Rock en cadena

Bienvenidos y bienvenidas a una nueva entrada y un nuevo episodio del podcast Rock en Cadena.
Hoy estamos de aniversario, y para celebrarlo queremos rendir homenaje a una de las bandas más queridas, respetadas y trascendentales del rock español. A medio camino entre el hard rock, el punk rock y el heavy metal, encuadrados en la escena del rock urbano e incluso dentro del rock radical vasco, esta banda construyó un lenguaje propio que con el tiempo se convirtió en identidad colectiva. Con más de 20 álbumes publicados, más de mil conciertos a sus espaldas y un legado imposible de medir solo en cifras, hablamos de un grupo que marcó a varias generaciones y que aún hoy continúa resonando en la memoria sentimental del rock en castellano. Ellos son Barricada.

Un sueño llamado Barricada.

A finales de 1981, Enrique Villarreal «El Drogas», con tan solo 20 años y recién llegado de la “mili”, empezaba a comentar sobre los grupos de rock locales de Pamplona en el programa Más o menos rock, emitido en la emisora Radio Paraíso y dirigido por Marino Goñi (creador del sello Soñua). Tras su paso por la banda Kafarnaún y recuperándose de una tuberculosis, El Drogas comenzó a gestar la idea de un nuevo proyecto musical: una banda que canalizara su visión del rock directo, auténtico y sin retoques. El nombre lo tenía claro: Barricada. Una referencia a su barrio, La Txantrea (Pamplona), donde durante aquellos años de tensión social las barricadas eran habituales; un símbolo poderoso, callejero, de resistencia y rabia contenida. Entrado 1982, el destino le puso frente a sus ojos el germen de lo que sería Barricada. Durante una actuación del grupo Némesis en el Rastro de la Txantrea, El Drogas quedó impactado por la fuerza y la actitud de uno de los guitarristas. Sin conocerlo, convencido de que ese espíritu encajaría con su proyecto, días después lo abordó en un autobús. Entre referencias a Motörhead, le ofreció formar parte de su nueva banda. El guitarrista, cuatro años más joven: Francisco Javier Hernández “Boni” aceptó sin dudarlo. Ese acercamiento fortuito disparó el comienzo de Barricada. Juntos comenzaron a trabajar en las primeras canciones, influenciados por una onda glam/rock a lo Slade o Suzi Quatro, muy diferente al rock pesado o punk que posteriormente les definiría.

Pocos meses después, ofrecen al Drogas la opción de telonear a la banda Kaifás en el Rastro de la Txantrea. El problema: aún no tienen batería fijo. Tras probar varios candidatos sin éxito, recurren a un viejo compañero de el Drogas: José Landa, también ex de Kafarnaún. Con él, ensayan y completan las seis primeras canciones de Barricada justo a tiempo para el concierto. El 18 de abril de 1982 Barricada debuta como banda. El concierto es un éxito, el Drogas aparece en el escenario desde dentro de un ataúd, sacándose una calavera de debajo de una capa. El concierto acaba con el Drogas destrozando a hachazos varios televisores. De nuevo el destino se cruza en el camino de la banda, el próximo en entrar en el grupo, se encuentra entre el público viendo la actuación.

«Nosotros nos diferenciamos de los demás grupos de Pamplona en los textos, nuestras letras tienen un fuerte compromiso social, nuestra música es simple pero fuerte, un rock salvaje».

Declaraciones de Barricada a la revista «El Rastrojo» de la Asociación de Vecinos de la Txantrea.

Landa, sabiendo que su servicio militar estaba a punto de comenzar y que sería imposible mantener un compromiso estable, puso el último ladrillo en la construcción del grupo antes de marcharse. Presentó a Enrique y a Boni a un joven batería que acabaría marcando para siempre el ritmo y el pulso inicial de Barricada: Mikel Astraín, procedente de la banda Etorkizuna. La llegada de Mikel lo cambia todo. El nuevo trío quiere profesionalizarse. Mikel no tenía trabajo y, para igualar la apuesta, el Drogas renuncia al suyo como soldador y Boni deja atrás el jornal de limpiacristales. El rock ya no era un entretenimiento, sino un modo de vida que exigía total entrega. Con la ayuda del padre de Mikel consiguen un lugar donde ensayar: un viejo cuarto de aperos en Huarte (Navarra). Allí nacen las primeras canciones que con el tiempo se convertirían en himnos. «En la silla eléctrica» y «Alambre de espino» toman forma entre esas cuatro paredes. Boni y el Drogas se alternaban en las voces, aunque ninguno de los dos terminaba de sentirse cómodo. Pero la urgencia creativa podía más que las dudas y la banda siguió adelante.

El segundo concierto de Barricada llegó poco después, en Motxuelo (actual barrio de La Milagrosa, en Pamplona), compartiendo cartel con Tubos de Plata. Para Mikel, fue el bautismo oficial tras los parches. Para el Drogas, un momento clave: el debut en directo de su inconfundible risa maléfica en «En la silla eléctrica», sello que quedaría para siempre ligado a Barricada. Pero la crudeza del contexto era parte del paisaje: en pleno subidón del tema, con el público encendido y la banda a punto de despegar, la policía local irrumpió y cortó la luz. Canción interrumpida. Rock versus orden. Barricada nacía ya chocando con el mundo.

El trío, que musicalmente cada vez sonaba más sólido, se dio cuenta de que necesitaban un segundo guitarrista para ganar cuerpo y expandir su sonido. La elección fue natural: Sergio Osés, ex-guitarrista de Kafarnaún (banda ya disuelta) se suma al proyecto. Y con él llegó una sorpresa inesperada. A diferencia de Enrique y Boni, Sergio sí disfrutaba poniéndose frente al micrófono, y eso le otorgaría un papel esencial en los inicios. Tanto es así que fue él quien puso la voz a cinco de los ocho temas del primer disco, mientras el grupo empezaba a contemplar seriamente la posibilidad de grabar con Soñua, el sello de Marino Goñi. Con la formación ya en forma de cuarteto, Barricada pasa el resto de 1982 tocando donde hiciera falta: gaztetxes, salas pequeñas, plazas y bares de cualquier barrio de Pamplona. Participan en un proyecto con el KATX (Komite Antinuclear de la Txantrea), que realizaba montajes teatrales reivindicativos. La primera colaboración se dio en el Parque Antoniutti: sonó una sirena policial y, entre carreras y caos controlado, los miembros del KATX irrumpieron entre el público generando tensión, ruido y espectáculo. La puesta en escena fue un éxito y la complicidad entre ambos colectivos creció tanto que los KATX terminaron visitando los ensayos en Huarte, ayudando a la banda a construir una narrativa escénica paralela al repertorio.

Así fue creciendo el espíritu contestatario, callejero y visceral de Barricada, que cerró el año por todo lo alto. En Nochevieja de 1982, Radio Paraíso y la revista Cuatrovientos organizaron en los Frontones Labrit el festival «Nochevientos de la Paraíso», un escaparate para buena parte de la escena navarra. Entre todos los grupos que actuaron, Barricada volvió a destacar con una fuerza que los diarios de la tierra no tardaron en recoger. Crítica tras crítica, se repetía el mismo diagnóstico: la banda era un vendaval imparable sobre el escenario.

«La presentación de la nueva formación de Barricada con Sergio Osés a la guitarra propició un sonido más compacto, una mayor fuerza musical y sobre todo una poderosa imagen que consolida al grupo, no ya como revelación del año 1982, sino como el más firme candidato al primer puesto de los grupos locales para
este año».

Juan Zapater en el diario Navarra Hoy, el 02 de Enero de 1983.

Los primeros álbumes.

El 8 de enero de 1983, y antes del concierto que Ramoncín iba a ofrecer en el pabellón Anaitasuna de Pamplona, el Drogas, que seguía colaborando en Radio Paraíso dentro del programa Más o menos rock, tuvo la oportunidad de entrevistarlo. La charla fluyó con naturalidad y terminó con cervezas en el Mesón de la Ribera. Fue allí, cuando Enrique le propuso al madrileño echar una mano con la grabación del primer disco de Barricada. Ramoncín no lo dudó.

Solo un par de semanas después, regresó a Pamplona para grabar la primera maqueta del grupo en los Estudios Soñua, mezcla que posteriormente se intentó realizar en los Estudios Track de Madrid. Pero la ilusión chocó con la técnica: tres días de grabación que terminaron en nada por problemas de compatibilidad entre las mesas de ambos estudios. El golpe fue duro, tanto que la banda incluso llegó a plantearse la disolución. Por suerte, la historia decidió no frenarse ahí. Meses más tarde, Marino Goñi les ofrece una nueva oportunidad: grabar de manera definitiva en los Estudios Tsunami de Donosti. Fue el impulso que necesitaban para seguir adelante. Aquella colaboración inicial con Ramoncín no quedaría reflejada en el álbum final. Aun así, en los créditos aparece que la producción y la armónica de «Pídemelo otra vez» son obra suya. La realidad fue diferente: la armónica era de Patxi Goñi y la producción, íntegramente de Barricada.

El disco no vería la luz hasta finales de ese mismo año. La portada, obra de Juan Zapater (periodista del diario Navarra Hoy) junto a Blanca Oria se realizó en el bar Viana. Una estampa cruda, directa, callejera, con los miembros del grupo jugando al billar mientras la mujer de el Drogas y la novia de Mikel asoman una pierna en actitud gamberra y provocadora. Pero no todo eran buenas noticias. Sergio Osés tuvo que marchar a Pontevedra para cumplir el servicio militar, y poco después Boni debía hacer lo mismo en Alicante. En el último momento tomó una decisión impulsiva: declararse insumiso, sin tener muy claro aún qué suponía aquello. Un vacío legal le permitió librarse del servicio y continuar con la banda.

El grupo está lanzado, con las canciones creciendo a base de sudor y carretera, y no puede permitirse un parón prolongado ante la ausencia obligada de Sergio. La mirada de la banda se dirige entonces hacia Alfredo Piedrafita, guitarrista de Pabellón Negro. La propuesta llega, pero él se lo piensa. No es una decisión sencilla: está trabajando como pintor, es padre, y entrar en Barricada implica dejar atrás la estabilidad para lanzarse de lleno a una vida que promete vértigo, riesgo y rock. Finalmente, Alfredo acepta probar. Su debut llega en diciembre de 1983, en el pabellón Anaitasuna, compartiendo cartel con Derribos Arias y Kontuz Hi. Apenas ha tenido tiempo de aprenderse seis temas de un repertorio de catorce, por lo que Barricada se presenta como trío reforzado: Drogas, Boni y Mikel tiran del espectáculo, mientras Alfredo entra a escena únicamente en parte del concierto. No es la formación definitiva todavía… pero algo encaja a la perfección.

A partir de entonces, y durante un breve tiempo, la banda llega a actuar como quinteto en tres ocasiones. La primera, para la grabación del videoclip «En la silla eléctrica», rodado en el callejón pamplonés del Pintamonas. La segunda, en un concierto en Barañáin (Navarra), donde Sergio (de permiso militar) se sube al escenario para cantar «Esta es una noche de Rock & Roll». La tercera, y sin saberlo todavía la definitiva, ocurre en la sala Canciller (Madrid) durante la presentación del disco «Noche de Rock & Roll». Sergio viaja con el resto del grupo, pero decide no subir al escenario; en cambio, se sienta en la mesa de mezclas. Y ahí ocurre la magia. El concierto suena brutal, nítido, poderoso. Sergio deslumbra a los técnicos (nada menos que los de Leño) demostrando su oído, su precisión y su sensibilidad para entender qué nota pesa, cuál respira y cuál sostiene todo el muro sonoro. Aquella noche deja claro que Barricada está destinada a crecer. Ya no se trata solo de un sueño de barrio; es una máquina encendida, rugiendo, reclamando su espacio.

Gracias a aquel concierto en la Canciller y al impacto que dejó la mezcla perfecta de energía y sonido, la presentación de «Noche de Rock & Roll» en Madrid alcanza un nivel que ni los propios Barricada hubieran imaginado. La capital los recibe con los brazos abiertos. Las ventas del disco se disparan, la prensa empieza a fijarse en ellos y el nombre de la banda comienza a correr de boca en boca con una velocidad de vértigo. Sin Sergio, que cantaba la mayoría de las canciones, se vuelve al dilema del puesto vocalista, algo que continuaba sin atraerle ni a Boni ni al Drogas. Finalmente no queda más remedio que repartirse las canciones en base de quien se adapta mejor a ellas

El 22 de enero de 1984, se celebra en el pabellón de Mendizorroza (Vitoria-Gasteiz) el Egin-Rock. Las bandas, elegidas por votación popular fueron: Rip por Guipúzcoa, Zarama por Vizcaya, Hertzainak por Álava y Barricada por Navarra. El concierto sirve para que Alfredo se presente ante una gran audiencia. Solo una semana después, los días 28 y 29 de enero de 1984, Barricada participa en las 24 horas de música de la 3ª Gran Fiesta del Estudiante y la Radio, celebrada en el emblemático Palacio de los Deportes de Madrid. La televisión pública española transmite el evento en directo a través de La 2 y Radio 3, algo que multiplica la visibilidad de la banda en todo el país. Barricada actúa el domingo a las 9:30 de la mañana, un horario ingrato para cualquiera… pero allí están.

Meses después, más concretamente el 17 de marzo, Barricada actúa en Artajona (Navarra). Lo que debía ser otro concierto más en la incansable ruta de la banda termina convirtiéndose en uno de los episodios más trágicos de su historia. A mitad del show, durante la interpretación de “Esperando en un billar”, la batería deja de sonar de golpe. El público no entiende qué ocurre, pero al girarse, la banda descubre a Mikel Astraín desplomado sobre la batería.

En un primer momento es atendido en el propio pueblo y se cree que puede tratarse de un simple corte de digestión. Sin embargo, es trasladado a Pamplona para observación. Su estado parece mejorar, y con ese rayo de esperanza deciden repetir el concierto al día siguiente, también en Artajona. Pero al término de la actuación la situación vuelve a empeorar de forma alarmante. El lunes 19 de marzo, Mikel es ingresado en el Hospital de Navarra. Allí se constata la gravedad real del cuadro y la necesidad de una intervención quirúrgica urgente para evitar daños mayores. Tras varios días de vigilancia, el 27 de marzo es operado. Durante la intervención se detectan derrames severos y una pérdida masiva de sangre que lo deja en estado crítico. La semana siguiente es una montaña rusa emocional para familiares, amigos y compañeros. Días de esperanza, de miedo, de incertidumbre. Finalmente, el 2 de abril de 1984, a causa de la rotura de un aneurisma intracraneal, Mikel Astraín fallece a los 24 años. El entierro es tan doloroso como simbólico. Sus amigos depositan en la tumba un poco de costo, unas baquetas y varias púas, objetos inseparables de su vida y su música. Un adiós prematuro para quien estaba llamado a seguir construyendo la columna vertebral sonora de Barricada.

«Mikel era realmente la esencia de lo que se entendía por miembro de un grupo de rock. Degenerado, muy simpático, era un batería inaudito: zurdo y cojo, porque de pequeño había tenido poliomielitis. Se dejaba querer muy fácil. Era una persona maravillosa».

El Drogas sobre Mikel.

A pesar del duro golpe la banda decide seguir adelante y comienzan a probar con distintos baterías, en un principio, simplemente para poder hacer un concierto homenaje a Mikel, entre ellos pasan Javier Lizarazu (alias «Puntxes» de Tahúres Zurdos), pero finalmente a través de Toño Muro y Marino Goñi contactan con Fernando Coronado ex-militante de grupos como Tocamás, Landrú y Neón Provos. Desde el primer ensayo, Fernando encaja a la perfección con lo que buscaba el resto de la banda. Unos cuantos días después, tras un ensayo, Fernando y su mujer, llevan al Drogas a su casa en coche, en el trayecto Fernando le transmite su interés por se parte de Barricada más allá del concierto homenaje a Mikel. El grupo ya lo había hablado previamente, y el Drogas le confirma que cuentan con él.

El sábado 17 de abril de 1984 se celebra en el frontón de Huarte (Navarra), el concierto homenaje a Mikel, con la participación de las bandas Tubos de Plata, Desde Atrás, Farenheit y Barricada. El concierto es gratuito y se cierra con todos los grupos juntos interpretando la canción favorita de Mikel: «Doctor, Doctor» de UFO. El concierto sirve también para presentar a Fernando como nuevo miembro de la banda.

Ese verano, el cuarteto se encierra en la casa parroquial de Endériz (Navarra) con sus familias, un caserío donde se elaboran las canciones que formarán parte del segundo álbum. La popularidad del grupo empieza a expandirse fuera de Navarra. Las compañías nacionales se interesan, huelen el potencial. Jaime Arias, desde Chapa Discos, mueve ficha para convencerles: quieren a Barricada en el sello. Pero el grupo ya ha dado su palabra a Soñua. Para los navarros la confianza vale más que cualquier cifra en un contrato. Con Soñua no hay cláusulas enrevesadas, ni promesas que se evaporan; hay una relación humana, cercana. Además, José María Blasco «el Buitre», el primer mánager de Barricada, trabaja para el sello, y su presencia resulta determinante. Firmar con Soñua significa mantener el control, crecer a su manera, sin traicionar el espíritu que los había llevado hasta allí.

La grabación del nuevo trabajo se lleva a cabo nuevamente en los estudios Tsunami de Donosti, ya territorio conocido para la banda. Pero esta vez todo es distinto: hay más horas de estudio, más material y, sobre todo, canciones mucho mejor trabajadas gracias a las semanas de encierro creativo en Endériz. El grupo llega con las ideas claras y la sensación de estar construyendo algo grande. A la producción se suma una figura que marcará profundamente el sonido del álbum: Rosendo Mercado, líder de los recién disueltos Leño. Su presencia, humilde, cercana, sin pretensiones, cala hondo en Barricada. Rosendo viaja desde Madrid hasta Donosti por pura afinidad, sin presión económica de por medio. Escucha, propone, corrige, sugiere arreglos, afina estructuras. Su manera de entender el rock encaja como un guante con la naturaleza directa y áspera del grupo. Durante las sesiones se respira respeto: Boni, el Drogas, Alfredo y Fernando observan, absorben, se empapan del criterio de un músico al que admiran dentro y fuera del escenario. El título provisional del disco iba a ser «Callejón sin salida», pero pronto surge un conflicto inesperado: el nombre ya había sido utilizado por Los Chunguitos. La banda necesita otro. Es entonces cuando rescatan una expresión que había marcado profundamente su identidad: «Barrio Conflictivo». Así había sido definida la Txantrea (su barrio) por Luis Roldán, a la sazón Delegado del Gobierno en Navarra (condenado en 1998 a 28 años de cárcel por malversación de fondos públicos, cohecho, fraude fiscal y estafa). Una etiqueta que pretendía ser estigmatizante se convierte en declaración de intenciones. Barricada hace suyo el insulto, lo invierte y lo devuelve multiplicado en forma de rock crudo, eléctrico y de barrio.

El álbum muestra a una banda que, tras el golpe emocional y el cambio de formación, no solo se recompone sino que emerge con un sonido más sólido. Entre las nuevas canciones destaca «Pon esa música de nuevo», un homenaje a Mikel Astráin. El tema, que en origen pertenecía al repertorio de Pabellón Negro (la banda anterior de Alfredo) contaba con letra de su hermano, Alberto Piedrafita. Sin embargo, durante el proceso creativo solo sobrevivió el título. Otra pieza clave del disco es el tema que le da nombre: «Barrio Conflictivo». La canción es un reflejo directo de la Txantrea, barrio que vio nacer al grupo, marcado durante años por tensión política. La grabación contó con colaboraciones corales de lujo: Rosendo, Jimy de Tijuana In Blue y Mari Luz de Neurosis.

El disco incluye también «Lentejuelas», primer tema del catálogo de Barricada escrito por alguien ajeno al grupo: Txema Arteta firma la música. La letra, a menudo asociada con Ramoncín por rumor popular, no tiene, sin embargo, destinatario concreto. Es una pieza construida desde la observación, desde cierta ironía distante hacia todo aquel que en ese mundillo termina creyéndose algo. Fue, además, el primer single del álbum, con «Okupación» como cara B en una versión inicial más suave que la que posteriormente aparecería en el tercer LP. Durante la gira del disco empiezan a aparecer nuevas canciones en directo, entre ellas «Okupación» y «Juegos Ocultos», dos piezas que germinan sobre el escenario antes de quedar registradas en estudio.

La imagen visual de «Barrio Conflictivo» también tuvo su historia. La portada, obra de Manolo Gil, mostraba una fotografía difuminada de un enfrentamiento entre civiles y la policía: una imagen cruda, coherente con el espíritu del disco. Durante años corrió el rumor de que la instantánea había sido tomada en la Txantrea, pero la realidad es otra: la fotografía provenía de Irlanda, captada en un contexto de disturbios que, pese a la distancia, encajaba con la atmósfera reivindicativa y tensa del álbum. La presentación oficial del álbum tuvo lugar en el autódromo de Lasarte (Guipúzcoa), con La Polla Records como teloneros. Aquella noche pasaría a la historia, no solo por la música, sino por el caos: el concierto terminó en batalla campal, donde un miembro de La Polla Records fue apuñalado por una pareja de punkis. Barricada logró salir indemne, defendiéndose con pies de micrófono para abrirse paso entre el tumulto. En Madrid, «Barrio Conflictivo» recibe una acogida excelente. La banda actúa durante dos noches consecutivas (8 y 9 de febrero) en la Sala Canciller, y para la ocasión cuentan con dos invitados de primer nivel: Rosendo Mercado y Ramoncín. El ambiente es histórico. El público está tan entregado que, al finalizar, acaba sacando a los chicos de Barricada a hombros. La conexión con la capital es ya total; Madrid se convierte en plataforma de expansión.

«Fue todo muy surrealista. Lo que más recuerdo es que me dolían los huevos de la hostia [risas]. Entre los pantalones vaqueros apretados, con las costuras, y la cabeza del susodicho…».

El Drogas sobre su experiencia de salir a hombros de la sala Canciller.

«Sin duda alguna Barricada son los mejores. Hacía tiempo que no me divertía tanto como espectador de un concierto. Estos tíos se lo van a comer todo. Y además no es que lo diga yo, es que no hay más que ver a esa basca como se lo está pasando».

Rosendo sobre el concierto en la sala Canciller.

A punto de cerrar la gira del disco, el grupo toma una decisión clave: despiden a su mánager José María Blasco “el Buitre”, tras diversos fallos organizativos en fechas por Aragón. Por recomendación de Rosendo, el relevo llega rápido: Cristóbal Cintas, con experiencia suficiente tras trabajar con Rosendo y con Miguel Ríos, pasa a encargarse de la logística de Barricada. Ese cambio marca un punto de inflexión. Con mejor gestión, la banda comienza a salir del circuito vasco-navarro para expandirse por el resto del Estado. Cada vez más ventas. Cada vez más conciertos. Cada vez más ruido.

De la Txantrea al mundo.

El crecimiento de Barricada ya era evidente. La repercusión de «Barrio Conflictivo», el tirón de los directos y el respaldo del público empujaban a la banda hacia un escenario más grande. Fue entonces cuando, de nuevo gracias a la mediación de Rosendo Mercado, surge la posibilidad de fichar por la multinacional RCA. El cambio suponía un salto enorme pasando del entorno familiar y cercano de Soñua a la maquinaria industrial de una compañía de peso estatal y eso generó fuertes dudas internas. Para el Drogas, la idea chocaba frontalmente con su manera de entender el rock y la independencia. Firmar con una multinacional implicaba profesionalización, pero también renunciar a parte del espíritu de barrio que había marcado a Barricada desde su nacimiento. Por otro lado, el salto significaba dejar atrás a un entorno humano muy cercano: los pipas de siempre, entre ellos el hermano de el Drogas, el hermano de Boni, Adolfo el furgonetero o Vicen el lucero. Aquella decisión no se tomó a la ligera, pero finalmente el grupo asumió el riesgo. El objetivo era claro: crecer sin perder la esencia.

En diciembre de 1985, Barricada se traslada a Madrid para grabar su tercer trabajo en los estudios Eurosonic, con Rosendo nuevamente como productor. De esas sesiones nacería «No hay tregua», el disco que asentaria la identidad definitiva de la banda. Durante el tiempo de grabación compartieron pasillos con Concha Velasco, actriz y cantante que estaba trabajando con su orquesta en el mismo estudio. Para evitar interferencias y aprovechar al máximo el tiempo, Barricada opta por grabar de noche. La anécdota más curiosa de aquellas sesiones tiene nombre propio: uno de los músicos de la orquesta de Concha Velasco fue quien interpretó el chelo que suena en la canción «No hay tregua». La paradoja y detalle casi cinematográfico, es que dicho músico era guardia civil. Un guardia civil tocando chelo para Barricada, en pleno 1985. Un cruce improbable para una canción que, con el tiempo, se convertiría en símbolo generacional.

Pero la entrada en RCA, lejos de ser un camino limpio y amplio, enseguida mostró sus curvas. Ocho letras del disco estuvieron a punto de ser censuradas por la propia multinacional. Resulta paradójico que la canción que daba título al álbum, «No hay tregua», tal vez la más delicada y susceptible de doble interpretación política en pleno contexto del conflicto vasco, fuese la única que no sufrió objeción alguna desde el primer momento. Sin embargo, piezas como «A pecho descubierto» fueron señaladas por la compañía. El motivo, visto con perspectiva, roza lo absurdo: el Director General de la discográfica, argentino, estaba convencido de que en la letra se decía «me la chupa» cuando en realidad el verso era «mi chupa y nada más». Un malentendido fonético que casi cercena una canción y que refleja el choque frontal entre la espontaneidad del rock callejero y la torpeza del filtro corporativo. La grabación concluye antes de Navidad y, con la agenda apretada por la multinacional, las mezclas se completan con prisas. El resultado, aunque potente, no satisface del todo al grupo. De aquella experiencia queda una certeza que Barricada mantendría grabada a fuego durante años: ni Madrid, ni grabaciones nocturnas, ni tiempos impuestos por terceros. Rock sí, pero con libertad.

A finales de enero del 86, «No hay tregua» ve por fin la luz. La acogida es notable y el disco posiciona a Barricada de manera firme dentro del panorama estatal. Sin embargo, la reacción en su tierra no es tan amable. Una parte del público en Euskal Herria les tacha de «vendidos» por haber firmado con una multinacional y por aparecer en televisión en playback. Una acusación incomprensible si se observa la realidad: mientras algunos les señalaban desde la pureza ideológica, la banda estaba precisamente discutiendo con la discográfica para evitar la censura y defendiendo canciones como «Okupación», inspirada en el colectivo Katakrack, que había tomado un local municipal en la calle Zapatería de Pamplona para desarrollar actividades sociales, teatrales y culturales. La portada del álbum vuelve a llevar la firma de Manolo Gil, esta vez junto a Jabi Villarreal, hermano de el Drogas, cerrando un disco que entre luces, sombras, tensiones y cicatrices marcaría para siempre la historia de Barricada.

Ese mismo año se graba «Iruña for Katacrack», una cinta de apoyo al colectivo en la que distintas bandas locales aportan temas. Barricada participa con una versión de «Solamente una vez» del mexicano Miguel Lara, un gesto claro de posicionamiento en un momento donde todo se leía políticamente. Pero pese al compromiso, la banda apenas toca en Euskadi durante ese año, consecuencia directa del distanciamiento con parte del público. Y aquí, el giro inesperado: esa especie de expulsión simbólica les obliga a salir a carretera, a tocar en lugares donde nunca habían estado, a expandirse. Lo que parecía una pérdida se convierte en una apertura.

El 11 de abril de 1986, participan en un festival musical en el paseo de Camoens (Madrid), en homenaje a Tierno Galván, alcalde de Madrid fallecido meses antes.

La popularidad de Barricada ya no era algo que se contaba, se veía. Camisetas en la calle, chavales con el logo estampado en la espalda… y por primera vez, los royalties comienzan a llegar con regularidad. El grupo ya no sólo vive de conciertos: cobra por derechos de autor, algo nuevo, casi surrealista para quienes venían del local de ensayo de Huarte y de cargar amplis por media Navarra. Y como todo en la vida barricadera, el dinero también venía acompañado de anécdotas marca de la casa. Un día, regresando a la Txantrea, llevan en el bolsillo 800.000 pesetas recién cobradas (unas 4.800 euros actuales) cuando se topan con un control policial armado hasta los dientes. Acababan de producirse un robo en un banco cercano y la zona estaba acordonada. Al registrarlos, los agentes encuentran el fajo y por radio se escucha la frase que congeló la sangre del grupo: «Ya los tenemos.» De allí, directos a comisaría. Explicaciones, caras largas, horas perdidas… todo hasta que la situación se aclara. Aunque la escena termina con un detalle tragicómico imposible de olvidar: Fernando desnudo en el calabozo, víctima de un cacheo integral que hoy sería imposible justificar. Una anécdota que con el tiempo se cuenta entre risas, pero que en su momento pudo haber acabado de forma muy distinta.

Y es que, lejos de ser un caso aislado, los controles policiales eran rutina. A veces era la secreta, a veces Guardia Civil, a veces Ertzaintza y otras cualquier policía local de algún pueblo de España . Algunas historias tenían incluso un punto humano: en ocasiones la policía les paraba y llamaba a sus hijos para que vinieran a verlos porque eran fans, en otras era la guardia civil, y mientras el más mayor de la pareja les echaba la bronca: «si yo hubiese sido vuestro padre», el joven les pedía un autógrafo, Pero no siempre el humor equilibraba la balanza. Una noche, de regreso tras un bolo, son detenidos en un control. Separan a la banda de sus roadies, los trasladan a un lugar apartado, los colocan mirando hacia el monte y, escopeta en mano, los miembros de un grupo GEOS les sueltan la frase: «Ahora sí que vais a componer una buena canción». No fue la única vez, ni la peor. La tensión era habitual en una época donde ser músico de rock, llevar melena y moverse en furgoneta vieja equivalía para muchos a drogadicto, delincuente o subversivo. Barricada vivió esa realidad desde dentro y en carne propia. La carretera era libertad, pero también riesgo. Y aun así, siguieron adelante. Más fuertes. Más reconocibles. Más Barricada.

En 1986 el nombre de Barricada empieza a ser reconocible más allá de los escenarios y los bares. El cine se cruza en su camino y lo hace de la mano de Montxo Armendáriz. El director navarro decide incluir en su película 27 horas dos canciones del grupo: «Esta es una noche de rock and roll» y «Míralo». La cinta, protagonizada por una jovencísima Maribel Verdú, actúa como un amplificador inesperado para la banda, que de repente escucha sus guitarras y su crudeza sonando en una sala de cine, iluminando una pantalla en la que jamás pensaron aparecer.

Aún más llamativa es la segunda aparición mediática de Barricada aquel mismo año: una de las canciones de su primer disco, «Esperando en un Billar», suena nada menos que en Barrio Sésamo, el programa infantil de TVE. En un episodio, Espinete (icono absoluto de la televisión de la época) baila con un grupo de niños frente a un radiocasete que escupe rock’n’roll navarro. La escena resulta tan inesperada como entrañable. El vínculo surge porque dos actrices interpretaban a unas hermanas en el programa, y una de ellas era precisamente la hermana del batería de Barricada, Fernando Coronado. Un cruce casual que terminó llevando la música de la banda al público menos imaginable.

Tras la publicación de «No hay tregua», y pese a tener firmado un contrato de larga duración, Barricada y RCA deciden separarse de mutuo acuerdo. No hubo conflicto público, pero sí cierta sensación de desencaje. La multinacional no era el hábitat natural del grupo, y el grupo tampoco parecía encajar del todo en el engranaje de la multinacional. Con la salida llega también un cambio de timón en la gestión. Su nuevo mánager, Cristóbal Cintas, logra un contrato con Polygram, una compañía que al menos sobre el papel prometía un trato más serio, o al menos distinto. En paralelo, Rosendo vuelve a tener presencia en la vida del grupo, esta vez dejando un regalo que cambiaría su forma de trabajar: un cuatro pistas. Aquel aparato no era solo un gesto de amistad, sino una herramienta que significaba evolución. Con él, cada miembro de la banda podía ahora grabar ideas en casa, pulirlas, experimentar. El descubrimiento de la grabación doméstica encendió una chispa creativa: comenzaron a adquirir más equipos, pequeños módulos y dispositivos que terminaron convirtiéndose en estudios caseros individuales. Barricada seguía construyendo en el local, pero ahora podía grabar ese espíritu desde casa.

El cuarto álbum y primero bajo el sello Polygram, marca un nuevo escenario físico y creativo para Barricada. El grupo abandona Madrid y viaja hasta los Estudios Mediterráneo de Ibiza, un lugar mítico para el rock duro estatal, frecuentado por bandas como Obús, Barón Rojo o Panzer. Allí les espera un entorno completamente distinto al que conocían: equipamiento técnico de última generación, mesas de mezcla imponentes y recursos que hasta entonces sólo habían visto de lejos. La aventura empieza con una señal casi simbólica. Nada más llegar a la isla, cae una nevada, un fenómeno que no se daba en Ibiza desde hacía décadas. De nuevo confían en Rosendo como productor. Pero esta vez el madrileño se encuentra solo en el estudio, sin ejecutivos alrededor marcando tiempos o frenando impulsos. Eso le permite experimentar, jugar, probar. La banda descubre nuevas técnicas: guitarras limpias, pistas grabadas al revés, baterías trabajadas al detalle. El estudio está disponible las 24 horas del día, lo que abre la puerta a sesiones nocturnas, ideas repentinas, pruebas sin mirar el reloj. La creatividad respira. Y crece. El sonido del disco comienza a tomar forma bajo la supervisión del técnico estadounidense Dennis J. Herman, que conecta de inmediato con los cuatro pamploneses. Su aportación afina el resultado: más matices, más profundidad, un Barricada que empieza a sonar diferente sin perder la crudeza que lo define.

«Me parece uno de los mejores discos de Pop que se han hecho en este país».

William, popular locutor de Radio Pamplona, tras escuchar el disco en el estudio.

Pero incluso en Ibiza, lejos del asfalto habitual, aparece una vieja sombra: la censura. Esta vez, a diferencia de experiencias anteriores, sí logra imponerse. La canción «Bahía de Pasaia» queda fuera del álbum. Su letra relata los sucesos del 22 de marzo de 1984, cuando cuatro miembros de los Comandos Autónomos Anticapitalistas: José María Izura, Rafael Delás (conocido de el Drogas), Dionisio Aizpuru y Pedro María Isart fueron abatidos por la Policía en el puerto de Pasajes. Un tema incómodo, políticamente sensible y demasiado reciente para que la industria lo permitiera.

El resultado de aquella estancia en Ibiza se materializa en «No sé qué hacer contigo», un álbum que marca una clara inflexión en la trayectoria sonora de Barricada. El grupo se aleja deliberadamente del heavy más ortodoxo que dominaba la escena del momento y se abre a nuevas influencias: The Who, Alarma, o Burning, nombres que aportan otra paleta de colores, más amplia, más urbana, menos metálica y más cruda en sentimiento. La estética también cambia. La portada abandona el tono combativo de discos anteriores y muestra la imagen de una chica con un gato, una elección visual más ambigua, más sugerente que explícita. El diseño corre a cargo de Jabier Villarreal y Anyi Moreno (hermano y cuñada de el Drogas) junto a Javier Balda y Asun Goicotxea. Además, el logotipo de Barricada se reinventa: Fernando Coronado firma una nueva tipografía, una identidad distinta para una nueva etapa. La respuesta del público confirma el acierto. Barricada ofrece dos noches consecutivas en la Sala Canciller de Madrid, y en ambas se cuelga el cartel de no hay billetes. La afluencia supera la capacidad: hay quien se queda fuera, sin lograr entrar. El ambiente es eléctrico. La banda ya no es solo una promesa del norte: es una realidad estatal consolidada. 1987 será recordado como uno de los grandes años de Barricada. Un punto de madurez, expansión y reconocimiento.

«Oye, por qué no echas la solicitud a la Volkswagen, que están cogiendo gente».

Consejo de la madre del Drogas en pleno auge de la banda.

En marzo de 1988, Barricada vuelve a pisar los Estudios Mediterráneo de Ibiza para dar forma a su quinto álbum. La decisión no es casual: la banda ya conoce el terreno, ha encontrado un espacio creativo fértil y, sobre todo, ha descubierto el potencial de Dennis J. Herman, técnico de sonido que había revolucionado su trabajo en «No sé qué hacer contigo». Su manera de grabar, abierta a experimentar con texturas, planos y efectos, aporta un brillo distinto: un sonido más internacional, más amplio, más profesional. Barricada está subiendo otro peldaño, consolidándose entre los grandes. El contenido del disco también marca un giro significativo. Las letras regresan a la calle, su hábitat natural, pero con una mirada más afilada y consciente. El grupo se adelanta a debates que en 1988 todavía no ocupaban titulares: la violencia de género en “Obsesión”, el sida en “Tiempos que arden”, o la lectura crítica del V Centenario del descubrimiento de América en “La hora del carnaval”. Temas incómodos que ponen sobre la mesa realidades crudas cuando aún eran evitadas por muchos. El álbum toma el nombre de una de sus piezas centrales: “Rojo”, con letra y portada diseñadas por Fernando Coronado. Aunque el texto nace de su afición personal por la tauromaquia, la banda decide darle la vuelta al mensaje, reinterpretándolo como una canción antitaurina y de denuncia del maltrato animal. Un movimiento arriesgado, más aún en un país donde la fiesta taurina forma parte del tejido cultural.

«Él la hizo taurina y yo la canto antitaurina».

El Drogas sobre la canción «Rojo»

El impacto de «Rojo» es inmediato. Más de 40.000 copias vendidas, (prácticamente el doble que sus anteriores lanzamientos) récord absoluto para la banda hasta ese momento. Barricada ya no es solo un nombre de la escena rock; empieza a convertirse en un fenómeno. Llenan espacios de gran tamaño, incluido el Palacio de los Deportes de Madrid, algo impensable apenas un par de años atrás.

Llega la fama.

Lo notable, sin embargo, es que el éxito comercial nunca fue el motor del grupo. Mientras el público crece y los números acompañan, Barricada mantiene los pies plantados en la parte esencial: las canciones. Su filosofía es clara: cada disco debe significar algo, tener una identidad propia. No se trata sólo de componer, sino de construir una obra completa: portada, concepto, sonido. El resultado es un crecimiento constante, casi matemático, pero guiado por criterios artísticos y no por estrategia de mercado.

Con esa inercia positiva, la banda regresa a los Estudios Mediterráneo, nuevamente con Dennis J. Herman a los mandos. La conexión técnica y artística es cada vez más sólida. Barricada ya se maneja con soltura en estudio, experimenta, arriesga, absorbe influencias. Llegan a Ibiza con los oídos abiertos, dispuestos a romper su propio molde, y esa actitud cristaliza en decisiones como incluir coros femeninos en “Yo soy quien necesitas esta noche”, un tema con aroma stoniano y rhythm and blues que amplía registros y demuestra que el grupo no se conforma con repetirse. El álbum que se gesta en esta etapa es un paso más en la evolución natural iniciada con «Rojo»: más matices, más riesgo, más ambición creativa. Barricada sigue en la brecha sin caer en la rutina, empujándose siempre hacia adelante. Pero justo cuando todo parece fluir, regresa la fricción. Polygram, la compañía que había prometido ser “más seria”, rechaza la canción que daría título a su siguiente disco: «En nombre de Dios». El tema era un golpe directo contra la Iglesia Católica y el Opus Dei, y la discográfica no está dispuesta a asumir ese choque frontal. La decisión enciende la mecha.

Y ahí aparece la cara más visceral de Enrique Villarreal «El Drogas». Normalmente afable, pacífico, pero impredecible cuando algo hiere su convicción o su libertad creativa. Bajo el efecto de las drogas y la rabia, reta al directivo de Polygram a un duelo a cuchillo. La reacción es tan desbordante que el ejecutivo se queda blanco; la tensión es absoluta. El conflicto entre arte y negocio, una constante soterrada en el rock, estalla por primera vez con toda su crudeza.

«Mira, te reto a navaja y a hostias». «¡Un reto a cuchillo!».

El Drogas al ejecutivo de Polygram.

Finalmente, el nuevo álbum ve la luz en 1989 bajo el título «Pasión por el ruido», después del enfrentamiento con Polygram que impidió utilizar el nombre original, «En nombre de Dios», y obligó a dejar fuera la canción que había generado el choque con la discográfica. El disco queda conformado por diez temas, aunque existe una pieza fantasma en la historia: «Patinazo», grabada durante las sesiones de «Rojo» pero descartada en su momento. Paradójicamente, acabaría apareciendo como single promocional regalado en tiendas y revistas junto al álbum, sin aprobación del grupo, hasta que años más tarde sería incorporada oficialmente en la reedición en formato CD. Una anécdota que refleja bien las tensiones de la época. Entre las canciones destaca especialmente «El general», el corte más oscuro del disco, con una letra centrada en la figura del dictador paraguayo Alfredo Stroessner. Un personaje responsable de miles de asesinatos, persecuciones políticas y del genocidio de los indígenas aché, derrocado curiosamente el 3 de febrero de 1989, en pleno proceso de grabación de «Pasión por el ruido». La portada del disco también guarda memoria del camino recorrido. Fernando Coronado se encarga del diseño utilizando una fotografía tomada durante la grabación de «Rojo» en Ibiza, editada digitalmente para la ocasión.

Otro hito importante llega con este disco: el primer videoclip profesional del grupo, correspondiente al tema «Correr a ciegas». El rodaje se desarrolla en Urbasa, Zugarramurdi y en el secadero de madera de Aoiz (Navarra), bajo la dirección de Manolo Gil, con la colaboración de Jenaro, miembro del grupo de teatro Katx (Komite Antinuclear de la Txantrea). Un paso decisivo que marca la entrada de Barricada en el lenguaje audiovisual con un nivel de producción nunca visto antes en su trayectoria.

1990 comienza con el lanzamiento del doble álbum en directo. Bajo el título «Doble directo», Barricada recoge en él parte esencial de sus seis primeros trabajos, con una selección pensada por la propia banda tras las sesiones previas Los días 12, 13 y 14 de Diciembre del 89 en la discoteca Young Play de Hernani (Guipúzcoa) y los conciertos grabados en Madrid los días 19 y 20 en el Palacio de los Deportes y el 21 en el Palau de Esports de Barcelona.El resultado final incluye: un tema del debut «Noche de Rock & Roll», uno de «Barrio Conflictivo», cinco de «No hay tregua», cuatro de «No sé qué hacer contigo», seis de «Rojo», y otros seis de «Pasión por el ruido». Sin embargo no todas las canciones que Barricada interpreta en directo aparecen en el disco como por ejemplo «Pasión por el ruido», «En la silla eléctrica», «En nombre de Dios» o «Bahía de Pasaia» en estos dos últimos casos, al contrario de lo que se piensa, no se excluyeron por censura, sino por la elección de la banda en incluir los temas que mejor habían quedado.

El álbum doble, producido por la banda junto a Dennis Herman, alcanza el Disco de Oro, lo que entonces equivalía a más de 50.000 copias vendidas. La compañía se muestra generosa y accede a financiar la grabación en video de los conciertos, bajo la dirección de Manolo Gil, y así, paralelamente se edita el VHS extraído de las tres noches, con una duración total de 55 minutos, del cual se venden más de 3.000 unidades, una cifra notable para el formato en aquel momento.

Coincidiendo con el mejor momento comercial de Barricada, Oihuka (heredera del antiguo sello Soñua) publica el recopilatorio «Barricada 83-85», una decisión que la banda recibe con disconformidad, al no haberse contado con ellos para su edición. A este malestar se suma la aparición, también sin aprobación oficial, de un single pirata con dos canciones ausentes en «Doble Directo»: «Bahía de Pasaia» y «En nombre de Dios», editado por la revista Resiste junto a la distribuidora DDT. El vinilo circula por bares y tiendas especializadas, extendiéndose rápidamente, aunque con una calidad sonora deficiente que no hace justicia a los temas.

En paralelo, el nombre de Barricada empieza a cruzar fronteras. Surge incluso la oferta para actuar en la URSS, aunque finalmente no llega a materializarse. Sí se producen, en cambio, apariciones puntuales en países como Francia o Suiza, y se registran las primeras ventas modestas en el extranjero. Entre ellas, la sorprendente noticia de unas trescientas copias vendidas en Japón, un detalle que demuestra que el eco de la banda empieza a viajar más allá de su entorno natural.

El salto a la fama.

Tras el éxito arrollador de «Doble Directo», Barricada entra en una nueva fase. La compañía, consciente del momento de madurez y repercusión que vive la banda, les concede por fin el margen y los recursos que hasta entonces nunca habían tenido. Se les otorgan 43 días completos de estudio, algo impensable unos años atrás. El destino elegido son los Estudios Du Manoir, en Las Landas (Francia), un espacio con un aire muy similar al de los desaparecidos Estudios Mediterráneo de Ibiza, que tras la grabación de «Pasión por el ruido» quedaron reducidos a cenizas en un incendio, para más tarde cesar su actividad. Sin embargo, esta vez Barricada va un paso más allá: deciden producir el disco por sí mismos, sin la figura de un productor externo. Solo cuentan con el apoyo técnico del ingeniero Laurent Lozahic, encargado de capturar un sonido que la banda ya tiene completamente definido en su cabeza. Y es que, cada uno de los músicos dispone en casa de su propio equipo para grabar ideas y construir maquetas, lo que les permite llegar al estudio con una visión concreta, sólida y sin dudas sobre lo que querían hacer. Como anécdota, su primera idea fue ofrecer la producción del álbum a James Newell Osterberg Jr., el mismísimo Iggy Pop. Un deseo tan grande como improbable, que nunca llegó a materializarse, pero que refleja el nivel de ambición artística del grupo en aquel momento.

El nuevo trabajo recibe el nombre de «Por Instinto», y con él Barricada amplía horizontes también en lo lírico. Las canciones dejan de centrarse únicamente en el entorno cercano para abrirse al mundo, encarando temáticas universales. Un claro ejemplo es «África», escrita por Fernando Coronado e inspirada en la película La selva esmeralda, o «Revuelta de piedras», centrada en el conflicto árabe-israelí en Palestina, una letra valiente para su tiempo y que desafortunadamente hoy en dia estaria muy presente. Pero el disco no pierde el pulso del barrio. Entre los temas de corte más local aparece «Deja que esto no acabe nunca», una mirada romántica y dolorosamente realista a la adicción a la heroína. Y, por supuesto, «En blanco y negro», probablemente una de las canciones más emblemáticas de la discografía del grupo. Un canto a la fiesta, a la intensidad de vivir el día como si fuera el último, un estallido de optimismo que terminaría convirtiéndose en himno generacional.

La imagen visual tampoco queda atrás. La portada de «Por Instinto», obra nuevamente de Manolo Gil, se convierte en una de las más icónicas de toda la discografía de Barricada. El diseño, presidido por el niño nicaragüense con un cubo en la cabeza, permanece grabado en la memoria colectiva y pasa a ser parte inseparable de la identidad del álbum.

La salida del disco coincide con la gran ofensiva comercial del Compact Disc, aún un formato novedoso. Por ello, el vinilo incluye doce canciones, mientras que el CD incorpora dos adicionales: «Alicia» y «Revuelta de piedras». El lanzamiento es un éxito inmediato: más de 60.000 copias vendidas en pocas semanas. La firma de discos en Madrid Rock colapsa la Gran Vía y la presentación oficial en Las Ventas supone un nuevo llenazo histórico para la banda. A pesar del tamaño que Barricada había alcanzado, el grupo no pierde el contacto con su base. Sin anunciarlo, siguen tocando en pequeños bares, en espacios donde apenas caben cincuenta personas. Lo mismo reventaban Las Ventas que se encerraban en el bar Papis de la Txantrea o en El Gato de Carabanchel, sin artificios y sin distancia con la gente. El primer single elegido es «En blanco y negro», tema que sintetiza a la perfección el espíritu de «Por Instinto». El impacto es inmediato: entra en la lista de Los 40 Principales, algo excepcional para un grupo de rock urbano en la España del momento. La canción, impulsada además por su videoclip dirigido de nuevo por Manolo Gil, abre a Barricada las puertas a un público más amplio. Más tarde se rueda un segundo videoclip, esta vez de «Haz lo que quieras», dirigido por José Antonio Vitoria, primo del Drogas.

El impacto comercial es enorme: «Por Instinto» escala sin freno y finalmente alcanza el Disco de Platino, reconocimiento que entonces se otorgaba al superar las 100.000 copias vendidas. Barricada se encuentra en la cima, respetada por crítica, público y escena, con un directo arrollador y una base fiel que sigue creciendo. El éxito de «Por Instinto» no sólo consolida a Barricada, también desata un momento de creatividad desbordante dentro del grupo. Las ideas fluyen y cada miembro comienza a explorar caminos paralelos sin que eso rompa la unidad. Surgen planes para editar material en solitario tanto para Boni como para El Drogas, mientras que, al mismo tiempo, el cuarteto se embarca en múltiples colaboraciones y labores de producción para bandas amigas. Alfredo Piedrafita trabaja como productor para Esturión y Tijuana in Blue; Boni, por su parte, hace lo propio con Rabia y Tako; y el Drogas produce a Los del Rayo.

El 2 de Febrero, la cadena radiofónica Los 40 Principales concede sus premios anuales «Los + importantes», en un acto que tiene lugar en el Palacio de Congresos y Exposiciones de Madrid. Barricada obtiene el galardón destinado a «La banda de rock más importante» gracias a las ventas de «Por instinto» que superan entonces los 115.000 ejemplares. Con este galardón, Barricada se convierte no sólo en la banda de rock más importante de 1991, sino también en la banda de rock más importante de los últimos años, puesto que las cifras de ventas que el género alcanza en España están marcadas por el lema «antes / después de Barricada».

En junio de 1991, la banda regresa a Francia, a los estudios Du Manoir. Esta vez, Laurent Lozahic, quien había sido ingeniero de sonido en el disco anterior, comparte la producción junto al grupo. El francés pretende grabar con un sonido limpio al estilo elitista de la década de los años 90 aunque finalmente no llega a producirse de ese modo. Aun así el álbum, titulado «Balas blancas», publicado ese mismo año, supera las 120.000 copias vendidas, consiguiendo su segundo Disco de platino consecutivo.

La portada del disco y el videoclip de “Oveja Negra” vuelven a recaer en manos de Manolo Gil, que ya se ha convertido en el principal responsable del imaginario visual de Barricada. El video se rueda en dos escenarios muy distintos pero unidos por una misma intención: mostrar realidades duras y cotidianas que conectaran con el mensaje de la canción. Por un lado, las favelas y los prostíbulos de Río de Janeiro, en el sureste de Brasil, donde el equipo trabaja inmerso en un ambiente hostil pero auténtico; por otro, Tarifa (Cádiz), donde el propósito era grabar la llegada real de una patera. Al no ser posible, se recreó la escena, consiguiendo un resultado tan verosímil que, al terminar la filmación, la Guardia Civil apareció y realizó varias detenciones al creer que se trataba de una travesía ilegal real, hasta que se aclaró que todo era un rodaje.

