre, pasando ese mismo verano a ser Beethoven R. Tras esto graban su primera maqueta titulada «JA, JA» con cuatro temas, uno de ellos la versión de «El Gran Mago» de Bella Bestia. En junio de 1999 se edita su primer álbum titulado igual que la primera maqueta, «Ja Ja», que curiosamente incluye tres de los cuatro temas de esta, quedando fuera la versión de Bella Bestia. En 2001 y producido por un ex Bella Bestia, Pepe Rubio se edita «Un Poco Más editado» . Ese mismo año, y tras la publicación del álbum, el vocalista Iván Urbistondo abandona el grupo, siendo sustituido por Kiko Hagall. Lo mismo ocurre un año después cuando Javier Kiercheben abandona el grupo descontento con la línea musical que el grupo estaba llevando. En 2003 se incorpora como guitarrista de gira José Ignacio Carlos “Nacho” y en 2004 aparece su tercer álbum «El legado de Judas». El disco es grabado como cuarteto ya que se grabó antes de la entrada de Nacho al grupo y por ciertos problemas se editó bastante tarde. En mitad de la gira y con Nacho ya como guitarrista oficial del grupo, el vocalista Kiko Hagall abandona el grupo volviendo de nuevo Iván a ocuparse de las tareas vocales. A principios de 2005 Beethoven R. rompe con Avispa y se pone en busca de una nueva compañía, algo que no llega debido al mal momento que atraviesa el heavy nacional. En diciembre de 2007 se produce la marcha de Nacho, sustituido en enero de 2008 por Jesús González Chechu (ex Knell Oyssey), cuya entrada coincide con el décimo aniversario de Beethoven R. Precisamente en el concierto de celebración de dicho aniversario Pepe Mari sufre un infarto que le tendrá apartado del grupo durante varios meses. Ese mismo año la banda graba un nuevo álbum que de nuevo por ciertos problemas no verá la luz hasta años más tarde. En 2008 la compañía Avispa edita un recopilatorio titulado «Larga Vida», con temas de sus tres álbumes más un tema inédito, dos de su primera maqueta y una versión en piano del tema «Qué quieres de mí», de su último trabajo. En octubre de 2008 se produce la salida del grupo de su bajista y fundador, Pepe Mari por discrepancias con el resto de los miembros de la banda. Su sustituto es Juan Carlos Adeva, más conocido como «El Moreno», quien ya había sustituido a Pepe Mari en alguna ocasión. Finalmente en agosto 2009, vio la luz su nuevo álbum titulado «Más vale tarde…que nunca!». Tras la gira el vocalista Iván Urbistondo abandona de nuevo la banda y más tarde lo haría el guitarrista Jesús González Chechu, ocupando sus puestos Alberto García y Javier Oliva respectivamente. El 1 de octubre de 2011 en la Sala Caracol de Madrid se graba lo que será su primer álbum en directo editado en 2012 en formato CD+DVD, el primero contiene 12 canciones mas tres temas en estudio grabados con la nueva formación y el DVD 23 canciones, tres temas menos de los que tocaron el día de la grabación.

«La portada de la controversia»

En 2016 aparece el ultimo trabajo de Beethoven R, «A fuego en la piel» con la misma formación que el anterior trabajo. El álbum tuvo muy poca repercusión y esa poca no estuvo exenta de polémica. Una activista denunció por machista la portada del disco, donde aparece una mujer siendo marcada a fuego con el logotipo del grupo, además de reproducir parte de la letra de una de las canciones de la formación. Las acusaciones responsabilizan a los autores de incitar a la violencia contra las mujeres. La denuncia vino a través de un twitt en el twitter oficial del festival Leyendas del Rock, donde denunció la presencia de la banda en el cartel pidiendo su exclusión del mismo. Esto solo fue una acción individual que generó una polémica con los músicos implicados. En Twitter se sucedieron opiniones a favor y en contra entre los usuarios de uno y otro bando. El problema vino cuando los organizadores del festival filtraron públicamente parte de una conversación con los datos de esa persona (algo rectificaron debido a la Ley de Protección de datos) lo que propicio que el grupo le escribiese un mensaje para advertirle que la denunciarían por «apología al feminismo», un motivo por el que aún no se ha registrado ninguna denuncia en España ni el resto del mundo. Además un miembro del grupo se despidió en el mensaje con «un pollazo para ti». Lógicamente la denuncia por parte del grupo se quedó en nada, anunciando más tarde en un comunicado, el grupo estaba «muy arrepentido».

«Cuando hemos ido a poner la denuncia nos han inflado a collejas y nos han hecho entender que nuestra postura era errónea».

«También pedimos disculpas por lo del pollazo, es que sólo sabemos pensar con esa parte».

Parte del comunicado de Beethoven R.

En septiembre de 2019 Beethoven R. deciden desaparecer como banda anunciándolo en un comunicado, citando «el poco apoyo, repercusión, aceptación y valoración de un trabajo que hemos realizado con mucha ilusión y con no poco esfuerzo». Continuamos con la banda por la que el vocalista Iván Urbistondo dejo Beethoven R. y a la cual abandonó para regresar de nuevo, Cuatro Gatos.

Formados a finales de 2001 por tres ex componentes de Ñu, el teclista Juan Miguel Rodríguez, el guitarrista Pedro Vela y el batería Joaquín Arellano. El nombre escogido para el nuevo grupo viene del disco homónimo publicado por Ñu en ese mismo verano de 2001. A la banda se unen el bajista Javier Canseco, y a mediados de 2002 Iván Urbistondo, hasta entonces cantante de Beethoven R. En 2003 la banda firma con la discográfica Avispa Music y se embarca en la realización de su primer álbum, «La Caja de Música», que finalmente es lanzado a la venta en septiembre de 2003. Tras el lanzamiento del álbum la repercusión es escasa realizando algunos conciertos junto a Mägo de Oz y poco más. En febrero de 2004 presentan su disco en Madrid y tras una temporada sin conciertos, tocan en el festival Viña Rock, actuación que sería la última con la formación original ya que, pocos días después, el cantante Iván Urbistondo anuncia su salida de la banda y su vuelta a Beethoven R. En agosto de 2004 se anuncia la incorporación a la banda del vocalista uruguayo Alex Fracchia, con quien comienzan a trabajar en su nuevo álbum, basado en una historia conceptual creada por Juan Miguel Rodríguez en la cual se relataba la historia de un individuo angustiado por la falta de sentido de su vida. En principio el álbum iba a llamarse “Phobia”, en referencia a un tema donde se habla de la insoportable sensación del protagonista de que alguien pudiera contaminarlo si lo tocaba. Finalmente el álbum llevaría por título «Esférica», publicándose el 4 de abril de 2005. Este trabajo no tiene la acogida por parte del público que la banda esperaba no ya a nivel de críticas, las cuales fueron generalmente buenas, sino en cuanto al desconocimiento por parte de muchos de los seguidores del lanzamiento del álbum. Musicalmente el álbum, es más complejo de escuchar que su debut, y tal vez por eso tuvieron ciertas dificultades para llegar a más público. Además, Alex Fracchia abandona la banda a principios del año 2006, a causa de ciertas críticas realizadas por su diferencia vocal con Iván Urbistondo. Tras la marcha del vocalista se incorpora finales de 2006 J.F. Bejarano “El Jota”, pero su estancia en el grupo es muy corta, abandonando Cuatro Gatos en 2007. Tras la renuncia del cantante, el resto de los componentes se reúne para decidir el futuro de la banda. Finalmente, y tras sopesar incluso la disolución, se decide que Juan Miguel Rodríguez se ocupe de las tareas vocales acompañado de una voz femenina, siendo la elegida Covadonga Martínez. Además, Carlos Álvarez, teclista de Arion, se hace cargo de los teclados en las actuaciones en directo. Una vez grabado el álbum, se decide lanzar un maxi con dos canciones del disco, que no encajaban con el proyecto inicial más dos temas inéditos. El 26 de enero de 2009 sale a la venta el maxi «Mañana quizá sea peor», y poco después, el 23 de febrero, se edita el C.D. «El sueño de la razón» que incluye un DVD con dos videoclips y diversos contenidos. En septiembre de 2009 el bajista Javier Canseco abandona la banda para dedicarse a otros proyectos, así como Carlos Álvarez, teclista en los directos, quien se despide de Cuatro Gatos en febrero de 2010, incorporando a la banda ese mismo mes al teclista Ismael Filteau “Filtho” y al bajista Óscar Salas «Cherokee». En octubre del 2010 Cuatro Gatos publica «Me arriesgaré» un trabajo acústico con temas ya grabados por la banda además de versiones y un único tema nuevo, que da título al álbum. A finales de 2014 el grupo se separa. Uno de sus fundadores, el batería Joaquín Arellano «El Niño», nos lleva a la siguiente banda, Saratoga.

Saratoga, banda que apareció en el episodio Nº4 dedicado a Barón Rojo https://rockencadena.home.blog/2019/02/03/programa-no4/. Como de costumbre os hablare un poco sobre su álbum debut homónimo de 1995 que contaba con Fortu Sánchez a las voces, líder de Obús, Jero Ramiro a las guitarras, Niko Del Hierro, al bajo, y Joaquín Arellano «El Niño» a la batería. La producción corría a cargo de la propia banda, y de Carlos Martínez, habitual productor de la compañía Avispa. El sonido del álbum no deja de ser heavy clásico, con toques de hard rock, con un Fortu cantando no tan crudo como en Obús y con Jero y Niko intentando emular los duelos de guitarra y bajo de por ejemplo Mr. Big. Tal vez lo mas «flojo» del álbum sean las letras, con temas demasiado trillados y otras tal vez demasiado profundas o intentando ser demasiado poéticos. Sin duda el cambio y el éxito de Saratoga llegaron con la incorporación de Leo y Dani (voz y batería) y su «cambio» a sonidos más potentes. Lógicamente dicha «evolución» en gran parte es gracias a Jero y Niko quienes durante años han llevado el peso de la banda lo llevan y lo llevaron Jero y Niko. Precisamente estos dos veteranos del heavy español continuamos, y lo hacemos con la banda donde ambos militaron, Ñu.

Los legendarios Ñu de Jose Carlos Molina, un grande sin duda dentro del panorama del rock español. Ñu también apareció en el aquel episodio dedicado a Barón Rojo, https://rockencadena.home.blog/2019/02/03/programa-no4/ . Como decíamos Jero y Kiko coincidieron en Ñu, precisamente en la grabación del album «Dos años de destierro» de 1990, primer y único trabajo de Ñu para la compañía Avispa, y, como no, contó con la coproducción de Carlos Martínez. En este álbum Ñu se vio reducido a trío, con Jerónimo Ramiro (guitarra) y Niko del Hierro (bajo) acompañando al cantante y líder José Carlos Molina, quien además de encargarse de la voz, flauta y teclados fue también coproductor y se encargó de la programación de ritmos. De hecho en los créditos del disco no se menciona ningún batería. Según parece Molina no se fiaba de las posibilidades de los estudios para grabar la batería acústica. La publicación del álbum no estuvo exenta de polémica, el disco lo editó Avispa, aunque mantenían contrato con Barrabás, al parecer estos no les prestaban mucha atención y decidieron grabar con Avispa lo que provocó que cuando el disco está preparado el mítico y tristemente fallecido locutor Mariano García en representación de Barrabás reclamó a Avispa el derecho de publicarlo. No hubo trato, el disco salió con Avispa y Barrabás denunció. El disco vendió 12.000 copias. Tras su publicación el grupo se embarcó en una gira con Medina Azahara llamada «Moros y cristianos», que no funcionó nada bien, y de la que se apartaron por diferencias con los cordobeses. Ñu continuo tocando en directo con una gira desastrosa en la que cabe destacar un concierto en la Carpa de Leganés en el que las condiciones eran tan malas que Molina se fue a casa con la intención de no tocar ante la pasividad de los organizadores y ante los charcos que se crearon después de una lluvia torrencial. Al final los compañeros de grupo le convencieron para tocar por respeto al público, pero durante el concierto Molina lanzó varios mensajes contra los organizadores, lo cual molestó a los músicos. Esta actuación terminó con la ruptura de la banda, con Avispa y con el manager de entonces. En esos días le acompañaban en el directo además de Jero y Niko, Enrique ballesteros a la batería y José Barta ex Júpiter a los teclados, quien colaboró en los coros en el álbum «Dos años de destierro». El álbum fue reeditado en mayo de 2022 en formato vinilo a color, remasterizado y con un tema más respecto a la edición original. En alguna ocasión he hablado de la infinidad de músicos que han pasado por las filas de Ñu, pues bien, vamos con uno de ellos, el guitarrista Jose Antonio Casal, quien militó en bandas como Marshall Monroe, Muro, además de ser el autor de su clásico «Mirada Asesina», y esta otra mítica banda llamada, Panzer.

Formados en 1981 por el vocalista Carlos Pina, el batería Rafael Ramos, el bajista Fernando Diaz-Valdés, el teclista José Segura y el guitarrista Juan Leal, al parecer en las oficinas del tristemente fallecido y todopoderoso manager de los 80 Jesús Galvez. A los pocos meses de su formación ganan el Primer Festival de Rock del Barrio de San Blas en Madrid y firman con la filial rockera de Zafiro, Chapa por cinco álbumes. Ya en 1982 graban su primer álbum titulado «Al pie del Cañón» producido por Luis Soler y mezclado en Londres. Para su segundo trabajo «Sálvese quien pueda» de 1983 se prescinde de los teclados y se da entrada al joven guitarrista Jesús Díaz “Suso”. El álbum se graba en los estudios Eurosonic siendo mezclado y grabado por Bob Broglia, encargado del estudio de Ian Gillan. Con este álbum el grupo se consolida en la escena rock de España tras la buena acogida por parte de público y crítica, lo que le sirvió para ganar una gran popularidad y poder realizar una extensa gira. El disco además se puso a la venta en Inglaterra y varios países europeos gracias a la compañía belga Mousoleum Records quien hiciera lo mismo con los discos «Metalmorfosis» de Barón Rojo y «El que más» de Obús.

«Mítica portada»

En 1985 el grupo pasa a ser un cuarteto tras la marcha del guitarrista Juan Leal. Ese mismo año se publica su tercer trabajo «Toca madera», grabado en los Estudios Mediterráneo de Ibiza en tan solo en siete días, cinco de grabación y dos de mezcla. El álbum cuenta con la participación del ingeniero de la casa Denis Herman. Una de las cosas que convirtió a este álbum en mítico fue sin duda la portada, donde aparece «la abuela Angeles», con cazadora de cuero, la famosa gorra de cuero de Carlos Pina, muñequera de tachuelas y como no haciendo el símbolo de los cuernos. La canción que daba título al disco «Toca madera» contó con la colaboración en la letra del conocido locutor de radio Juan Pablo Ordúñez «El pirata», y para los que no sepáis es una parodia a ese «gafe» del que todo el mundo habla sobre el grupo Panzer, también conocidos como «los innombrables» ya que esa «mala suerte» no solo los acompañaba a ellos si no a quienes estaban cerca. De nuevo se producen cambios en Panzer cuando el guitarrista Jesús Díaz “Suso” tiene que abandonar el grupo para cumplir el servicio militar y es sustituido por Jose Antonio Casal quien graba con el grupo «Caballeros de Sangre» de 1986. Tras cuatro álbumes con Zafiro/Chapa, piden la carta de libertad, y deciden grabar un disco en directo con el sello que había creado su manager Javier Gálvez, Lady Alicia Records bajo la distribución de Avispa. El 27 de junio de 1987 Panzer graba en Madrid, mas concretamente en el Anfiteatro Egaleo de Leganés, su primer álbum en directo titulado «Sábado Negro» editado ese mismo año y que cuenta con dos nuevos guitarras, Pepe Rubio (ex Bella Bestia) y Alfonso Samos. La grabación del concierto fue caótica, de hecho el titulo refleja lo vivido allí, con un sonido pésimo e incluso con corte de luz incluido durante su clásico «Junto a ti». En principio el álbum tenía que haber sido doble pero se editó en formato sencillo. Mas tarde Pepe Rubio fue expulsado de la banda en el propio estudio donde se realizaba la mezcla del disco. Lo mismo ocurrió con el bajista Fernando Diaz-Valdés quien abandona la banda siendo sustituido muy brevemente por Niko del Hierro. Tras esto Panzer se separa, volviendo a los escenarios en 2007 con los miembros originales Carlos Pina y Rafa Ramos, voz y batería, más Mario al bajo y los guitarristas Miguel Angel Lopez “Cachorro” y Paco Ramos. En 2009 Mario y Paco abandonan Panzer volviendo dos ex miembros, el bajista y fundador Fernando Díaz-Valdés y el antiguo guitarrista Jesús Diaz «Suso» aunque este lo hace de manera esporádica. Ese mismo año, más concretamente el 30 de mayo, se graba, también en el anfiteatro Egaleo de Leganés, donde se registró aquel «Sábado Negro», el primer DVD de Panzer titulado «De infierno a Infinito», publicado de manera independiente en 2010. Como músicos invitados aparecen Juan Leal, ex guitarra de Panzer, Óscar Sancho, vocalista de Lujuria y Juan Olmos, vocalista de Antigua, y que además fue el encargado de editar el sonido del concierto junto a Jorge Escobedo guitarra de Sober. En ese momento el grupo lo componían Carlos Pina a la voz, Miguel Ángel «Cachorro» a la guitarra, Fernando Díaz-Valdés al bajo y Rafa Ramos a la batería. En 2018 fallece Juan Leal, primer guitarrista de Panzer. Hoy en día la banda sigue activa realizando algún que otro concierto y actuando en festivales. Vamos a continuar con el único teclista que pasó por la banda Jose Segura y su trabajo como teclista y productor del álbum en solitario esta pionera del heavy en España llamada Azuzena.

Azucena Martín-Dorado Calvo, conocida artísticamente como Azuzena, cantante de rock española, más conocida como la vocalista del grupo Santa, convirtiéndose en la voz femenina más emblemática del heavy metal español de la década de los 80. En 1986 comenzaron los problemas con los demás miembros de la banda, especialmente con el guitarrista Jerónimo Ramiro, que pretendía dar a Santa un sonido más comercial, cosa que se hizo evidente en el segundo álbum, «No hay piedad para los condenados». Pese a que con este nuevo trabajo la popularidad de la banda disminuyó por no tocar el Heavy Metal clásico que hacían en un inicio, para el tercer álbum Ramiro insistió en comercializar aún más el sonido de la banda. Esto llevó a Azucena a tomar la decisión de retirarse y lanzarse como solista, siendo apoyada por músicos de Casablanca, LaBanda o Raza además de por varios grupos de acompañamiento como Polvo Blanco, Cráneo o Esfinge. Los problemas económicos y las presiones de la compañía discográfica la llevaron a intentar suavizar su estilo para hacerlo más comercial, para su debut de 1988 titulado «La estrella del rock», hizo uso de composiciones de Manolo Tena o Hilario Camacho entre otros, lo que significó un giro de estilo que no obtuvo la repercusión esperada y que generó la incomprensión de sus seguidores. La compañía donde Azucena grabó sus discos, Luna Discos, fue fundada por una fan de Santa expresamente para lanzar los discos en solitario de Azucena. En 1989 edita «Liberación», disco en el que regresa al rock duro, pero el cual no logró mucha acogida entre público, sobre todo porque la distribución tuvo que hacerse prácticamente a través de ella misma, por no contar con el respaldo de la discográfica. Al parecer la responsable de su compañía de discos tuvo problemas de salud y no pudo centrarse en Azuzena. Entre los músicos que grabaron ese disco se encontraban el primer teclista de Panzer, José Segura que además fue coproductor del disco, o el guitarrista Pedro Andrea, quien más tarde fuera musico de Miguel Bosé, además de contar con la colaboración del guitarrista Jaume Pla, fundador de una mítica escuela de música de Madrid. Agotados sus recursos económicos y anímicos se retiró de la música y pasó a dedicarse a la hostelería, montando primero un pub en Madrid y más tarde otro en la playa de Alicante, donde residía y donde se retiró de la vida pública. Azucena regresa a su ciudad, Madrid, para hacer un último intento de relanzar su carrera musical. En 2004 el programa de Mariano García, Disco-Cross, emite un mensaje de ella: “Hola, soy Azucena. Espero que os acordéis de mí. Dentro de poco tendréis noticias mías”. Al parecer pretendía regresar bajo el nombre de Santazuzena. Desgraciadamente, meses después de ese anuncio, más concretamente el 31 de enero de 2005 fue hallada muerta en su domicilio de Madrid victima de un edema pulmonar agudo. Tenía 49 años. Un par de curiosidades sobre el segundo álbum en solitario de Azuzena, el tema «Salvaje y cruel» estaba firmado por Fortu y Jose Luis Serrano, vocalista y bajista de Obús y padrinos de Santa, de hecho este tema apareció en la primera demo de Santa cuando aun se llamaban Viuda Negra con Jero y Azucena más Jose Luis y Fernando, bajista y batería de Obús. El álbum también cuenta con temas escritos por el humorista y showman Moncho Alpuente, el guitarrista Eduardo Pinilla actualmente en Burning y ex Ñu y Coz y José Barta teclista de Goliath y Júpiter que además formó parte de la banda de directo de Azuzena. Precisamente el, José Barta nos lleva a esta banda llamada Júpiter.

Formados en 1986 por el guitarrista Javier Ponce y el teclista José Barta ambos ex Goliath más el vocalista Narci López el bajista José Rubio y el batería Juan Jesús García. Esta formación se aleja de los sonidos heavys que predominaban a principios de los 80 centrándose más en el Hard Rock, ya que por aquel entonces era lo que triunfaba. En 1987 grabaron su primer disco homónimo con el locutor Mariano García como productor bajo el sello Producciones Twins. Del disco se extraen dos sencillos «Destrozado por tu pasión» y «Suspenso en amor», tema que obtuvo gran difusión tanto en radio formula como en televisión. Dicho tema formó parte del disco recopilatorio de su compañía Twins ‘Éxitos del año 87’. También se publica en Venezuela un recopilatorio titulado «Rock del mundo latino» a través de CBS, donde Júpiter incluyo otro tema de su debut titulado «Entre sabanas». Su segundo trabajo vio la luz un año después tras fichar por el sello Polygram con cambios en la formación, entra Carlos León a la batería y como teclista Guillermo Pascual, que no grabó el disco pero que si aparece en la foto de la contraportada. «Radio Rock and Roll», título de su segundo trabajo, fue grabado en Londres bajo la producción de John Eden, que ya había trabajado con bandas como Status Quo y con Mariano García como productor ejecutivo. En 1989, la discográfica Smash edita en formato cassette «¡¡Con toda la fuerza!! Mazo & Júpiter», donde Júpiter aporta 5 temas y Mazo tres. Polygram piensa en editar una versión inglesa para lanzar el álbum en Europa, pero si con el primer álbum lograron cierta repercusión, con este segundo trabajo las ventas fueran flojas y sus conciertos escasos en salas medio vacías. El sello apostó por ellos al menos en la grabación sonando mucho mejor que su debut, pero en cuanto a la promoción fue bastante escasa y » solo» vendieron 13.000 álbumes. Poco después el grupo se separa. El guitarrista y fundador del grupo Javier Ponce, falleció en 2003 después de estar, durante muchos años, totalmente alejado del mundo de la música, dedicándose a la profesión de policía. En 2016, Leyenda Records reedita el segundo L.p. del grupo, con varios extras a modo de maquetas, y en 2017, repite la operación con el primer L.p. Precisamente en la presentación de este último se anuncia la reunión de Júpiter para un concierto en el festival Leyendas del Rock 2018 cosa que se produce con el teclista José Barta, el vocalista Narci López, el bajista José Rubio, los baterías Juan Jesús García y Carlos Leon más la incorporación del guitarrista de Tritón Javier Mira en sustitución del fallecido Javier Ponce. El 17 de febrero de 2019 se celebra en Madrid un nuevo concierto de Júpiter en homenaje a su guitarrista fallecido Javier Ponce y donde celebraban los 30 años de la banda. Respecto al concierto del festival leyendas del rock Álex Morell (The Val) sustituyó al bajista original Pepe Rubio. Durante el concierto se vendió el C.D. «30 años» bajo el sello Red Sky Producciones, este trabajo consta de los dos álbumes del grupo con el orden de las canciones alterado mas un DVD con el documental «Júpiter 30 años después». Y llegamos al final del episodio de la mano del único miembro de Júpiter que no estuvo en la reunión, el teclista Guillermo Pascual quien tras la separación del grupo pasó a formar parte como teclista y guitarrista de nuestros protagonistas Angeles del Infierno. Espero que hayáis disfrutado del blog. Hasta la próxima!!! y recuerda, sube el volumen y disfruta!!!

Episodio Nº44

Bienvenidos y bienvenidas a una nueva entrada del blog Rock en Cadena. Dedicamos este episodio a una banda puntera dentro del Hard Rock de Los Angeles a mediados de los 80. Liderados por un guapo cantante y un virtuoso guitarrista fueron testigos directos del auge y la caída del glamour de Sunsent Street. Ellos son White Lion.

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“El grunge no se cargó a todas las bandas de hair metal. Algunas se suicidaron.”

Brad Tolinski (Redactor Jefe de la revista Guitar World).

De Dinamarca a U.S.A.

En 1982 el vocalista danés Mike Tramp se mudó a Los Ángeles desde España, pais al que se había llegado desde su Dinamarca natal después de pasar por el grupo de pop Mabel, al que se unió en 1976 como vocalista principal tras una breve carrera en solitario, lo que le convirtió en un ídolo local adolescente. En 1978, Mabel ganó el Festival de la Canción Danesa y representó a Dinamarca en el Festival de la Canción de Eurovisión ese mismo año. Debido al éxito logrado por el grupo, Mabel se mudó a España y se convirtió en Studs, lanzando su álbum debut homónimo en 1981. En 1982 el grupo se mudó a la ciudad de Nueva York y se convirtió en Danish Lions. Después de grabar demos, la banda regresó a Dinamarca, sin embargo, Tramp decidió quedarse en América. En noviembre de ese año Tramp conoció al guitarrista de Dreamer Vito Bratta y juntos decidieron formar una nueva banda a la que llamaron White Lion reclutando al batería Nicki Capozzi y al bajista Felix Robinson (ex Angel). White Lion firmó con Elektra Records en 1984 y grabó su álbum debut «Fight to Survive». Elektra no estaba contenta con la grabación final y, tras negarse a lanzar el álbum, rescindió el contrato de la banda. Su manager logró obtener el derecho a licenciar el álbum y lanzarlo en Japón. El álbum finalmente fue lanzado en Japón en 1985 por Victor Company Ltd, (JVC Records). El álbum salió a la luz en Europa antes que en los EE.UU. gracias a las criticas de las revistas especializadas. En 1985, Felix Robinson se fue después de que Elektra los abandonara y fue reemplazado por el bajista Dave Spitz (hermano del guitarrista de Anthrax, Dan Spitz). Esta nueva formación grabó una serie de demos y continuó tocando en Nueva York mientras buscaba un nuevo contrato discográfico.

«Spitz, Tramp, D´Angelo y Bratta»

Esta encarnación de White Lion fue contratada para interpretar a una banda ficticia en la película de Tom Hanks y Shelley Long «The Money Pit» («Esta casa es una ruina»), que se estrenó un año después. La banda sonora presenta la canción «Web of Desire» (acreditada a «White Lion and Robey» e interpretada por Louise Robey). La banda sonora de la película nunca se lanzó oficialmente, aunque la canción se reproduce en la película durante dos escenas. Grand Slamm Records, con sede en Filadelfia, compró el álbum a Elektra y lo lanzó en Estados Unidos en 1986, bajo licencia de Elektra/Asylum Records. Unos meses después, Grand Slamm Records quebró. «Fight to Survive» se ubicó en el número 151 en Billboard 200. La canción «Broken Heart» fue lanzada como sencillo y contó con un video musical en el que aparecen el batería Greg D’Angelo (quien había sustituido al despedido Nicki Capozzi) y el bajista Dave Spitz, quien abandonó White Lion a finales de 1985 para unirse a Black Sabbath, fue reemplazado por James LoMenzo.

Los buenos tiempos.

«Los «verdaderos» White Lion»

A principios de 1987, la banda firmó por Atlantic Records. El 21 de junio de 1987 se lanzó su segundo álbum «Pride». El primer sencillo, «Wait», fue lanzado el 1 de junio de 1987. La gira «Pride» comenzó en julio de 1987 con White Lion abriendo para Frehley’s Comet. El siguiente año y medio estuvo plagado de giras, abriendo para bandas como Aerosmith, Ozzy Osbourne, Stryper y Kiss. En enero de 1988, White Lion abrió para AC/DC en su gira estadounidense «Blow Up Your Video». Durante la gira con AC/DC, el álbum «Pride» y el sencillo «Wait» finalmente entraron en las listas, debido en gran parte a que MTV transmitió el video musical «Wait» de manera regular. Casi siete meses después del lanzamiento del sencillo «Wait» alcanzó el número 8 en la lista de sencillos, mientras que «Pride» alcanzó el número 11 en las listas de álbumes, permaneciendo en las listas de álbumes Top 200 de Billboard durante un año completo. En agosto de 1988, más de un año después del lanzamiento del álbum, el segundo sencillo «Tell Me» también con un video musical alcanzó el puesto 58. El tercer sencillo de «Pride», la balada acústica «When the Children Cry», llegó hasta el número 3, nuevamente impulsado por la fuerte difusión del video musical en MTV. El éxito de «When the Children Cry» impulsó las ventas de «Pride» por encima de los dos millones en los EE.UU., alcanzando el doble platino.

«Parecía que Pride estaba condenado al fracaso, pero entonces una emisora de Minneapolis empezó a pinchar Wait a todas horas. Fue un pequeño milagro.»

Jason Flom (Directivo de Atlatic Records)

En la primavera de 1989, la gira «Pride» finalmente terminó y la banda lanzó sus primeros trabajos en VHS titulados «Live at the Ritz» (filmado en Nueva York en febrero de 1988 para un concierto especial de MTV) y «One Night in Tokyo.

«En sus letras, Mike hablaba de los abusos a los que la gente es sometida en otras partes del planeta y animaba a no mirar hacia otro lado. Yo les decía al resto de mis compañeros: «Es danés. Ve el mundo de otra manera». A mi eso me gustaba. Me hacia sentir muy cómodo tener a alguien que no se dedicaba solo a mirase el ombligo.»

James Lomenzo

En agosto de 1989, White Lion lanzó su tercer álbum, «Big Game», musicalmente una continuación de su anterior trabajo. «Big Game» incluía el sencillo «Little Fighter» (que alcanzó el puesto 52), un tema dedicado al «Rainbow Warrior», el barco de Greenpeace que fue destruido por los servicios secretos franceses. «Radar Love», una versión de Golden Earring (que alcanzó el puesto 59) fue lanzada como segundo sencillo y «Cry for Freedom», una canción sobre el apartheid en Sudáfrica fue el tercer sencillo. «Going Home Tonight» fue el último sencillo del álbum. «Big Game» se convirtió rápidamente en disco de oro, alcanzando el puesto 19 en la lista de álbumes Billboard 200, el 28 en Canadá y el puesto 47 en el Reino Unido. En esos momentos el éxito de la banda llegó a su punto mas alto.

“Tío, dile a Tramp que salvar a las ballenas no vende discos, los pantalones de cuero sí.”

John Kalodner (A&R) a Vito Bratta

«Yo tenia un Lamborghini como el conduzco en el video, pero estaba en un concesionario protegido con una lona. El que aparece en el video es el de la película Rain Man

Vito Bratta sobre el video de «Radar Love»

«Yo salgo conduciendo una moto a 200 kilómetros por hora sin cazadora y sin casco, como un puto gilipollas.»

Mike Tramp sobre el video de «Radar Love»

Dos años, en la primavera de 1991, White Lion lanzó su cuarto álbum «Mane Attraction» que incluía los sencillos «Love Don’t Come Easy», que alcanzó el puesto 24 en la lista de Mainstream Rock, «Lights and Thunder» (un tema de ocho minutos) y una versión regrabada del sencillo debut de la banda «Broken Heart», todos ellos incluyeron videos musicales. El álbum también contenía la única canción instrumental de White Lion, «Blue Monday», en memoria de Stevie Ray Vaughan, que murió mientras la banda escribía el álbum. Las dos baladas del álbum, «You’re All I Need» y «Till Death Do Us Part», fueron bastantes populares en Indonesia y Filipinas. El álbum alcanzó el puesto 61 en el Billboard 200 en EE.UU. y el puesto 31 en el Reino Unido.

«Yo pensaba que iba a ser un bombazo y acabo siendo nuestro peor disco.»