A pesar del impacto visual y del compromiso social del videoclip, Polygram decide censurarlo debido a la aparición de imágenes de los entonces presidente del Gobierno, Felipe González, y jefe de la oposición, José María Aznar. La banda, firme en su postura, lanza un órdago a través de su mánager Cristóbal Cintas: si el videoclip no se emitía, romperían el contrato. La discográfica, consciente de que la fuga de Barricada, precisamente por negarse a difundir un vídeo con imágenes que no distaban de lo que emitían los telediarios, podía desatar un revuelo mediático imprevisible, acaba reconsiderando su posición. Finalmente, el videoclip se aprueba con cuatro escenas recortadas, sin alterar la esencia del mensaje ni la denuncia del racismo que pretendía transmitir. “Balas Blancas” se convierte en un nuevo éxito comercial. Sus ventas resultan muy similares a las de «Por Instinto», superando las 120.000 copias y otorgando a Barricada su segundo Disco de Platino consecutivo. Aprovechando el décimo aniversario del grupo, Polygram lanza además una edición especial de 5.000 cajas en terciopelo negro.

Por segunda vez, el cine vuelve a fijarse en Barricada. En esta ocasión es Carlos Saura, uno de los directores más prestigiosos del país, quien incorpora la canción “Oveja Negra” a la banda sonora de su película “Dispara”, protagonizada por Antonio Banderas.

Sin embargo, mientras la banda continúa girando con «Balas Blancas», comienza a deteriorarse la relación con su mánager, Cristóbal Cintas. El nivel de vida que exhibe y la falta de ingresos por el merchandising, especialmente por las miles de camisetas de Barricada que se ven en festivales de todo el país pero de las que el grupo no recibe ni una peseta, despiertan suspicacias. La situación se vuelve insostenible y deciden prescindir de él. No es una sorpresa para todos: Rosendo Mercado llevaba tiempo advirtiendo irregularidades y, de hecho, evitaba compartir cartel con Barricada, no por la banda navarra sino por la tajada que intuía que podía llevarse el mánager. Pero los problemas con Cristóbal Cintas no terminan ahí. Al intentar registrar oficialmente el nombre Barricada, el grupo descubre que ya está registrado… por Pedro Caballero, socio del propio Cintas. Aunque en un principio se justificó como una medida de “protección”, pronto queda claro que todo eran excusas para retener la marca, pues el negocio del merchandising reportaba beneficios que no iban a parar precisamente al grupo. La situación recuerda a lo ocurrido con Leño, que sufrió problemas similares cuando terceros registraron su nombre, hasta el punto de que no podían editar nuevo material, contribuyendo a la disolución del mítico trío madrileño. Barricada teme que la historia pueda repetirse. Tras un largo proceso y no pocos quebraderos de cabeza, la banda consigue finalmente recuperar y legalizar la propiedad del nombre Barricada.

También los planes que mantienen el batería Fernando Coronado junto al manager Cristóbal Cintas no terminan de encajar con el resto del grupo; incluso llega a ponerse sobre la mesa la posibilidad de disolver Barricada, un desenlace que ninguno de los otros tres había contemplado seriamente. Fernando empieza a moverse en una dirección ajena a la filosofía que siempre había sostenido a la banda: desaparece, falta a ensayos, y esa fisura cotidiana acaba convirtiéndose en una distancia emocional. Ni Boni, ni el Drogas, ni Alfredo se sienten cómodos planteando proyectos de futuro con él, ni siquiera algo tan básico como disponer de un local de ensayo propio.

En ese clima tenso llega el momento de registrar el décimo trabajo, “La Araña”. Al principio, el grupo se muestra satisfecho con el conjunto de canciones, pero al escuchar la maqueta grabada en los estudios Arión, en Pamplona, saltan todas las alarmas: la cosa no funciona. La banda decide entonces darle la vuelta al disco y romper dinámicas que llevaban años utilizando. Ejemplo de ello es que temas como “Problemas” o “Su merecido”, que inicialmente iba a cantar Alfredo, pasan finalmente a la voz de el Drogas. Es un cambio pequeño en apariencia, pero revela un giro profundo en el modo de trabajo de Barricada.

En mitad de ese mar de incertidumbre surge una oportunidad inesperada: grabar en Londres, en la mismísima tierra donde se había forjado buena parte del rock and roll que alimentó sus sueños. El cuarteto viaja a Inglaterra y se instala en Black Barn, una granja-estudio donde registran guitarras, bajo y batería junto al ingeniero Robin Black, un técnico que había trabajado con grandes nombres como Pink Floyd o Whitesnake. Posteriormente, las voces se graban en Gallery Studios, propiedad de Phil Manzanera (guitarrista de Roxy Music), donde también se llevan a cabo las mezclas. El grupo trabaja como nunca y se atreve a utilizar tecnología digital, algo poco común en aquellos años. A pesar de las tensiones internas, los cuatro terminan convencidos de que “La Araña” es un disco sólido, distinto, con matices nuevos respecto a trabajos previos, pero que supone un paso adelante en la evolución de Barricada, incluso en un momento en el que la cohesión interna pendía de un hilo.

Durante su estancia en Inglaterra, sufren un encontronazo con la policía local. Una tarde de domingo, la banda decidió que había llegado el momento de “quemar la ciudad”. Se fueron directos al Hammersmith, el mismo recinto donde habían grabado Motörhead. Allí, había apenas cuatro almas en la sala: ellos, su chófer y un grupo de turistas japoneses fotografiándolo todo mientras en el escenario sonaba una banda. La aventura duró poco. A las siete y media se bajó una reja en la barra y se acabó lo que se daba. Así que, privados del alcohol, el plan alternativo fue inmediato: buscar costo. Y lo encontraron. Todo parecía marchar según lo previsto, hasta que apareció la policía. Llegando al coche cuatro agentes, dos por delante y dos por detrás, los interceptaron y requisaron la droga. La banda acabó en comisaría, bajando escaleras, desnudados y obligados a hacer flexiones para comprobar que no llevaban más escondido. La advertencia final fue clara: si los volvían a detener, no podrían volver a pisar Gran Bretaña. Lo cual, siendo sinceros, tampoco parecía preocuparles demasiado. Cuando por fin regresaron al coche encontraron en el suelo la misma china que los agentes habían tirado minutos antes.

«I’m The Drugs. Slash. Guns N’ Roses. The Clash.»

Respuesta de el Drogas a las preguntas de los policías Ingleses.

Del álbum se extrae el single «Problemas”. El videoclip, filmado como si fuera un pequeño cortometraje, se rodó en el gaztetxe (casa okupada en euskera) de Gasteiz bajo la batuta de un entonces jovencísimo Juanma Bajo Ulloa, con la participación de los actores Karra Elejalde, Eloy Beato y Santiago Segura. Pese a todo el esfuerzo invertido, el resultado global del disco no cumplió con las expectativas. «La Araña» funcionó… pero menos: se pasó de las 120.000 copias de «Balas Blancas» a unas 75.000. Aun así, hablamos de Disco de Oro, unas cifras que en aquel momento no rozaba prácticamente ningún grupo de rock estatal. Sin embargo, para Barricada ese descenso fue el primer síntoma de algo más profundo: el desgaste interno y la falta de rumbo común.

Algunas decisiones tomadas desde el propio seno de la banda tampoco ayudaron. El ejemplo más evidente: el festival “Monstruos del Rock de Akí”, celebrado el 1 de julio de 1994 en Las Ventas. Con una plaza abarrotada y una hora justa para tocar, Barricada decide interpretar «La Araña» entero, del tirón. Sin concesiones. Un álbum recién salido, apenas quince días en las tiendas . El público, que esperaba los cañonazos de siempre, respondió con frialdad. Un golpe seco en un escenario que, precisamente, debía haber sido un escaparate. A partir de ese concierto, la banda empieza a notar su ausencia en varios carteles de festivales. Las cosas ya no rodaban como antes. Y, en realidad, aquello no era más que la consecuencia inevitable de la espiral de cambios, tensiones y decisiones discutibles por las que estaba atravesando el grupo.

Tras varios meses de silencio, surge en el seno de Barricada una idea tan atrevida como tentadora: si Nirvana había llevado el formato acústico a un nuevo nivel con su “Unplugged” para la MTV, ¿por qué no intentar algo parecido desde el otro lado del Atlántico? La propuesta trataba de reinventar el repertorio del grupo, buscar otras texturas y darle la vuelta a unos temas históricamente guitarreros, incorporando coros, teclados y percusión para crear un ambiente distinto. El grupo prepara nueve o diez canciones y graba una maqueta en los estudios Multiva. Pero el proyecto pronto se topa con la realidad, Polygram no estaba dispuesta a respaldarlo. Resultado: seis meses de trabajo que apenas tienen continuidad salvo unos pocos conciertos acústicos.

Mientras tanto, la discográfica tenía otros planes. Polygram propone un recopilatorio de grandes éxitos, pero Barricada, que ya había aprendido a proteger su identidad, impone sus condiciones. La banda decide que el doble álbum debe reunir todos los singles de cada disco, evitando así que sea la compañía quien elija el repertorio. Y, además, por fin llega un triunfo moral largamente esperado: Barricada consigue publicar oficialmente las canciones que años atrás habían sufrido la censura de la industria: “Bahía de Pasaia” y “En nombre de Dios”. El recopilatorio se cierra con una joya inesperada: la versión acústica de “Pasión por el ruido”, un guiño directo a la maqueta que, aunque no vio la luz, marcó una etapa de búsqueda y transformación para el grupo. El recopilatorio finalmente sale a la venta en noviembre de 1995 titulado «Los Singles 1983 – 1996». La portada corre a cargo de Manolo Gil.

En 1996, Barricada decide salir a la carretera sin un disco nuevo bajo el brazo, algo que al cuarteto ni le inquieta ni le condiciona. A esas alturas cuentan con un repertorio lo bastante amplio y sólido como para plantarse en cualquier escenario y defender una gira sin necesidad de novedades discográficas. La sorpresa llega desde el cine: Álex de la Iglesia propone al grupo componer un tema para su nueva película, «El día de la bestia». La canción, que finalmente no entraría en la banda sonora, resulta ser una primera encarnación de lo que después evolucionaría a “Invierno”, tema de su próximo álbum.

Lo años duros.

Tras un trabajo tan particular como «La Araña», la banda vuelve a terreno conocido: los estudios Du Manoir, en Las Landas francesas. Allí graban su nuevo disco, titulado “Insolencia”, pero esta vez con un planteamiento radicalmente distinto. El objetivo es grabar en directo y de forma simultánea: batería, bajo y guitarras entrando a la vez, canción a canción, dejando para el final únicamente las voces. Una apuesta poco habitual en ellos, casi un experimento controlado, que buscaba capturar la energía más cruda y espontánea del grupo. El sonido del álbum se empapa de influencias claras del grunge y la escena de Seattle, pero sin renunciar a la esencia callejera de Barricada: temas directos, sencillos, con bases de distorsión sucia y un punto punk que devuelve al grupo a ese terreno áspero y de bordes afilados de sus primeros años. Para la ingeniería vuelven a contar con Dennis J. Herman, con quien no trabajaban desde el «Doble Directo». La conexión vuelve a surgir de inmediato: Herman encaja con el grupo como si fuera un miembro más, entendiendo las dinámicas internas y el sonido que buscaban sin necesidad de demasiadas explicaciones. Otra novedad: los títulos de las canciones, todos de una sola palabra. Un pequeño gesto que, sin embargo, resume bien la actitud del grupo en aquel momento: hacer las cosas de otra manera, evitar lo previsible y romper, aunque fuese en detalles, con lo que se esperaba de ellos.

La portada del disco también refleja esa necesidad de cambio que atraviesa al grupo. En esta ocasión no recurren a Manolo Gil, sino a los fotógrafos Fernando Parra y Koro Cantabrana, amigos de Alfredo Piedrafita. La sesión tiene lugar en la fría sierra de Urbasa, en Navarra, donde el clima y el paisaje aportan esa atmósfera sombría y áspera que el grupo buscaba plasmar en la imagen. El primer single escogido es “Insolencia”, pero por primera vez en muchos años no se rueda videoclip, ni para ese tema ni para ninguno del disco. Es un detalle significativo, casi simbólico, porque marca el momento en el que la relación entre Barricada y Polygram empieza a enfriarse de manera evidente. Desde la discográfica no se percibe entusiasmo ni apoyo real; más bien lo contrario. La promoción es mínima y eso en un mercado cada vez más controlado por grandes emisoras comerciales resulta determinante.

La desaparición de muchas radios libres, que habían sido altavoz natural para el rock estatal durante los años ochenta y principios de los noventa, deja a Barricada sin uno de sus canales de difusión más fieles. En las cadenas comercializadas no encaja un disco tan áspero y contundente como «Insolencia», y el resultado es un lanzamiento que, pese a su calidad y ambición artística, queda huérfano de apoyo mediático en un momento crucial para la música rock en España. Finalmente, «Insolencia» alcanza las 28.000 copias vendidas, una cifra que confirma el bajón comercial que el grupo viene arrastrando desde «La Araña». Los conciertos empiezan a resentirse y el ambiente alrededor de la banda se vuelve áspero. No ayuda, además, que en esos años se intensifican los controles policiales y cacheos en las inmediaciones de las salas de conciertos, una presión que afecta tanto al público como a los propios miembros de Barricada, sometidos a registros constantes antes de cada actuación. Son tiempos duros, y el contexto no sopla a favor de un grupo que siempre ha vivido pegado a la calle.

En medio de este clima enrarecido, surge una propuesta inesperada desde el mundo del cine. Juanma Bajo Ulloa, quien ya había dirigido el videoclip de “Problemas”, invita a Barricada a aparecer en una breve escena de su película “Airbag”, protagonizada por Karra Elejalde y Fernando Guillén Cuervo. El cameo se convierte en una secuencia tan surrealista como divertida: los Barricada envueltos en un tiroteo dentro de un casino. Ese mismo año llega otra oportunidad, esta vez más profunda, en la película “Suerte”, dirigida por Ernesto Tellería y protagonizada por Juanjo Puigcorbé, Daniel Guzmán y Pepón Nieto. Para Barricada supone una especie de revancha simbólica tras haberse quedado fuera de la banda sonora de «El día de la bestia». Aquí no se trata solo de aportar un tema: Tellería les propone componer varias canciones hasta completar prácticamente un CD. La banda acepta sin dudar. El resultado es una banda sonora con ocho temas, seis de ellos de nueva creación, acompañados por una selección de bandas cercanas al universo sonoro de Barricada con Hamlet, Koma o Soziedad Alkoholika entre otros. La conexión con la película va más allá de la música. La trama sigue a un joven que, de camino a un concierto de Barricada, acaba envuelto, sin saber muy bien cómo, en una serie de pequeños atracos urdidos por un comisario corrupto de la Ertzaintza. La banda no solo está presente como referencia narrativa: Alfredo aparece en un pequeño cameo.

La banda sonora «Suerte» se publicó finalmente con el sello Zero Records, alcanzando unas ventas aproximadas de 10.000 copias. Para Polygram, sin embargo, aquella propuesta no tenía el más mínimo atractivo comercial y fue descartada. A esas alturas, el distanciamiento entre Barricada y la compañía era ya más que evidente. Aun así, quedaba un último compromiso que cumplir: un disco más para cerrar el contrato. Ese último álbum debía haberse grabado en estudio, pero el desinterés mutuo terminó inclinando la balanza hacia otra salida: el segundo directo de la banda, que terminaría apareciendo bajo el título de «Salud y rocanrol». Y aunque las relaciones con Polygram estaban frías, por no decir congeladas, en el seno de Barricada la idea era despedirse por la puerta grande, algo que funcionara casi como la continuación natural del mítico «Doble Directo». El plan era ambicioso. Pretendían registrar el concierto íntegro de las fiestas patronales de San Fermín, en la Plaza de los Fueros, y contaban para ello con Juanma Bajo Ulloa (el mismo director de cine que había realizado el videoclip de “Problemas”) para filmarlo con toda su crudeza y energía. Pero llegó el 9 de julio de 1997, y con él, la noticia del secuestro y asesinato de Miguel Ángel Blanco, concejal de Ermua, asesinado por ETA en Lasarte. La conmoción fue absoluta. En señal de duelo, Pamplona suspendió los sanfermines, y con ello, todo lo previsto para la grabación.

Pocos meses después, el Ayuntamiento de Pamplona compensa aquel intento frustrado y pone todas las facilidades posibles: cede la Plaza de Toros Monumental para la grabación del directo. La cosa empieza a funcionar desde el primer minuto. El Consistorio distribuye 15.000 invitaciones que vuelan en cuestión de horas. Y aun así, la avalancha de gente no cesa; quienes ya han logrado entrar lanzan sus entradas hacia el exterior para que otros puedan acceder. El grupo se siente extraordinariamente arropado, envuelto en un ambientazo que, probablemente, ni siquiera en plenas fiestas de San Fermín se habría podido igualar. El concierto cuenta además con un montaje espectacular y la colaboración de Rosendo, Yosi (Los Suaves) y Molly (Hamlet).. Sin embargo, finalmente solo llega a registrarse en vídeo la interpretación de “En blanco y negro”, con todos los invitados sobre el escenario. El reencuentro con Rosendo en aquel 1997 no se quedó ahí; continuó poco después con el disco homenaje «Agradecidos… Rosendo», donde Barricada versionó el clásico “Agradecido”, formando parte del tributo que diversas bandas del rock nacional dedicaron a la trayectoria del músico de Carabanchel.

El propio grupo definiría esta temporada “como un tanto farrangosa”. Y no les faltan motivos: entre el recopilatorio «Los Singles», el directo «Salud y rocanrol» y la banda sonora de «Suerte», los seguidores más fieles empezaban a echar en falta un nuevo álbum propiamente dicho. Toda aquella inestabilidad con Polygram, unida al encadenamiento de lanzamientos que no aportaban material fresco, terminó sirviendo a Barricada para detenerse, respirar y reflexionar sobre el rumbo que estaban tomando.

Además del desgaste con la compañía, las relaciones dentro del propio grupo también empiezan a retorcerse. Especialmente tensas se vuelven con Fernando Coronado. Para el batería, cualquier excusa parece servir para ausentarse de los ensayos, y eso repercute directamente en el resultado: los conciertos empiezan a dejar de sonar como siempre. La gente lo nota, comenta, y el runrún sobre la continuidad de la banda empieza a colarse en el ambiente con más fuerza de la deseada. Y lo peor es que una parte de razón sí que tienen. Los miembros del grupo comienzan a trabajar las canciones cada uno desde casa, en vez de llevar las ideas a la bajera como siempre habían hecho. Aquella manera de funcionar, tan propia de Barricada, empieza a diluirse. Cada uno guarda sus temas casi como si se tratara de material para un posible disco en solitario y no para el cuarteto. Así las cosas, Barricada decide parar por una buena temporada (más de un año) para que cada uno se dedique a sus historias por separado. De ese paréntesis nacen de nuevo proyectos individuales de El Drogas, Alfredo e incluso del propio Fernando. La experiencia fuera de Barricada no puede resultar más reveladora. Trabajar con otros músicos les hace valorar todavía más la forma en que se había funcionado históricamente dentro del grupo; les devuelve perspectiva, energía y, sobre todo, ganas renovadas de volver a hacerlo bien juntos.

Tras el parón, Barricada vuelve a ponerse en marcha y empieza a preparar un nuevo disco. Lo hacen, además, bajo la presión constante de algunos seguidores y de la prensa, que no dejan de especular con una posible separación. Pero la realidad es otra: en cuanto vuelven a juntarse, las sensaciones encajan de inmediato. Arranca así una nueva etapa, que viene acompañada también de una nueva compañía discográfica: DRO. Después de los últimos trabajos y de los proyectos en solitario, todos llegan con una idea clara: trabajar en un nuevo proyecto que recupere el sonido original de Barricada, su versión más punk, más rabiosa y afilada. Con esa intención cristaliza el decimoquinto disco de la banda: «Acción directa». En esta ocasión, las letras las trabajan por separado el Drogas y Boni. Cada uno escribe las canciones que luego cantará, una novedad en la dinámica del grupo. Y aunque las letras lleguen divididas, la composición musical es un esfuerzo completamente compartido entre los cuatro. El resultado es un disco directo, crudo, con ese aroma rabioso que inevitablemente recuerda a los tiempos de «Barrio Conflictivo».

Finalmente, el trabajo se graba de nuevo en los estudios Du Manoir, en Las Landas francesas. Allí cuentan con Sergio Marcos a los mandos, un ingeniero especializado en la nueva tecnología digital que aporta frescura al sonido del grupo sin traicionar la crudeza buscada. La portada del disco, firmada por Koro Cantabrana, muestra a un mendigo de Los Ángeles cuya mirada, dura e hipnótica, sostiene toda la imagen. Para el primer single, “Víctima”, el grupo vuelve a apostar por el videoclip, esta vez dirigido por David Alcalde y con la participación de la Fura dels Baus. El rodaje se realiza en los pasillos del Estadio Olímpico de Montjuic, un entorno perfecto para transmitir esa sensación de tensión, encierro y explosión inminente. Los medios coinciden en que «Acción directa» es uno de los mejores trabajos de Barricada en años. Y el público también responde. Tanto que, por primera vez, el 5 de mayo de 2001 la banda entra en el cartel del Viña Rock, en su sexta edición, arrasando a plena luz del día, a las cinco de la tarde.

En un primer momento, todo apunta a que la maquinaria vuelve a funcionar a pleno rendimiento. DRO apuesta fuerte por el grupo, «Acción directa» entra con buen pie entre el público y la banda trabaja con un entusiasmo que parecía haber quedado atrás. Incluso Fernando Coronado parece más centrado en el proyecto, dando la sensación de que la etapa difícil estaba superada. Pero aquello, por desgracia, fue solo un simple espejismo. Las relaciones internas vuelven a tensarse, y el desgaste con Fernando reaparece. El ambiente se enrarece lo suficiente como para que el Drogas lance un mensaje claro al resto: nadie es imprescindible. Si un proyecto es bueno, tiene que salir adelante con quien esté dispuesto a empujar. Aun así, «Acción directa» logra un resultado muy respetable: 30.000 copias vendidas. Una cifra que, después del parón y viendo el panorama musical del momento, demuestra que el grupo seguía teniendo un tirón enorme. Porque, además, es justo en esa época cuando las discográficas comienzan a notar de verdad el impacto de la música compartida por internet a nivel global. Un cambio que no perdonaría a nadie, incluido Barricada.

La revista humorística El Jueves, con motivo de su XXV aniversario, anuncia el lanzamiento del álbum «Versión Imposible», un proyecto en el que distintos artistas del panorama estatal recuperan canciones que, en su día, gozaron de una enorme popularidad. Barricada elige para la ocasión “Serpientes”, del cantautor cubano Silvio Rodríguez. Un homenaje singular que, sin embargo, vuelve a poner sobre la mesa el mismo problema de siempre: Fernando Coronado sigue sin involucrarse. La banda, con la ayuda de Iker Piedrafita, se ve obligada a recurrir a la programación digital para resolver toda la parte de batería.

El Jueves no es el único que cumple años redondos. Barricada alcanza también su XX aniversario, aunque la efeméride pasa casi de puntillas para el grupo. La prioridad era seguir componiendo, avanzar, recuperar viejas ideas y dar forma a otras nuevas. La cabeza y el ánimo no estaban en mirar atrás, sino en agarrar el presente como venía. Tanto es así, que ni siquiera componen el disco en la bajera. Lo construyen a base de grabaciones caseras. Mientras tanto, Boni se mantiene en un segundo plano, algo desorientado ante el rumbo incierto de la banda, esperando a ver por dónde estallaba la historia… porque Fernando seguía desaparecido en combate. En cuanto Boni ve que el trabajo es serio, que aquello no es un plan improvisado sino un disco en ciernes, aparece y se empapa del proyecto con su implicación habitual. El resultado empieza a perfilar algo muy claro: «Bésame» es un álbum marcado por el músculo compositivo de Alfredo y la mano melódica/letrística de el Drogas. El disco cuenta además con la colaboración de Kutxi Romero, de Marea, que aporta la letra de “El trompo”, y otra más para una canción que, finalmente, quedaría fuera del álbum.

Con el nuevo disco ya preparado en maqueta, Barricada vuelve a cruzar la frontera rumbo a los estudios franceses Du Manoir, en Las Landas, su lugar talismán. Allí les espera de nuevo Sergio Marcos, cuya implicación en cada proyecto va mucho más allá del papel de ingeniero. Como en ocasiones anteriores, se integra como un miembro más del grupo durante la grabación, hasta el punto de figurar como coproductor del álbum. El resultado es un disco sólido, variado, con canciones muy distintas entre sí pero que, en conjunto, remiten inevitablemente al espíritu heterogéneo de «Pasión por el ruido». Pero si algo destaca por encima de todo, es el sonido: Sergio Marcos consigue un equilibrio casi imposible, uniendo pegada, actualidad y la identidad clásica de Barricada en un mismo bloque sonoro. La portada del disco se convierte en la más impactante que el grupo había tenido hasta la fecha. El diseño corre a cargo de Nicolás López y Kike García, siendo este último quien presta su propia sonrisa (amplificada, deformada, y retocada) para la imagen principal.

El videoclip del primer single, “Echa a correr”, sin embargo, no corre la misma suerte. Realizado también por López y García, apuesta por un formato novedoso para Barricada, con croma de fondo y una estética más digital. Pero el resultado queda pobre, limitado prácticamente a planos del cantante sobre un fondo artificial, un recurso fácil que no termina de representar a la banda como conjunto. Para rematar, se añaden algunas imágenes y efectos digitales “con calzador”, que apenas consiguen mejorar el acabado final.

Por primera vez en la historia discográfica de Barricada, un lanzamiento venía acompañado de un DVD documental. El vídeo recogía momentos en la bajera, escenas de la grabación en las Landas, entrevistas, rutas en furgoneta y hasta algunas canciones sin masterizar. Cuando «Bésame» salió a la calle, la crítica fue unánime: el disco gustó, y gustó mucho. Más incluso que «Acción directa», aunque las cifras de ventas no alcanzaran las mismas alturas. Pero el panorama había cambiado: el intercambio de archivos entre usuarios ya estaba golpeando con fuerza a la industria, y el disco circulaba por servidores de internet incluso antes de su lanzamiento oficial. Un fenómeno nuevo, incontrolable, que marcaba un antes y un después. Sin embargo, la conexión entre computadoras no fue solo un quebradero de cabeza: también abrió nuevas puertas. Barricada, a través de Fernando Coronado como webmaster, puso en marcha el portal http://www.barricada.net, su primera web oficial. Más allá de compensar la caída en ventas, la web permitió un acercamiento directo con los seguidores, consiguiendo subir los ánimos de los duros momentos que atravesaban las relaciones en el grupo.

Las relaciones internas, ya muy debilitadas desde hacía tiempo, terminaron por romperse definitivamente en octubre, tras un mal concierto en Burriana (Castellón). Aquella actuación dejó al descubierto algo que Barricada siempre había considerado sagrado: la filosofía de trabajo en los ensayos. La sensación dentro del grupo fue la de haber traicionado sus propios principios, y eso encendió todas las alarmas. En las conversaciones posteriores entre Alfredo, el Drogas y Boni, la conclusión quedó clara: ellos seguían teniendo ganas de continuar, pero en el caso de Fernando ya no era así. El batería llevaba años volcado en inquietudes musicales ajenas al espíritu del grupo, una mezcla de electrónica, pop y rap difícil de encajar, y la impresión era que el rock de Barricada ya no le llenaba. Este distanciamiento no era nuevo; venía arrastrándose desde la época de «Balas blancas» y había deteriorado progresivamente el ánimo del resto de la banda.

Finalmente, a través de Alfredo, el grupo comunica a Fernando Coronado que ya no cuentan con él. La noticia, lejos de generar conflicto, es asumida con naturalidad por el propio músico, consciente de que sus caminos se habían ido separando. Así se cerraba su etapa en Barricada. El trío restante tenía claro que no querían iniciar una ronda interminable de pruebas. Durante un primer instante se llegó a pensar en José Landa (batería provisional que participó únicamente en el debut de la banda, aquel 18 de abril de 1982 en el Rastro de la Txantrea), pero la idea de fichar a un músico perteneciente a otro grupo terminó descartándose. Fue entonces cuando apareció un nombre que encajaba a la perfección: Ibon Sagarna, “Ibi”. Con experiencia en bandas como Estigia y formando parte del proyecto en solitario de Alfredo, In Vitro, Ibi reunía todas las condiciones.

El grupo se lanza a los ensayos a toda máquina, armado con un repertorio de sesenta canciones que deben tener listas cuanto antes. Esa urgencia, lejos de convertirse en un lastre, actúa como un impulso renovador: la llegada de Ibi inyecta al grupo una segunda juventud. El cambio se nota incluso en pequeños gestos simbólicos, como el hecho de que aquel sería el último año en el que las míticas greñas de el Drogas ondearían al viento, una decisión que desconcertó a muchos seguidores fieles. Poco a poco, Barricada empieza a comprender que los vaqueros, las melenas o la estética son detalles secundarios; su verdadera identidad reside en el trabajo, en la música y en la huella que querían seguir dejando, al margen de estereotipos. El 18 de diciembre, en la sala Black Rose de Burlada (Navarra), Barricada se presenta ante su público con la nueva formación. Tras ese debut, el grupo no vuelve a los escenarios hasta febrero, cuando actúan en la sala Pagoa de Oiartzun (Guipúzcoa). Durante todo ese año, la dinámica del grupo alcanza un ritmo frenético. Entre semana, horas y horas en la bajera construyendo repertorio y dando forma a nuevas canciones; los fines de semana, carretera y directos. Esa combinación de trabajo duro y explosión escénica consolida la nueva etapa de Barricada.

Por tercera vez, una película vuelve a llevar el sonido de Barricada a la gran pantalla. En «Días de fútbol», el director David Serrano recupera “De una a otra dirección”, del álbum «Acción directa».

Ese mismo año, el grupo sí siente la necesidad de celebrar su aniversario, aunque lo hace de forma discreta y local. El 13 de diciembre de 2003, Barricada actúa en Villava (Navarra) en un concierto rodeado de amigos y familiares, una cita muy especial que queda registrada en vídeo y que acompañará a su siguiente lanzamiento discográfico. Pero aunque la banda no buscara grandes celebraciones, el panorama del rock estatal no deja pasar por alto una fecha tan significativa. A través de Kutxi Romero, vocalista de Marea, surge la propuesta de rendir homenaje a Barricada mediante un disco tributo en el que distintos grupos nacionales versionen sus canciones. El proyecto, titulado «Un camino de piedras», se plantea como un reconocimiento a la trayectoria de los pamplonicas. Algunos nombres, como Hamlet o Aurora Beltrán, quedan fuera del trabajo por motivos de agenda o logística. Finalmente, los grupos que participan en el homenaje son, entre otros La Polla Records, Boikot, Los Porretas, Burning o Loquillo. Aunque de forma discreta, Barricada termina participando también en el disco homenaje. Lo hace en la versión de “Mañana será igual”, de Andrés Calamaro. El argentino había aceptado sumarse al proyecto con una condición muy clara: alguien debía prepararle la base musical sobre la que cantar. De aquel encargo nace el curioso crédito de “Calamaro y las pendejas”. Oficialmente, el nombre del grupo navarro no figuró en los créditos, pero el propio Calamaro acabaría desvelando la verdad: aquellas “pendejas” eran, ni más ni menos, que Barricada.

Mientras tanto, las nuevas canciones que el grupo venía trabajando con rigor en la bajera impulsan el siguiente paso lógico: lanzarse a grabar su decimoséptimo álbum, «Hombre mate hombre». Para esta ocasión, el cuarteto decide cambiar los habituales estudios de Du Manoir, en Las Landas, por los Estudios Garate de Andoain (Guipúzcoa). La cercanía geográfica es un factor, pero pesa aún más el deseo de volver a trabajar con Haritz Harreguy, ingeniero de sonido con el que ya habían colaborado en la versión de “Sueño con serpientes” para el disco «Versión imposible» de El Jueves. Su implicación técnica y creativa acaba situándolo también como coproductor del nuevo trabajo.

El resultado de la grabación es un trabajo mucho más crudo que los anteriores. El disco ya venía prácticamente armado desde la bajera, y el tipo de canciones que habían surgido tampoco pedían demasiados arreglos. «Hombre mate hombre» acaba reflejando con bastante fidelidad el momento que vivía el grupo: una época marcada por guerras y conflictos en el mundo, pero también por la propia batalla interna de la banda. El cambio de batería, las ganas renovadas de tocar y el ritmo frenético de trabajo se dejan notar en cada tema, como si el disco fuese un espejo de todo aquel torbellino. Del álbum sale el primer single, “Sean bienvenidos”. Euskalcom se encarga del videoclip, a partir de una idea del propio grupo: la presencia de un payaso en decadencia, un personaje cargado de simbolismo que encaja perfectamente con el tono áspero del disco. La grabación del clip tiene lugar en el Teatro Olimpia de Azkoitia (Guipúzcoa).

La portada del álbum es posiblemente la más artística de toda la discografía del grupo. La firma Enrique Cabezón, de KB Creativos, inspirándose en la obra de Goya Riña a garrotazos. No es una referencia casual: la crudeza y la violencia entre seres humanos que retrata el cuadro encaja de lleno con el espíritu del disco, convirtiéndose en una representación gráfica perfecta del momento que vivía Barricada dentro y fuera del estudio.

Por segunda vez consecutiva, el nuevo disco «Hombre mate hombre» sale acompañado de un DVD que recoge entrevistas y los mejores momentos del concierto que la banda ofreció en Villava (Navarra) el 13 de diciembre de 2003, en la celebración de su XX aniversario. Aquel día contaron con una larga lista de amigos: Iker Piedrafita de Dikers, Jimy de Tijuana in Blue, Brigi de Koma, Kutxi Romero de Marea y Fernando Medina de Reincidentes. La presentación del disco en Madrid queda cancelada por el brutal atentado del 11 de marzo en las estaciones de Atocha, El Pozo y Santa Eugenia. Aun así, cuando la banda vuelve a los escenarios, los conciertos funcionan de manera exultante. Desde el escenario se respira otro ambiente: más compacto, más decidido, con una energía que hacía tiempo no se veía en el grupo. En el mundillo empiezan a circular comentarios sobre el “nuevo Barricada”, y esa percepción cala rápidamente entre el público. La respuesta de la gente es tan rotunda que la banda se ve empujada a alargar los directos hasta las dos horas y media, recuperando clásicos, estrenando energía y demostrando que el cambio había sido, sin duda, para bien.

Ese mismo año, el etnógrafo navarro David Mariezkurrena publica «Barricada, las letras», un volumen en el que recopila todas las letras que la banda había escrito a lo largo de sus 16 primeros discos. En total, 148 canciones que, vistas todas juntas, mostraban la evolución, la crudeza y la honestidad de un grupo que siempre había contado su tiempo a pie de calle.

A la vez, dentro del grupo empieza a rondar una idea. Al ver el DVD que acompañaba a «Hombre mate hombre», con aquel concierto del XX aniversario, los tres, ya con Ibi plenamente integrado, sienten que la nueva formación merece quedar registrada como es debido. La idea empieza a tomar forma: un doble DVD bajo el título «Latidos y mordiscos». Por un lado, una actuación eléctrica al más puro estilo Barricada. Y por otro, algo totalmente distinto: recuperar aquella vieja intención, arrinconada desde la época de «La Araña», de plantear un desenchufado… pero diferente, con otra atmósfera, con otro color. La chispa la encuentran casi por casualidad, tras ver una actuación de Las Zíngaras. Arantza, Marifé y Yolanda representan justo ese giro que estaban buscando: voces femeninas que aportaran una dimensión nueva a las canciones. A eso se sumaría un teclado, un saxo y, en momentos concretos, una armónica. Un Barricada distinto, sin dejar de ser Barricada.

Para la grabación de la actuación eléctrica («Latidos») se eligió el Pabellón Anaitasuna de Pamplona el 16 de diciembre de 2005. El público, llegado desde todos los rincones del Estado, respondió con un lleno absoluto y cantó cada una de las canciones, algo que quedó perfectamente reflejado en el audio de la grabación. El ritmo de trabajo fue intenso. La actuación de «Mordiscos» se fijó para el 26 de febrero de 2006 en el Teatro Gayarre de Pamplona. Los ensayos, iniciados en verano, exigían una preparación distinta: la colaboración de las Zíngaras implicaba una instrumentación adicional para cada tema. Además, el proyecto contó con la participación de Luis Mari Moreno “El Pirata”, encargado de numerosos arreglos de viento, Patxi Lampreabe “Akerra” en los teclados y Francisco Javier Jáuregui “El Lobo” con la armónica.

El concepto de ambos títulos juega con un doble sentido característico de Barricada: «Latidos» para reflejar el pulso frenético del directo eléctrico, y «Mordiscos» como una dentellada simbólica de amor en su vertiente acústica. La portada, una vez más, fue obra de Enrique Cabezón, de KB Creativos.

Ese mismo año, Miguel Ángel Lamata volvió a llevar su música al cine: en la secuela «Isi & Disi: Alto voltaje», protagonizada por Santiago Segura y Florentino Fernández, suena de nuevo Barricada con la canción “Lentejuelas”.

Barricada celebró sus bodas de plata con un año repleto de actividad y una mirada constante hacia su propia historia. La banda festejó sus 25 años el 31 de marzo de 2007 en Villava (Navarra), en uno de sus conciertos más recordados, con un repertorio de más de cuatro horas. Poco después, el grupo decidió rememorar sus inicios de una forma cercana: el 18 de abril regresaron a la plaza del Rastro de la Txantrea, exactamente un cuarto de siglo después, en el mismo lugar y la misma fecha. El concierto, al aire libre, reunió de nuevo al barrio, que se volcó en el aniversario de una banda con la que siempre se ha identificado. El éxito de la actuación en el Rastro llevó a que ese mismo 18 de abril Barricada ofreciera otro concierto en la Sociedad Cultural AKE (Akelarre Kultur Elkartea), dos horas de directo eléctrico que afianzaron aún más la relación con la gente de la Txantrea. De ese vínculo mutuo nació la iniciativa de la Peña Armonía Txantreana, cuyos responsables propusieron que la banda participara en el lanzamiento del txupinazo inaugural de las fiestas del barrio, un gesto simbólico que reforzaba el arraigo de Barricada en su comunidad.

Pero el vigésimo quinto aniversario del grupo no solo trajo reconocimientos a nivel local. La Casa de la Moneda lanzó una edición especial de 2.500 sellos conmemorativos, convirtiendo a Barricada en la primera banda de rock nacional con un sello propio de curso legal. Un gesto institucional que subrayaba la dimensión cultural que el grupo había alcanzado tras un cuarto de siglo de carrera. El 15 de julio, la peña S.D.R.C. La Jarana de Pamplona otorgó al grupo el Bombo de Oro, su reconocimiento popular durante las fiestas de San Fermín. El trofeo, realizado en oro y plata por Javier Pelegrín y con forma de bombo y maza, se entrega cada año a personas o colectivos que hayan destacado por su labor en la ciudad. En 2007, Barricada se convirtió en el destinatario natural de ese homenaje.

También el Club Atlético Osasuna quiso sumarse a las celebraciones. El 27 de abril, durante las semifinales de la antigua Copa de la UEFA frente al Sevilla Fútbol Club (partido que terminó con un histórico 1-0 en El Sadar). La canción “Rojo” acompañó el calentamiento de ambos equipos y el descanso del encuentro. Aunque su letra habla de tauromaquia, la banda siempre la ha sentido especialmente ligada al equipo rojillo, convirtiéndose ese día en una especie de himno emocional no oficial. Ese mismo año, 2007, los concejales de cultura de Villava, Burlada y Berriozar propusieron a Barricada como candidatos al Premio Príncipe de Viana de la Cultura, compartiendo nominación con figuras como el compositor Pascual Aldave, el actor Alfredo Landa y el saxofonista Pedro Iturralde, quien finalmente se alzó con el galardón. La mera presencia del grupo entre los candidatos suponía, en sí misma, un reconocimiento a su trayectoria e influencia dentro de la cultura navarra.

Pero 2007 no trajo únicamente homenajes y reconocimientos públicos. Ese año, Barricada publicó «25 años de Rocanrol» su decimonoveno álbum, una edición especial en formato box set, concebido para conmemorar veinticinco años de actividad ininterrumpida, reúne el espíritu completo de la banda en un formato cuidado: dos CD, dos DVD y un libreto de 72 páginas que repasa la historia, las anécdotas y el universo que rodea a los de la Txantrea. En ella recuperaron 14 canciones de todas sus etapas. El primer CD, titulado «En la bajera», recupera la esencia más cruda del grupo. Incluye el tema inédito “Sólo quiero tu boca” junto a una selección de canciones históricas regrabadas para la ocasión. El segundo CD, «Rarezas», profundiza en las entrañas de su trayectoria y reunía 16 canciones inéditas, rarezas, canciones procedentes de viejas maquetas, material nunca antes publicado y versiones que la banda ha ido interpretando a lo largo de los años, entre las que destacaba “Déjame que me vaya contigo”, grabada a favor de ANFAS (Asociación Navarra en favor de las Personas con Discapacidad Intelectual). La letra, escrita por Amaia Etxabarri en honor a su hija Ixchel Mariezkurrena, encontró en Barricada un altavoz solidario: la banda cedió todos los derechos de la canción a la asociación.

A todo ello se sumaba un extenso contenido audiovisual distribuido en dos DVDs. El DVD 1 ofrece un documento excepcional: la grabación de un ensayo del grupo en 1985, todos los videoclips realizados hasta la fecha y un documental que incluye el concierto íntegro celebrado en la Txantrea por su 25 aniversario. El DVD 2, por su parte, es un recorrido exhaustivo por las apariciones del grupo en televisión, con actuaciones y entrevistas extraídas de los archivos de TVE y EITB, junto con fragmentos de distintos conciertos que permiten seguir la evolución de la banda a través de décadas de directo. El trabajo de recuperación, grabación y mezcla se llevó a cabo íntegramente en El Sótano, el estudio de Iker Piedrafita.

Y aún quedaba un último regalo por su vigésimo quinto aniversario. Ese año, Barricada alcanzó la cifra de un millón de discos vendidos a lo largo de toda su trayectoria, un hito que les valió el Disco de Diamante. La celebración tuvo lugar en Artica (Navarra), rodeados de familiares, amigos y colaboradores que habían caminado junto a ellos durante cuatro intensas décadas de rock.

Durante la presentación del 25 aniversario en la sala La Riviera de Madrid, el 10 de mayo de 2007, Barricada se permitió un guiño tan inesperado como histórico. En mitad del concierto la banda hizo aparecer a un invitado muy especial: Rosendo Mercado. Juntos interpretaron “Agradecido”, desatando una reacción explosiva entre los asistentes. Aquel instante encendió una chispa que llevaba demasiado tiempo esperando prender: la posibilidad real de una gira conjunta en 2008 entre Rosendo y Barricada. La entrada del propio Rosendo en la discográfica Get In terminó de allanar el camino. Como siempre en la banda, la idea no se quedó en una simple gira compartida. Barricada quería ir más allá, construir un espectáculo donde las canciones de ambos convivieran, se mezclaran y se realimentaran sobre el escenario. A esa ecuación se sumó otro nombre que encajaba a la perfección: Aurora Beltrán (ex Belladona y Tahúres Zurdos), aportando una mirada y una presencia femenina que enriquecían el proyecto y reforzaban el carácter especial del tour.

Pero un reto así necesitaba algo más que buena voluntad y afinidad musical; exigía una coherencia escénica que evitara que el concierto se fragmentara. Para ello, el grupo pensó en alguien de total confianza: Manolo Gil. A él se le propuso diseñar un guión que convirtiera el repertorio en el de un solo grupo, donde todo fluyera de manera natural y, sobre todo, donde el concierto fuese “in crescendo” hasta el final. El trabajo apremia, y la maquinaria se pone en marcha a toda velocidad. Entre los tres grupos preparan un repertorio común y comienzan a ensayar de forma conjunta en la sala de conciertos Tótem, en Villava (Navarra). De aquellas sesiones nace incluso un tema compuesto entre todos, que terminaría dando nombre a la gira: “Otra noche sin dormir”.

La gira se concreta finalmente en 14 fechas, con un fin de fiesta inolvidable: el 26 de septiembre de 2008, en la Plaza de Toros de Las Ventas (Madrid). Un lleno absoluto convierte el concierto en un acontecimiento histórico para la capital, y aquel escenario monumental se transforma en el marco perfecto para grabar un disco conjunto acompañado de un DVD con el concierto íntegro. Con el paso de los años, el valor de ese documento no hace sino crecer; fue la confluencia de tres mundos; Rosendo, Barricada y Aurora Beltrán, que pocas veces volverían a cruzarse de aquella forma.

La puesta en escena recoge guiños a grandes nombres de la historia de la música: Bob Dylan con los carteles de “La hora del carnaval”, Sinéad O’Connor con la fotografía de Ratzinger, Bono grabando con la videocámara, Jimi Hendrix tocando el bajo por detrás o Chuck Berry a la pata coja. Incluso se atrevieron con el impactante momento de juntar dos baterías sobre el escenario. Todo ese despliegue quedó inmortalizado en el DVD, donde el trabajo escénico y lumínico de Manolo Gil brilla con luz propia, acompañado de una calidad de sonido impecable a cargo del ingeniero Eugenio Muñoz (también mánager de Rosendo). El resultado fue un éxito rotundo. “Otra noche sin dormir” superó las 30.000 copias vendidas en un año, otorgándole al que se convirtió en el vigésimo primer disco de Barricada, junto a Rosendo Mercado, Mariano Montero, Rafa J. Vegas y Aurora Beltrán, la categoría de Disco de Oro.

El 3 de noviembre de 2009 ve la luz “La tierra está sorda”, un nuevo álbum de Barricada y, sin duda, uno de los trabajos más especiales y valientes de toda su carrera. Se trata de un disco conceptual sobre la Guerra Civil española, un proyecto que nace de la inquietud personal de El Drogas, profundamente marcado desde años atrás por la lectura de «La voz dormida» de Dulce Chacón y por multitud de investigaciones sobre la represión franquista en Navarra y en otros puntos del país. Impulsado por aquella necesidad de comprender y de contar, El Drogas pasó meses viajando por toda España en busca de testimonios directos: familiares de desaparecidos, historias silenciadas durante décadas, documentos oficiales, fosas comunes, asociaciones de memoria histórica… Un viaje humano y emocional que acabaría conformando el armazón narrativo del disco. Aquella inmersión tan personal convirtió el proceso en algo más que la creación de un álbum: fue casi una labor de investigación.

En lo musical, gran parte del peso recayó en Alfredo Piedrafita. A diferencia de «Hombre mate hombre», que llegó al estudio prácticamente cerrado desde la bajera, «La tierra está sorda» se fue construyendo desde casa. Muchas canciones se remataron en los estudios El Sótano, en Artica (Navarra), bajo la dirección de Iker Piedrafita. Las letras, cargadas de sensibilidad y de memoria, pedían una música que respirara con ellas. Por eso, el grupo entendió que los detalles melódicos debían estar al servicio de la emoción, sin perder la identidad rockera, pero permitiéndose giros hacia territorios más suaves cuando el contenido lo reclamaba. En algunos momentos, el álbum incluso roza el pop, algo asumido sin complejos dentro del propio seno de Barricada, convencidos de que la historia que querían contar debía sonar tal y como lo pedían los testimonios que habían escuchado.

Finalmente, el proyecto se cierra con 18 canciones, aunque el volumen de textos escritos por el Drogas podría haber dado para más de cuarenta. Inevitablemente, varias temáticas quedaron fuera del álbum: la persecución de la homosexualidad durante la guerra y la posguerra (como el asesinato del poeta Federico García Lorca) o la historia de los llamados “topos”, aquellas personas que permanecieron ocultas durante años en sus propias casas por miedo a las represalias. Aun así, el conjunto final logra capturar la esencia del trabajo de memoria que inspiró el disco. Como complemento indispensable, el álbum se publica acompañado de un libreto de 180 páginas, que amplía y contextualiza la información que había recopilado el Drogas durante sus viajes y lecturas, convirtiéndose en una obra documental paralela al propio disco.

Una vez finalizada la grabación, que se prolonga durante tres o cuatro meses, el grupo decide rematar el sonido lejos de casa. Aunque las canciones ya estaban bastante definidas, las mezclas y el masterizado se realizan en los Sonic Pump Studios con Aksu Hanttsi y en Chartmakers con Svante Forsbäck, ambos en la ciudad de Helsinki (Finlandia). La intención era otorgar al disco un acabado final más “oscuro”, muy característico del sonido del Báltico y cercano a producciones de grupos como Apocalyptica o Lordi. Antes de la salida del disco se da a conocer el primer single, “Por la libertad”, acompañado de su correspondiente videoclip, que obtiene una respuesta extraordinaria, algo que Barricada no vivía en el terreno audiovisual desde los años 90. Más adelante se publica un segundo videoclip, esta vez del tema “Pétalos”.

La presentación oficial del disco tiene lugar en el parque de la Calle del Marqués de Mondéjar, en Madrid, un espacio cargado de simbolismo por ubicarse donde estuvo la antigua cárcel de mujeres de Ventas, construida en 1931 durante la Segunda República. Allí, en un entorno sobrio y significativo, el grupo interpreta varios temas en acústico. Sin embargo, uno de los momentos más emotivos de toda la promoción llega en el cementerio de La Almudena, donde Barricada toca varias canciones frente a la placa que recuerda a Las Trece Rosas, ofreciendo un homenaje profundamente sentido. Conscientes de que el alcance de “La tierra está sorda” podía ir mucho más allá del circuito puramente musical, Barricada decide ampliar el formato de presentación hacia un terreno casi divulgativo. Surgen así una serie de acústicos combinados con charlas, tanto en recintos culturales como en institutos de educación secundaria. Todo ello nace a raíz de la constatación, incluida la del propio grupo, de la enorme ignorancia generalizada sobre la Guerra Civil y la represión posterior. La propuesta llega de la mano de Kike García, maestro aragonés que además participa en uno de los textos del extenso libreto del álbum, y que sugiere la posibilidad de llevar este proyecto pedagógico hasta las aulas. La gira arranca con la idea de dividir cada actuación en dos partes bien diferenciadas. La primera, íntegramente dedicada a las 18 canciones de “La tierra está sorda”, planteada en un ambiente más íntimo y, por primera vez en la historia del grupo, con la presencia de un músico ajeno a la formación: Iker Piedrafita, encargado de reforzar guitarras, bajos y coros. La segunda parte recupera los clásicos de Barricada, cambiando por completo el ambiente y devolviendo al público a un tono más festivo y eléctrico.