Vitto Bratta sobre «Mane Attraction»
«Lo cierto es que la nueva formación prometía»

Greg D’Angelo y James Lomenzo dejaron la banda poco después del lanzamiento del álbum, citando «diferencias musicales», pero Tramp y Bratta continuaron con el bajista Tommy «T-Bone» Caradonna (musico de directo de Lita Ford y Alice Cooper) y el batería Jimmy DeGrasso (Megadeth , Alice Cooper , Suicidal Tendencies , Y&T). Después de una breve gira en apoyo de «Mane Attraction», Tramp y Bratta decidieron acabar con el grupo. Su último concierto se llevó a cabo en Boston en el Channel Club en septiembre de 1991.

«Querían renegociar y Vito se negó.»

Mike Tramp sobre la salida de Lomenzo y D´Angelo.

«Se tomó una decisión y básicamente fue como: «Bueno, nos haremos cargo de uno de vosotros, pero no de los dos». Decidí que ya había tenido bastante.»

James Lomenzo sobre su salida de White Lion.

«Todo se reduce siempre al dinero.»

Greg D´Angelo sobre su salida de White Lion.

Exactamente un año después, en septiembre de 1992, se lanzó el primer álbum recopilatorio de la banda, titulado «The best of White Lion», que cuenta con todos los sencillos de White Lion de sus tres primeros álbumes, además de las versiones en vivo de «Lady of the Valley» y «All You Need Is Rock’N Roll». En algunos países, «You’re All I Need» (del último álbum de estudio de la banda) se incluye como la primera pista del álbum y a veces como una pista oculta (no listada). También se lanzó un VHS titulado «Escape from Brooklyn» con imágenes de conciertos, entrevistas y todos los videos musicales de la banda.

Los «nuevos» White Lion y los problemas legales.

En 1999, tras su carrera en solitario, Mike Tramp, con nuevos músicos, lanzó «Remembering White Lion», con nuevas versiones de algunas de las canciones clásicas de White Lion, comenzando lo que sería una larga batalla para reformar White Lion. En 2000, el impulso para un nuevo White Lion continuó con el lanzamiento de un segundo recopilatorio titulado «White Lion Hits» seguido de otra titulada «The Essential White Lion». En octubre de 2003, Tramp anunció una reunión de White Lion con los miembros originales, algo que rápidamente fue negado por los otros ex miembros. Con los festivales de verano en Europa ya reservados, Tramp intentó formar un «nuevo White Lion» con los ex miembros James LoMenzo y Jimmy DeGrasso junto con Warren DeMartini de Ratt. Vito Bratta presentó una demanda reclamando la propiedad parcial del nombre y la gira fue cancelada.

«Remenbering White Lion» o «Last Roar» editado con varias portadas»

En 2004, debido a problemas legales, el álbum «Remembering White Lion» fue relanzado con un nuevo título «Last Roar», y bajo el nombre de Tramp’s White Lion. A finales de 2004, Mike Tramp reunió otro grupo de músicos desconocidos y continuó con un nuevo White Lion bajo el nombre de Tramp’s White Lion, sin embargo, esto no detuvo los continuos problemas legales con sus ex compañeros de banda. A pesar de todos los problemas, Tramp’s White Lion (también conocidos como White Lion 2) tocó, volvió a grabar canciones de White Lion, estuvo de gira y lanzó una caja titulada «The Bootleg Series» en 2004 y un CD doble en vivo titulado «Rocking the USA» en 2005 (en 2007, se lanzó una edición de un solo disco del álbum bajo el título «White Lion: Live Extended Versions»). También en 2005, se lanzó el DVD «Concert Anthology» seguido en 2006 del álbum «Anthology» con canciones nunca antes lanzadas y demos de canciones clásicas de White Lion. La banda tuvo varios conciertos cancelados a finales de 2005 cuando los promotores se retiraron debido a la amenaza de posibles acciones legales. Para finales de año, Tramp había renunciado casi por completo a White Lion, pero seis meses después reservó una gira europea para noviembre y diciembre de 2006.

«Vito Bratta, sin duda uno de los mejores guitarristas de hard rock»

El 16 de febrero de 2007, Vito Bratta apareció en el programa de radio del famoso locutor Eddie Trunk, siendo su primera entrevista en más de 12 años. Algunos de los motivos de su ausencia de la vida publica y su alejamiento de la industria musical fueron la enfermedad que por la que pasó su madre (5 años que requirieron una gran cantidad de tiempo personal y compromiso tanto emocional como financiero), una lesión de muñeca en 1997 que le impedía tocar la guitarra con normalidad y sobre todo la desilusión que tuvo con la industria musical, cuando ignoró a las bandas de hard rock, cuando el grunge el mercado. Además, aclaró que nunca descartó una reunión de White Lion junto a Mike Tramp y que no habían sido imposibles debido a las obligaciones familiares y su lesión en la muñeca. El 6 y 7 de abril de 2007, Bratta hizo sus primeras apariciones públicas en más de 15 años. Durante esos años se oyeron cantidad de rumores sobre la vida del virtuoso guitarrista, desde trabajar como informático o empleado de una pizzería a dueño de una cadena de Supermercados.

Mas problemas legales y el final de White Lion.

En 2007 se lanzó un nuevo recopilatorio de White Lion titulado «The Definitive Rock Collection», además la banda preparaba una gira de verano junto a Poison y Ratt, pero la promotora de la gira (Live Nation) retiró a White Lion del cartel después de que el ex guitarrista, Vito Bratta, amenazara con emprender acciones legales por el nombre de la banda. Al parecer la decisión de los promotores de la gira, no se basó en ninguna controversia sobre si Mike Tramp tenia el derecho legal de actuar como White Lion, simplemente se basó en la amenaza de demanda de Vito Bratta. Aunque Live Nation creía que la demanda de Bratta era frívola y había confirmado que Mike Tramp poseia el derecho legal de actuar como White Lion, no querían gastar «un dólar» en litigios. Ante la cancelación de la gira, los abogados de la banda negociaron un trato con Vito Bratta para retirar su amenaza de demanda. Sin embargo, incluso con la amenaza de litigio eliminada, Live Nation no reincorporó a White Lion a la gira.

«Lo ultimo de White Lion…¿o no?»

Un nuevo álbum de estudio titulado «Return of the Pride» fue lanzado el 14 de marzo de 2008, ya con la banda nuevamente conocida simplemente como White Lion. Durante la gira mundial para promocionar el álbum el grupo realizó una gira por la India actuando ante 42.000 espectadores en Shillong, y ante más de 30.000 espectadores en el estadio Dimapur de Nagaland. La banda fue invitada a la India por el jefe de la familia real de Tripura, el maharajá Kirit Pradyot Deb Burman. El 5 de diciembre de 2008 se publicó el DVD en vivo «Bang Your Head Festival 2005». El show es el concierto de regreso de White Lion en el festival Bang Your Head de 2005 en Alemania. El DVD también incluye una entrevista completa con Mike Tramp, fotos e interpretaciones de canciones de la gira por Estados Unidos, además de contar con un video musical en vivo de la canción «Lights and Thunder» que muestra a la banda tocando en los Estados Unidos. Tras el lanzamiento de «Return of the Pride», Tramp se enfrentó a un momento de indecisión profesional mientras intentaba decidir entre continuar su carrera en solitario o volcar su energía en «su nuevo» White Lion. Finalmente Tramp continuó con su carrera en solitario y en 2013 anunció en varias entrevistas que ya no habría un White Lion de ningún tipo, incluido el «nuevo» White Lion o cualquier posible reunión de la formación clásica. En 2014, Tramp confirmó una vez más que White Lion no volvería a existir como banda.

Principalmente activos a finales de la década de los 80 y principios de la de los 90, White Lion se diferenció del resto de las bandas de su estilo en unas letras (en muchas ocasiones) mas maduras y comprometidas con los problemas sociales de la época, alejándose de los clichés de sexo, drogas y R&R. Tal vez White Lion sean el mejor ejemplo de la banda que toca el cielo para después bajar a los infiernos, aun así nos dejo unos buenísimos temas compuestos por unos grandes músicos, entre ellos dos con los que continuamos, la base rítmica compuesta por James LoMenzo y Greg D´Angelo en esta banda a la que se unieron tras abandonar White Lion.

Pride & Glory fue un proyecto formado en 1991 por el vocalista y guitarrista Zakk Wylde durante su estancia en la banda de Ozzy Osbourne. Wylde reclutó a los ex White Lion James LoMenzo y Greg D’Angelo al bajo y la batería respectivamente. Originalmente el nombre de la banda era Lynyrd Skynhead , ya que este proyecto de «power trio» de rock sureño estaba inspirado en la banda Lynyrd Skynyrd. Esta formación grabó dos canciones, una instrumental titulada «Farm Fiddlin'» para un álbum recopilatorio de 1991 titulado «The Guitars That Rule the World», y una versión del clásico de blues «Baby, Please Don’t Go» para el álbum de 1992 «L.A. Blues Authority Vol. 1». A principios de 1994, la banda cambio su nombre a Pride & Glory, momento en el que D’Angelo abandonó el proyecto y fue reemplazado por Brian Tichy. En junio de ese año, Pride & Glory lanzó su único álbum a través de Geffen Records y actuó en el Monsters of Rock Festival en Donington, Inglaterra. En noviembre de 1994, LoMenzo se fue después de una gira por Japón, tres días antes de que Pride & Glory comenzara su gira por Estados Unidos. Wylde reemplazo a LoMenzo por John DeServio, quien creció con Wylde en Nueva Jersey. Pride & Glory realizó su último concierto el 10 de diciembre de 1994 en Los Ángeles. El 31 de enero de 1998, Wylde, LoMenzo y Tichy tocaron en un concierto de reunión único en el Whiskey a Go Go de Hollywood. Precisamente uno de estos músicos, el batería Brian Tichy nos lleva a este otro proyecto en el que participó llamado T&N.

T&N, banda formada en 2011 por ex miembros de Dokken y que originalmente llamaron Tooth and Nail, (igual que el segundo álbum de 1984 de Dokken) pero se vieron obligados a cambiarlo en marzo de 2012 debido a problemas legales, ya que el nombre era una marca registrada. El 31 de octubre de 2012, se publicó su álbum debut «Slave to the Empire», que además de contar con los ex Dokken, Pilson, Lynch y Brown contaba con Brian Tichy en la batería (en algunos temas) y la participación de los vocalistas Tim “Ripper” Owens (ex Judas Priest), Doug Pinnick de Kings X, Sebastian Bach (ex Skid Row) y Robert Mason (ex Lynch Mob y actual cantante de Warrant). todos ellos interpretando versiones «actualizadas» de clásicos de Dokken. Jeff Pilson se encarga de la voz en los temas propios de la banda además de interpretar una versión de Dokken. Mick Brown, que comparte las tares de batería con Tichy y que abandonó el grupo en junio de 2019, a pesar de que el grupo llevaba inactivo desde 2013, también aparece como vocalista en uno de los temas nuevos del álbum. Y ya que hemos hablado de Dokken, que mejor manera que continuar con ellos.

Dokken, banda que fue protagonista en el primer episodio del podcast y del blog allá por 2018 https://rockencadena.home.blog/2018/12/02/programa-no1/ y de la que también hablamos en el episodio dedicado a Whitesnake https://rockencadena.home.blog/2021/04/05/programa-no28/. Precisamente en ese episodio hablamos sobre «Erase the Slate», séptimo álbum de estudio de la banda lanzado en 1999, y único álbum de estudio de Dokken que presenta al ex guitarrista de Winger, Reb Beach, y el último con el bajista Jeff Pilson. Ya os hablé sobre esa etapa de Dokken, asi que ahora os cuento algo más sobre este álbum que significó el regreso al sonido tradicional del Dokken de los 80, alejándose de su anterior trabajo «Shadowlife», con un sonido mas cercano al grunge. Mick Brown aparece en un tema como vocalista principal. Además el álbum cuenta con el tema «One», una versión de la banda Three Dog Night, un grupo rock de mediados de los 60. La gira de Dokken en apoyo de «Erase The Slate» fue capturada para el cd y dvd en vivo de 2000 «Live From The Sun», grabado en el Sun Theatre en Anaheim, California. Desafortunadamente, «Live From The Sun» fue el último álbum de Dokken con Reb Beach y el bajista Jeff Pilson, quienes dejaron el grupo poco después de su lanzamiento. Con Reb Beach y «su» banda continuamos.

Banda formada en 1986 por el bajista y vocalista Kip Winger, ex miembro de la banda de Alice Cooper, junto a su compañero en Alice Cooper Paul Taylor (guitarrista/teclista), Reb Beach (guitarra) y Rod Morgenstein, (batería de Dixie Dregs). Su álbum debut, «Winger», (en la carpeta puede leerse «Sahara» uno de los nombres que barajó la banda antes de decidirse por Winger) fue lanzado el 10 de agosto de 1988. El disco fue un éxito, alcanzando el disco de platino en los Estados Unidos y el de oro en Japón y Canadá. Un año después apareció el VHS «Winger – The Videos: Volume One» con todos los videos de su primer álbum. Su segundo trabajo «In the Heart of the Young» (también conocido como «Winger II») se publicó en 1990. Aunque la salida del álbum se produjo en el declive de la escena glam metal en los EE.UU. «In the Heart of the Young» fue todo un éxito siendo certificado platino, lo que ayudó a la banda a realizar una extensa gira. La gira mundial duró 13 meses, tocando con otros grupos de heavy metal como Kiss, Scorpions, Extreme, Slaughter y con el grupo de hard rock ZZ Top. De nuevo se lanzó una colección de videos musicales en dos volúmenes de VHS separados, «In the Heart of the Young, vol. 1» en 1990 y «In the Heart of the Young, Vol. 2» en 1991, año en que también se publicó en VHS el directo «Live In Tokyo». Paul Taylor dejó la banda después de la gira, lo que hizo que su siguiente álbum, «Pull» (1993), fuese grabado como un trío. El álbum no tuvo tanto éxito de ventas como los álbumes anteriores. En la siguiente gira, John Roth reemplazó a Paul Taylor en la guitarra rítmica. El álbum coincidió con el surgimiento del grunge, algo totalmente opuesto a lo que Winger representaba. También en 1993 se publico «The Making of Pull» un VHS con imágenes de películas caseras de la banda en el estudio grabando el álbum «Pull», además de los videos promocionales del álbum. En los 90, Winger fue objeto de burlas en serie animada de MTV Beavis and Butt-head. Stewart, uno de los personajes del programa caracterizado como un cobarde que admiraba a Beavis y Butt-head y que era objeto de sus burlas, usaba una camiseta de Winger en un intento de emular al dúo, cuyas camisetas tenían los logotipos de AC/DC y Metallica. Además de eso, el batería de Metallica, Lars Ulrich, aparece en el video de «Nothing Else Matters» lanzando dardos a una diana con un poster de Kip Winger pegado en ella. Tras disolverse en 1994, se publicó en 2001 el recopilatorio «The Very Best of Winger», que contiene el tema «On the Inside» grabado para la ocasión por todos los miembros originales de la banda incluido John Roth. En 2002, los cinco miembros se embarcaron en una gira de reunión por los EE.UU. y Canadá. En 2006, se confirmó que Winger volveria a grabar y girar sin uno de sus miembros originales, Paul Taylor. En octubre de ese año se lanzó el álbum «IV», y en 2007 «Demo Anthology», una colección de éxitos y demos inéditas y el doble CD y DVD en directo «Winger Live» grabado en la gira de reunión de Winger en 2007 por los Estados Unidos. Mas adelante llegarían «Karma», de 2009 y «Better Days Comin'», de 2014 convirtiéndose a día de hoy en su ultimo trabajo. Al igual que con White Lion continuamos no con un musico de la banda si no con dos, Paul Taylor y Kip Winger y su paso por la banda des este mítico vocalista llamado Alice Cooper.

Paul Taylor y Kip Winger coincidieron en la banda de Alice Cooper en la grabación de «Raise Your Fist and Yell» décimo álbum de estudio de Alice Cooper, lanzado el 5 de septiembre de 1987. El álbum contaba con el batería Ken Mary y el guitarrista Kane Roberts, quien ya coincidió con Kip Winger en el anterior álbum de Cooper. «Raise Your Fist and Yell» tenía un sonido aún más áspero que su predecesor, las letras se inspiraban en gran medida en las películas de terror slasher de la época, como las sagas de Viernes 13 y Pesadilla en Elm Street. La canción «Lock Me Up» cuenta con la aparición especial de Robert Englund, quien interpretó a Freddy Krueger en la saga de Pesadilla en Elm Street. Otro de los temas del álbum «Prince of Darkness», aparece brevemente en la película de John Carpenter del mismo nombre, en la que Cooper tiene un cameo como un vagabundo asesino. La canción se puede escuchar en el walkman de una de sus víctimas. La gira del álbum, denominada «Live in the Flesh», fue especialmente controvertida en Europa en 1988 por su violencia gráfica y teatralidad. El espectáculo incluyó muchos de los viejos trucos de Cooper, como la horca (usada por primera vez desde 1972), además otros nuevos como empalar a una persona con una bicicleta (algo que aparecía en la película «Prince of Darkness» de John Carpenter, donde Cooper en un cameo como un vagabundo, mataba así a uno de los personajes). La mayoría de los trucos más violentos de la gira se inspiraron en las películas de terror de la época, al incluir muertes gráficas en el escenario y grandes cantidades de sangre. En Gran Bretaña, el diputado laborista David Blunkett pidió que se prohibiera el concierto. El gobierno alemán logró eliminar algunos de los segmentos más sangrientos del espectáculo. Durante el tramo londinense de la gira, Cooper sufrió un accidente casi fatal en el ensayo de la secuencia de ejecución en la horca cuando una de las cuerdas de seguridad se partió.

«Estoy horrorizado por su comportamiento, va más allá de los límites del entretenimiento»

David Blunkett, diputado laborista ingles sobre los conciertos de Alice Cooper.

A finales de 1988 toda la banda que grabó «Raise Your Fist and Yell» abandonó a Alice Cooper. Kip Winger, junto a Paul Taylor, formó su propia banda, Roberts comenzó su carrera en solitario y el batería Ken Mary entró a formar parte de House of Lords además de grabar para Chastain y esta banda, no muy conocida, llamada Magdallan.

Supergrupo estadounidense de metal cristiano formado en 1990 como un proyecto de estudio entre el vocalista Ken Tamplin (Shout) y Lanny Cordola (ex House of Lords).La formación original de la banda estaba formada además de por Tamplin y Cordola por el bajista Brian Bromberg y el batería Ken Mary, compañero de Cordola en House of Lords. El primer lanzamiento de la banda, «Big Bang», publicado en 1992, fue uno de los álbumes cristianos más caros producidos en ese momento, con un presupuesto aproximado de 250.000 dólares. El álbum recibió algunas críticas por haber sido sobre producido. Sin embargo, «Big Bang» fue nominado a un premio GMA Dove (los Grammys católicos) al Mejor Álbum de Metal/Hard Rock en 1992, pero no ganó. Tras el lanzamiento del primer álbum, Tamplin dejó la banda, ya que pensaba que Intense Records, la compañía que editó «Big Band», había dejado de lado el álbum después de dos años de duro trabajo. Después de la partida de Tamplin, Magdallan, que era un proyecto de estudio, se convirtió en una banda completa cambiando su nombre a Magdalen. Phillip Bardowell asumió las funciones vocales y Chuck Wright, otro House of Lords, reemplazaría al bajista Brian Bromberg. En 1993 llegaría el primer álbum bajo el nuevo nombre de la banda titulado «Revolution Mind» y el 1995 el E.P. «The Dirt». En 1999, se lanzó un álbum recopilatorio, «End of the Age», con el antiguo nombre (Magdallan). Lenny Cordola co-fundador de la banda fue guitarrista de este grupo llamado Giuffria.

Banda formada en 1981 por el teclista Gregg Giuffria después de abandonar la banda Angel. Ya os hablé de Giuffria en el episodio Nº 16 dedicado a Kiss https://rockencadena.home.blog/2020/04/05/programa-no16/ así que nos centraremos en el segundo álbum de la banda «Silk + Steel» lanzado en 1986 y el primero en contar con Lenny Cordola en las guitarras tras la marcha del anterior guitarrista, Craig Goldy a la banda de Dio. Antes de la grabacion del álbum el bajista Chuck Wright regresó a Quiet Riot y fue reemplazado por Rick Bozzo y luego por David Sikes, quien grabó el segundo álbum. «Silk + Steel» contiene la versión «I Must Be Dreaming», una canción de Willy DeVille que alcanzó el puesto 52 en el Billboard Hot 100. El 21 de junio de 1986 el álbum alcanzó el puesto 60 en The Billboard 200, su posición mas alta. Se lanzó un segundo sencillo, «Love You Forever», pero la promoción del sello fue deficiente y el sencillo no llegó al Hot 100. Giuffria dejó su compañía, MCA Records en 1987 y se disolvió poco después de grabar demos para un tercer álbum, que incluía el regreso del bajista Chuck Wright y el debut del batería Ken Mary, quien había reemplazado a Alan Krigger. Algunas de estas demos aparecerían en el álbum debut de House of Lords (banda que formó Gregg Giuffria tras Giuffria) y nueve pistas de las sesiones de «Giuffria III» (titulo de un tercer álbum de Guifrria jamás lanzado) se incluyeron en el lanzamiento del vocalista de Guiffria, David Glen Eisley, en su album de 2003 «The Lost Tapes». Y ya que toda esta historia gira en torno a Gregg Giuffria vamos a continuar con la banda que abandonó para formar su proyecto, Angel.

Banda de glam/rock , formada a mediados de la década de los 70 por el guitarrista Punky Meadows y el bajista Mickie Jones. Angel fueron descubiertos por el bajista de Kiss, Gene Simmons, mientras actuaban en un club nocturno lo que hizo que el grupo firmara con el mismo sello que Kiss, Casablanca. La imagen de Angel, que vestían completamente de blanco, además de una imagen andrógina y bastante extravagante en el escenario, contrastaba deliberadamente con Kiss, que vestía de negro. Su primer álbum homónimo publicado en 1975 contaba con el guitarrista Punky Meadows, el bajista Mickie Jones, el vocalista Frank DiMino, el teclista Gregg Giuffria y el batería Barry Brandt. Esta formación se mantendría para los siguientes dos álbumes, «Helluva Band» (1976) y «On Earth as It Is in Heaven» (1977), después de lo cual el fundador y bajista Mickie Jones fue reemplazado por Felix Robinson, quien grabó con la banda «White Hot» de 1978 y «Sinful» de 1979. «Live Without a Net» (1980) fue el primer álbum en vivo de la banda y el último álbum antes de separarse en 1981. Tras esto DiMino y Meadows dejaron la banda y los miembros restantes incorporaron al vocalista Fergie Frederiksen (Toto) y al guitarrista Ricky Phillips (bajista de The Babys, Bad English, Styx), pero esta formación no lanzó material nuevo y se disolvió poco después. A finales de la década de los 90, Angel se reformó con una nueva formación: Frank DiMino a la voz, Barry Brandt a la batería, Randy Gregg al bajo, Steve Blaze a las guitarras y el teclista Gordon GG Gebert, quien dejó la banda en 2002 y fue reemplazado por Michael T. Ross. El lanzamiento de la banda de 1999, «In ​​the Beginning», cuenta con la colaboración del guitarrista original Punky Meadows, así como del bajista Felix Robinson. En 2000 llegó el lanzamiento de «Angel: The Collection», un recopilatorio de grandes éxitos de Angel. En 2006 llegaria «Angel: The Singles Collection Volume 1» y «Angel: The Singles Collection Volume 2», con todos los singles del grupo. El bajista y miembro fundador Mickie Jones, murió el 5 de septiembre de 2009, a la edad de 56 años tras una larga batalla contra el cáncer de hígado. En 2018, Meadows y DiMino realizaron una gira juntos bajo el nombre de Punky Meadows and Frank DiMino of Angel, acompañados por Danny Farrow en la guitarra rítmica, Charlie Calv en los teclados, Steve Ojane en el bajo y Billy Orrico en la batería e interpretando un conjunto de canciones clásicas de Angel y temas de sus carreras en solitario. En 2019, con la misma formación, la banda volvió a llamarse Angel, volvió a vestirse completamente de blanco y lanzó un nuevo álbum, «Risen», con críticas muy favorables ocupando varias posiciones en las listas de Billboard.

«Así no tenéis que voltear la pantalla del PC»

Angel nunca logró un éxito comercial masivo, pero adquirió y gran numero de seguidores lo que la convirtieron en una banda de culto. Angel fueron criticados por los críticos de rock y Frank Zappa ridiculizó la apariencia femenina de la banda en la canción «Punky’s Whips». Como curiosidad deciros que el logo de Angel es ambigramático (se lee igual cuando está al revés que cuando se ve normalmente). Llegamos al final de esta entrada de la mano del bajista de Angel, Felix Robinson, quien grabó el primer álbum de nuestros protagonistas, White Lion. Con ellos me despido de vosotros hasta otro episodio de Rock en Cadena. Un saludo a tod@s!!!. Sube el volumen y disfruta!!

Episodio Nº43

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Bienvenidos y bienvenidas a una nueva entrada de Rock en Cadena. Este episodio esta dedicado a una de las ultimas bandas que surgieron a finales de los 80 dentro de aquel estilo conocido como «glam metal» o «hair metal». Pudieron ser grandes, pero un vocalista bastante polémico y un negocio musical cambiante hicieron que aquel sueño de adolescentes se desvaneciera…aunque vivieron algunos años de esplendor. Ellos son Skid Row.

Los primeros años.

El bajista Rachel Bolan y el guitarrista Dave Sabo formaron Skid Row en 1986. La pareja reclutó al guitarrista Scotti Hill y al batería Rob Affuso a través de anuncios en los periódicos. El vocalista Sebastian Bach, de tan solo 18 años, reemplazó al cantante original Matt Fallon (Anthrax) después de que los padres de John Bon Jovi vieran a Bach cantando en la boda del fotógrafo de rock Mark Weiss, y recomendaran a la banda su fichaje.

«Bach, DuBrow y Zakk Wylde en la boda que cambio el destino de Sebastian Bach»

Sabo y John Bon Jovi eran amigos desde adolescentes y Sabo fue brevemente miembro de Bon Jovi antes de ser reemplazado por Richie Sambora. Sabo y Bon Jovi acordaron que si uno de ellos triunfaba en el negocio de la música, ayudaría al otro, y así fue, mientras Skid Row teloneaban durante tres noches a Bon Jovi en su gira «Slippery When Wet Tour» de 1987 el manager de Bon Jovi Doc McGhee sugirió a Skid Row que reemplazara al cantante original Matt Fallon. Después de completar la alineación con Bach el grupo firmó con la editorial «Underground», propiedad de Richie Sambora y John Bon Jovi, otorgándoles la mayor parte de los royalties de los temas. Tiempo después Sambora cedió su parte a Skid Row.

Era un contrato de coedición; él se llevaba todo y nosotros nada.

Rob Affuso

En un momento dado Richie Sambora dijo: «¿Sabéis que? tachad mi nombre de esta lista. Tengo mas dinero del que pueda gastar. No necesito quitaros el vuestro.

Rachel Bolan

El manager de Bon Jovi, Doc McGhee, reclutó a Skid Row y tras negociar con A&M y Geffen Records, les aseguró un contrato discográfico con Atlantic Records en 1988.

Directos a la cima.

Antes de lanzar su álbum debut, la agencia de management del grupo pagó 35.000 dólares al guitarrista Gary Moore por los derechos del nombre de la banda, ya que Gary formó allá por los 70 su primera banda llamada «Skid Row». Skid Row grabó su primer álbum con el productor Michael Wagener. La banda usó el estudio Royal Recorders en Lake Geneva, (Wisconsin) con el productor Michael Wagener para grabar su álbum debut. El estudio, sin demasiadas pretensiones, estaba en la parte trasera de un hotel, donde se alojaba la banda. Skid Row funcionó de acuerdo con un programa elaborado por Wagener y se mantuvo «sobrio» durante la grabación. Las sesiones de grabación transcurrieron sin problemas ya que la banda había estado tocando e interpretando las canciones durante el último año. Inicialmente el sello imprimió 150.000 copias del álbum y reservó a la banda un puesto de apertura en el «New Jersey Syndicate Tour 1988-1989» de Bon Jovi.

«Unos primerizos Skid Row»

Tras su lanzamiento en enero de 1989, Skid Row no conectó de inmediato con los oyentes y recibió críticas mixtas de la prensa musical. Pero tras el éxito del sencillo «I Remember You», que entró en el Billboard Top 10 en el otoño de 1989, el álbum despegó vendiendo más de 5 millones de copias. Gracias a las intensas giras y la difusión de la banda en MTV, Skid Row se convirtió rápidamente en platino con el álbum en el top 10 Billboard tres meses después de su lanzamiento. El álbum generó tres sencillos: » Youth Gone Wild «, «18 and Life» y «I Remember You», de los cuales los dos últimos se ubicaron en el top 10 en el Billboard Hot 100. «Piece of Me» fue lanzado como sencillo promocional y también contó con un video musical. La gira mundial de 17 meses de duración incluyó una aparición en el Moscow Music Peace Festival de Moscú en agosto de 1989 ante una multitud de 70.000 personas. Skid Row hizo su debut en el Reino Unido en el Milton Keynes Bowl abriendo para Bon Jovi. Al día siguiente, realizó su famoso concierto en el Marquee Club de Londres. La gira junto a Bon Jovi estuvo plagada de incidentes, Bach no paraba de soltar palabrotas durante los conciertos, cosa que Jon no veía con buenos ojos ya que en esos días el grueso de sus fans estaba compuesto por adolescentes que iban acompañadas a los conciertos por sus padres. A todo esto se añadía el comportamiento fuera del escenario con continuas borracheas y destrozos en camerinos y hoteles, además de un incidente entre Bach y Jon cuando antes de salir a escena los empleados de Jon «bañaron» a Bach con una jarra de leche. Mientras presentaba «Piece of Me» Bach dijo: «Hey Jon Bon Jovi, why don´t you come get a Piece of me!!», frase que en ingles se utiliza para retar a alguien, pero que Jon entendió (o le contaron) que Bach dijo algo así como: «Hey Jon Bon Jovi why are you a piece of fag» (Oye Jon Bon Jovi ¿Por qué eres un pedazo de marica?). Al terminar el concierto, camino de los camerinos, Jon golpeo a Bach mientras el equipo de seguridad y el resto de Skid Row intentaban separarlos.

Pasamos a su lado y Sebastian le dijo algo como: «Me la has jugado..», refiriéndose a la broma de la leche, pero Jon lo llamó hijo de puta y le dio un puñetazo en la cara»

Scotti Hill

Skid Row regresó al Reino Unido tres meses después, abriendo junto a Mr. Big, para Mötley Crüe en su gira europea «Dr. Feelgood». Skid Row continuo de gira como cabezas de cartel en el Reino Unido que culminó con un espectáculo en el Hammersmith Odeon de Londres. Después Skid Row abrió para Aerosmith durante un año en su «Pump Tour». En diciembre de 1989 durante el concierto en Springfield, Massachusetts, un fan arrojó una botella al escenario durante el show de Skid Row. Bach arrojó la botella a la multitud y golpeó a una fan de 17 años en la cara. El incidente fue filmado por un fan y Bach fue arrestado después del espectáculo. Fue puesto en libertad con una fianza de 10.000 dólares y condenado a tres años de libertad condicional.

«La polémica camiseta «

En otro show en 1990, Bach usó una camiseta con el eslogan anti-gay «AIDS Kills Fags Dead». Bach dijo que se puso la camiseta después de que un fan la arrojara al escenario, pero luego lamentó el incidente y dijo que no apoya la homofobia. Gracias a las intensas giras y la difusión de la banda en MTV, Skid Row se convirtió rápidamente en platino con el álbum en el top 10 Billboard tres meses después de su lanzamiento. El álbum generó tres sencillos: » Youth Gone Wild «, «18 and Life» y «I Remember You», de los cuales los dos últimos se ubicaron en el top 10 en el Billboard Hot 100. «Piece of Me» fue lanzado como sencillo promocional y también contó con un video musical.