«La tierra está sorda» alcanza unas cifras de ventas que le otorgan el Disco de Oro, un reconocimiento que impulsa la edición de un nuevo formato especial del álbum. Esta reedición incluye un libreto ampliado y un CD adicional con el concierto acústico que la banda ofreció en Zafra (Badajoz) el 19 de marzo de 2010, además de un DVD que documenta la visita de Barricada a la localidad. En él se recoge, entre otros momentos, el emotivo encuentro con los familiares de Dulce Chacón, así como los dos videoclips del disco y una selección de canciones tanto del propio acústico de Zafra como del concierto eléctrico celebrado en el campo de rugby de Asti, en Zarautz (Gipuzkoa), el 28 de agosto de 2010. Tanto el CD como los DVDs aparecieron bajo el nombre de «En la memoria».

2010 trae consigo el libro «Barricada. Electricaos», escrito por David Mariezkurrena Iturmendi y Fernando F. Garayoa que recoge 28 años de canciones, escenarios, carreteras, sudor y pasión que convirtieron una utopía en realidad, hacer del rock una forma de vida. El Drogas, Alfredo, Boni e Ibi desmenuzan sus entrañas musicales y vitales. Desde el primer concierto que ofreció la banda en la plaza del Rastro de la Txantrea (18 de abril de 1982), hasta su más reciente y exitoso disco, ‘La tierra está sorda’. Todo un recorrido histórico apuntalado por las opiniones y comentarios de compañeros y amigos como Rosendo, Loquillo, Fito, Marea, La Fuga, Andrés Calamaro, Hamlet, Iván Ferreiro o Carlos Tarque, entre otros muchos.

El último concierto de la gira tiene lugar en el pabellón Anaitasuna de Pamplona, el 18 de diciembre de 2010, una fecha que marca el cierre de una etapa especialmente intensa para el grupo. Tras esta actuación, Barricada anuncia un año sabático, decisión que inmediatamente desata rumores de toda índole. Pese al silencio inicial, la banda deja entrever que en 2012 llegará un proyecto “muy grande”, algo distinto a todo lo que habían hecho hasta entonces y que, prometen, sorprenderá incluso más de lo que cualquiera pudiera imaginar.

La etapa sin el Drogas.

Tras un año sabático durante todo 2011, llega el 2 de diciembre y con él un golpe inesperado: el Drogas anuncia oficialmente su despedida del grupo mediante un comunicado en verso. Apenas 24 horas después, el resto de la banda responde con su propio comunicado oficial. Sin profundizar en los detalles de la marcha del Drogas, los tres miembros restantes comienzan a asimilar el nuevo escenario. Fieles al espíritu que siempre ha guiado a Barricada, optan por seguir adelante.

«Barricada siempre ha sido la casa de el Drogas y por supuestísimo que siempre
lo va a ser».

Parte del comunicado de la banda.

Por su trayectoria y por ser los mejores embajadores posibles de la banda de rock más importante que ha dado Navarra, el Ayuntamiento de Ansoáin, a propuesta de la Sociedad Arrikulunka, decide rendir un homenaje a Barricada dedicándoles una calle del municipio. A pesar de que 2011 fue un año sabático en cuanto a giras, Boni y Alfredo no dejaron de trabajar. Entre ambos empiezan a dar forma a distintas ideas y, poco a poco, nacen las primeras canciones de una nueva etapa. Canciones frescas, con algo distinto que decir, que vuelven a ilusionar a la banda, especialmente a Boni, que en este nuevo trabajo se convierte en el cantante mayoritario, tanto en el disco como sobre el escenario. Paralelamente, Barricada, fiel a su forma de hacer las cosas, se pone manos a la obra en la búsqueda de un nuevo bajista. El elegido es Ander Izeta, exmiembro de grupos como Nork, Asier Serrano, Eraso y Estigia, banda en la que ya había coincidido con el batería Ibi Sagarna. Con las nuevas canciones prácticamente cerradas, el trabajo de Ander en la construcción de las líneas de bajo se vuelve frenético, ya que el grupo se encuentra a las puertas de entrar a grabar su nuevo álbum.

La banda regresa a El Sótano, el estudio de grabación de Iker Piedrafita, para dar forma definitiva al disco. El nuevo trabajo cuenta con varias colaboraciones destacadas. En “Pa’ enredarte”, una canción que funciona como declaración de intenciones sobre las ganas de volver a salir a la carretera, participan en los coros algunos de los seguidores más fieles de la banda. “La balanza” incluye una letra escrita por Kutxi Romero de Marea, quien además acompaña a la voz. Iker Piedrafita, además de ejercer como coproductor del disco, colabora también en la canción “Remiendos”.

Del álbum se extrae como primer single “Punto de mira”, del que se realiza un videoclip dirigido por Jota Aronak, de Producciones Bajocero, grabado en varias calles de Pamplona. En él, un francotirador va “disparando” simbólicamente a miembros de distintos grupos del panorama estatal como Marea, La Fuga, Dikers, Lendakaris Muertos o Berri Txarrak, entre otros. Más adelante se publica un segundo videoclip, “El muelle”, dirigido por Meka Ribera, de Ático Cuatro, y grabado en el pantano del Valle de Guadalest (Alicante).

El nuevo álbum, titulado “Flechas cardinales”, sale a la venta el 17 de abril de 2012. Un título elegido en clara alusión a los nuevos rumbos que atraviesa la banda, y que llega rodeado de una lógica incertidumbre: era el primer trabajo de Barricada en la etapa «post-el Drogas». Sin embargo, cualquier duda se disipa rápidamente. El resultado es tremendamente satisfactorio y el disco entró directamente en la cuarta posición de la lista de los más vendidos del país, elaborada por Promusicae, superando incluso a su antecesor «La tierra está sorda», que había alcanzado el sexto puesto. «Flechas cardinales» se mantiene durante catorce semanas consecutivas en esa cuarta posición, confirmando la solidez del nuevo rumbo.

La gira se convierte en el mejor preludio posible para anunciar el disco, recorriendo el país de este a oeste y de norte a sur, superando el medio centenar de conciertos. Barricada vuelve a ocupar un lugar destacado en grandes festivales como Viña Rock, Aúpa Lumbreiras, SonRías Baixas o Alfarock, y por primera vez en su historia consigue cruzar el charco para actuar en el continente sudamericano, con conciertos en Buenos Aires (Argentina) el 30 de noviembre y Montevideo (Uruguay) el 1 de diciembre. Un año pletórico que viene acompañado de numerosos reconocimientos. Entre los días 27 y 28 de septiembre, Barricada ofrece en Ansoáin dos conciertos solidarios en beneficio de la Asociación de Esclerosis Múltiple de Navarra (ADEMNA). Kukuxumuxu, empresa pamplonica dedicada al diseño de artículos con dibujos humorísticos, colabora con la causa diseñando el cartel y las camisetas conmemorativas, cuyos beneficios son destinados íntegramente a la asociación.

Con un setlist que sorprende al rescatar varias canciones poco habituales en los directos de la banda, los conciertos de Ansoáin cuentan además con la participación de invitados que aportan un calor muy especial al disco. Arantxa Ojeta y Marifé Cortes, de Las Zíngaras, ponen su voz en “En la esquina del zorro” y “Déjame que me vaya contigo”. Lucas Irisarri, de Barracus y Señor Ramón, participa en “Por salir corriendo”. Alfonso, de Mr. Fylyn, se suma en “Peligroso animal de compañía”, canción perteneciente al trabajo en solitario de Boni. El Cuarteto Nerbari e Iker Piedrafita, de Dikers, colaboran en “Imán”, y Aurora Beltrán cierra el círculo de colaboraciones en “Eclipse”. Además, y por primera vez, entra en escena una canción muy especial que había sido apartada del álbum «Bésame». Escrita por Kutxi Romero y cedida a la banda, el tema es finalmente titulado “Ya nos veremos”, una letra cargada de un tono premonitorio, con una tinta de duro preludio que, con el tiempo, acabaría adquiriendo un significado difícil de esquivar.

Fruto de aquellos dos conciertos nace la grabación del emotivo vigesimocuarto álbum de Barricada, titulado “Quedan caminos por recorrer”, editado el 6 de noviembre de 2012. El disco reúne un total de 19 canciones, producidas por Iker Piedrafita en su estudio El Sótano, y se publica en dos formatos: como álbum independiente o acompañado de una reedición especial del último trabajo de estudio, «Flechas cardinales». El diseño de la portada corre a cargo de Kukuxumusu, cerrando el proyecto con un marcado carácter navarro y solidario.

Sin embargo, durante las últimas semanas de septiembre comienzan a dispararse los rumores más agoreros en el entorno cercano de la banda. Desgraciadamente la continuidad de Barricada queda segada de forma definitiva a través de un comunicado conjunto, primero de la mano de Boni y más tarde de Alfredo, cerrando cualquier posibilidad de continuar bajo el nombre de Barricada como único miembro “original”. Barricada anuncia su retirada definitiva de los escenarios con dos conciertos de despedida los días 22 y 23 de noviembre en el pabellón Anaitasuna de Pamplona, curiosamente el mismo recinto en el que, tres años antes, había tenido lugar el último concierto junto a el Drogas. Las entradas para ambas fechas se agotan en apenas cuatro horas, y la desbordante demanda del público hace casi inevitable la programación de una tercera actuación, que finalmente se concreta para el 16 de noviembre. Pamplona comienza entonces a vivir un ambiente insólito en sus calles. La banda de rock nacional que más éxitos había cosechado durante décadas se dispone a poner punto final a su trayectoria. Como si se tratara de la última oportunidad, cientos de personas se agolpan a las puertas del Anaitasuna. Se acerca el final. Desde la apertura de puertas, las gradas del pabellón construyen un ambiente pletórico, cargado de expectación.

Durante casi dos horas, el repertorio repasa himnos como “No hay tregua”, “Animal caliente” o “Blanco y negro”, provocando que nadie de los presentes quiera que aquello termine nunca. La nostalgia se adueña del repertorio, y una atmósfera donde conviven la euforia, la satisfacción y una tristeza contenida obliga, al mirar atrás, a regalar una sonrisa. El público corea entre aplausos. Nadie se mueve. Nadie quiere marcharse, ni aceptar que lo que acaban de escuchar son ya los bises. Solo cuando comienzan a desmontarse las letras gigantes que presiden el escenario con el nombre de BARRICADA, el recinto se llena de silbidos y gritos de resistencia. El pabellón se vacía lentamente.

El 25 de febrero sale a la calle el último disco de la banda «Agur», que recoge el directo de la banda navarra en la última de las tres citas de su despedida. El doble CD y DVD recoge treinta y cinco canciones para el recuerdo, en menos de una semana se convierte en el sexto disco más vendido de las listas oficiales. Treinta y un años sin tregua que finalmente ha llegado a su fin.

El 31 de mayo de 2018 Boni anunció que padecía cáncer de laringe. Un mes después se sometió a una cirugía en la que se le extirpó la totalidad del tumor, pero su voz se vio afectada y tuvo que retirarse de los escenarios. Finalmente el 8 de enero de 2021 Boni falleció en Pamplona a los cincuenta y ocho años. Fue incinerado al día siguiente en el Cementerio de dicha ciudad.

Con más de mil conciertos a sus espaldas y veinticinco álbumes (cuatro de oro y dos de platino), Barricada es, sin duda, una de las bandas más grandes de la historia del rock español. Puedes llamarlos rock urbano, punk rock, heavy, rock radical vasco… lo que quieras. Pero, en realidad, Barricada es mucho más que una etiqueta. Barricada es una actitud, una forma de entender la vida, de mirar de frente, de no callarse.

Continuamos y lo hacemos de la mano de Alfredo Piedrafita, guitarrista de Barricada y uno de los pilares fundamentales del grupo navarro que, tras la disolución del grupo, dio forma a un nuevo proyecto llamado Miss Octubre.

Tras la disolución de Barricada en 2013, Alfredo Piedrafita se embarca en un proyecto muy particular: grabar doce canciones con doce vocalistas diferentes. El primero de esos temas se lo envió a Agnes, vocalista del grupo Lilith. El resultado fue tan convincente que ambos decidieron dar un paso más allá. Así nació Miss Octubre, una nueva banda que se completó con Iker Piedrafita (guitarrista de Dikers e hijo de Alfredo), Sergio Izquierdo (también de Dikers) a la batería y Rafa Martínez (Lilith) al bajo. La conexión entre los cuatro fue inmediata, combinando experiencia, juventud y un mismo lenguaje musical. El nombre del grupo surge como una broma. Años atrás, Alfredo había participado en un calendario solidario en el que su fotografía correspondía al mes de octubre.

A finales de 2014, Miss Octubre publica su primer álbum, «Día 1», editado por Warner Music. El disco fue grabado y producido en El Sótano, el estudio de Iker Piedrafita. Su sonido conserva la crudeza del rock urbano característico de Alfredo, pero con un aire renovado y contemporáneo, sostenido por la potente voz de Agnes al frente. El álbum incluye doce temas más un bonus track, “Último acto”, disponible únicamente en iTunes y con la colaboración de Kutxi Romero (Marea). Entre sus canciones destaca “Tú siempre ganas”, una balada interpretada por el propio Alfredo. El primer single, “Rojo oscuro”, vino acompañado de un videoclip. El lanzamiento de «Día 1» dio paso a una gira de presentación por todo el país.

A finales de 2016 se producen cambios importantes en la formación: Rafa Martínez y Sergio Izquierdo abandonan el grupo, mientras que Iker Piedrafita decide centrarse exclusivamente en la producción. Entran entonces nuevos músicos: Albert Llorente, ex guitarrista de Lilith; Franklin, ex bajista de Ktulu; y Enric Álvarez, batería con una larga trayectoria en la escena barcelonesa. Con esta nueva alineación se prepara el segundo álbum de estudio, «Demasiado(s) humanos», publicado en 2018 y nuevamente grabado, producido y masterizado en El Sótano por Iker Piedrafita. El primer adelanto, “Sombras en la noche”, vino acompañado de un videoclip dirigido por la propia banda, y el disco incluye una sorprendente versión del clásico “Yo soy aquel” de Raphael, reinterpretado con la personalidad sonora de Miss Octubre. Tras su publicación, la actividad del grupo se concentró principalmente en Navarra y el norte del país. Después, el proyecto fue diluyéndose de manera natural con el paso del tiempo, mientras sus miembros tomaban caminos distintos. No hubo un anuncio oficial de disolución.

Uno de los últimos miembros de la banda, Franklin nos lleva a esta potente banda llamada Ktulu.

Banda fundada a finales de 1986 en Hospitalet de Llobregat, Barcelona. Sus primeros pasos los dieron como un grupo de thrash metal, con influencias de la escena californiana de la Bay Area de los ochenta, y principalmente influenciados por Metallica, de hecho, toman su nombre de uno de sus temas: “The Call of Ktulu”, inspirado en el ser maléfico Cthulhu, creado por H. P. Lovecraft.
En 1987 se estrenan con una demo de dos temas: “Otro Cuento” y “Legiones de Muerte”. Un año después, graban otra demo con tres canciones más: “Testigos”, “Uno Más” y “La Soga”.
En aquel momento Ktulu está formado por: Willy Espejo a la voz, Pablo Ballesta al bajo, David Montes “Mons” y Jorge Cabrera a las guitarras y Miguel Suesta a la batería.

El interés por la banda empieza a crecer y firman con el sello Momentos Thrashicos, especializado en metal, con los que en 1991 editan su primer LP: “Involución”. La producción no fue la mejor del mundo, pero sirvió para que la banda empezara a sonar en los círculos underground. En 1992 graban una nueva demo con los temas “No creo en ti” y “Vuelve mañana” En 1994, Ktulu cambia de discográfica. Firman con S.M.D. Records, en asociación con Hardvinyl Records, y con ellos lanzan su segundo LP: “Orden Genético”. Poco después, reciben una propuesta inesperada, además de una oportunidad única: crear un tema para la película “El día de la bestia”, de Álex de la Iglesia.
Para ello componen un tema al más puro estilo del metal industrial titulado “Apocalipsis 25D”, en el que añaden samplers y sonidos pregrabados. Uno de ellos sacado directamente de El Exorcista.
El tema gustó, y Ktulu fue elegido entre cientos de bandas por el propio equipo de la película. Y no solo eso, la banda aparece en dos escenas del film. Su tema también formó parte del CD oficial de la banda sonora, junto a nombres como Pantera, Ministry, Def con Dos o Soziedad Alkoholika. Ese trabajo catapultó a la banda al gran público. Y aún más con la gira nacional de cinco fechas bajo el nombre de El Día de la Bestia, junto a Extremoduro, S.A., Def con Dos y The Pleasure Fuckers, en la que, por ejemplo, consiguieron congregar a veinticinco mil personas en Granada.

En 1995, Ktulu firma con DRO/Warner East West, y reeditan su segundo trabajo remasterizado “Orden Genético”, con la inclusión del tema “Apocalipsis 25D”. Dos años después, en 1997, se edita su tercer trabajo: “Confrontación”. Producido por el danés Jan Borsing, bajista del grupo Pixie Killers. Un álbum con un sonido claramente influenciado por el metal industrial. Ese mismo año lanzan “El Latido del Miedo”, un disco de remezclas con ocho temas del álbum «Confrontación», usando sonidos propios del techno remezclados por Ktulu, J. Al andalus (Def Con Dos) y Frans Beltran, además del videoclip de “Biocontaminación Digital”. En esos días la banda se fragmenta, quedando únicamente Willy, Jorge y Miguel a quienes se les unen Pedro a la guitarra, Raúl en los samplers y Lara al bajo. Con esta formación se graba su álbum homónimo de 1999, grabado en los estudios Lorentzo Records en Bérriz (Vizcaya), bajo la producción de Carlos Córdoba y Aitor Ariño (Platero y tú, Extremoduro, La Polla Records etc.). El sonido del álbum está muy próximo a bandas claves del new metal como Korn, Fear Factory o Rob Zombie. En diciembre del 2000 publican “2078”, un disco de versiones de grupos tan diferentes como Portishead, Jimi Hendrix y Iron Butterfly, En él colaboran varios productores, como Rod Boyd, Charlie Chicago o Neue Lärmklassiker, y la cantante de B-Violet, Sonia, que acompaña a Willy en la versión de Portishead. Además, el disco incluye algunos temas del disco «Ktulu» pasados por el filtro de la electrónica, con arreglos y mezclas de Frans Beltrán, S. Marcos y J. Barrio, tres Dj’s barceloneses de renombre. Al margen de eso, los catalanes colaboran en los tributos ‘Metal Gods’ (2000) y ‘Larga Vida… Al Volumen Brutal’ (2002), con las versiones ‘The rage’ (Judas Priest) y ‘Satánico Plan’ (Barón Rojo). Entre 2002 y 2004 el grupo se toma un descanso. Durante ese tiempo se suceden entradas y salidas de músicos dentro de Ktulu sin que ninguna termine de encajar. Además, las ventas descendieron y la compañia prescinde de ellos. También se rompen relaciones con su oficina de management. Willy se queda solo al frente de Ktulu. Aun así, se componen más de 30 temas nuevos, fichan por Locomotive y anuncian un disco que nunca vería la luz: “El Club de la Lucha”.

Pese a todos esos inconvenientes la banda regresó en 2008 con nueva formación: Blai a la batería, David y Bastida en las guitarras y Zouak al bajo, y con un nuevo álbum «Show Caníbal», el trabajo más experimental del grupo, distribuido por Maldito Records. El disco incluía la versión de AC/DC “Back in Black” .También se graba un vídeo de su tema “Vuestras guerras”. En 2009 publican en exclusiva para Itunes un tema cantado en inglés llamado «Linkslaved». En 2011 editan su octavo trabajo CD/DVD «Visión en la Casa del Caníbal» , su primer directo oficial de audio y vídeo grabado en Barcelona el 3 de octubre de 2009. El CD incluye 17 pistas, y el DVD 12 cortes del concierto, más un corto documental de media hora titulado “Corte Quirúrgico”, que muestra la gira de «Show Caníbal» con grabaciones de fans, equipo técnico y de los miembros del grupo. Además, el DVD incluye un homenaje a Ktulu realizado por 16 bandas underground de todo el país, fruto de una convocatoria que la banda lanzó en su MySpace. La formación de aquel concierto estaba formada por: Wylly K a la Voz, Jess Rodz y David Roig a las Guitarras, Franklin al Bajo y Blai a la Batería. Ese mismo año, 2011, Ktulu firma con Avispa Music, y en 2012 llega un nuevo trabajo bajo el nombre de “Makinal”, grabado en los estudios M20 de Madrid. Un álbum con 17 canciones y 75 minutos de duración. Su extensa duración hizo que en un principio se planteasen la posibilidad de lanzarlo como un disco doble. “Makinal” mantiene la misma formación que el directo anterior, siendo el primer álbum de estudio para el guitarrista Jess Rodz y el bajista Franklin. El álbum se lanzó en Japón en 2014.

Tras la salida de ‘Makinal’, terminada la gira, y completada otra nueva formación en 2015, Ktulu anunciaba que se ponía manos a la obra con un nuevo Lp. Esta vez, Franklin y Willy seguían adelante con la ayuda de Pako (teclado/samplers/programación), Riky Mena (batería), Pedro ‘Piter’ Sánchez (guitarra) y Asier Badiola (guitarra). El 21 de enero de 2017 el grupo actúa en la sala Salamandra de L´Hospitalet. En el concierto, denominado «El encuentro» se reúne la formación original, así como la mayoría de los músicos que han pasado por el grupo a lo largo del tiempo, cada uno interpretando el repertorio correspondiente a su estancia. El concierto acaba con la formación original sobre el escenario: Willy, Montes, Pablo, Miguel y Jorge. El show se grabó con la intención de incluirlo en el documental “Regreso al Sótano”, un proyecto dirigido por el ex guitarrista de la banda Jorge Cabrera (actualmente actor) y Nico Aguerre. La película se estrenó el 29 de octubre de 2021 en el festival IN-EDIT, y puede verse actualmente en la plataforma Filmin.

El 21 de mayo de 2017, el grupo actuó en el concierto solidario «No Callarem» celebrado en el Parque del Gran Sol de Llefià, a favor de la libertad de expresión y de los derechos humanos y en contra de la censura. ​En diciembre de 2018, el periodista musical Iván Allué publica el libro “Pura Vida: la historia de Ktulu”, una obra que repasa los más de treinta años de carrera de la banda catalana. Tras diez años sin haber lanzado ningún nuevo trabajo discográfico, en 2022, Ktulu organizaría una gira por su 35.º Aniversario por España tocando su set en directo y a la vez produciendo su LP recopilatorio «El alma de las bestias», bajo el sello Avispa Music. Bajo ese título, la banda estuvo anunciando durante años que sería un disco recopilatorio con las canciones más reconocidas, algún tema inédito de la primera época de la banda, regrabados con su nueva formación, dos temas inéditos, además de colaboraciones de lujo con Brigi y Natxo de Koma, Narco, Guachi y Víctor de Brutal Thin o Javier Cardoso ex Vita Imana entre otros. El CD iba a incluir también el libro de Iván Allué y el documental “Regreso al Sótano”. Su lanzamiento estaba previsto para el 2 de febrero de 2019, sin embargo este álbum finalmente nunca vio la luz.

Hoy por hoy, según su web oficial, siguen ofreciendo conciertos. Ktulu fue una banda que tuvo su momento, y que alcanzó su mayor eco gracias a aquella legendaria película de Álex de la Iglesia, «El Día de la Bestia», en cuya banda sonora, aparecía otro nombre clave del rock español: Def Con Dos.

Banda formada en 1989 de un primer embrión llamado Freddy Krueger y Los Masters del Universo, grupo efímero formado por Julián Hernández de Siniestro Total para tocar la noche del 5 de enero de 1988 en un pub de Vigo (Galicia) llamado El Manco. En ese concierto se hicieron versiones de Public Enemy, Beastie Boys y Run D.M.C. cantadas en español pero ningún tema propio. Esa primera formación estaba formada por Julián Hernández «Padre Karras» (ideólogo), su cuñado, César Montaña «Strawberry» (voz), Peón Kurtz (voz y beatmaker), hermano de Miguel Costas, voz de Siniestro Total, Bernardo, de Los Refrescos, Antonio el Cafre, de Los Cafres, Ángel González, de Siniestro Total y Gonzalo López. En 1988, animados por Julián, grabaron para su sello discográfico Baterías Taponadas (que era el salón de su casa y un magnetofón Revox) la primera maqueta como Def Con Dos, con tres temas propios y una versión de Public Enemy. Ese año entran en el grupo Mariano Lozano (teclados y samplers), ex Séptimo Sello y Magnum 44 (guitarra), además de otros miembros que entraban y salían como Doctor Flanger, Frosty Scratchraiser, DB Foxtex o Dj Callahan. De esa primera maqueta se lanzaron unas doscientas copias y se encargaron miles de adhesivos con el logotipo del grupo para pegar por todas partes. Sin embargo, «Primer Asalto» no se vendía sino que simplemente se regalaba. Eso hizo crecer la curiosidad de los medios y en poco tiempo lograron que la gente empezase a conocer al grupoa. Ése verano sacaron el primer fanzine llamado DEF y comercializaron la DEF-Bolsa, una bolsa como la del pan estampada con su logo que contenía la maqueta, el fanzine, una gorra de visera y una camiseta.

Gracias al peso que Julián tenía en la discográfica independiente Dro consiguieron que se comprometieran a editar y distribuir el disco. Así, en febrero de 1989 salió a la calle el nuevo trabajo de la banda bajo el título de «Segundo Asalto» en formato compacto y cassette en la que ambos lados contenían los mismos temas. Como la discográfica únicamente distribuyó el álbum, fue el grupo quién lo financió, así que entre canción y canción la banda publicitó diferentes locales comerciales (principalmente bares y tiendas) que ayudaron a la financiación del disco, haciendo ellos mismos los jingles.Para celebrarlo se organizó una fiesta de presentación en un bar del barrio de Malasaña (Madrid), con Patacho Recio en la guitarra como nuevo miembro. El álbum recibió buenas críticas y tuvo cierta repercusión en los medios de comunicación. A pesar de ello, «Segundo Asalto» apenas llegó a vender unos cientos de copias. Aún así, en marzo de 1991 Def Con Dos firmaba un contrato con Dro y comienza la grabación de un nuevo disco, el último con Baterías Taponadas. También en 1991 se producen movimientos en el seno de la banda: entran Sargento Brown (guitarra), Óscar López (voz y programación) y Golpeador (voz y programación). Ese tercer álbum, llamado (como no) «Tercer Asalto» se editó en formato vinilo, cassette y compacto. En mayo se hizo la presentación del disco y el primer concierto del grupo en la sala Revolver de Madrid, en junio, les invitaron a participar en un festival de rap en Italia y después hicieron un par de actuaciones más como teloneros de Run D.M.C. en su única visita a España. Pero, para variar, el disco no se vendió como se esperaba, así que al cabo de unos meses la compañía dejó de interesarse por ellos.

En 1992 el director de cine Àlex de la Iglesia les propone hacer una canción para su primer largometraje llamado «Acción Mutante». Satisfecho con la maqueta, el director les hizo la oferta en firme y les ofreció aportar una canción más, que finalmente sería «Mineros locos (Armas pal pueblo)». Pese a su participación en la película, nadie quiere grabarles un nuevo disco. Finalmente, Eugenio Muñoz, dueño de los estudios Box, (donde se grabaron los temas para «Acción Mutante») se atrevió a financiar la grabación de lo que sería «Armas pal pueblo» entre diciembre de 1992 y enero de 1993 con Julián Hernández y Jesús Arispont, a la producción. La historia se repite y en dos años solo se llegaron a vender cuatro mil discos. Con «Armas pal pueblo» Def Con Dos dejó de apoyarse sólo en samplers y cajas de ritmos y tuvieron que buscar gente para formar una banda. Las baterías del disco las había grabado Bul Bul, pero después del verano, viendo que el grupo no levantaba cabeza decidió dejarles. En su lugar entró José Bruno «Little Boy», de Sex Museum. Como guitarristas entraron Juanjo Melero «Mala Fe» ex Sangre Azul y Santa Fe y el sevillano Juanjo Pizarro (Dogo y Los Mercenarioz). Con ese incentivo, César Strawberry impulsó una reorganización del proyecto, con una configuración más próxima a una banda de rock estable y a la que entró a formar parte como pieza fundamental el músico andaluz Jesús Arispont (a partir de ese momento conocido como «J Al Andalus») quedando en ese momento la banda formada por: Strawberry (voz), Peón Kurtz (voz), Juanito Sangre (voz), Juanjo Melero (guitarra), Juanjo Pizarro (guitarra), J. Al Andalus (bajo) y José Bruno «Little Boy» (batería).

Pese a todo ello las contrataciones no llegan, así que en el invierno de 1993 empezaron a montar conciertos en pequeños clubs de toda españa. Tocando en Irún y Hernani con Negu Gorriak contactaron con su mánager, Matxitxa, y les propuso moverles por Euskal Herria. Tocando allí con bastante regularidad mientras que en el resto del estado, nadie les contrataba. Un año después entraron en contacto con otro mánager en Madrid quien les organizó una gira de clubs por toda España junto a Lagartija Nick a la que que titularon «Gira de apoyo a la Vasectomía». La gira funcionó pero por diferencias con el mánager se independizaron y comenzaron a trabajar solos. Melero abandonó la banda y en su lugar entró Nicolás (Kamarada Nikolai). Pese a que el grupo empezaba a crecer y a llenar locales ninguna discográfica arriesgaba por ellos. De nuevo Eugenio Muñoz, de Estudios Box, les propone volver a grabar con él para luego vender el master a alguna compañía. De esta manera, en diciembre de 1994, comenzó la grabación de lo que sería «Alzheimer» con J. Al Andalus de nuevo produciendo el disco. A mitad de la grabación Dro se interesó por ellos y acabaron firmando de nuevo con ellos. El nuevo álbum salió a la venta en abril de 1995. De entrada se vendió poco, pero por primera vez la compañía promocionó el disco: anuncios, carteles, entrevistas…etc.

Juanjo «El Mercenario» es el siguiente en abandonar a Def Con Dos, en su lugar entró Manolo Benítez «El Guanche» (Los Enemigos). Con El Guanche y K. Nikolai dieron los conciertos de presentación pero más tarde «El Guanche» volvió con Los Enemigos ocupando su lugar Julián Kanevsky «Gautxito» que se preparó el repertorio en tres días y logró sacar adelante varias actuaciones sin haber ensayado con el grupo. Con esta formación comenzaron la gira de ‘Alzheimer’ y por primera vez les llamaban de todas partes para tocar. El disco poco a poco se iba vendiendo y después del verano llegó a las 15.000 copias. En octubre se estrena la pelicula «El dia de la bestia» de Àlex de la Iglesia donde de nuevo Def Con Dos colabora con el tema que da nombre a la película, convirtiéndose en todo un éxito. En 1996 hicieron su primera incursión en Europa tocando en Lyon, en el Festival Printemps de Bourges (Francia) y en el Dour Festival (Bélgica) en julio. La gira acabó a finales de septiembre y al día siguiente del último concierto salió a la calle «Ultramemia». Por aquellas fechas «Alzheimer» había vendido 35.000 copias, que más tarde fueron 60.000, y la compañía se volcó también en la promoción del «Ultramemia». Dro les propone crear un sello propio (Bruto) dentro de la compañía, con el cual poder editar discos de nuevos grupos con entera libertad. En febrero de 1997 comenzaron la gira de presentaciones del nuevo disco llevando como teloneros a Narco, primer fichaje de Bruto. Para esta gira Kamarada Nikolai deja la banda, volviendo con ellos Juanjo Melero «Mala Fe».

El 23 de octubre de 1998 se publica un nuevo álbum, «De poca madre» que salió al mercado . En julio editaron un disco recopilatorio en USA que se editaría más tarde en México, Argentina y Chile. En 1999 Def Con Dos anuncia una separación temporal. Como despedida, publican el recopilatorio “Dogmatofobia”. En 2001, la banda aparece en la película “Tuno Negro” con su tema “Tuno Bueno el Tuno Muerto”, del disco «Armas Pal Pueblo». En 2004, con Kike Tornado como nuevo batería, Strawberry y J. Al Andalus regresaron con «Recargando» (Warner). Después llegarían el álbum en directo «6 dementes contra el mundo» de 2006, y en 2009 el disco en estudio «Hipotécate tú»ambos bajo el sello Warner. Ese mismo 2009, lanzan un nuevo álbum: “Hipotécate Tú”. En 2011, celebrando sus veinte años de carrera, editan “La Culpa de Todo la Tiene Def Con Dos”. Una caja en forma de ladrillo que incluye un recopilatorio con veinte temas, un DVD con dieciocho videoclips, tres documentales sobre sus giras americanas, un libro escrito por César Strawberry sobre la historia del grupo, y un CD tributo con versiones de Los Delinqüentes, Soziedad Alkohólika, La Cabra Mecánica, entre otros. En 2013, Def Con Dos publica “España es idiota”. A finales de ese mismo año inician una formación alternativa a la principal, con la que celebraban los 25 años de la fundación del grupo y decidieron ofrecer conciertos centrados en el repertorio más hip hop de toda su trayectoria. A esta formación alternativa la llamaron «Dos Tenores» y estaba conformada por J. Al Andalus, Peón Kurtz y César Strawberry. En 2015, lanzan un álbum homónimo con diecisiete canciones: seis temas nuevos, seis remezclas, cinco re-grabaciones y la novela “Margen de Maniobra” de César Strawberry.

Durante todo 2015 y 2016 giran con las dos formaciones en paralelo, una para el repertorio orientado hacia el rap metal, con 6 músicos sobre el escenario (con Alberto Marín como nuevo guitarra), y otra para el repertorio más hip hop, con dos voces, un músico y programaciones. A finales de 2016, Peón Kurtz es expulsado de la banda debido a problemas personales, desprendiéndose de su comunicado que fue César Strawberry quien tomó la decisión. Fue sustituido por Sagan Ummo (voz) y Samuel Barranco (voz). Con la nueva formación publican en 2017 «#trending_distopic» con el sello Rock Estatal Records. El álbum cuenta con las colaboraciones de Tote King, Juan de Soziedad Alkoholika, Jimmy Barnatan o Sherpa entre otros. El 14 de febrero de 2020, lanzaron su álbum «Gilipollas no tiene traducción» que sirvió para celebrar su XXX aniversario y que se puso a la venta junto al libro «Himnos, profecías y canciones olvidadas vol. 1». Este álbum supone el regreso del grupo al sello Warner Music Spain. En 2024, tras una gira por el 30 aniversario de «Armas pal pueblo», publican su décimo tercer álbum titulado «Cuarto Asalto» de la mano de Calaverita Records. En 2025, Mara Gilbert, tras participar en algunos temas en directo durante la gira de «Armas pal pueblo», entra en la formación, uniendo su voz a las de César Strawberry y Samuel Barranco.

Con uno de los últimos miembros en sumarse a la familia Def Con Dos continuamos, el guitarrista Alberto Marin y su paso por esta banda madrileña llamada Hamlet.

Banda formada en 1987 en Madrid, por el vocalista José Molinero,»Molly», y el guitarrista Luis Tárraga. En aquellos años, Hamlet se movían entre los sonidos del hard rock americano, influenciados por bandas como Mötley Crüe, Skid Row o Guns N’ Roses. Intentaron incluso editar un álbum en inglés, titulado «Life Goes On», pero aquel disco nunca vio la luz. Fue entonces cuando decidieron cambiar el rumbo y empezar a cantar en español. En 1991 publican un EP homónimo, en el que incluyen dos temas de una maqueta anterior, y un año más tarde llega su primer larga duración con DRO: «Peligroso». Un álbum más cercano al heavy metal, aunque no gozaba de muy buena calidad de producción, lo que provocó el descontento del grupo. La formación del album y el EP fue la compuesta por José Molinero «Molly» (voz), Luis Tárraga (guitarra), Pedro Sánchez (Guitarra rítmica), Augusto Hernández (bajo) y Pablo Gianni (batería).

En 1993, nacen unos «nuevos» Hamlet, y un año después fichan por la discográfica Romilar-D Records, S.L. y viajaron a Morrisound Studios de Florida, para grabar su segundo disco, titulado «Sanatorio de muñecos», bajo la producción de Tom Morris. La banda experimentó un cambio en su estilo; el quinteto abandonó por completo el hard rock y empezó a añadir elementos de rap metal, metal alternativo y hardcore punk a su música, además de incluir bajos funk y voces guturales. Las letras también experimentaron un cambio, pues la denuncia social y política se hizo mucho más notoria. En este álbum, se incorporó el batería Paco Sánchez. Uno de los temas del álbum «Qué Voy a Hacer», formó parte de la banda sonora de la película «Historias del Kronen». Tres años después aparece el tercer álbum de estudio de la banda, «Revolución 12.111», bajo la misma producción y lugar de grabación que su antecesor, pero con otro sello, Zero Records, creado por la banda y por Juan Hermida. A pesar de la rapidez y contundencia de los temas del álbum, cercanos al thrash metal con influencias de bandas como Pantera, Slayer o Sepultura, la banda ya empezaba a aproximarse a un sonido de nu metal. El primer tema del álbum, y primer videoclip de la band, «J.F» (jodido facha), fue censurado en las radiofórmulas españolas. Este tema también fue el encargado de convertirse en el a. Ese mismo año 1996, editan su primer trabajo en directo, «Irracional – En directo», un EP con cinco canciones de sus álbumes «Sanatorio de muñecos» y «Revolución 12.111», grabado el 18 de octubre de 1996 en Sala Canciller de Madrid. La gira les llevó a actuar en festivales españoles de la época y a actuar fuera de españa junto a bandas como Fear Factory en Portugal, Clawfinger en Suiza, Control Machete en México o siendo los teloneros de Rage Against the Machine en Granada, España.

En 1998, se publicó «Insomnio», donde la banda giró más claramente hacia el nu metal. Grabado en Inglaterra, en los estudios The Chapel, fue producido por Colin Richardson, productor de bandas como Sepultura, Slipknot o Machine Head. El álbum entró directamente al número 45 de los discos más vendidos en España en su primera semana, para poco después alcanzar el puesto número 27. «Insomnio» se publicó en Europa a través del sello suizo Headstrong. Al mismo tiempo, la discográfica Roadrunner Records les propuso cantar en inglés. Se grabaron maquetas, pero la banda se negó puesto que afirmaban que perdían personalidad. En el año 2000, publican «El inferno», en el que repiten productor.indirectas. También se publicó un EP, «Denuncio a Dios + 4», con el tema «Denuncia a Dios» más cuatro canciones de sus anteriores trabajos interpretadas en directo y grabadas en el año 2000 en el festival Doctor Music, las Fiestas del Pilar de Zaragoza y la Semana Grande de Bilbao. Dos años después, en el 2002, el grupo abandonó Zero Records y publicó con Locomotive Records un álbum homónimo (conocido también como el álbum negro). Producido nuevamente por Colin Richardson en los Sonic Ranch Studios, el álbum muestra un giro hacia el groove metal.

En marzo de 2003 se publica «Directo», también conocido como «Directo Hamlet», un doble CD grabado en directo durante conciertos en las ciudades de Madrid y Bilbao, el 16 y el 30 de noviembre de 2002 respectivamente. También​ fue lanzado un DVD con el añadido de dos temas que no aparecen en los CD de audio, «Versus» y «Acuérdate de mí», además de un libreto con fotos de ambos conciertos. En 2004 el bajista original, Augusto Hernández, deja la banda, siendo sustituido por Álvaro Tenorio. Un año después sale a la venta un nuevo disco de Hamlet, titulado «Syberia», con un tempo más lento y un sonido más melódico, algo que dio como resultado la pérdida de algunos fans más antiguos, que fueron sustituidos por los provenientes de nuevas generaciones. ​En este disco la banda dejó de contar con Colin Richardson como productor, debido a problemas de agenda del mismo, puesto que ocuparía en este trabajo el español Alberto Seara. Los temas «Imaginé», «Para toda una vida» y «Serenarme en la desolación» tuvieron videoclips. En 2006 llegaría «Pura Vida», coproducido por la propia banda junto a Sergio Marcos, y mezclado por Colin Richardson. Musicalmente sigue la línea de de su anterior trabajo, aunque algo menos oscuras en cuanto a la temática de las letras. La portada del álbum tuvo que cambiarse ya que otra banda estadounidense publicó un trabajo con un diseño casi idéntico y el mismo título. La gira promocional los llevó por Estados Unidos.

En 2008, Hamlet celebra su 15 aniversario (consideran el 93 como su año de fundación) y la con una pequeña gira por España en conmemoración de la grabación del álbum «Sanatorio de muñecos». En la gira tocaron sólo temas de sus discos «Revolución 12.111» y el citado anteriormente, «Sanatorio de muñecos». La gira se inició el 1 de marzo en Zaragoza, abarcando los meses de marzo y abril del año 2008. Además, anunciaron su fichaje con Roadrunner. Sin embargo, poco antes de su actuación en el ViñaRock de Villarrobledo, El guitarrista Pedro Sánchez anuncia su salida de la banda al no poder compatibilizar su trabajo con el grupo. El grupo recibió apoyos de varios guitarristas como Javi de S.A., Bernardini y Jorge de Skizoo y Sôber, Chifli de Habeas Corpus e Igor de Kalte, para ocupar el puesto de la guitarra durante el festival. Finalmente le sustituye Alberto Marín (Kaothic, Skunk D.F.) con quien concluyen dicha gira y graban un nuevo álbum titulado, «La Puta y el Diablo», grabado entre diciembre de 2008 y enero del 2009 en Estudios Cube, Madrid, bajo la producción de Alberto Seara y Hamlet. Las mezclas estuvieron a cargo de Logan Mader, el que fuera guitarrista de Machine Head y Soulfly.El álbum, lanzado el 6 de abril del 2009, alcanzó, a los nueve días de su publicación, el puesto número 33 en las listas de éxito. ​El nombre de este disco se le ocurrió a Luis Tárraga a raíz de una viñeta de un cómic de Frank Miller en la que se cita la puta del diablo, expresión hispanoamericana y estadounidense para designar a las monjas. Durante la gira, que recorrió Estados Unidos y Europa, Hamlet tocó en festivales como el Extremúsika en Mérida el 17 de abril, en el Euskal Strong Festival el 25 de abril en Durango (Vizcaya) y en el Viña Rock el 1 de mayo en Villarrobledo, Albacete.

En 2010 sus discos «Revolución», «Insomnio» y «El Inferno» alcanzaron el disco de Oro. En el año 2011 Hamlet publica «Amnesia» a través de Kaiowas Records.​ La producción estaba a cargo de Carlos Santos (Ictus, Another Kind Of Death), mientras que Fredrik Nordström, guitarrista de Dream Evil y productor de bandas como In Flames, Dimmu Borgir, Soilwork, Opeth o Arch Enemy se ocupó de las mezclas en los Estudios Fredman de Suecia. Para este trabajo Hamlet fichó por la agencia de contratación Weird World. A través de una campaña de micromecenazgo editan en 2014 un DVD titulado «Vivo en él» con los conciertos de Joy Eslava (Amnesia Tour, el 2 de marzo de 2012) y Sala Rockitchen (Insomnio Tour, el 12 de abril de 2013), los dos grabados en Madrid. Además de un libro llamado «Para toda una vida» con fotos de la última gira. En el mismo proyecto de micromecenazgo se edita la versión remasterizada de «Sanatorio de muñecos» (debido a su 20 aniversario) con nuevo arte gráfico, además de incluir el EP «Irracional» (también remasterizado por Alex Cappa en The Metal Factory Studios), y un DVD con el concierto ofrecido en el HellFest 2012 en la presentación de Amnesia. A los fans participantes en la campaña de micromecenazgo se les obsequió con púas del grupo, pegatinas y pósters firmados por todos los miembros del grupo, además de sus nombres escritos en los agradecimientos de los dos trabajos. El 6 de octubre de 2014 la banda comunica la salida del grupo de Alberto Marín. Poco después Ken HC, guitarrista de Def Con Dos, entra a formar parte de la banda.

El 9 de marzo de 2015 sale a la venta el duodécimo álbum del grupo, «La Ira», bajo las discográficas Maldito Records e Irracional Records. Fue grabado en Sadman Studios, producido por la propia banda y por Carlos Santos, mezclado en GodCity Studios por Kurt Ballou y masterizado en Audiosiege Mastering Studio por Brad Boatright. En apenas una semana el álbum se cuela en el Top 10 de ventas en España, siendo galardonado como mejor disco de Metal en el certamen de los Premios de la Música Independiente de 2015. La gira, que abarcó aproximadamente la segunda mitad del 2015 y parte del año 2016, les llevó por algunos países de Sudamérica. En 2017 Hamlet celebra su 30 aniversario con una gira conmemorativa y reediciones de varios de sus trabajos clásicos. Tras tres años sin publicar álbum sale a la venta el 23 de noviembre de 2018 «Berlín», de nuevo grabado en los Sadman Studios de Madrid junto a Carlos Santos, y mezclado y el masterizado por Will Putney en Graphic Nature Audio. Por primera vez en su carrera la banda experimenta con sintetizadores y, también por primera vez, se puede escuchar una voz femenina (Laura Rubio) en el tema «Héroe». El 11 de diciembre de 2020, tras 9 meses de inactividad debido al confinamiento, Hamlet actúa en acústico en la Fábrica de Armas De la Vega, Oviedo. En 2022, y tras la pandemia, Hamlet volvió a la carretera con el tour Revolu·Insomnio·Inferno, una gira que se prolongó durante dos años y con la que rindieron homenaje a tres de sus discos más emblemáticos «Revolución 12.111» (1996), «Insomnio» (1998) y «El Inferno» (2000), todos ellos con 25 o más años desde su publicación. El 7 de febrero de 2025 publican, tras 8 años, su último LP hasta la fecha, «Inmortal». El álbum, grabado entre los Sadman Studios y Bitterhood Studios, y producido nuevamente por Carlos Santos junto al propio grupo, pretende volver al estilo de sus primeros trabajos discográficos.

Nos quedamos con uno de los fundadores de Hamlet, el guitarrista Luis Tárraga y su faceta como productor allá por 1997 de esta banda que debutaban con un EP llamada Skunk D.F.

Banda fundada a finales de 1995 por el bajista Pepe Arriols, miembro de las bandas punk PBNSK (Panadería Bollería Nuestra Señora del Karmen) y III Guerra Mundial. Inicialmente llamados Skunk se unen a la banda Raúl Guerra a la guitarra junto a Roberto Galán a la batería. Poco después se incorpora como vocalista Germán González, y con él el grupo da un giro radical en sonido y concepto, influenciado por grupos de nu metal clásico como KoRn o Deftones. Dada la cantidad de grupos que usan «Skunk» como nombre deciden añadirle el «D.F.» y registrar el nombre Skunk D.F. En 1997 publican «Telebasura», un EP producido por Luis Tárrega de Hamlet y lanzado a través de Zero Records. Dos años después, en 1999, lanzan su primer álbum titulado «Equilibrio», producido por Roberto Galán bajo el sello Goldtrack Records. En 2000 publican «Todo sobre mis padres», segundo EP de la banda que incluía las versiones de «I was made for loving you» de Kiss, y «Wasted years» de Iron Maiden. Ambos trabajos fueron grabados por Germán González a la voz, Pepe Arriols al bajo, Fernando Lamoneda y Raúl Guerra a las guitarras y Álvaro García a la batería.

En 2001 salió a la venta «Dentro», producido por Raúl Guerra y Roberto Galán. El álbum se publicó con el sello británico Apocalypse-Snapper, siendo distribuido a nivel independiente por casi toda Europa y algún que otro país como Sudáfrica. En 2003 se publicó a través de Zero Records el tercer álbum de Skunk D.F. titulado «Neo», producido por Daniel Alcover, el mismo productor de «Devil Came to Me» de Dover. Este trabajo incorpora al guitarrista David Obelleiro, sustituyendo a Raúl Guerra. Para diseñar la portada del álbum la banda organizó un concurso a través de su página web. En 2005, con la entrada de un nuevo guitarrista (Alberto Marín, quien sustituyó a David Obelleiro), la banda sacó un cuarto disco titulado «El año del dragón» grabado en Cube Estudio y producido por Alberto Seara. En la canción que da nombre al álbum colaboran Carlos Escobedo (Sôber, Savia) y Curtonates (Terroristars, Kaothic). Durante la gira de presentación, Skunk D.F. es seleccionado para actuar en el SXSW Festival de Texas, compartiendo cartel con bandas internacionales como The Pretenders, Helmet, Turbonegro o The Hellacopters. Una vez allí realizan una serie de conciertos por distintas ciudades de Estados Unidos y México. A comienzos de 2006, su música empieza a distribuirse también en Estados Unidos y Canadá a través del sello tejano Pistolero Records. En 2007 publican «Esencia», grabado, mezclado y masterizado a principios de año por Alberto Seara en Cube Estudios con dos nuevas incorporaciones: el guitarrista Roy Wasercier y el batería Eduardo Brenes, sustituyendo a Fernando Lamoneda y Álvaro García, respectivamente. Uno de los temas del álbum, «Supernova» fue acompañado por un videoclip.