El 4 de diciembre de 1990 se lanza el VHS «Oh Say Can You Scream», un video con temas del álbum debut homónimo de la banda interpretadas en vivo en diferentes partes del mundo, además de imágenes detrás de escena (incluido el incidente de «la botella») y videoclips sin censura de «18 and Life», «Youth Gone Wild», «I Remember You» y «Piece of Me». Skid Row volvió al estudio con Wagener en 1990 para grabar su segundo álbum «Slave to the Grind», lanzado en junio de 1991 debutando en el número uno en el Billboard 200, alcanzando el doble platino sin ningún éxito radiofónico, vendiendo 134.000 copias en su primera semana. El álbum mostró un sonido más duro que su predecesor con letras que evitaban los clichés del hard rock, centrándose en textos más complejos que criticaban las formas de vida modernas, la autoridad, la política, las drogas y la religión organizada, entre otros temas. Se lanzaron dos versiones diferentes del álbum: la original y una versión «limpia», en la que «Get the Fuck Out» se reemplaza por el menos ofensivo «Beggar’s Day». En septiembre de 1992 se lanzó un E.P. de versiones llamado «B-Side Ourselves». Este trabajo no solo incluye versiones de canciones grabadas originalmente por artistas que influyeron en Skid Row, sino que es esencialmente una recopilación de pistas que habían aparecido previamente como caras B de los sencillos de la época de «Slave to the Grind», excepto «Little Wing» de Jimi Hendrix, inédito hasta ese momento. «B-Side Ourselves» alcanzó el puesto 58 en el Billboard 200 (la posición más baja en las listas de Skid Row hasta la fecha), y fue certificado oro seis meses después de su lanzamiento. «No Frills Video» VHS lanzado en 1993 cuenta con los videos musicales grabados para los cinco sencillos de «Slave to the Grind»: «Monkey Business», «Slave to the Grind», «Wasted Time», «In a Darkened Room» y «Quicksand Jesus», además de los videos del E.P. «B-Side Ourselves». El 16 de octubre de 1993 se lanza «Road Kill», otro VHS con actuaciones en vivo de Skid Row, además de clips promocionales, imágenes entre bastidores, videos de aficionados, amigos y fans, y lo más destacado de los conciertos en Japón, Brasil, Irlanda, Islandia y los Estados Unidos. «Road Kill» también incluye el video musical de «Psycho Love» en 3-D y las versiones de las canciones «Psycho Therapy» y «C’mon And Love Me», que se incluyeron en «B-Side Ourselves». El sello de Skid Row Atlantic Records, no apoyó la «transformación» del grupo cuando filmó el video de la canción principal. El sello quería una modelo en bikini para protagonizar el video, pero la idea fue rechazada por la banda ya que la canción no trataba sobre la sexualidad femenina. El padre de Sebastian Bach, David Bierk, pintó la portada, que en realidad es un mural largo, que continúa dentro del folleto del álbum. Aunque está ambientado en la época medieval, muestra a personas que usan dispositivos tecnológicos modernos. La portada se inspiró en la obra de Caravaggio «El Entierro de Santa Lucía» de 1608 y muestra a John F. Kennedy entre la multitud.

«Portada pintada por el papa de Sebastian Bach»

Una vez más, Skid Row realizó una gira mundial que duró más de un año, incluida una etapa como teloneros de Guns N’ Roses en 1991 y una aparición en Monsters of Rock en Castle Donington en 1992. Pantera, Soundgarden, L.A Guns y Love/Hate fueron las bandas encargadas de abrir para Skid Row en la gira de apoyo a «Slave to the Grind». Curiosamente Skid Row había pedido a Nirvana que abriera para ellos, pero estos se negaron, alegando que Skid Row era «demasiado homofóbico», en relación con el incidente de la camiseta de Sebastian Bach.

Los (malditos) 90.

Después de que la gira «Slave to the Grind» terminara en febrero de 1993 en Australia, donde nuevamente abrieron para Guns N’ Roses, Skid Row se tomó una larga pausa por recomendación de McGhee en un intento de que el movimiento grunge se desvaneciera. En 1994, la banda volvió al estudio con el productor Bob Rock para grabar su tercer álbum «Subhuman Race». Los miembros de Skid Row afirmaron que sus sesiones de grabación estuvieron llenas de fuertes tensiones entre los miembros de la banda y el productor, incluidos debates sobre la dirección musical del álbum, también durante esos días la relación de la banda con Bach se volvió mucho mas tensa. «Subhuman Race» fue lanzado en marzo de 1995 y debutó en el puesto 35 en el Billboard 200, permaneciendo en las listas durante nueve semanas. Se lanzaron tres sencillos: «My Enemy», » Breaking Down » y » Into Another «, siendo este último el último de la banda en aparecer en las listas de éxitos. En 1999, «Subhuman Race» había vendido 165,424 copias, quedando significativamente por debajo de trabajos anteriores, aun así el álbum recibió críticas positivas. Lanzado durante el declive del hard rock y el heavy metal, «Subhuman Race» marcó un cambio significativo en el sonido de la banda, con Bob Rock reemplazando a Michael Wagener como su productor, y asemejándose a una mezcla de heavy metal con grunge, alternativo, punk rock, thrash metal e influencias de groove metal, convirtiéndolo en el álbum mas oscuro de Skid Row.

«Ese disco fue una pesadilla. Internamente, la banda se había derrumbado, pero nos vimos obligados a entrar en el estudio y hacer otro disco y fue una pesadilla con la grabación, la escritura y la producción. Trabajamos con alguien con quien no habíamos trabajado antes después de tener tanto éxito con Michael (Wagener) y estábamos acostumbrados a la forma en que el hacía las cosas. No estoy menospreciando a Bob en absoluto, es un productor genial, pero fue un mal momento. No tuve el mejor momento, no fue culpa de nadie, así eran las cosas. Además, el disco apesta completamente»

Rachel Bolan

En ese momento, la banda pasó a actuar en lugares más pequeños y sus videos rara vez se reproducían en MTV, en parte debido al aumento de la popularidad del grunge y el posterior declive de muchos estilos de heavy metal de la década de 1980. Skid Row abrió para Van Halen en la etapa norteamericana de su gira «Balance». Finalmente, Bach dejó la banda a finales de 1996 después de una discusión con Bolan, quien rechazó un puesto para abrir a Kiss en su gira de reunión a pesar de que Bach ya la había reservado. Los otros miembros de la banda le dijeron a Bach que Skid Row era demasiado grande para ser un grupo telonero y que no iban a hacer el espectáculo. Mas tarde Bach dejó un mensaje en el contestador automático de Snake diciéndoles que la banda nunca sería lo suficiente grande como para abrir para Kiss junto con una serie de insultos. Tras este incidente Sabo comunico al resto de la banda que jamás volvería a trabajar con Bach.

No era una gira con Kiss, era un concierto.

Rachel Bolan

En 1995 lanzaron en Japón un E.P. en vivo titulado «Subhuman Beings on Tour» con temas en vivo de la gira «Subhuman Race» uno de los temas, «Delivering The Goods» (una versión de Judas Priest) cuenta con la participación del líder de Judas Priest, Rob Halford.

En 1998 Skid Row lanzó el recopilatorio «40 Seasons: The Best of Skid Row» sin la participación de Bach. El álbum incluye canciones de los primeros tres álbumes de estudio de Skid Row. Las pistas de «Subhuman Race» fueron remezcladas para este álbum con mezclas más «lights» y menos «sucias», presumiblemente para que encajaran mejor con las otras pistas. También incluye dos pistas inéditas, una de las sesiones de su álbum debut y otra de las sesiones de «Slave to the Grind». La versión japonesa cuenta con una pista adicional del E.P. «B-Side Ourselves». Los miembros restantes de Skid Row continuaron bajo el nombre de Ozone Monday con el cantante Shawn McCabe de Mars Needs Women. En 1998 y 1999, el grupo abrió bajo el nuevo nombre para Kiss y Mötley Crüe. Poco después el batería Rob Affuso abandonó la banda, quien no estaba de acuerdo con el despido de Bach ni con la dirección musical que estaba tomando la banda. Skid Row se volvió a formar en 1999 con dos nuevos miembros, el vocalista Johnny Solinger y el batería Phil Varone (ex Saigon Kick). Tras su Reunión, la banda abrió para Kiss en su gira de despedida «Farewell Tour» de 2000.

Ironías de la vida. ¡Pero fue alucinante!

Rachel Bolan sobre su gira con Kiss

Nuevo milenio.

«Scotti Hill, Dave Sabo, Johnny Solinger, Phil Varone y Rachel Bolan, los nuevos Skid Row.»

Tras ocho años sin publicar ningún trabajo Skid Row lanzó en el verano de 2003 su cuarto álbum de estudio, «Thickskin», colocándose en el puesto 46 en la lista de los mejores álbumes independientes. El sonido de la banda cambio por completo acercándose a un sonido post-grunge mas acorde con bandas como Foo Fighters, Silverchair o Creed. Días después del lanzamiento del álbum se publicó el DVD «Under the Skin (The Making of Thickskin)» con un «making off» de la grabación del álbum, galería de fotos, entrevistas, videos musicales del álbum y actuaciones en vivo.

«Dave Gara (con pañuelo) se incorpora a Skid Row.»

En 2004, Dave Gara fue anunciado como nuevo batería de Skid Row. Dos años mas tarde, el 24 de octubre de 2006 se lanza «Revolutions per Minute», un álbum que volvió a contar con Michael Wagener como productor tras 15 años desde que coprodujo el segundo álbum de la banda, «Slave to the Grind», en 1991. El álbum recibió críticas negativas y tan solo se ubicó en el puesto 266 en las listas de Japón. A diferencia de su predecesor, mas orientado al post grunge, «Revolutions per Minute» es un álbum mas diverso, con una combinación de elementos de punk clásico, post-punk, e incluso country. En febrero de 2013, Skid Row firmó con Megaforce Records y anuncio que el nuevo material se lanzaría como tres E.P.s separados. El primero, «United World Rebellion: Chapter One», se lanzó en abril de 2013 y vendió 1.500 copias en su primera semana en los Estados Unidos. Su continuación, «Rise of the Damnation Army – United World Rebellion: Chapter Two» fue lanzado el 5 de agosto de 2014 y vendió 1.300 copias en los EE. UU. en su primera semana. Ambos trabajos presentan una vuelta al sonido de «Slave to the Grind»

En abril, Solinger fue despedido de la banda, y el mismo día se anunció que Tony Harnell, ex TNT, seria el nuevo vocalista de la banda. Ese mismo mes, la banda lanzó como descarga gratuita una versión regrabada, con Harnell a la voz, de su primer sencillo, «18 and Life». Harnell dejó Skid Row en diciembre de 2015, y el ex vocalista de DragonForce, ZP Theart, se convirtió en el cantante del grupo para los conciertos de 2016. En enero de 2017, ZP Theart fue nombrado miembro oficial de la banda. En marzo de 2018, se anunció que el próximo lanzamiento de la banda para la trilogía «United World Rebellion» ahora sería un álbum de larga duración y se lanzaría durante 2019. En enero de 2019, se lanzó digitalmente una edición de lujo del álbum debut homónimo de Skid Row, que incluía el álbum original remasterizado (con el tema «Forever» incluido como pista adicional), así como la grabación de una actuación en The Marquee en Westminster, California, del 28 de enero de 1989. Los miembros de la banda declararon que no participaron en la reedición.

El 26 de junio de 2021, el ex vocalista de Skid Row Johnny Solinger murió a la edad de 55 años. En mayo, el cantante anunció en su página de Facebook que le habían diagnosticado insuficiencia hepática, que estaba tomando al menos siete medicamentos diferentes, que había perdido una cantidad significativa de fuerza y ​​requería fisioterapia y cuidados paliativos que su familia no podía pagar.

«Con gran pesar debo informar a todos lo que está pasando conmigo y mi salud. Estuve hospitalizado durante el último mes». «Me han diagnosticado insuficiencia hepática. Y el pronóstico no es nada bueno».

Johnny Solinger
«Erik Grönwall, ¿ultimo vocalista de Skid Row?»

El 23 de marzo de 2022, se anunció que la banda se había separado de ZP Theart. Erik Grönwall (ganador del reality show Sueco «Idol» y vocalista de la banda H.E.A.T.) se unió a la banda después de la partida de Theart. Después de que Grönwall se uniera a Skid Row, se estrenó en internet el sencillo «The Gang’s All Here». La banda también anunció que su nuevo álbum, «The Gang’s All Here», se lanzaría el 14 de octubre de 2022.

Skid Row logró el éxito comercial a finales de la década de los 80 y principios de los 90, con sus dos primeros álbumes «Skid Row» y «Slave to the Grind» certificados multiplatino, el último de los cuales alcanzó el número uno en el Billboard 200. A finales de 1996 la banda había vendido 20 millones de álbumes en todo el mundo. A pesar de sus cambios de formación y sus «incursiones» en el post-grunge y el post punk la banda aun continua siendo un referente dentro del hard rock de finales de los 80. Uno de los vocalistas que pasaron por las filas de Skid Row, Tony Harnell nos lleva a esta banda de la que formó parte, Morning Wood.

El guitarrista Al Pitrelli (Asia, Alice Cooper, Megadeth), el batería Chuck Bonfante (Saraya, Drive She Said) y el bajista Danny Miranda (Blue Oÿster Cult) formaron este proyecto como una diversión en directo para los tiempos muertos de sus principales bandas. Tony Harnell que había regresado a Estados Unidos tras el primer parón de los noruegos TNT (volverían a reunirse en 1997) fue reclutado para poner voz a las versiones acústicas que el grupo realizaba. Pero la reacción del público en sus conciertos y el buen ambiente entre ellos les llevó a meterse en estudio para grabar el que fue su primer y único álbum. La primera edición se lanzó en Japón en 1994 bajo el título «Morning Wood», años después, en 2002 y posteriormente en 2004, el sello Escape Music lo reeditó lanzándolo internacionalmente bajo el titulo de «Tony Harnell & Morning Wood», ambas ediciones contienen el mismo numero de canciones, doce, de las cuales ocho son versiones mas cuatro temas nuevos. Entre las versiones nos encontramos con temas de Allman Brothers Band, Nazareth, The Eagles, Supertramp o los mismísimos TNT. Sin duda una super banda con músicos de muy reconocidos dentro del negocio musical, uno de ellos, el batería Chuck Bonfante, nos lleva a una de sus primeras bandas, Saraya.

En 1987, la vocalista Sandi Saraya y el teclista Gregg Munier se unieron el ex guitarrista de Danger Danger, Tony «Bruno» Rey, el bajista Gary Taylor y el batería Chuck Bonfante para formar Saraya.La banda lanzó su álbum debut homónimo en PolyGram Records en 1989. Los ejecutivos de la compañia esperaban convertir a Sandi Saraya en un símbolo sexual, convirtiéndola en la «próxima Bon Jovi «. Su debut alcanzó cierto éxito, pasando 39 semanas en el Billboard 200, llagando al puesto 79. Su primer sencillo, «Love Has Taken Its Toll», alcanzó el puesto 64 en el Billboard 100, y el segundo, «Back to the Bullet» alcanzaron el puesto 63. La balada «Timeless Love», lanzada por EMI/SBK Records, en realidad se grabó como un proyecto en solitario de Sandi Saraya y estuvo acompañada por músicos de sesión, pero se le atribuyó al nombre de su banda. Aún así, «Timeless Love» se convirtió en su tercer y último sencillo en el Hot 100, manteniéndose aún más abajo en el puesto 85. La canción, producida y escrita por Desmond Child, fue parte de la banda sonora de la película de terror «Shocker». Después del primer álbum, el grupo paso por cambios de formación, Barry Dunaway (bajista de directo de Yngwie Malmsteen) reemplazó a Gary Taylor en el bajo. Munier grabó teclados y coros en el segundo álbum, «When the Blackbird Sings», lanzado en 1991, pero no estaba contento con la dirección de la música, ya que estaba más impulsada hacia la guitarra. Más tarde abandonó la banda y fue reemplazado por el guitarrista John Roggio. Al igual que la mayoría de bandas del estilo de Saraya desaparecieron bajo el tsunami del «grunge». El 3 de febrero de 2006, Gregg Munier murió a la edad de 44 años, por complicaciones de una neumonía. En octubre de 2010, Saraya planeó reunirse para el Firefest Music Festival en el Reino Unido. Sin embargo, problemas económicos entre Sandi Saraya y la organización del festival impidieron que la banda pudiera actuar. De los músicos que formaron parte de Saraya el guitarrista Tony Rey es sin duda el más prolífico de todos, tocando, escribiendo, grabando y produciendo a muchos de los artistas mas importantes de la industria de la música, desde Joan Jett hasta Enrique Iglesias o Rihanna. Pero quien nos interesa es la banda de donde provenía Tony Rey, Danger Danger.

Danger Danger se formó en 1987 por los ex miembros de Hotshot Mike Pont (vocalista), Bruno Ravel (bajista) y Steve West (batería) además del guitarrista Al Pitrelli y el teclista Kasey Smith. Mike Pont dejó la banda y fue reemplazado por Ted Poley, quien anteriormente tocaba la batería en la banda Prophet. Tras algunas demos consiguieron un contrato con Epic Records. En 1988, Pitrelli dejó Danger Danger siendo sustituido en 1989 por Tony Rey, quien grabó ese mismo año parte del álbum debut homónimo antes de ser sustituido por Andy Timmos quien completó la grabación. En 1990 se publica el E.P. «Down and Dirty Live» grabado durante la gira de su primer álbum. Su segundo trabajo «Screw It!» se lanzó en 1991. Después de la gira, el teclista Kasey Smith dejó la banda. En 1993 la banda había terminado de grabar su tercer álbum titulado «Cockroach», sin embargo, la banda despidió al cantante Ted Poley. Paul Laine ocupó su puesto y volvió a grabar las voces del nuevo álbum. Poley demandó a la compañía y al grupo impidiendo que se lanzara el álbum. Epic archivó el álbum y poco después prescindió de la banda. Además, el guitarrista Timmons dejó la banda para empezar su carrera en solitario. Los miembros restantes de Danger Danger, Ravel y West formaron su propio sello, Low Dice Records, y junto Laine lanzaron en 1995 «Dawn», un álbum con un sonido mas cercano al post grunge que al hard rock. El álbum se comercializó a través del club de fans y la pagina web de la banda. En 1997 se lanzó «Four the Hard Way», donde colaboran los ex miembros de la banda Andy Timmons, Tony Rey y Kasey Smith así como en «The Return of the Great Gildersleeves» de 2000 donde aparecen los dos ex guitarrista de la banda. En 2001, tras conversaciones con Epic se pudo lanzar «Cockroach». El álbum contó con dos discos con dos versiones del álbum, una con Laine en la voz y otra con Ted Poley. En 2003 se edita «Rare Cuts», una colección de pistas inéditas y rarezas que incluyen demos con el miembro original Al Pitrelli. En 2004, Laine dejó la banda volviendo a Danger Danger el cantante original Ted Poley. Aun así, en 2005, la banda lanzó «Live and Nude», un álbum en vivo grabado en 2003 con Paul Laine en la voz. El 19 de septiembre de 2009, el sello independiente Frontiers Records lanzó «Revolve», que presenta el regreso de Poley como cantante principal, así como el nuevo miembro, el guitarrista Rob Marcello (hermano del ex guitarrista de Europe Kee Marcello). La formación clásica de Danger Danger formada por Ted Poley, Bruno Ravel, Steve West, Andy Timmons y Kasey Smith se reunió en 2014 para una serie de giras. Continuamos este blog con el vocalista Ted Poley quien tras abandonar Danger Danger se vio envuelto en decenas de proyectos y colaboraciones como en este llamado Wolfpakk.

Proyecto fundado y formado en 2010 por Michael Voss (ex-Casanova, Mad Max) a la guitarra y la voz y Mark Sweeney ex vocalista de Crystal Ball a la voz. Este dúo alemán/suizo lanzó su álbum debut homónimo en 2011, con las colaboraciones de músicos de primer nivel como Paul Di’anno, Jeff Scott Soto, Tim Ripper Owens o Paul Shortino que añadían sus voces a las de los dos protagonistas de la banda Voss y Sweeney. Además contaban con guitarristas como Olaf Lenk (At Vance) o Tommy Denander y bajistas de la talla de Tony Franklin (ex-Blue Murder), Mat Sinner (Primal Fear) o Neil Murray (ex Whitesnake). Su siguiente álbum «Cry Wolf», lanzado en agosto de 2013, superó incluso a su álbum debut, ganándose los elogios tanto de los medios como de los fans. De nuevo contaron con estrellas del mundo del hard rock como Amanda Somerville, Ralf Scheepers de Primal Fear, Göran Edman, Kee Marcello (ex-Europe), Roland Grapow (Masterplan) o Hermann Rarebell. Siguiendo con la misma fórmula publicaron, «Rise Of The Animal» en 2015 donde aparecían entre otros Michael Kiske y Andi Deris de Helloween, Ted Poley (Danger Danger), Don Dokken (Dokken), Bob Daisley (ex-Gary Moore, Black Sabbath), John Norum (Europe), Doug Aldrich (ex Whitesnake) o Chris Slade (ex-AC/DC). Dos años después, el 28 de abril de 2017, se publica «Wolves Reign», álbum donde aparecen Claus Lessmann (ex-Bonfire), Biff Byford (Saxon), Ronnie Atkins (Pretty Maids), Rudy Sarzo (Ozzy Osbourne), George Lynch (ex-Dokken) y Alex Holzwarth (Rhapsody Of Fire)entre otros. Su último trabajo hasta la fecha «Nature Strikes Back» se lanzó el 24 de enero de 2020 y cuenta, como no, con un total de 32 músicos invitados de primer nivel. Michel Voss es uno de los grandes músicos de la escena del heavy melódico/hard rock alemán reconocido por aquella mítica banda de mediados de los 80 de la cual formó parte llamada Mad Max.

Banda formada en 1980, por el guitarrista Jürgen Breforth el vocalista Andreas Baesler, el guitarrista Wilfried Schneider, el bajista Thomas Hoffmann y el batería Uwe Starck quienes tocaban en una banda de versiones adoptando en 1981 el nombre de Mad Max inspirados en la película de 1979 protagonizada por Mel Gibson. En 1982 autoeditan su primer álbum «Heavy Metal» siendo relanzado un año después por «Roof Records», titulándolo simplemente con el nombre de la banda, además de con una nueva portada. El grupo suaviza su sonido y sustituye a su vocalista por Michael Voss publicando en 1984 su segundo trabajo «Rollin´ Thunder», seguido un año después por «Stormchild» que presenta al nuevo batería Axel Kruse. En 1987 y con la salida del guitarrista Wilfried Schneider, se edita su mejor y más conocido trabajo «Night of Passion» donde Michel Voss pasas a ocuparse de la guitarra además de las voces. El álbum no tuvo el éxito esperado, los 90 se acercaban y la banda decide poner punto final a su carrera. En 1999 el guitarrista y fundador Jürgen Breforth y el vocalista Michael Voss se reúne y editan «Never Say Never», presentandose como una de las primeras bandas alemanas de rock cristiano. A este trabajo le seguirían «Night Of White Rock» de 2006, «White Sands» de 2007, «Another Night Of Passion» de 2012 e «Interceptor» de 2013 todos ellos con la formación clásica del 87. Tras algunos cambios de formación publican «35» y «Stormchild Rising» en 2018 y 2020 respectivamente. A finales de 2021 Michel Voss abandona el grupo justo antes de comenzar la gira donde la banda celebraba el 40 aniversario de su formación. Continuamos con uno de los miembros de la mítica formación que grabó aquel «Night of Passion», el batería Axel Kruse y lo hacemos con esta banda llamada Jaded Heart.

Banda alemana formada en 1990 por Michael Bormann y su hermano, el guitarrista Dirk Bormann, a quienes un año más tarde se les unieron el bajista Michael Muller y el ex batería de Mad Max, Axel Kruse. Tras la publicación de su álbum debut, Inside out, de 1994 se incorporó el teclista Chris Ivo. Poco después el guitarrista Dirk Bormann abandona el grupo siendo sustituido por Alex Beyrodt. En 1996 llegaría su segundo trabajo, «Slaves and Masters» un álbum que permaneció en el Top Ten japonés de importación durante cuatro meses. En 1997 el grupo pasa a ser un cuarteto con Michael Bormann asumiendo el papel de guitarrista y vocalista, publicando ese mismo año «Mistery Eyes». Barish Kepic entró como nuevo guitarrista para grabar en 1999 el cuarto álbum de la banda titulado «IV» y «The Journey Will Never End» de 2002 con la incorporación de Henning Wanner como nuevo bajista. Con esta formación se grabó en 2004 «Trust», último trabajo de Michael Bormann antes de ser despedido del grupo. En 2005 el cantante sueco Johan Fahlberg fue reclutado por Jaded Heart grabando ese mismo año “Helluva Time”. Tras la publicación del álbum el guitarrista Barish Kepic dejó la banda por motivos personales siendo sustituido en 2006 por el guitarrista sueco Peter Östros. Con esta formación grabaron dos álbumes más: “Sinister Mind” en 2007 y “Perfect Insanity” en 2009. Su décimo álbum, «Common Destiny», fue lanzado en la primavera de 2012, seguido en 2013, del CD/DVD «Live In Cologne». En 2014 el batería Axel Kruse abandona Jaded Heart y es sustituido por Bodo Stricker, además el grupo incorporó a Masahiro Eto como segundo guitarrista. Con ellos grabarían «Fight The System» de 2014, Guilty By Design de 2016 y “Devil´s Gift” lanzado el 30 de marzo de 2018. Su último álbum «Stand Your Ground» se lanzó en todo el mundo el 27 de noviembre de 2020. Uno de los varios guitarristas que han pasado por este grupo alemán, Alex Beyrodt, guitarrista entre otros de Primal Fear, Silent Force o Sinner nos lleva a la siguiente banda con la que colaboró en 2001 llamada Heavenly.

Heavenly, banda francesa de power metal cuyos orígenes se remontan a 1993 cuando el vocalista Benjamin Sotto y el batería Maxence Pilo deciden formar un grupo de versiones bajo el nombre de Satan´s Lawyer, cambiando al poco tiempo el nombre por el de Twilight para mas tarde, en 1994, convertirse en Heavenly. Bajo este nombre se presentan a un concurso de demos cuyo premio es un contrato discográfico con Noise Records. La banda sale ganadora del concurso y en 1999 firma con dicha compañía. Un año mas tarde, con la incorporación del guitarrista Chris Savourey y el bajista Laurent Jean, se publica su álbum debut «Coming from the Sky», no muy bien recibido por la crítica ya que su sonido era una copia más de Helloween, Gamma Ray y Iron Savior, por el contrario el álbum resultó ser un éxito entre los fans del power metal. Ben Sotto y Maxence Pilo deciden renovar la banda por completo incorporando a un teclista, Frédéric Leclercq, y sustituyendo al bajista Laurent Jean por Piere-Emmanuel Pelisson. Tras la gira Heavenly Chris Savourey se fue de la banda mientras Frédéric Leclercq asumía su papel como guitarrista de la banda. Con esta formación graban “Sign of The Winner”, publicado en 2001 y en el que aparece el guitarrista alemán Alex Beyrodt colaborando en dos temas. Esta vez el álbum consigue la aprobación tanto de los fans como de la critica. Antes de comenzar la gira Charley Corbiaux se unió como segundo guitarrista. A principios de 2004 se lanzó su tercer álbum, «Dust to Dust», convirtiendo a Heavenly en una de las principales bandas de power metal de Francia. Dos años mas tarde se publica “Virus” en donde hubo no solo un cambio de estilo musical sino también de algunos miembros de la banda: el guitarrista Frédéric Leclercq, el bajista Pierre-Emmanuel Pélisson y uno de los fundadores del grupo, el batería Maxence Pilo abandonarían Heavenly siendo reemplazados respectivamente por Olivier Lapauze, Matthieu Plana y Thomas Das Neves. Bajo el título “Carpe Diem” llegaría en 2009 el ultimo trabajo de Heavenly, en el que al igual que su predecesor, deja a un lado sus influencias power metal para adentrarse aun mas en sonidos mas progresivos. Desde entonces la banda permanece inactiva. Como dato curioso deciros que tras abandonar Heavenly el guitarrista Frédéric Leclercq se convirtió en bajista de esta banda británica llamada DragonForce.

DragonForce fue fundado en 1999 por los guitarristas Herman Li y Sam Totman, uniéndose a ellos el vocalista ZP Theart, el batería Matej Setinc, el bajista Steve Scott y el teclista Steve Williams. Tras algunos cambios de formación el bajista Diccon Harper se unió a la banda en noviembre de 2000, y el teclista Vadim Pruzhanov en febrero de 2001, completando la formación que grabaría su álbum debut, no sin antes cambiar el nombre del grupo de DragonHeart a DragonForce en 2002, año en que la banda firmó con Noise Records publicando un año después su álbum debut «Valley of the Damned». Diccon Harper interpretó las pistas de bajo del álbum, pero dejó la banda antes de su publicación debido a un problema en un tendón que requirió cirugía. El segundo álbum de estudio de DragonForce, «Sonic Firestorm» de 2004, logro aún más éxito que su álbum anterior, y contó con la incorporación de dos nuevos miembros el bajista Adrian Lambert y el batería Dave Mackintosh. Después de firmar con Roadrunner Records se lanza el 28 de diciembre de 2005 su tercer álbum, «Inhuman Rampage». El primer sencillo del álbum, «Through the Fire and Flames», que alcanzó el oro en EE.UU. y Canadá es sin duda su canción más famosa hasta la fecha apareciendo en los videojuegos «Guitar Hero III: Legends of Rock», «Guitar Hero: Smash Hits» y «Brütal Legend», así como contenido descargable para la franquicia «Rock Band». Antes del lanzamiento del álbum, Adrian Lambert dejó la banda para cuidar a su hijo recién nacido. La banda reclutó a Frédéric Leclercq para la gira convirtiéndose en miembro oficial de la banda tras el lanzamiento de «Inhuman Rampage». «Ultra Beatdown», cuarto álbum de estudio de la banda se publicó en agosto de 2008 alcanzando el numero 9 en Japón, el 19 en las listas australianas y el 18 en las lista de álbumes del Reino Unido y el Billboard 200 estadounidense. La canción «Heroes of Our Time» fue nominada al premio Grammy a la Mejor Interpretación de Metal, perdiendo ante «My Apocalypse» de Metallica. El 8 de marzo de 2010, se anunció que el vocalista ZP Theart se había separado de DragonForce debido a «diferencias insuperables de opinión musical». En septiembre de 2010 la banda lanzó su primer álbum en vivo, «Twilight Dementia» en formato doble Cd. El álbum fue grabado en noviembre y diciembre de 2009 en diecinueve espectáculos diferentes en el Reino Unido durante la gira mundial «Ultra Beatdown». El 2 de marzo de 2011, DragonForce anunció a su nuevo vocalista, Marc Hudson, un músico no profesional. Meses después debutaría con ellos abriendo para Iron Maiden. En 2012 y 2014 DragonForce publican «The Power Within» y «Maximum Overload» este ultimo lanzado en tres versiones: CD físico o digital estándar, CD físico o digital de edición especial (solo en Japón con cinco temas extra y un DVD extra) y vinilo. El 3 de junio de 2014 el batería Dave Mackintosh anunció su salida de la banda siendo reemplazado por Gee Anzalone. «In the Line of Fire… Larger than Live» el primer álbum en vivo de la banda que presenta imágenes filmadas profesionalmente en uno de sus conciertos fue lanzado en 2015 y grabado el 18 de octubre de 2014 en el Loud Park Festival. Este trabajo fue lanzado en los formatos DVD y Blu-ray, y ambas versiones incluyeron el CD de audio. En abril de 2016, DragonForce lanzó el recopilatorio «Killer Elite: the Hits, the Highs, the Vids» un CD doble con sus grandes éxitos además de un DVD que contenía los videos lanzados por la banda. El 10 de junio de 2019, después de más de dos años sin estar involucrado en DragonForce, Pruzhanov declaro que había dejado oficialmente la banda en mayo de 2018.[46] El 27 de septiembre de 2019, se publicó el octavo álbum de estudio de la banda, «Extreme Power Metal». El teclista de Epica, Coen Janssen, grabó los teclados para el nuevo álbum. En agosto de 2019, Frédéric Leclercq anunció que dejaría la banda para dedicarse a otros proyectos; mas tarde la banda confirmó al músico y Youtuber Steve Terreberry como su reemplazo para las fechas de la gira estadounidense de la banda. Terreberry finalmente se retiró de la gira antes de tocar un solo concierto debido a su ansiedad. El bajista de Once Human, Damien Rainaud, que también produjo «Extreme Power Metal», se hizo cargo de las tareas de bajista. En enero de 2020, Alicia Vigil se convirtió en la nueva bajista de la banda para los directos. En marzo, Gee Anzalone fue ingresado en el hospital con miocarditis y se vio obligado a faltar a la gira de DragonForce por Estados Unidos, siendo Aquiles Priester quien le sustituyó en la gira hasta que se canceló debido a la pandemia de COVID-19. En febrero de 2022 Vigil fue anunciada como miembro oficial de la banda. Con uno de los miembros de esta banda cerramos el circulo y este blog, el vocalista ZP Threat y su paso como vocalista de la banda que protagoniza este episodio, Skid Row, con la que me despido hasta un nuevo episodio. Un saludo!!!