El 17 de junio de 2008 se publica “Carpe Diem”, primer lanzamiento en directo de Skunk D.F. en formatos CD y DVD. Los temas que componen este trabajo fueron grabados a lo largo de 2007 en conciertos realizados en Málaga y Madrid. El DVD incluía una entrevista con la banda, fragmentos de actuaciones, videoclips oficiales e imágenes inéditas que repasaban la historia del grupo desde sus inicios. En esta etapa se produce un cambio en la formación: el guitarrista David Ramos entra en sustitución de Roy Wasercier. El 6 de octubre de 2009, Skunk D.F. publica a través de Maldito Records un nuevo álbum de estudio, “El crisol”, una vez más bajo la producción de Alberto Seara. De nuevo la formación vuelve a cambiar con la incorporación de dos nuevos guitarristas: David Ramos (ya presente en el directo «Carpe Diem») y Xavi Igual. El álbum contó nuevamente con la colaboración de Carlos Escobedo de Sôber. El 5 de mayo de 2011 se publica un nuevo DVD en directo titulado “En directo desde Madrid / Sala Heineken”, grabado el 22 de enero de 2011 en esa misma sala. El lanzamiento incluía 26 canciones interpretadas en vivo, entre ellas un tema inédito titulado “1995”. Además, contenía el videoclip de “Decreto Ley”, un documental de gira y un libreto con fotografías exclusivas de esta etapa. En 2012 la banda apuesta por el crowdfunding publicando “Perseidas”, su séptimo álbum de estudio producido por el guitarrista de la banda Xavi Igual. Además, se volvió a recurrir al crowdfunding para realizar dos videoclips: “El final de la diplomacia”, donde aparecen
Molly (Hamlet), Javier Cardoso (Vita Imana), Fortu Sánchez (Obús), los hermanos Escobedo y Manu Reyes (Sôber), Ix Valieri y Andy Martínez (Zero3iete) o Manuel Ángel Mart (Estirpe), además de fans del grupo. En cuanto al segundo videoclip (el que debía corresponder al tema “Perseidas”), no existe constancia de que llegara a realizarse. En 2014, Skunk D.F. celebra sus 20 años de actividad con una gira y un recopilatorio publicado por Maldito Records bajo el título de “20 aniversario” con 21 temas de toda su trayectoria, además de una canción inédita titulada “Algo grande”. En 2016, nuevamente con el respaldo de Maldito Records, la banda publica “Pigmalión”, grabado en The Metal Factory Studios bajo la producción de Álex Cappa. Un año después Xavi Igual abandona la banda siendo sustituido por Rodri Arias. La actividad discográfica de Skunk D.F. se detiene tras «Pigmalión», aunque continúan tocando en directo durante varios años. Actualmente no hay anuncio oficial de disolución, pero tampoco señales de actividad significativa desde 2022 cuando aparecieron en el el Resurrection Fest.

De nuevo un guitarrista nos sirve para enlazar con la siguiente banda. El guitarrista Fernando Lamoneda, quien tras su salida de Skunk D.F., se incorpora a esta banda llamado Savia.

Banda formada en 2005 por el cantante y bajista de Sôber, Carlos Escobedo. La idea de formar Savia («fuente que da energía», según Carlos) comenzó en 2004, durante la gira del último disco de Sôber «Reddo». A causa de la gran popularidad que por aquel momento tenía Sôber, Carlos Escobedo quería formar un nuevo proyecto musical y comenzar desde el principio. Junto a su compañero de banda, el batería Alberto Madrid, y desde las composiciones de Carlos como punto de partida, llegan a grabar lo que sería su primer trabajo, «Insensible». Grabado en los Cube Studio de Madrid fue producido por el propio Escobedo y por Alberto Seara, el «quinto» miembro de Sôber. Tan solo unas semanas después del anuncio del parón de Sôber, «Insensible» sale a la venta el 28 de febrero de 2005. Carlos Escobedo se encargó de la voz, el bajo y la mayoría de las guitarras, y contó con las colaboraciones de los guitarristas Jorge Salán, Alberto Cereijo (Los Suaves) y José Cruz, de la tienda madrileña de instrumentos ArdeMadrid, quieres interpretaron los solos del disco. Para comenzar la gira de presentación reclutaron a Jesús Pulido, cantante y bajista de Turbolovers y a Fernando Lamoneda, guitarrista de Skunk D.F. Con esta formación grabaron el segundo álbum homónimo de Savia, producido nuevamente por Escobedo y Seara y masterizado por George Marino en los Sterling Sound Studios de Nueva York. El disco salió a la venta el 3 de abril de 2006.

El 30 de noviembre de 2006 falleció en un trágico accidente de tráfico el batería Alberto Madrid. Tras este duro golpe, Savia anunció el 4 de febrero de 2007 la incorporación de José Antonio Pereira, como nuevo batería. El 25 de septiembre de 2007, editan una reedición de su segundo disco «Savia» con cinco bonus tracks. Durante los meses de Enero, febrero y marzo de 2008, la banda graba en los Estudios Cube de Madrid lo que sería su tercer trabajo titulado «Fragile», producido por la propia banda y masterizado de nuevo en los Sterling Sound Studios de Nueva York, por Ryan Smith. El álbum se publicó el 6 de mayo de 2008. Dos meses después José Pereira abandona el puesto de batería, siendo sustituido por Manu Reyes (actual batería de Sôber). Pero los cambios no quedaron ahí, el 3 de marzo de 2009, Savia anuncia la incorporación de Manu Carrasco a la guitarra en sustitución de Fernando Lamoneda quien sufre una lesión grave en la mano derecha que le impide su movilidad. El 30 de octubre de 2009, Savia anuncia un parón indefinido, y ofrece sus dos últimos conciertos el 26 y 27 de noviembre conmemorando el día del fan en la Sala Caracol de Madrid; este concierto iba a ser editado en un DVD, pero al final no fue así, dada la vuelta de Sôber el 1 de enero de 2010.

Continuamos enlazando bandas esta vez de la mano del batería José Antonio Pereira quien en 2019 formó parte de esta banda llamada Maldito Jäger.

Maldito Jäger nació en 2019 de la mano de tres conocidos músicos: Fernando Montesinos (voz y bajo) que ha estado en formaciones como Obús y Banana Funkoca además de producir a grandes artistas de pop y rock, J.A. Pereira (batería) en Savia, y Jorge Salán, conocido guitarrista de bandas como Jeff Scott Soto, Joe Lynn Turner, Dee Snider, Mago de Oz y su proyecto en solitario entre otros. A mediados de noviembre la banda se presentó en sociedad antes medios de comunicación y gente de la industria musical en la sala Moby Dick de Madrid, donde se mostró su primer videoclip «Babilonia Revolución» y tras hacer una breve presentación sobre el grupo, dieron un showcase para escuchar el sonido de la banda en directo. La intención de la banda era sacar disco en 2020, pero como a todas las bandas les pasó, la pandemia hizo que parasen. En junio de 2023 lanzaron un segundo single, acompañado de un videoclip llamado “Contradicción”, pero desde entonces no hay rastro ni de disco completo ni de actividad en directo. Las canciones están grabadas en Estudios Montepríncipe por Bori Alarcon y en Noisy House por Fernando Montesinos que además ha mezclado y producido los temas. La masterización ha corrido a cargo de Caco Refojo en Estudios Montepríncipe.

Poca historia para una banda que prometía mucho. Con el guitarrista Jorge Salán continuamos.

Virtuoso guitarrista, cantante y compositor madrileño conocido por formar parte de las bandas españolas Avalanch y Mägo de Oz. Además de tener su proyecto solista, y su banda Jorge Salán & The Majestic Jaywalkers, donde interpreta clásicos del blues, ha colaborado con músicos de talla internacional como Jeff Scott Soto, Joe Lynn Turner, Robin Beck o el español Miguel Ríos, entre otros. Con 19 años publicó su primer disco y cuenta con once discos de estudio y dos en directo en solitario. En uno de ellos, «Tempus», publicado en 2020 conmemorando los veinte años de carrera musical del guitarrista participa, entre otros grandes nombres del rock nacional, El Drogas, líder y creador de la banda a la que hemos dedicado esta entrada del blog. Con él cerramos el círculo, espero que os haya gustado. Hasta la próxima y ya sabes… Sube el volumen y disfruta!!

Bienvenidos y bienvenidas a un nuevo episodio del blog del podcast Rock en Cadena. Después de nuestro especial dedicado al Metal y el cine de terror, regresamos a la “normalidad” con un episodio centrado en uno de los guitarristas más influyentes de las décadas de los 80 y 90. Más allá de su virtuosismo a las seis cuerdas, fue también vocalista y un compositor excepcional, capaz de firmar auténticos himnos que cruzan géneros: del hard rock y el heavy metal al blues más crudo y desgarrador. Aunque nos dejó hace casi una década, su legado sigue vivo entre sus fans, los amantes de la guitarra y el público en general. En este episodio rendimos homenaje a un músico irrepetible: Gary Moore.

Su infancia.

Robert William Gary Moore nació el 4 de abril de 1952 en Belfast, Irlanda del Norte. Hijo de Winnie, ama de casa, y de Robert Moore, gerente del Queen’s Hall —un animado salón de baile situado en Holywood, al otro lado del lago Belfast—, creció en un entorno donde la música no era solo un adorno de fondo, sino parte de la vida diaria. Junto a sus cuatro hermanos, el joven Robert se crio en los alrededores de Stormont Estate, en Ballymiscaw. Fue precisamente en un evento organizado por su padre en el Queen’s Hall donde se produjo su primer contacto directo con el escenario: su padre lo animó a subir a cantar con la banda. El tema era “Sugartime”, una pieza popular escrita por Charlie Phillips y Odis Echols en 1957, que había alcanzado la fama un año después gracias a la versión de The McGuire Sisters, número uno en las listas estadounidenses. Aquel momento sembró una semilla. Moore siempre recordaría aquella noche como el instante en que despertó su amor por la música. Aquel pequeño gesto de su padre —darle la oportunidad de actuar— fue, según el propio Gary, el inicio de todo. Poco después, con solo 10 años, su padre le regaló su primera guitarra: una acústica Framus de segunda mano.

En la turbulenta Belfast de los años 60 —marcada por tensiones sociales que pronto estallarían en conflicto—, Gary Moore encontraba refugio en algo más poderoso que cualquier consigna política: la música. Su primera guitarra eléctrica, una Futurama blanca (marca checoslovaca popular entre músicos británicos antes de que Fender y Gibson estuvieran al alcance), se convirtió en su obsesión adolescente. Autodidacta empedernido, Moore se pasaba horas perfeccionando su técnica, obsesionado con los discos de The Shadows, Elvis Presley, y especialmente The Beatles, como tantos chavales de su generación. Pero cuando descubrió a John Mayall & the Bluesbreakers con Eric Clapton, y más tarde a Peter Green con Fleetwood Mac, su mundo cambió. El blues se convirtió en su lenguaje emocional.

A los 14 años ya tocaba en pequeños grupos locales de Belfast, con su primera banda: The Beat Boys y más tarde con Platform Three, donde comenzó a destacar por una madurez musical inusual para su edad. Pero su gran oportunidad llegó con la banda The Method, que más tarde se transformaría en Skid Row, cuando se trasladó a Dublín con apenas 16 años, dejando atrás su ciudad natal y también a su familia. Era un salto al vacío, pero el joven Gary tenía claro que su camino estaba en las seis cuerdas. Moore, zurdo natural, tocaba como diestro. Esta característica, lejos de ser un obstáculo, le dio un estilo singular y una expresividad notable en la digitación. Su dominio del bending, el vibrato y su inconfundible sustain empezaban a perfilarse, aún sin pulir, pero ya con alma.

Comienza su carrera profesional.

A finales de los años 60, mientras la psicodelia y el blues-rock se fundían en los clubes más calientes de Londres y Dublín, un jovencísimo Gary Moore, con apenas 16 años, se unió a Skid Row, una banda de blues rock dublinés que pronto pasaría a convertirse en un fenómeno local. Formada por Brendan “Brush” Shiels (bajo y voz) y Noel “Nollaig” Bridgeman (batería), Skid Row estaba buscando un guitarrista que aportara garra, técnica y presencia. Y lo encontraron en aquel chaval. A pesar de su corta edad, Moore no sólo igualaba en destreza a músicos mucho mayores, sino que los dejaba boquiabiertos con solos que parecían improvisaciones salidas del alma. Skid Row pasó de ser una banda local a telonear a gigantes como Fleetwood Mac, y fue en uno de esos conciertos donde se produjo el encuentro que marcaría a fuego su carrera: Phil Lynott. Por entonces, el bajista y cantante —y ex miembro de Skid Row— aún no era la leyenda que llegaría a ser con Thin Lizzy, pero ya destacaba por su carisma escénico y visión musical. Lynott y Moore conectaron de inmediato. La amistad que nació en aquellos años adolescentes sería profunda, compleja, con altibajos, pero duradera. De hecho compartieron un apartamento en Ballsbridge, un barrio del sur de Dublín.

En 1970, Skid Row firmó con CBS Records y publicó su primer LP, «Skid», donde Moore dejó claro que no era un guitarrista al uso: su estilo combinaba la crudeza del blues con la agresividad del hard rock incipiente, y una expresividad que recordaba a los grandes del soul. Un año después lanzaron «34 Hours», titulado así por el breve tiempo que pasaron en el estudio. En él, Moore ya se soltaba con pasajes instrumentales cargados de furia controlada, riffs hipnóticos y solos que anticiparon lo que vendría. Tras el álbum y las giras como teloneros de The Allman Brothers Band y Mountain , entre otros, Moore decidió dejar la banda frustrado por las «limitaciones» de Skid Row, emprendiendo así su carrera en solitario.

«Skid Row fue divertido, pero no tengo buenos recuerdos de aquello, porque en ese momento estaba muy confundido sobre lo que estaba haciendo».

Gary Moore sobre su paso por Skid Row.

Un par de décadas después, concretamente en 1986, en Nueva Jersey, surgía una nueva banda de hard rock con un sonido más agresivo y una estética más afilada: también se llamaban Skid Row. Liderados por Rachel Bolan y Dave “The Snake” Sabo, y con Sebastian Bach como vocalista principal, este nuevo Skid Row pronto firmaría contrato con Atlantic Records, y en 1989 publicarían su exitosísimo debut homónimo. ¿El problema? El nombre ya tenía dueño.

Cuando Brendan Shiels, líder y fundador del Skid Row original irlandés, se enteró de la existencia de esta nueva banda con el mismo nombre, intentó reclamar la propiedad del título. Según ha contado en entrevistas, el nombre “Skid Row” estaba registrado por él desde los años 70. Pero al parecer, la banda americana ya había llegado a un acuerdo «bajo cuerda». Aquí entra en juego un nombre inesperado: Jon Bon Jovi. Sabo, guitarrista de Skid Row (EE.UU.), era amigo personal de Bon Jovi, y fue él quien los ayudó a despegar. Se dice que Bon Jovi compró los derechos del nombre “Skid Row” a Brendan Shiels por una suma simbólica (algunas fuentes hablan de 35.000 dólares, aunque nunca se confirmó oficialmente). Shiels ha sostenido que fue una cifra ridícula comparada con el éxito que la banda alcanzaría después, y ha mostrado públicamente su descontento por cómo se manejó todo. Sin embargo, Sebastian Bach ha dado una versión diferente de la historia en entrevistas y redes sociales. En una publicación en particular (que generó bastante revuelo entre fans), Bach afirmó que fue el propio Gary Moore quien vendió los derechos del nombre “Skid Row” a la banda americana. En 2012, Brendan “Brush” Shiels, fundador de Skid Row (Irlanda), declaró públicamente que la historia difundida por Bach era falsa: negó categóricamente que Moore recibiera dinero y ratificó que él aún poseía la titularidad legal del nombre.

“Nunca hubo intercambio de dinero. Snake y yo registramos el nombre, y no hubo ningún problema”.

Rachel Bolan, bajista de Skid Row (USA).

Lo que parece claro es que Gary Moore nunca habló públicamente del asunto y que Brendan Shiels insiste en que el nombre lo registró él y que fue él quien hizo el trato con Bon Jovi (sin que Moore estuviera implicado). Todo parece indicar que Bach pudo haberse confundido o malinterpretado quién era el titular real del nombre Skid Row. Como Moore fue la figura más reconocida internacionalmente del Skid Row irlandés, es probable que muchos (incluido Bach) asumieran erróneamente que él era el dueño legal del nombre, cuando en realidad el líder y fundador de la banda —y el titular registrado del nombre— era Brush Shiels. En resumen, la banda original de Skid Row —la irlandesa, la de Gary Moore— perdió el nombre frente al fenómeno comercial que fue la versión americana, a pesar de haberlo registrado antes. Un caso más donde los derechos legales, las conexiones en la industria y los tiempos del mercado pesaron más que el linaje artístico.

Tras su salida de Skid Row en 1972, Gary Moore tenía apenas 20 años, pero ya contaba con una experiencia profesional envidiable: había grabado discos, girado por Europa y compartido escenario con algunos de los grandes. Pero Moore no era un guitarrista cómodo en la repetición. Quería crecer, y eso lo llevó por caminos menos transitados, lejos de las listas de éxitos y los focos… al menos por un tiempo. Tras su salida de Skid Row, Gary Moore no tardó en formar su propio proyecto: The Gary Moore Band, con la que grabará un único álbum, «Grinding Stone», un trabajo ecléctico, lleno de cambios de tempo, pasajes instrumentales largos y coqueteos con el jazz rock y el funk. Publicado por CBS Records en mayo de 1973. El disco fue producido por Martin Birch, conocido por su trabajo con Deep Purple, Fleetwood Mac y más tarde con Iron Maiden, en la que ya apuntaba hacia una identidad propia, más experimental y técnica.

El disco se grabó en los CBS Studios de Londres, y contó con una formación compacta pero poderosa: Gary Moore (guitarra principal, voz y piano), John Curtis (bajo) y Pearse Kelly (batería y percusión). Moore se encargó de casi todos los arreglos y composiciones, mostrando no solo su virtuosismo como guitarrista, sino también su voluntad de experimentar con estilos y texturas.

«Grinding Stone» fue una obra adelantada a su tiempo, que no encontró gran resonancia comercial, pero dejó claro que Moore no era simplemente “el guitarrista rápido” del blues rock irlandés: estaba dispuesto a arriesgar. En ese disco ya se escuchan influencias de Mahavishnu Orchestra, Frank Zappa, e incluso ecos del rock progresivo europeo. Aunque contenía algo de blues, su enfoque era mucho más instrumental y experimental, lo que desconcertó a quienes esperaban una continuación del sonido de Skid Row. También en esos años, Moore empezó a conectar con otros músicos de la escena británica de vanguardia. Colaboró con artistas del circuito del jazz rock, y comenzó a ganarse fama entre guitarristas como un músico técnicamente brillante y versátil, aunque aún sin una gran plataforma para lucirse.

The Gary Moore Band salió de gira tras el lanzamiento del disco, pero con una repercusión modesta. Tocaron principalmente en el circuito británico y algunos festivales menores, con una recepción tibia por parte del público general. Poco después de la gira, The Gary Moore Band se disolvió discretamente. Moore entendió que su camino solista aún no estaba listo para despegar del todo.

De Thin Lizzy a Thin Lizzy pasando por Colosseum II.

Después del fallido experimento de «Grinding Stone», Gary Moore andaba recalculando su rumbo cuando llegó la llamada que cambiaría su trayectoria. Eric Bell, guitarrista original de Thin Lizzy, había abandonado la banda a finales de 1973 tras un colapso en pleno escenario. Phil Lynott y Brian Downey, los dos pilares fundadores, necesitaban un reemplazo urgente para cumplir con las fechas de una gira programada por Europa. Fue entonces cuando Phil Lynott pensó en su viejo amigo Gary Moore. Moore se unió a Thin Lizzy en enero de 1974, inicialmente como sustituto temporal. No grabó ningún álbum completo en esta etapa, pero sí apareció en varias actuaciones en directo, incluyendo la gira europea con Nazareth, donde ya dejó su huella con solos más afilados, velocidad y un tono más agresivo que el de su predecesor. Su forma de tocar era más virtuosa, más contundente, y elevó el sonido de la banda hacia un nuevo nivel, aunque aún sin consolidarse como miembro permanente.

Uno de los pocos registros de esa época es su participación en el single “Little Darling”, lanzado en abril de 1974. Aunque la canción no tuvo gran repercusión comercial, el solo de guitarra de Moore se destacó por su potencia y limpieza, mostrando una clara diferencia con el estilo más bluesy de Eric Bell. A pesar del buen rendimiento, Moore no se quedó en la banda tras la gira. En parte, porque Thin Lizzy aún no había definido su camino musical, y en parte porque Moore no estaba cómodo con la estructura de una banda en la que no tenía voz compositiva. También pesaba su deseo de seguir explorando nuevas direcciones, y —como él mismo diría años después— no era el tipo de músico que se quedaba mucho tiempo en un sitio si no sentía libertad artística. Además de todo eso, Moore no soportaba el estilo de vida con el que Thin Lizzy se estaba contaminando, lleno de alcohol y drogas.

«Después de unos meses, me estaba matando, bebiendo y drogado».

Gary Moore, tras su paso por Thin Lizzy.

Cuando Gary Moore dejó Thin Lizzy en abril de 1974, no fue solo una huida del caos, Gary necesitaba algo más. No quería ser solo otro guitarrista rápido en una banda ruidosa. Quería crecer. Y para eso, había que salirse del camino trillado. Esa búsqueda lo llevó a cruzarse con Jon Hiseman, un veterano de la escena progresiva británica, conocido por haber fundado Colosseum en la era dorada del jazz-rock. Hiseman estaba armando una nueva versión del proyecto, más eléctrica, más ambiciosa, más técnica. Y necesitaba un guitarrista que pudiera seguirle el ritmo… o mejor dicho, marcarlo. Gary aceptó. Así nació Colosseum II, una de las etapas más infravaloradas y, a la vez, más formativas de la carrera de Moore. Junto a él estaban Don Airey en los teclados —sí, el mismo que años más tarde tocaría con Rainbow, Ozzy Osbourne, Deep Purple y el propio Moore—, Neil Murray al bajo —futuro miembro de Whitesnake—, y en el primer álbum, Mike Starrs como vocalista. Un auténtico semillero de talento que no llegó a las masas, pero dejó una huella indeleble en los músicos que sabían escuchar.

En 1976, lanzaron su primer disco, «Strange New Flesh» y la banda giró por Europa. En los discos siguientes, «Electric Savage» y «Wardance», ambos de 1977, ambos sin vocalista, Moore y Airey tomaron las riendas por completo. A nivel comercial Colosseum II pasó desapercibido. No era una banda para todos los públicos, ni para todas las radios. Moore salió de Colosseum II como un músico más completo, más maduro, listo para enfrentarse a lo que viniera. Y lo que vendría, claro, sería otra vuelta al círculo: un nuevo reencuentro con Phil Lynott y una etapa dorada en Thin Lizzy que marcaría para siempre su nombre en la historia del rock.

En 1977, tres años después de haberse marchado de Thin Lizzy, Gary Moore volvía a cruzarse con Phil Lynott. Y esta vez, el encuentro sería mucho más que un parche temporal: sería el comienzo de una colaboración intensa, creativa, a veces turbulenta, pero absolutamente inolvidable. El primer reencuentro oficial se produjo en plena gira europea. La banda se había quedado sin guitarrista tras la repentina salida de Brian Robertson, y Lynott pensó en Moore como el sustituto ideal. No era solo por su virtuosismo (que ya entonces estaba a años luz de muchos de sus contemporáneos), sino también por la química que siempre habían compartido sobre el escenario… y fuera de él. Moore aceptó subirse al tren en marcha. En plena gira. Sin ensayo. Sin red. Pero eso no le asustaba: estaba acostumbrado a pensar rápido, a tocar mejor. Y así, volvió a la formación para cumplir con fechas en Escandinavia y otros puntos de Europa.

Durante esos meses, Thin Lizzy grabó con Gary tres canciones que quedarían como testimonio de su poder en esa etapa: “Don’t Believe a Word”, regrabada en una versión más cercana al blues que la original del álbum «Johnny the Fox», “Fanatical Fascists”, una rareza que no vio la luz oficialmente hasta mucho después. Y sobre todo, “Parisienne Walkways”, una joya que sería lanzada como parte del debut solista de Lynott. La colaboración funcionó tan bien que, en 1979, Gary volvió a ser llamado para grabar lo que sería uno de los álbumes más ambiciosos y melódicamente ricos de Thin Lizzy: «Black Rose: A Rock Legend». A diferencia de sus anteriores idas y venidas, esta vez formaba parte activa del proceso creativo. No solo puso su firma en los solos, también participó en la composición de varios de los temas del álbum. Pero desgraciadamente la armonía no duró. Las tensiones dentro del grupo, alimentadas por el consumo cada vez más destructivo de drogas y alcohol, empezaron a minar el ambiente. Moore, más disciplinado que sus compañeros, se cansó de la falta de profesionalidad. En plena gira estadounidense, en julio de 1979, Gary Moore abandonó abruptamente la banda tras una discusión especialmente tensa: justo despues de un concierto ante 63.000 personas en el festival Day on the Green (Oakland), Moore se bajó del autobús y no regresó. Phil Lynott, dolido, lo acusó de traición. Moore, por su parte, dijo más tarde que no podía más: que no estaba dispuesto a seguir viviendo en esa nube tóxica de excesos que parecía envolverlo todo.

«No me arrepiento de haberme marchado, pero quizá no fue correcto hacerlo de esa manera. Supongo que podría haberlo hecho de otra forma. Pero tenía que irme».

“Estaba destruyéndome con el estilo de vida de la gira…”

Gary Moore.

“Fue la peor forma de marcharse. Fuera de lugar, pero fui capaz de perdonarlo.”

Scott Gorham, guitarrista de Thin Lizzy.

«Gary siempre acaparaba el escenario… Phil era el líder, excepto cuando se unió Gary. Ahora era como si tuviéramos dos líderes, lo cual no fue muy inteligente».

Brian Downey, batería de Thin Lizzy.

«Gary Moore ha dejado la banda. ¿Podrías venir mañana?».

Phill Lynott a Midge Ure, sustituto de Moore.

«Simplemente desapareció, pero en realidad se fue a mi casa. Ya no soportaba tocar en una banda y tenía esa tendencia a saltar del barco. Recuerdo que Phil Lynott llamó a mi casa y me dijo: «Si lo tienes ahí, te voy a cortar la garganta».

Glenn Hughes.

Carrera en solitario.

Después de años de idas y venidas con algunas de las bandas más potentes del rock británico —Skid Row, Colosseum II, Thin Lizzy—, Gary Moore dio en 1978 el paso que muchos esperaban: lanzar un disco en solitario bajo su nombre y con su voz, su visión y, sobre todo, su guitarra al frente. Aquel álbum (lanzado el 8 de septiembre de ese mismo año) se llamó «Back on the Streets», y aunque el título parecía anunciar una ruptura total con su pasado, en realidad fue un trabajo profundamente marcado por las relaciones personales y musicales que Moore aún mantenía muy vivas.

Grabado en los Genetic Sound Studios y Morgan Studios durante ese año, el álbum fue una especie de puente: entre el virtuosismo jazz-rock que venía de cultivar con Colosseum II y el rock duro con el que más se le identificaba gracias a Thin Lizzy. Y no es casualidad. Porque Phil Lynott (voz y bajo) y Brian Downey (batería), dos pilares de Lizzy, participaron activamente en cuatro de los temas del disco: «Fanatical Fascists» (escrita por Lynott), «Song for Donna» (dedicada a la novia de Moore de entonces, Donna Campbell), «Don’t Believe a Word» (originalmente incluida en el álbum de Thin Lizzy de 1976, Johnny the Fox) y el sencillo «Parisienne Walkways», co-escrita y cantada por Lynott y que alcanzó el número 8 en la lista de sencillos del Reino Unido en mayo de 1979, y llegó al número 5 en su Irlanda natal. También, algunas canciones nacieron directamente de sesiones o ideas no utilizadas en su antigua banda como “Back on the Streets”, una canción que había sido ensayada por Thin Lizzy durante las sesiones del disco «Bad Reputation», pero que nunca llegó a grabarse oficialmente con ellos.

El álbum fue producido por Chris Tsangarides y el propio Gary Moore, y contó además de con Lynott Y Downey, con Don Airey a los teclados, órgano y piano, el batería Simon Phillips y el bajista John Mole. La portada es una foto de Moore saliendo de la prisión de Wormwood Scrubs en Londres. A pesar del éxito del single «Parisienne Walkways», el álbum no fue promocionado como merecía. Moore estaba en una etapa de transición, todavía muy vinculado al entorno de Thin Lizzy, y apenas realizó presentaciones en directo con este repertorio. No fue hasta años más tarde que el disco recibiría el reconocimiento que realmente merecía como el auténtico punto de partida de su carrera en solitario.

También en 1978 Gary Moore fue reclutado por uno de los compositores más célebres del teatro británico: Andrew Lloyd Webber. El proyecto era tan ambicioso como atípico: una suite instrumental de rock sinfónico basada en la pieza «Caprice No. 24» de Paganini, reimaginada como un álbum conceptual de rock progresivo. La idea nació como un encargo personal. Lloyd Webber deseaba crear una obra para lucimiento de su hermano, Julian Lloyd Webber, un prodigioso violonchelista clásico. El álbum, titulado «Variations» contaba entre otros con Rod Argent (Argent) y Don Airey (Rainbow, Deep Purple) a los teclados, John Mole al bajo y Jon Hiseman (Colosseum II) a la batería y a la dirección musical, con quien Moore ya había trabajado, lo que facilitó la dinámica musical entre ambos.

Cuando Gary Moore abandona definitivamente Thin Lizzy en julio de 1979, pone fin al caos de la banda y busca reinventarse: se traslada a Los Ángeles y firma con Jet Records, el sello dirigido por el infame Don Arden, padre de Sharon (futura esposa de Ozzy Osbourne). A pesar de la promesa de grabar un disco en solitario, Sharon (manager de Moore) y su padre Don, deciden aparcarlo en favor de promover el sonido más comercial y moderno de un proyecto al cual Moore se había visto involucrado: G‑Force, al que padre e hija consideraban más rentable para la radio y los mercados.

El proyecto, formado a finales de 1979, contaba con Glenn Hughes (voz y bajo, ex‑Deep Purple, ex‑Black Sabbath), Mark Nauseef (batería que sustituyó a Brian Downey en la gira de Lizzy a finales de 1978) y él mismo liderando. Claramente se trataba de un proyecto en solitario de Gary Moore: la banda se llamaba originalmente Moore, pero por alguna razón Jet Records pensó que sería confuso, así que el nombre cambió a G-Force después de que Gary le contara a Mark que en la escuela algunos amigos lo llamaban «G». Reunieron material, ensayaron incluso en la casa de Frank Zappa, y grabaron demos. Pero debido a los problemas de alcohol y drogas de Hughes, Moore tomó la decisión de sustituirlo —un gesto de autoexigencia personal que demuestra qué tipo de entorno aceptaba—. Hughes fue reemplazado por el vocalista Willie Dee y el bajista Tony Newton.

«Gary y yo formamos un pequeño grupo llamado G-Force. En cuanto empezó, me retiré porque estaba demasiado borracho».

«Yo cantaba al 60%, él al 40%».

«No era capaz de lidiar con lo que yo consideraría una banda exitosa. Así que me despedí el día de mi cumpleaños. Celebramos una fiesta de cumpleaños. Sharon Osbourne era nuestra mánager. Me organizó una gran fiesta de cumpleaños y me emborraché tanto que dije: «Voy a dejar la banda». Y dijeron: «Vale, genial». Y ahí se acabó.

Glenn Hughes.

Su único álbum de estudio, «G-Force», fue grabado entre diciembre de 1979 y enero de 1980 en los estudios Cherokee y Record Plant (L.A.), Moore produjo junto con la banda el disco. El sonido es un cruce entre el hard rock melódico, los destellos progresivos y algunos guiños a la naciente corriente AOR, e incluso alguna influencia pop‑rock —lo cual alejó a los oyentes más puristas—. G-Force salió de gira como teloneros de Whitesnake en Reino Unido durante junio de 1980, sin embargo la banda no conectó con el gran público y fue desinflándose rápidamente. Para julio de ese año, la banda ya se había disuelto: su último concierto fue el 1 de julio en Londres. Aunque en realidad no fue así, sencillamente la banda se desvaneció, ya que todos cobraban un salario semanal, y simplemente paró. Pero nadie recibió una llamada. En realidad no hay una explicación concreta de lo sucedido, aunque hubo tensiones y presiones que habrían contribuido a la desaparición de G-Force. Es cierto que el entusiasmo de la compañía estaba menguando; Don Arden se enorgullecía de lo mucho que estaba dispuesto a gastar en una banda para que triunfara, Jet Records había invertido en G-Force en todos los aspectos, pero hasta el momento no había obtenido ningún beneficio (el álbum no tuvo éxito comercial), y Moore quería regresar a Inglaterra y seguir por su cuenta.

«Pasé por todo este fiasco con Sharon y G-Force… fue una verdadera pesadilla porque Sharon quería hacer cosas muy pop. Y yo, en realidad, no quería hacer nada pop».

«Gary y yo nos odiábamos»

Willie Dee, vocalista de G-Force.

Durante esta etapa, la sombra de Ozzy Osbourne también cruzó en el camino de Moore. Sharon Osbourne, (manager de Moore en esa etapa), intentó convencerlo de formar parte del nuevo proyecto de Ozzy como guitarrista principal tras su salida de Black Sabbath en 1979.

“Ozzy quería que estuviera en la banda. Estaba viviendo en L.A. y Sharon me decía que él quería que yo formara parte. Pero yo no quería repetir otro entorno con un cantante en medio de drogas y alcohol. Preferí ayudarles a encontrar otros músicos.”

Gary Moore.

A pesar de su negativa, Moore participó, junto a sus compañeros de G-Force, en audiciones con futuros bajista o baterías para la banda de Ozzy, ofreciendo su opinión sobre los aspirantes.

Un nuevo comienzo.

Tras el regreso de Gary Moore a Inglaterra (finales de 1980/principios de 1981) y la disolución de G-Force, comienza una etapa de reconstrucción musical y personal, en la que alterna trabajo de sesión con colaboraciones de alto nivel… mientras rehúye volver a ser simplemente «el guitarrista de una banda». En 1981 Gary Moore colaboró con Greg Lake, (ex King Crimson y Emerson, Lake & Palmer), quien ese año emprendía su carrera en solitario. Moore participó en dos álbumes Greg Lake (1981) y Manoeuvres (1983). Además en 1981–1982 Moore también acompañó a Lake en gira por Estados Unidos y Europa. Durante la gira se grabó la actuación del 5 de noviembre de 1981 en el Hammersmith Odeon (Londres) que en 1995 fue publicada bajo el título de «King Biscuit Flower Hour Presents Greg Lake in Concert».

Tras la trágica muerte de Randy Rhoads en 1982, Sharon Osbourne volvió a contactar a Moore para formar parte de la banda de Ozzy. Pese a la insistencia, Gary rechazó la oferta, no quería volver a estar bajo las reglas de otra estrella ni entrar en un entorno cargado de excesos. También hubo interés por parte de David Coverdale, para que incluir a Moore en Whitesnake. Sin embargo, Moore declinó la oferta. El enfoque más blues-rock de la banda no terminaba de encajar con su visión. La versión de David Coverdale de no reclutarlo fue que la banda estaba en proceso de separación con su manager. Además de todo esto Phil Lynott tanteó varias veces a Moore para su regreso a Thin Lizzy, pero las relaciones personales y las cicatrices del pasado hacían que Gary se mantuviera a una prudente distancia emocional, pese al cariño mutuo. Tras todos estos acontecimientos Gary Moore decidió que había llegado el momento de poner toda su energía en lo que realmente quería: un proyecto bajo su propio nombre, con total control creativo y un sonido que mostrara todas sus facetas, desde el hard rock más afilado hasta el blues que siempre había llevado en la sangre.

El resultado fue “Corridors of Power”, grabado a principios de 1982 y lanzado en octubre de ese año por Virgin Records, compañía con la que recientemente había fichado. Para este disco Moore reunió a un equipo de músicos de lujo: Ian Paice, ex-batería de Deep Purple, Neil Murray, bajista que había pasado por Whitesnake, y Tommy Eyre, teclista y ex compañero de Moore en la banda de Greg Lake. Además en el álbum colaboran Don Airey, teclista que había trabajado con Rainbow, el bajista Mo Foster, el batería Bobby Chouinard y John Sloman en los coros, ex vocalista de Uriah Heep. En el tema “End of the World”, Moore comparte voz con Jack Bruce (Cream). En la producción, Gary contó con Jeff Glixman, conocido por su trabajo con Kansas. El álbum combinaba temas de alta energía con medios tiempos más dramáticos y elaborados. Ademas, incluía una versión contundente de “Wishing Well” de Free, en la que Gary rendía homenaje a uno de sus grupos de referencia.

El álbum tuvo lanzamientos con diferencias entre mercados. En Reino Unido (Virgin) y EE.UU. (Mirage), cambiaban portada y el tema “Falling in Love with You” fue remezclado en la versión americana. Las primeras 25,000 copias en vinilo incluían un EP bonus con tres pistas en vivo grabadas en el club Marquee de Londres el 25 de agosto de 1982. «Corridors of Power» fue el primer disco solista de Moore en escalar en las listas. Alcanzó el número 30 en el UK Albums Chart, un salto respecto a su debut solista. En EE.UU., logró entrar en el Billboard 200, en el puesto 149. El single «Don’t Take Me for a Loser» fue su primer éxito en el mercado estadounidense, alcanzando el puesto 31 en el chart Mainstream Rock Tracks de Billboard en 1983. Moore llevó el álbum a escenarios de Europa, Japón y EE.UU., junto a Paice, Murray y, esta vez, Don Airey en los teclados como miembro de la banda, ya que Tommy Eyre no participó en la gira. En un principio contaron con Charlie Huhn como vocalista en gira, aunque poco después fue reemplazado en agosto de 1982 por John Sloman (ex-Uriah Heep), quien compartió tareas vocales con Moore.

El 21 de mayo de 1983 se publica el directo «Rockin’ Every Night – Live in Japan», un álbum que captura a Gary Moore en plena gira de «Corridors of Power», en el momento en que estaba consolidando su carrera en solitario con un sonido más orientado al hard rock melódico, lejos de sus trabajos más experimentales de finales de los 70. Japón era un mercado clave para Moore: allí «Corridors of Power» había tenido muy buena acogida, y Virgin/Ten vio la oportunidad de lanzar un disco exclusivo para ese país como agradecimiento y para capitalizar su popularidad. El audio del álbum se capturó en dos noches en el Shinjuku Kōsei Nenkin Hall de Tokio, el 24 y 25 de enero de 1983. Neil Murray, Ian Paice, Don Airey y John Sloman (ayudando en los coros e interpretando algunos temas) fueron los músicos que acompañaron a Moore en esos conciertos. El álbum no se publicó fuera de Japón en su lanzamiento original, lo que lo convirtió en objeto de coleccionista en Europa y EE. UU. En el mercado japonés alcanzó buenas ventas, aunque no entró en las listas internacionales por su distribución limitada. En 1986 Virgin lo reeditó en Europa con la misma portada, llegando a alcanzar el puesto 99 en los UK Albums Chart del Reino Unido. El álbum contaba con un tema inédito, «Sunset»: Moore lo tocaba como homenaje a Randy Rhoads (fallecido en 1982), y lo introducía con unas palabras sentidas antes de empezar. En estas grabaciones, esa introducción se recortó, dejando solo la música. En realidada el tema, (compuesto poco después del fallecimiento de Randy Rhoads) ya fue incluida en el álbum «Tilt» de 1981 del batería Cozy Powell.

Tras la publicación de «Rockin’ Every Night – Live in Japan», Jet Records, que aún poseía los derechos del álbum «Dirty Fingers» que Gary Moore grabó para ellos en 1980, vio la oportunidad de aprovechar el tirón de popularidad de Moore para sacar material “nuevo” sin tener que invertir en grabaciones. El álbum se grabó en pocos días, con un sonido crudo y directo, muy alejado de la producción que el álbum merecía. La alineación que grabó «Dirty Fingers» era de auténtico lujo, muy vinculada a la escena hard rock británica y estadounidense de principios de los 80 con el ex-Ted Nugent Charlie Huhn a la voz principal, Don Airey a los teclados, el ex-Rainbow, Jimmy Bain al bajo y el futuro batería de Ozzy Osbourne y Whitesnake, Tommy Aldridge. El álbum, producido por Chris Tsangarides, es probablemente uno de los discos más duros y menos comerciales de Gary Moore, con un sonido que bebe directamente del heavy metal de la época, riffs afilados y solos veloces.

«Dirty Fingers», lanzado exclusivamente en Japón, llegó a Europa y Reino Unido un año después, con portada y listado de temas idéntica. Aunque no entró en grandes listas internacionales, en Japón tuvo una buena acogida. Antes de lanzar el álbum, Jet Records probó con un single de adelanto: «Nuclear Attack» (bajo el nombre de Gary Moore & Friends para darle un aire de reunión especial) y dos cortes adicionales de las mismas sesiones. «Run to Your Mama» y una versión de «Don’t Let Me Be Misunderstood», popularizada por Nina Simone en 1964, pero asociada principalmente a The Animals en 1965. Estos dos cortes, junto con «Nuclear Attack», habían sido grabados en las sesiones de «Dirty Fingers» en 1980. Además, «Nuclear Attack» ya había aparecido en el álbum en solitario de Greg Lake en 1981, con la participación de Moore. El sencillo tuvo una recepción modesta en Europa, pero funcionó mejor en Japón, lo que llevó a Jet Records a publicar «Dirty Fingers» allí. En definitiva, el sencillo fue una especie de “adelanto” de un disco que en realidad llevaba tres años en un cajón.

Pero el «negocio» de Jet Records no quedó ahí, el 21 de septiembre de 1983 el sello publica el segundo álbum en vivo de Gary Moore bajo el título de «Live at the Marquee» —en ciertos mercados llamado simplemente «Live»—. Grabado los días 5 y 6 de noviembre de 1980 en el legendario Marquee Club de Londres, el concierto capturó a Moore en plena transición tras la disolución de G-Force y antes de afianzar su carrera en solitario con «Corridors of Power». En aquel momento no se publicó oficialmente; el material quedó en manos de Jet Records, que, como ya vimos con «Dirty Fingers», guardaba bajo llave grabaciones antiguas para explotarlas cuando Gary tuviera más notoriedad. En el micrófono estaba Kenny Driscoll, exvocalista de la banda galesa Lone Star, además de Don Airey a los teclados, Andy Pyle (ex-Kinks) al bajo y Tommy Aldridge en la batería. El álbum fue producido por Chris Tsangarides, y cuenta principalmente con material del álbum en solitario de Moore de 1979, «Back on the Streets», y su desafortunado proyecto G-Force, con dos canciones de «Dirty Fingers», «Nuclear Attack» y «Run to your Mama» y un tema inédito titulado, «Dallas Warhead», acompañado por un solo de batería de Aldridge.

En enero de 1984, Gary Moore lanzó «Victims of the Future», su cuarto álbum de estudio en solitario y el segundo con un sonido plenamente orientado al heavy metal melódico que estaba dominando las listas en aquellos años. El disco fue grabado a lo largo de 1983 en Townhouse Studios (Londres) y Musicland Studios (Múnich), con producción a cargo de Jeff Glixman con Moore muy encima de los arreglos y el tono general del álbum. En cuanto a los músicos que acompañaron al guitarrista irlandés se encuentran: los baterías Bobby Chouinard e Ian Paice, los bajistas Bob Daisley y Mo Foster y el teclista y guitarrista Neil Carter. Musicalmente, Victims of the Future combinó la contundencia de riffs metálicos con melodías de estribillos amplios y baladas intensas, como la versión de “Shapes of Things” de los Yardbirds (donde Noddy Holder, vocalista de Slade colabora en los coros) y el medio tiempo “Empty Rooms”, que se convertiría en uno de sus temas más emblemáticos. Además el tema «Murder in the Skies» fue escrita por Moore como homenaje y protesta por el derribo por parte del gobierno soviético del vuelo 007 de Korean Air en 1983. «Victims of the future» alcanzó el puesto número 23 en las listas del Reino Unido, el mayor éxito de Moore hasta esa fecha, reforzando así la imagen de Moore como uno de los guitarristas más versátiles de la escena rock de los 80.

Allí la versión estadounidense de «Victims of the Future», lanzada por Mirage Records en 1984, no sólo tuvo una portada distinta —mostraba un arte más trabajado gráficamente, con un enfoque más “cinematográfico y colorido, mostrando un entorno futurista y con mayor uso de efectos visuales.—, sino también un listado de temas alterado para hacerlo más directo y “FM-friendly”. Se eliminó el solo de guitarra de la introducción de «Murder in the Skies» y se añadió «Devil in Her Heart», cara B del sencillo «Hold On to Love». «All I Want», descartada del L.P, se incluyó como pista extra en la versión en casete. Tras el lanzamiento del álbum, Gary Moore armó la primera formación de la gira con: Neil Carter, Craig Gruber y Bobby Chouinard. Sin embargo, el tándem rítmico no duró toda la campaña. Al poco tiempo Bob Daisley (que venía de tocar con Ozzy Osbourne y Rainbow) reemplazó a Gruber en el bajo y Paul Thompson (ex Roxy Music) sustituyó a Bobby Chouinard en la batería. Este relevo ocurrió antes de que Moore llegara a las fechas más importantes en Europa y Japón.

El 1 octubre de 1984 se publicó «We Want Moore!», un álbum en directo que a diferencia de muchos directos grabados en una sola noche, fue confeccionado con las mejores tomas de varios conciertos alrededor del mundo, convirtiendo a «We Want Moore!» en un álbum “de carretera”. Aunque en la contraportada original no se especifican todas las localizaciones, con el tiempo se ha sabido que el álbum se grabó en varios escenarios: Harpos Concert Theatre (Detroit, EE. UU.), Nippon Budokan (Tokio, Japón), The Apollo (Glasgow, Escocia) y Hammersmith Odeon (Londres, Inglaterra). El orden de los temas no coinciden con el set list de la gira, lo que hace que el álbum no siga la dinámica de un concierto estándar. El título «We Want Moore!» surgió porque en muchos conciertos el público coreaba “We want Moore!” durante los bises, un juego de palabras que funcionaba perfectamente como marca. Los músicos que acompañaron a Moore en la gira fueron Neil Carter a la guitarra rítmica y teclados, Craig Gruber al bajo y el batería Ian Paice. El batería Bobby Chouinard aparece en los temas grabados en Detroit. «We Want Moore!» alcanzó el puesto 29 en las listas británicas y tuvo una gran acogida en Japón, donde la base de fans de Moore era particularmente fiel. En Estados Unidos, aunque no entró en el Top 100 de Billboard, reforzó su imagen como guitarrista de directo. En cuanto a las ediciones del álbum, en Japón, el lanzamiento contó con un orden de canciones distinto mientras que en algunos países, se lanzó también en cassette con ligeros cambios de secuencia para igualar la duración de cada cara.

Tras la publicación de «We Want Moore!» Virgin Video lanzó en VHS, «Emerald Aisles -Live in Ireland-» , capturado en plena gira de «Victims of the Future». El concierto fue filmado en el National Exhibition Centre (NEC) de Birmingham el 4 de febrero de 1984. Durante la filmación, se emplearon múltiples cámaras en grúa y tomas cenitales poco habituales en conciertos de rock de la época, lo que le dio un aire muy cinematográfico, además el vídeo mezcla el directo con segmentos documentales que muestran a Moore recorriendo Irlanda, saludando fans y tocando en lugares emblemáticos de su Belfast natal. Neil Carter a la guitarra rítmica, teclados y coros (gran mano derecha de Moore en los 80), Craig Gruber al bajo y Bobby Chouinard en la batería aparecen junto a Moore en el concierto. El VHS, que no incluye todas las canciones interpretadas aquella noche fue también lanzado en LaserDisc (principalmente en Japón). Durante el concierto hubo un momento muy especial: la aparición de Phil Lynott como invitado para cantar “Parisienne Walkways”, uno de los mayores éxitos de Moore coescrito por ambos. Su entrada provoca una gran ovación, especialmente porque era un reencuentro público con Moore tras sus colaboraciones anteriores y su paso conjunto por Thin Lizzy. Lynott también se une en “Military Man”, un tema que él mismo había escrito y que más tarde se incluiría en «Run for Cover» (1985). Años más tarde, en 2003, se lanzó “Live at the NEC”, que es esencialmente el mismo concierto del 4 de febrero de 1984, pero editado en formato audio, con mezclas diferentes y un orden de canciones alterado.

El 2 de septiembre de 1985 se lanzó «Run for Cover» con el propio Gary Moore en la producción de varios de los temas del álbum, además de los productores Andy Johns, Peter Collins, Beau Hill y Mike Stone. El álbum fue disco de Oro en Suecia de Plata en el Reino Unido, mientras que los EE.UU llegó al puesto 146 en el Billboard 200 un año después. El álbum incluye el sencillo «Out in the Fields» donde Phil Lynott, de Thin Lizzy comparte la voz principal con Moore. El tema trata sobre la agitación en su Irlanda natal., donde alcanzó el número 3 en listas y el 5 en el Reino Unido. Lynott canta en solitario en «Military Man», un antiguo tema de Grand Slam . «Out in the Fields» . Lynott también colaboró ​​en la regrabación del clásico de Thin Lizzy «Still in Love with You», en el que Moore tocó originalmente la guitarra. El tema se publicó inicialmente como cara B de «Out in the Fields», pero se incluye en versiones remasterizadas posteriores del álbum. «Empty Rooms», publicada originalmente en el álbum anterior de Moore «Victims of the Future», fue regrabada para «Run for Cover» convirtiéndose en uno de los mayores éxitos en solitario de Moore, alcanzando el puesto número 23 en las listas de singles del Reino Unido.

El álbum cuenta con la participación de Glenn Hughes, bajista y vocalista de Deep Purple, Paul Thompson de Roxy Music a la batería así como Andy Richards, Neil Carter y Don Airey a los teclados, Bob Daisley al bajo y los baterías Gary Ferguson y Charlie Morgan. Se suponía que para la gira de apoyo del álbum Glenn Hughes se uniría a la banda en el bajo y la voz, pero debido a sus problemas de abuso de sustancias, fue reemplazado por Bob Daisley. Gary Ferguson se ocupó de la batería.

Tras un viaje de regreso a su Belfast natal, Irlanda del Norte, en 1985, Gary Moore comenzó a componer lo que sería su sexto álbum de estudio, «Wild Frontier» lanzado el 2 de marzo de 1987. El álbum contiene varias canciones sobre Irlanda y está dedicado a la memoria de Phil Lynott, amigo íntimo de Moore y excompañero de la banda Thin Lizzy, fallecido el 4 de enero de 1986. La contraportada del álbum incluye la frase «For Philip» (Para Philip). De nuevo, Moore produjo el álbum con la ayuda de otros productores como Peter Collins , Pete Smith y James «Jimbo» Barton.

El primer sencillo del album, «Over the Hills and Far Away «, uno de los temas con más éxito en la carrera de Moore, alcanzó el puesto número 20 en el Reino Unido, además de aparecer en las listas de nueve países. El álbum cuenta con una versión de la canción «Friday on My Mind» de Easybeats y con «The Loner», compuesta por Max Middleton, y que fue grabada originalmente por Cozy Powell para su álbum «Over the Top» de 1979 (en el que Moore actuó, aunque no en la grabación de Powell de «The Loner»). Moore modificó sustancialmente la canción para su propia grabación, acreditándose como coautor del tema. Para este trabajo Moore contó con Neil Carter a los teclados, Bob Daisley al bajo y Roland Kerridge a la programación de batería. Y es que todas las baterías en «Wild Frontier» están secuenciadas con una caja de ritmos, algo que la crítica no vio con buenos ojos, tachando el álbum como «decepcionante». Aun así, el álbum fue un éxito, siendo certificado platino en Suecia, oro en Finlandia y Noruega, así como plata en el Reino Unido.