Episodio Nº42

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Bienvenidos una vez mas a este blog dedicado al podcast Rock en Cadena. viajamos por sonidos «progresivos» de la mano de una de las bandas mas importantes dentro de este genero en su vertiente «metalera». Conocidos como uno de los «Tres Grandes» del género, junto con Dream Theater y Fates Warning, son considerados como uno de los líderes de la escena del metal progresivo de mediados y finales de la década de 1980. Ellos son Queensrÿche. Comenzamos.

De The Mob a Queensrÿche.

Los cimientos de Queensrÿche comenzaron a finales de la década de los 70. El guitarrista Michael Wilton y el guitarrista Chris DeGarmo tocaban juntos en una banda allá por 1979. En 1980, Wilton conoció al bateria Scott Rockenfield y formaron una banda llamada Cross+Fire donde hacían versiones de canciones de populares bandas de heavy metal como Iron Maiden y Judas Priest. Al poco tiempo, DeGarmo y el bajista Eddie Jackson se unieron a Cross+Fire, y el nombre de la banda fue cambiado a The Mob, sacado de la canción de Black Sabbath «The Mob Rules». Al necesitar un cantante para una actuación en un festival de rock local, reclutaron al líder de Babylon, Geoff Tate. Tras la separación de Babylon, Tate realizó algunos shows con The Mob, pero se fue porque no estaba interesado en realizar versiones de heavy metal. En 1981, la banda reunió el dinero suficiente para grabar una demo. Todavía sin un cantante, Tate se ofreció una vez más para ayudar, en contra de lo que pensaba su banda en ese momento, Myth. El grupo grabó cuatro canciones «Queen of the Reich», «Nightrider», «Blinded» y «The Lady Wore Black», esta última con una letra de Tate. Durante todo un año, llevaron su demo a varios sellos y fueron rechazados por todos. Finalmente, Kim y Diana Harris, propietarios de Easy Street Records, ofrecieron a The Mob un contrato de management. Sin embargo, como Tate mantuvo su compromiso de quedarse en Myth, la banda no tuvo mas remedio que buscar a otro cantante. Debido a que el nombre The Mob esta registrado, su manager los instó a elegir un nombre diferente. Según cuentan, se quedaron sin ideas y decidieron nombrar a la banda igual que la primera canción en su demo, «Queen of the Reich». La ortografía «Queensreich» se modificó para evitar la asociación de la banda con el nazismo; «ryche» que significa significar «reino», o «imperio» se pronuncia igual que la palabra alemana «Reich». Queensrÿche está escrito con diéresis sobre la letra «y».

Sus primeros álbumes.

«Unos jovencísimos Queensrÿche»

Uno de los representantes de la banda, Kim Harris, envió la demo y una foto de la banda a un amigo que escribía para la revista Kerrang!, dando como resultado una sorprendente y excelente critica por parte del periodista. Tras esta reseña y la expectación creada hacia ellos tanto en los Estados Unidos como en Europa, sus representantes lanzaron en 1983 la demo de Queensrÿche como un E.P. homónimo en su sello independiente «206 Records». Después de que el EP obtuviera elogios internacionales, recibiera mucha difusión en las radios y vendiera una cantidad inusual de copias para un pequeño lanzamiento independiente, Tate decidió dejar Myth y convertirse en el cantante principal de Queensrÿche.

En junio de 1983, durante uno de los conciertos que la banda dio como teloneros de Zebra en Portland y Seattle, su manager, Kim Harris, convenció al A&R de EMI-America Mavis Brodey para que asistiera a uno de esos espectáculos. Brodey ofreció a Queensrÿche un contrato con EMI, por 15 años y siete álbumes. EMI relanzó el E.P. «Queensrÿche» con un éxito moderado, alcanzando el puesto 81 en las listas de Billboard. La banda realizó una gira con Quiet Riot por el sur de Estados Unidos y con Twisted Sister por la costa este y Canadá, además de abrir para Dio en Seattle. Después de la gira el grupo viajó a Londres para grabar su primer álbum de larga duración. La banda trabajó con el productor James Guthrie, quien había trabajado con Pink Floyd y Judas Priest. Lanzado en septiembre de 1984, «The Warning», que alcanzó el puesto 61 en la lista de álbumes de Billboard, continuaba con el sonido de heavy metal clásico característico en los primeros tiempos de la banda. Aun así la banda no quedó satisfecha con la mezcla del álbum. En 2003 el vocalista Geoff Tate declaro:

«Pasamos 300.000 dólares por encima del presupuesto y el sello discográfico nos quitó el disco de las manos y se lo dio a otra persona para que lo mezclara. El tipo que mezcló el álbum no tenía ni idea de lo que era Queensrÿche. Nunca escuchó música hard rock y no aceptó la opinión de nadie en el banda. Simplemente lo mezcló de acuerdo a cómo pensó que debería sonar. Nadie en la banda podía escuchar ese disco. Todos lo odiábamos».

Ninguno de los sencillos lanzados llegó a las listas de EE.UU. pero la canción, «Take Hold of the Flame» fue un éxito para la banda fuera de su pais, particularmente en Japón. En apoyo del lanzamiento, Queensrÿche realizó una gira mundial desde agosto de 1984 hasta julio de 1985. Durante la parte estadounidense de su gira, fueron los teloneros de Kiss en su «Animalize Tour de 1984–85» y de Iron Maiden en su gira «1984–85 World Slavery Tour», mientras que en Europa abrieron para Dio en su gira «The Last in Line» de 1984 y para Accept en su gira «Metal Heart» en 1985. «Rage for Order», lanzado en 1986, introdujo un aspecto y un sonido mucho más pulidos para Queensrÿche, mientras que la dirección de la banda los presionaba para que adoptara una imagen más asociada al glam metal que dominaba las listas de éxitos.

«Realmente íbamos con esa imagen y fallamos miserablemente».

Tate acerca de la imagen «glam» del grupo
«El habito no hace al monje

Sin embargo, el álbum en sí era un poco más progresivo que los lanzamientos anteriores de la banda, con una estructura musical compleja y con coros y con teclados casi tan presentes como las guitarras. El grupo filmó un video para la canción «Gonna Get Close to You», escrita y grabada originalmente en 1984 por Dalbello (una vocalista canadiense de pop/rock). Algunas pistas grabadas durante las sesiones de Rage for Order no se utilizaron en el álbum, «Prophecy» se lanzó como cara B de «Gonna Get Close to You» y luego se incluyó en la reedición de 1989 del E.P. «Queensrÿche». Otras canciones como «From the Darkside» y «The Dream» quedaron como demos. La canción «Rage for Order» fue escrita (y grabada en demo) para el álbum, pero no se incluyó en el lanzamiento final. El riff principal de esta canción se convirtió en una pieza instrumental que se tocó durante algunos shows de la gira en apoyo de este álbum y, finalmente, se transformó en la pista «Anarchy-X» de su siguiente álbum.

«Una de las primeras ediciones. Es cierto que las letras no se ven bien»

«Rage for Order» fue la primera portada de un álbum de Queensrÿche en presentar de manera destacada el logotipo de la banda: «Tri-Ryche» , como lo harían casi todas las portadas de álbumes posteriores, cada vez con cambios mas sutiles realizados en el logotipo. En principio la portada del álbum solo se utilizaría para un picture disc de 12 «, que nunca se editó, pero EMI-America lo usó sin permiso para la portada del álbum. Unos pocos miles de copias iniciales llevan un estandarte plateado/azulado que luego se cambió a negro, con el fin de facilitar la lectura del artista y el título. La edición casete también tenía todos los detalles dorados en la portada cambiados a blanco. Los C.Ds que llevan la tapa del anillo azul son aún más raros. Solo se imprimieron unos pocos cientos de copias antes de que el anillo se cambiara a negro. Queensrÿche salió de gira como teloneros de AC/DC, Bon Jovi, Ozzy Osbourne y Ratt, tocando con otras bandas como Black ‘n Blue, Fates Warning, Gang Green, Keel y Raven.

Días de éxito.

En 1988, Queensrÿche lanzó «Operation: Mindcrime», un álbum conceptual con un gran éxito comercial y de crítica. La historia del álbum gira en torno a un drogadicto llamada Nikki, un drogadicto desilusionado con la sociedad corrupta de su tiempo y enrolándose en un grupo revolucionario como asesino de líderes políticos. Nikki está dividido por su lealtad a la causa y su amor por Mary (la cantante Pamela Moore ponía voz al personaje) , una prostituta reformada convertida en monja, que se interpone en su camino. El estilo de metal progresivo de la banda se desarrolló completamente en este álbum. Queensrÿche realizó una gira durante gran parte de 1988 y 1989 con varias bandas, incluidas Def Leppard, Guns N ‘Roses y Metallica. El álbum fue certificado oro a principios de 1989, y platino dos años después. Los sencillos «Eyes of a Stranger» y «I Don’t Believe in Love» le dieron a Queensrÿche sus primeros éxitos en las listas de Estados Unidos. Ese mismo año se publicó el VHS «Video: Mindcrime» , donde se interpreta todo el álbum a modo de videoclips intercalándolos con imágenes que narran la historia.

El lanzamiento de «Empire» de 1990 llevó a Queensrÿche a la cima de su popularidad. El álbum alcanzó el puesto número 7 y vendió más de tres millones de copias en los Estados Unidos, más que sus cuatro lanzamientos anteriores juntos, y fue certificado plata en el Reino Unido. El sencillo principal, la balada «Silent Lucidity», alcanzó el número 1 en Mainstream Rock Tracks y el número 9 en Billboard Hot 100.»Silent Lucidity» también fue nominada en 1992 a los Premios Grammy a la Mejor Canción de Rock y Mejor Interpretación Vocal de Rock por un Dúo o Grupo. La gira posterior fue la primera gira completa con Queensrÿche como grupo principal (la banda había encabezado previamente una gira en Japón en apoyo de «Operation: Mindcrime» , además de algunos espectáculos en clubes y teatros de EE.UU. entre 1984 y 1988, y en el Reino Unido en 1988). El grupo usó condición de cabeza de cartel para interpretar «Operation: Mindcrime» en su totalidad, así como canciones de «Empire». El espectáculo en el escenario contó con video, animación y la cantante invitada Pamela Moore como la hermana Mary. La gira duró 18 meses, más que cualquier gira que la banda haya realizado antes o después. La gira también agregó una página negra a la historia de la banda, cuando el 20 de noviembre de 1990 durante un show en Bélgica, un fan estadounidense apuñaló durante una pelea a un fan belga en el pecho causándole la muerte. El tour manager de Queensrÿche detuvo inmediatamente el espectáculo ya que la banda solo llevaba siete canciones interpretadas. Ese mismo año se lanzó un álbum en vivo, grabado del 10 al 12 de mayo de 1991, bajo el titulo de «Operation: Livecrime». La gira también incluyó una aparición en MTV Unplugged el 27 de abril de 1992.

Nuevos tiempos, malos tiempos.

Tras tomarse un tiempo libre para descansar de la gira «Building Empires» y alejarse de otros problemas personales, la banda lanzó «Promised Land» en octubre de 1994, un álbum oscuro e intensamente personal, que reflejaba el estado mental de la banda en ese momento. Aunque el álbum debutó en el número 3 y finalmente fue certificado platino, no logró el éxito comercial que tuvo su anterior trabajo. Al igual que muchos otros grupos de heavy metal y hard rock, el éxito comercial de Queensrÿche se desvaneció con el aumento de la popularidad de géneros como el rock alternativo y el grunge. Queensrÿche lanzó su sexto álbum de estudio, «Hear in the Now Frontier», en marzo de 1997, con una recepción mixta de crítica y fans. El álbum debutó en el puesto 19 pero rápidamente desapareció de las listas. Toby Wright , quien produjo el álbum homónimo de 1995 de Alice in Chains, fue contratado como ingeniero. El resultado fue un sonido más seco y totalmente diferente a cualquier cosa que la banda haya lanzado. El sonido de guitarra, batería y voz que se había convertido en sinónimo de Queensrÿche había desaparecido, reemplazado por un estilo mucho más simple y menos poderoso. La canción «All I Want» cuenta con el guitarrista Chris DeGarmo en la voz principal, la única vez hasta la fecha que un miembro de la banda, además del vocalista principal, canta en un álbum. Además de las pobres ventas del álbum el grupo sufrió una serie de contratiempos, menos de un mes después de comenzar la gira, Tate enfermó gravemente y la banda se vio obligada a cancelar las fechas de los conciertos por primera vez. También durante la gira, su sello de toda la vida, EMI Records USA quebró y se fusionó con Virgin Records America. Queensrÿche se vio obligado a usar su propio dinero para financiar el resto de la gira. La banda tocó algunos shows en diciembre en América del Sur debido a obligaciones contractuales, y fue durante este tiempo, a finales de 1997, cuando el miembro fundador Chris DeGarmo anunció que dejaba Queensrÿche. Sin embargo, su partida no fue anunciada al público hasta el 24 de enero de 1998. Los miembros de la banda mencionaron más tarde el agotamiento y el deseo de perseguir intereses fuera de Queensrÿche como razones de su partida. Después de dejar Queensrÿche, DeGarmo comenzó una carrera como piloto profesional de aviones comerciales.

«Quería dedicarse a otras cosas. Sentía que había hecho lo que quería musicalmente en su vida y quería seguir adelante».

Rockenfield sobre la marcha de DeGarmo.
«Kelly Gray (segundo por la derecha) con unos renovados Queensrÿche»

DeGarmo fue reemplazado por el guitarrista y productor Kelly Gray, quien fuera guitarrista de Myth, banda en la que Tate militó antes de unirse a Queensrÿche. «Q2K» lanzado el 14 de septiembre de 1999 fue el primer álbum con su nuevo sello, Atlantic Records. Musicalmente se parecía poco al metal progresivo de antaño de la banda, con un sonido similar al de «Hear in the Now Frontier». La disminución de su popularidad obligó a la banda a realizar giras en clubes y teatros, en lugar de en los estadios y anfiteatros al aire libre donde tocaban antes.

En 2000 Queensrÿche lanza «Greatest Hits», un álbum recopilatorio que incluía material de todos los lanzamientos de estudio de la banda hasta 1997 (se excluye Q2K de 1999), así como la cara B de 1997 «Chasing Blue Sky» y una versión alternativa de  «Someone Else?» con la banda al completo (la original contaba con Tate en la voz y DeGarmo en el piano). Ese mismo año, Queensrÿche se embarcó en otra gira, esta vez abriendo para Iron Maiden. Esto permitió a la banda tocar en el Madison Square Garden por primera vez. Descontentos con la falta de apoyo por parte de Atlantic Records, Queensrÿche fichó por Sanctuary Records en 2001. En julio de ese año, la banda realizó varias fechas en el Teatro Moore en Seattle, Washington. Los conciertos fueron grabados y lanzados en septiembre de 2001 como Live Evolution, el segundo álbum en vivo de la banda. En el C.D., las pistas se recopilaron en suites, que representan diferentes momentos de la producción de la banda e incluyen una gran parte del álbum «Operation: Mindcrime». El DVD contiene imágenes filmadas en los mismos conciertos y presenta menos canciones. El guitarrista Kelly Gray fue despedido de la banda en mayo de 2002, al parecer debido a continuos problemas provocados por sus «malos hábitos».

En abril de 2003, el grupo anuncio que Chris DeGarmo se unió a ellos para colaborar en su nuevo álbum, aunque su futuro con la banda no se aclaró. El 22 de julio Queensrÿche lanzó «Tribe», primer y único álbum con el sello Sanctuary, producido por la propia banda. Con una fecha límite para entregar el álbum sumado a las tensas relaciones internas de la banda, se hizo una llamada al ex guitarrista Chris DeGarmo para ver si estaba interesado en contribuir con canciones al proyecto. Después de una reunión con Geoff Tate, aceptó y participó en las sesiones de escritura, contribuyendo con la música de varias canciones, coescribiendo la música de dos temas, y grabando partes de guitarra. A pesar de participar en una sesión de fotos con la banda y planea actuar en la etapa europea de la gira, DeGarmo se retiró de las sesiones antes de que se completara la grabación del álbum. Esto fue debido a los mismos problemas interpersonales similares que dieron como resultado su salida de la banda en 1997. Tras el lanzamiento del álbum, Sanctuary Records tergiversó la participación de DeGarmo como una «reunión» con Queensrÿche, algo que se vio como una campaña para incrementar las pobres ventas del álbum.

«Mike Stone (izqd), el nuevo compañero de Wilton»

Queensrÿche reemplazo a Gray por Mike Stone, quien acompañó a la banda en la gira Tribe como segundo guitarrista, aunque nunca fue miembro de pleno derecho de la banda. En junio de 2003, Queensrÿche comenzó una gira conjunta con Dream Theater. Las dos bandas alternaron los espacios de apertura y cierre, acabando los conciertos tocando algunas canciones juntos. Fates Warning fue el invitado especial de la gira. Una grabación de esta gira fue lanzada en 2004 como «The Art of Live» en C.D y DVD. La lista de canciones de ambos lanzamientos es casi idéntica, aunque el DVD omite «Anybody Listening?» e incluye dos versiones: «Comfortably Numb» (Pink Floyd) y «Won’t Get Fooled Again» (The Who), interpretadas junto a Dream Theater. El metraje del DVD está filmado íntegramente en sepia, algo que decepcionó tanto a los fans como a la critica.

Ante el anuncio de una secuela de «Operation: Mindcrime» la banda salió a la carretera en el otoño de 2004 con la gira «An Evening With Queensrÿche», donde interpretaban algunos grandes éxitos, seguido de un nuevo show de «Operation: Mindcrime» con actores en vivo y videos; Pamela Moore repitió su papel de la hermana Mary. La segunda etapa de la gira comenzó a principios de 2005. Antes de embarcarse en una tercera etapa en el otoño de 2005, Queensrÿche realizó una gira con Judas Priest por toda América del Norte. «Operation: Mindcrime II» se lanzó el 4 de abril de 2006 en los Estados Unidos, el 29 de marzo en Japón, el 31 de marzo en Alemania y el 3 de abril en el resto del mundo. El álbum fue el primero de Queensrÿche para su nuevo sello, Rhino Entertainment, con el que firmó un año antes. Ronnie James Dio proporcionó la voz de Dr. X, el villano de «Operation: Mindcrime I y II». El álbum debutó en el puesto 14, la posición más alta en las listas de éxitos para un álbum de Queensrÿche desde 1997. El álbum retoma la historia de su precuela, en la que Nikki había sido encarcelado por el asesinato de la hermana Mary, pero dieciocho años después, cuando Nikki sale de prisión y comienza a planear su venganza contra el Dr. X, que había tratado a Nikki como su títere. El productor del álbum el productor Jason Slater reveló años mas tarde que aparte de Tate y Mike Stone el resto de miembros de la banda aportaron muy poco al álbum. La mayoría de la música fue grabada por músicos de estudio debido a los problemas entre Tate y el resto de banda, reacios a continuar la historia original de Mindcrime y totalmente en desacuerdo con la idea de una secuela. El batería Scott Rockenfield no tocó en el álbum, además, la mayoría de las guitarras, incluidas las pistas de Michael Wilton, fueron regrabadas por el ingeniero Mitch Doran. Algunas de las pistas de bajo utilizadas en el álbum son grabaciones de demos interpretadas por Slater, mientras que la pista de batería de «I’m American» es una grabación MIDI realizada por Doran que originalmente no estaba destinada a usarse en el álbum. El grupo se embarcó en una gira como cabeza de cartel. La gira contó con presentaciones de ambos álbumes de «Mindcrime» en su totalidad. Dio apareció en el espectáculo del Anfiteatro Gibson en Universal City, California para interpretar su voz como Dr. X en el tema «The Chase», en los otros espectáculos aparecía en una pantalla de video. La aparición de Dio fue grabada e incluida como extra en el C.D/DVD de 2007 «Mindcrime at the Moore», grabado en vivo en octubre de 2006 durante las tres noches que Queensrÿche actuó en The Moore Theatre de Seattle. El grupo interpretó «Operation: Mindcrime I y II» en su totalidad, con el apoyo de un elenco de actores y del Seattle Seahawks Drumline. En el DVD se incluye un documental de la gira, otro sobre el paseo en motocicleta «Rock & Ride Across America» ​​de la banda para la Fundación benéfica VH1 Save The Music.

«Sign of the Times», un nuevo grandes éxitos, fue lanzado el 28 de agosto de 2007 junto a una edición especial para coleccionistas que incluía un disco adicional con varias demos, grabaciones en vivo y una nueva canción, «Justified», con Chris DeGarmo a la guitarra. El 13 de noviembre de 2007, la banda lanzó un álbum de covers titulado «Take Cover». El álbum contiene versiones de canciones de Queen, U2, The Police, Black Sabbath, Peter Gabriel y Pink Floyd. El 3 de febrero de 2009, Stone anunció su marcha de Queensrÿche para centrarse en su proyecto paralelo Speed-X, aunque más tarde declaraciones judiciales revelaron que Geoff y Susan Tate lo despidieron sin discutir su decisión con los otros miembros de la banda por «hacer demasiadas demandas». «American Soldier», undécimo álbum de estudio de la banda fue lanzado el 31 de marzo de 2009. Tras la salida de Mike Stone, este álbum fue el primero en ser grabado íntegramente por Queensrÿche como cuarteto. «American Soldier» es un álbum conceptual que gira en torno a las vidas y experiencias de aquellos que sirven o han servido en las fuerzas armadas de los Estados Unidos especialmente en la guerra de Irak. El álbum debutó en el puesto 25 en la lista Billboard 200.

«Wilton, Lundgren, Tate, Rockenfield y Jackson (de dch a izd)»

Parker Lundgren (quien tocó en la gira en solitario de Tate y además de ser novio de la hijastra de Tate, Miranda) reemplazó a Stone en la gira posterior. En noviembre de 2010, Queensrÿche realizó varios espectáculos para las tropas estadounidenses destinadas en Irak. El 28 de junio de 2011 se lanza «Dedicated to Chaos» bajo el sello Roadrunner/Loud & Proud Records, con quienes la banda había firmado en 2010. El álbum fue un cambio drástico en comparación a trabajos anteriores, con un mayor énfasis en el bajo y la batería, dejando en un segundo plano a la guitarra. El álbum recibió críticas mixtas, convirtiéndose en el álbum de la banda que mas bajo llego en las listas de ventas.

Los problemas estallan.

En una reunión de la banda el 12 de abril de 2012, a la que Tate no asistió, se despidió tanto a la hijastra de Tate, Miranda, que dirigía el club de fans, como a su esposa Susan, mánager de la banda desde 2005. Dos días después, antes de la prueba de sonido de un show en São Paulo, Brasil, Tate tuvo una discusión con los otros miembros sobre el despido de sus familiares, la discusión fue a mas con Tate derribando la batería, lanzando varios puñetazos y agrediendo físicamente y escupiendo a Rockenfield y Wilton. En el transcurso de los siguientes tres shows de la banda, Wilton, Rockenfield y Jackson vieron que Tate continuaba portándose mal y llegaron a la conclusión de que ya no podían trabajar o actuar con el vocalista. El 5 de junio convocaron una reunión de la banda, Tate que participaba telefónicamente, abandonó la reunión, tras lo cual los otros miembros de la banda votaron decidieron expulsar a Geoff Tate de la banda y continuar usando el nombre de Queensrÿche con un nuevo cantante, lo que llevó a Tate a emprender acciones legales.

«Durante los últimos tres años, llegamos a un punto en el que básicamente ya no teníamos voz en la banda. Todo estaba a cargo del cantante y su manager, la esposa».

Michael Wilton

Mientras Tate trabajaba en un próximo álbum en solitario, los otros miembros de Queensrÿche comenzaron un proyecto paralelo que finalmente se convirtió en «Rising West». Con una nueva oficina de management Queensrÿche firmó con Century Media. Aun en busca de un líder para el proyecto sin nombre en ese momento, Wilton recomendó a Todd La Torre a sus compañeros de banda. La banda escuchó algunas de las demos de La Torre en YouTube, y «se la jugó» reservando y anunciando dos shows en el Hard Rock Cafe de Seattle el 8 y 9 de junio de 2012, incluso antes de que La Torre conociera a los miembros de la banda. El proyecto inicialmente se llamaría West, que representaba a los cuatro miembros de la banda (Wilton, Eddie, Scott y Todd), pero luego pasó a llamarse Rising West por sugerencia de Jackson, que reflejaba la sensación de que el proyecto era algo «realmente nuevo», además, los miembros de la banda vivían en la costa oeste y ya que Lundgren también iba a participar en el proyecto el acrónimo «West» no tenia demasiado sentido. Mientras tanto, Tate, junto con su esposa, siguieron adelante con la demanda que habían presentado contra sus excompañeros de banda, reclamando el despido ilegal y una orden judicial preliminar para evitar que tanto él como los demás miembros de la banda usaran el nombre de Queensrÿche hasta que se resolviera el problema. El tribunal superior del estado de Washington rechazó esta moción el 13 de julio de 2012, también denegó una contra-moción para un juicio sumario preliminar presentado por la defensa (Wilton, Jackson y Rockenfield), estos fallos permitieron a ambas partes usar la marca Queensrÿche hasta que un fallo judicial o un acuerdo aclararon el asunto. Tras este veredicto, ambas partes realizaron giras entre junio de 2012 y abril de 2014 bajo el nombre de Queensrÿche, una compuesta por los miembros restantes de Queensrÿche liderados por La Torre, y la otra con Tate con su propia formación. Además, ambas versiones del grupo lanzaron álbumes de estudio durante este tiempo. Queensrÿche (los «originales) lanzaron su álbum homónimo a través de Century Media en formato digital y en CD (edición estándar y de lujo) y LP el 24 de junio en Europa, el 25 de junio de 2013 en Estados Unidos y Canadá, y el 21 de agosto en Japón a través de Avalon Records. El álbum, que era un regreso al sonido de la banda en los años 80 y principios de los 90, alcanzó el puesto 23 en la lista Billboard 200 permaneciendo durante tres semanas en las listas.

Finalmente el 17 de abril de 2014 se llegó a un acuerdo, publicándose el 28 de abril de 2014 una declaración de ambas partes. La ​​declaración anunciaba que Tate perdía la marca Queensrÿche ante Rockenfield, Wilton y Jackson, quienes junto con La Torre y Lundgren serián «la única banda que grabe y esté de gira como Queensryche«, mientras que el ex vocalista Tate solo tiene derecho a tocar «Operation: Mindcrime» y «Operation: Mindcrime II» en su totalidad «en presentaciones únicas». El segundo álbum de estudio grabado con el vocalista Todd La Torre, «Condition Hüman» fue lanzado el 2 de octubre de 2015. En las semanas previas al lanzamiento del álbum, la banda realizó una gira por América del Norte junto a Scorpions. Después del lanzamiento del álbum, la banda se embarcó en una gira por los Estados Unidos a principios de 2016, y una gira europea en septiembre de ese año. En octubre de 2016, la banda actuó en Australia y el Lejano Oriente. El 28 de marzo de 2017, la banda anunció que Rockenfield tomaría una «baja» por paternidad para cuidar a su hijo recién nacido, y que el batería de Kamelot, Casey Grillo, ocuparía su lugar para las próximas fechas en vivo. En agosto de 2018, el guitarrista Mike Stone regresó durante un par de meses reemplazando a Parker Lundgren, quien tenía «asuntos personales» de los que ocuparse. Su siguiente trabajo, «The Verdict», fue lanzado el 1 de marzo de 2019. El vocalista Todd La Torre grabó las partes de batería del álbum debido a la ausencia del batería Scott Rockenfield. El álbum tiene todas las características de los primeros clásicos de la banda: el poder del heavy metal y la delicadeza del rock progresivo, las armonías de guitarras y la voz cristalina. Rockenfield anunció su regreso a primeros de mayo de 2021 tras reaparecer en enero afirmando que no había dejado la banda, si embargo, en agosto de ese mismo año el guitarrista Michael Wilton confirmó que el batería Scott Rockenfield no volvería a la banda. Meses mas tarde Scott Rockenfield presentó una demanda contra sus antiguos compañeros Michael Wilton y Eddie Jackson, a las mujeres de ambos y a varias compañías relacionadas con la banda, Queensrÿche Holdings, LLC y Tri-Ryche Cooperation, Inc. Rockenfield acusó a los demandados de incumplimiento de contrato, presiones al accionista, despido injusto, ruptura del acuerdo de artistas y violación del acta de los derechos de personalidad de Washington, además de acusar a Wilton y Jackson de despedirle. En julio de 2021, Parker Lundgren anunció que había dejado la banda para dedicarse a «otras empresas comerciales». Mike Stone lo reemplazó en la gira posterior y luego se reincorporó como miembro de la banda. El 20 de mayo de 2022, la banda anunció que su nuevo álbum se titularía «Digital Noise Alliance» y que se lanzaría el 7 de octubre.

Logo Tri-ryche

«Uno de los símbolos mas reconocidos del Heavy Metal»

El logo de Queensrÿche, el llamado Tri-Ryche (escrito sin diéresis en la ‘y’), proviene de los primeros años de la banda. El artista Wes «Grizz» Griswold, que hizo la portada para el E.P. «Queensrÿche», solía firmar su trabajo con un garabato transformado a partir de un dibujo tosco de un halcón peregrino, esta «firma» también se usó para el escenario y el telón de fondo de la primera gira de Queensrÿche que el mismo diseñó. Tras la firma de la banda con la compañía discográfica, esta, adoptó la «firma» como el logotipo de la banda. A pesar de todo, el Tri-Ryche nunca ha sido registrado como marca registrada por Queensrÿche debido a una larga controversia sobre quién creó realmente el Tri-Ryche. Todd Rockenfield, el hermano del batería de Queensrÿche, quien diseñó el tipo de letra de la palabra «Queensryche» en la parte delantera y trasera del E.P., afirmó que el diseño del Tri-Ryche en su forma final era suyo, y que la banda reconoce su papel en el desarrollo del Tri-Ryche. El Tri-Ryche ocupa un lugar destacado en la mayoría de las portadas de los álbumes de Queensrÿche.

La banda ha lanzado 15 álbumes de estudio, un EP y varios DVDs y VHS, vendiendo más de 20 millones de álbumes en todo el mundo, incluidos más de 6 millones de álbumes en los Estados Unidos. Se les considera uno de los líderes de la escena del metal progresivo de mediados a finales de la década de 1980. La banda ha recibido tres nominaciones a los premios Grammy. En 1998, el batería Scott Rockenfield recibió una nominación individual al Grammy en la categoría de «Mejor video de formato largo» por un trabajo de música y video llamado «TeleVoid». Rockenfield es el fundador de Hollywood Loops, empresa especializa en efectos de sonido para la composición de películas, televisión y videojuegos. Rockenfield compuso y grabó pistas de batería para el videojuego «Call of Duty: Black Ops» y compuso la banda sonora del tráiler de las películas «After Earth» y «RoboCop». También es propietario de «RockenWraps», empresa que suministra hardcase de batería personalizados a artistas y compañías de baterías. En 2001, Rockenfield participo en un proyecto llamado Slave to the System.

Banda formada en 2000 por el batería Scott Rockenfield y el guitarrista Kelly Gray, tras el descanso de Queensrÿche, su banda en ese momento, después de terminar una gira de 6 meses en apoyo del álbum «Q2K». Gray había trabajado con la banda Brother Cane y sugirió al cantante y guitarrista Damon Johnson y al bajista Roman Glick que se unieran al proyecto completando la banda con el guitarrista Scott Heard. El nombre Slave to the System describe el efecto de las grandes compañías discográficas en la música de un artista reflejando la insatisfacción de los miembros de la banda con la industria musical. La banda envió demos a varios sellos discográficos tratando de negociar un contrato discográfico, al no obtener respuesta Slave to the System lanzó de forma independiente su álbum homónimo en 2002. En febrero de 2004, Heard se fue por razones no reveladas y continuaron como un cuarteto. En 2005, Slave to the System firmó con Spitfire Records, que hizo una nueva remezcla y remasterizo el álbum lanzándolo el 21 de febrero de 2006 además de incluir dos canciones nuevas. Ese mismo año, Johnson afirmó que el segundo álbum de la banda ya estaba terminado, pero hasta la fecha, ha permanecido inédito. El álbum recibió run buen apoyo en la radio y sus ventas llevaron el álbum al número 25 en las listas, mientras que su primer sencillo alcanzó el puesto 33 en las categorías Hot Mainstream Rock Tracks y Mainstream Rock. Durante la pequeña gira que la banda realizó por el sur y el medio oeste de Estados Unidos otros músicos reemplazaron a Glick y Rockenfield en algunos de los shows, debido a compromisos previos con otras bandas. En 2008, la banda lanzó dos nuevas canciones a través de MySpace, desde entonces no hay noticias del grupo. Uno de los miembros de Slave to the System, el cantante y guitarrista Damon Johnson nos lleva a nuestro siguiente protagonista, ya que Johnson además de formar parte de esta banda fue cofundador en la década de los 90 de Brother Cane, miembro de la banda de Alice Cooper, cofundador y guitarrista principal del grupo de hard rock Black Star Riders de 2012 a 2018, grabar discos en solitario y lanzado varios álbumes en solitario y componer para muchos artistas, incluidos Stevie Nicks, Carlos Santana y este famoso vocalista llamado Sammy Hagar.

Sammy Hagar conocido como «The Red Rocker», cantante y guitarrista que saltó a la fama a principios de la década de 1970 con la banda de hard rock Montrose. Posteriormente lanzó una exitosa carrera en solitario, logrando un éxito en 1984 con el tema «I Can’t Drive 55». En 1985 reemplazó a David Lee Roth como cantante principal de Van Halen, abandonando el grupo en 1996 regresando en 2003 para de nuevo irse en 2005. El 12 de marzo de 2007, Hagar fue incluido en el Rock and Roll Hall of Fame como miembro de Van Halen. Como empresario, Hagar fundó cadena de restaurantes y la marca de tequila «Cabo Wabo», así como el ron «Sammy’s Beach Bar». Hagar también es el presentador de «Rock & Roll Road Trip with Sammy Hagar» en el canal de televisión por cable AXS TV. Actualmente Hagar es el cantante principal de Chickenfoot y Sammy Hagar and the Circle. En 1997 Sammy Hagar lanzó «Marching to Mars», su décimo álbum de estudio y su primer álbum en solitario tras su incorporación a Van Halen. El álbum fue publicado por MCA Records, que en ese momento había adquirido su antiguo sello, Geffen Records. El sencillo «Little White Lie» fue un gran éxito, encabezando la lista de pistas de Mainstream Rock durante cinco semanas. El álbum cuenta con numerosas colaboraciones, entre ellas la de los miembros de Montrose, el mencionado anteriormente Damon Johnson, los baterías Denni Carmasi y Matt Sorum o el guitarrista Slash. Entre los temas del álbum se encuentra «Amnesty Is Granted» escrita mientras Hagar aún estaba en Van Halen, y que anteriormente fue grabada por el tristemente fallecido, Meat Loaf.

Meat Loaf, cantante, compositor y actor estadounidense reconocido por su poderosa y amplia voz y por sus espectáculos teatrales y que nos dejaba el 20 de enero de 2022. Meat Loaf está en la lista de los artistas musicales más vendidos. Su trilogía «Bat Out of Hell» — «Bat Out of Hell» (1977), «Bat Out of Hell II: Back into Hell» (1993) y «Bat Out of Hell III: The Monster Is Loose» (2006) — ha vendido más de 65 millones de álbumes en todo el mundo. El primer álbum permaneció en las listas durante más de nueve años, y todavía vende aproximadamente 200.000 copias al año siendo uno de los discos mas vendidos de la historia. Después del éxito de sus dos primeros «Bat Out of Hell» y de ganar un premio Grammy a la Mejor Interpretación Solista Vocal de Rock por la canción «I’d Do Anything for Love», la carrera de Meat Loaf experimentó un descenso de popularidad dentro de los Estados Unidos, sin embargo en Europa su éxito aumento, especialmente en Gran Bretaña e Irlanda. En 1994 recibió el Brit Award en el Reino Unido por álbum y sencillo más vendido. Marvin Lee Aday (su verdadero nombre) apareció en más de 50 películas y programas de televisión, en ocasiones interpretándose a si mismo y otras con personajes que se asemejan a su rol en el escenario. Sin duda su papel mas importante fue el de Eddie en «The Rocky Horror Picture Show» (1975) tanto en la película como en la obra de teatro de Broadway. También apareció en el musical «Hair», tanto dentro como fuera de Broadway. El álbum donde aparecía el tema compuesto por Sammy Hagar, «Welcome to the Neighborhood» se lanzo en 1995 tras el mega éxito «Bat Out of Hell II: Back into Hell». El álbum fue platino en los Estados Unidos y el Reino Unido. Este trabajo esta catalogado como un álbum conceptual, ya que todas las canciones cuentan una historia sobre una relación a lo largo de los años. Se lanzaron tres sencillos que alcanzaron los números 2, 7 y 21 en las listas del Reino Unido, dos de ellos fueron escritos por Diane Warren. De las doce canciones del álbum, dos son versiones de canciones de proyectos de Jim Steinman, el colaborador de Meat Loaf ; «Original Sin» apareció por primera vez en el álbum «Original Sin» de Pandora’s Box y «Left in the Dark» apareció por primera vez en el propio álbum de Steinman «Bad for Good». El álbum cuenta con la colaboración de Sammy Hagar y Steven Van Zandt (Little Steven, miembro de la E Street Band de Bruce Springsteen) además de su banda de directo The Neverland Express con Pat Thrall a la guitarra y Patti Russo como vocalista femenina y músicos de estudio como el guitarrista Tim Pierce o el batería Kenny Aronoff, miembro de la banda de John Cougar durante 17 años y que a lo largo de su carrera, ha realizado giras o grabado con artistas como Smashing Pumpkins, Bob Seger, Willie Nelson, John Fogerty , Tony Iommi, Stryper, Jerry Lee Lewis y este otro archiconocido vocalista llamado Jon Bon Jovi.

Jon Bon Jovi, cantante, compositor, guitarrista y actor mundialmente conocido como el fundador y líder de la banda de rock Bon Jovi. En 1990, Jon Bon Jovi grabó la banda sonora de la película «Young Guns II». Su amigo, el actor Emilio Estévez, le pidió «prestada» la canción «Wanted Dead or Alive» como tema principal de su próxima película, Jon creía que la letra de la canción no era la apropiada; sin embargo, se inspiró en el guion y decidió escribir una nueva canción para la película que estuviera más acorde con la época y el escenario. La canción fue «Blaze of Glory» que interpretó con guitarra acústica en el desierto de Nuevo México para Estévez y John Fusco (director de la película), el tema gustó tanto que la productora le encargó la B.S.O., lo que termino convirtiéndose en el primer álbum en solitario de Jon Bon Jovi. El álbum contó con invitados como Elton John, Little Richard y Jeff Beck además de músicos de la talla de Kenny Aronoff, Robbin Crosby (Ratt) o Randy Jackson. El álbum alcanzó el puesto número 3 en el Billboard 200 y el número 2 en la lista de álbumes del Reino Unido. La canción principal «Blaze of Glory» fue lanzada como el primer sencillo y alcanzó el número 1 en las listas Billboard Hot 100 y Mainstream rock . «Miracle», el segundo sencillo, se ubicó en el puesto 12 en el Billboard Hot 100 y en el puesto 20 en las listas de rock de Mainstream mientras que el tercer sencillo «Never Say Die» entró en las listas de Australia, Canadá y Polonia, pero no en los EE.UU. En 1991, «Blaze of Glory» ganó un premio al sencillo favorito de pop/rock en los American Music Awards además de conseguir un Globo de Oro. La canción también le valió una nominación a los Oscar de Hollywood y dos nominaciones a los Premio Grammy como Mejor interpretación vocal masculina de rock y Mejor canción escrita para medios visuales. En 1991, Jon Bon Jovi fundó su propio sello, Jambco Records, y produjo el álbum «Blood on the Bricks» de Aldo Nova y el álbum «Pretty Blue World» de Billy Falcon, anteriormente Jon había producido y escrito junto a su compañero en Bon Jovi, Richie Sambora un tema para el grupo soviético Gorky Park.

En 1987, el guitarrista Alexey Belov, el vocalista Nikolay Noskov, el bajista Alexander «Big Sasha» Minkov, el guitarrista Yan Yanenkov y el batería Alexander Lvov se unieron para formar Gorky Park. Stas Namin, un famoso músico soviético de la década de los 70, se convirtió en el mánager de la banda. Gracias a la «Perestroika», impulsada en esos años, muchas bandas de rock pudieron salir de la clandestinidad ganando así mucha mas popularidad. Ese mismo año, la banda se fue de Rusia a los Estados Unidos en busca de un contrato discográfico. La banda hizo algunas conexiones en el negocio discográfico. Una de las primeras personas en fijarse en ellos fue el músico Frank Zappa, mientras que Jon Bon Jovi y Richie Sambora también les ayudaron a conseguir un contrato con Mercury Records además de componerles y producirles un tema para el álbum. La banda lanzó su álbum debut homónimo en 1989, con las iniciales «GP» estilizadas como una hoz y un martillo en la portada. Con la caída del Telón de Acero y un creciente interés por «lo soviético» en los países occidentales, Gorky Park alcanzó el éxito internacional. La banda parecía ser una especie de símbolo de la amistad estadounidense-rusa. El primer video de la banda, «Bang», recibió bastante difusión en MTV mientras que sus siguientes dos sencillos, «Try to Find Me» y el tema escrito por Jon y Richie «Peace in Our Time», sonaron asiduamente en las principales estaciones de radio. La banda continuó en 1990 de gira con Bon Jovi. Los espectáculos en vivo de Gorky Park presentaban a la banda vestida al estilo tradicional ruso (versión moderna, claro está) equipados con guitarras eléctricas con forma de balalaikas además de llenar en escenario de banderas soviéticas y estadounidenses. Cuando la era de la «Perestroika» llegó a su fin, la fama del grupo en Estados Unidos disminuyó con bastante rapidez. El vocalista Nikolai Noskov dejó la banda en 1990, pero Gorky Park permaneció activo y siguió lanzando álbumes en la década de 1990, con el bajista Alexander Minkov asumiendo el cargo de vocalista principal. «Moscow Calling» de 1992, producido por Fee Waybill, vendió 500.000 copias fuera de los Estados Unidos. Su siguiente álbum, «Stare», fue lanzado en 1996, pero solo en Rusia,al igual que su predecesor de 1998, «Protivofazza», ambos con un sonido totalmente aljedao del hard rock de sus dos primeros trabajos. Nunca se afirmó oficialmente que Gorky Park se disolviera, pero ha estado inactivo desde 2001. Sin duda uno de los mayores acontecimientos para Gorky Park fue su participación en el Moscow Music Peace Festival de 1991 junto a Bon Jovi, Mötley Crüe, Skid Row, Cinderella, Ozzy Osbourne y Scorpions. Gorky Park contribuyó con una versión de «My Generation» de The Who en el álbum recopilatorio del festival «Stairway to Heaven/Highway to Hell». Este álbum incluía a cada banda interpretando una canción de un artista que murió o una banda que perdió a un miembro por problemas de drogas. Y al igual que Gorky Park otra banda aportó un tema de The Who, los alemanes Scorpions.

Scorpions, banda que ya fue protagonista en otra entrada del blog https://rockencadena.home.blog/2020/11/05/programa-no23/ y que participó con la versión de The Who «I Can´t Explain» en el álbum recopilatorio de 1989 «Stairway to Heaven/Highway to Hell» casi al mismo tiempo que lanzaban su recopilatorio «Best of Rockers ‘n’ Ballads» donde volvía a aparecer este tema además de rarezas y material nunca antes lanzado. Todas las canciones de este álbum son de su periodo en Mercury Records, de 1979 a 1988. El disco fue lanzado con diferentes listados de canciones en diferentes regiones: La lista de canciones y los tiempos de ejecución de cada tema difieren entre las ediciones de EE.UU., Europa y Asia. La edición europea presenta 14 pistas en el L.P y 15 en el C.D., falta la versión original de «Hey You» que es reemplazada por un remix e incluye la versión de «China White», con un solo diferente, únicamente editado en las ediciones estadounidenses de «Blackout». La versión estadounidense y japonesa solo presenta doce pistas y omite la versión regrabada de «Is There Anybody There?» así como «Another Piece of Meat» y «China White», pero incluye la versión original (más larga y que se lanzó en 1980 como sencillo) de «Hey You», convirtiendo a este C.D. en el único donde se puede encontrar la versión original. La edición europea fue relanzada con el título «The Essential Scorpions» en 2003. «Best of Rockers ‘n’ Ballads» alcanzó el platino en los Estados Unidos. Scorpions lanzó su ultimo trabajo «Rock Believer» el 22 de febrero de 2022 en el Reino Unido y el 25 de febrero en el resto del mundo, convirtiéndose en el decimonoveno álbum de estudio de la banda y su primer álbum de estudio en siete años desde «Return to Forever» (2015), lo que lo convierte en la brecha más larga entre álbumes de estudio. «Rock Believer» es el primer álbum de estudio de la banda con el batería Mikkey Dee, quien reemplazó a James Kottak en 2016. Dee ha sido miembro de Mötorhead y King Diamond además de grabar y girar para gente como Don Dokken, John Norum y los compatriotas de Scorpions, Helloween.

Helloween, otra banda que también tuvo su episodio https://rockencadena.home.blog/2019/05/05/programa-no7/ y que al igual que con Scorpions hablaremos de este álbum en el que tocó Mikkey Dee llamado «Rabbit Don’t Come Easy», décimo álbum de estudio de la banda, lanzado en 2003. Es el primer álbum de Helloween con Sascha Gerstner (ex- Freedom Call) en las guitarras, quien reemplazó a Roland Grapow tras la finalización de la anterior gira, cuando junto al batería Uli Kusch fueron despedidos de Helloween. Ningún batería figura en la formación de la banda para este álbum. Mark Cross fue contratado para el puesto antes de grabar, pero solo logró completar dos pistas antes de verse obligado a irse debido a una mononucleosis. Mikkey Dee (de Motörhead en esos días) tocó el resto de las canciones del álbum. A pesar de una respuesta algo tibia al álbum, Helloween realizó una exitosa gira mundial, destacada por el regreso de canciones clásicas al set list de sus actuaciones. Además, la banda realizó una gira por los Estados Unidos por primera vez desde 1989, tocando ante miles de personas con entradas agotadas en casi todos los lugares. El álbum es una vuelta a los origines de la banda tras el controvertido trabajo anterior, «The Dark Ride» mucho mas oscuro. Al parecer tanto la banda como la compañía querían recuperar el típico sonido «happy, happy Helloween» característico de la banda. La versión japonesa del C.D. contiene una versión de Accept., «Fast as a Shark», interpretada por el nuevo batería de la banda, Stefan Schwarzmann ex batería precisamente de Accept y Running Wild. Con el batería que no pudo completar el álbum seguimos, Mark Cross y su paso por esta otra banda alemana llamada At Vance.

At Vance, banda alemana de power metal neoclásico creada por el guitarrista Olaf Lenk y el vocalista Oliver Hartmann en 1998. Un año después y junto a Rainald König (guitarra), Uli Müller (teclados), Jochen Schnur (bajo) y Spoony (batería y seudónimo de Mark Cross) publican su álbum debut «No Escape». El álbum tuvo bastante éxito en toda Europa, y su segundo trabajo, «Heart of Steel» de 2000 (con el nuevo batería Jurgen Lucas) se convirtió en un inesperado éxito en Japón. En 2001 se publica «Dragonchaser» de 2001, ultimo con su compañía de siempre Shark Records. Al año siguiente, la banda firmó con AFM Records, publicando su cuarto álbum «Only Human». En 2003 se producen varios cambios de personal, Mats Levén sustituye al vocalista Oliver Hartmann y Sascha Feldmann al bajista Jochen Schnur, publicando ese mismo año «The Evil in You». De nuevo en 2005 se producen cambios en la banda, Olaf prescinde del teclista y el guitarrista rítmico, asumiendo el esos roles, además de incorporar a un nuevo bajista, John ABC Smith, y un nuevo batería, Marck Cross (quien estuvo en la banda bajo el seudónimo de Spoony). Ese mismo año se púbica «Chained». «VII», publicado en mayo de 2007 presenta al joven cantante Rick Altzi en la voz, en sustitución de Mats Levén, con Olaf Lenk haciéndose cargo de los demás instrumentos al igual que en su siguiente álbum de 2009 «Ride the Sky», esta vez con el añadido del bajista Wolfman Black. 2010 ve la publicación de su primer «grandes éxitos», «Decade», un doble C.D. que además de sus mejores temas cuenta con versiones (que aparecen en sus álbumes), temas en vivo y rarezas. Su ultimo trabajo hasta la fecha, «Facing Your Enemy» de 2012 cuenta con Chris Hill al bajo y Casey Grillo en la batería, musico que actualmente graba y gira con los protagonistas de este episodio, Queensrÿche, con los que me despido de vosotros hasta otro episodio. Un saludo!!!!

Episodio Nº41

Bienvenidos y bienvenidas a una nueva entrada de Rock en Cadena. Dedicamos este episodio a una de las mejores bandas de AOR, originalmente creada como una banda de rock progresivo, flirteando incluso con el jazz fusión, se convirtieron en 1978 en una de las bandas comerciales de rock/pop más queridas (y a veces odiadas) de Estados Unidos cuando redefinieron su sonido adoptando arreglos pop en su cuarto álbum. Creadores de verdaderos himnos que sobrepasan el mundo del rock, ellos son Journey. Comenzamos.

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Formación.

Formados originalmente como Golden Gate Rhythm Section y con la intención de servir como grupo de respaldo para artistas reconocidos del Bay Area de San Francisco, se reunieron en 1973 bajo los auspicios del ex manager de Santana, Herbie Herbert. La banda incluía a los ex Santana Neal Schon en la guitarra y Gregg Rolie en los teclados y la voz principal. El bajista Ross Valory y el guitarrista rítmico George Tickner, ambos de Frumious Bandersnatch, completaron el grupo. Prairie Prince de The Tubes ocupó el puesto de batería. Tras una actuación en Hawái, la banda abandonó el concepto de «grupo de respaldo» y desarrolló un estilo cercano al jazz fusión. Después de un concurso fallido de radio en busca de un nombre para el grupo, el roadie John Villanueva sugirió el nombre Journey. La primera aparición pública de la banda se produjo en la víspera de Año Nuevo de 1973. Prairie Prince se reincorporó a The Tubes poco después, y el 1 de febrero de 1974, la banda contrató al batería británico Aynsley Dunbar, (David Bowie, Mothers of Invention).

«Unos primerizos Journey (1975)»

El 5 de febrero de 1974, la nueva formación hizo su debut en el Great American Music Hall frente a los ejecutivos de Columbia Records asegurándose tras la presentación un contrato de grabación con el sello, además de actuaciones por el Bay Area. Journey lanzó su álbum debut homónimo en abril de 1975 entrando en las listas Billboard en el número 138. Este trabajo es una mezcla de jazz/rock progresivo. El guitarrista rítmico George Tickner dejó el grupo debido a la gran cantidad de giras que la banda estaba haciendo para promocionar el álbum, lo que le permitió a Schon asumir todas las funciones de guitarra. Su segundo trabajo «Look into the Future» , algo menos progresivo, se lanzó en enero de 1976 y entró en las listas Billboard Top 200 en el número 100. La banda promocionó el álbum con una presentación de dos horas en el Teatro Paramount de Seattle. El tercer álbum de estudio de Journey, «Next», lanzado en febrero de 1977, fue producido por la propia banda (al igual que el anterior) y se ubicó en el número 85 del Billboard Top 200. El sonido del álbum, mucho más comercial, mantenía sus raíces de jazz fusión y rock progresivo. Sin embargo, las ventas no mejoraron y Columbia Records estuvo a punto de despedir a la banda.

Nuevos miembros y cambio de estilo.

Debido a las escasas ventas de álbumes de Journey, Columbia Records recomendó que cambiaran su estilo musical y agregaran un vocalista para compartir la voz principal con Rolie. La banda contrató a Robert Fleischman y cambió a un estilo más popular, similar al de Foreigner y Boston. En 1977 Fleischman estuvo de gira con Journey abriendo para bandas como Black Sabbath, Target, Judas Priest y Emerson, Lake & Palmer. Las diferencias entre Fleischman y el manager Herbie Herbert dieron como resultado la salida de Fleischman de la banda ese año. Journey contrató a Steve Perry como su nuevo cantante principal. Herbie Herbert, el mánager de la banda, contrató a Roy Thomas Baker como productor para agregar a la banda un sonido similar al de la banda anterior de Baker, Queen. El cuarto álbum de estudio de la banda, «Infinity», lanzado en enero de 1978, alcanzó el puesto 21 en la lista Billboard. La banda se embarcó en una gira en apoyo del álbum, actuando por primera vez como cabezas de cartel.

«Steve Perry, sin duda la voz de Journey»

Según el manager de la banda, Herbie Herbert, hubo desacuerdos entre Aynsley Dunbar y la banda debido al cambio en la dirección musical del grupo. Dunbar comenzó a tocar de manera errática y a hablar despectivamente de los otros miembros. Tras la gira, el manager de la banda despidió a Dunbar, quien fue reemplazado por el batería graduado en Berklee y miembro de Montrose, Steve Smith. Su quinto álbum de estudio «Evolution», lanzado en marzo de 1979, alcanzando el número 20 en la lista Billboard. El álbum, le dio a la banda su primer sencillo en Top 20 de la lista Billboard Hot 100. La gira en apoyo del álbum recaudo más de 5 millones de dólares. Ese mismo año se lanzó el primer recopilatorio de la banda «In the Beginning» con temas de los primeros tres álbumes del grupo. En marzo de 1980 se lanzó «Departure», que alcanzó el puesto número 8 en la lista Billboard. El primer sencillo del álbum, «Any Way You Want It», alcanzó el puesto 23 en el Billboard Hot 100.

«Dream, After Dream», lanzado en 1980 es el álbum de la banda sonora de la película de fantasía japonesa «Yume, Yume No Ato», dirigida por el diseñador de moda Kenzo Takada. La banda sonora eclipsó totalmente a la propia película, que gozó de poca fama. El álbum fue una desviación significativa del hard rock que caracterizó a los tres álbumes anteriores de la banda, remontándose a sus comienzos de rock progresivo y basándose en una musicalidad e instrumentales mas complejas. El teclista Gregg Rolie dejó la banda después de la gira de «Departure». Stevie «Keys» Roseman fue contratado para grabar la única pista de estudio que aparece en el álbum en vivo de la banda «Captured» lanzado el 30 de enero de 1981. El álbum alcanzó el número 9 en la lista de álbumes Billboard 200, vendiendo dos millones de copias. El álbum fue grabado durante la gira «Departure» de 1980. Este fue el último álbum de Journey para el teclista y fundador Gregg Rolie, quien sugirió a Jonathan Cain de The Babys como su reemplazo, convirtiéndose en el nuevo miembro de la banda.

«Cain, Valory, Schon Perry y Smith, sin duda la formación mas clásica de Journey»

Lanzado en 1981, «Escape» (escrito como E5C4P3 en la portada del álbum) encabezó la lista Billboard 200 además de «colar» cuatro sencillos en la lista Billboard Hot 100: «Don’t Stop Believin'» ( Nº 9), «Who’s Crying Now» (Nº 4), «Still They Ride» (Nº 19) y «Open Arms» (Nº2). En julio de 2021, «Escape» fue certificado diamante en EE.UU, convirtiéndolo en el álbum de estudio más exitoso de la banda y el segundo en general detrás de «Greatest Hits». Además de su gira como cabezas de cartel Journey abrió para The Rolling Stones el 25 de septiembre de 1981. . MTV grabó en uno de sus dos shows que la banda realizó en Houston el 6 de noviembre de 1981, frente a más de 20.000 fans, mas tarde se lanzaría en DVD.

Tras el éxito de la gira de 1981, se formó un club de fans oficial llamado «Journey Force». Mientras continuaba de gira en 1982 Journey lanzó «Only Solutions» y «1990s Theme» para la película de Disney de 1982 «Tron». «Frontiers», octavo álbum de estudio de Journey se lanzo en febrero de 1983. El álbum alcanzó el número 2 en la lista Billboard 200 y obtuvo cuatro sencillos entre los 40 principales: «After the Fall»(N°23), «Send Her My Love» (Nº23), «Faithfully» (N°12), y «Separate Ways (Worlds Apart)» (Nº8). El álbum lograría la certificación de seis veces platino en Estados Unidos además de convertirse el álbum de la banda que más alto llego en las listas del Reino Unido, alcanzando el número 6 en la lista de aquel pais. Con el álbum a punto de lanzarse el A&R de Journey, Michael Dillbeck, decidió sustituir dos canciones de la grabación original, «Ask the Lonely» y «Only the Young». Estas dos pistas fueron reemplazadas por «Back Talk» y «Troubled Child». «Ask the Lonely» se utilizó en la banda sonora de la película «Two of a Kind». «Only the Young» entró en el Top Ten dos años después, como parte de la banda sonora de la película «Vision Quest». Journey comenzó la gira en Japón y continuó en América del Norte con Bryan Adams como telonero. Durante la gira, se grabó un video documental de su vida en la carretera, titulado «Frontiers and Beyond» , filmando escenas en el estadio JFK en Filadelfia, ante más de 80.000 fans. Después de la gira la banda se tomó un tiempo libre, algo que hizo saltar las alarmas sobre una posible separación de la banda.

«De ninguna manera Journey terminará. Estamos demasiado comprometidos con esta banda para permitir que eso suceda. De hecho, uno de las razones por las que decidimos ir en direcciones separadas por un tiempo fue para mantener a la banda tan fuerte como siempre».

Neal Schon

Tres años después de su anterior trabajo, Journey lanzó en abril de 1986 «Raised on Radio». El álbum llegó al Nº4 en la lista Billboard 200 y fue certificado doble platino en los EE.UU. con tres sencillos en el top 20: «Girl Can’t Help It» (Nº17), «I’ll Be Alright Without You» (Nº14) y «Suzanne» (Nº17). También colocó un sencillo entre los diez primeros «Be Good to Yourself» (Nº9) [5] Llegó al No. 4 en la lista Billboard 200. La banda decidió que Perry era el más adecuado para producir el álbum lo que hizo que comenzara a tomar más control sobre la dirección de la banda. Perry cambió el título original del álbum de «Freedom» a «Raised on Radio», lo que provocó el enfado de Herbert y algunos de los miembros del grupo ya que variaba la temática de nombrar sus álbumes con una sola palabra. El bajista Ross Valory y el bateria Steve Smith fueron despedidos de la banda, en contra de los deseos del manager Herbie Herbert.

«No estaban contentos con el tipo de música que tocábamos y no estaban muy interesados ​​en hacer giras»

Steve Perry sobre Valory y Smith

«Hubo mucha presión para hacerlo de la manera que Steve Perry quería, con lo cual tuve muchos problemas porque sentí que debería ser un disco grupal, como todos los discos anteriores»

Steve Smith

Valory y Smith fueron reemplazados por varios músicos de estudio para la grabación del álbum, Randy Jackson y Bob Glaub en el bajo y Larrie Londin y Mike Baird en la batería. La gira comenzó en en agosto de 1986 y realizaría espectáculos con entradas agotadas en todo Estados Unidos antes de concluir con dos espectáculos en Anchorage a principios de 1987. La gira contó con Randy Jackson en el bajo y Mike Baird en la batería, y fue grabada en video por MTV para un documental que incluía entrevistas con los miembros de la banda que se llamó, al igual que el álbum, «Raised on Radio». Tras la conclusión de la gira y con las tensiones entre Perry, la banda y el mánager de la banda, Herbie Herbert, en su punto más alto, Perry no pudo o no quiso seguir participando activamente en la banda cansado de la gira, ya que estaba afectando su salud y su voz. La banda hizo una pausa después de la gira y Columbia Records lanzó en noviembre de 1988 el recopilatorio «Greatest Hits», que se convirtió, además del álbum mas vendido de la banda, en uno de los álbumes de grandes éxitos más vendidos de la historia con más de 15 millones de copias vendidas y que a día de hoy continua vendiendo entre medio millón y un millón de copias por año. El álbum pasó 750 semanas en las listas de álbumes de Billboard hasta 2008 más que cualquier otro álbum recopilatorio en la historia, a excepción de Legend de Bob Marley and the Wailers. A 19 de abril de 2022 el álbum registro 1348 semanas en la lista de álbumes de Billboard. El 22 de abril de 2008, Greatest Hits consiguió ser 15 veces Platino en USA por ventas de 15 millones de copias en los Estados Unidos. 1 de diciembre de 1992 se lanzó la caja «Time 3» (también conocido como Time Cubed ), un recopilatorio de tres CD de con pistas de estudio y en vivo ordenadas cronológicamente, además se incluye un folleto que documenta la historia de la banda y los detalles de cada canción. La caja también incluye varias canciones inéditas de Journey, versiones alternativas y demos.

Segunda reunión y mas cambios.

Perry tomó la decisión de reunirse con Journey con la condición de que Herbie Herbert dejara de ser el mánager de la banda. En octubre de 1995 el grupo contrató a Irving Azoff, mánager de Eagles durante mucho tiempo, como nuevo mánager de la banda. Los antiguos miembros Steve Smith y Ross Valory se reunieron de nuevo a Journey. Su nuevo álbum, «Trial by Fire» fue lanzado a finales de octubre de 1996, alcanzando el número tres en las listas de álbumes Billboard 200, siendo certificado platino. El sencillo «When You Love a Woman» alcanzó el número 12 en las listas Billboard Hot 100, y fue nominado en 1997 a un premio Grammy a la Mejor Interpretación Pop de un Dúo o Grupo Vocal. Otros tres singles entraron en el top 40 de rock (Nº18, Nº33 y Nº38). A pesar de ello, «Trial by Fire» fue el álbum peor vendido de Journey ya que no logró igualar el encanto de trabajos anteriores de la banda. Schon admitiría más tarde que el álbum tenía demasiadas baladas y que los fans querían escuchar un sonido mas rock.

«Incluso en nuestro último disco, Trial By Fire, muchas de los temas de rock se archivaron y terminaron siendo como veinte baladas, no sé cuántas baladas»

Neal Schon

«Trial by Fire» es el único álbum de Journey que no fue acompañado de una gira (originalmente programada para el verano y el otoño de 1997). Perry descubrió un año antes que tenía una afección ósea degenerativa y no podía actuar sin una cirugía de reemplazo de cadera, a la que durante algún tiempo se negó a someterse, mas tarde admitió que tenía otros problemas físicos. De hecho el accidente provocó el retraso de la fecha de lanzamiento del álbum. La banda estaba inquieta por esperar una respuesta de Perry con respecto a la gira, la cual no habría comenzado hasta más de un año después del lanzamiento del álbum. Debió a las disputas sobre la gira, y tras una llamada telefónica entre Cain y Perry, este anunció que dejaría Journey, pensando que lo estaban obligando a irse debido a la presión de hacer una gira lo antes posible, ya que el no estaba seguro de someterse a la cirugía necesaria, tomando además la decisión de retirarse parcialmente del negocio de la música, desapareciendo nuevamente del ojo público. Steve Smith también dejaría la banda, alegando que Journey no sería Journey sin Perry. El segundo álbum en vivo de Journey «Greatest Hits Live» se lanzó 24 de marzo de 1998, con grabaciones realizadas entre 1981 y 1983. El álbum alcanzó el puesto 79 en la lista Billboard 200 de EE.UU.

«Castronovo (atrás) y Augery (segundo por la derecha)»

Para reemplazar a Steve Smith la banda contrató al batería Deen Castronovo. Después de audicionar a varios candidatos de «alto nivel», como Geoff Tate (Queensryche), Kevin Chalfant (The Storm) y John West (Artension), Journey reemplazó a Perry por Steve Augeri (Tyketto y Tall Stories), grabando con el «Remember Me», tema que aparecería en la banda sonora de la película de 1998 «Armageddon». El primer álbum con la nueva formación fue «Arrival» , lanzado en Japón a finales de 2000, seguido del lanzamiento norteamericano en abril de 2001. El álbum alcanzó el puesto 56 en las listas de Billboard. El sencillo del álbum «All the Way» pasó 13 semanas en las listas Billboard, alcanzando el puesto 22, pero no logró impulsar las ventas del álbum que tan solo alcanzó el puesto 56 en la lista de álbumes de Billboard. «Arrival» fue el primer álbum de la banda en convertirse en disco de oro desde «Next» de 1977, esto se consideró una decepción con opiniones encontradas con respecto al álbum, un intento de dar con un himno rock mezclado con baladas sin ningún resultado, lo que hizo que Sony/Columbia sacara a la banda de su sello.