Para la gira posterior, el ex batería de Black Sabbath, y actual batería de Kiss, Eric Singer, se unió a la banda de apoyo de Moore junto a Neil Carter a los teclados, guitarra y voz y Bob Daisley al bajo. Quienes aparecen en el VHS de 1987 «Live at Isstadion Stockholm: Wild Frontier Tour», grabado el 25 de abril de ese mismo año en el Johanneshovs Isstadion de Estocolmo,Suecia, durante la gira de presentación del álbum.

El tema «Over the Hills and Far Away» ha sido versionado por la banda finlandesa de symphonic power metal Nightwish en su EP de 2001 del mismo título, por la banda sueca de viking metal Thyrfing en su álbum «Urkraft» y por Patty Gurdy en su EP «Shapes & Patterns» (2018). La banda española Saurom también grabó una versión de esta canción con letra alternativa, titulada «La Disolución de la Comunidad». Otras canciones del álbum también fueron versionadas por diferentes artistas como por ejemplo «Crying in the Shadows», que se lanzó como cara B del sencillo «Over the Hills and Far Away» en diciembre de 1986 y que aparece como pista extra en la versión en CD de Wild Frontier, y que fue grabada ese mismo año por la cantante japonesa Minako Honda, titulada «The Cross (Ai No Jujika)», con Moore a la guitarra y la producción, o «Johnny Boy» grabada por Christy Moore, cantante, compositor y guitarrista folk irlandés, que apareció en su álbum de 2021, «Flying Into Mystery», publicandola como sencillo en noviembre de ese mismo año.

El 25 de enero de 1989 aparece a través de Virgin Records «After the War» un álbum que al igual que su predecesor, «Wild Frontier», contiene guiños a la música celta. La canción instrumental «Dunluce» lleva el nombre del castillo de Dunluce en Irlanda del Norte. El álbum alcanzó el disco de oro en Alemania y Suecia, y el de plata en el Reino Unido. Uno de los temas de «After the War», «Led Clones», en la que Moore comparte voz principal con Ozzy Osbourne, es un burla de Kingdom Come, banda popular en aquel entonces, y que se basaba en un sonido e imagen al estilo de Led Zeppelin.

«Esa canción fue divertidísima. Fue un honor grabar con Gary».

Ozzy Osbourne sobre la cancion «Led Clones».

El batería Cozy Powell y los habituales Neil Carter a los teclados y Bob Daisley al bajo, acompañan a Moore en la grabación del disco. El álbum cuenta con las colaboraciones del vocalista de Sisters of Mercy, Andrew Eldritch, en los coros, Don Airey en los teclados, Laurence Cottle y Steve Piggott al bajo, así como los baterías Charlie Morgan, Simon Phillips y su ex compañero en Thin Lizzy, Brian Downey. Moore vuelve a rendir homenaje a la memoria de su viejo amigo Phil Lynott con la canción «Blood of Emeralds». Para la gira Cozy Powell fue reemplazado por Chris Slade quien más adelante tocó la batería para AC/DC. «After the War» mantuvo a sus fans entusiasmados en toda Europa, pero fue su álbum con peor clasificación en los 80 en el Reino Unido. Ese verano también marcó el décimo aniversario de su retirada de la gira de Thin Lizzy por Estados Unidos, en circunstancias tan ásperas que ninguno de ellos volvería a dirigirle la palabra durante años.

«¿Sabes? La otra noche estaba tocando algunos de mis álbumes, desde G-Force hasta algunas cosas mías después, ¡y fue la mayor mierda que he oído en mi vida! No quiero tocar así nunca más. Toca, toca, toca, sube y baja por el mástil lo más rápido posible. ¡Es una barbaridad!'»

Gary Moore en conversación con Eric Bell.

«Acababa de volver de la gira y todo había ido bien, ¿sabes? Buen público, lo de siempre. Pero hacia el final me miraba en el espejo del camerino, todo arreglado como un tipo de Def Leppard , y pensaba: ‘¿Quién te crees que eres? Pareces un capullo'».

Gary Moore.

Moore estaba harto de su propia música. Tenía suficiente dinero como para no tener que volver a trabajar. Lo que le faltaba era lo que él llamaba «autoestima musical».

Vuelta a sus raíces. Del Hard Rock al Blues.

En marzo de 1990, se publica «Still Got the Blues» un regreso a sus raíces blueseras que cuenta con temas propios y versiones de clásicos del blues como «Pretty Woman» (en la que participa el propio compositor Albert King), o «Walking by Myself» (original de Jimmy Rogers) entre otras. La idea para el disco surgió durante la gira de «After the War»: Moore a menudo tocaba blues en el camerino y una noche Bob Daisley sugirió en broma que hiciera un álbum completo de blues. «Still Got the Blues» se convirtió en el álbum más exitoso de la carrera de Moore, vendiendo más de tres millones de copias en todo el mundo. El álbum alcanzó el puesto número 83 en el Billboard 200 el 16 de febrero de 1991, más tarde, en noviembre de 1995, fue certificado oro. Este trabajo fue más exitoso de Moore tanto en términos de ventas como de posición en las listas en los EE.UU. La canción principal del álbum, que lo daba título, también se convirtió en el único sencillo de su carrera en solitario en aparecer en el Billboard Hot 100, llegando al número 97 en febrero de 1991.

Para el álbum contó con las colaboraciones de los «bluesman» Albert King y Albert Collins así como del ex Beattle George Harrison. Albert King no se dejó impresionar mucho al principio por la oferta de grabar con Moore, y reaccionó de la misma forma que Albert Collins: «Gary Who?» (¿Gary, que?). Albert King pidió mucho dinero y, para sorpresa suya, Moore sacó la cartera sin decir ni pío. La presencia de Albert king hizo mella en Moore que «aguanto» el mal genio del viejo bluesman: mientras grababan el tema «Pretty Woman», King se enojó la escucharlo

«En la primera línea me había equivocado con una palabra. En lugar de cantar ‘Sure as the rising sun’, dije ‘She is the rising sun’, y Albert brincó hasta el techo”.

Gary Moore sobre Albert King.

Además, King no estaba de acuerdo con los arreglos de metales, lo cual corrigió e insistió en que el batería atrasaba el beat. A pesar de todo, al término de la sesión, se hicieron amigos, y Moore estuvo seguro de haber invertido bien su dinero. En el disco, Moore le dedicaría una canción al viejo guitarrista: «King of the Blues».

«Hubiera valido la pena sólo para traerlo y conversar tres días con él».

Gary Moore sobre la decisión de contratar a Albert King.

El cambio en el estilo musical también se reflejó en un cambio en el vestuario de Moore. Lucía un elegante traje azul para videos y presentaciones en vivo. Moore, consciente del cambio de rumbo que había tomado para atraer nuevos oyentes, lo «vendió» a sus viejos fans como «algo nuevo». Para la gira Moore reunió una nueva banda de acompañamiento llamada The Midnight Blues Band; con Andy Pyle al bajo, Graham Walker a la batería, Don Airey a los teclados, así como una sección de instrumentos de viento. Esos mismos músicos también participaron en el álbum, además del bajista Bob Daisley, el batería y ex compañero en Thin Lizzy, Brian Downey y el teclista Nicky Hopkins, entre otros.

En 1992 llegaría «After Hours», que fue platino en Suecia y oro en el Reino Unido, donde se convirtió en el álbum de Moore con mayor éxito, alcanzando el número cuatro en la listas de aquel país. El álbum cuenta con colaboraciones de BB King y Albert Collins, además de los músicos habituales Bob Daisley y Andy Pyle al bajo, Tommy Eyre a los teclados, y los baterías Graham Walker y Anton Fig. Un año después, más concretamente el 10 de mayo de 1993, se publicó «Blues Alive», un álbum en vivo con grabaciones de su gira de 1992, basado en temas de los entonces recientes álbumes de Moore, «Still Got the Blues» y «After Hours». «Blues Alive» fue, con diferencia, el más exitoso de todos sus álbumes en vivo de Gary Moore, alcanzando el número 8 en la lista de álbumes del Reino Unido y obteniendo el disco de oro. Su lanzamiento fue precedido por el sencillo «Parisienne Walkways» en vivo.

En 1993 Gary Moore forma junto a los ex Cream Jack Bruce y Ginger Baker (bajista y batería respectivamente) el power trío BBM («Baker Bruce Moore»). Ese mismo año el sello discográfico Virgin lanza el debut de la banda titulado «Around the Next Dream». El álbum alcanzó el número 9 en la lista de álbumes del Reino Unido en el verano de 1994, pero sólo pasó cuatro semanas en las listas. La canción, «Where in the World» fue lanzada como sencillo, alcanzando el número 57 en la lista de sencillos del Reino Unido en agosto de 1994. La portada del álbum presentaba una fotografía de Baker (representando a un ángel) fumando un cigarrillo. Antes de disolverse, la banda realizó una breve gira por el Reino Unido para coincidir con el lanzamiento del álbum y también tocó en algunos festivales de rock en el europa. El proyecto se vio empañado por conflictos de personalidad entre los miembros, así como por problemas de oído que Moore sufrió durante la gira.

«Había muchos problemas dentro de la banda que lo habrían hecho imposible a largo plazo. Creo que Jack (Bruce) estaba acostumbrado a tener su propia banda, yo estaba acostumbrado a tener la mía, así que fue muy difícil».

Gary Moore sobre la separación de BBM.

El 14 de noviembre de 1994 aparece el recopilatorio «Ballads & Blues 1982–1994». Un álbum que contiene las baladas románticas y blues más suaves que Moore había grabado desde 1982. Además de tres temas inéditos. Uno de ellos, «One Day» es una versión descartada del álbum «Around the Next Dream», grabado por el supergrupo BBM, del que Moore era miembro.

En 1995, Moore lanzó «Blues for Greeny», un álbum tributo a su amigo y mentor Peter Green guitarrista de John Mayall & the Bluesbreakers y miembro fundador de la banda Fleetwood Mac. El álbum contenía versiones de temas de ambos grupos y se grabó con la misma Gibson Les Paul Standard de 1959 que Green usó en las pistas originales. Green prestó y vendió la guitarra a Moore (conocida como Greeny) tras dejar Fleetwood Mac. Y es que esa «vieja» guitarra, con un sonido característico, tiene su historia: Peter Green la compró por sesenta guineas en la tienda de instrumentos musicales Selmer de Londres antes de unirse a John Mayall & the Bluesbreakers. Green debutó con la guitarra en el álbum del grupo de 1967, «A Hard Road». En enero de 1970, Green conoció a Gary Moore, quien era telonero de Fleetwood Mac en sus días con Skid Row. Moore consideraba a Green una de sus mayores influencias, y pronto se hicieron amigos. Tras prestarle «Greeny» a Moore durante unos días, Green le preguntó si quería comprarla. Moore dudó al principio, pensando que no podía permitírselo, pero Green le sugirió que vendiera su guitarra principal y le pagara lo que le dieran. Moore vendió entonces su Gibson SG, por la que recibió 160 libras, pero Green se negó a aceptar el dinero. En cambio, Green le pidió la misma cantidad que había pagado originalmente, que según Moore fueron 120 libras. Al final, Green solo aceptó 100 o 110 libras por la guitarra. Cuando Moore le dijo que podía recuperarla en cualquier momento, Green respondió: «No, nunca te la volveré a pedir».

Mientras fue dueño de la guitarra, Moore reemplazó la placa del conector, así como los controles inferiores de volumen y tono. También reemplazó los clavijeros originales por afinadores Sperzel. En 2006, Moore se vio obligado a vender la guitarra debido a problemas financieros. La vendió al comerciante de guitarras Phil Winfield por entre 750.000 y 1,2 millones de dólares. Winfield la puso a la venta por 2 millones de dólares, tras lo cual pasó a manos de varios coleccionistas privados. En 2014, el guitarrista de Metallica, Kirk Hammett, compró «Greeny» al comerciante de guitarras Richard Henry por menos de dos millones de dólares. Henry vendía la guitarra en nombre del entonces propietario, Melvyn Franks. Anteriormente, se le había ofrecido a James Hetfield, compañero de banda de Hammett, por una cantidad exorbitante, pero la rechazó. En 2020, Hammett declaró haber pagado menos de medio millón de dólares por la guitarra, ya que Franks enfrentaba problemas financieros y de otro tipo en Estados Unidos y necesitaba una venta rápida.

«Greeny» es conocida por su tono único, que ha sido descrito como «mágico» por numerosas publicaciones y otros músicos. La guitarra está equipada con pastillas PAF. Al principio de su carrera, Green intentó emular el tono de Eric Clapton quitando la pastilla del mástil. Finalmente, la volvió a colocar, pero al revés por error. Esto le dio a la guitarra su tono desfasado «distintivamente nasal» cuando el selector de pastillas está en la posición central. La pastilla del mástil también cuenta con un imán de alnico invertido, que se cree que es un error de fábrica o una modificación del mercado de accesorios. El mástil de la guitarra se ha roto dos veces, lo que Hammett cree que también ha afectado a su tono. Peter Green, sin embargo, admitió que no había nada particularmente especial en la guitarra ni en su sonido. También afirmó que ni siquiera sabía qué significaba «fuera de fase». En 1994, Gary Moore contactó con Jol Dantzig de Hamer Guitars para construir una guitarra personalizada con doble humbucker inspirada en «Greeny». Mientras inspeccionaba las pastillas, Dantzig usó una brújula para medir su polaridad magnética. Descubrió que estaban desfasadas magnéticamente: un imán estaba orientado de norte a sur y el otro de sur a norte. Según Andy Ellis, de la revista Guitar Player, el desfase generado magnéticamente responde a los cambios de tono, dando a las notas agudas un «sustain pronunciado». El guitarrista de Def Leppard, Vivian Campbell, posee una réplica personalizada de «Greeny», apodada «Gary» en honor a Moore.

El undécimo álbum de estudio de Gary Moore, «Dark Days in Paradise» fue publicado por Virgin Records el 26 de mayo de 1997. Representó un cambio radical en la dirección musical de Moore, abandonando el estilo blues y blues rock de sus álbumes anteriores en favor de un sonido más contemporáneo incorporando una amplia gama de estilos, como drum and bass, jungle, world music, soul, jazz, folk, música oriental, folk irlandés, britpop, reggae y hip hop, con un enfoque rítmico y una producción con ritmos electrónicos. Moore produjo el álbum con Chris Tsangarides y contó con la colaboración de músicos como las del bajista Guy Pratt, el batería Gary Husband y el teclista Magnus Fiennes. El repentino cambio de dirección de Moore sorprendió a muchos de los fans que Moore había ganado más recientemente, y el álbum se vendió mal. «Dark Days in Paradise» alcanzó el puesto número 43 en la lista de álbumes del Reino Unido, pasando dos semanas en la lista. En la lista de sencillos del Reino Unido, «One Good Reason» alcanzó el puesto número 79 en mayo, mientras que «I Have Found My Love in You» alcanzó el puesto número 90 a finales de junio. El disco debutó en el puesto número 41 en la lista de los 100 mejores álbumes europeos y alcanzó el número dos en Grecia. Virgin reeditó el álbum en 2003, añadiendo tres pistas adicionales: la canción principal, «Burning in Our Hearts» y «There Must Be a Way». El guitarrista promocionó el álbum con conciertos en el Reino Unido y Europa a lo largo de 1997.

«Abarca todas las influencias que he tenido en mi carrera a lo largo de los años y algunas nuevas. Hay un poco de todo ahí. He estado escuchando mucho hip-hop, drum ‘n’ bass, reggae, R&B, cosas muy rítmicas».

«El disco no es una respuesta a la percepción que la gente tenía de mí como artista, sino simplemente lo que quería hacer. Lo mismo que cuando empecé, o volví, a tocar blues, simplemente sentí que era hora de un cambio».

Gary Moore sobre «Dark Days in Paradise».

De nuevo en 1998 se publica un recopilatorio de Gary Moore: «Out in the Fields: The Very Best of Gary Moore». Lanzado por Virgin, el álbum abarca parte de la extensa carrera de Moore entre 1982 y 1992, centrándose principalmente en los álbumes de hard rock que publicó durante ese período. Además de la versión regular de un solo disco, también se lanzó una edición limitada de dos CD; el segundo disco contiene varias caras B en vivo y en estudio, un sencillo no incluido en el álbum y una remezcla del mismo. Un año después se publicaría una segunda parte titulada «Blood of Emeralds – The Very Best of Gary Moore Part 2». El set de 2 CD incluye 26 temas entre grabaciones de estudio y versiones en vivo.

Aunque su anterior trabajo «Dark days in Paradise» desconcertó a los fans de Moore y se vendió mal, el músico continuó su experimentación musical con «A Different Beat», el primer álbum de Moore tras dejar Virgin Records. publicado por Castle Music el 27 septiembre de 1999. De nuevo Moore abandona sus estilos habituales de blues y hard rock para adoptar un enfoque pop más experimental. El guitarrista se inspiró en la música dance moderna y buscó crear un álbum que fusionara ritmos dance con trabajo de guitarra, para lo cual colaboró ​​con los músicos Roger King y los EZ Rollers. El álbum se caracteriza por el uso de teclados, loops, samples, ritmos de baile programados y experimentos con drum and bass, aunque también incorpora los solos de guitarra blues de Moore. En el álbum aparece una versión de «Fire» de Jimi Hendrix. Tras su lanzamiento, «A Different Beat» fue otra decepción comercial para Moore y desconcertó a sus fans. Posteriormente el guitarrista renegó de este trabajo.

«Realmente estás crucificado antes de empezar. ¡La gente que estaría en lo que hago probablemente odiaría esos ritmos y la gente en la música de baile probablemente me odiaría a mí!»

Gary Moore sobre «A Different Beat».

Tras los dos álbumes en los que Moore experimento con sonidos nuevos y que tan mal recibimiento tuvieron, regresa a sus raíces en 2001 con el lanzamiento de «Back to the Blues» que como su título indica, fue un regreso al blues eléctrico con el que se había hecho famoso desde 1990. Vic Martin a los teclados. Pete Rees al bajo y Darrin Mooney a la batería acompañaron esta vez al músico irlandés en su vuelta al blues. El 19 de febrero de 2002 aparece el enésimo recopilatorio de Gary Moore (y alguno me he dejado) titulado «The Best of the Blues». El álbum, lanzado por su antigua compañía Virgin, consta de dos CD. El primero contiene canciones de sus álbumes de blues de los 90: «After Hours» , «Blues Alive» , «Blues for Greeny» y, sobre todo, «Still Got the Blues». El segundo disco es íntegramente en directo.

Ese mismo año, 2002, Gary Moore formó junto al batería de Primal Scream, Darrin Moone y el ex bajista de Skunk Anansie, Cass Lewis, una banda llamada Scars. El sonido del trío recuerda al de artistas como Jimi Hendrix o Stevie Ray Vaughan, de una manera moderna, publicó su álbum homónimo a través de Sanctuary Records el 26 de agosto de 2002 en Europa, el 2 de septiembre en el Reino Unido, el 4 en Japón (Victor Records) y el 10 en EE.UU. El álbum y el título de la banda podrían aludir tanto a las cicatrices emocionales de Moore como a las cicatrices en su rostro causadas en una pelea de bar en Dingwalls, Camden, un barrio del centro de Londres, cuando dos hombres empezaron a hablar de la novia de Moore allí presente. Moore los increpó, pero uno de ellos rompió una botella contra la barra y le cortó la cara a Moore con ella. Durante los 80, Moore ocultó sus cicatrices en fotografías y vídeos, mirando hacia abajo o apareciendo encuadrado en las fotografías desde lejos.

«Lo cambió. Mucha de esa ira y emoción contenidas se manifestaba en su forma de tocar… también se manifestaba de otras maneras. Debe ser difícil recuperarse de algo así».

Eric Bell, amigo y guitarrista de Thin Lizzy.

Ya en 2003 Moore publica en CD y DVD «Live at Monsters of Rock», grabado en vivo el 21 de mayo de 2003 en el Sheffield Hallam Arena, Inglaterra, durante la participación de Moore en la gira Monsters of Rock de ese año. A pesar de estar acreditado únicamente a Moore, el álbum presenta en realidad representa una actuación de su proyecto Scars, junto a Cass Lewis y Darrin Mooney al bajo y la batería, respectivamente. La banda interpreta varios temas de su único álbum de estudio, publicado el año anterior, así como canciones del extenso catálogo de Moore. El DVD incluye una prueba de sonido adicional y una entrevista con Gary Moore.

Tras el efímero power trío Scars, Gary Moore lanza en 2004 su decimocuarto álbum en solitario «Power of the Blues» , coproducido, al igual que «Scars» y «Back to the Blues», junto al mítico productor Chris Tsangarides. El álbum contó con la participación de Darrin Mooney en la batería. Completando la formación estaba Bob Daisley, quien no había participado en un álbum de Gary Moore desde «After Hours» de 1992. «Power of the Blues» contiene tres versiones, dos de ellas escritas por Willie Dixon y la otra por Percy Mayfield. En 2018, Bob Daisley volvió a grabar el tema «Torn Inside» para su álbum tributo a Gary Moore «Moore Blues for Gary», la voz estuvo a cargo del ex compañero de banda de Gary en Skid Row, Brush Shiels.

En 2006 llegaría «Old, New, Ballads, Blues», y un recopilatorio más «The Platinum Collection», con tres CD, cada uno de una categoría diferente: rock , blues y música en vivo. Un año después y junto a su ex compañero en Thin Lizzy, el batería Brian Downey, Moore editaria «Close as You Get» y ya en 2008 «Bad for You Baby», que nos lleva a 2009 y a «Essential Montreux» , una edición especial de cinco CD con cinco de las seis actuaciones que Moore realizó en el Festival de Jazz de Montreux (Live at Montreux 1990, 1995, 1997, 1999 y 2001). En total, hay sesenta canciones repartidas en los cinco CD con un tiempo de reproducción total aproximado de seis horas.

La madrugada del 6 de febrero de 2011, Moore falleció a los 58 años de un infarto mientras dormía. En ese momento, se encontraba de vacaciones con su novia en el Hotel Kempinski de Estepona, Málaga. Su fallecimiento fue confirmado por el mánager de Thin Lizzy, Adam Parsons. El Daily Telegraph informó que su infarto fue provocado por un nivel de alcohol en sangre del 0,38 %, mientras que un nivel del 0,40 % se considera generalmente letal y el 0,08 % se considera legalmente ebrio. Según Mick Wall , periodista musical, Moore había desarrollado un grave problema con la bebida durante los últimos años de su vida. Moore fue enterrado en una ceremonia privada en el cementerio de Santa Margarita en Rottingdean, Brighton, en la costa sur de Inglaterra, a la que asistieron únicamente familiares y amigos cercanos. Su hijo mayor, Jack, y su tío Cliff interpretaron la balada irlandesa «Danny Boy» en su funeral.

El 19 de septiembre de 2011 aparece a modo póstumo «Live at Montreux 2010», un álbum en vivo en CD y Blu-ray/DVD. El concierto se grabó el 6 de julio de 2010 en el Festival de Jazz de Montreux, convirtiéndose en la última actuación filmada de Gary Moore antes de su fallecimiento. El concierto se nutre principalmente del álbum y la era «Wild Frontier», además de incluir tres nuevas canciones que estaban planeadas para aparecer en un nuevo álbum de rock celta, aunque este proyecto nunca se materializó debido a su muerte. La versión en Blu-ray/DVD cuenta con cuatro temas más grabados en el mismo festival pero en 1997. El teclista Magnus Fiennes, el bajista Guy Pratt y el batería Gary Husband acompañaban a Moore en aquel concierto, mientras que en 2010 lo hacían Neil Carter a los teclados, coros y guitarra rítmica, Jonathan Noyce al bajo y Darrin Mooney a la batería.

Influenciado por Peter Green y Eric Clapton, Moore interpretó una amplia gama de música, incluyendo blues, blues rock, hard rock, heavy metal y jazz fusión, pero eso sí, siempre fácilmente reconocible por su sensibilidad melódica, así como por su agresivo vibrato. A pesar de estar estrechamente asociado con el movimiento de guitarra «shred» de la década de los 80, fue muy crítico de muchos de sus defensores, describiendo a muchos de los artistas asociados con el G.I.T (Guitar Institute of Technology) y Shrapnel Records (discográfica de la mayoría de shredders de la época) como parte de una «cadena de producción de guitarristas que no tienen mucho que decir por sí mismos». En ocasiones se le acusó de seguir modas, algo que Moore negó; afirmó que siempre había hecho lo que le gustaba en ese momento. Moore era descrito a menudo como «gruñón» y tenía fama de ser difícil de trabajar con el. El propio Moore lo reconoció, atribuyéndolo a su propio perfeccionismo, algo que exigía a los demás. Don Airey dijo más tarde que el perfeccionismo de Moore a menudo le perjudicaba.

«Fui a verlo al camerino después. Me senté a su lado y le dije: ‘¡Un concierto genial, Gary!’. Me miró. ‘¿Qué? ¡Menuda mierda! ¡Nunca he tocado tan mal en mi vida!’. Vi esa faceta suya bastante a menudo».

Eric Bell, después de un concierto en Dublín.

Eric Clapton interpretó «Still Got the Blues» en un concierto como homenaje a Moore, y la canción se incluyó posteriormente en su álbum de 2013, «Old Sock» . El 12 de marzo de 2011, se celebró una noche de homenaje a Moore en Duff’s Brooklyn, Nueva York. El 18 de abril de 2011, Eric Bell, Brian Downey y varios artistas se reunieron para un concierto de homenaje en Whelan’s, Dublín. En 2012, se realizó una exposición que celebraba la vida y la obra de Moore en el Oh Yeah Music Centre de Belfast. Para conmemorar lo que habría sido el 65 cumpleaños de su padre, Jack Moore junto con el guitarrista Danny Young lanzaron la canción tributo «Phoenix» en 2017. Ese mismo año, el guitarrista Henrik Freischlader lanzó un álbum tributo a Moore, titulado «Blues for Gary». En 2018, Bob Daisley lanzó el álbum «Moore Blues for Gary – A Tribute to Gary Moore», que contó con la participación de Glenn Hughes, Steve Lukather, Steve Morse, Joe Lynn Turner y Ricky Warwick. El 12 de abril de 2019, se realizó un concierto tributo a Moore en el Belfast Empire Music Hall para ayudar a recaudar fondos para una estatua conmemorativa. Los planes para la estatua fueron aprobados por el Ayuntamiento de Belfast en enero de 2025.

Enlazamos con uno de los muchos vocalistas que acompañaron a Moore a lo largo de su carrera tanto en estudio como en directo y lo hacemos que el grandísimo Glenn Hughes y esta banda llamada California Breed.

California Breed fue una banda de hard rock formada en Los Ángeles, California, en 2013 por tres músicos de primer nivel: Glenn Hughes (bajo y voz), Andrew Watt (guitarra) y Jason Bonham (batería). Tras la disolución de Black Country Communion ese mismo año, Hughes conoció a Watt gracias a la mediación de Julian Lennon (el hijo mayor de John Lennon) y la química musical entre ambos fue inmediata. Poco después invitaron a Jason Bonham, viejo compañero de Hughes en Black Country Communion e hijo del legendario batería de Led Zeppelin, completando así la formación. A finales de 2013, la banda entró en el estudio para grabar su primer y único álbum, «California Breed», producido por Dave Cobb. El disco vio la luz en mayo de 2014 a través de Frontiers Records y recibió una notable acogida tanto en EE.UU. como en Europa. En Estados Unidos alcanzó el puesto 78 en el Billboard 200, el número 22 en Top Rock Albums y llegó a encabezar la lista de Top Hard Rock Albums. En el Reino Unido alcanzó el puesto 26 en la lista oficial de álbumes y llegó al número 1 en la lista de álbumes de rock, logrando también entrar en varios rankings europeos.

Poco después del lanzamiento, Jason Bonham abandonó el grupo debido a compromisos que le impedían salir de gira y fue reemplazado por Joey Castillo, ex batería de Queens of the Stone Age e Eagles of Death Metal. Con esta nueva formación, California Breed salió a la carretera, primero como teloneros de Alter Bridge y, posteriormente, compartiendo escenario en el Reino Unido con Slash junto a Myles Kennedy & The Conspirators. Sin embargo, las tensiones internas y la marcha definitiva de Bonham marcaron el futuro de la banda. Finalmente, en enero de 2015, California Breed anunció oficialmente su separación. California Breed ofreció un hard rock enérgico, directo y con alma blues, sostenido por la voz inconfundible de Glenn Hughes, el talento guitarrístico de un jovencísimo Andrew Watt y la contundencia de Jason Bonham. Y hablando de Jason Bonham, con él retrocedemos en el tiempo para recordar su primera gran banda, Airrace.

Banda británica de hard rock/AOR formada en 1982 por el guitarrista Laurie Mansworth, tras su salida de la banda More. Después de varios ensayos, la formación inicial se completó con Phil Lewis (voz), Jim Reid (bajo) y Simon Tomkins (batería). El grupo debutó en directo el 11 de febrero de 1983 en el Marquee Club de Londres. Esa misma noche, el conocido mánager Peter Grant —famoso por su trabajo con Led Zeppelin— sugirió a Mansworth contratar a un joven batería de 17 años: Jason Bonham, hijo del legendario John Bonham. Con Grant como mánager, la banda incorporó además al teclista Toby Sadler y reemplazó a Phil Lewis por Keith Murrell como vocalista principal. En el invierno de 1983, Airrace fue telonero de Def Leppard en su gira por el Reino Unido y, en febrero de 1984, acompañó a Ted Nugent en su tour británico. Ese mismo año viajaron a Nueva York para grabar su primer álbum en los Atlantic Studios, bajo la producción de Beau Hill.

En agosto de 1984, Airrace se unió como telonero a la gira europea de Queen. Sin embargo, su paso como teloneros de AC/DC en Lyon y París los días 12 y 15 de septiembre de 1984 resultó problemático: tras sustituir a Mötley Crüe en el último momento, parte del público, molesto por la ausencia de la banda anunciada, lanzó objetos al escenario durante la actuación de Airrace. El 5 de octubre de 1984 se publicó su álbum debut, «Shaft of Light», a través del sello Atco Records (Atlantic). Aunque recibió buenas críticas, el disco no alcanzó un éxito comercial significativo, en parte por una distribución irregular y la ausencia de una gira en Norteamérica. Tras el lanzamiento, la banda continuó su gira europea, abriendo conciertos para Meat Loaf y finalizando su actividad en directo el 8 de mayo de 1985 en Londres, como teloneros de Krokus. Poco después, tras las salidas de Jason Bonham y Keith Murrell, Airrace se disolvió en 1986. Ese mismo año, Laurie Mansworth intentó reactivar la banda con una nueva formación, pero el proyecto no prosperó. En 2009, Mansworth y Murrell revivieron oficialmente Airrace. Su álbum debut, «Shaft of Light», fue re editado ese mismo año por Rock Candy Records en un CD remasterizado con dos temas extra. En 2011, publicaron un nuevo álbum titulado «Back to the Start» , junto a Simon Dawson (batería), Toby Sadler (teclados), David Boyce (bajo) y Dean Howard (guitarra). En 2018, ya con Mansworth como único miembro original, lanzaron su último trabajo hasta la fecha: «Untold Stories».

Continuamos con uno de los músicos de la banda, el teclista Toby Sadler y su paso por una de las bandas más míticas del heavy metal británico, Samson.

La banda británica Samson fue formada en 1977 por el guitarrista Paul Samson, junto al bajista Chris Aylmer y el joven batería Clive Burr. Un año después grabaron y lanzaron sus primeros sencillos: “Telephone” y “Mr Rock & Roll”. En octubre de 1978, se unió el vocalista principal Mark Newman, pero después de unos seis shows, Paul Samson retomó la voz principal y volvieron a una formación de tres integrantes. A finales de ese mismo año, 1978, Clive Burr abandonó el grupo. Tras audicionar a más de 60 baterías, la banda incorporó a Barry Purkis, quien adoptaría el apodo de Thunderstick y desarrollaría una imagen icónica: actuaba con una máscara y tocaba la batería encerrado en una jaula. En diciembre de 1978 Samson abre para Gillan (la nueva banda de Ian Gillan) en varios conciertos.

En 1979, la banda firmó con Lazer Records y comenzó la grabación de su primer álbum, “Survivors”, producido por John McCoy (ex compañero de Paul Samson en la banda londinense Scrapyard). Aunque Chris Aylmer, que no quiso firmar el contrato discográfico, aparece acreditado como bajista (el álbum fue grabado por John McCoy) y Bruce Dickinson como vocalista bajo el nombre de Bruce Bruce, el disco se completó antes de que Dickinson ingresara a la banda, por lo que las voces principales fueron grabadas por Paul Samson. Un mes antes de la publicación del álbum, en mayo de 1979, Samson, Iron Maiden y Angel Witch giran juntos bajo el lema The Heavy Metal Crusade. La gira finaliza en julio.

A principios de octubre ​​de 1979 Bruce Dickinson se une a Samson, actuando por primera vez con el grupo el 9 de noviembre en el Music Machine, Camden, Londres. Con Bruce Dickinson a bordo se consolida la formación clásica de Samson: Paul Samson (guitarra), Bruce Dickinson «Bruce Bruce» (voz), Chris Aylmer (bajo) y Thunderstick (batería). Ese mismo mes de noviembre Samson inicia una gira como cabeza de cartel. Ya en 1980, en enero, giran junto a Robin Trower como invitados especiales y a mediados de febrero la banda gira como teloneros de Rainbow en su gira «Down to Earth», que finalizó en marzo en el Wembley Arena. En julio de 1980 se publicó el segundo álbum, “Head On”, que alcanzó el puesto 34 en las listas británicas. Su portada mostraba a Thunderstick enmascarado, y el álbum incluía el instrumental “Thunderburst”, acreditado también a Steve Harris. Este tema deriva de “The Ides of March”, compuesto por Harris en 1977 cuando Thunderstick formaba parte de Iron Maiden. Sin embargo, cuando Maiden lanzó su propia versión en 1981 dentro de “Killers”, Harris se atribuyó la autoría completa, lo que generó fricciones entre ambas bandas. La gira de apoyo a “Head On” se prolongó durante todo 1980 y estuvo plagada de problemas legales y de gestión. Ya con Bruce Dickinson asentado como vocalista, Samson se unieron como teloneros de Uriah Heep en una gira por el Reino Unido y algunas fechas europeas en noviembre de 1980.

En 1980, cuando Samson empezaba a despuntar en plena ebullición de la NWOBHM, la banda protagonizó una de las aventuras más insólitas de su carrera: un mediometraje titulado «Biceps of Steel». La película, dirigida por Julien Temple —el mismo que ya había trabajado con Sex Pistols y The Clash—. El proyecto, concebido en principio como un largometraje, fue una apuesta de Polydor Records para promocionar al grupo de una manera diferente, en una época en la que el concepto de videoclip aún no estaba del todo asentado. El resultado fue un híbrido entre concierto filmado, relato de ciencia ficción de serie B y videoclip extendido, todo en apenas veinte minutos. la película se rodó en apenas unos días con muy bajo presupuesto y muchos de los extras eran amigos de la banda o gente de la escena rockera londinense. Julien Temple aceptó el trabajo casi como un experimento, y después reconocería que el guión apenas existía: la mayoría de las escenas se improvisaron sobre la marcha. Según Paul Samson, Polydor esperaba usarla para abrir camino en el mercado estadounidense, pero nunca llegó a distribuirse allí.

La historia, que mezcla humor y estética kitsch, gira en torno a un héroe musculoso que desafía a una villana autoritaria mientras la música de Samson sirve de banda sonora. Entre las canciones que aparecen están “Hard Times” y “Vice Versa”, extraídas del disco Head On. El film incluye escenas con Thunderstick enmascarado, un elemento que añadía todavía más aire teatral a una producción ya de por sí extravagante. Aunque nunca tuvo distribución comercial en cines ni un lanzamiento oficial en vídeo, «Biceps of Steel» circuló en copias promocionales de VHS y Betacam enviadas a televisiones y prensa musical. Con el paso de los años, el mediometraje se convirtió en una rareza buscada por coleccionistas y en una curiosidad histórica: un intento pionero de unir heavy metal con narrativa visual, anterior incluso al boom de la MTV. De hecho, fragmentos de la película llegaron a verse en la cinta de terror The Incubus (1981) y, muchos años más tarde, volvió a la luz como material extra incluido en el DVD «Anthology» de Bruce Dickinson, lo que permitió a los fans redescubrir esta pieza tan peculiar de la historia de Samson.

A finales de ese año, la banda entró en el estudio para grabar su tercer trabajo, “Shock Tactics” (1981), considerado uno de sus discos más emblemáticos. Sin embargo, la gestión era uno de los problemas de Samson. Contrataban a la banda en giras de apoyo bastante desiguales, los hacían tocar en un local y luego volvían una semana después para tocar en el mismo lugar, pero con otro artista. Finalmente, todo acabó en los tribunales, dejando a la banda sin poder tocar ni cobrar. Y cuando se resolvió el asunto legal y la banda dejó la gestión en 1981, descubrieron que su discográfica estaba en quiebra.

«Cometimos todos los errores del negocio».

Bruce Dickinson.

La última actuación de Bruce Dickinson con Samson tuvo lugar en el Reading Festival de 1981. Meses antes, al comenzar la gira de «Shock Tactics» , Thunderstick dejó la banda y fue reemplazado por Mel Gaynor, un batería negro de funk/rock que participó en apenas tres o cuatro conciertos antes del Reading Festival de 1981 y que posteriormente se uniría a los «poperos» Simple Minds. Gaynor fue reemplazado por Pete Jupp. Samson logró tres entradas en la lista de sencillos del Reino Unido: «Riding With The Angels» (1981, nº 54), «Losing My Grip» (1982, nº 63) y «Red Skies» (1983, nº 65). Tras la marcha de Dickinson a Iron Maiden, la banda reclutó a Nicky Moore como vocalista y a Pete Jupp como batería. En abril de 1982, ya con la formación renovada, Samson giraron por el Reino Unido con Blackfoot como cabezas de cartel. La respuesta del público fue muy positiva, y la gira fue decisiva para que Samson firmaran contrato internacional con Polydor Records, lo que les permitió ampliar su distribución fuera del Reino Unido. En 1982 lanzaron el EP “Losing My Grip” y el álbum “Before the Storm”. A Finales de 1982, Samson fueron invitados especiales en algunos conciertos de la gira británica y europea de Whitesnake (la del álbum «Saints & Sinners»). En 1984 publicaron “Don’t Get Mad, Get Even”, con el que lograron un notable éxito en Europa, llegando a abrir para Whitesnake entre abril y mayo de 1984 durante el tour de «Slide It In» por Europa..

En mayo de 1984, justo tras la gira europea en la que habían abierto para Whitesnake, Paul decide disolver temporalmente la banda como única salida para romper el contrato con Polydor. Oficialmente, Samson “se separan” en ese punto, aunque en realidad era más un movimiento legal que una ruptura definitiva. Paul Samson continuó en solitario, pero un año después apareció el directo “Thank You and Goodnight… Live”, grabado en conciertos ofrecidos en Holanda y Alemania durante marzo y abril de 1984. Esta formación incluía a Dave Colwell (ex-Urchin y futuro miembro de Bad Company) y Merv Goldsworthy (quien luego formaría parte de FM). En 1987, Paul Samson reactivó la banda con una formación renovada después de algunos años de inactividad. Un año después publican el EP de cinco temas «And There It Is… » en el sello Raw Power (una subsidiaria de FM Revolver Records). El sonido de la banda se acercaba a un hard rock/AOR más melódico, siguiendo la tendencia de finales de los 80. La formación en ese momento estaba compuesta por Paul Samson a la guitarra, Mick White a la voz, Dave Boyce al bajo, Toby Sadler a los teclados y Charlie Mack a la batería. Hicieron algunos conciertos en Reino Unido y Europa, pero sin gran repercusión. En enero de 1989 Mick White ya había dejado la banda y Samson contrata como vocalista temporal a Mike Feather para cumplir las fechas en Alemania. Más adelante Paul Samson decide grabar nuevo material en estudio, y recluta al cantante escocés Peter Scallan. Con él se registran varios temas que acabarán formando parte de las demos de un nuevo álbum que en principio se llamaría «Ignition». Finalmente el álbum se tituló “Refugee”, y se lanzó en 1990 continuando con un sonido hard rock. Uno de los temas del álbum es grabado por el vocalista Gary Owen, además, Paul Samson re grabó las partes de bajo antes de la publicación del álbum. Ese mismo año, el sello Raw Power publicó “Live at Reading ’81”, grabado durante la icónica actuación de 1981 con Bruce Dickinson. La formación Paul Samson, Mick White, Dave Boyce, Toby Sadler y Charlie Mack estuvo activa entre febrero y agosto de 1989. Después, Paul Samson vuelve a dejar la banda en «stand by» hasta 1993, año en que se lanzan tres trabajos: “1988”, reedición ampliada del EP «And There It Is…» de 1988, “Samson” (más tarde rebautizado como “Nineteen Ninety-Three”) grabado junto al bajista original Chris Aylmer y el batería Tony Tuohy con Paul a las voces y “Joint Forces”, publicado originalmente como un proyecto solista de Paul Samson junto al bajista John McCoy, los baterías Chris Sharley y Edgar Patric (Bonfire) y el vocalista Nicky Moore.

Pese a la intensa actividad, Samson volvió a separarse en 1994. En 1999, la banda lanzó “Past, Present & Future”, un recopilatorio que incluía cinco temas nuevos grabados en 1990 por la formación clásica Samson- Aylmer–Thunderstick, más el vocalista Rik (Rek) Anthony. el recopilatorio no incluye ninguno tema de la etapa con Bruce Dickinson. En el año 2000, Nicky Moore regresa a la banda junto a la formación clásica Samson-Aylmer-Thunderstick, Juntos ofrecieron varias actuaciones, destacando el 25.º Aniversario de la NWOBHM celebrado en el Astoria de Londres el 26 de mayo de 2000. Este concierto se editó en el álbum “Live in London 2000”. La banda también participó en el festival Wacken Open Air el 4 de agosto de 2000. El último capítulo de la historia de Samson llegó con la muerte de Paul Samson el 9 de agosto de 2002, víctima de cáncer, mientras trabajaba en un nuevo álbum junto a Nicky Moore. Posteriormente, otros miembros clásicos fallecieron: Chris Aylmer (bajo) el 9 de enero de 2007, Clive Burr (batería) el 12 de marzo de 2013 y Nicky Moore (voz) el 3 de agosto de 2022. La banda dejó un legado sólido dentro de la NWOBHM, con discos de culto y actuaciones memorables que marcaron una época. Con el vocalista que tuvo la difícil tarea de sustituir al gran Bruce Dickinson continuamos, el también «grande» Nicky Moore y su paso por esta «enorme» banda llamada Mammoth.

Mammoth fue una banda británica formada a finales de 1986 por el bajista y productor John McCoy junto al vocalista Nicky Moore. El concepto surgió de McCoy y su esposa Linda, quienes pensaban que la falta de éxito de Moore se debía en gran parte a su imagen física en una época, mediados de los ochenta, dominada por bandas de estética estilizada y músicos de aspecto delgado. La idea fue crear un grupo en el que todos sus integrantes compartieran una complexión similar, de modo que la presencia de Moore no resultara un impedimento. Y es que los integrantes del grupo eran verdaderos «peso pesados»: McCoy pesaba 120 kg, Moore 127 kg, el batería Vinnie «Tubby» Reed 140 kg, y el guitarrista «Big» Mac Baker 152 kg. Así nació Mammoth, inicialmente concebida bajo el nombre de Dinosaur, pero rebautizada debido a la existencia de otra banda californiana con esa denominación.

La formación estuvo integrada por McCoy, Moore, el guitarrista “Big” Mac Baker y el batería Vinnie «Tubby» Reed. El nombre Mammoth, además de una referencia irónica, se convirtió en la base de la campaña promocional que los definía como the heaviest band in the world (“la banda más pesada del mundo”), jugando con la doble acepción física y musical. El debut homónimo fue grabado entre 1987 y 1988 en Manor Studios y Battery Studios, con McCoy como productor y publicado por Jive Records a principios de 1988. Durante la grabación, el guitarrista Kenny Cox, anteriormente en More, abandonó el proyecto y fue sustituido en parte por Bernie Tormé, excompañero de McCoy y conocido por su paso temporal por la banda de Ozzy Osbourne tras la muerte de Randy Rhoads.

El disco apostaba por un hard rock de corte comercial, con un montaje escénico espectacular que incluía más de 200 mini amplificadores Marshall, guitarras de tamaño reducido, una batería de siete bombos y grandes elementos visuales. El sencillo “Fatman”, acompañado de un vídeo con notable rotación en MTV, llamó la atención en Estados Unidos, aunque las tensiones con la discográfica y los representantes, unidas a la negativa de financiar una gira americana, limitaron su proyección internacional. Ese mismo año, Mammoth apareció en la película «Just Ask For Diamond» (1988), en la que interpretaron a un grupo de matones, y contribuyeron a su banda sonora. En 1989 también participaron con un tema en la banda sonora de «Pesadilla en Elm Street 5».

«¿Qué salió mal? Pues que debido a nuestra imagen, poco a poco la música pasó a un segundo plano, y nos convertimos en un grupo de broma. No me entiendas mal, la música iba en serio, estoy muy orgulloso de aquellas canciones. Pero es que al final sólo aparecíamos en programas de humor, en shows de TV infantiles… y algo no encajaba».

«Nunca estuve tan increíblemente gordo como entonces, allá donde íbamos nos daban comida y más comida, comíamos sándwiches a todas horas, en el estudio nos traían menús de McDonald’s constantemente. ¡Era un estilo de vida al límite!»

John McCoy.

En directo, Mammoth actuó como telonero de Marillion y Whitesnake en conciertos puntuales en el Reino Unido, aunque la ambiciosa puesta en escena generó dificultades logísticas, llegando incluso a provocar incidentes como el colapso parcial de un escenario, lo que obligó a exigir refuerzos adicionales en sus actuaciones posteriores. Sin embargo, la falta de recursos y la desaparición de los salarios pactados minaron la cohesión interna, y la banda se disolvió en 1989. El legado de Mammoth se amplió años después con varias publicaciones. En 1997 apareció el recopilatorio “XXXL”, que reunía demos, descartes e inéditos de las sesiones originales de los ochenta, incluyendo versiones extendidas de algunos de sus temas. En 2003 se editó “Larger and Live”, que combinaba seis grabaciones en directo registradas en noviembre de 1987 en Prestatyn (Gales) con material del anterior recopilatorio. Continuamos con la música de la mano del creador de Mammoth, John McCoy y su faceta como productor, ya lo hizo con Samsom y con esta banda llamada White Spitit.

Formados en 1975 en Hartlepool, una ciudad costera del condado de Durham, Inglaterra, por el guitarrista Janick Gers y el batería Graeme Crallan. Su propuesta combinaba influencias del hard rock de los años setenta —con claras referencias a Deep Purple o Uriah Heep— con un sonido que pronto sería identificado dentro de la Nueva Ola del Heavy Metal Británico (NWOBHM). La formación clásica se consolidó en 1978 con Bruce Ruff como vocalista, Malcolm Pearson en los teclados y Phil Brady al bajo. En 1980 publicaron su primer sencillo, «Backs to the Grind», con «Cheetah» en la cara B, a través del sello independiente Neat Records. El lanzamiento alcanzó el número 3 en las listas independientes del Reino Unido y ambos temas aparecieron en recopilatorios de la época dedicados a la NWOBHM.

Ese mismo año, la banda firmó con MCA Records y en julio grabó su debut homónimo en Kingsway Recorders bajo la producción de John McCoy. El álbum «White Spirit» vio la luz el 15 de septiembre de 1980. Tras su publicación, el grupo participó en el Festival de Reading y en giras junto a bandas como Praying Mantis, Samson y Def Leppard. A pesar de las buenas críticas, el álbum tuvo ventas discretas y parte del público metalero lo percibió como una propuesta demasiado pulida. En 1981 comenzaron los cambios en la formación: Brian Howe (futuro vocalista de Bad Company) sustituyó a Bruce Ruff, mientras que Ian Shuttleworth reemplazó a Phil Brady en el bajo, aunque poco después sería relevado por Toby Sadler (quien más tarde se uniría a Airrace pero como teclista). El mayor revés llegó cuando Janick Gers aceptó la oferta de Ian Gillan para unirse a su banda Gillan en sustitución de Bernie Tormé. Su puesto lo ocupó Mick Tucker.

La banda trabajó en nuevas maquetas con vistas a un segundo álbum, pero MCA no mostró interés y decidió cancelar el proyecto. Entre finales de 1981 y principios de 1982, White Spirit se disolvió. El álbum debut fue reeditado en 2005 por Castle con un segundo disco de material adicional: rarezas, demos y versiones alternativas. Entre ellas se encontraba «Watch Out», grabada con Brian Howe tras la salida de Bruce Ruff, e incluida originalmente en el recopilatorio «60 Minutes Plus» (1982). En 2012 se publicó «21 Grams», una edición limitada en vinilo blanco con grabaciones inéditas de 1981, pertenecientes al frustrado segundo álbum. En 2022, tras el fallecimiento de Brian Howe en 2020, Malcolm Pearson recuperó las cintas originales de aquel proyecto y, junto a Mick Tucker, trabajó en su restauración. Algunas pistas pudieron conservarse con las voces originales, mientras que otras fueron regrabadas con músicos invitados de renombre como Neil Murray (ex-Whitesnake), Russell Gilbrook (Uriah Heep), Jeff Scott Soto, Lee Small (Lionheart) y Steve Overland (FM). El resultado fue el álbum «Right or Wrong», publicado cuatro décadas después de la disolución de la banda.

Seguimos enlazando bandas aquí en Rock en Cadena. El cofundador y batería de White Spirit, Graeme “Crash” Crallan, se unió en 1984 junto con Mick Tucker a la banda Tank. Con ellos continuamos.

Tank se formaron en 1980 de la mano del bajista y vocalista Algy Ward, exmiembro de The Damned, pioneros del punk británico. Ward buscaba dar forma a un sonido más «metálico», claramente inspirado en Motörhead, algo evidente desde las primeras escuchas, aunque con su propia personalidad. La banda nació como un trío, con los hermanos Brabbs: Peter a la guitarra y Mark a la batería.

Su álbum debut, «Filth Hounds of Hades», apareció el 15 de marzo de 1982 bajo el sello Kamaflage Records y con la producción de “Fast” Eddie Clarke, guitarrista de Motörhead. El disco recibió excelentes críticas y situó a Tank como una de las grandes promesas de la NWOBHM, lo que les abrió las puertas del festival de Reading de ese mismo año, compartiendo cartel con, entre otros, los españoles Barón Rojo. Ese mismo 1982, en octubre, publicaron su segundo trabajo, «Power of the Hunter», y en 1983 «This Means War», ya bajo el sello Music for Nations. En este disco se incorporó el guitarrista Mick Tucker, aportando más técnica y un aire “heavy” con el añadido de las dos guitarras. Tras el lanzamiento, Peter Brabbs dejó el grupo y fue sustituido por Cliff Evans a comienzos de 1984. Ese mismo año publicaron «Honour & Blood», con Graeme “Crash” Crallan, ex-White Spirit, a la batería. El álbum fue bien recibido por la crítica, aunque las ventas volvieron a ser discretas. Kerrang! comenzó a etiquetarlos como “los eternos secundarios” de la NWOBHM, una losa difícil de quitarse de encima. La banda emprendió una pequeña gira europea como cabezas de cartel en salas medianas de Alemania, Países Bajos, Bélgica y Reino Unido.

1986 supuso un parón casi forzado: Crallan se marchó, entró y salió fugazmente Michael Bettel, y hasta finales de año no se incorporó Gary Taylor. La inestabilidad hizo que Tank pasara casi dos años sin nuevo material justo en un momento en el que la NWOBHM perdía fuelle y el hard rock americano dominaba la MTV con bandas como Ratt, Dokken o Whitesnake. Evans y Tucker apostaban por orientar el grupo hacia un sonido más comercial, pero Ward se resistía, fiel a la filosofía punk-metal de los primeros discos. Finalmente, en 1987, con Metalloid Records, lanzaron su álbum homónimo «Tank». Allí, Evans y Tucker llevaron la propuesta hacia riffs más melódicos, más cercanos al hard rock de mercado estadounidense, con una producción pulida y canciones accesibles, aunque sacrificando parte de la crudeza original. La crítica se dividió entre quienes lo vieron como una evolución necesaria y quienes lo consideraron una traición a las raíces. Comercialmente, fue un fracaso: Metalloid no tenía medios para una promoción seria y el disco pasó desapercibido. Como tantas otras bandas de la época, Tank no logró mantener las expectativas que habían despertado con su debut. Entre cambios de formación y un prestigio cada vez más diluido, acabaron disolviéndose en 1989. Ward intentó resucitar el grupo en 1997, pero no fue hasta 2002 cuando apareció «Still At War», editado por Zoom Club Records. Aquel disco se convirtió en un culebrón: Ward grabó la mayoría de bajos, voces y guitarras, mientras que Evans y Tucker quedaron fuera de la grabación, aunque se usaron algunos riffs compuestos por ellos. Bruce Bisland aparece acreditado como batería, pero según varias fuentes, gran parte de las pistas fueron registradas por Steve Hopgood, sin figurar en los créditos. La discográfica, buscando venderlo como una reunión de la formación clásica, mantuvo los nombres de Evans y Tucker en la promoción, lo que desató un conflicto interno que terminaría con la ruptura definitiva entre los músicos.

En 2007 la tensión se materializó en dos versiones distintas de Tank: una liderada por Ward hasta su fallecimiento en marzo de 2023, y otra sostenida por Mick Tucker y Cliff Evans, que sigue activa a día de hoy. Continuamos ahora con uno de los guitarristas que mantiene vivo a Tank, Cliff Evans, y su paso por una banda capitaneada por toda una leyenda del heavy metal británico: Paul Di’Anno. Os hablo de Killers.

Después de pasar por Gogmagog, Battlezone y otros proyectos menores, Paul Di’Anno —el carismático y polémico ex vocalista de Iron Maiden— fundó en 1991 la banda Killers junto al batería Steve Hopgood, quien ya había trabajado con él en Battlezone. Ambos viajaron a Nueva York, donde reclutaron al guitarrista Cliff Evans (ex-Tank), al bajista John Gallagher (Raven), de forma temporal, y al músico de sesión Ray Detone como segunda guitarra.

A finales de 1991, con la formación más o menos consolidada, Di’Anno y su mánager Arnie Goodman organizaron dos jornadas de presentaciones privadas en los estudios de Goodman en Nueva York, con el objetivo de atraer a grandes discográficas. Asistieron representantes de Virgin, EMI, Sony y BMG, entre otras. El repertorio, compuesto únicamente por clásicos de Iron Maiden, aún sin material propio, logró captar el interés de BMG, compañía que supuestamente llegó a ofrecer un contrato preliminar de 250.000 dólares para grabar un disco. Aunque este acuerdo nunca quedó del todo confirmado, la importancia de esas presentaciones fue clave: abrieron puertas en Estados Unidos y Sudamérica y permitieron asegurar la financiación parcial de la gira sudamericana de 1992, en parte gracias al promotor de Rock in Rio, Carlos Genesio. El repertorio de aquella gira combinaba clásicos de Iron Maiden con algunos temas de Battlezone y composiciones inéditas de Killers. De estas actuaciones nació el disco «Assault on South America», publicado en 1992 por MetalWorks en edición limitada y destinado sobre todo al mercado sudamericano. Oficialmente se acreditaba como Paul Di’Anno’s Killers. Si bien el álbum se presentó como grabado en Brasil, Argentina y Venezuela, John Gallagher aseguró más tarde que todo se registró en un camión de grabación móvil en Nueva York, tras el fracaso de la gira sudamericana.

El verdadero debut de Killers llegó el 27 de julio de 1992 con «Murder One», lanzado por Zoo Entertainment, filial de BMG. Gallagher regresó a Raven y fue sustituido por Gavin Cooper, mientras que Nick Burr, guitarrista en la grabación, abandonó la formación poco después, siendo reemplazado por Graham Bath para la gira. El álbum incluyó versiones de “Children of the Revolution” (T. Rex), editada como single con videoclip, y de “Remember Tomorrow”, recuperada del primer disco de Iron Maiden. Aunque no tuvo gran repercusión en Reino Unido ni en Estados Unidos, logró buenas ventas en Alemania, Japón y Brasil. La banda giró durante 18 meses con notable éxito en Sudamérica y Japón, pero el ambiente interno era cada vez más tenso: Paul Di’Anno se encontraba en una espiral de autodestrucción marcada por el alcohol y la cocaína, con retrasos, cancelaciones y continuos roces con promotores que exigían más repertorio de Iron Maiden en detrimento del material propio. Tras la gira, Killers regresó al Reino Unido, mientras Di’Anno se quedó en Estados Unidos, recién casado. La relación se quebró rápidamente y los excesos lo llevaron a un incidente violento en Los Ángeles: fue arrestado por maltrato conyugal, posesión de cocaína y tenencia ilícita de armas de fuego. Un juez lo calificó de “amenaza para la sociedad” y lo condenó a cuatro meses de cárcel. Allí comenzó a escribir letras para el siguiente disco, enviando cintas por correo a sus compañeros en el Reino Unido. Al salir, fue deportado a Inglaterra.

Con Bleeding Hearts Records como nuevo sello, Killers grabaron «Menace to Society», título que parecía reflejar irónicamente la situación personal de Di’Anno. Durante los ensayos, Graham Bath sufrió artritis en las manos y no pudo completar las sesiones, por lo que Cliff Evans grabó prácticamente todas las guitarras. El álbum mostró un giro hacia un sonido groove/thrash metal cercano a Pantera y Machine Head, acompañado de un cambio de imagen de Di’Anno hacia el estilo alternativo de mediados de los noventa: camisas de franela, gorras y pantalones cortos. La crítica fue en general negativa, salvo en Alemania, donde Metal Hammer lo votó como “Mejor Nuevo Álbum” del año. Aun así, la gira resultó menos exitosa que la anterior y la banda volvió a verse marcada por problemas internos y adicciones.

En 1996 Gavin Cooper abandonó la formación y Cliff Evans se fue distanciando poco a poco, aunque mantuvo cierta vinculación con Di’Anno. La actividad se paralizó por completo entre 1997 y 1999. En 2002 Steve Hopgood dejó la música tras ser diagnosticado de tinnitus crónico. Aun así, en 2003 Di’Anno y Evans revivieron Killers para una gira, acompañados por nuevos músicos: Marcus Thurston a la guitarra, Darayus Kaye al bajo y Pete Newdeck a la batería. En 2004 la banda se disolvió de nuevo. Cliff Evans fundó posteriormente su propia compañía discográfica, Soundhouse Records, y relanzó todo el catálogo de Killers, incluyendo otro álbum en vivo titulado «Killers Live at the Marquee» en 2008. El álbum «Murder One» se reeditó con dos pistas acústicas extra: «Wrathchild» y «Dreamkeeper». Posteriormente, Paul Di’Anno puso ambos álbumes de estudio de Killers a disposición para descarga gratuita a través de su página web. Tras una demanda, Soundhouse se vio obligada a dejar de vender material de Killers, lo que tensaron aún más las relaciones entre ambos. A pesar de ello, en 2013, Di’Anno y Evans anunciaron el regreso de Killers con un nuevo álbum titulado «The Lazarus Syndrome», que nunca llegó a materializarse debido a los graves problemas de salud del vocalista. Desde entonces, el proyecto quedó definitivamente congelado. Paul Di’Anno falleció en Salisbury el 21 de octubre de 2024, a los 66 años. Como curiosidad, durante los años 2000 —y probablemente antes— el mánager de Di’Anno fue Lea Hart, ex vocalista de Fastway, quien lideró un proyecto muy británico que, precisamente, llevaba por nombre True Brits.

En 1992 el vocalista y guitarrista Lea Hart decidió dar forma a este proyecto junto a dos ex miembros de Iron Maiden, Dennis Stratton y Clive Burr, además del guitarrista Dave Senczak y el bajista Mel Gabbitas. El objetivo era grabar un álbum de hard rock en estado puro: melodías cuidadas, armonías vocales, estribillos pegadizos, riffs sólidos, teclados brillantes y una producción más que solvente a cargo del propio Hart. El resultado fue «Ready to Rumble», editado ese mismo año por JIMCO Records y dirigido principalmente al mercado japonés, donde la nostalgia por la NWOBHM vivía un momento de auténtico auge. Hart supo ver la oportunidad y, de hecho, el disco contó con la participación de numerosos músicos vinculados a aquella escena: miembros de Tank, Saxon, Thin Lizzy, Samson, Motörhead y otros tantos dejaron su huella en el proyecto. Más que una banda estable, True Brits fue un experimento puntual. No existen pruebas de que hubiera una gira bajo ese nombre tras la publicación del álbum, lo que confirma que se trató de una iniciativa de estudio con un enfoque muy concreto. Aun así, el disco dejó clara una cosa: tanto Lea Hart como Dennis Stratton tenían un instinto natural para el hard rock melódico y quizá, de haber desarrollado sus carreras en Estados Unidos, habrían encontrado un terreno aún más favorable. Y así cerramos este episodio, enlazando con varios de los músicos que colaboraron en «Ready to Rumble». Nombres como Neil Murray, Don Airey, Gary Ferguson o John Sloman, todos ellos con un nexo común: haber formado parte en algún momento de la carrera de nuestro protagonista de este episodio, Gary Moore.

Espero que hayáis disfrutado del blog. Y recuerda, sube el volumen y disfruta!!…Un saludo, y hasta la próxima!!

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Bienvenidos y bienvenidas a este primer episodio del 2005. Dedicamos este episodio a una de las grandes bandas norteamericanas que supieron captar como nadie la esencia del rock clásico con riffs poderosos y estribillos inolvidables. Desde finales de los 70, su música ha marcado generaciones, combinando la energía del hard rock con la elegancia del AOR. Sus baladas han emocionado a millones, y sus himnos siguen sonando con la misma fuerza de antaño. Con una identidad inconfundible, han dejado huella en la historia del rock, convirtiéndose en una referencia imprescindible del género, llegando a ser uno de los grupos con más ventas a lo largo de la historia de la música. Ellos son Foreigner.

Los inicios.

Banda formada y liderada por el músico inglés Mick Jones, ex miembro de Nero and the Gladiators, la banda de Johnny Hallyday, Spooky Tooth y la Leslie West Band. Curiosamente, el mánager de West, Bud Prager, animó a Jones —quien, tras dejar la Leslie West Band en 1976, se encontró sin trabajo en Nueva York— a seguir componiendo y a ensayar con su propia banda en un local cercano a su oficina. Jones reclutó al teclista neoyorquino Al Greenwood y al bajista de Luisiana Jay Davis, con quienes comenzó a ensayar. También se unió a la formación Ian Lloyd, cantante de Stories, pero Jones sintió que la química no era la adecuada y decidió quedarse solo con Greenwood mientras continuaba su búsqueda de músicos. Durante una sesión para un álbum de Lloyd, Jones conoció al multi instrumentista y al igual que el inglés, Ian McDonald, ex miembro de King Crimson. Más adelante, mientras trabajaba como músico de sesión para Ian Hunter, descubrió a su compatriota británico, el batería Dennis Elliott. Tras numerosas audiciones sin encontrar al vocalista adecuado, Jones recordó un álbum de Black Sheep que había recibido en 1974, en el backstage de un concierto de Spooky Tooth, de manos del cantante de la banda, Lou Gramm. Decidió contactarlo y, al saber que Gramm había regresado a su ciudad natal, Rochester (Nueva York), tras la disolución de Black Sheep, le envió un billete de avión a Nueva York. Su incorporación resultó ser la pieza clave. Poco después, el bajista de Brooklyn, Ed Gagliardi, completó el sexteto.

En un principio, la banda adoptó el nombre de Trigger, el mismo que figuraba en la cinta demo que enviaron a varias discográficas. Sin embargo, fueron rechazados por todas. John Kalodner, ex periodista y DJ de radio que trabajaba como A&R en Atlantic Records, encontró la cinta etiquetada como Trigger en el escritorio del presidente del sello, Jerry L. Greenberg. Aunque recientemente había escuchado otra banda con ese nombre, se dio cuenta de que no eran los mismos y convenció a Greenberg de que al menos una canción tenía potencial para ser un éxito. Insistió en contratarlos cuanto antes. Como Trigger ya estaba registrado, Jones propuso el nombre Foreigner, inspirado en el hecho de que, sin importar dónde tocaran, siempre serían extranjeros: tres miembros (Jones, McDonald y Elliott) eran ingleses, mientras que Gramm, Greenwood y Gagliardi eran estadounidenses.

Sus primeros álbumes.

En noviembre de 1976, tras seis meses de ensayos, los «nuevos» Foreigner comenzaron a grabar su álbum debut con los productores John Sinclair y Gary Lyons en The Hit Factory. Sin embargo, más adelante se cambiaron a los Atlantic Recording Studios para terminar de grabar algunas pistas. Una primera mezcla se llevó a cabo en los Sarm Studios en Londres, pero la banda no quedó satisfecha con los resultados, por lo que decidieron re mezclar el álbum en Atlantic con la participación de Mick Jones, Ian McDonald y Jimmy Douglass. Jones quería que Roy Thomas Baker produjera el álbum, pero no estaba disponible. En su lugar, los propietarios de Sarm Studios, Gary Lyons, que había trabajado como ingeniero en varios álbumes de Queen producidos por Baker, y John Sinclair actuaron como productores junto con Jones y McDonald. Existe cierto desacuerdo sobre los roles específicos que Jones y McDonald desempeñaron en la producción del álbum.

«En realidad, Mick e Ian hicieron muy poco en la parte de producción. Como es típico de los músicos, querían que se incluyeran sus nombres, pero no tuvieron nada que ver con lo que sucedió en la parte de producción, aunque más tarde remezclaron el álbum sin nosotros. Puedo mostrarte mi contrato para el álbum. John y yo somos los únicos productores.»

Gary Lyons sobre la producción del primer álbum de Foreigner.

«Ya tenía mucha experiencia trabajando en estudios, gracias a la colaboración con algunos de los mejores productores, como Glyn Johns . Tanto Ian como yo trabajamos en estrecha colaboración con ellos para que el álbum sonara, fue algo en conjunto. Siempre me gusta involucrar a la gente y crear un espíritu de equipo, que es lo que hicimos ahí.»

Mick Jones sobre su participación como co-productor del primer álbum de Foreigner.

El álbum debut homónimo de la banda fue lanzado en marzo de 1977 y alcanzó un éxito comercial importante, vendiendo hasta hoy más de cinco millones de copias en los Estados Unidos. Su debut alcanzando el puesto número 4 en el Billboard 200 y permaneciendo en el top 20 durante un año. El álbum también alcanzó el top 10 en Canadá y Australia y llegó al número 1 en Noruega. Foreigner gozó de tres grandes éxitos en América del Norte: «Feels Like the First Time» alcanzó el número 4 en los EE.UU. y el número 7 en Canadá, «Cold as Ice», el número 6 en los EE.UU. y el número 9 en Canadá, y «Long, Long Way from Home» que llegó al número 20. Además, «Cold as Ice» tuvo relativo éxito en el Reino Unido, Australia, los Países Bajos y Bélgica, llegando al top 20 o 30 en esos países. En esos días Bud Prager firmó como mánager de la banda, ejerciendo esa función durante los siguientes 17 años.

En mayo de 1977, Foreigner ya había obtenido un disco de oro por su álbum debut y encabezaba el cartel en los teatros donde actuaba. Poco después, la banda comenzó a vender entradas en estadios deportivos de Estados Unidos. El 6 de mayo de 1977, tras un concierto en el Memorial Hall de Kansas City, el batería Dennis Elliott se lesionó la mano. Para cubrir su ausencia, la banda incorporó temporalmente a Ian Wallace (ex miembro de King Crimson), quien tocó junto a Elliott en algunas fechas hasta su recuperación. Después de casi un año de gira, el 18 de marzo de 1978, Foreigner se presentó ante más de 200.000 personas en el California Jam II. Un mes después, emprendió su primera gira por Europa, Japón y Australia. «Double Vision» fue grabado entre marzo y mayo de 1978 con la producción de Keith Olsen, junto a Mick Jones e Ian McDonald. Lanzado el 20 de junio de ese año, alcanzó el puesto número 3 en la lista Billboard 200 y obtuvo la certificación de platino solo una semana después, superando en ventas a su álbum debut. Actualmente, ha sido certificado siete veces platino por superar los siete millones de copias vendidas y, junto al recopilatorio Records (1982), es el disco más vendido de Foreigner. En Europa, sin embargo, «Double Vision» tuvo un impacto más modesto, logrando apenas entrar en el Top 40 del Reino Unido, donde alcanzó el puesto 32. En Canadá, el álbum llegó al número 3, mientras que en Australia se ubicó en el puesto 13. No obstante, a diferencia de su exitoso debut, Double Vision—al igual que sus dos siguientes álbumes—no logró entrar en las listas de Noruega, donde el primer disco de la banda había alcanzado el número 1. El primer sencillo, «Hot Blooded», fue lanzado en junio de 1978 y llegó al puesto número 3 en la lista Billboard Hot 100. En septiembre, el tema «Double Vision» siguió su camino ascendente y alcanzó el número 2, convirtiéndose en la posición más alta lograda por Foreigner hasta ese momento. Finalmente, en diciembre, «Blue Morning, Blue Day» se lanzó como tercer y último sencillo, alcanzando el puesto 15. «Double Vision» incluye el único tema instrumental que Foreigner ha publicado en un álbum de estudio, además de dos canciones interpretadas por Mick Jones, algo que ya había hecho en uno de los temas del disco debut de la banda.

Antes de la grabación del tercer álbum de Foreigner, Rick Wills (ex Jokers Wild, Roxy Music y Small Faces) sustituyó a Ed Gagliardi quien fue despedido de la banda. El nuevo trabajo, «Head Games», fue grabado en los Atlantic Studios de Nueva York, con sesiones adicionales y mezclas realizadas en los Cherokee Studios de Los Ángeles. Lanzado el 11 de septiembre de 1979, el álbum fue producido nuevamente por Mick Jones e Ian McDonald, con la coproducción de Roy Thomas Baker, reconocido por su trabajo en los álbumes clásicos de Queen. «Head Games» es el último álbum de Foreigner que incluye a Mick Jones como voz principal en una canción.

«Era un poco testarudo y tenía sus propias ideas que no siempre eran compatibles con lo que estábamos tratando de lograr. Ed era obstinado a veces, tocando la canción de la manera en que quería tocarla en lugar de la forma en que estaba escrita. Jones a menudo tenía que detener las sesiones para que Ed volviera a centrarse. Después de un tiempo, se volvió aburrido y ralentizó el proceso de grabación».

Gramm sobre el despido de Ed Gagliardi.

El lanzamiento del álbum fue precedido en agosto de 1979 por el primer sencillo, «Dirty White Boy», que alcanzó el puesto 12 en la lista Billboard Hot 100. «Head Games» mantuvo la popularidad de Foreigner, llegando al número 5 en la lista Billboard 200 y obteniendo la certificación de platino apenas cuatro meses después de su lanzamiento. Desde 2017, ha vendido más de cinco millones de copias en Estados Unidos, alcanzando la certificación de cinco veces platino. Aun así, el álbum vendió alrededor de dos millones de copias menos que su predecesor. Los siguientes sencillos fueron «Head Games», que llegó al puesto 14, y «Women», que alcanzó el número 41. La portada del disco no estuvo exenta de polémica siendo criticada por grupos feministas, en ella aparece una adolescente asustada en un baño de hombres apoyando su trasero sobre el inodoro del urinario. La actriz y productora cinematográfica Lisanne Falk fue la modelo que protagonizó la portada.

«La chica está siendo traviesa, borrando grafitis (en el baño). Está mirando a quien compre el álbum, la han pillado».

Lou Gramm sobre la portada de Head Games.

«La chica de la portada está impactada por el graffiti. No es como si alguien la estuviera atacando. Te lo juro, no es premeditado».

Susan Steinberg, coordinadora de medios de Foreigner.

En septiembre de 1980, los cofundadores del grupo Al Greenwood e Ian McDonald fueron despedidos. Una de las razones de la destitución fue el deseo de Jones de tener un mayor control sobre la banda y ser el compositor principal junto con Gramm. La banda se convirtió en un cuarteto, con músicos de sesión que se incorporaban según fuera necesario para grabaciones o giras.

«La química que hizo que la banda fuera buena al principio no significaba necesariamente que siempre lo sería. Creo que apareció una falta de comunicación bastante importante, y no creo que nadie supiera realmente lo que sentía la gente: la creencia profunda e interna sobre la dirección de la banda y cómo estábamos progresando. Habíamos llegado a un punto en el que había mucha insatisfacción».

Gramm sobre el despido de Greenwood y McDonald.

«Ian McDonald, a quien considero un gran músico y multiinstrumentista, empezó a centrarse cada vez más en tocar la guitarra, mientras que yo creía que su verdadero talento residía más en las imágenes dimensionales y creativas que dio a los dos primeros álbumes. Al Greenwood, nuestro genio del teclado y una parte muy importante del sonido de Foreigner al principio, también había empezado a centrarse más en la composición de canciones. Aunque las contribuciones de ambos a la banda habían sido vitales, se estaba desarrollando un conflicto sobre la dirección musical de la banda. Sentí que necesitábamos aclararlo. Así que Lou, Rick, Dennis y yo tomamos la decisión, y fue entonces cuando nos quedamos como cuarteto».

Jones sobre el despido de Greenwood y McDonald.

«Mick y Lou decidieron que querían ser el foco de la banda. Mick quería que fuera más evidente que era su grupo, así que decidió hacer un grupo más pequeño. Esa fue su decisión. Yo no me habría ido, amaba al grupo, no fue mi decisión».

«Tuve mucho que ver con la creación de esos discos, los arreglos y las canciones, más de lo que probablemente se pueda ver. Hice muchas cosas que no figuraron en los créditos, aunque me alegré de haberlas hecho. Cuando estás en un grupo, debes contribuir tanto como puedas. Yo estaba feliz de hacerlo. Pero, como dije, tal vez no pareciera que estaba haciendo tanto como en realidad lo hice. Tuve mucho que ver con ese grupo… así como… Mick Jones, obviamente, y todos los demás… no estoy tratando de llevarme todo el crédito, pero solo estoy diciendo que estuve allí, que participé y que me encantó»

Ian McDonald sobre su despido de Foreigner.

Foreigner comenzó a grabar su siguiente álbum en los Electric Lady Studios de Nueva York con el productor Robert John Mutt Lange ayudado por Mick Jones. El resultado, «4» (también conocido como «Foreigner 4»), fue lanzado el 3 de julio de 1981 y se convirtió en el primer y único álbum de la banda en alcanzar el número 1 en EE.UU., manteniéndose en la cima durante 10 semanas. En Canadá llegó al número 2, mientras que fuera de Norteamérica fue su gran álbum revelación, alcanzando el Top 5 en el Reino Unido, Alemania y Australia. El primer sencillo, «Urgent», llegó al puesto 4 en el US Hot 100, encabezó las listas US Album Rock Tracks y RPM Singles Chart en Canadá, y se convirtió en su mayor éxito en Alemania, donde alcanzó el Top 15. Sin embargo, tuvo menor impacto en Australia (puesto 24) y no logró entrar en las listas del Reino Unido. El segundo sencillo, «Juke Box Hero», se convirtió en un éxito en las emisoras de rock de Norteamérica, alcanzando el puesto 3 en la lista US Rock Tracks, aunque en el US Hot 100 solo llegó al 26 y en Canadá al 39. En Europa, logró entrar al Top 30 en Alemania y Francia, marcando la primera vez que una canción de Foreigner aparecía en las listas francesas. El tercer sencillo, la balada «Waiting for a Girl Like You», se convirtió en un fenómeno. Permaneció en el número 2 del US Hot 100 durante un récord de 10 semanas consecutivas y, al igual que «Urgent», encabezó la lista US Rock Tracks. También alcanzó el número 2 en Canadá, el 8 en el Reino Unido, el 3 en Australia, y se ubicó en el Top 20 en los Países Bajos y Bélgica, además del Top 30 en Alemania y Francia. El título del álbum tiene un doble significado: representa el cuarto álbum de estudio de la banda y también refleja la reducción de sus integrantes de seis a cuatro. Musicalmente, Foreigner se alejó del hard rock para adoptar un sonido más accesible, fusionando rock convencional con elementos del pop. El álbum fue titulado originalmente «Silent Partners», pero finalmente se cambió a «4», haciendo referencia tanto a que era el cuarto trabajo de estudio de Foreigner como a la nueva alineación reducida a cuatro miembros. En 1981, el estudio de arte Hipgnosis fue encargado de diseñar la portada basada en el título original. Su propuesta, una imagen en blanco y negro de un joven en la cama con un par de binoculares suspendidos en el aire, fue rechazada por la banda, quienes la consideraron «demasiado homosexual». Finalmente, la portada definitiva fue diseñada por Bob Defrin y se inspiró en un fotograma de película antigua.

Para la gira de promoción de «4» entre 1981 y 1982, Foreigner contó con Peter Reilich en los teclados y sintetizadores, además de Bob Mayo (exmiembro de la banda de Peter Frampton), quien aportó teclados, sintetizadores, guitarra y coros. También se unió Mark Rivera, encargado del saxo, flauta, teclados, sintetizadores, guitarra y coros. Tanto Mayo como Rivera habían participado en la grabación del álbum. Reilich fue despedido en mayo de 1982, pero Mayo y Rivera continuaron en la banda hasta 1988. El 29 de noviembre de 1982 se publica el primer recopilatorio de Foreigner titulado «Records». Este trabajo abarca los cuatro primeros álbumes de la banda. Junto con su segundo álbum, «Double Vision», este lanzamiento es el disco más vendido del grupo, siendo certificado siete veces platino.

Casi dos años después del lanzamiento de «4», Foreigner comenzó a preparar un nuevo álbum en junio de 1983 en Nueva York junto al productor Trevor Horn. Tras completar la composición en septiembre, la grabación oficial arrancó en octubre con Horn al mando. Sin embargo, el proyecto se desmoronó durante las Navidades cuando la banda viajó a Inglaterra para continuar con la producción. Horn decidió retirarse, sintiendo que su enfoque y el de la banda eran incompatibles. Finalmente, «Agent Provocateur», coproducido por Mick Jones y Alex Sadkin, fue lanzado el 14 de diciembre de 1984. Su primer sencillo, «I Want to Know What Love Is», se convirtió en el mayor éxito de la banda, alcanzando el número uno en EE.UU. (tanto en el Hot 100 como en la lista Rock Tracks), Reino Unido, Canadá, Australia, Nueva Zelanda, Noruega, Suecia y muchos otros países. En Alemania llegó al puesto 3, en Francia al 4, y en los Países Bajos y Bélgica al 6. El segundo sencillo, «That Was Yesterday», también tuvo gran repercusión, alcanzando el puesto 12 en el Hot 100 de EE.UU., el 4 en la lista de Rock Tracks y entrando en el Top 30 en varios países. El álbum en sí fue un éxito rotundo, convirtiéndose en el único número 1 de Foreigner en Reino Unido, Alemania y Noruega, además de alcanzar el puesto 3 en Australia y Canadá, y el 4 en EE.UU. y Nueva Zelanda. Sin embargo, Agent Provocateur fue, hasta ese momento, su álbum menos vendido en EE.UU., logrando la certificación de triple platino.

El 7 de diciembre de 1987, Foreigner lanzó su sexto álbum de estudio, «Inside Information». Producido por Mick Jones y Frank Filipetti, debutó en el puesto 15 de la lista Billboard 200 y fue certificado Platino en EE.UU. por superar el millón de copias vendidas. Sin embargo, las ventas de la banda continuaban en declive desde el éxito de «4» en 1981.Más suave que cualquiera de sus trabajos anteriores, este álbum logró su primer y único número 1 en la lista Adult Contemporary. Su primer sencillo, «Say You Will», alcanzó el puesto 6 en el Billboard Hot 100 y se convirtió en su cuarto éxito número 1 en la lista Mainstream Rock Tracks, manteniéndose en esa posición durante cuatro semanas. La canción también tuvo éxito en Europa, alcanzando el puesto 22 en Alemania y el número 4 en Suiza, Países Bajos y Noruega. El segundo sencillo, «I Don’t Want to Live Without You», llegó al puesto 5 en el Hot 100, mientras que el tercer y último sencillo, Heart Turns to Stone, fue inicialmente lanzado solo para la radio, alcanzando el puesto 7 en Mainstream Rock Tracks. Sin embargo, cuando finalmente se publicó en el Hot 100 varios meses después, solo llegó al puesto 56. El 14 de mayo de 1988, Foreigner encabezó el concierto del 40º aniversario de Atlantic Records en el Madison Square Garden, cerrando su actuación con «I Want to Know What Love Is». En esta interpretación, la banda estuvo acompañada por artistas como Phil Collins, Crosby, Stills & Nash y Roberta Flack, entre otros, quienes participaron en el coro. Durante el verano de 1988, la banda volvió a la carretera, aunque la gira de «Inside Information» se limitó a Europa, Japón y Australia. En esta ocasión, Mark Rivera y Bob Mayo no participaron, siendo reemplazados por Larry Oakes (guitarra, teclados, sintetizadores, coros) y Lou Cortelezzi (saxo), quienes se unieron a Foreigner para la gira.

Los 90 nunca fueron buenos.

En mayo de 1990, Lou Gramm dejó Foreigner tras completar la grabación de su segundo álbum en solitario. Su salida se produjo después de años de incertidumbre sobre su permanencia en la banda, ya que incluso durante los ensayos de «Inside Information» su continuidad había estado en duda. Tras su partida, Mick Jones reclutó como nuevo vocalista a Johnny Edwards, ex miembro de Buster Brown, Montrose, King Kobra, Northrup y Wild Horses. Jones quería trabajar con un cantante poco conocido por los fans en lugar de contratar a un sustituto de renombre. Edwards hizo su primera aparición en vivo con Foreigner el 15 de agosto de 1990 en el club Stephen Talkhouse de Long Island, acompañado por Jones, Dennis Elliott y Rick Wills. En esa presentación, la banda contó con la participación especial de Terry Thomas en la guitarra y Eddie Mack en la armónica.

El 24 de junio de 1991, Foreigner lanzó «Unusual Heat» con su nueva formación. El álbum, grabado en varios estudios de Nueva York e Inglaterra, fue producido por Terry Thomas y Mick Jones. Sin embargo, resultó un fracaso comercial, alcanzando solo el puesto 117 en la lista Billboard 200, una caída drástica en comparación con sus trabajos anteriores, todos los cuales habían llegado al Top 20 y obtenido al menos certificación de platino. Ninguno de los dos sencillos del álbum logró entrar en el Billboard Hot 100, y solo el primero, «Lowdown and Dirty», consiguió cierta repercusión al alcanzar el puesto número 4 en la lista Mainstream Rock.

«De hecho, dejé el proyecto tres veces. Johnny Edwards era un cantante fantástico, ¡pero no es Lou Gramm! Si vas a reemplazar al cantante, tienes que ser como Journey: tienes que poner a alguien que suene como Steve Perry. Así que necesitaban a alguien que sonara como Lou Gramm. Yo no quería hacer el disco. No quería hacerlo… Cuando dijeron: Queremos que hagas esto, les dije: Si no tienes a Lou Gramm, no es Foreigner».

Terry Thomas, productor de «Unusual Heat».

Para la gira de 1991, Mark Rivera regresó a la banda, mientras que Jeff Jacobs fue contratado como nuevo teclista. El 14 de noviembre de ese año, tras un concierto en The Ritz de Nueva York, Dennis Elliott decidió dejar Foreigner para dedicarse a su carrera como escultor en madera. Su puesto fue cubierto temporalmente por Larry Aberman hasta que, en 1992, Mark Schulman se unió como baterista, permaneciendo en la banda durante los siguientes tres años. Ese mismo año, Scott Gilman (guitarra, saxo y flauta) se sumó a la gira, pero a finales de 1992 fue reemplazado, junto con Rivera, por Thom Gimbel. En 1993, Gimbel dejó la banda para unirse a Aerosmith, lo que llevó al regreso de Gilman, quien asumió nuevamente las tareas de guitarra, saxo y flauta. Finalmente, en la primavera de 1995, Gimbel volvió a Foreigner de manera permanente.

«Cada vez que actuabamos, teníamos que ser conscientes de que había mucha gente escéptica, que intentaba evaluar si eras tan bueno como el original. Simplemente había que dejar de lado esa idea, salir y hacer lo que se pudiera. Eso siempre me frustraba un poco. Sentía que estaba más motivado a ser mi propio yo que a intentar copiar a alguien y eso siempre era frustrante».

Johnny Edwards.

Durante los disturbios en Los Ángeles entre abril y mayo de 1992, Mick Jones y Lou Gramm se reunieron en el hotel Sunset Marquis en West Hollywood. Debido al toque de queda, ambos quedaron aislados en el lugar y aprovecharon ese tiempo para revivir su relación musical. Como resultado, Gramm decidió regresar a Foreigner y lo hizo acompañado por Bruce Turgon, bajista de su anterior banda, Shadow King. Turgon reemplazó a Rick Wills, quien había dejado la banda tras la gira de 1991 tras una pelea con Jones. El regreso de Gramm puso fin a lo que, en definitiva, fue un capítulo breve y extraño en la historia del grupo. Un año después de su vuelta, Gramm co produjo el segundo álbum de grandes éxitos de la banda, «The Very Best… and Beyond», lanzado el 22 de septiembre de 1992 con una colección de canciones que abarca la historia de la banda desde 1977 hasta 1987 e incluye tres nuevas pistas grabadas en 1992. El recopilatorio omite el período de principios de la década de 1990 cuando el cantante original Lou Gramm había dejado la banda, omitiendo cualquier canción del álbum de 1991 «Unusual Heat».

«Volé a Los Ángeles durante los disturbios. Nos llevaron al aeropuerto John Wayne en lugar de al LAX porque estaban disparando a los aviones. Mick y yo estábamos recluidos en el Sunset Marquis de Los Ángeles, con guardias de seguridad armados caminando por el techo. Fue un poco extraño, por decir algo».

Lou Gramm sobre su encuentro con Jones en 1992.

«Había estado trabajando con ellos durante un par de años y estábamos trabajando en canciones para otro álbum, así que me quedé un poco desconcertado cuando decidieron volver con Lou. Pero así son las cosas a veces».

Johnny Edwards sobre la vuelta de Gramm a Foreigner.

«Realmente no llegamos tan lejos como me hubiera gustado. Creo que si hubiéramos hecho otro álbum con Johnny, quién sabe qué habría pasado. Pero sin duda fue un gran momento grabar el álbum y tener a alguien realmente genuino. En cuanto a nuestro tipo de música tal vez fue un poco más orientado a la guitarra que las cosas que habíamos hecho anteriormente».

Mick Jones sobre trabajar con Johnny Edwards.

En 1994, Foreigner lanzó «Mr. Moonlight», un álbum grabado en siete estudios diferentes de Estados Unidos y producido por Mick Jones, Lou Gramm y Mike Stone, con producción adicional de Phil y Joe Nicolo. Aunque la banda esperaba que este trabajo marcara un regreso triunfal, el disco fue un fracaso comercial. En EE.UU., tuvo un rendimiento aún peor que «Unusual Heat», alcanzando solo el puesto 136 en la lista Billboard 200. Su segundo sencillo, «Until the End of Time», tuvo un reconocimiento moderado, llegando al puesto 42 en el Billboard Hot 100. «Mr. Moonlight» sigue siendo hasta la fecha el álbum de estudio con peores cifras de ventas en la historia de Foreigner. En este trabajo participaron el nuevo batería Mark Schulman y el teclista Jeff Jacobs, además del bajista Bruce Turgon. El álbum fue lanzado en Europa por Arista Records el 24 de octubre de 1994, en Japón por BMG Entertainment el 23 de noviembre y en Estados Unidos y Canadá a principios de 1995 bajo el sello Rhythm Safari.

En enero de 1995, Ron Wikso reemplazó a Mark Schulman en la batería. Más tarde, en 1998, Brian Tichy asumió el puesto antes de que Schulman regresara en el año 2000. En abril de 1997, Lou Gramm fue diagnosticado de un tipo de tumor cerebral llamado craneofaringioma. Aunque era benigno, la operación que le practicaron dañó su glándula pituitaria (hipófisis), lo que provocó un aumento significativo de peso además de afectar notablemente su voz. Un año más tarde, la banda volvió a salir de gira, pero Lou Gramm tuvo serias dificultades. Su recuperación fue un proceso lento, y le tomó varios años recuperar la confianza para actuar con comodidad en el escenario.

«Empecé a tener fuertes dolores de cabeza y pérdida de memoria a corto plazo. Al principio no pude conseguir nadie que me operara donde vivía. Fui a dos o tres médicos en Nueva York, me hicieron resonancias magnéticas y llegaron a decirme que fuera poniendo todos mis asuntos en orden (papeles, herencia…), lo que fue una conmoción para mí».

«Mi cirujano me dijo que no quería que estuviera de gira durante al menos un año o año y medio. El grupo suspendió algunos conciertos mientras yo estaba en el hospital, pero el representante volvió a contratar fechas para dos meses después de mi operación y me amenazó con que teníamos que hacerlos porque, si no los recuperábamos, nos demandarían. Los hice pero, mira, no recordaba las letras, tuve que ponerlas en el suelo del escenario para poder leerlas. Como estaba tomando esteroides, en seis meses mi peso se duplicó. Yo pesaba unos 65 kilos y pasé al doble».

Lou Gramm.

En el verano de 1999, Foreigner acompañó a Journey como teloneros en su gira. Al año siguiente, durante la gira de verano de 2000, el teclista Jeff Jacobs tuvo que ausentarse por motivos familiares. En su lugar, John Purdell, quien había coproducido las nuevas pistas del álbum «The Very Best of… and Beyond» (1992), asumió temporalmente el puesto hasta el regreso de Jacobs.

En 2002, con motivo del 25º aniversario de Foreigner, se reeditaron sus álbumes multiplatino de 1977 a 1981 en ediciones especiales mejoradas con fotos inéditas, notas de portada y pistas adicionales. Además, se lanzaron dos nuevos recopilatorios: «Complete Greatest Hits» en EE.UU. y «The Definitive» en el resto del mundo. Aunque ambos contenían 20 canciones, «The Definitive» presentaba un orden de pistas distinto y algunas canciones diferentes para adaptarse mejor al mercado internacional. La versión estadounidense alcanzó el puesto 80 en la lista Billboard 200. Para la gira del 25º aniversario, el ex batería de Heart y Montrose, Denny Carmassi, se unió a la banda. A finales de 2002, Foreigner actuó en Bélgica y Alemania, participando en el festival anual «Night of the Proms» siendo este concierto la última vez que Lou Gramm y Mick Jones tocaron juntos hasta junio de 2013. Finalmente, a principios de 2003, Gramm dejó la banda.

«Creo que realmente nos esforzamos mucho por salvarlo, pero llegamos a un punto en el que los dos nos dimos cuenta de que continuar sería perjudicial para ambos».

Mike Stone sobre la segunda partida de Gramm de Foreigner.

Nuevos tiempos, nueva formación.

Mick Jones, fundador y único miembro original restante de Foreigner, decidió tomarse un tiempo antes de reformar la banda en 2004. El 25 de julio de ese año, en Santa Bárbara, California, participó en el espectáculo benéfico Mick Jones & Friends en apoyo a la distrofia muscular, realizado en el DoubleTree Resort de Fess Parker. En el evento, Jones estuvo acompañado por Jeff Jacobs, Thom Gimbel, el ex bajista de Dokken Jeff Pilson, el batería Jason Bonham (hijo de John Bonham de Led Zeppelin) y el cantante de Bonham, Chas West. Inspirado por el evento y alentado por Bonham, Jones siguió buscando un nuevo vocalista hasta que encontró a Kelly Hansen, ex Hurricane. Hansen, quien anteriormente había enviado una cinta de audición a la banda, fue invitado a unirse a Foreigner en marzo de 2005, debutando con el grupo el 11 de marzo en Boulder Station, cerca de Las Vegas. Durante su gira de primavera de 2005, Chas West apareció brevemente con la banda como invitado especial, tocando la guitarra rítmica.

En 2006, BMG lanzó «Extended Versions», un álbum en vivo grabado el 26 de noviembre de 2005 en el Texas Station de North Las Vegas, Nevada, producido por el nuevo bajista de la banda, Jeff Pilson. La versión europea del disco incluyó dos temas adicionales: «That Was Yesterday» y «Blue Morning, Blue Day». También en 2006 Atlantic/Rhino Records lanzó «The Definitive Collection», un recopilatorio en formato de doble disco. En 2007, Foreigner realizó una gira junto a Def Leppard y Styx, además de embarcarse en una extensa gira en solitario para celebrar el 30º aniversario de su álbum debut. A finales de ese año, el teclista Jeff Jacobs dejó la banda tras 16 años y fue reemplazado primero por Paul Mirkovich y luego, en 2008, por Michael Bluestein. Ese mismo año, Jason Bonham también se separó del grupo, siendo sustituido temporalmente por Bryan Head. Sin embargo, su permanencia fue breve y Brian Tichy regresó a Foreigner por segunda vez.

El 15 de julio de 2008, Foreigner lanzó «No End in Sight: The Very Best of Foreigner», una antología de grandes éxitos. El recopilatorio incluía todos sus temas más emblemáticos, junto con nuevas versiones en vivo de «Say You Will», «Starrider» y «Juke Box Hero/Whole Lotta Love», interpretadas por la formación de ese momento. Además, presentaba una nueva canción de estudio, «Too Late», su primer tema inédito desde Mr. Moonlight (1994) y la primera grabación de la banda con su alineación actual. «Too Late» fue lanzado como sencillo un mes antes de la publicación del álbum.

El 29 de septiembre de 2009, Foreigner lanzó «Can’t Slow Down», su primer álbum de estudio desde «Mr. Moonlight» (1994) y el primero con Kelly Hansen como vocalista. El disco fue coproducido por Marti Frederiksen y Mark Ronson, hijastro del guitarrista Mick Jones. «Can’t Slow Down» debutó en el puesto 29 del Billboard 200, y sus dos primeros sencillos, «When It Comes to Love» e «In Pieces», alcanzaron el Top 20 en la lista Adult Contemporary de Billboard. En 2010, el álbum recibió un disco de oro de la Asociación de Compañías de Música Independientes por superar las 100,000 copias vendidas en Europa. En EE.UU., fue lanzado exclusivamente a través de las tiendas Walmart, mientras que en Europa fue publicado por earMUSIC (sello de Edel), logrando el puesto 16 en Alemania y entrando en el Top 30 en Suiza. A principios de 2010, Foreigner se unió a Styx y Kansas en la gira United in Rock Tour. El 4 de mayo de ese año, se anunció que Jason Sutter reemplazaría a Brian Tichy en la batería, aunque su permanencia en la banda fue breve, dejando el grupo en 2011. Ese mismo año, Mark Schulman regresó a Foreigner por tercera vez como batería. El 16 de noviembre de 2010 Foreigner publicó «Can’t Slow Down… When It’s Live!», álbum en vivo grabado el 16 de marzo de ese mismo año en Nashville, Tennessee en el Ryman Auditorium a excepción del tema «Can’t Slow Down» grabado en Seebronn, Baden-Württemberg (Alemania), el 31 de julio de 2010. En junio de 2011, la banda volvió a compartir escenario con Styx y co-encabezó una gira por el Reino Unido junto a Journey. Posteriormente, se unieron a Journey y Night Ranger para una gira conjunta durante el verano y otoño en EE.UU., en la que Brian Tichy sustituyó a Schulman en algunas fechas. Entre el 19 de agosto y el 10 de septiembre de 2011, el guitarrista de Night Ranger, Joel Hoekstra, dividió su tiempo entre ambas bandas, tocando con Night Ranger y sustituyendo temporalmente a Mick Jones, quien se encontraba enfermo. Poco después, Bruce Watson (ex guitarrista de Rod Stewart) fue contratado para reemplazar a Jones en las fechas restantes de la gira. Cuando la banda retomó las presentaciones en febrero de 2012, tras la cirugía de bypass de Jones, Watson continuó de gira con Foreigner. El 4 de octubre de 2011, Foreigner lanzó «Acoustique» , que incluía sus canciones más populares y conocidas junto con algunas pistas más nuevas, grabadas en un formato acústico simplificado. Una de ellas, «The Flame Still Burns», había aparecido anteriormente en la película Still Crazy de 1998

En mayo de 2012, tras ser diagnosticado con cáncer colorrectal, el teclista Michael Bluestein abandonó momentáneamente la banda, siendo reemplazado por Ollie Marland. Bluestein regresó en agosto de ese mismo año, mientras que Brian Tichy también volvió hasta que sus compromisos con Whitesnake lo obligaron a salir nuevamente. En septiembre de 2012, Chris Frazier, a quien Tichy había reemplazado anteriormente en Whitesnake, se convirtió en el nuevo batería de Foreigner. El 31 de agosto de 2012, en el Chastain Park de Atlanta, Mick Jones regresó a los escenarios tras más de un año de ausencia. En ese mismo concierto, el teclista Derek Hilland (ex miembro de Iron Butterfly, Whitesnake y Rick Springfield) se unió a la banda para reemplazar temporalmente a Michael Bluestein durante las fechas de la gira de finales de verano y otoño. Hilland continuó en la banda durante el invierno y la primavera de 2013, hasta el regreso de Bluestein. Mientras tanto, el guitarrista Bruce Watson permaneció en el grupo debido a las frecuentes ausencias de Jones por motivos de salud. El 13 de junio de 2013, Mick Jones y Lou Gramm fueron oficialmente incluidos en el Salón de la Fama de los Compositores durante la 44.ª Ceremonia Anual de Premios del Salón de la Fama de los Compositores.

El 11 de mayo de 2014, Ed Gagliardi, bajista original de Foreigner, falleció a los 62 años tras una dura batalla de ocho años contra el cáncer. En 2014, Foreigner giró con Styx y Don Felder (ex guitarrista de los Eagles) en el Soundtrack of Summer Tour. El 24 de junio de 2015, Foreigner inició una gira de verano como teloneros de Kid Rock. El 24 de agosto de 2015, Foreigner grabó un concierto acústico en el Ford Motor Company Conference and Event Center en Dearborn, Michigan. Más tarde, el 5 de febrero de 2016, este material fue publicado bajo el título «In Concert: Unplugged». Producido por el bajista Jeff Pilson, el álbum incluye 11 de los mayores éxitos de la banda en versión acústica. El 25 de noviembre de 2016, para celebrar su 40º aniversario, Foreigner lanzó un EP de vinilo de 10 pulgadas en edición limitada, «The Flame Still Burns», a través de Rhino Records, como parte del evento Black Friday del Record Store Day. El E.P. incluyó la canción principal, previamente publicada en el álbum «Acoustique» de la banda. Además, presentó versiones acústicas en vivo de «Feels Like the First Time», «Long, Long Way from Home» y «Juke Box Hero».

Como parte de la celebración de su 40º aniversario, el 19 de mayo de 2017, Foreigner lanzó un nuevo recopilatorio titulado «40: Forty Hits From Forty Years 1977-2017». Este doble álbum incluye 40 temas que abarcan toda la carrera de la banda, desde su debut en 1977 hasta el EP «The Flame Still Burns» (2016). Además, presenta dos nuevas grabaciones: «Give My Life for Love» y una regrabación de «I Don’t Want to Live Without You». El 15 de noviembre de 2019, Foreigner publicó «Double Vision: Then and Now», en conmemoración del 40º aniversario del álbum «Double Vision». El concierto fue grabado el 6 de octubre de 2017 en el Soaring Eagle Casino de Mount Pleasant, Michigan, y contó con la participación especial de ex miembros de la banda, como Lou Gramm, Dennis Elliott, Al Greenwood, Ian McDonald y Rick Wills, quienes ya se habían reunido con el grupo en ocasiones anteriores. El álbum fue lanzado en varios formatos, incluyendo CD+DVD, CD+Blu-ray, doble vinilo+Blu-ray, así como en versiones digitales y en streaming. En octubre de 2019, Foreigner tenía previsto contar nuevamente con los miembros originales sobrevivientes para una serie de conciertos como parte de la gira Double Vision: Then and Now, la cual había comenzado el 9 de noviembre de 2018. Sin embargo, el 2 de octubre de 2019, se anunció que Lou Gramm no participaría en estas fechas debido a problemas de salud.

El 18 de marzo de 2021, se anunció la salida del multiinstrumentista Thom Gimbel, quien fue reemplazado por el guitarrista rítmico Luis Maldonado. Durante esa gira, Mick Jones estuvo ausente debido a problemas de salud. Un año después, el 9 de febrero de 2022, Ian McDonald, miembro fundador de Foreigner, falleció a los 75 años en su casa de Nueva York tras una batalla contra el cáncer de colon. En 2022, Foreigner anunció que abriría algunos conciertos del Bad Reputation Tour de Kid Rock. Más tarde, el 14 de noviembre de ese mismo año, la banda reveló que se embarcarían en su gira de despedida, Feels Like the Last Time Farewell Tour, que inicialmente estaba programada para finalizar en 2024, pero posteriormente se extendió hasta 2025 y parte de 2026, coincidiendo con el 50 aniversario de la banda. Foreigner estará acompañado por Loverboy. Al igual que en giras anteriores, Mick Jones ha estado ausente durante varios tramos de la gira de despedida. A finales de 2023, se confirmó que Foreigner y Styx compartirían escenario en varias fechas de verano en América del Norte como parte del Renegades & Juke Box Heroes Tour, con John Waite (ex Bad English) como invitado especial.