«¡¡Hollywood!!«

En 2002 Journey editó bajo su propio sello, Journey Music, su primer E.P. titulado «Red 13», grabado por la banda como agradecimiento a sus fans por apoyar a Journey, y lanzado únicamente en su pagina web para más tarde, y con una portada diferente, lanzarlo para la venta minorista. «Greatest Hits DVD 1978–1997 – Music Videos and Live Performances» es el segundo DVD de Journey. Fue lanzado en 2003 y contiene videos musicales y actuaciones en vivo con el vocalista principal Steve Perry. Este DVD es el más vendido de Journey, siendo cuatro veces Platino desde su lanzamiento. En 2005, los miembros de Journey fueron incluidos en el Paseo de la Fama de Hollywood junto con los ex miembros Perry, Dunbar, Tickner, Steve Smith y Fleischmann. Rolie fue el único miembro que no apareció en la ceremonia.

El 29 de agosto en Europa y el 4 de octubre en América del Norte, Journey lanzó su duodécimo álbum de estudio, «Generations». El álbum alcanzó el puesto 170 en las listas de Billboard. Para promocionar el álbum y celebrar el 30 aniversario de la banda, Journey se embarcó en una gira que comenzó en en junio y concluyó en octubre. Cada concierto de la gira duró tres horas con un intermedio, repasando temas clásicos y nuevos. En 2006, la banda realizó una gira por Europa y luego se unió a Def Leppard en una gira por América del Norte. Sin embargo, durante las giras, comenzaron los rumores sobre que Augeri no estaba cantando, sino que estaba usando pistas de acompañamiento para «tapar» su voz deteriorada, lo que provocó criticas por parte de los fans. Augeri había estado sufriendo problemas de desgaste vocal antes de que la banda comenzara la gira con Def Leppard. El ex manager de Journey, Herbie Herbert, insiste en que la acusación era cierta. Por el contrario Valory negó las acusaciones, afirmando que se trataba de un falso rumor y que la voz de Augeri estaba bien. En un comunicado de prensa, la banda anunció más tarde que Augeri tuvo que renunciar como cantante principal de Journey y dejar la gira para recuperarse. Augeri realizó su último show con la banda el 4 de julio de 2006.

«Paso efímero el de Soto por Journey»

Con la exitosa gira aún en curso, la banda se apresuró a contratar como su vocalista principal a Jeff Scott Soto (Yngwie Malmsteen, Talisman). Actuó como vocalista de Journey por primera vez el 7 de julio de 2006. La gira, por su éxito y popularidad se extendería posteriormente hasta noviembre. Más tarde, Soto sería anunciado oficialmente como el nuevo vocalista de la banda en diciembre de 2006. Pero sorprendentemente después de giras por Europa y Estados Unidos en 2007, la banda anunció el 12 de junio de ese mismo año que Soto ya no estaba con ellos.

Nuevo vocalista y un pequeño resurgir.

De nuevo Journey volvió a quedarse sin vocalista principal. Neal Schon comenzó a buscar en YouTube un nuevo vocalista hasta dar con Jeremey Hunsicker de la banda tributo a Journey «Frontiers» quien probó con la banda llegando incluso a pasar una semana escribiendo material con ellos. Hunsicker afirma que se le ofreció formalmente el puesto, pero fracasó poco después debido a problemas entre el y Schon. Una de las pistas coescritas con Hunsicker, «Never Walk Away», aparecería más tarde en el álbum «Revelation». De nuevo en su búsqueda, Schon encontró al cantante filipino Arnel Pineda, vocalista de la banda de versiones The Zoo. Schon quedó tan impresionado con una de las interpretaciones de Arnel de un tema de Journey que se puso en contacto con el para programar dos días de audiciones. La prueba satisfactoria, y el 5 de diciembre de 2007 se convirtió en el vocalista principal de Journey. Aunque Pineda no fue el primer extranjero en convertirse en miembro de Journey (el ex batería Aynsley Dunbar es británico), ni siquiera el primero no blanco (el bajista Randy Jackson es afroamericano), su reclutamiento hizo que algunos fans de Journey hicieran comentarios racistas hacia el nuevo vocalista.

«Nos hemos convertido en una banda mundial. Ahora somos internacionales. No somos de un solo color».

Jonathan Cain sobre los comentarios racistas hacia Arnel Pineda

Con Pineda como vocalista, Journey lanzó «Revelation», lanzado en los Estados Unidos el 3 de junio de 2008 por Nomota LLC (el sello discográfico personal de Schon) exclusivamente a través de Wal-Mart, y en Europa el 6 de junio de 2008 a través de Frontiers Records. Además, Wal-Mart también lanzó un reproductor de MP3 ZVUE de 1 gigabyte de edición limitada precargado con los discos 1 y 2 de «Revelation». El álbum cuenta con 11 canciones nuevas («Faith in the Heartland» se grabó previamente con Steve Augeri ), 11 grandes éxitos regrabados (todos con Pineda) y un DVD (solo versión norteamericana) grabado el 8 de marzo de 2008 en un concierto en Las Vegas con la formación en ese momento de la banda. El álbum debutó en el N°1 en la lista de álbumes independientes de Billboard, en el Nº2 en la lista de álbumes de rock de Billboard y en el Nº5 en el Billboard 200, donde permaneció durante 42 semanas. El álbum no solo fue un gran éxito en los Estados Unidos, sino que también llegó a las listas de 9 países diferentes.»Revelation» vendió más de 196.000 unidades en sus primeras dos semanas y permaneciendo en el top 20 durante seis semanas. El 18 de diciembre de 2008, el álbum fue certificado platino en USA, convirtiéndolo en la primera certificación de Journey desde su álbum de 1996 «Trial by Fire».

La banda comenzó la gira en el Reino Unido en junio, continuando en América del Norte, Asia, Europa y América del Sur, concluyendo la primera etapa de esta en octubre. Los ingresos de la gira de 2008 fueron de más de 35. millones de dólares, convirtiéndose en una de las giras más taquilleras del año. Journey actuó en el espectáculo previo de la Super Bowl XLIII en Tampa, el 1 de febrero de 2009. La banda continuó su gira en mayo y la concluyó en octubre de 2009. Durante la gira se grabó el show en Manila, frente a 30.000 fans, publicado como «Live in Manila» el 2 de octubre de 2009 exclusivamente a través de Walmart en América del Norte. La banda interpreta más de dos horas de concierto. «Live In Manila» también documenta el regreso a casa del actual vocalista principal de la banda, Arnel Pineda. El 15 de octubre de 2009, el DVD debutó en el número 1 en las listas de videos de Billboard. El 9 de septiembre de 2016, Eagle Rock Entertainment, relanzó el álbum en un solo DVD, un Blu-ray y doble CD. «Eclipse» (escrito como ECL1P53), decimocuarto álbum de estudio de Journey, fue lanzado en los Estados Unidos (exclusivamente en Wal-Mart) y Canadá el 24 de mayo de 2011, el 27 de mayo de 2011, en Japón, el 30 de mayo de 2011 en el Reino Unido e internacionalmente el 3 de junio de 2011. El álbum vendió 21.400 copias en los Estados Unidos en su semana de debut, alcanzando el número 13 en la lista Billboard 200, siendo el segundo álbum consecutivo en entrar en el Top 20. A nivel internacional, «Eclipse» ingresó a las listas de álbumes Top 40 en cinco países diferentes. A pesar de las altas posiciones en las listas, descendió rápidamente de ellas en cuestión de semanas. «Eclipse» no pudo igualar el éxito de «Revelation», vendiendo apenas 100.000 copias, una octava parte de las ventas del álbum anterior. El grupo vio su falta de éxito como un revés en su carrera. Se volvieron escépticos de grabar un nuevo álbum, centrándose principalmente en shows en vivo.

El 1 de noviembre de 2011, (23 años después de «Greatest Hits») Columbia Records lanzó en CD, descarga digital y en una edición de doble vinilo desplegable, «Greatest Hits 2», con los éxitos que quedaron fuera del primer recopilatorio de 1988. El 8 de marzo de 2013, se estrenó el documental «Don’t Stop Believin’: Everyman’s Journey», dirigida por Ramona S. Diaz, que narra el descubrimiento de Arnel Pineda y su primer año con Journey. En junio de 2015, Deen Castronovo fue arrestado tras un altercado doméstico lo que hizo que fuera despedido de la banda en agosto de ese año, siendo reemplazado por Omar Hakim para el resto de la gira. En 2016, Steve Smith regresó nuevamente como batería de Journey, reuniendo a todos los miembros de la formación «Escape-Frontiers-Trial by Fire» excepto el cantante principal Steve Perry. En 2018, durante la gira norteamericana con Def Leppard, Journey encabezó la lista Billboard Hot Tours por recaudar más de 30 millones de dólares en 17 espectáculos.

Mas cambios… y mas disputas.

El 3 de marzo de 2020, Schon y Cain anunciaron que habían despedido a Smith y Valory, además de demandarlos por más de 10 millones de dólares por daños y perjuicios por un supuesto «intento de golpe de estado corporativo» afirmando que el dúo había “destruido la química, cohesión y los vínculos que la banda necesitaba para tocar”. La demanda alegaba que Smith y Valory intentaron asumir el control de Nightmare Productions (la entidad de eventos creada en diciembre de 2019 por el ex manager de Journey Herbei Herbert,) creyendo que esta controlaba el nombre y la marca de Journey en un intento de «mantener el nombre de Journey como rehén y beneficiarse, asegurándose unos ingresos después de que dejaran de actuar». Sin embargo, el ex cantante Steve Perry había firmado un acuerdo con Schon y Cain en 1998 que les otorgaba «el derecho único, exclusivo e irrevocable de controlar la marca Journey, incluido el nombre de Journey«. Valory y Smith impugnaron los despidos, con el apoyo del ex gerente Herbie Herbert y el ex cantante principal Steve Perry. Los documentos judiciales revelaron que a Steve Perry se le había pagado como miembro de la banda durante años a pesar de no actuar. Valory presento su propia demanda, afirmando que las alegaciones de sus ex-compañeros “no tenían base legal” y que las acciones de Schon y Cain habían sido “atroces”, causándole “una severa aflicción emocional”, además reclamó ser parte de la propiedad de la marca comercial y el nombre de Journey, cuando esa asociación, Elmo Partners, era solo el licenciatario de la marca de 1985 a 1994, cuando Herbie Herbert de Nightmare Productions, propietarios de la marca y el nombre, rescindió la licencia. Valory también demandó a Schon por usar similitudes con la marca y el nombre de Journey para su proyecto paralelo, Neal Schon: Journey Through Time. En una carta abierta, Schon y Cain declararon que Smith y Valory «ya no son miembros de Journey; y que Schon y Cain han perdido la confianza en ambos y no están dispuestos a volver a actuar con ellos». Trece meses después, las dos partes llegaron a un acuerdo, cuyos términos no fueron revelados.

«Los miembros de la banda Journey que fueron partes en una demanda reciente (Neal Schon, Jonathan Cain, Steve Smith y Ross Valory) se complacen en anunciar que han resuelto sus diferencias y llegado a un acuerdo de solución amistosa. Neal Schon y Jonathan Cain reconocen las valiosas contribuciones que tanto Ross Valory como Steve Smith han hecho a la música y al legado de Journey. Ross Valory y Steve Smith les desean a sus antiguos compañeros de banda lo mejor y mucho éxito en el futuro. Journey espera continuar con la gira y hacer nueva música para sus fans de todo el mundo».

Comunicado de Q Prime (oficina de management de Journey).

En mayo de 2020, Schon y Cain anunciaron que el bajista Randy Jackson volvería a unirse a la banda reemplazando a Valory y al batería Narada Michael Walden como nuevo miembro oficial de Journey reemplazando a Smith. El sencillo adelanto de su nuevo trabajo, «The Way We Used to Be», fue lanzado el 24 de junio de 2021. En julio de 2021, Schon confirmó que Deen Castronovo, que anteriormente había estado en la banda, se reincorporaba de nuevo como segundo batería, también, ese verano el bajista Marco Mendoza sustituyó a Randy Jackson mientras este se recuperaba de una cirugía de espalda. El 1 de diciembre de 2021 Journey inició su residencia de un mes en The Theatre de Virgin Hotels en Las Vegas. El 16 de febrero de 2022, la banda anunció el título y la lista de canciones de su nuevo álbum de estudio «Freedom», que se lanzará el 8 de julio de 2022. El álbum ha sido grabado por Neal Schon, Arnel Pineda y Jonathan Cain junto con el batería y productor Narada Michael Walden, el bajista Randy Jackson y el teclista y cantante Jason Derlatka. El 1 de marzo de 2022, Cain confirmó que tanto Walden como Jackson ya no formaban parte del grupo. El segundo sencillo del álbum «You Got the Best of Me» fue lanzado el 26 de abril de 2022. Actualmente Journey, que cuentan con un segundo teclista llamado Jason Derlatka y con un nuevo bajista, Todd Jensen (David Lee Roth, Alice Cooper), se encuentra de gira junto a Toto.

Las canciones Journey se han mencionado o han aparecido en numerosas películas, series de televisión, videojuegos e incluso en Broadway. Las canciones de la banda han sido versionadas por varios artistas y adoptadas por equipos deportivos. En particular, «Don’t Stop Believin'» se escuchó en el episodio final de «Los Soprano», ha sido adaptada por la serie de televisión «Glee», cantada por el elenco de «Family Guy» (Padre de familia), interpretada en el musical de Broadway (y la película) «Rock of Ages» y adoptado como el himno no oficial de los equipos Chicago White Sox y San Francisco Giants, campeones de las Series Mundiales de la Major League Baseball’s de 2005 y 2010 respectivamente.

Las ventas de Journey han dado como resultado veinticinco álbumes de oro y platino, además del álbum «Greatest Hits» de 1988, que recibió quince veces platino en USA, obteniendo así la certificación de Diamante. Han tenido diecinueve sencillos Top 40 en los EE.UU. (La segunda mayor cantidad sin un sencillo número uno de Billboard Hot 100 detrás de Electric Light Orchestra con 20), seis de los cuales alcanzaron el Top 10 de la lista de EE.UU. y dos de los cuales alcanzaron el Nº1 en otras listas de Billboard, ademas de alcanzar el Nº6 en la lista de singles del Reino Unido con «Don’t Stop Believin'». En 2005, «Don’t Stop Believin'» alcanzó el número 3 en las descargas de iTunes. Originalmente creada como una banda de rock progresivo, Journey redefinió su sonido adoptando arreglos pop en su cuarto álbum «Infinity» de 1978, ganándose una reputación como una de las bandas comerciales de rock/pop más queridas (y a veces odiadas) de Estados Unidos. Journey ha vendido 48 millones de álbumes en los EE.UU., lo que los convierte en la banda número 25 con mayores ventas. Sus ventas mundiales han alcanzado más de 80 millones de discos, lo que los convierte en una de las bandas más vendidas de todos los tiempos. Journey es sin duda una de las mejores (para mi la mejor) bandas de AOR, o como dicen en américa Rock Arena, de todos los tiempos. La mezcla de voces, melodías, guitarras de hard rock y virtuosismo difícilmente han sido o puedan ser igualadas por ninguna otra banda. Journey ha contado y cuenta con músicos de un nivel excepcional, como es le caso de su guitarrista y fundador Neil Schon, con el que podríamos ir enlazando bandas y proyectos en los que ha participado y dedicar el blog enteramente a el, pero eso seria bastante aburrido (aunque ya os adelanto que aparecerá en varias ocasiones en el blog), así que continuamos con esta banda en la que militó llamada Hardline.

Banda creada por los hermanos Johnny Gioeli y Joey Gioeli, voz y guitarra respectivamente, quienes anteriormente tocaron en las bandas Killerhit y Brunette, además de aparecer en la película «Smash Crash and Burn» como la banda Royal Smash, película dirigida por Roman Coppola, hijo del director Francis Ford Coppola, y que nunca fue estrenada. Hardline también incluía al guitarrista Neal Schon, el bajista Todd Jensen y el batería Deen Castronovo. Su álbum debut «Double Eclipse» fue lanzado el 28 de abril de 1992 y fue bien recibido por el público, además de contar con una gran difusión en emisoras de radio, teniendo en cuenta el cambio de dirección musical en esos días. Dos de las canciones del grupo aparecen en la película «Rapid Fire» a petición de su protagonista, el hijo de Bruce Lee, Brandon Lee. Otro de sus temas apareció en un episodio de la serie de televisión «Baywatch». Aunque actuaron principalmente como teloneros de otros artistas, también hicieron sus propios espectáculos e incluso se hicieron planes para una gira por Japón y Europa, pero fracasaron después de que la banda se separase a finales de 1992 debido a problemas con su manager y Neal Schon, mientras grababan las canciones para un segundo álbum. Diez años después del álbum debut de Hardline se lanza en 2002 «II», segundo álbum de la banda inicialmente llamado «Hyperspace», pero el vocalista Johnny Gioeli decidió cambiar el nombre a simplemente «II». El álbum, que en principio iba a ser gravado por el virtuoso guitarrista Joey Tafolla, fue grabado por el batería Bobby Rock, el bajista Christopher Maloney, el ex teclista de Angel, Michael T. Ross y el guitarrista Josh Ramos ademas de los hermanos Gioeli. El 2 de junio de 2002 Hardline fue el cabeza de cartel del Gods Festival celebrado en Bradford, Inglaterra. La banda trató de revivir la formación original de Hardline para la actuación, pero las cosas no salieron según lo planeado. El productor de «II» Bob Burch tocó el bajo en el festival en lugar de Christopher Maloney .En 2003 esa actuación se editó en DVD y CD. «Leaving the End Open», tercer álbum de estudio de Hardline, fue lanzado el 17 de abril de 2009 en el Reino Unido y el 2 de mayo en los Estados Unidos. Este álbum cuenta con dos nuevos miembros, Jamie Brown en el bajo y Atma Anur en la batería. Joey Gioeli, quien iba a contribuir con letras y guitarras rítmicas, se retiró de la industria de la música antes de la grabación del álbum, dejando a su hermano Johnny como único miembro original de Hardline. Lanzado el 18 de mayo de 2012 por Frontiers Records, «Danger Zone» contó con la incorporación del teclista y productor italiano Alessandro Del Vecchio, fan de Hardline, quien escribió y compuso canciones con la voz de Gioeli específicamente en mente, y luego procedió a grabar demos para enviárselos al presidente de Frontiers Records, Serafino Perugino quien tras escuchar y aprobar las demos, se las envió a Gioeli, quien de inmediato se interesó en reformar Hardline y grabar las canciones para un nuevo álbum. A Gioeli y Del Vecchio se unieron Thorsten Koehne a la guitarra, Anna Portalupi al bajo y Francesco Jovino a la batería. El 14 de octubre de 2016, Hardline lanzó su quinto álbum llamado «Human Nature» con el regreso del guitarrista Josh Ramos. El 6 de mayo de 2018, se anunció que Josh Ramos dejaría Hardline debido a diferencias creativas y a conflictos por motivos de producción. Ramos fue reemplazado por el guitarrista Mario Percudani. El CD y DVD en vivo, lanzado en febrero de 2020, «Life Live'» fue grabado y filmado en 2019 en el Frontiers Rock Festival de Milán, Italia. Su ultimo trabajo «Heart, Mind and Soul», lanzado el 9 de julio de 2021 cuenta con la incorporación de Marco Di Salvia en la batería. Y precisamente otro batería, el primero que tuvo la banda, nos lleva a la siguiente banda, el magnifico Deen Castronovo y Bad English.

Tras la disolución de Journey Jonathan Cain y el guitarrista Neal Schon, formaron en 1987 Bad English, junto al vocalista John Waite, el bajista Ricky Phillips, que había tocado el bajo para The Babys en dos álbumes con Waite and Cain, y el batería Deen Castronovo. Su álbum debut homónimo fue un éxito de ventas gracias al sencillo «When I See You Smile», que alcanzó el Nº1 en la lista Bilboard Hot 100. El sencillo fue certificado oro en EE.UU. mientras que el álbum fue certificado platino. El álbum tuvo otros dos éxitos en el top 40, «Price of Love» y «Possession», que alcanzaron el puesto 5 y 21, respectivamente. El primer sencillo del álbum, «Forget Me Not», se estancó fuera del Top 40 en el puesto 45, pero alcanzó el puesto Nº2 en la lista Mainstream Rock. Uno de los temas del álbum aparece durante los créditos de la película «Tango & Cash» de 1989, protagonizada por Sylvester Stallone y Kurt Russell. El segundo álbum de la banda, «Backlash», de 1991, pasó totalmente desapercibido. El único sencillo no entro en el top 40, únicamente alcanzando el puesto 42. Ricky Phillips declaró que el grupo se separó antes de que se mezclara el segundo álbum. Tanto Phillips como el guitarrista Neal Schon querían un toque más duro en las canciones de la banda, expresando su frustración con el «aire pop» que al final tuvieron. Por el contrario el vocalista John Waite declaró que, aunque le encantaba tocar para grandes audiencias, se sentía incómodo con la imagen de glam/rock que la banda presentaba. Al final, todo esto resultó ser la perdición de la banda, ya que todos se fueron para dedicarse a otros proyectos. Ya que hablamos de «supergrupos» vamos con este otro en el que participó el bajista Ricky Phillips, Elements of Friction.

Otra «superbanda» o proyecto de músicos talentosos formado por Robin McAuley a la voz (MSG, Grand Prix), Ricky Phillips al bajo (Bad English, Coverdale/Page, The Babys), Tommy Aldrich a la batería (Ozzy Osbourne, Whitesnake) y Marcus Nand ,(Freak Of Nature) mientras que Neal Schon y Jonathan Cain (Journey, Bad English), Dann Huff (Giant), John Waite (Bad English), James Christian y Gregg Giuffria (House Of Lords) y otros, son el equipo de composición de canciones. Su álbum debut homónimo se editó en 2001 y a no ser que seas muy fan de bandas con un sonido mas cercano al AOR que al hard rock este trabajo te parecerá bastante «flojito», aun así con el elenco de músicos que participan tanto en la ejecución como en la composición, los temas son unas autenticas joyas dentro del estilo. Y ya que estamos con «proyectos» continuamos con este creado por el mítico batería Tommy Aldrich y este «supergrupo» llamado M.A.R.S.

Proyecto formado en 1985 por una de las secciones rítmicas mas conocidas y reputadas del heavy metal/hard rock la compuesta por el batería Tommy Aldridge y el bajista Rudy Sarzo. Llamados en principio Driver, la primera encarnación de la banda contaba con Kurt James (Steller, Stryper) a la guitarra y Jeff Scott Soto a la voz, quienes pronto abandonan la banda siendo reemplazados por Jeff Fenholt, vocalista conocido por interpretar a Jesús en el musical de Broadway «Jesucristo Superstar» y haber grabado maquetas con Tony Iommi para Black Sabbath, y el guitarrista Craig Goldy (Giuffria). Tras la grabación de una demo Fenholt decide probar suerte en solitario y Glody pasa a formar parte de la banda de Dio dejando de nuevo a Sarzo y Aldridge sin musicos para su proyecto. Con la ayuda de Mike Varney, productor discográfico, fundador del sello Shrapnel Records y responsable de popularizar el boom de los «guitar heros» de mediados de la década de 1980, reclutan al virtuoso guitarrista Tony MacAlpine quien recomienda al vocalista Rob Rock. En 1986, y tras cambiar su nombre (otra banda tenia el nombre registrado) a M.A.R.S., un anacronismo compuesto por la inicial del apellido de cada músico: MacAlpine, Aldridge, Rock y Sarzo, se publica su primer álbum titulado «Project: Driver». El titulo hace referencia al primer nombre de la banda: Driver, y al titulo que tenían pensado para el primer álbum; «Project». El sonido del álbum es mas cercano al heavy metal que al hard rock que dominaba el mercado aquellos años, aunque algunos temas se acercan a ese sonido» comercial» de la época. Debido a las escasa ventas del álbum, el proyecto no tuvo continuidad, ya que las grandes compañías discográficas no encontraron el producto lo suficientemente atractivo como para firmar un contrato con el que competir con bandas de mayor calado, además a todo esto se unió que John Kalodner, A&R de Geffen, ofreció a Rudy y Tommy la posibilidad de incorporarse a Whitesnake, algo que era imposible rechazar (aunque ya lo habían hecho con anterioridad, pero claro, la cosa había cambiado). Si Aldrich nos trajo hasta M.A.R.S., Sarzo nos lleva a otro proyecto en el que participo (¿¿¿otro???) llamado A New Revenge.

Proyecto inicialmente formado por el guitarrista Keri Kelli (Alice Cooper, Slash) y el batería James Kottack (Kingdom Come, Scorpions) quienes se acompañan del ex vocalista de Judas Priest Tim Owens y el bajista Rudy Sarzo (Quiet Riot, Ozzy, Whitesnake). En principio la banda tocaba temas de todas las bandas con las que habían estado relacionados sus miembros e incluso giraron bajo el nombre de Projet Rock y Rockstar. Pronto les «picó el gusanillo» de componer temas propios, cosa que hicieron publicando a finales de marzo de 2019 su álbum «Enemies & Lovers», un trabajo repleto de temas hard rock de gran calidad. Tras la publicación del álbum y debido a problemas de agenda Rudy Sarzo, fue sustituido por Phil Soussan, (Ozzy) quién aparece en los vídeos que ha publicado la banda. Continuamos con uno de los miembros de la banda, el batería James Kottack, otro de los músicos embarcado en decenas de grupos, proyectos y colaboraciones como la que hizo junto a este musico, no demasiado conocido, llamado Willie Basse y su banda Black Sheep.

Willie Basse, vocalista, bajista, productor musical, ingeniero y compositor líder de Black Sheep, una banda de metal de la década de los 80 que contó con varios músicos notables a lo largo de sus cambios de formación entre ellos Slash, Paul Gilbert, Randy Castillo, Kurt James o Mitch Perry. Willie Basse fue uno de los pocos músicos de color en la escena Angelina de los 80. En 1985, la banda lanzó su álbum debut, «Trouble In The Streets» en el cual aparecen Todd DeVito a la batería, Basse al bajo y la voz y los guitarristas Paul Gilbert y Kurt James. En 1999 Basse reforma el grupo y lanza el E.P. «Sacrifice» con Marshall Harrison y Brian Conroy a las guitarras y James Kottak a la batería. En 2008 publico un álbum en solitario titulado «The Money Grind». Después publicó algunos singles, uno de ellos con la colaboración del guitarrista George Lynch. Willie Basse falleció el 29 de octubre de 2018, tenía 62 años. Como os decía Lynch colaboró en un single lanzado por Basse además de haber colaborado a modo de compositor en el primer álbum de Black Sheep, así que ya que hablamos de el vamos a continuar con su banda Lynch Mob.

Ya conocéis mi predilección por George Lynch y Dokken, y en cuanto puedo hablo de ellos. ya lo hice de la banda de George Lynch, Lynch Mob en el episodio dedicado a Warrant, https://rockencadena.home.blog/2021/10/05/programa-no-34/ , así que como viene siendo habitual os contaré algo relacionado con la banda y mas concretamente con el álbum «Smoke and Mirrors», quinto álbum de estudio de Lynch Mob lanzado en 2009, trabajo que supuso el regreso del vocalista original Oni Logan desde su primer álbum, Wicked Sensation, así como la vuelta al sonido característico de hard rock de la banda. El bajista Marco Mendoza (Blue Murder, Whitesnake) y el bateria Scot Coogan (Brides Of Destruction) completaban la formación que grabó el álbum que fue co-producido por el guitarrista Bob Kulick. En principio la reunión de Dokken estaba lista para tocar en el festival Rocklahoma 2008 en Pryor, Oklahoma y hacer una gira durante el verano, sin embargo, esos planes se desmoronaron. George aprovechó la oportunidad para reunir a Lynch Mob, (con el vocalista original Oni Logan pero sin los miembros originales Esposito y Brown) para actuar en dicho festival. Marco Mendoza en el bajo y Fred Coury en la batería fueron sus sustitutos. Coury realizó la ira de «Smoke and Mirrors» en 2009, hasta que en 2010 el batería Brian Tichy se unió a Lynch Mob, al igual que el bajista James Lomenzo quien reemplazando a Marco Mendoza, quien en 2003 formo parte de esta increíble banda llamada Soul SirkUs.

El guitarrista Neal Schon (si, ya se que es la tercera vez que aparece, pero este hombre no para!!) formó Soul SirkUs tras el fallido proyecto Planet Us con Sammy Hagar. Schon estaba decidido a que el material que había escrito cobrara vida.

«Estaba enojado porque teníamos planes y había trabajado mucho. Escribí muchas canciones, unas 30 o más, y puse mucho esfuerzo y energía en eso. Unos días más tarde me calmé y simplemente me centré y puse las piezas del rompecabezas nuevamente en su sitio con otros tipos diferentes»

Neal Schon

Schon había oído hablar de la reputación de Jeff Scott Soto. En el NAMM de 2004 en Los Ángeles, Schon tocó junto a Soto en una pequeña jam session.

«Jeff trajo a su batería y a su bajista y, aunque no tuvimos tiempo para ensayar, preparamos un pequeño set. Hicimos algunas canciones de Led Zeppelin y Journey algunas de Stevie Wondery y algo de blues. Tocamos un pequeño set de 45 minutos y la gente enloqueció. Inmediatamente, supe que teníamos algo de química y que funcionaría»

Neal Schon

Schon también asistió a una exhibición del bajista Marco Mendoza y quedó impresionado con su habilidad. Tras reclutar a Soto, Mendoza y al batería de Journey, Deen Castronovo, la nueva banda comenzó a ensayar y finalmente grabó 11 canciones para su álbum debut de 2004, «World Play», únicamente disponible a través de la pagina web de la banda. Aunque todas las pistas del álbum se escribieron originalmente para Planet Us, solo una canción se usó para el debut de Soul SirkUS, Peephole», originalmente titulada «Peeping Through a Hole» en la versión de Planet Us. A principios de 2005 la banda se vio obligada a posponer su primera gira cuando Castronovo enfermó debido al agotamiento extremo. Poco después, Castronovo abandonó el grupo por recomendación de su médico y fue reemplazado por el batería australiano Virgil Donati. Schon decidió aprovechar el estilo de Donati y remezcló el álbum «World Play» con las pistas de batería de Donati, además de cinco canciones nuevas. El álbum fue relanzado con nueva portada en el sello Frontiers Records. La nueva alineación realizó una breve pero bien recibida gira por los Estados Unidos y Europa. Durante la gira se grabó un concierto en el famoso teatro Fillmore de San Francisco para un posible DVD que la banda aún no ha lanzado y según parece nunca lanzará. Desde el final de la gira de 2005, la banda no se ha vuelto a reunirse debido a otros compromisos de sus miembros. En realidad cualquiera de los miembros de esta banda nos valdría para cerrar este episodio, Schon es el fundador de Journey, Castronovo y Mendoza son o fueron miembros de Journey tanto oficiales como músicos de directo y Soto fue el vocalista encargado de sustituir a Augeri tras su marcha, siendo por algún tiempo miembro oficial de la banda hasta el anuncio de un nuevo cantante en la persona de Arnel Pineda. Y de esta manera terminamos el episodio deseando que os haya gustado tanto como a mi. Y ya sabes, sube el volumen y disfruta!!!…hasta la próxima!!

Episodio Nº40

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Bienvenidos y bienvenidas a una nueva entrada de Rock en Cadena. Si estas leyendo esto, muchas gracias. Cada vez sois mas los que os acercáis a este rincón dedicado al heavy y al rock, y yo solo puedo estar agradecido a tod@s vosotros. Este episodio lo dedicamos a una banda que se auto denominan «Los Reyes del verdadero Metal». Con su «grito» de: «muerte al falso metal», han conseguido una fiel legión de fans o como ellos los denominan «brothers of metal» (hermanos del metal) desde principios de los 80. Aun hoy siguen despertando admiración y repulsa apartes iguales, ellos son Manowar.

El inicio de un sueño.

En 1980, Joey DeMaio (futuro bajista de la banda), conoció al guitarrista Ross the Boss mientras trabajaba como técnico de bajos y encargado de fuegos artificiales para Black Sabbath en el Heaven & Hell Tour. Ross the Boss, ex miembro de la banda de punk rock The Dictators, era el guitarrista de la banda telonera de Black Sabbath, Shakin’ Street. Los dos, con intereses musicales muy parecidos, se hicieron amigos y decidieron formar una banda por sugerencia y consejo de Ronnie James Dio durante la gira. Al final del tour con Black Sabbath, el dúo se reunió para formar Manowar, junto al bateria Donnie Hamzik ​​y al cantante Eric Adams, ex compañero de clase y amigo de DeMaio. El luthier, John «Dawk» Stillwell, sugirió el nombre Manowar a Joey DeMaio y Ross the Boss.