En 2024, Foreigner fue seleccionado para ser incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll. Los miembros honrados con este reconocimiento son los fundadores Mick Jones, Lou Gramm, Dennis Elliott, Al Greenwood y los fallecidos Ian McDonald y Ed Gagliardi, además de Rick Wills, quien reemplazó a Gagliardi y fue el bajista de la banda durante gran parte de su trayectoria. En febrero de 2024, Mick Jones, fundador de Foreigner, reveló que había estado luchando contra la enfermedad de Parkinson, lo que afectó su capacidad para participar plenamente en las actuaciones. Debido a su estado de salud, Jones se vio obligado a ausentarse de varios espectáculos o a limitar la cantidad de canciones que interpretaba en los conciertos, dependiendo del evento o la gira en cuestión. En agosto de 2024, Foreigner lanzó un sencillo inédito titulado «Turning Back the Time», originalmente escrito y grabado como demo en 1996 por Mick Jones, Lou Gramm y Marti Frederiksen. Tras el anuncio de la incorporación de la banda al Salón de la Fama del Rock and Roll, Jones y Frederiksen decidieron revivir la canción. La grabación contó con la voz principal original de Lou Gramm, con Jones en la guitarra y los teclados, Frederiksen en la guitarra y el bajo, y Evan Frederiksen (hijo de Marti) en la batería. Ningún otro miembro de Foreigner participó en la grabación. Además de ser lanzado como sencillo, «Turning Back the Time» se convirtió en la canción principal del álbum recopilatorio del mismo nombre, lanzado el 4 de octubre de 2024. Este álbum celebra la incorporación de la banda al Salón de la Fama del Rock and Roll e incluye sus éxitos más destacados (basados principalmente en los primeros seis álbumes de la banda), además de la mencionada canción inédita.

Con más éxitos Top 10 que Journey y diez álbumes multiplatino, Foreigner es aclamado universalmente como uno de los grupos de rock más populares del mundo con un formidable arsenal musical que continúa impulsando giras con entradas agotadas y ventas de álbumes, que ahora superan los 80 millones. Responsable de algunos de los himnos más duraderos del rock and roll, incluidos «Juke Box Hero» , «Cold As Ice» , «Hot Blooded» , «Waiting For A Girl Like You» , «Feels Like The First Time» , «Urgent» , «Head Games» , «Say You Will» , «Dirty White Boy» , «Long, Long Way From Home» y el éxito número uno mundial «I Want To Know What Love Is» , Foreigner todavía sacude las listas de éxitos más de 40 años después de comenzar su carrera con una difusión masiva y un continuo éxito de álbumes en el Top 200 de Billboard. Las reproducciones de los éxitos de Foreigner se acercan a los 15 millones por semana.

Empezamos nuestro viaje con el líder indiscutible de Foreigner, el guitarrista Mike Jones y su faceta como productor y más concretamente con esta super banda llamada Van Halen.

Van Halen ya fueron protagonista del episodio 25 de Rock en Cadena, pero como es tradición, nos centraremos en su álbum 5150. Tras la salida de David Lee Roth, Van Halen se enfrentó a serias dificultades para encontrar un reemplazo a la altura de su carismático y popular vocalista. No fue hasta julio de 1985 cuando Eddie Van Halen, por una curiosa coincidencia, recibió la recomendación del ex líder de Montrose, Sammy Hagar. Paradójicamente, el nexo entre ambos fue el mecánico que trabajaba en el Lamborghini de Eddie. Desde el primer encuentro, la química entre Eddie y Hagar fue innegable, lo que llevó a la banda a ponerse manos a la obra de inmediato con nuevas composiciones. La grabación de «5150» comenzó en noviembre de 1985 y, sorprendentemente, el álbum quedó listo en febrero de 1986, apenas un mes antes de su lanzamiento oficial. Pronunciado «fifty-one-fifty», este fue su séptimo disco de estudio, lanzado el 24 de marzo de 1986 por Warner Bros. Records. Marcó el inicio de una nueva era para la banda, siendo el primero de cuatro álbumes grabados con Sammy Hagar como vocalista. El título del álbum hace referencia al estudio casero de Eddie Van Halen, 5150, que a su vez toma su nombre del código de la ley de California utilizado para referirse a personas con trastornos mentales. En términos comerciales, «5150» superó todas las expectativas, alcanzando el puesto número 1 en la lista Billboard 200, haciéndolo el 26 de abril de 1986, algo que su exitoso predecesor, «1984», no logró, ya que había quedado en el segundo lugar detrás de «Thriller» de Michael Jackson (álbum en el que Eddie participó con su icónico solo en «Beat It»). El 28 de mayo de 1986 «5150» fue certificado doble platino. «5150» marcó un giro significativo en el sonido de Van Halen, con una mayor presencia de baladas y canciones de amor en contraste con el rock crudo y directo de sus primeros álbumes. Esta evolución llevó a muchos a referirse a la nueva etapa de la banda como «Van Hagar», un apodo que podía usarse tanto de manera despectiva como afectuosa. El término se hizo tan popular que, según cuenta Sammy Hagar en su autobiografía, Warner Bros. llegó a sugerirles cambiar oficialmente el nombre del grupo. Sin embargo, los hermanos Van Halen se mantuvieron firmes en su decisión: la banda seguiría llamándose Van Halen.

Otro factor que alimentó las críticas hacia «5150» fue la ausencia de Ted Templeman, quien había producido todos los álbumes anteriores del grupo. En su lugar, Templeman optó por trabajar en «Eat ‘Em and Smile», el disco en solitario de David Lee Roth. Para llenar el vacío, Donn Landee, quien había sido ingeniero en los discos previos de la banda, asumió el papel de productor principal. Además, el guitarrista de Foreigner, Mick Jones, fue contratado como coproductor, aportando su experiencia y visión al nuevo sonido de Van Halen. La producción de «5150» marcó un cambio significativo con respecto a los álbumes anteriores del grupo bajo la dirección de Ted Templeman. Mientras que en discos previos la guitarra de Eddie solía destacar con un volumen alto en la mezcla y a menudo se desplazaba hacia el canal izquierdo para recrear un sonido en vivo, en «5150» se integró de manera más uniforme en la producción, con un tono más refinado y procesado. Este cambio podría atribuirse a Donn Landee, quien no era partidario de la «mezcla en vivo» característica de Templeman, lo que resultó en un sonido más pulido y equilibrado en el álbum. Curiosamente «5150» es el primer álbum de Van Halen que no incluye ninguna pista instrumental.

La portada del álbum presenta una imagen de Atlas, la figura de la mitología griega, arrodillado y sosteniendo una esfera metálica pulida sobre sus hombros. El modelo para esta representación fue Rick Valente, un ex culturista de competición estadounidense ganador del concurso Mr. Los Ángeles de 1983 y presentador del programa de televisión «BodyShaping» de ESPN. El logotipo de Van Halen rodea la esfera. En la contraportada del álbum, se muestra a Atlas en el suelo, con la esfera caída y rota, mostrando a los miembros de la banda en su interior.

Con la llegada de Sammy Hagar, la banda tomó una dirección completamente diferente en sus giras en vivo. La exclusión de gran parte del catálogo clásico con David Lee Roth marcó un punto de inflexión en su sonido en el escenario. La presencia de Hagar como guitarrista permitió a Eddie Van Halen experimentar más con los teclados, algo que ya se había insinuado en el álbum «1984» con «Jump» pero que en «5150» se volvió aún más prominente. El 9 de noviembre de 1986 se publicó «Live Without a Net», el primer video oficial de un concierto en vivo de Van Halen, grabado el 27 de agosto de ese mismo año en el Veterans Memorial Coliseum de New Haven, Connecticut. Inicialmente, Van Halen intentó grabar el show de la noche anterior, pero problemas de audio impidieron su uso. Sin embargo, algunas secuencias de video de esa actuación se rescataron y posteriormente se incluyeron en varios videoclips promocionales. El concierto fue filmado con múltiples cámaras, logrando una calidad de imagen y sonido sobresaliente para la época. Se usaron cámaras de 35 mm, algo poco común en grabaciones de conciertos de los 80, lo que permitió un nivel de detalle impresionante. La dirección estuvo a cargo de Daniel Kleinman, quien más tarde se haría famoso por diseñar las secuencias de apertura de varias películas de James Bond. «Live Without A Net» se lanzó originalmente en formato VHS y Laserdisc y se volvió a publicar en DVD en 2004 con sonido estéreo y envolvente (mezclas Dolby 5.1 y DTS). A pesar de su estatus de culto, el concierto nunca ha sido lanzado en alta definición ni en plataformas digitales oficiales. La razón principal es que el material original fue grabado en un formato de video que no permite una remasterización sencilla a HD.

Las canciones en «Live Without a Net» aparecen en un orden distinto al del concierto original, y al menos cuatro temas fueron omitidos por completo. Además, se realizaron varias ediciones al metraje, como recortes en el solo de guitarra de Eddie Van Halen y pequeños ajustes en distintas partes del show. Uno de los cambios más notorios ocurrió con «Best of Both Worlds», que originalmente incluía un fragmento de «Addicted to Love» de Robert Palmer. Esta versión editada fue transmitida durante los MTV Video Music Awards de 1986, pero cuando el concierto salió en video casero, la sección de Palmer fue eliminada. Curiosamente, en dicha emisión en MTV, el clip también incluía «Love Walks In», lo que confirma la reorganización del orden de las canciones para el VHS. El video también tiene varios errores de continuidad. Uno de los más evidentes ocurre durante el solo de Eddie Van Halen: en un momento, coloca su cigarrillo bajo las cuerdas detrás de la cejuela de su guitarra. Segundos después, aparece fumándolo y lo tira al suelo… para que mágicamente vuelva a estar en su lugar original en la siguiente toma. Además también hay varias anécdotas: durante el show, en varias canciones, Hagar improvisa partes de las letras, algo que los más atentos notaron. En «Best of Both Worlds», por ejemplo, se equivoca en una línea y simplemente se ríe, mientras Eddie lo mira y sigue tocando. Durante su épico solo de guitarra, Eddie tuvo problemas técnicos con su amplificador. En un momento, se puede ver cómo el sonido cambia repentinamente, lo que indica que hubo un fallo en la señal. o curioso es que Eddie nunca pierde la calma y sigue tocando como si nada hubiera pasado. En la postproducción, se ajustaron algunos niveles de sonido para disimular el problema, pero los fans más detallistas aún pueden notarlo en algunas partes. Otro incidente ocurrió durante «I Can’t Drive 55», cuando Eddie rompió una cuerda de su Kramer 5150. Mientras Sammy Hagar hacía un solo, Eddie rápidamente cambió a su Steinberger 5150 para terminar la canción y continuar con «Ain’t Talkin’ ’Bout Love». Aunque nunca menciona a David Lee Roth directamente, en medio del show, Sammy lanza una indirecta muy clara. Antes de tocar «Panama», dice: «Esta canción no es sobre un coche, pero suena como si lo fuera. ¡Vamos a rockear!». Esto es una referencia a que Roth solía decir que Panama fue inspirada en un coche de carreras. Aunque fue un comentario inofensivo, muchos lo tomaron como una pequeña burla hacia el exvocalista. Y precisamente con «Diamond» Dave continuamos.

Ya hemos hablado en anteriores entradas de Rock en Cadena de la carrera en solitario de David Lee Roth, así que, como hice con Van Halen, toca profundizar en su debut en solitario, «Eat ‘Em and Smile», lanzado el 7 de julio de 1986. Tras el éxito de su EP «Crazy from the Heat» en 1985 y su mediática salida de Van Halen, Roth no perdió el tiempo y formó una banda de acompañamiento de auténtico lujo con Billy Sheehan al bajo, Gregg Bissonette a la batería y Steve Vai a la guitarra, bajo la producción de Ted Templeman, el mismo que trabajó con Van Halen en sus primeros discos. El resultado fue un álbum que alcanzó el disco de oro en el Reino Unido y el platino en Estados Unidos, llegando al puesto número 4 en el Billboard 200. Curiosamente, muchas de las canciones de «Eat ‘Em and Smile» fueron compuestas para una película que iba a llamarse Crazy from the Heat, igual que su EP. CBS Films tenía un presupuesto de 20 millones de dólares para el proyecto, pero la fusión con CBS Studios hizo que se cancelara antes de ver la luz. A pesar de esto, el disco tuvo grandes éxitos, sobre todo «Yankee Rose», que llegó al Top 20 de Billboard, y «Goin’ Crazy», que alcanzó el puesto 66 en el Hot 100. Como ya había hecho en su EP anterior, Roth incluyó en el álbum varias versiones de canciones «lounge», lo que en España llamaríamos canción ligera, con temas como «That’s Life», popularizada por Frank Sinatra, «I’m Easy» de un cantautor australiano y «Tobacco Road» de John D. Loudermilk. También se sumó «Shy Boy», una composición de Billy Sheehan con su antigua banda, Talas, mientras que el resto de los temas fueron escritos por Roth y Vai. Uno de los detalles más curiosos de este disco fue el lanzamiento de su versión en español, «Sonrisa Salvaje». La idea fue de Billy Sheehan, quien había leído que más de la mitad de la población mexicana en EE.UU. tenía entre 18 y 27 años, lo que representaba un mercado potencial enorme. Roth decidió regrabar todas sus voces en español, con la ayuda de un tutor para adaptar algunas frases y evitar ofender a la audiencia hispanohablante más conservadora, pero el resultado fue desastroso. Las traducciones eran forzadas, la pronunciación de Roth dejaba mucho que desear y el disco terminó siendo un fracaso absoluto. «Sonrisa Salvaje» se lanzó en vinilo y casete, pero fue retirado casi de inmediato, convirtiéndose en una rareza difícil de encontrar. No se reeditó en CD hasta 2007. Tras el lanzamiento del segundo trabajo en solitario de DLR, «Skyscraper» en 1988, Billy Sheehan dejó la banda por diferencias musicales. Poco después, se unió a otros músicos virtuosos para formar Mr. Big, con quienes alcanzó el éxito a principios de los 90. Como hemos comentado muchas veces, Sheehan a trabajado con una gran cantidad de artistas a lo largo de su carrera, incluyendo a este talentoso guitarrista japonés con el que colaboró llamado Kuni.

Kuni, seudónimo de Kuni Takeuchi, guitarrista japonés conocido por lanzar varios álbumes con la colaboración de músicos de la escena hard rock de los años 80 en Norteamérica. Su primer álbum, «Masque», fue lanzado en 1986 a través de Polydor Records y contó con la participación de los vocalistas Kal Swan (ex-Lion, Bad Moon Rising), John Purdell (productor y teclista que en este caso asumió el rol de cantante) y Neil Turbin (ex-Anthrax), quien además escribió las letras del disco. Según Turbin, las canciones fueron inicialmente concebidas para un posible proyecto en conjunto, aunque finalmente solo interpretó un tema. El álbum incluyó varias piezas instrumentales y reunió a un elenco de músicos reconocidos, como los bajistas Billy Sheehan (DLR, Talas) y Chuck Wright (Quiet Riot, House of Lords), los baterías Frankie Banali (Quiet Riot) y Mark Edwards (ex-Steeler, Lion), además del teclista japonés Ryo Okumoto, quien más tarde se uniría a Spock’s Beard. En 1988, Kuni lanzó su segundo álbum, «Looking for Action», nuevamente bajo Polydor Records y con producción de Dana Strum (bajista de Slaughter). En esta ocasión, decidió trabajar con una banda estable en lugar de múltiples colaboraciones. El álbum contó con Jeff Scott Soto como vocalista, Mike Terrana en la batería y Douglas Taylor Baker en el bajo. Sin embargo, algunas fuentes indican que Bobby Rock (Lita Ford, Nelson) fue quien grabó las baterías del disco, mientras que Terrana participó en la gira posterior. Con la llegada del grunge en los años 90, el hard rock perdió popularidad y Kuni desapareció de la escena hasta el año 2000, cuando lanzó «Fucked Up». Este álbum recuperó el sonido clásico del hard rock ochentero, pero con una producción más actualizada, e incluyó la participación de músicos como Billy Sheehan y Eric Singer. En 2010, se publicó «Rock», un álbum que recopilaba demos inéditas, algunas de ellas con la voz de Mark Boals (ex-Yngwie Malmsteen). En 2020, se dio a conocer que Kuni Takeuchi había sido diagnosticado con cáncer, noticia que fue anunciada en redes sociales por el baterista Frankie Banali, quien colaboró en varios de sus álbumes. Desafortunadamente Banali falleció ese mismo año. Un genial batería que entre sus muchas colaboraciones incluye esta con otro virtuoso guitarrista llamado Alex Masi.

Alex Masi, guitarrista italiano que estudió en el Conservatorio Superior de Música de Verona. A principios de los años 80 se mudó a Londres, donde tocó con varios músicos de la escena NWOBHM. En 1984, de regreso en Italia, formó la banda de heavy metal Dark Lord, con quienes grabó dos EP y realizó giras como telonero de varios grupos importantes de la época. En 1986 fue invitado por Metal Blade Records a mudarse a Los Ángeles y unirse a la banda Sound Barrier. Más tarde fundó su propia banda, Masi. El primer álbum bajo este nombre, «Fire in the Rain», se publicó en 1987. Un año después lanzó «Downtown Dreamers», que tuvo cierta repercusión gracias a la emisión de uno de sus videos en MTV durante varios meses.

En 1989 lanzó su primer trabajo en solitario, «Attack of the Neon Shark», nominado al Grammy como Mejor Álbum de Rock Instrumental. En este disco, Masi se encargó de todos los instrumentos con la ayuda de Frankie Banali en la batería. Este trabajo incluye un solo tema cantado, «Under Fire», que cuenta con la participan el vocalista Jeff Scott Soto, el guitarrista de King Kobra David Michael Phillips, ocupándose del bajo y las guitarras adicionales y los guitarristas Kuni y el ídolo de Masi, Allan Holdsworth, ambos colaborando con solos en la canción. Su segundo álbum en solitario, «Vertical Invader» (1990), contó con John Macaluso en la batería y con Masi a cargo del resto de los instrumentos. En 1995 publicó «Tales From The North», con más temas cantados que instrumentales, acompañado por un batería y un vocalista poco conocidos dentro de la escena. En 1997 lanzó otro álbum bajo el nombre de Masi, con el mismo vocalista y un bajista distinto, incluyendo versiones de «Easy Living» de Uriah Heep, «Living for the City» de Stevie Wonder y el «Ave Maria» de Schubert. En 1999 inició una trilogía de álbumes dedicados a compositores clásicos con «In the Name of Bach», seguido por «In the Name of Mozart» (2003) e «In the Name of Beethoven» (2005), donde interpretó piezas con guitarra clásica y eléctrica. Durante este período, en 2001, lanzó «Eternal Struggle», su último álbum bajo el nombre de Masi, con la misma formación que en los discos anteriores. En 2006 publicó «Late Nights at Desert Rimrock», acompañado por John Macaluso en la batería, con un enfoque más progresivo y jazzístico. En 2010 lanzó «Theory of Everything», un álbum instrumental que fusiona música electrónica y guitarra, seguido en 2013 por «Danger Zone», con un sonido aún más orientado hacia la electrónica. Además de su carrera en solitario y con Masi, formó parte del trío MCM junto a Randy Coven en el bajo y John Macaluso en la batería. Juntos publicaron dos álbumes: «Ritual Factory» (2004) y el directo «1900 Hard Times» (2007), con una fuerte presencia de improvisación. También participó en la banda ficticia Black Roses, creada para la película de los 80 del mismo nombre y con cuya banda sonora continuamos.

Black Roses fue una banda creada específicamente para la banda sonora de la película homónima de 1988, siguiendo la tradición de otras bandas ficticias como Steel Dragon en «Rock Star» o The Dudes of Wrath en «Shocker». Además de los temas interpretados por este grupo, la banda sonora incluía canciones de Bang Tango, Lizzy Borden, Tempest, Hallow’s Eve, King Kobra y su guitarrista, David Michael Phillips. La formación de Black Roses es un tanto confusa. Según parece, la banda estaba compuesta por Chuck Wright (ex Quiet Riot y House of Lords) en el bajo, Alex Masi en la guitarra en dos temas compuestos por él, Mark Free (ex King Kobra) en la voz, Mick Sweda (también ex King Kobra) en la guitarra, Elliot Solomon en los teclados y Carmine Appice (King Kobra) en la batería y dirección musical. Mark Free dejó King Kobra en 1986 y Sweda en 1987, por lo que es probable que ambos aceptaran la oferta de su antiguo compañero para participar en el proyecto. La banda sonora incluía el tema «Take It Off» de King Kobra, que también apareció en su álbum «King Kobra III» de 1988. La película cuenta la historia de unos demonios que llegan a un pueblo haciéndose pasar por una banda de heavy metal para hipnotizar al público. Se estrenó en DVD en 2007. Entre sus curiosidades, el actor principal, que interpretaba a un adolescente, tenía 28 años en ese momento, y Carmine Appice aparece en los créditos bajo el nombre de Vinny Apache. Y precisamente él nos lleva a la siguiente banda, King Kobra.

King Kobra, banda de la que también se habló en otra entrada de Rock en Cadena, se formó en 1984 bajo la dirección del batería Carmine Appice, acompañado por Mick Sweda y David Michael-Philips en las guitarras, Mark Free en la voz y Johnny Rod en el bajo. Con esta formación, y bajo el sello Capitol Records, lanzaron «Ready to Strike» en 1985 y «Thrill of a Lifetime» en 1986. Tras la disolución de la formación original en 1988, Carmine Appice y David Michael-Philips se unieron al vocalista Johnny Edwards (futuro miembro de Foreigner), al guitarrista Jeff Northrup y al bajista Larry Hart, ambos provenientes de la banda Northrup. Ya fuera de capitol Records, esta alineación lanzó en 1988 King Kobra III, cuya portada presentaba a Sarah Appice, esposa de Carmine, quien también apareció en el videoclip promocional del álbum. Johnny Rod, ex bajista de la banda, colaboró en los coros. En este trabajo se incluyeron dos temas que originalmente fueron demos de Kiss y que Wendy O. Williams grabó en su álbum «WOW» en 1984. Tras este lanzamiento, y en gran parte debido a las escasa ventas del álbum, la banda se disolvió. En 1999 se publicó «The Lost Years», un recopilatorio de demos de sus tres primeros álbumes. En 2001 lanzaron «Hollywood Trash», con Kelly Keeling (ex Baton Rouge, John Norum, Michael Schenker) en la voz, Steve Fister en la guitarra y los miembros originales Carmine Appice y Mick Sweda. Este álbum, de orientación más rockera, incluyó tres temas ya grabados anteriormente por la banda, entre ellos «Take It Off», y una de sus canciones formó parte de la banda sonora del telefilm estadounidense «Chasing Destiny», protagonizado por Casper Van Dien. En 2010, la banda regresó con su formación original, excepto Mark Free, quien fue sustituido por Paul Shortino (ex Rough Cutt, Quiet Riot). En esta etapa, el guitarrista David Michael-Philips apareció bajo su nombre real, David Henzerling, nombre al que renunció nada más unirse a King Kobra cuando el mánager de la banda sugirió que cambiara su apellido de «Henzerling» a algo más «acorde» con Hollywood, por lo que se adoptó el seudónimo «Michael-Philips» (el uso de Philips proviene del segundo nombre de David). Con esta alineación, lanzaron «King Kobra» en 2011 y «King Kobra II» en 2013, ambos bajo Frontiers Records. Tras una pausa, la banda retomó la actividad en 2016 sin Mick Sweda y en 2018 publicaron el directo «Sweden Rock Live», grabado en 2016 en dicho festival con Jordan Ziff como nuevo guitarrista. En agosto de 2023, King Kobra lanzó «We Are Warriors», con los guitarristas Carlos Cavazo (ex Quiet Riot, Ratt) y Rowan Robertson (ex Dio). Siguiendo la conexión entre músicos, Mick Sweda nos lleva a la banda que fundó tras su salida de King Kobra en 1987, BulletBoys y que curiosamente formó junto al vocalista y el bajista que reemplazaron a Mark Free y Johnny Rod. Ellos tres, más Appice y David Michael-Philips visitaron España en dos míticos conciertos en diciembre de 1986 con Niagara como teloneros.

BulletBoys se formó en 1987 tras la salida de Marq Torien, Mick Sweda y Lonnie Vencent de King Kobra. La banda se completó inicialmente con el batería de sesión y de gira Marc Danzeisen. Tras meses de ensayos y actuaciones en los clubes de rock de Los Ángeles, Danzeisen dejó el grupo y fue reemplazado por Jimmy D’Anda, poco antes de que firmaran con Warner Bros. En 1988 lanzaron su álbum debut homónimo, producido por Ted Templeman, conocido por su trabajo con Van Halen. El álbum alcanzó el puesto 34 en el Billboard 200, con dos sencillos destacados: una versión de The O’Jays, que llegó al puesto 30 en el Mainstream Rock Chart y al 78 en el Billboard Hot 100, y otro tema que alcanzó el puesto 23 en el Mainstream Rock Chart y el 71 en el Billboard Hot 100. Ambos videoclips tuvieron una presencia constante en MTV. En 1991 lanzaron «Freakshow», nuevamente con Templeman como productor. Aunque el álbum solo alcanzó el puesto 69 en el Billboard 200, su sencillo, una versión de Tom Waits, llegó al puesto 22 en el Mainstream Rock Chart. En 1993 publicaron «Za-Za», su último álbum con Warner Bros. y Templeman. El título del álbum fue sugerido por el batería Jimmy D’Anda, inspirado en el personaje Joey Zasa de «El Padrino Parte III».

Este trabajo adoptó un sonido más cercano al rock alternativo, predominante en la época, pero no logró entrar en las listas de ventas, y sus sencillos tampoco tuvieron repercusión. Tras su lanzamiento, Sweda y D’Anda abandonaron la banda. El grupo continuó con nuevos miembros y en 1995 lanzaron «Acid Monkey», con Tommy Pittam en la guitarra y Robby Karras en la batería. Este álbum siguió la tendencia del rock alternativo con influencias del pop-punk. Poco después, la banda se disolvió. En 1998, BulletBoys se reformó con Torien y Vencent, sumando al ex batería de Guns N’ Roses, Steven Adler, y al futuro guitarrista de la misma banda, DJ Ashba. Sin embargo, en 1999 Ashba dejó el grupo, seguido poco después por Adler. En 2000 se publicó su primer álbum de grandes éxitos, «Burning Cats and Amputees». En 2003, Marq Torien, único miembro original, lanzó el álbum «Sophie» bajo el sello Metal Mayhem Music. Este disco mostraba una clara evolución en su sonido, alejándose del glam metal clásico de la banda y explorando un hard rock más moderno con tintes alternativos. A pesar de las expectativas, el álbum pasó desapercibido y no tuvo impacto en listas. Tras este lanzamiento, BulletBoys mantuvo una actividad intermitente con formaciones cambiantes y giras de menor escala. Torien trató de mantener la relevancia del grupo en un panorama musical dominado por el nu-metal y el post-grunge, aunque sin mucho éxito. En 2006, se lanzó «Behind the Orange Curtain», un álbum en vivo grabado en 2005 en un concierto en California. Este material buscaba reconectar con los fanáticos de la vieja escuela, pero no generó un gran impacto comercial. Durante esos años, Marq Torien siguió siendo la única constante en BulletBoys mientras diversos músicos entraban y salían de la banda. Entre ellos, destacaron nombres como Jason Hook (más tarde en Five Finger Death Punch) y Stephen Jude Mills, quienes pasaron por la guitarra en diferentes momentos. En 2009 lanzaron «10¢ Billionaire» un disco con un sonido más contemporáneo que intentaba encajar con las tendencias del rock alternativo de la época Sin embargo el álbum no tuvo demasiada repercusión y la banda continuó con constantes cambios de formación. En 2015 BulletBoys sorprendió con «Elefanté» un disco que si bien no recuperó la gloria de los 80 mostró una producción más cuidada y una combinación de hard rock clásico con elementos modernos. Tres años más tarde en 2018 BulletBoys grabó «From Out of the Skies» un álbum con un sonido más experimental y melódico. Curiosamente este trabajo fue registrado en los estudios de Stone Temple Pilots lo que dio un aire fresco a la producción. Uno de los momentos más esperados por los fans llegó en 2019 cuando se anunció la reunión de la formación original. Todo parecía indicar que BulletBoys estaba listo para recuperar su vieja gloria pero la reunión fue breve. En 2022 Sweda, Vencent y D’Anda abandonaron nuevamente la banda por diferencias con Torien lo que dejó a este último como único miembro original una vez más. A pesar de las salidas Marq Torien mantuvo vivo el nombre de BulletBoys con una nueva formación compuesta por Ira Black a la guitarra, Brad Lang al bajo y Fred Aching a la batería. A principios de 2024 Ira Black y Brad Lang dejaron la banda lo que llevó al regreso de Lonnie Vencent al bajo y la incorporación de Jake Faun en la guitarra. BulletBoys es un claro ejemplo de una banda que tuvo su momento de gloria cayó en el olvido y a pesar de los obstáculos ha seguido adelante Con un sonido que ha ido evolucionando múltiples cambios de formación y un líder inquebrantable como Marq Torien la banda sigue girando y lanzando música. Continuamos con el batería original de BulletBoys, Jimmy D’Anda, y su colaboración con un guitarrista legendario, ex miembro de Dokken y Lynch Mob. Nos referimos, por supuesto, a George Lynch.

George Lynch, excelente guitarrista del que ya hemos hablado en este blog, tanto en su etapa con Dokken como con su banda Lynch Mob. Pero esta vez nos centraremos en su faceta en solitario y más concretamente en este album de 2015 titulado «Shadowtrain», en el que es acompañado por el vocalista Gregg Analla, el bajista Gabe Rosales, el teclista Donnie Dickman y el batería Jimmy D’Anda. Las canciones de este doble álbum forman parte de la banda sonora de la película «Shadow Nation», un documental producido por Lynch y estrenado meses después que el álbum. Este film invita a la reflexión, abordando las dificultades y problemas a los que se enfrentan los nativos americanos en la sociedad actual.El documental sigue a George Lynch y al batería, artista y activista Vinnie Nicastro, junto con los músicos de la banda, en un viaje por carretera a través del suroeste de Estados Unidos. En una vieja camioneta con un remolque adaptado para transportar su equipo musical, paneles solares y material de campamento, recorren diversas reservas indígenas: apaches, navajos y hopis en Arizona; zuni y tewa en Nuevo México; shoshone en Nevada; utes en Utah y Colorado; y finalmente, los dakotas en el norte del país. Durante el trayecto, visitan comunidades y lugares que han sido (y siguen siendo) el epicentro del conflicto entre los pueblos nativos y los colonizadores. El documental presenta testimonios de activistas, artistas, chamanes, políticos, funcionarios gubernamentales, clérigos, maestros y habitantes de las reservas, en un viaje por carretera impulsado por la música.

En cuanto al álbum «Shadowtrain», es un trabajo variado con un sonido moderno que, si bien demuestra el talento de Lynch, se aleja de lo que sus seguidores más fieles esperan de él. Como ya he comentado en alguna entrada del blog, Lynch parece empeñado en experimentar con el metal moderno, un terreno que no termina de encajar con su esencia ni con la de su público. Más allá de su carrera en solitario y de su banda Lynch Mob, George Lynch no deja de involucrarse en nuevos proyectos. Uno de ellos es la banda de la que os hablo a continuación: The End Machine.

The End Machine es una banda formada por los ex-Dokken George Lynch (guitarra), Jeff Pilson (bajo) y Mick Brown (batería), junto al vocalista Robert Mason, ex-Lynch Mob y actual cantante de Warrant. Según Lynch, el objetivo del grupo era recuperar el sonido clásico de Dokken. El debut homónimo de The End Machine (previamente anunciado como «Superstroke») se lanzó el 22 de marzo de 2019 bajo el sello italiano Frontiers Records y fue producido por Jeff Pilson. Musicalmente, el álbum tiene claras influencias tanto de Dokken como de Lynch Mob, aunque sin llegar a la grandeza de los clásicos de ambas bandas. Durante la gira de 2019, Mick Brown fue reemplazado temporalmente por Will Hunt, batería de Evanescence. Poco después, Brown dejó la banda de manera definitiva y su lugar fue ocupado por su hermano menor, Steve Brown. Con esta formación, el grupo grabó su segundo álbum, «Phase2», lanzado el 9 de abril de 2021, nuevamente con la producción de Pilson y bajo el sello Frontiers. El 8 de marzo de 2024, The End Machine publicó su tercer álbum, «The Quantum Phase», repitiendo tanto compañía como productor, así como la incorporación de un nuevo vocalista, Girish Pradhan en sustitución de Robert Mason. Y con el productor y bajista de The End Machine, Jeff Pilson, cerremos el circulo de este episodio de Rock en Cadena. Como ya sabéis, Pilson es el actual bajista de la banda protagonista de esta entrada: Foreigner.

Espero que os haya gustado. Y recuerda, sube el volumen y disfruta!!…Un saludo, y hasta la próxima!!

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Bienvenidas y Bienvenidos a una nueva entrada de Rock en Cadena. Volvemos con el segundo episodio del año dedicado a un músico solista, considerado como uno de los mejores guitarristas dentro del hard rock y el heavy metal. «Creador» y figura máxima del llamado metal neoclásico es considerado por muchos como un ególatra, engreído, excéntrico y tirano, a la vez que un genio y todo un referente para cientos de miles de jóvenes guitarristas que allá por los 80 siguieron sus pasos. El es Yngwie Malmsteen.

Su primeros pasos en Suecia.

Yngwie Johan Malmsteen o Yngwie J. Malmsteen nacido en Estocolmo el 30 de junio de 1963 como Lars Johan Yngve Lannerbäck. Con tan solo 10 años, Malmsteen formó su primera banda, llamada Track on Earth, compuesta por él mismo y un amigo de la escuela que tocaba la batería. A los 12 años, tomó el apellido de soltera de su madre, Malmsten, como su apellido, para mas tarde cambiarlo a Malmsteen y alteró su tercer nombre de pila, Yngve, a Yngwie. Durante su adolescencia Yngwie estuvo fuertemente influenciado por la música clásica, más concretamente por el virtuoso violinista y compositor italiano del siglo XIX Niccolò Paganini, así como por Johann Sebastian Bach. Al mismo tiempo descubrió su influencia más importante en la guitarra, Richie Blackmore. El 18 de septiembre de 1970, tras ver en las noticias el anuncio de la muerte de Jimi Hendrix acompañada con imágenes de este rompiendo y quemando su guitarra en el Monterey Pop Festival de 1967, Malmsteem, alejado por completo del estilo de Hendrix, decidió ese día dedicarse en cuerpo y alma a la guitarra.

«Ver a Jimi Hendrix quemando su guitarra en el escenario me dio ganas de tocar la guitarra. Lo juro por Dios, esa fue la razón principal. Se veía tan jodidamente increíble.»

Yngwie Malmsteen.

A finales de 1977 forma su primera banda «seria» llamada Powerhouse (también conocida como Rising o Rising Force), donde coincidió con el bajista Marcel Jacob y en la que por un tiempo militó Ian Haugland, tiempo después batería de Europe , al igual que otro Europe, el bajista John Levén. A los dieciocho años es reclutado por el ejército (el servicio militar en Suecia es obligatorio), pero es descartado por ser «psicológicamente inestable». Más tarde consigue ganar un concurso realizado por la compañía discográfica CBS Suecia, que consistía en doce horas de grabación. Los temas que grabó fueron «Far beyond the Sun» y «Now Your Ships Are Burned». Según cuenta el propio Yngwie él mismo grabó la batería. La compañía discográfica quería que las canciones estuvieran cantadas en sueco para que fueran más accesibles al público, pero no se llegó a un acuerdo, y las pistas nunca se publicaron. A principios de 1982, Malmsteen envió una demo al productor, mecenas y cazatalentos americano Mike Varney, que escribía una columna en la revista Guitar Player llamada «Spotlight» donde comentaba demos de jóvenes talentos. La demo estaba compuesta por temas en vivo de un concierto (Woodstockholm), «Now Your Ships Are Burned», de la sesión para la CBS sueca y un tema que había grabado en su estudio casero en el que tocaba todas las guitarras, la batería, los teclados y el bajo, la canción era «Black Star». Varney, ya conocía de la existencia de Yngwie a través de otra demo, de la cual quedó impresionado con la manera de tocar de Malmsteen, sin embargo el coste de llevar al guitarrista desde Europa a los Estados Unidos era muy alto y Varney, que era apenas un veinteañero que acababa de fundar su propio sello discográfico, Shrapnel Records, no lo vio claro. Seis meses después Varney recibió una nueva demo del sueco, su sello empezaba a funcionar, así que decidió que era el momento de llevarlo a los Estados Unidos. Antes de su marcha Malmsteen recibió llamadas de los managers de Kiss y Night Ranger. Según parece la diferencia entre el sistema métrico norteamericano y el europeo hizo que Yngwie no acabara con la cara pintada.

Un viaje de ida.

«Era muy posible que después de una semana me encontrara de nuevo en un
vuelo de regreso a Suecia, así que no me llevé casi nada: solo una guitarra, mi cepillo de dientes, y un par de jeans metidos dentro de mi estuche de guitarra.»

Yngwie Malmsteen.

En principio Varney quería que Yngwie hiciera un disco instrumental junto a Billy Sheehan y Warren Haynes, sin embargo Ron Keel, vocalista de Steeler, banda que acababa de firmar por Shrapnel Records, le pidió a Varney que Malmsteen fuera el nuevo guitarrista de la banda. Unirse a Steeler, con los que grabó su álbum homónimo de 1983, sirvió a Yngwie para darse a conocer en el mercado estadounidense. Tenía tan solo 19 años. Poco después del lanzamiento del álbum Malmsteen dejo el grupo.

«Miré por la ventana del camerino del segundo piso antes del concierto (con Steeler), y en la calle había una fila de personas que se extendía por toda la calle. Pensé: “Guau, me pregunto quién tocará esta noche”. Le pregunté a una de las personas del backstage: «¿Quiénes son las estrellas de esta noche?» El tipo me miró y dijo: “Tú”.

Yngwie Malsteen.

Yngwie se unió a Alcatrazz, el nuevo proyecto del ex vocalista de Rainbow, Graham Bonnet, con los que grabó su álbum debut de 1983 «No Parole from Rock ‘n’ Roll» y el álbum en vivo de 1984 «Live Sentence». A pesar de tener apenas 20 años el ego de Yngwie empezaba a surgir, chocando con el de Bonnet por el liderazgo de la banda, lo que acabó con el despido del guitarrista sueco después de agredir a Graham Bonnet tras un concierto. Yngwie asegura que Bonnet le desconectó la guitarra mientras realizaba un solo y Bonnet, que simplemente tropezó con el cable. Debido a la popularidad de Alcatrazz en Japón, la filial de Polydor en el país nipón propone un contrato en solitario a Yngwie para lanzar exclusivamente en ese país un álbum instrumental, grabado entre conciertos y grabaciones con su banda Alcatrazz.

«Nunca había estado en Japón y no tenía idea de cómo era la escena de la música rock allí. Estaba alucinada. Cuando llegamos allí, era como si los malditos Beatles hubieran aterrizado.»

Yngwie Malmsteen.

A pesar de la insistencia de la compañía en que su álbum debut fuera instrumental Yngwie consiguió «colar» dos temas vocales. Ese álbum fue «Rising Force» lanzado a finales de 1984 con el propio Malmsteen ocupándose de la guitarra, el sintetizador, el bajo y la producción acompañado por el batería de Jethro Tull Barriemore Barlow, el teclista sueco Jens Johansson y el vocalista Jeff Scott Soto. Inmediatamente después de mezclar «Rising Force» (no hubo ninguna gira ni presentación del álbum) Yngwie se embarcó en lo que sería su primer trabajo a nivel mundial. Pero sucedió algo curioso, el trato original para el álbum «Rising Force» era que este iba a ser un lanzamiento exclusivo para los fans japoneses, ya que todavía era miembro de Alcatrazz, y, de hecho, «Rising Force» se lanzó en Japón mucho antes de su salida de la banda. El álbum se lanzó en los Estados Unidos como un disco de importación, sin ninguna promoción pero aún así aterrizó en las listas de Billboard en el número sesenta. Rápidamente se corrió la voz sobre el álbum, y los fans comenzaron a pedirlo en las tiendas de discos. Debido a esa gran demanda Polygram Worldwide decidió que era mejor publicar el álbum a nivel mundial. El álbum alcanzó el puesto 14 en la lista de álbumes suecos además de recibir una nominación a Mejor interpretación instrumental de rock en los premios Grammy de 1986.

Yngwie J. Malmsteen´s Rising Force (como se dio a conocer desde su primer trabajo) lanzó el 19 de agosto de 1985 «Marching Out» a través de Polydor Records. El álbum alcanzó el puesto 52 en el Billboard 200 de EE.UU. permaneciendo en esa lista durante 28 semanas, además de llegar al top 30 en Suecia y Holanda. Uno de los temas del álbum, «On the Run Again», era una nueva versión de «Victim of the City», un tema escrito en 1983 por la anterior banda de Malmsteen, Steeler, que posteriormente fue lanzada en su álbum recopilatorio de 2005 «Metal Generation: The Steeler Anthology». Para la grabación de «Marching Out» Yngwie reclutó al hermano de Jens Johansson, Anders, para tocar la batería y al bajista Marcel Jacob, además de volver a contar con la voz de Jeff Scott Soto. Con esa formación se realizó una gira por los Estados Unidos y Europa, para más tarde viajar a Japón, donde los conciertos tuvieron una gran acogida. Tanto es así que también en 1985 se publica el VHS «Rising Force: Live ’85», grabado el 24 de enero de ese mismo año en el Nakano Sun Plaza de Tokyo, durante el Rising Force world tour, la gira del anterior álbum. Soto, Jacob y los hermanos Johansson acompañaban al virtuoso guitarrista, interpretando temas de los dos primeros trabajos de Yngwie más dos temas de Alcatrazz.

Todo iba bien, pero a mitad de la gira Jeff Scott Soto decidió abandonar el grupo para buscar nuevos retos. Para concluir la gira se contrató al vocalista Mark Boals (quien en 1982-83 fuera bajista de gira de Savoy Brown y en 1984 de Ted Nugent). Además de Soto el bajista Marcel Jacob (Marre como lo llama Yngwie) también abandonó la gira de forma repentina antes de un concierto en Miami cuando abrían para AC/DC. Al parecer tuvieron unos días libres antes del concierto pero el día del show Jacob no apareció. Yngwie se negó a subir al escenario sin bajista hasta que el tour manager pudo encontrar un bajista profesional en la ciudad llamado Wally Voss, quien salvó el concierto y acabó uniéndose a la banda de Yngwie para el resto del tour.

En cuanto a Jacob, según cuenta el propio Malmsteen, voló a Estocolmo el mismo día que el lo hacia hacia el show de Miami, llevándose también todo el equipo de grabación de Yngwie, además de las demos que había hecho en Suecia a principios de 1980 junto a Jacob. En realidad Malsmteen había comunicado a Jacob que tras la gira no seguiría en la banda debido su carácter «cambiante». Los problemas con Jacob no fueron solo esos, Yngwie recuerda que lo invitó a unirse a la banda en los Estados Unidos y que este llegó de Suecia con las manos vacías, teniéndole que prestar un bajo para grabar el álbum y realizar la posterior gira, algo que Jacob «agradeció» lanzando el bajo al público en uno de los conciertos. Diez años después Marcel Jacob colaboró en un disco de versiones de Yngwie y este a su vez colaboró en la banda de Soto y Jacob Human Clay, e incluso tocó en varios concierto en Suecia junto a él y a varios ex miembros de la banda de Yngwie. Conciertos en los que, siempre según Yngwie, Jacob se quedó con gran parte del dinero pagado por los promotores. Después de esto la relación entre ambos había terminado o eso creía Yngwie hasta que descubrió que después Jacob publicó en cd las demos que había grabado en Suecia junto a el, en una primeriza versión de Rising Force, a pesar de no tener derechos de autor, de
propiedad o permiso legal para hacerlo. En 2003, Yngwie lo demandó y a su vez recibió una contrademanda de Jacob por impedirle publicar ese material.

Con Mark Boals como vocalista se publica el 4 de Marzo de 1986 el tercer trabajo de Yngwie Malmsteen titulado «Trilogy». Esta vez en la portada se suprime la palabra Risinig Force, apareciendo tan solo Yngwie J. Malmsteen. De nuevo los hermanos Johansson se ocupan del teclado y la batería con Yngwie encargándose una vez más del bajo y la producción. Para promocionar el álbum se grabó un videoclip para el tema «You don´t remember, I´ll never forget», donde Boals aparece con una estética más acorde a la época y el pelo mucho más largo y encrespado…según Yngwie, era una peluca. Uno de los temas del álbum, «Liar» (mentiroso) está dedicado a Marcel Jacob. Para la gira Wally Voss vuelve a ocuparse del bajo. El tour de «Trilogy» fue bastante corto (ni siquiera visitaron Europa) además de accidentado, Boals abandonó la gira al parecer por problemas con Yngwie, que asegura que Mark dejó a un lado sus dotes vocales y su compromiso con la música cuando comenzó a comportarse como una «rockstar». Jeff Scott Soto completo las fechas del tour.

«Me estaba preparando en el camerino para filmar el video y vi lo que pensé que era una chica bajita con cabello largo. Pero cuando se dio la vuelta, vi que era Mark con una peluca enorme.»

Yngwie sobre Mark Boals en la grabación del video «You don´t remember».

El accidente…y algunas desgracias más.

En la mañana del 22 de junio de 1987, aproximadamente una semana antes de su vigésimo cuarto cumpleaños Yngwie sufrió un accidente automovilístico estrellando su Jaguar V12 E-Type contra un árbol. Yngwie no llevaba el cinturón de seguridad, así que su cabeza golpeó el volante partiéndolo en dos produciéndole una conmoción cerebral masiva con sangrado dentro del cerebro dejándolo en coma durante casi una semana. Yngwie fue dado de alta, pero el coágulo estaba provocando un retraso en los impulsos disparados a lo largo de las vías neurales hasta los músculos de su mano derecha. Finalmente el coágulo desapareció y tras largas sesiones de rehabilitación su mano volvió «a la vida». Mientras estaba en el hospital tratando de recuperarse, descubro que no se había pagado el seguro de su automóvil (averiado), y que por lo tanto era una pérdida. Cuando las facturas del hospital comenzaron a aumentar, se descubrió que su manager, Andy Trueman, había estado desviando importantes cantidades de las ganancias de Yngwie a sus propias cuentas privadas, dejándome sin nada en el banco y sin seguro de ningún tipo. Trueman fue despidió de inmediato, pero eso no sirvió para reemplazar todo el dinero que había desviado.

El 1 de octubre de 1987, tres meses después del accidente automovilístico, un terremoto de 6,9 en la escala de Richter (conoció como el terremoto de Whittier Narrows) sacudió el área de Los Ángeles. A principios de 1988 la madre de Yngwie murió de cáncer y un año más tarde su abuela también murió, ambas fueron muy importantes en la infancia de Yngwie. Meses después del fallecimiento de su abuela su hermano Bjorn murió en un accidente de tren. Todo esto hizo mella en Yngwie, refugiándose cada vez más en el acohol y las drogas.

Tiempos de gloria.

El 8 de abril de 1988 se lanza «Odyssey», cuarto álbum de estudio de Yngwie Malmsteen (de nuevo bajo el nombre de Yngwie J. Malmsteen´s Rising Force). El álbum alcanzó el número 40 en el Billboard 200 de EE.UU. permaneciendo en dicha lista durante dieciocho semanas, además de convertirse en disco de oro en Suecia y alcanzar el top 50 en otros cinco países. A día de hoy sigue siendo el lanzamiento de Malmsteen que más alto ha llegado en las listas del Billboard 200. Yngwie contó con dos «estrellas» de talla mundial para el álbum, el bajista Bob Daisley (Rainbow, Black Sabbath, Ozzy), que tan solo participó en cuatro temas siendo Yngwie el encargado de tocar el bajo en el resto de pistas y la producción y el vocalista Joe Lynn Turner (Rainbow, Deep Purple) como nuevo vocalista, aunque la primera opción que se barajó fue la del cantante de Odin Mark Weitz. Los hermanos Johansson seguían ocupándose de la batería y el bajo. La compañía «exigió» a Yngwie temas más asequibles para la radio comercial e incluso sugirió la creación de una banda de acompañamiento norteamericana con Joe Lynn Turner, Bob Daisley y el batería Eric Singer. A pesar del éxito del álbum Yngwie y los hermanos Johansson han expresado su decepción con «Odyssey», ellos alegando que este trabajo es algo «light» e Yngwie asegurando que todo el proceso al rededor del álbum se le escapó de las manos, debido en gran parte a su adicción al alcohol y toda la serie de sucesos a nivel personal con los que tuvo que lidiar. A todo esto, hay que añadir el choque de egos entre Malmsteen y Turner quien también vivía en esos momentos atrapado por el alcohol y otras sustancias. Años después ambos vivieron un cruce de declaraciones acerca de la participación o no de Turner en el álbum.

«Era la discográfica la que quería que fuera más comercial. Yngwie quería hacer cosas más parecidas al primer álbum, más progresivas y de fusión. La discográfica quería el nuevo Bon Jovi. Querían ganar dinero, pero nadie en la banda realmente quería tocar ese estilo. Tampoco queríamos crear malas vibraciones con el sello. Nos amenazaron con no apoyar el álbum si no éramos más comerciales.»

Anders Johansson sobre el álbum «Odyssey».

«El álbum ‘Odyssey’ fue su mayor éxito y no lo ha vuelto a repetir hasta este momento. Es innegable que soy responsable del 50% de los créditos de la composición, es decir, de la melodía y las letras y el 100% de las interpretaciones vocales».

«Dejé ‘Rising Force’ debido a su intolerable y retorcido ego».

Joe Lynn Turner.

«Todas las canciones tenían riffs que había escrito antes de que trajeran a Joe, por lo que no puede atribuirse el mérito. Agregó palabras a «Dreaming», «Now Is the Time» y «Heaven Tonight», pero eran mis melodías. Ciertamente, su estilo de canto le dio un giro comercial a las canciones».

Yngwie sobre la autoría de los temas de Joe Lynn Turner.