«Manowar 1982«

Con su primera demo, Manowar aseguró en 1981 un contrato de grabación con el sello Liberty Records. La discográfica presionó a la banda para que produjera una buena cantidad de canciones en poco tiempo para un álbum debut. El álbum resultante, «Battle Hymns», fue lanzado al año siguiente. El legendario actor y director Orson Welles desempeñó el papel de narrador en el tema «Dark Avenger». Poco después del lanzamiento del álbum, Manowar participó en su primera gira. La banda tocó como teloneros de Ted Nugent, pero su colaboración duró solo unos meses. Manowar decidió organizar una pequeña gira por sí mismos. A pesar de algunos contratiempos, la banda ganó fama nacional en esta breve gira y también comenzó a conseguir sus primeros fans europeos, particularmente en el Reino Unido y Alemania. Estresado por la tensión de las continuas actuaciones, Hamzik ​​decidió dejar la banda al final de la gira y fue reemplazado por Scott Columbus.

«La letra con sangre entra«

En 1983, la banda dejó Liberty Records y llegó a un acuerdo con Megaforce Records en los EE.UU. y Music for Nations en Europa, firmando el contrato con su propia sangre, lo que les sirvió para ser portada en el número 47 de julio-agosto de 1983 de la prestigiosa revista británica Kerrang!. Manowar regresó a casa con la intención de producir lo que, en principio, hubiera sido un simple E.P., pero por la cantidad y calidad de los temas realizados en ese período, se convirtió en el segundo álbum de la banda, «Into Glory Ride» publicado en 1983. De hecho, se publicó un E.P. en 1983 con el título «Defender» que contenía, como tema principal, la canción homónima y como cara B uno de los temas del álbum «Gloves of Metal» que se convirtió en el primer video clip de la banda. Orson Welles quien accedió a grabar la narración de en Dark Avenger en su álbum debut, grabó en esa misma sesión dos piezas más: una introducción para los directos (que la banda ha usado desde entonces) y la narración de una segunda canción, «Defender».

La atmósfera del álbum evocaba la mitología y la fantasía heroica clásica, y sirvió como predecesor del viking metal. Contenía varias características innovadoras, tanto en estilo como en sonido, y provocó un gran aumento en el número de fans del grupo, particularmente en el Reino Unido, donde la banda planeó una larga gira que finalmente fue cancelada. La canción «Defender» fue posteriormente regrabada e incluida en el álbum «Fighting the World» de 1987.

«El lio de las banderas»

Como disculpa por el fracaso de su gira por el Reino Unido, Manowar decidió dedicar su próximo álbum al Reino Unido. El álbum, «Hail to England», fue grabado y mezclado en solo seis días y fue lanzado a principios de 1984. El título del álbum es un tributo al país en el que los miembros de la banda estadounidense se conocieron y formaron la banda, y en particular a la NWOBHM que surgió a principios de la década de los 80. Sin embargo, la portada del álbum en realidad presenta la bandera del Reino Unido y no la bandera de Inglaterra. El álbum alcanzó el puesto 83 en las listas de álbumes del Reino Unido. Tan solo diez meses después de lanzar su anterior álbum y tras dejar Music for Nations, Manowar lanzó «Sign of the Hammer» (1985).

Tiempos gloriosos.

Tras desacuerdos con su nuevo sello, el grupo fichó por Atlantic Records en 1987, con quienes lanzaron ese mismo año «Fighting the World», que disfrutó de una distribución más amplia y aumentó la popularidad de la banda dentro de la escena internacional del heavy metal. La carátula del álbum fue diseñada por Ken Kelly, un artista estadounidense centrado especialmente en dibujos fantásticos y de fantasía heroica. Desde entonces, todas las portadas de los álbumes de Manowar han sido pintadas por Ken Kelly. «Fighting the World» fue uno de los primeros álbumes de heavy metal grabados y mezclados completamente en equipos digitales. La canción «Defender» cuenta con la narración del actor y director estadounidense Orson Welles. El álbum fue lanzado 2 años después de la muerte de Welles, por lo que la grabación de Welles se reutilizó a partir de la demos original de la canción de 1982. En 1988, Manowar lanzó el álbum «Kings of Metal», sin duda el trabajo más conocido de la banda, así como el más vendido en todo el mundo. Manowar se embarcó en una gira mundial, por un período de aproximadamente tres años, visitando casi todos los paises europeos. Durante esa gira, Joey DeMaio «despidió» a Ross the Boss.

«Joey sintió que Manowar estaría mejor sin mí».

Ross the Boss en 2008
«Shankle y Rhino..y su paso fugaz por Manowar»

Fue reemplazado por David Shankle , quien fue elegido por los miembros de la banda entre unos 150 candidatos. Más tarde, Scott Columbus también decidió dejar la banda durante la gira. El propio Columbus eligió a su reemplazo Kenny Earl Edwards conocido como «Rhino». Junto con los dos miembros nuevos DeMaio y Adams publican en 1992 «The Triumph of Steel». El álbum obtuvo cierto éxito y contiene la canción más larga y más compleja de Manowar «Achilles, Agony and Ecstasy in Eight Parts» (28 minutos y 38 segundos), inspirada en los acontecimientos de la Ilíada y el héroe Aquiles. La canción atrajo la atención de un grupo de académicos de la Universidad de Bolonia (Italia). La Sra. Eleonora Cavallini, Profesora de Clásicas, ha escrito sobre esta canción:

La letra de Joey DeMaio implica una lectura atenta y escrupulosa de la Ilíada. El cantautor ha centrado su atención esencialmente en la crucial lucha entre Héctor y Aquiles, ha parafraseado algunos pasajes del poema adaptándolos a la estructura melódica con cierta fluidez y reinterpretándolos en parte, pero nunca alterando o trastornando el argumento de Homero.

Sra. Eleonora Cavallini, profesora de Antropología Histórica del Mundo Griego.

Después de este lanzamiento, la banda realizó una gira mundial durante dos años. En 1992 también se publica el primer recopilatorio de Manowar titilado «Manowar Kills». Tras finalizar su contrato con Atlantic, la banda firmó con Geffen Records. En 1994, Shankle inesperadamente dejó la banda para formar su propio grupo. Fue reemplazado por Karl Logan. Ese mismo año Scott Columbus regreso al banda sustituyendo a «Rhino». «The Hell of Steel: Best of Manowar» otro recopilatorio de Manowar, fue lanzado en 1994 por Atlantic Records debido a obligaciones contractuales (por eso la banda no lo considera un lanzamiento oficial) y contó con 14 pistas de álbumes lanzados bajo el sello Atlantic («Fighting the World», «Kings of Metal» y «The Triumph of Steel»). Aunque las pistas no se presentan en orden cronológico, el álbum comienza con la primera pista de «Fighting the World» y termina con la pista final de «The Triumph of Steel». En 1996, lanzaron «Louder Than Hell», su primer álbum de estudio en cuatro años. Tres de los temas del álbum ya habían sido grabadas en demos y tocadas en vivo por la banda en 1986, 10 años antes del lanzamiento oficial del álbum. A pesar de las buenas ventas, el álbum fue criticado por su estilo sencillo y repetitivo. A pesar de tales críticas, Manowar lanzó en 1997 un nuevo recopilatorio, llamado «Anthology» , y su primer álbum en vivo, «Hell on Wheels», un doble cd lanzado por BMG International. Al no tener tiempo para grabar un nuevo álbum de estudio debido a la gira promocional en curso, Manowar lanzó en 1998 un segundo álbum en vivo, «Hell on Stage». En algunos países europeos, se empaquetó junto a un C.D. E.P. adicional que contenía canciones grabadas en vivo en esos países. Ese mismo año se editaron dos recopilatorios «The Kingdom of Steel: The Very Best of Manowar» y «Steel Warriors» que incluye solo canciones de los álbumes «Into Glory Ride» y «Hail to England».

Nuevo milenio.

En 2002, seis años después del último álbum de estudio, Manowar lanzó el álbum «Warriors of the World», con un sonido un tanto renovado en estilo, pero mantuvo la habitual energía y potencia. El álbum contiene el aria de Puccini «Nessun Dorma», versionada en honor a los fans italianos. El álbum alcanzó el puesto número 2 en las listas alemanas. Manowar comenzó una larga gira mundial, llamada «Warriors of the World United Tour» que los mantuvo ocupados y alejados de un estudio de grabación durante mucho tiempo. Para compensar la falta de álbumes de estudio, la banda lanzó varios DVD: en 2002 el doble DVD «Fire and Blood», el primer DVD es un documental que presenta la parte 2 de la serie «Hell on Earth». Con casi dos horas de duración, «Hell on Earth Part II» documenta la gira europea «Hell on Stage» de 1998 con casi 30 espectáculos. El segundo DVD, Blood in Brazil es su presentación en vivo en Philips Monsters Of Rock en São Paulo, Brasil, el 26 de septiembre de 1998. En 2003 «Hell on Earth Part III» otro doble DVD con un primer disco que cubre el ciclo de la gira Warriors of the World y un segundo con un concierto en el Ringfest. En 2005 «Hell on Earth Part IV» que sigue la temática de trabajos anteriores. Estos (y todos los DVDs desde el año 2000) fueron dirigidos por Neil Johnson y todos han obtenido la certificación Oro en Alemania.

En 2003, DeMaio fundó su propio sello discográfico, Magic Circle Music, que se convirtió en el sitio oficial de la banda, habiendo sido creado para satisfacer las necesidades de Manowar y otras bandas de género similar. Bajo el sello Magic Circle también se lanzó el E.P. «The Sons of Odin» que incluye lo más destacado de la convención Manowar, una reunión anual de fanáticos de Manowar en todo el mundo, un avance del DVD Earthshaker y entrevistas con la banda. En 2006 se publica el DVD «The Day the Earth Shook – The Absolute Power» grabado en vivo en el Earthshaker Fest 2005 en Alemania el 23 de julio de 2005. La banda tocó una selección de canciones con el acompañamiento de la Orquesta Filarmónica Bohuslav Martinů de 50 miembros. Durante el concierto, la banda estuvo acompañada en el escenario por los ex miembros de Manowar Ross «The Boss» , David Shankle, Donnie Hamzik ​​y Kenny Earl «Rhino» Edwards. El DVD extra contiene un documental de 45 minutos sobre la realización del festival, un documental de tres horas sobre la Convención de Fans y otras imágenes. Manowar lanzó en 2007 «Gods of War» a través de Magic Circle Music. La música del álbum presenta influencias de metal sinfónico, como el uso de teclados, coros y orquesta sinfónica. El álbum esta centrado en Odín, rey de los dioses y principal dios de la guerra en la mitología nórdica. Se suponía que «Gods of War» sería el primero de una serie de álbumes conceptuales dedicados a diferentes dioses de la guerra de varias mitologías, pero finalmente sus secuelas no se lanzaron. Todo el texto del folleto esta escrito en el alfabeto rúnico. En 2009 Manowar lanzó «Thunder in the Sky» un E.P. para promocionar el próximo álbum «The Lord of Steel». Sin embargo, ninguna de las canciones se incluyó en ese álbum ni en cualquier álbum de Manowar, con la excepción de la versión original de «Crown and the Ring». El E.P. contiene 16 versiones diferentes de la canción «Father», todas cantadas en diferentes idiomas. Además de la versión en inglés, también se cantó en: búlgaro, croata, finlandés, francés, alemán, griego, húngaro, italiano, japonés, noruego, polaco, portugués brasileño, rumano, español y turco. Eric Adams fue guiado a través del proceso de canto por fans de cada país que se ofrecieron como voluntarios para traducir. El E.P. se vendió durante la gira Death to Infidels Tour. «Hell on Earth Part V», la quinta entrega de la saga de DVDs de Manowar se lanzó en 2009 en formato de doble DVD. El primer disco contiene principalmente imágenes recogidas en sus actuaciones en diferentes países europeos y Norteamérica e incluye un documental sobre la preparación del barco vikingo que fue la estrella del escenario en el “Demons, Dragons and Warriors” tour de 2007. La sección puramente documental está recogida en el segundo disco con imágenes de la preparación de las grabaciones orquestales, nuevos secretos de grabación y entrevistas a los componentes del grupo.

«Donnie Hamzik de vuelta al redil»

El 1 de junio de 2010, la revista Classic Rock publicó una entrevista con el baterista Scott Columbus, quien dijo que no había trabajado con la banda desde abril de 2008 y que había dejado la banda. También aseguró que las declaraciones hechas en el pasado, sobre su ruptura en 1990 y 2008 a causa de una enfermedad y una tragedia personal, eran en gran medida falsas y se hicieron sin su consentimiento. El 15 de octubre de 2010, Joey DeMaio anunció en Facebook que el batería Donnie Hamzik ​​era oficialmente miembro de Manowar nuevamente después de una ausencia de 26 años. El 4 de abril de 2011, Scott Columbus murió a la edad de 54 años. El 5 de abril de 2020, la hija de Columbus, Teresa, anunció públicamente que la causa de la muerte de su padre fue el suicidio a causa de la depresión que sufría.

«D.E.P.»

El siguiente lanzamiento de Manowar fue una regrabación de su álbum debut de 1982, «Battle Hymns». Este álbum se lanzó el 26 de noviembre de 2010 y fue titulado formalmente «Battle Hymns MMXI». El tema «Dark Avenger» contaba con la narración de Sir Christopher Lee. El 21 de julio de 2011, la banda se embarcó en una gira por el Reino Unido por primera vez en 16 años e interpretó el álbum «Battle Hymns» en su totalidad. El siguiente álbum de estudio de Manowar, «The Lord of Steel», de 2012, se lanzó por primera vez como descarga digital el 16 de junio de 2012 y el C.D de edición especial de prelanzamiento de edición limitada de la revista británica de heavy metal Metal Hammer el 26 de junio de 2012. La edición comercial llegó a las tiendas el 19 de octubre de 2012 en C.D, vinilo de edición limitada y álbum digital, con un folleto de 24 páginas, una nueva ilustración, una nueva canción, mezclas completamente diferentes y muchos arreglos nuevos en comparación con el prelanzamiento limitado. El álbum marca un cambio en el sonido de la banda, alejándose del sonido sinfónico de «Gods of War» y volviendo al estilo de «Louder Than Hell» con la calidad de producción de «Thunder In The Sky». La canción «El Gringo» fue utilizada en los créditos de la película de 2011 del mismo nombre. En febrero de 2014 Manowar lanzó «Kings of Metal MMXIV» la regrabación de su álbum «Kings of Metal» de 1988. En apoyo del álbum, la banda comenzó su «Kings Of Metal MMXIV World Tour».

En 2016, la banda recluto al batería Marcus Castellani de la banda tributo Kings of Steel como su batería para la gira. El 9 de agosto de 2018, el guitarrista Karl Logan fue arrestado en Charlotte, Carolina del Norte, por presunta posesión de pornografía infantil y fue acusado de seis cargos de explotación de un menor en tercer grado. Manowar emitió un comunicado anunciando que Logan no actuaría con ellos. El 1 de enero de 2019, Manowar anunció que el guitarrista EV Martel se uniría a ellos en su gira. El 22 de marzo de 2019, la banda anunció que lanzaría una trilogía de E.P.s basados ​​en la gira que realizaban en esos días «The Final Battle World Tour». El primer E.P., «The Final Battle I», se lanzó el 29 de marzo en una preventa exclusiva en el puesto de merchandising de la banda en sus conciertos. Ese mismo día fue lanzado en iTunes en todo el mundo. El E.P. se lanzó digital y físicamente el 30 de mayo. Poco después el ex batería de HammerFall e Yngwie Malmsteen Anders Johansson, fue anunciado como el nuevo batería en vivo de la banda. A pesar del nombre de la gira, el bajista Joey DeMaio desestimó cualquier rumor sobre el retiro de Manowar, principalmente debido a las demandas de los fans de que siguieran actuando. En mayo de 2020, Manowar anunció que se embarcarían en una gira, que comenzaría en abril de 2021 en Europa, para celebrar su 40 aniversario.

El mundo Manowar.

Sin duda Manowar a creado su propio universo en el cual son los únicos y verdaderos reyes del Metal. Tanto es así que su líder DeMaio ha creado su propio sello discográfico donde lanzar los trabajos de la banda y su propio estudio de grabación donde dar rienda suelta a todas sus «excentricidades». Todo esto arropado por el aliento de miles de fans que siguen a la banda de manera casi religiosa.

«The Faceless Warrior», también conocido como el Rey del Metal, es la mascota de la banda. El personaje apareció por primera vez en 1988 en la portada del álbum «Kings Of Metal», y desde entonces ha aparecido en la portada de casi todos los álbumes posteriores de Manowar, así como en el merchandising y en casi todos los shows en vivo de Manowar. «The Sign of the Hammer» es un gesto desarrollado en los primeros años de la banda, tras el lanzamiento de su cuarto álbum del mismo nombre, y se convierto en la firma de la banda firma de la banda. Lo más probable es que el gesto fuera creado por el vocalista Eric Adams. El gesto se forma levantando el puño derecho por encima de la cabeza, mientras se usa la mano izquierda para agarrar la parte posterior de la muñeca derecha. La primera aparición oficial del gesto fue en la portada del quinto álbum de la banda, «Fighting the world», donde se muestra al vocalista Eric Adams haciendo el gesto en un dibujo de los miembros de la banda. Mas tarde apareció en el video musical del tema «Blow your speakers», realizado por los miembros de la banda y la audiencia durante un concierto, así como en la portada completa del álbum «The Triump of Steel». Desde entonces, el gesto aparece en casi todos los videos musicales de la banda.

Manowar es una de las bandas más exitosas e influyentes en su género con más de 20 millones de discos vendidos y numerosas certificaciones de platino, oro y plata. Manowar tiene un lugar muy importante en la historia y evolución de la música heavy metal y son una gran influencia en el género Heavy Metal, especialmente en subgéneros como: Power Metal, Epic/ Symphonic/Melodic Metal, Viking metal, Doom Metal, Gothic Metal o Death Metal. La influencia de Manowar esta presente en una gran cantidad de bandas y artistas de Heavy Metal de todo el mundo, como: Sabaton, Rhapsody of Fire, Amon Amarth, Symphony X o Firewind entre otras. Manowar fueron los primeros en «idolatrar», y basarse en gran medida en los antiguos y los místicos cuentos nórdicos. También fueron la primera banda de metal en actuar y posar blandiendo espadas vestidos simplemente con taparrabos y pieles.

Queríamos ser más salvajes que solo vaqueros y cuero. ¿Qué sería más salvaje? ¡Piel de animal!»

Ross «The Boss» ex-guitarrista 2020

“Queríamos parecer algo nunca antes visto en el heavy metal”

Ross «The Boss» ex-guitarrista 2020

“Queríamos estar un paso más allá, de lo que pasaba en ese momento…”

Ross «The Boss» ex-guitarrista 2012

Manowar es la banda de heavy metal más ruidosa del mundo (récord que han batido en tres ocasiones distintas). En el año de 1984, en Alemania, superaron el récord de The Who cuando dos especialistas en sonido los midieron tocando a 129,5 dB. En el año 2008, durante la prueba de sonido en el Magic Circle Festival, Manowar supuestamente alcanzó los 139 dB. En el año 2008, en Bulgaria dieron la actuación de heavy metal más larga en un concierto de cinco horas y un minuto frente a 20.000 personas con un set list de más de 40 canciones, una selección que refleja la historia de la banda y todos sus álbumes de estudio. Los representantes del Guinness World Records estuvieron presentes para presenciar el evento. El líder y bajista Joey DeMaio nos lleva a la siguiente banda, ya que además de tener su propio sello discográfico y su propio estudio de grabación es también manager de bandas como esta, Rhapsody of Fire.

Rhapsody of Fire (anteriormente conocida como Rhapsody) se formó en 1993 como Thundercross por el guitarrista Luca Turilli y el teclista Alex Staropoli, con un sonido claramente power metal sinfónico. Desde sus inicios la banda ha lanzado doce álbumes de estudio, dos álbumes en vivo, tres EP. y un DVD en vivo. Rhapsody of Fire es conocida por sus letras conceptuales que constituyen una historia de fantasía a lo largo de todos sus álbumes desde 1997 hasta 2011 . Después de actuar bajo el nombre de Rhapsody durante casi diez años, la banda cambió su nombre a Rhapsody of Fire en 2006 debido a problemas de marca registrada con otra banda norteamericana. En 2011, tras el lanzamiento de su álbum «From Chaos to Eternity» que concluyó «The Dark Secret Saga», y después de 18 años como co-líder de la banda, Turilli dejó Rhapsody of Fire (en buenos términos) para formar una nueva banda llamada Luca Turilli’s Rhapsody, junto a otros dos integrantes de Rhapsody que se fueron con él. Turillis describe su discografía como una continuación paralela de la discografía de Rhapsody of Fire, siendo su primer álbum «el álbum número 11 de Rhapsody» y considera que no dejaron la banda, sino que se dividieron amistosamente en dos. En 2016, otros miembros clásicos de Rhapsody, el vocalista Fabio Lione y el bateria Alex Holzwarth, dejaron la banda y se unieron a Luca Turilli’s Rhapsody, para tocar nuevamente bajo el nombre de Rhapsody en su gira de despedida del 20 aniversario; en diciembre de 2018, varios meses después de anunciar que Luca Turilli’s Rhapsody, estaba inactiva, Turilli anunció la creación de una nueva banda también paralela a Rhapsody llamada Turilli/Lione Rhapsody , con la formación de su gira de despedida del 20 aniversario, recreando la alineación de 2002 a 2011 de Rhapsody of Fire, menos claro esta, el único superviviente de los «verdaderos» Rhapsody of Fire, el teclista Alex Staropoli.

«Sir Christopher Lee»

En su sexto álbum de estudio lanzado en 2004 y ultimo como Rhapsody «Symphony of Enchanted Lands II – The Dark Secret», contaron con Christopher Lee como narrados a lo largo de este álbum. También aparece cantante invitado en la versión single de la canción «The Magic of the Wizard’s Dream». También en el primer álbum que la banda lanzó después de su cambio de nombre, «Triumph or Agony» de 2006, presenta una variedad de narradores invitados y actores de personajes, incluidos varios actores de la escena teatral de Londres, como Susannah York (Madre de Superman), además de contar de nuevo con el reconocido actor Christopher Lee, quien repetiría en «The Frozen Tears of Angels» y «The Cold Embrace of Fear – A Dark Romantic Symphony» ambos de 2010, «From Chaos to Eternity» de 2011 y de manera póstuma en «The Eighth Mountain» de 2019. Tras abandonar Rhapsody of Fire el vocalista Fabio Lione volvió de nuevo a esta otra banda italiana en la que ya militó llamada Vision Divine.

Vision Divine nació como un proyecto en solitario de Olaf Thörsen (Carlo Andrea Magnani) guitarrista de Labyrinth, al que se unió su antiguo compañero en Labyrinth Fabio Lione. Muy pronto este proyecto se convierte rápidamente en una banda, tomando su nuevo nombre del nombre anterior de Labyrinth (Vision) y del título que se suponía que se le daría al primer álbum en solitario de Olaf (Divine). En sus primeros tres años, la banda lanzó dos álbumes y comenzó a hacer giras. A finales de 2002, Olaf decidió dejar Labyrinth, para enfocarse solo en Vision Divine, mientras que por el contrario el vocalista Fabio Lione decide abandonar la banda un año después, siendo sustituido por Michele Luppi (actual teclista de Whitesnake) quien abandona Vision Divine en mayo de 2008, volviendo de nuevo a la banda Fabio Lione. A mediados de 2018 Lione de nuevo abandona el grupo siendo sustituido meses después por Ivan Giannini, quien graba con Vision Divine lo que hasta la fecha es su ultimo trabajo, «When All The Heroes Are Dead» de 2019, que cuenta con el prestigioso batería Mike Terrana quien se incorporó a la banda en 2016 y quien nos lleva a una de las innumerables bandas en las que ha militado, The Ferrymen.

El guitarrista y productor Magnus Karlsson (Primal Fear) el vocalista Ronnie Romero (Lords of Black, Rainbow) y el batería Mike Terrana (Rage, Axel Rudi Pell y muchos más) unen sus fuerzas en este proyecto llamado The Ferrymen, bajo el paraguas del sello discográfico especializado en «mezclar» a músicos talentosos, Frontiers Records. Hasta el momento han publicado tres álbumes, su debut homónimo de 2017, «A New Evil» de 2019 y «One More River to Cross» de 2022. En todos ellos predominan la melodía y la fuerza de las guitarras convirtiendo a esta «banda» en una de las mejores dentro del heavy melódico, que tristemente al tratarse de un proyecto, no tiene la continuidad ni por supuesto las giras como si de una banda convencional se tratase. En todos los álbumes el guitarrista Magnus Karlsson se encarga de los teclados y los bajos. Y precisamente el nos lleva a otro de los proyectos en los que esta involucrado, Starbreaker.

Starbreaker también comenzó como el proyecto paralelo del vocalista Tony Harnell mientras aún estaba en TNT, después de grabar el álbum de TNT «All the Way to the Sun» en 2005. Inicialmente, Harnell estaba trabajando en un disco en solitario, pero junto al guitarrista Magnus Karlsson, el ex batería de TNT John Macaluso y el bajista Fabrizio Grossi formaron una nueva banda en lugar de un proyecto en solitario de Harnell. La banda lanzó su primer álbum de estudio homónimo en 2005. Tras el lanzamiento del álbum, Harnell volvió a TNT, pero dejó la banda en abril de 2006. A finales de 2007, volvió a retomar Starbreaker como su principal proyecto musical, publicando en 2008 su segundo álbum titulado «Love’s Dying Wish» . El álbum contó con el nuevo bajista Jonni Lightfoot, quien reemplazó a Grossi. En 2009 se lanzó «Dysphoria», ultimo trabajo de la banda que cuenta con Anders Köllerfors como nuevo batería en sustitución de Macaluso, un musico que ha grabado más de 200 discos y tocado en múltiples giras mundiales con decenas de bandas y artistas, entre ellos este virtuoso de la guitarra llamado Michael Romeo.

Guitarrista estadounidense y miembro fundador del grupo de metal progresivo Symphony X, grabó su primer álbum en solitario «The Dark Chapter» en 1994. Originalmente fue grabado en 1992 como una demo que Romeo había enviado a varias publicaciones de guitarra, la demo que eventualmente se convertiría en su primer álbum atrajo la atención de un sello discográfico japonés llamado Zero Corporation, quien expresó interés en más material. Romeo se unió al teclista Michael Pinnella para volver a grabar el álbum para un lanzamiento en CD a través de Zero en 1994, después de lo cual ambos músicos formaron Symphony X. Este primer trabajo es completamente instrumental y tiene muchas similitudes con los estilos de metal progresivo exhibidos por Symphony X. «War of the Worlds, Pt. 1» es el segundo álbum en solitario de Michael Romeo, lanzado en 2018, más de dos décadas después de su primer álbum en solitario. En este álbum tan solo dos temas son instrumentales ya que Romeo se hace acompañar de Rick Castellano a la voz, John Macaluso a la batería y el bajista John DeServio, con quien Romeo fue a la escuela secundaria. Su ultimo trabajo «War of the Worlds, Pt. 2» de 2022, vuelve a contar con los servicios de Macaluso y DeServio pero esta vez las tareas vocales corren a cargo del joven cantante croata Dino Jelusick. El álbum sigue con el sonido de su predecesor, de nuevo, muy cercano al de su banda Symphony X con la que continuamos.

Tras publicar su primer trabajo en solitario en 1994 junto al teclista Michael Pinnella, Michael Romeo reclutó al bajista Thomas Miller, al batería Jason Rullo y al vocalista Rod Tyler. Su álbum debut homónimo fue grabado en el mismo año y lanzado en Japón por la ahora desaparecida compañía discográfica Zero Corporation. El segundo álbum de estudio de la banda, «The Damnation Game», se publicó seis meses después (ya en 1995). El cantante Rod Tyler había dejado la banda para entonces y fue reemplazado por el actual cantante Russell Allen. A finales de 1996 se publica «The Divine Wings of Tragedy» , álbum que introdujo a Symphony X en los círculos del metal. La respuesta positiva de la prensa especializada sirvió para consolidar a la banda en Europa mientras su éxito en Japón seguía creciendo. A fines de 1997 y durante parte del año siguiente, el batería Jason Rullo, tuvo que abandonar la banda por problemas personales siendo reemplazado temporalmente por Thomas Walling, quien grabó con ellos el álbum «Twilight in Olympus», lanzado a principios de 1998. Ese año también vio las primeras presentaciones en vivo de la banda. Su primer show oficial ocurrió en 1998, en Japón. Ese año el bajista Thomas Miller dejó la banda y fue reemplazado por Michael Lepond. Tambien en 1998 se lanzó el recopilatorio «Prelude to the Millennium», que incluía una versión de una canción del primer álbum, con Russell Allen en la voz. Jason Rullo volvió a la batería para el quinto álbum de la banda, «V: The New Mythology Suite», lanzado en 2000, bajo el importante sello progresivo InsideOut Music. El álbum fue su primer álbum conceptual, que trata sobre el mito de la Atlántida, la mitología del antiguo Egipto y la astrología. Durante la gira se grabó su primer álbum en vivo, «Live on the Edge of Forever», publicado un año después. En 2002, la banda lanzó «The Odyssey» y cinco años mas tarde «Paradise Lost», primer álbum de la banda en figurar en el Billboard 200 de EE.UU., alcanzando el puesto 123 y permaneciendo en esa lista durante una semana, además de alcanzar el número 1 en el Billboard Heatseekers y el top 100 en otros cinco países. «Iconoclast», se lanzó en Europa el 17 de junio y en América del Norte el 21 de junio como Standard Edition, así como en Digipack de 2 CD. «Iconoclast» debutó en el número 76 en la lista de álbumes Billboard 200 en los Estados Unidos, vendiendo más de 7.300 copias en su primera semana. El disco también debutó en el número 7 en el Top Hard Rock Chart, el número 19 en el Top Rock Chart y el número 13 en el Top Independent Chart. El noveno álbum de estudio de Symphony X «Underworld», fue lanzado en 2015. Tras la gira la banda se tomó u descanso que dura hasta este 2022. Durante todo ese tiempo los miembros de la banda han formado otras bandas o colaborado en ellas, además de participar en otros proyectos, como en el caso del bajista Michael Lepond quien grabó dos álbumes con el guitarrista Ross Friedman mas conocido como Ross the Boss.

Guitarrista norteamericano guitarrista, fundador tanto de la banda de punk The Dictators como de la banda de heavy metal protagonista de este episodio, Manowar. Después de que DeMaio le pidiera que «dejara la banda» después del álbum de 1988 «Kings of Metal», Ross se vio involucrado en decenas de bandas y proyectos durante los 90 y principios del nuevo milenio como su vuelta a The Dictators, Wild Kingdom, Heyday, Brain Surgeons, Thunderboss o The Thunderbolts entre otras. En 2008 publica su álbum debut como Ross The Boss «New Metal Leader» con músicos alemanes bajo el nombre de «The Ross the Boss Band» con quienes repite en su siguiente trabajo de 2010 «Hailstorm». En 2018 y 2020 publica «By Blood Sworn» y «Born of Fire» respectivamente. Ambos álbumes cuentan con una banda reformada compuesta por los músicos americanos Marc Lopes en la voz, Michael Lepond al bajo y en la batería Steve Bolognese.

Y Ross the Boss nos lleva a la banda protagonista de este episodio la cual fundo junto al bajista Joey DeMaio allá por 1980. Espero que os haya gustado y halláis disfrutado de la lectura y la música. Nos vemos en la próxima!!!

Episodio Nº39

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Hola a tod@s y bienvenid@s a una nueva entrada de Rock en Cadena. Esta vez lo hacemos con una banda que sin duda tiene un hueco en la historia del hard rock americano de principios de los 80, abriendo las puertas de la fama a decenas de bandas con un sonido y una imagen que reinaron durante muchos años en la escena metalera mundial. Activos hoy en día siguen peleando por que la llama de aquella fama «efímera» no se apague. Ellos son Quiet Riot.

Los primeros años con Randy Rhoads.

En 1973, el guitarrista Randy Rhoads y el bajista Kelly Garni forman una banda llamada Mach 1, el nombre pronto se cambió a Little Women antes de que finalmente se decidieran por Quiet Riot en mayo de 1975. El nombre de la banda se inspiró en una cita de Rick Parfitt de Status Quo. Parfitt declaró que pensó que el nombre «Quite Right» sería un buen nombre para la banda y el término se escuchó mal como «Quiet Riot». A la banda le gustó y eligió este como su nuevo nombre. A mediados y finales de la década de los 70, Quiet Riot ya se había convertido en uno de los grupos de hard rock más exitosos de Los Ángeles. Drew Forsyth, que anteriormente había tocado con Rhoads y Garni en una banda llamada Mildred Pierce, fue contratado como batería del grupo, y un fotógrafo de Los Ángeles llamado Kevin DuBrow fue contratado como vocalista. DuBrow no era para nada lo que Rhoads tenía en mente para su nueva banda, y no era del agrado de sus compañeros de Quiet Riot, situación que provocó mucha tensión dentro de la banda. Rhoads quería un líder en la línea de Alice Cooper o David Bowie, pero Dubrow fue persistente y no aceptaba un no por respuesta. Al final, Rhoads y Garni decidieron que, al menos, DuBrow compartía su entusiasmo y lo contrataron.

«Rhoads y sus característicos lunares»

Rhoads se convirtió en el punto de atención de la banda, tanto musical como visualmente. El tema de «lunares» que incorporó en el escenario se convirtió en la firma visual de Quiet Riot durante su tiempo en el circuito de clubes de Los Ángeles, con muchos fans que asistían a los shows de la banda con pajaritas y chalecos de lunares para emular lo que llevaba puesto el guitarrista en el escenario. Musicalmente, el talento de Rhoads como guitarrista comenzó a difundirse de boca en boca, haciendo que los fans del hard rock de todo Los Ángeles comenzaron a frecuentar los conciertos de la banda para escuchar al virtuoso guitarrista. En la década de los 70, Quiet Riot desarrolló una rivalidad amistosa pero intensa con Van Halen, banda con la que tocaban a menudo en varios clubes de Los Ángeles, antes de que cualquiera de los dos firmara un contrato discográfico. Mientras que Van Halen firmó con Warner Bros. en 1977 y lanzó un álbum debut que lograría alcanzar el Oro, el contrato de Quiet Riot con Sony vería sus primeros dos álbumes lanzados solo en Japón, álbumes que hasta hoy nunca han sido lanzados en los Estados Unidos. La banda grabó su álbum debut «Quiet Riot», o «QR I», en 1977 con un sonido mas cercano al «glam pop» que al hard rock o el glam rock.

Junto con su incapacidad para asegurar un contrato de grabación estadounidense, las tensiones entre el vocalista DuBrow y el bajista Garni comenzaron a dividir a la banda.

«Constante quería sacarlo de la banda y conseguir un cantante diferente. Lo odiaba, él me odiaba y no encontrábamos ninguna forma de llevarnos bien, lo que generaba mucha tensión en el grupo, generando mucho estrés en Randy para tratar de ser neutral».

Garni sobre su relación con DuBrow

Mientras se grababa «Quiet Riot II», la relación entre Garni y DuBrow finalmente llegó a su punto final. Después de robar licor en un bar, un Garni borracho intentó sin éxito convencer a Rhoads de que reemplazara al vocalista. Garni, borracho y portando una pistola, disparó al techo y se produjo una pelea a puñetazos entre él y Rhoads. Después, Garni quiso cruzar la ciudad hasta el estudio de grabación y matar a DuBrow, que estaba allí grabando voces para el nuevo album. Garni fue arrestado por conducir ebrio antes de llegar al estudio, y el plan para matar a su compañero de banda se desvaneció después de que recuperara la sobriedad. No obstante, el tiempo de Garni en Quiet Riot llegó a su fin rápidamente. Aunque su reemplazo, Rudy Sarzo, fue fotografiado y acreditado en «QR II», en realidad fue Garni quien tocó en el álbum. Su segundo álbum «Quiet Riot II», o «QR II» , fue lanzado en Japón en 1978.

«Sarzo entra en escena»

En 1979, Rhoads comenzó a cansarse de la situación dentro de Quiet Riot, así como de su incapacidad para firmar un contrato de grabación en Estados Unidos. A finales de ese año, audicionó para la banda de Ozzy Osbourne, quien quedó impresionado por el talento del guitarrista y lo contrató de inmediato. Poco después, el bajista Rudy Sarzo siguió a Rhoads a la banda de Osbourne, dejando en el aire el futuro de Quiet Riot. parecía muy incierto. Rhoads incorporó muchos riffs y fragmentos del material inicial de Quiet Riot en el nuevo material en el que estaba trabajando con Osbourne.

«Muchas de las canciones de Quiet Riot terminaron en los álbumes de Osbourne con diferentes títulos. Obviamente, Randy pensó que nunca volveríamos a usar esas canciones, así que le dio los riffs a Ozzy, quien incorporó sus letras. Por ejemplo, el riff principal de la canción de Osbourne «Suicide Solution» se originó como un riff secundario durante el verso de una demo de Quiet Riot titulada «Force of Habit».

Rudy Sarzo

Según DuBrow, la salida de Rhoads de Quiet Riot en 1979 parecía ser el final de la banda. Él y Forsyth intentaron continuar bajo el nombre de Quiet Riot con la incorporación del guitarrista Greg Leon. Pero la cosa duró poco y la banda se separara oficialmente en 1980. Sin Rhoads, los fans perdieron interés.

Éxito y caída.

A principios de 1982, después de haber reclutado al bateria Frankie Banali, al bajista Chuck Wright y al guitarrista Carlos Cavazo, DuBrow se puso en contacto con Rhoads para preguntarle si tenía alguna objeción en utilizar el nombre Quiet Riot para su nueva banda. Rhoads le dio su bendición, pero dijo que primero quería consultar con Rudy Sarzo. Sarzo no tuvo objeciones, y así Quiet Riot renació después de una pausa de dos años. Rhoads murió en un accidente aéreo mientras estaba de gira con Osbourne en marzo de 1982, y Sarzo dejó la banda de Osbourne unos meses después, teniendo dificultades para sobrellevar el dolor de perder a su amigo cercano y compañero de banda. Los «nuevos» Quiet Riot estaban grabando una nueva canción llamada «Thunderbird» como tributo a Rhoads, y DuBrow llamó a Sarzo para preguntarle si le gustaría participar en la grabación. La formación de DuBrow, Sarzo, Cavazo y Banali se divirtió tanto grabando la pista que terminaron grabando juntos más de la mitad del nuevo álbum. El bajista Chuck Wright ya había sido reemplazado brevemente por Gary Van Dyke, pero no estaba funcionando y Sarzo fue incorporado de nuevo a Quiet Riot como su nuevo bajista. Al estar tan reciente la muerte de Rhoads, hubo algunas dudas sobre la idoneidad de que la banda usara el nombre de Quiet Riot. La madre de Rhoads, Dolores, animó a la banda, y al final se decidió el continuar con el nombre.

«Sin duda la formación mas reconocida de Quiet Riot»

En septiembre de 1982, con la ayuda del productor Spencer Proffer, Quiet Riot finalmente firmó un contrato de grabación en Estados Unidos con CBS Records. El primer álbum con su nuevo sello fue «Metal Health» lanzado el 11 de marzo de 1983. El sencillo, «Cum On Feel the Noize» (una versión de una canción de 1973 de Slade) fue lanzado en agosto. El 27 de noviembre de 1983, este pasó dos semanas en el número 5 en la lista Billboard Hot 100 en noviembre de 1983 e hizo historia como la primera canción de heavy metal en romper el Hot 100. El éxito de el sencillo fue fundamental para marcar el comienzo de una nueva era de éxito sin precedentes para la música heavy metal en la década de los 80 y ayudó a llevar el álbum «Metal Health» a la cima de la lista de álbumes Billboard, lo que lo convierte en el primer álbum debut de heavy metal estadounidense en alcanzar el número 1 en los Estados Unidos. El 26 de noviembre de 1983, Quiet Riot se convirtió en la primera banda de heavy metal en tener un éxito entre los 5 primeros y un álbum número 1 en la misma semana. Su éxito fue ayudado en gran parte por la gran difusión del video «Cum on Feel the Noize» en MTV. Además el tema que daba titulo al álbum apareció en la popular película Footloose. «Metal Health» desplazó a «Synchronicity» de The Police en el n.° 1 y permaneció allí solo una semana hasta que «Can’t Slow Down» de Lionel Richie ocupó el puesto número 1. Su versión de Slade tiene su historia: Según cuenta Frankie Banali, el grupo no quería grabarla. Fue el productor Spencer Proffer el que les instó a que lo hicieran, tanto es así que incluso se saltaron uno de los versos del tema.

«Nunca me gustó esa canción pero tampoco es que pensara que fuéramos los mejores compositores del mundo. En aquellos tiempos siempre estaba cabreado.»

Dubrow sobre «Cum on feel the Noize».

«El productor quería que la grabáramos. No me importó demasiado pero Kevin rechazó la idea. Slade no era el tipo de grupo que solíamos escuchar. Todos quedamos en decirle al productor que estábamos trabajando en la versión aunque no era cierto. Cuando llegó el momento de la grabación nuestra idea era hacerlo tan mal que el productor no pudiera incluirla en el disco. De hecho, yo mismo entré en la cabina para decirle que no habíamos hecho nada y que íbamos a meter la pata. Le dije que se podría meter en el disco como algo divertido y me dijo que estaba de acuerdo. Kevin quería que no tocáramos bien pero no lo hicimos. En mi ADN están las ganas de hacer las cosas bien y decidí tocar a mi manera. Cuando terminamos el productor dijo que había quedado todo muy bien. El ingeniero de sonido había grabado la toma. La escuchamos y nos gustó. Kevin estaba furioso.»

Banali sobre «Cum on feel the Noize».
«Metal mask man, o lo que es lo mismo, la mascota de Quiet Riot»

El siguiente álbum, «Condition Critical», fue lanzado el 7 de julio de 1984. Aunque tuvo éxito, fue una decepción comercial y crítica, vendiendo 1 millón de unidades y alcanzando solo el número 15 en la lista de álbumes de Billboard. Este lanzamiento incluyó otra versión de Slade, «Mama Weer All Crazee Now». La portada mostraba al mismo hombre con una máscara de metal que ya aparecía en la portada del anterior álbum, así como en muchas de las portadas de álbumes posteriores de la banda, lo que lo convierte en la mascota de la banda.

Frustrado por el fracaso del álbum al no conseguir el éxito de su predecesor, DuBrow comenzó a expresar su opinión en la prensa de heavy metal de que muchas bandas en la escena del metal de Los Ángeles debían su éxito a las puertas que Quiet Riot les abría. En un momento incluso comparó a su banda con The Beatles. Los ataques verbales de DuBrow enfurecieron a muchos de los contemporáneos musicales de Quiet Riot haciendo que los fans siguieran su ejemplo. Las «opiniones» de DuBrow provocaron una reacción violenta de los fans además de enfrentamientos en los medios con varias otras bandas de metal con sede en Los Ángeles. Esto provocó la salida de Rudy Sarzo del grupo en marzo de 1985. Sarzo fue reemplazado por Chuck Wright, que volvía después de cinco años de ausencia de la banda. También se agregó temporalmente al teclista John Purdell para su gira de 1986. Ese año se lanzó el disco «QR III», que se convirtió en otra decepción comercial. Las ventas fueron aún más bajas que su anterior lanzamiento, alcanzando solo el puesto 31 en las listas de EE.UU. sin lograr ninguna certificación. Marcó el salto final de Quiet Riot desde el estrellato, ya que los siguientes lanzamientos de la banda no entrarían en las listas.

Hartos de las payasadas de DuBrow, la presión de los managers y el sello discográfico de la banda, el resto de Quiet Riot despidió a DuBrow de su propia banda en febrero de 1987 y lo reemplazó por el ex vocalista de Rough Cutt, Paul Shortino, sin dejar miembros originales en la banda. Chuck Wright dejó el grupo poco después y Sarzo fue invitado a regresar. Sarzo estuvo de acuerdo, y aunque técnicamente estaba de vuelta en la banda e incluso apareció en algunas fotos de prensa para este breve enlace, también estaba comprometido en ese momento con Whitesnake y no podía continuar.

«McNabb, Banali, Shortino y Cavazo, así acabaron los 80 Quiet Riot»

Posteriormente el grupo reclutó a Sean McNabb para el puesto de bajista. La banda renovada lanzó su segundo álbum homónimo, «Quiet Riot» (también conocido como «QR IV»), en octubre de 1988. El álbum no logró devolver a la banda a su gloria comercial. En abril de 1989, los miembros de la banda se separaron. Un espectáculo de su gira final fue lanzado más tarde en un DVD titulado «’89 Live in Japan». Mas tarde, Kevin DuBrow luchó en los tribunales para mantener el control del nombre de la banda.

Reunión y nueva disolución.

Habiendo ganado los derechos del nombre de la banda, DuBrow se unió al guitarrista inglés de 21 años Sean Manning, el bajista Kenny Hillery y el batería Pat Ashby para reformar Quiet Riot. Durante la gira el grupo usó el nombre Little Women (un nombre que Rhoads y DuBrow usaron en la década de los 70 antes de decidirse por Quiet Riot) para evitar cualquier publicidad adversa, DuBrow y Manning comenzaron a escribir temas para un nuevo álbum. Al comenzar los 90, la relación entre los ex compañeros de banda Carlos Cavazo y Kevin DuBrow, se volvió mas relajada y comenzaron a comunicarse nuevamente. Eventualmente formaron la banda Heat en 1991 con el bajista Kenny Hillery y el batería Bobby Rondinelli. Este cuarteto volvió a llamarse Quiet Riot al año siguiente y lanzó «Terrified» en 1993 con Banali reincorporándose a la batería después de que Bobby Rondinelli se uniera a Black Sabbath. Aun así Rondinelli grabó algunos temas del álbum. Este trabajo fue producido por DuBrow y de nuevo volvia a acontar con una version, esta vez de Samal Faces. Muchas de las canciones del álbum aparecieron en la película «Dollman vs. Demonic Toys» de hecho, el álbum se lanzó en Moonstone Records, discográfica que editaba las bandas sonoras de la compañía cinematográfica Full Moon Entertainment. Chuck Wright se unió al grupo para la gira de 1994.

«Los Quiet Riot de los 90…no serán los únicos»

Ese mismo año, DuBrow lanzó «The Randy Rhoads Years», una recopilación con pistas remezcladas de los dos lanzamientos exclusivos de Quiet Riot en Japón junto con material inédito, la mayoría con voces regrabadas. La banda lanzó el álbum «Down to the Bone» en marzo de 1995 y el recopilatorio «Greatest Hits» en febrero de 1996. Este ultimo solo contenía material de los años de CBS, incluidas tres pistas del álbum de 1988 con Shortino y dos pistas en vivo publicadas anteriormente solo de manera promocional. El ex bajista Kenny Hillery, que había dejado el grupo en 1994, se suicidó el 5 de junio de 1996 con tan solo 26 años. Rudy Sarzo se reincorporó a la banda nuevamente en enero de 1997, reuniendo la formación de «Metal Health». En marzo de 1999, la banda lanzó el álbum «Alive and Well», que presentaba nuevas canciones y varios éxitos regrabados. La misma formación lanzó el álbum «Guilty Pleasures» en mayo de 2001. En agosto de 2002, el ex vocalista Shortino reemplazó a DuBrow en tres conciertos cuando este enfermó de gripe. En septiembre de 2002 se filmó una actuación del grupo en el Key Club de Los Ángeles. El resultado fue el DVD en vivo «Live in the 21st Century» que fue lanzado el 11 de noviembre de 2003. Quiet Riot se disolvió de nuevo de manera oficial en septiembre de 2003.

De nuevo en acción.

En octubre de 2004 se anunció una nueva reunión de Quiet Riot que incluía a Kevin DuBrow, Frankie Banali, Chuck Wright, y el nuevo guitarrista Alex Grossi. En diciembre de 2005, el guitarrista Tracii Guns de L.A. Guns se unió brevemente a Quiet Riot. Guns se fue después de menos de un mes debido a diferencias musicales. Wright y Grossi dejaron la banda a principios de 2006. Durante este período, Quiet Riot también incluyó a los guitarristas Billy Morris y Neil Citron y a los bajistas Sean McNabb y Wayne Carver. . Quiet Riot lanzó el 3 de octubre de 2006 el álbum «Rehab», con una formación de DuBrow, Banali, Neil Citron y Tony Franklin, ex bajista de The Firm y Blue Murder, como musico de sesión. A finales de 2006, Wright y Grossi regresaron a la banda para la gira en apoyo del álbum.

«Sin duda uno de los iconos del Heavy. D.E.P.»

El 25 de noviembre de 2007, Kevin DuBrow fue encontrado muerto en su apartamento de Las Vegas, los informes de los medios determinaron que había muerto por una sobredosis de cocaína aproximadamente seis días antes de que encontraran su cuerpo. Tras la muerte del cantante, Banali aseguró que no se planteaba una reunión de Quiet Riot. A pesar de ello Banali anunció en septiembre de 2010 una nueva versión de Quiet Riot con él mismo en la batería, Chuck Wright en el bajo, Alex Grossi en la guitarra y el nuevo vocalista Mark Huff (anteriormente miembro de la banda tributo a Van Halen 5150). Al parecer la madre de DuBrow animó a Banali a revivir la banda. En enero de 2012, mientras Huff esperaba para una cirugía cerebral, Quiet Riot emitió un comunicado, anunciando que se habían separado de Huff y que lo reemplazarían para las próximas fechas con Keith St. John (anteriormente en Montrose). Huff se enteró de su despido por internet. En marzo de 2012, Banali contrató al desconocido vocalista Scott Vokoun para reemplazar a Huff como nuevo vocalista de la banda. En noviembre de 2013, se anunció que Scott Vokoun se había separado amistosamente de Quiet Riot, y que su reemplazo sería el vocalista de Love/Hate, Jizzy Pearl. El 29 de abril de 2014 se estrenó en el Festival de Cine de Newport Beach una película documental de Quiet Riot, titulada «Well Now You’re Here, There’s No Way Back» (llamada así en referencia a la letra de la canción de la banda «Bang Your Head (Metal Health)»). El documental esta dirigido y producido por la prometida de Banali, Regina Russell.

Cambios de vocalistas y últimos años.

En junio de 2014, la banda lanzó su nuevo álbum, titulado «Quiet Riot 10» (también conocido como «10» o «Quiet Riot Number 10»), su primer lanzamiento de estudio en ocho años y el primero desde su reforma más reciente. Aunque es un álbum de estudio, las últimas cuatro pistas de «Quiet Riot 10» son presentaciones en vivo tomadas de algunos de los shows finales de la banda con DuBrow en 2007. Las pistas de bajo se dividieron entre Rudy Sarzo, Tony Franklin y Chuck Wright con dos temas cada uno, además este ultimo aparece en las grabaciones en vivo.

«Pearl, Vokoun, Nicols y Huff, vocalistas de Quiet Riot»

El vocalista Jizzy Pearl dejó la banda a finales de 2016 y fue reemplazado por el ex vocalista de Adler’s Appetite, Seann Nicols. El 13 de febrero de 2017, la banda anunció que lanzaría un nuevo álbum, sin embargo, en marzo, se anunció que Nicols había dejado la banda y que James Durbin (participante del talent show norteamericano American Idol) sería el nuevo cantante. Posteriormente, la banda anunció que el álbum se retrasaría hasta el verano de 2017 para que todas las voces de Nicols pudieran ser reemplazadas por las de Durbin con nuevas letras y melodías. Finalmente «Road Rage», decimotercer álbum de estudio de Quiet Riot, se lanzó el 4 de agosto de 2017.

«Quiet Riot con Durbin como vocalista»

Banali se vio obligado a no asistir a varios shows de Quiet Riot a lo largo de 2019 mientras recibía tratamiento para el cáncer de páncreas en etapa IV, aunque no reveló su diagnóstico hasta octubre de ese año. Fue reemplazado por el ex batería de Type O Negative, Johnny Kelly, o el ex batería de W.A.S.P., Mike Dupke , según la disponibilidad de cada cada uno. En septiembre de 2019, Durbin dejó la banda y Pearl fue contratado de nuevo como vocalista principal. Dos meses después, se lanzó «Hollywood Cowboys», el decimocuarto álbum de estudio de Quiet Riot, y el segundo y último en presentar a Durbin como vocalista.

«Toda una leyenda del Heavy Metal y de la batería. D.E.P.»

El 20 de agosto de 2020, Banali murió de cáncer de páncreas, diagnosticado dieciséis meses antes, convirtiéndose en el segundo miembro de la alineación de la era «Metal Health» en morir, tras la muerte de DuBrow en 2007. El 9 de septiembre de 2020, Quiet Riot anunció que continuaría sin Banali, quien deseaba mantener viva la música y el legado de la banda. Fue reemplazado por Johnny Kelly , quien había reemplazado a Banali en las giras de 2019 y 2020. El 2 de agosto de 2021, Quiet Riot anunció que el ex bajista Rudy Sarzo se reincorporaría a la banda reemplazando una vez más a Chuck Wright.

Seria un error no reconocer la importancia de Quiet Riot dentro del Heavy Metal o mas concretamente del «glam rock» o el «hair metal» que triunfó en los 80 no solo en U.S.A. si no también en todo el mundo, pero si es cierto que podría considerarse a Quiet Riot como una «one hit wonder band» (banda de un solo éxito), ya que mas allá de su versión de Slade y el éxito que supuso el álbum «Metal Health» poco mas se puede decir de su aportación a la música. Evidentemente abrieron el camino para que decenas de bandas lograran alcanzar el estrellato en esa década. Continuamos de la mano del vocalista que tuvo la difícil tarea de sustituir por primera vez a Kevin Dubrow, y lo hacemos con la banda de la cual provenía, Rough Cutt.

Paul Shortino fue vocalista de Quiet Riot tras el despido de DuBrow, pero antes de eso Shortino entró en el «show bussines» de la mano de esta banda, Rough Cutt, de la cual os hablé en el episodio dedicado a DIO, https://rockencadena.home.blog/2021/05/05/programa-no-29/, así que como siempre os contaré algún dato sobre ellos. La banda firmó con Warner Bros. Records en 1984 y el 1 de enero de ese mismo año actuaron en el programa de televisión «Rock Palace», presentado por el comediante Howie Mandel interpretando varias canciones, algo que les sirvió como escaparate a nivel nacional. También en 1984 Rough Cutt actuó en el famoso Marquee Club de Londres y en el Fabrik de Hamburgo, mucho antes de grabar su primer álbum de estudio. Después de esperar durante un año para trabajar con el productor Ted Templeman, Rough Cutt decidió grabar su álbum debut, «Rough Cutt» (1985), con Tom Allom, mas conocido por producir durante la década de los 80 a Judas Priest. El álbum contaba con un tema coescrito por Ronnie James Dio (quien «apadrinó» al grupo), dos mas coescritas por Wendy Dio, la esposa de Ronnie y también manager de la banda en ese momento, además de dos versiones, una de Erma Franklin (hermana de Aretha Franklin), aunque el tema es mas conocido por la versión de Janis Joplin y otra de la banda australiana The Choirboys. Tras la publicación de un segundo álbum, donde la banda hacia aparición con uno de sus temas en la famosa serie de televisión «Fama», y tras su gira por Japón, Shortino tomó la decisión de dejar la banda debido a diferencias internas sobre la dirección que debería tomar su música. Tras algunos intentos de continuar sin Shortino, tres miembros de Rough Cutt decidieron montar esta banda llamada Jailhouse.

Banda de Los Ángeles fundada en 1988 por el guitarrista Amir Derakh, el bajista Matt Thorr y el batería David Alford, todos ellos ex Rough Cutt. La banda la completaban el guitarrista Michael Raphael y el cantante Danny Simon. Jailhouse lanzó en 1989 el mini álbum en vivo titulado «Alive In A Mad World», grabado en el Roxy Club de Hollywood. El disco incluía cuatro temas en vivo y un tema acústico. Las ganancias de este álbum se donaron a las fundaciones «National Runaway Switchboard» y «Options House» para ayudar a los niños necesitados. Jailhouse obtuvo bastante difusión tanto en radio como en televisión (gracias a MTV) lo que les llevó a firmar un acuerdo con Enigma Records, pero poco después la discográfica se declaró en bancarrota, debido a esto y al surgimiento del movimiento grunge, el grupo se separó en 1991. En 1998, aquel álbum que nunca vio la luz se publicó bajo el nombre de «Jailhouse». Dos de los fundadores de la banda, el batería David Alford y el bajista Matt Thor fueron miembros de la primera formación de Ratt, entre 1978 y 1981, cuando el grupo todavía se llamaba Mickey Ratt. Precisamente el cantante de Ratt, Stephen Pearcy coescribió un tema de Jailhouse y Matt Thor fue productor y bajista de uno de los álbumes en solitario de Pearcy.

Stephen Pearcy formó en 1977 Mickey Ratt donde coincidió con el bajista Matt Thorr y el batería David Alford. En 1981 cambiaria el nombre de la banda a Ratt, y durante los siguientes diez años lanzaron cuatro discos multiplatino y tres álbumes de oro. Pearcy dejó la banda en 1992 y se reunió de nuevo en 1996 abandonando de nuevo la banda por segunda vez en 2000. Pearcy se reincorporó a Ratt en 2006 antes de irse nuevamente en 2014. Desde entonces Pearcy ha grabado cuatro discos en solitario bajo su propio sello independiente «Top Fuel Records». El último, «View to a Thrill», se lanzó en Frontiers Music/Top Fuel Records en noviembre de 2018. En 2005 se lanzó el álbum «Rat Attack – greatest hits» (Rat con una sola «T» ya que Pearcy no dispone de los derechos del nombre de la banda). El álbum, producido por el mismo y Matt Thorr, es una recopilación de temas clásicos de Ratt con un aire mas moderno. La banda que acompaña a Pearcy en solitario, Rat Bastards se une a él en varios cortes, además del ex guitarrista de Dokken, George Lynch y el ex guitarrista de L.A. Guns, Tracii Guns. Precisamente este ultimo nos lleva a esta banda con la cual colabora habitualmente llamados, Shameless.

Banda de glam rock formada en 1989 por el bajista Alexx «Skunk» Michael en Munich, Alemania. Tras la ruptura del grupo, Michael decidió reformar Shameless en 1998 junto al guitarrista BC. Alexx contó con la ayuda del batería Eric Singer (Kiss, Alice Cooper, Black Sabbath), quien presentó a Alexx a los vocalistas Steve «Sex» Summers (Pretty Boy Floyd) y Stevie Rachelle (Tuff) iniciando así una relación musical que dura hasta hoy. Desde entonces, la banda ha lanzado siete álbumes, un disco en vivo y dos recopilaciones. Todos los lanzamientos cuentan con apariciones especiales de miembros de Warrant, Guns & Roses, L.A. Guns, W.A.S.P., Motley Crue, Stryper, The Runaways o Kiss. Eric Singer es sin duda la persona que mas ayudó a esta banda a contar en sus trabajos con gente de grupos tan grandes como los mencionados anteriormente. Como ya os he contado en mas de una ocasión, Singer es tal vez de los baterías que mas han grabado, girado y colaborado con mas bandas a lo largo de su carrera, una de ellas es esta llamada Stream.

Proyecto formado por el guitarrista francés Peter Scheithauer quien en 1988 grabó su primer trabajo homónimo con músicos franceses y un segundo álbum en 1995, «Take It Or Leave It» junto a los músicos americanos Dave Spitz en el bajo (ex Black Sabbath), David Reece, ex Accept a la voz, y los baterías Stet Howland, ex W.A.S.P. y Jay Schellen ex Hurricane. Diez años después de crear este proyecto, se publica en 1998 «Nothing Sacred». En este trabajo el guitarrista se acompaña del ex vocalista de Guiffria David Gleen Eisley, Eric Singer a la batería y el mítico bajista Bob Daisley (Ozzy Osbourne, Gary Moore, Rainbow). También colaboran en este trabajo un ex Quiet Riot, el bajista Chuck Wright y el tristemente fallecido Pat Torpey, batería de Mr. Big, el cual también colaboró, ese mismo año, 1998, en el álbum de su más tarde compañero en Mr. Big, Richie Kotzen.

Richie Kotzen, guitarrista, cantante, compositor, y productor, descubierto por Mike Varney de Shrapnel Records, con quien grabó su primer álbum en solitario a la edad de 19 años. Un año después, en 1988 se publicó un segundo álbum llamado «Fever Dream», el primero en presentar temas vocales con el mismo como voz principal. En 1991, a los 21 años, Kotzen se unió a la banda de glam metal Poison , coescribiendo y actuando en el álbum «Native Tongue». A finales de 1993, Rikki Rockett, bateria de Poison, descubrió que Kotzen estaba teniendo una relación con la entonces prometida de Rockett, Deanna Eve. Kotzen fue despedido de la banda debido a este incidente. Kotzen se centró en su carrera en solitario, lanzando regularmente álbumes de rock melódico influenciados por el R&B/soul/blues y funk. También hizo apariciones especiales en varios álbumes de artistas como Glenn Hughes, Stevie Salas, TM Stevens y otros. En 1995 y 1997 colaboró ​​con el guitarrista Greg Howe en dos álbumes de jazz rock fusión. En 1999, Kotzen reemplazó a Paul Gilbert como guitarrista de Mr. Big. Tras la disolución de Mr. Big Kotzen siguió grabando y produciendo discos. En 2012 formó el supergrupo de rock The Winery Dogs junto a Mike Portnoy (ex Dream Theater) y Billy Sheehan compañero en Mr. Big y miembro fundados de esta banda con la que «debutó» en el mundo del rock llamada Talas.

Power trio formado en Buffalo en 1974 con Dave Constantino en la guitarra, Paul Varga en la batería y Billy Sheehan en el bajo, los tres se alternaban en la voz principal. En sus primeros días la banda tocaba una mezcla de versiones y material original. La banda se hizo muy popular en los 70 a nivel local, fama que se extendió que se extendió al noreste de los EE.UU. y a Canadá. A finales de los 70, después de que Sheehan regresara a Talas tras su paso por una banda llamada Light Years, abrieron un concierto para UFO en Buffalo. Esto llevó a Sheehan a asociarse con el guitarrista Michael Schenker y también lo ayudó a conseguir el puesto como bajista en la gira de UFO en 1983. La presentación a nivel nacional de Talas ocurrió en 1980, cuando abrieron treinta espectáculos para Van Halen. Sin embargo el éxito no llegaba, a pesar de que en esos días el hard rock «reinaba» en USA. Talas seguía sin firmar contrato discográfico, en parte debido a la mala gestión de sus managers. En 1979 lanzaron de forma independiente su L.P debut «Talas» en y «Sink Your Teeth into That» en 1982. Sheehan quería llevar a la banda a un nivel superior, mas allá del éxito como banda «local» y reformó Talas con otro batería (Mark Miller), otro guitarrista (Mitch Perry) y un cantante solista, Phil Naro, con quien Sheehan había trabajado a finales de la década de 1970 en su proyecto paralelo The Billy Sheehan Band. Talas lanzaría solo un álbum más, el directo «Live Speed ​​on Ice». Después, Mitch Perry dejó la banda, y fue reemplazado por Johnny Angel, quien tocó la guitarra con ellos en su gira por Estados Unidos en 1985/86 como teloneros de Yngwie Malmsteen. Hubo un cuarto disco de Talas, «supuestamente» titulado «Lights, Camera, Action» pero nunca se editó, quedándose únicamente como una demo debido a que Sheehan se fue para unirse a la banda de David Lee Roth. Antes de disolverse Talas continuó brevemente sin Sheehan, tan solo con Phil Naro además de Al Pitrelli en la guitarra, Bruno Ravel en el bajo, Jimmy Degrasso en la batería y Gary Bivona en los teclados. En 1988 la formación original de Talas (Sheehan, Varga y Constantino) se reunieron para una serie de conciertos «nostálgicos» dando como resultado el álbum en vivo «If We Only Knew Then What We Know Now…» que presentaba temas clásicos mas algunos compuestos para la ocasión. El guitarrista de Talas Mitch Perry nos lleva a la siguiente banda, Badd Boyz.

Badd Boyz, banda formada por Paul Shortino y el bajista Sean McNabb cuando ambos abandonaron Quiet Riot. El grupo contaba además con los guitarristas Mitch Perry (Steller, Talas) y Michael Guy (Shark Island, House of Lords) y el batería Rich Carlton. Dirigidos por Wendy Dio, la banda tenía un contrato con una discográfica, pero el álbum no fue editado, así que la banda se separó. La mayoría de las canciones fueron grabadas en 1989, otras fueron completadas más tarde por Shortino con diferentes músicos y más tarde editadas por un sello japonés en 1993, siendo Japon el unico lugar donde se publico el trabajo de Badd Boyz. En 2021 Shortino se encargó de publicar el álbum remasterizado para su distribución mundial con una nueva portada y bajo el titulo «No, No, Nikkie». Y son Sean McNabb y Paul Shortino, dos ex Quiet Riot, los que nos llevan a los protagonistas de este episodio, Quiet Riot. Si has llegado hasta aquí, gracias por tu lectura y recuerda…sube el volumen y disfruta!!, hasta el próximo episodio!