La gira del álbum recorrió Europa, Japón y Estados Unidos en más de 100 shows desde el 10 de abril de 1988 al 9 de febrero de 1989. Barry Dunaway fue el bajista de la gira. Curiosamente Polygram había vendido los derechos del álbum «Trilogy» al sello estatal soviético Melodiya, por tres mil dólares y vendió catorce millones de copias. Evidentemente Yngwie no vio un dólar (o un rublo) por ello. El 12 de octubre de 1989 se publica el álbum en vivo «Trial by Fire: Live in Leningrad» grabado durante dos meses de gira de ese mismo año por la Unión Soviética, con veinte espectáculos, nueve en el estadio SKK de Leningrado (ahora San Petersburgo) y once en el Estadio Olímpico de Moscú: dieciocho mil asientos vendidos todas las noches durante once noches seguidas. El álbum alcanzó el puesto 31 en la lista de álbumes suecos y el puesto 128 en el Billboard 200. La edición en VHS fue lanzada el 11 de julio de 1991 y reeditada en DVD en Japón el 12 de diciembre de 2006.

Cuando la gira finalmente terminó, los miembros de la banda tomaron caminos separados, disolviéndose poco después. Yngwie regresó a Nueva York y junto a su nuevo manager (Nigel Thomas) visitaron a su contable, pero las cuentas estaban claras: tan solo le quedaban 18 dólares, sin casa, sin automóvil, sin tarjetas de crédito,sin seguro. Esto es a pesar del hecho de que «Odyssey» se había convertido en disco de oro, que estaba subiendo en las listas y sonando en la radio, y que acababa de hacer una gira por los Estados Unidos y Japón. En realidad todo el dinero que se había generado sirvió para pagar el lujoso estilo de vida que todo el grupo había llevado. Antes de la llegada de Nigel, Polygram contrató a Larry Mazer como gerente de Yngwie. Para la gira de «Odyssey», Malmsteen llevaba dos guardaespaldas, un gerente de gira, un asistente de gerente de gira, un asistente de gira contable, un agente de prensa, dos directores de escena, un técnico de guitarra, un técnico de batería, un técnico de teclados, un técnico de bajo,un técnico de monitores y, además de eso, cuatro autobuses y seis semirremolques para transportar sus propios equipos de iluminación, equipo de escenario, etc. A pesar de que la gira había terminado su nuevo manager consiguió una nueva gira por Europa en la que finalmente se ganó algo de dinero. Gracias a Nigel, tanto la carrera de Yngwie como su estabilidad financiera estuvieron aseguradas por primera vez en años.

Los terribles años 90.

La década de 1990 empezó con buen pie, pero una vez que el movimiento grunge se afianzó en Estados Unidos el rock melódico y los guitarristas virtuosos pasaron a un segundo plano. Pero en otros lugares, especialmente en Japón, el rock neoclásico y el virtuosismo de la guitarra seguían siendo importantes, y Malmsteen era muy popular allí, además de contar con una enorme base de fans. De hecho, los contratos discográficos que obtuvo en Japón durante la década de 1990 le ayudaron a mantenerse en el negocio, mientras que muchas otras bandas y guitarristas en los Estados Unidos estaban desaparecieron del negocio de la música.

En 1990 Yngwie recluta una nueva banda de músicos suecos con los que graba y publica su quinto álbum de estudio, «Eclipse». El álbum alcanzó el número 112 en el Billboard 200 de EE.UU. permaneciendo allí durante seis semanas, alcanzando de nuevo el top 50 en otros seis países. Los compatriotas de Yngwie eran el vocalista Goran Edman, el teclista Mats Olausson, el bajista Svante Henryson y el batería Michael Von Knorring quien dejó el grupo después del lanzamiento del álbum siendo reemplazado por Pete Barnacle para la gira. En marzo de 1991 Yngwie dejó Polygram Records y firmó un contrato con Elektra Records. Dos meses después, el 8 de mayo, se casó con la cantante pop sueca Erika Norberg, pero su matrimonio apenas duró un año. En noviembre de 1991 su antigua discográfica lanza el primer álbum recopilatorio de Yngwie titulado «The Yngwie Malmsteen Collection». Un año más tarde apareció en VHS con todos los videos de la época de Malmsteen en Polygram. En 1998 se reeditó en DVD.

El siguiente álbum publicado con Elektra Records fue «Fire & Ice» lanzado el 7 de febrero de 1992. El álbum encabezó la lista de álbumes japoneses, logrando el disco de oro, alcanzó el puesto 121 en el Billboard 200 de EE.UU. ubicándose entre los 90 primeros en los Países Bajos, Suecia y Suiza. Los músicos fueron los mismos que en «Eclipse» excepto en la batería donde Bo Werner se ocupó de ella excepto en un tema donde tocaba Michael Von Knorring. En enero de 1993, el manager de Yngwie, Nigel Thomas, murió repentinamente de un infarto y poco después, su compañía discográfica, Elektra, lo despidió (al igual que otros muchos músicos de rock cuando la locura del grunge se apoderó del negocio). Una vez más, Malsmteen estaba sin manager y sin contrato discográfico. Un viejo amigo suyo de sus días de Polygram, Jim Lewis, apareció en su vida, convirtiéndose en su nuevo manager. La banda de músicos suecos que acompañaban a Yngwie se disolvió tras el tour. Goran Edman denunció a Malmsteen por los derechos de autor de varios de los temas de «Eclipse» y «Fire and Ice». Finalmente Yngwie tuvo que pagar.

«A veces él garabateaba algo, algunas palabras aquí y allá; esta canción va a ser sobre esto o aquello, y luego yo tenía que completar las palabras. Él más o menos tenía el título de la canción. Creo que tengo créditos en 12 canciones. Incluso tuve que amenazarlo con demandarlo.»

«El proceso duró tres años más o menos antes de que lográramos que pagara el dinero. Si hubiera pagado yo mismo un abogado me habría costado una fortuna. Pero la asociación de música sueca me ayudó a financiar todo el pleito».

«Después del último concierto de Seattle le di la ropa que llevaba en escena a un par de personas del público. Sabía que se había acabado. Por entonces también había demandado a Yngwie.»

Goran Edman, ex vocalista de Yngwie.

En 1993 Yngwie se casa de nuevo, esta vez con Amber Dawn Landin. La boda se celebró en un castillo de Estocolmo a finales de ese año, concretamente el 26 de diciembre de 1993. Amber asegura que Malmsteen no la dejó invitar a su familia, y que las damas de honor eran tres chicas que habían ganado un concurso del fanclub de Malmsteen. La relación de Yngwie con Amber comenzó en mayo de 1992, Amber, que en aquel entonces tenía 17 años, y su madre fueron a un concierto de rock en Phoenix encabezado por Yngwie Malmsteen que en aquel momento tenía 30 años y su momento de gloria en los EE.UU ya había pasado, aunque el disco publicado ese año «Fire and Ice», vendió 100,000 copias en Japón el día de su debut. Amber consiguió el número de teléfono de Malmsteen y viceversa. La pareja se mantuvo en contacto los siguiente meses, y cuando Amber cumpilo dieciocho años en el mes de julio, Yngwie fue a buscarla llevándola a su casa de Miami.

«Tenía todas mis esperanzas y sueños puestos en el amor. Aquí estaba él, dándome el amor y la atención que yo estaba pidiendo, pero luego empezó a golpearme, seis semanas después de mudarme a su casa. Me gustaba la agresión cuando teníamos sexo, pero no que me golpeara.”

Amber Dawn, ex esposa de Yngwie.

Amber asegura que ella y Malmsteen tomaban cocaína y otras drogas con regularidad, mientras que la violencia iba aumentando a medida que pasaba el tiempo. En agosto del 1993 la madre de Amber llamó a la policía de Miami acusando a Malmsteen de estar reteniendo a su hija a punta de pistola en la casa del sueco. Un equipo del SWAT rodeó la casa, y tras cuatro horas de asedio, Malmsteen, en albornoz, se rindió a la policía. Amber se negó a presentar cargos, por lo que la acusación de asalto con premeditación fue desestimada. A pesar del «llamativo» incidente, este no significó el final de la relación tempestuosa de la pareja. Amber comentó también que viajó junto a Yngwie en varias giras, y que la humillaba delante de sus compañeros de grupo y de sus invitados.Durante la relación, Amber escribió la letra de la canción de Malmsteen, «Prisoner of Your Love». Su nombre aparece en los créditos pero asegura que nunca recibió ningún royalty. Además Amber declaró que Malmsteen cambió la letra original, «convirtiendo una canción sobre un encierro en una ñoña canción de amor.» Al parecer Amber ganó el juicio por el que le dieron 300.000 dólares, cuando su matrimonio con Malmsteen terminó en abril de 1998.

«Me convertí en un animal, un animal borracho y drogado. No estaba bien y él me ponía más enferma.»

Amber Dawn, ex esposa de Yngwie.

Pero claro, toda historia tiene dos versiones y la de Malmsteen es muy diferente, en ella asegura que Amber era simplemente una «groupie» y que su relación fue un infierno. Según Yngwie su esposa destrozó sus coches y los coches que él seguía comprando para ella cuando esta conducía ebria siendo detenida en varias ocasiones. Además de esto Yngwie habla en sus memorias de infidelidades por parte de su ex esposa y que incluso durante su matrimonio ella trabajaba como stripper en un conocido local de Miami. Como siempre en estos casos es difícil saber la verdad pero hay una cosa clara, Yngwie siempre fue absuelto de cada denuncia de su mujer y que esta, tras su matrimonio, se convirtió en Dominatrix una mujer dominante que practica el sadomasoquismo) bajo el nombre de «Mistress Seven», además de ser arrestada en varias ocasiones por conducir y tener accidentes bajo los efectos del alcohol y las drogas.

Ante las oportunidades que le brinda en mercado japonés el manager de Yngwie decide centrarse en aquel país y firma con la discográfica nipona Pony Canyon y con la europea Music for Nations. Bajo estos dos sello se publica el 9 de mayo de 1994 «The Seventh Sign», séptimo trabajo de Yngwie quien de nuevo se encarga de la producción, el bajo y de la voz en uno de los temas extras del álbum en su edición japonesa. De nuevo Malmsteen se rodea de nuevos músicos, salvo el teclista Mats Olausson que sigue con él aparecen Michael Vescera a la voz y Mike Terrana a la batería. El álbum fue disco de platino en Japón y alcanzó el número 11 en la lista de álbumes suecos y el número 47 en la lista de álbumes suizos. Durante la gira Terrana fue sustituido por BJ Zampa, siendo reemplazado más tarde por Shane Gaalaas. Durante la gira del álbum se graba en el Budokan de Tokio el concierto que Yngwie realiza allí, publicándose en VHS y exclusivamente en Japón en 1994 bajo el nombre de «Live at Budokan». Vescera, Terrana, Olausson y el bajista Barry Sparks acompañaban al sueco en ese concierto. En 2002 aparece en DVD, al igual que en 2009 pero está titulado «Live in Budokan». El 21 de octubre de 1994 se lanza solo en Japón el E.P «I Can’t Wait» con tres pistas de estudio y dos pistas en vivo del concierto «Live at Budokan» de 1994. El tema instrumental «Power and Glory» se hizo como tema de entrada para el luchador profesional japonés y artista marcial mixto Nobuhiko Takada.

El 17 de octubre de 1995 se publica el octavo álbum de estudio de Yngwie Malmsteen titulado «Magnum Opus». De nuevo el álbum es disco de oro en Japón además de alcanzar el puesto 11 y 17 en la lista de álbumes de Finlandia y Suecia respectivamente. Vescera, Olausson repiten respecto al álbum anterior, incorporándose el batería Shane Gaalaas y el bajista Barry Sparks. Un año después, el 14 de octubre de 1996 se edita «Inspiration, un álbum tributo que consta en su totalidad de versiones de varias bandas que influyeron en Malmsteen como Kansas, Deep Purple, Scorpions o Rainbow. En las voces se encuentran Jeff Scott Soto, Mark Boals y Joe Lynn Turner, vocalistas de los primeros cuatro álbumes de estudio de Malmsteen. David Rosenthal, Jens Johansson y Mats Olausson se encargan de los teclados, Anders Johansson de la batería y Marcel Jacob del bajo en uno de los temas. Y de nuevo volvieron los problemas entre Malmsteen y Jacob, Yngwie aceptó hacer un pequeño número de espectáculos en Suecia con Jacob, Anders, Mark y Mats. Pero más tarde descubrió que Jacob había mentido sobre el dinero que le dieron los promotores.

De nuevo Yngwie se ocupa del bajo y la producción de «Inspiration». Para este álbum se grabó el video del tema de Kansas «Carry on Wayward Son», tema que cantó Jeff Scott Soto, pero de nuevo aparece en el video Mark Boals, quien fue el encargado de las voces en la gira del álbum acompañado por Tommy Aldridge en la batería y Barry Dunaway en el bajo. A finales de 1996 Boals abandona la gira siendo sustituido por el cantante sueco Mats Levén (ex Treat, At Vance).

En 1997 aparece a través de Pony Canyon (Japón) y Mercury Records (Estados Unidos) «Facing the Animal». El álbum alcanzó el puesto 20 en la lista de álbumes finlandeses y el puesto 39 en la lista de álbumes suecos, además de ser disco de Oro en Japón al igual que su anterior trabajo «Inspiration». Junto a Yngwie estaban el vocalista Mats Levén, el teclista Mats Olausson, el bajista Barry Dunaway (en nueve de los 12 temas) y el ex Rainbow y Whitesnake, entre otros, Cozy Powell al batería, siendo este su último trabajo antes de su muerte en abril de 1998. Para la gira Jonas Ostman fue su sustituto. En 1988 se lanza a través de Dreamcatcher Records «LIVE!!», segundo álbum en vivo de Yngwie Malmsteen en formato doble cd y dvd. El álbum fue grabado en vivo en Brasil el 5 y 6 de mayo de 1998 en el Olympia de São Paulo y el 7 de mayo en el Metropolitan de Río de Janeiro. Según parece, la mayoría de las grabaciones provienen de la segunda noche en São Paulo. Dr. Sin fueron teloneros de Yngwie en el tramo brasileño de la gira, al guitarrista sueco le encantó el show y decidió lanzar la versión japonesa de «LIVE!!» con un E.P con tres canciones de Dr. Sin interpretadas en vivo. Este EP se llamó «Live in Brazil». En 2000 el álbum fue reeditado en los Estados Unidos a través de Spitfire Records (quien reeditó los trabajos de Yngwie de los 90) como «Double Live». En 2009 el dvd fue reeditado bajo el nombre de «Live Animal».

«Salió muy bien a excepción de la total falta de presencia escénica del cantante de la época.»

Yngwie sobre las dotes escénicas de su ex vocalista Mats Levén en el dvd LIVE!!.»

El 4 de febrero de 1998 aparece el undécimo álbum de estudio de Yngwie Malmsteen «Suite for Electric Guitar and Orchestra in E Flat Minor Op.1», lanzado a través de Canyon International. El álbum es una suite de concierto clásico con solos de guitarra eléctrica. Toda la música fue compuesta por Malmsteen y tocada por su teclista Mats Olausson, para así poder ser transcrita a partitura por el también teclista David Rosenthal. La música está interpretada por la Filarmónica Checa dirigida por Yoel Levi. Debido a la complejidad de la grabación se decidió grabar todas las partes orquestales con Yngwie tocando en vivo pero sin micrófono, y luego sobre grabando las partes de guitarra en el estudio de Malmsteen en Miami. Yngwie cierra la década de los 90 con «Alchemy», lanzado el 23 de noviembre de 1999 a través de Pony Canyon (Japón) y Spitfire Records (Estados Unidos). El álbum significó la vuelta del vocalista Mark Boals. El bajista Barry Dunaway, el batería John Macaluso y el teclista Mats Olausson completaron la formación. Para la gira el virtuoso bajista Randy Coven reemplazó a Dunaway. Ese mismo año Yngwie se casa por tercera vez con la que hasta el momento es su actual esposa April.

Nada nuevo en el «Nuevo Milenio».

En el año 2000 Yngwie despide a su manager, de nuevo este se había quedado con grandes sumas de dinero principalmente de sus contratos en Japón (giras, discos, publicidad, etc). En ese momento su mujer, April, se ocupa de los negocios de su marido. A finales de año se edita a través de Pony Canyon (Japón), Spitfire Records (Estados Unidos) y DreamCatcher Records (Europa), «War to End All Wars». De nuevo Yngwie se ocupa de la producción y del bajo, acompañándose de nuevo por Mark Boals a las voces, Mats Olausson a los teclados y John Macaluso a la batería. Durante la gira, el cantante Mark Boals dejó la banda y fue reemplazado por un breve período por el vocalista noruego Jørn Lande (Ark, Millenium, Masterplan). Al parecer una pelea entre Yngwie y el vocalista noruego lo hacen abandonar la gira junto al batería John Macaluso (compañero de Lande en Ark). La respuesta de Yngwie a ese problema fue traer de vuelta a Mark Boals y a Tim Donahue en la batería para terminar la gira.

«Tuvimos muchos altercados debido a él y
a su familia. Iban con nosotros a todas partes, en el autobús de la gira…donde
fuera. Girar con Yngwie es como girar con una familia de
gitanos»

Jørn Lande acerca de los problemas de girar con Yngwie.

Dos nuevos recopilatorios aparecieron en el año 2000, «The Best Of 1990–1999», que a pesar del título, en realidad sólo contiene material de los álbumes que lanzó entre 1994 y 1999, y «Anthology 1994-1999» lanzado exclusivamente en Japón. También en 2001 se publicó el box set «Yngwie Archives», sólo en edición japonesa. La caja, centrada en la carrera de Yngwie Malmsteen en los años 90, incluye 8 cd´s, 2 dvd´s y un colgante de plata en forma de cruz. Los álbumes son «The Seventh Sign», «Magnum Opus», «Inspiration», «Facing the Animal», «Concerto Suite for Electric Guitar and Orchestra in E flat minor Opus 1», «Alchemy», «War to End All Wars» y el E.P «I Can’t Wait» y los dvd´s «Live At Budokan» y «Live!!». El 17 de enero de 2002 se publica «Concerto Suite for Electric Guitar and Orchestra in E flat minor LIVE with the New Japan Philharmonic», la grabación en directo de aquel «experimento» de Yngwie publicado tan solo tres años antes. El álbum, que cuenta con la participación de la New Japan Philharmonic Orchestra bajo la dirección de Taizo Takemoto, fue grabado durante dos noches en el Shibuya Orchard Hall de Tokio.

«¡¡Attack!!», decimocuarto álbum de estudio de Yngwie Malmsteen, fue lanzado el 15 de octubre de 2002 a través de Steamhammer Records. El álbum cuenta con una nueva formación con Doogie White (ex Rainbow) en la voz principal, junto con el teclista Derek Sherinian (ex Dream Theater) y el batería Patrick Johansson. Para variar, Malmsteen se ocupó del bajo. Para la gira Yngwie contó con el bajista Mike Cervino (Blackmore´s Night) y el teclista Joakim Svalberg. En las navidades de 2002 aparece «The Genesis», un álbum con grabaciones en las que Malmsteen tenía diecisiete años. Muchas de esas pistas fueron reelaboradas para composiciones en álbumes a lo largo de su carrera. Las pistas de bajo fueron regrabadas por el propio Malmsteen. Este álbum es la versión oficial de un cd lanzado por Marcel Jacob bajo el nombre de Rising Sun titulado «Birth of the Sun», extraído de una demo de Malmsteen de 1980. En 2003, Yngwie lo demandó, y más tarde Jacob demandó a Yngwie por impedirle publicar la demo. En 2004 aparece exclusivamente para el mercado japonés y asiático un nuevo recopilatorio, esta vez solo de temas instrumentales, titulado «Instrumental Best Album».

A través de Spitfire Records se publica el 26 de julio de 2005 el decimoquinto álbum de estudio de Yngwie Malmsteen «Unleash the Fury». En el álbum, que es un Enhanced CD, que incluye tres videos en formato QuickTime. De nuevo Doogie White se encarga de las voces, Joakim Svalberg de los teclados y Patrick Johansson de la batería. El título del álbum es una referencia a un incidente que ocurrió en 1988 en un vuelo a Tokio durante la gira del álbum «Odyssey». Los hermanos Johansson se comportaron de manera bastante desagradable en un determinado momento durante el vuelo mientras estaban borracho. Mientras Malmsteen, Turner y Jens Johansson dormían una mujer les derramó una jarra de agua por encima. Yngwie enfurecido, gritó dos veces: «You’ve released the fucking fury!» (¡Has soltado la puta furia!»). Debido a la mala calidad de la grabación la frase fue interpretada por algunas personas como «unleash the fucking fury» (desatar la puta furia) en lugar de «release the fucking fury». El audio de este incidente fue grabado por el batería Anders Johansson, con el bajista Barry Dunaway también escuchándose de fondo.

Para la gira de «Unleash the Fury» el bajista Mike Cervino volvió a la banda (anteriormente en abril de 2004 fue reemplazado momentáneamente por Rudy Sarzo), y Nick Z. Marino reemplazó a Joakim Svalberg a finales de año antes de que Derek Sherinian volviera para la gira estadounidense de 2006. En 2007 se publica el dvd «Far Beyond The Sun» que contiene los conciertos lanzados en VHS «Rising Force: Live in Japan ’85» y «Trial By Fire: Live in Leningrad ’89», además de tres videos promocionales, una entrevista y una master class. En febrero de 2008, se anunció que Doogie White dejaba de ser vocalista de Malmsteen debido a diferencias musicales. El decimosexto álbum de estudio de Yngwie Malmsteen «Perpetual Flame» se lanzó el 13 de octubre de 2008 en Europa y un día después en Estados Unidos y Canadá bajo el sello creado por el mismo Rising Force Records. Para este álbum contó con la voz del excantante de Judas Priest y Iced Earth Tim «Ripper» Owens, acompañado por Derek Sherinian en los teclados y Patrick Johansson en la batería. El bajo (por enésima vez) y la producción corrieron a cargo de Yngwie. Para la gira contó con Michael Troy en los teclados y Bjorn Englen en el bajo.

En 2009 aparece «Angels of Love», un álbum con nueve canciones lanzadas anteriormente, pero esta vez en formato acústico e instrumental, así como una pista inédita. Malmsteen es el único intérprete del álbum, tocando guitarras acústicas y clásicas, teclados, sintetizador de guitarra y violonchelo, así como algunos rellenos de guitarra eléctrica. La mujer que aparece en la portada del álbum es la esposa de Malmsteen, April. Ese mismo año se publica en dvd «Live in Korea», grabado en Seúl el 7 de julio de 2001 y originalmente emitido por la televisión de aquel país. Mark Boals a las voces, Tim Donahue a la batería, Randy Coven al bajo y Mats Olausson a los teclados acompañaban a Yngwie en esta ocasión.

También en 2009 aparece un nuevo recopilatorio bajo su sello Rising Force Records, «High Impact» con interpretaciones instrumentales de Yngwie Malmsteen desde 1983 hasta esos días. El álbum incluye una pista vocal inédita, la versión del tema de Michael Jackson «Beat It», cantada por Ripper Owens. El 29 de mayo de 2010 se publica el dvd «Raw live» con actuaciones en vivo de Yngwie nunca vista anteriormente, incluido un concierto de Yngwie En Estocolmo, Suecia, con tan solo 17 años. Lamentablemente la calidad del sonido y de las imágenes (rescatadas directamente de viejas cintas de vhs) hacen que el dvd quede únicamente como un «regalo» para los fans más acérrimos de Yngwie. De nuevo bajo su sello independiente Rising Force Records se publica el 23 de noviembre de 2010 el decimoctavo álbum de estudio de Yngwie Malmsteen titulado «Relentless», su segundo álbum con el ex-cantante de Judas Priest y Iced Earth Tim «Ripper» Owens, acompañados por Patrick Johansson en la batería y Nick Marino en los teclados. La producción, el bajo, teclados adicionales y la voz principal en uno de los temas corren a cargo del propio Yngwie.

2012-2023, el ego no deja de crecer.

En 2012 se publica «Spellbound» decimonoveno álbum de estudio de Yngwie, donde el sueco toca todos los instrumentos además de cantar. Un año más tarde, en 2013, se publica su autobiografía titulada igual que su álbum de 2010, Relentless. En 2014, se publica el doble cd y dvd «Spellbound Live in Tampa». Nick Marino al teclado, ocupándose también de la parte vocal, Ralph Ciavolino al bajo y Patrick Johansson a la batería acompañan a Yngwie. Para su siguiente trabajo, «World on Fire», el propio Malmsteen se encarga de todos los instrumentos, incluida la voz, excepto de la batería que corrió a cargo de Mark Ellis. El álbum fue lanzado el 1 de junio de 2016 a través de Rising Force Records y Nexus en Japón. El 26 de marzo de 2019 se publica Blue Lightning, un álbum en el que Malmsteen mezcla temas propios, más enfocados al blues/rock, con versiones de bandas como ZZ Top, Jimi Hendrix, Deep Purple o Eric Clapton. Una vez más Yngwie se ocupa de todo con la ayuda del batería Lawrence Lannerbach. Este trabajo fue lanzado a través de Mascot records, y no bajo el sello de Yngwie, Rising Force Records.

El 8 de mayo de 2021 se publicó bajo Music Theories Recordings/Mascot Label Group, lo que hasta el momento es el último trabajo de Malmsteen, «Parabellum». Como viene siendo habitual en sus últimos trabajos Yngwie se encarga de todo con la ayuda del batería Lawrence Lannerbach. El álbum se lanzó en tres formatos: cd, doble vinilo y cd Deluxe Edition que incluye 3 púas de guitarra, 2 posavasos, una postal y una pegatina, todo ello dentro de un embalaje de coleccionista. La portada del álbum es un retrato de Yngwie pintado al óleo por el artista boliviano David Banegas. Tras pintar el cuadro y ser escaneado para las portadas y todo el material promocional, Yngwie lo subastó y los beneficios fueron a parar a la April Way Children’s Foundation, creada por su mujer, April, dedicada a unir a los artistas del mundo para dar esperanza a los niños, adolescentes y adultos jóvenes que han quedado huérfanos o están en hogares de acogida en todo el mundo.

«Fue idea de mi esposa April. David vive cerca de nosotros en Florida, y estábamos hablando con él sobre otros proyectos. Hice una sesión de fotos con Mark Weiss, quien creo que es un gran fotógrafo y con quien he trabajado durante mucho tiempo. Después, David basó el retrato en eso. La pintura en sí es enorme, y tuvimos la idea de usarla para recaudar dinero para la April Way Children’s Foundation.»

«Yngwie sobre la portada de su álbum Parabellum.»

A pesar de su carácter «algo complicado», es innegable reconocer su aportación al mundo de la guitarra eléctrica, de hecho en 2009 la revista Time calificó a Malmsteen como el número 9 entre los 11 mejores guitarristas eléctricos de todos los tiempos. Sin duda fue un pionero en fusionar el estilo de guitarra «shredding» con la música clásica y se convirtió en fuente inspiración en miles y miles de guitarristas tanto profesionales como amateurs. Durante sus 40 años de carrera sus declaraciones y acciones no han pasado desapercibidas, uno de sus últimos «líos» ha tenido que ver con su nueva faceta como vocalista de sus temas y las críticas hacia sus antiguos vocalistas.

«En primer lugar estoy muy cómodo cantando yo, y segundo, hay una cierta desconexión cuando compones la canción y tienes a otra persona cantándola para ti. Hay una especie de falsedad en ello. Siempre compongo todo, todas las letras, las melodías, todo; y simplemente otra persona lo canta. Para mí, el cantante no más que otro músico… como un bajista o un teclista. No son más importantes que cualquier otro músico. Y ellos, desafortunadamente, parecen pensar que lo son. Y he tenido algún encuentro con esa forma de… estar absortos de alguna manera, y estoy muy en contra de eso. No me gusta. No me gusta ninguna de esas personas, y no voy a volver a hacer nada con ellas.»

Yngwie sobre sus vocalistas.

«Estoy segurísimo de que es porque todos nos fuimos. Jajaja. ¡Bla, bla, bla! Dejemos que disfrute cantando.»

Tim «Ripper» Owens

«Escribí más de tres cuartos de las letras y la mitad de las melodías de «I’ll See The Light Tonight», todas las letras de «Caught In The Middle» y «Don’t Let It End» (él escribió el título y tuvo el 50% de la autoría) y todo «On The Run Again» (título incluido). Así que para escribir TODO, debes admitir, que un puertorriqueño «fingiendo» halagos sobre un vikingo fue muy convincente, ¿verdad?»

Jeff Scott Soto

«Quiero corregir un poco a Yngwie… Él no compuso todo el material por su cuenta. En el disco «Facing The Animal», yo compuse alrededor del 35% del material. Estoy segurísimo de que Jeff, Joe, Göran y Mike también compusieron varias canciones con Yngwie.»

Mats Levén

«El disco «Odyssey» fue su mayor éxito, éxito que no ha vuelto a tener y nunca repetirá. Es innegable que soy el responsable del 50% de los créditos de la composición, concretamente la melodía y las letras y el 100% de las interpretaciones vocales. Las declaraciones de Malmsteen solo se pueden tomar como los desvaríos de un megalomaníaco intentando justificar desesperadamente su propia inseguridad. Su comentario de que los cantantes son demasiado egoístas es estúpido y patético viniendo de él. El hecho de que atacara a todos los grandes vocalistas y caballeros respetuosos con los que ha tenido la buena suerte y honor de trabajar es simplemente atroz.»

Joe Lynn Turner.

Pero vamos a dejar el «cotilleo» para centrarnos en la música, y ya que estamos hablando de vocalista vamos con el que según Yngwie mejor supo adaptarse a sus exigencias, Mark Boals, quien tras abandonar al virtuoso guitarrista continuó su carrera en diferentes bandas y proyectos. Una de ellas es esta banda llamada Billionaires Boys Club.

Banda formada en 1992 por el ex guitarrista de Αccept Jorg Fischer y tres ex miembros de Yngwie Malmsteen, Anders Johansson en la batería, Mark Boals en la voz y Marcel Jacob al bajo quien en el álbum compartió esta labor junto a Magnus Rosén y Per Stadin. El grupo debuta con el álbum «Something Wicked This Way Comes», producido por el propio Jorg Fischer y publicado el 15 de enero de 1993 a través de Polydor Records. Fischer intentó hacer un disco de hard rock alejado del sonido del metal alemán que solía tener cuando estaba en Accept y le dio al disco un sonido americano similar al de bandas como Ratt, Slaughter, Winger o Dokken. Este primer trabajo recibió buenas críticas por parte de la prensa, pero las ventas no fueron tan bien como su compañía discográfica esperaba y la banda se separó un año después. En realidad Marcel Jacob toca el bajo en casi todo el álbum, pero en la contraportada del cd aparecen las fotos de Fischer, Boals, Johansson y Rosén. Precisamente con el bajista sueco continuamos y lo hacemos con la banda en la que militó de 1997 a 2007, HammerFall.

Banda sueca formada por el guitarrista rítmico Oscar Dronjak tras dejar su anterior banda Ceremonial Oath. Dronjak invitó a su ex compañero de banda Jesper Strömblad (In Flames) a unirse a él como batería, reclutando más tarde al guitarrista Niklas Sundin, el bajista Johan Larsson y el vocalista Mikael Stanne. Un año después Niklas Sundin y Johan Larsson fueron sustituidos por Glenn Ljungström (In Flames) y Fredrik Larsson (Dispatched). Durante los años siguientes los miembros del grupo tocaban en otras bandas, relegando a HammerFall a ser simplemente un proyecto, convirtiéndose en una banda principalmente de versiones de clásicos del heavy metal. En 1996, HammerFall alcanzó las semifinales de Rockslaget, pero su vocalista no pudo tocar con la banda en las semifinales. En cantante Joacim Cans accedió a tocar con ellos esa noche. El concierto fue un éxito aunque HammerFall no alcanzó la final. Al final de ese día, Joacim se había convertido en el nuevo vocalista de la banda. El grupo firmó con el sello holandés Vic Records lanzado en 1997 su álbum debut «Glory to the Brave». El álbum se publicó inicialmente en los Países Bajos. HammerFall creció en popularidad por lo que Dronjak y Cans decidieron centrarse en HammerFall. El resto de miembros no lo tenían tan claro así que la formación sufrió varios cambios. A principios de 1997 antes del lanzamiento del álbum debut, Stefan Elmgren asumió la guitarra principal y Patrik Räfling la batería mientras que Larsson decidió permanecer en la banda hasta que se encontrara un reemplazo adecuado para él, algo que sucedió en mayo de 1997, cuando el bajista Magnus Rosén se unió a la banda. Stefan Elmgren tocó algunas de las guitarras en el álbum Glory to the Brave (como las guitarras acústicas en «I Believe») y Patrik Räfling tocó la batería en todas las canciones en lugar de Jesper. Sin embargo, en ese momento fueron considerados artistas invitados, no miembros de la banda. A principios de 1997, el sello alemán Nuclear Blast ofreció al grupo un contrato para un lanzamiento europeo, que incluía cuatro álbumes. Se aceptó el trato y además el sello alemán lanzó en toda Europa el álbum «Glory to the Brave». El álbum alcanzó la posición número 38 en la lista de música alemana en la semana de su lanzamiento, algo que nunca antes había logrado un álbum debut de heavy metal. En 1998 se publica «Legacy of Kings» y al final de la gira, el batería Patrik Räfling deja la banda siendo sustituido por Anders Johansson (Yngwie Malmsteen) quien a principios de 1999 se convierte en miembro oficial de la banda. El 9 de octubre de 2000 se lanza «Renegade», debutando en el número uno en las listas suecas logrando finalmente el disco de oro. En 2001 se publica (primero en VHS el 21 de mayo de 2002 y en DVD el 8 de julio de 2002) «The Templar Renegade Crusades», con actuaciones en vivo, videoclips, entrevistas, secuencias de video de sesiones de grabación, backstage de giras y encuentros con fans. Ese mismo año llegaría su cuarto álbum de estudio «Crimson Thunder», y un año más tarde su primer directo, «One Crimson Night», lanzado también en DVD en 2004. En 2005 se publica «Chapter V: Unbent, Unbowed, Unbroken», (cuyo título se inspiró en el lema familiar de la ficticia Casa Martell de Dorne (Nunca doblegado, nunca roto) de la serie de novelas de fantasía «A Song of Ice and Fire» de George R.R. Martin. Tras él llegarían «Threshold», de 2006, debutando en las listas suecas en el número uno durante ocho semanas y el recopilatorio de 2007 «Steel Meets Steel: Ten Years of Glory», que incluye tres nuevos temas donde aparece el nuevo miembro de la banda, el primer bajista de Hammefall Fredrik Larsson, en sustitución de Magnus Rosén. En el verano de 2008 se publica «Masterpieces», una colección de todas las canciones que la banda ha versionado, además de tres nuevas versiones inéditas, Algunos de esos grupos son Helloween, Kiss, Twisted Sister o Judas Priest. Meses antes el guitarrista Stefan Elmgren anunció su decisión de dejar HammerFall.. Su sustituto fue Pontus Norgren (The Poodles, Great King Rat, Talisman). En 2009 se publica «No Sacrifice, No Victory», en 2011 «Infected» y en 2012 el directo «Gates of Dalhalla» lanzado en doble cd, dvd, Blu-ray y descarga digital. En 2014 se publica el noveno álbum de estudio de HammerFall titulado » (r)Evolution». Poco después de su publicación el batería Anders Johansson abandona el grupo siendo sustituido por David Wallin (Pain) a la vez que se anuncia que el bajista Fredrik Larsson estaría de baja por paternidad desde septiembre de 2014 hasta marzo de 2015. El ex guitarrista Stefan Elmgren se encargó de las funciones de bajista durante ese período. En marzo de 2016, la banda anunció que habían firmado con Napalm Records, con los que lanzan ese mismo año su décimo álbum de estudio, Built to Last. De nuevo, poco después de la publicación del álbum el batería David Wallin abandona HammerFall siendo sustituido por Johan Koleberg, sin embargo en septiembre de 2017 David Wallin regresó a la banda. En 2019 llega «Dominion» y en 2020 un nuevo directo, «Live! Against the World». De momento «Hammer of Dawn», duodécimo álbum de estudio de HammerFall, lanzado el 25 de febrero de 2022 es su último trabajo. Con uno de los últimos miembros de HammerFall continuamos, el guitarrista y productor Pontus Norgren y con una de las muchas bandas en las que ha participado, The Ring.

Banda formada en 2004 por los guitarristas Pontus Norgren y Marcus Jidell (Evergrey, Royal Hunt) y el vocalista Jakob Samuelsson (Talisman, The Poodles). El 7 de junio de 2004 se lanzó su primer y único cd hasta el momento «Tales from Midgard», un álbum temático sobre el primero de los libros de «El señor de los anillos» de Tolkien. Norgren y Jidell se encargaron del bajo y los teclados y Jakob Samuelsson de la batería, algo que ya hacía cuando era miembro de Talisman. Para sus actuaciones en directo cuentan con Johan Dereborn al bajo y Federico De Costa a la batería. Enlazamos con nuestro siguiente grupo de la mano del guitarrista Marcus Jidell y su paso por esta banda llamada Royal Hunt.

Banda danesa de metal progresivo fundada en 1989 por el teclista André Andersen al que se le unen el cantante Henrik Brockmann , el bajista Steen Mogensen y el batería Kenneth Olsen. En 1992 lanzan su debut «Land of Broken Hearts», en el que participan tres guitarristas como musicos de sesion, Henrik Johannessen, Jacob Kjaer y Mac Guanaa. Para su segundo álbum, «Clown in the Mirror» (1994), el guitarrista Jacob Kjaer, que había tocado en el primer disco, se unió a la banda como nuevo miembro. El vocalista Henrik Brockmann fue reemplazado por el cantante estadounidense DC Cooper con el que editan en 1995 «Moving Target». Anteriormente se había lanzado el E.P. «Far Away», que incluye el tema que da título al trabajo y que está dedicado a las víctimas del terremoto de Kobe (Japón) además de incluir un tema instrumental inédito y temas en directo grabadas en Japón en 1995 durante la gira «Clown in the Mirror». «1996» es el primer álbum en vivo de Royal Hunt y fue grabado durante su gira en Japón promocionando el álbum «Moving Target». El álbum se lanzó en doble cd y vhs. Otro cambio más en la formación se produjo con el cuarto trabajo de estudio de Royal Hunt, «Paradox» (1997), el batería Kenneth Olsen tuvo que dejar el grupo debido a problemas auditivos. «Paradox» fue grabado por un batería de sesión, Allan Sorensen.Un año más tarde se edita en cd y vhs el directo «Closing the Chapter», donde la banda interpreta el álbum «Paradox» al completo. En 199 aparecen el doble cd en directo «Double Live in Japan», que contiene los conciertos «1996» y «Closing the Chapter» y el álbum de estudio «Fear», este último con el nuevo vocalista de la banda John West. El sexto trabajo de Royal Hunt, «The Mission» de 2001, fue un álbum conceptual construido alrededor del clásico de ciencia ficción «The Martian Chronicles» de Ray Bradbury, Ese mismo año se publica «The Watchers» un álbum que contiene un tema de larga duración, ya publicado en Japón en el E.P. «Intervention – Part 1», versiones regrabadas de canciones antiguas y algunas pistas en vivo grabadas entre mayo y agosto de 2000. A este trabajo le siguieron «Eyewitness» de 2003, tras el cual abandona la banda Jacob Kjaer y Steen Mogensen y «Paper Blood» de 2005, grabado por el nuevo guitarrista Marcus Jidell. En 2006 se lanza el doble cd y dvd «2006 Live» donde aparece el nuevo bajista de la banda Per Schelander (House of Shakira).»Collision Course…Paradox II» de 2008 presentó al nuevo vocalista Mark Boals (Yngwie Malmsteen) quien también apareció, junto al nuevo bajista Andreas Passmark, en el décimo trabajo de la banda «X», de 2010. «Show Me How to Live» de 2011 marcó el regreso del vocalista DC Cooper y la incorporación de un nuevo guitarrista en sustitución de Marcus Jidell, Jonas Larsen. Desde entonces se han publicado los álbumes «A Life to Die For» (2013), «Devil’s Dozen» (2015) grabado por el batería de sesión Andreas Johansson, el doble cd en directo «Cargo» (2015), donde vuelven a interpretar en vivo su álbum «Paradox», «Cast in Stone» (2018) y «Dystopia» (2021) y «Dystopia – Part 2» (2022) que cuenta como invitados a los vocalistas Mats Levén (Yngwie Malmsteen, At Vance) y dos ex Royal Hunt, Mark Boals y Henrik Brockman. Y con otro ex vocalista de Royal Hunt continuamos, el norteamericano John West y esta banda llamada Artension.

Banda nacida de las cenizas de una banda llamada Atlantis Rising formada entre 1992 y 1993, por el teclista Vitalij Kuprij, que entonces estudiaba música clásica en la Escuela de Jazz de Lucerna, Suiza, y el guitarrista suizo Roger Staffelbach que también estudiaba allí. Pronto comenzaron a realizar varios conciertos instrumentales en Suiza. Tras grabar algunos demos, se pusieron en contacto con Mike Varney de Shrapnel Records, quien mostró gran interés en la banda. Vitalij completo la banda con el batería Mike Terrana (Yngwie Malmsteen, Axel Rudi Pell) y el bajista Kevin Chown, formando así Artension. Mike Varney presentó a Vitalij y Roger a varios cantantes, uno de ellos era John West, quien ocupó el puesto de vocalista. En 1996 aparece su álbum debut «Into the Eye of the Storm» y un año después «Phoenix Rising». En 1999 aparece «Forces of Nature» y en el año 2000 «Machine», ambos trabajo están grabados por dos nuevos miembros, el bajista John Onder y el batería Shane Gaalaas. De nuevo con Mike Terrana y Kevin Chown en la banda se publican «Sacred Pathways» y «New Discovery» en 2001 y 2002 respectivamente. Kevin Chown abandona de nuevo Artension siendo sustituido por Steve DiGiorgio (Testament, Death, Iced Earth). En 2004 se publica «Future World», último trabajo de Artension, hasta hoy. Algunos de los miembros de la banda compaginaban Artension con otros proyectos y bandas, como Mike Terrana, todo un «mercenario» del metal que en esos dias ademas de ser batería de Artension lo era tambien de esta mítica banda alemana llamada Rage.

Banda alemana de heavy/speed/power metal formada en 1984 por Peavy Wagner (bajo y voz), junto al batería Jörg Michael y el guitarrista Jochen Schroeder, bajo el nombre de Avenger. Tras la publicación de su álbum debut de 1984 «Prayers of Steel» y la de un E.P. en 1985 titulado «Depraved to Black», Avenger cambió su nombre (ya existía otro grupo inglés llamado igual) y se convirtió en Rage, además de añadir un guitarrista a su formación, Thomas Grüning. Con su nuevo nombre firman un contrato discográfico en Noise lanzando su primer trabajo, «Reign of Fear», el 12 de mayo de 1986. Rudy Graf (Warlock) sustituye a Thomas Grüning y se lanza en 1987 «Execution Guaranteed». Tras la publicación del álbum Rage vuelve a ser un trío cuando el guitarrista Manni Schmidt y el batería Chris Efthimiadis se unen a Wagner. Con esta nueva formación se lanza en 1988 el álbum «Perfect Man», «Secrets in a Weird World» en 1989 y «Reflections of a Shadow» en 1990. Un año después aparece el E.P. «Extended Power» que contiene una nueva canción, descartes de álbumes anteriores y la nueva versión de la canción «Battlefield» del primer álbum de Avenger (aunque con letras diferentes, y un nuevo título «Bottlefield»). Ya en 1992 se publica «Trapped!» y el E.P. «Extended Power», en 1993 «The Missing Link» y en 1994 el E.P. «Refuge», con la canción «Refuge» y versiones de las bandas The Police, The Troggs y The Mission. A principios de 1994, el guitarrista Manni Schmidt dejó la banda y Rage vuelve a ser un cuarteto con la incorporación de dos nuevos guitarristas, Sven Fischer y el hermano de Chris Efthimiadis, Spiros. Después del cambio en su formación se publica el recopilatorio «10 Years in Rage: The Anniversary Album» que contiene material nuevo y pistas inéditas, así como la regrabación de «Prayers of Steel», del primer álbum de Avenger. La banda firmó con Gun Records en 1995 y ese mismo año se lanza el álbum «Black in Mind» y un año después «Lingua Mortis» que cuenta con la colaboración de la banda con la Orquesta Sinfónica de Praga, en temas de Rage adaptadas para una orquesta clásica. El álbum consta de canciones regrabadas del álbum anterior, «Black in Mind» y una mezcla de canciones de álbumes anteriores. También en 1996 se publica «End of All Days». En 1998 aparecen «XIII», decimotercer álbum de la banda que contó de nuevo con la colaboración de una orquesta bajo el nombre de Lingua Mortis Orchestra y el recopilatorio «The Best from the Noise Years» con canciones de los primeros álbumes de la banda (1986-1994), publicados bajo el sello Noise Records. De nuevo la Lingua Mortis Orchestra aparece en un álbum de Rage, «Ghosts» de 1999. Poco antes del lanzamiento del álbum, la banda pasó por un importante cambio de formación Peavy Wagner reformó Rage y reclutó a Victor Smolski en la guitarra y Mike Terrana en la batería. El trío lanzó su álbum «Welcome to the Other Side» en 2001 y en los dos años siguientes, «Unity» y «Soundchaser» ambos bajo el sello SPV/Steamhammer. En 2004 se celebró el vigésimo aniversario de la banda con la gira From the Cradle to the Stage, donde el espectáculo en Bochum se grabó y lanzó con el mismo nombre en cd y dvd en 2005. En 2006, y bajo una nueva compañía, Nuclear Blast, se publica «Speak of the Dead», donde Rage volvió a presentar a la Lingua Mortis Orchestra, esta vez la orquesta era la sinfónica de Minsk, Bielorrusia. El cd+dvd en directo «Full Moon in St. Petersburg», grabado el 25 de mayo de 2006 en el SKK de San Petersburgo, fue publicado en 2007. El álbum también fue lanzado en dvd por separado solo en Rusia y Argentina. Mike Terrana abandona el grupo y a principios de 2007 se anunció que el nuevo batería de Rage sería André Hilgers (Axxis). Ese mismo año la banda realizó una gira por toda Europa con la Lingua Mortis Orchestra, grabando su actuación en el festival Wacken Open Air en agosto frente a 80.000 fanáticos que se incluyó como dvd extra en su siguiente trabajo «Carved in Stone», lanzado el 22 de febrero de 2008. «Strings to a Web» de 2010, cuenta en sus ediciones estadounidense y japonesa con un dvd de su actuación en 2009 en el festival Wacken Open Air dentro de su gira del 25 aniversario de Rage. A principios de 2012 se publica el álbum número veintiuno de Rage titulado «21», y dos años más tarde, «The Soundchaser Archives» para celebrar el 30 aniversario de la banda. El álbum cuenta con se canciones inéditas y de demos de los últimos treinta años de la banda. El 4 de febrero de 2015, Peavy Wagner anunció el despido de Victor Smolski y André Hilgers. La nueva formación se anunció el 18 de junio de 2015, con el guitarrista venezolano Marcos Rodríguez y el bateria Vassilios «Lucky» Maniatopoulos (ex técnico de batería y alumno de Chris Efthimiadis). Después del E.P. «My Way» en enero de 2016, su álbum, «The Devil Strikes Again», fue lanzado el 10 de junio de 2016. Su siguiente trabajo «Seasons of the Black» se publicó el 28 de julio de 2017. De nuevo Rage cambia de compañía y vuelve a SPV/Steamhammer, quienes publican en enero de 2020 «Wings of Rage». El 6 de mayo de 2020, Marcos Rodríguez dejó la banda por motivos personales y Rage vuelve al formato de cuarteto con la incorporación de dos guitarristas, Stefan Weber (Axxis) y Jean Bormann, quienes aparecen en lo que hasta la fecha es el último trabajo del grupo «Resurrection Day», lanzado el 17 de septiembre de 2021. De entre la cantidad de músicos que han pasado por las filas de Rage nos quedamos con el virtuoso guitarrista ruso Victor Smolski y su colaboración en el álbum debut de este vocalista alemán llamado Ralf Scheepers.

Ralf Scheepers, cantante alemán y actualmente vocalista principal de la banda de heavy metal Primal Fear. Scheepers También ha cantado en Gamma Ray y Tyran’ Pace además de colaborar con bandas como Avantasia, Therion, Ayreon o Shadow Gallery entre muchas otras. Actualmente, además de ser músico profesional es profesor de técnicas de canto, música, estudio y grabación/procesamiento en RS Vocal Works en Baltmannsweiler, Alemania. En 2011 se publica bajo el sello italiano Frontiers Records, el primer trabajo en solitario de Ralf Scheepers titulado simplemente «Scheepers». El álbum está producido por el mismo y su compañero en Primal Fear, Matt Sinner, quien también se encarga del bajo. Junto a él están, otro Primal Fear, el guitarrista Magnus Karlsson acompañado por Sander Gommans (After Forever) también a la guitarra y Snowy Shaw (Dream Evil, Mercyful Fate) a la batería. El álbum cuenta con la colaboración de los guitarristas Kai Hansen (Gamma Ray),Mike Chlasciak, (Halford) Alex Beyrodt (Primal Fear) y Victor Smolski (Rage) y del vocalista Tim «Ripper» Owens, ex vocalista de esta mitica banda llamada Judas Priest.

Judas Priest, protagonistas en Rock en Cadena del episodio número 15 https://rockencadena.home.blog/2020/02/05/programa-no-15/. Así que ya sabéis lo que toca, hablar un poco de Tim Owens y su paso por la banda inglesa. Owens fue noticia en 1996 cuando pasó de ser un simple fan de Judas Priest a convertirse en su cantante principal, reemplazando a Rob Halford, grabando dos álbumes de estudio con sus héroes de la infancia, así como dos álbumes en vivo y un dvd. El primero de ellos fue «Jugulator», decimotercer álbum de estudio de la banda, lanzado en Japón el 16 de octubre de 1997 y en el resto del mundo el 28 de octubre de 1997. Fue su primer álbum de estudio desde «Painkiller»de 1990 y el primer álbum de estudio que la banda grabó sin Rob Halford y con el vocalista estadounidense Tim «Ripper» Owens. «Jugulator» es el único álbum de Judas Priest que nunca se ha lanzado en ningún sitio web importante de medios digitales, debido a que su compañía de entonces, SPV se hundió y quebró alrededor de 2009. El tema del album «Bullet Train» fue nominado en 1999 a un premio Grammy a la Mejor Interpretación de Metal. Owens grabó con la banda un álbum más «Demolition» en 2001, y los directos «’98 Live Meltdown» lanzado en 1998 y «Live in London», en 2003 lanzado también en dvd. Y es «Ripper» Owens quien nos lleva a nuestro protagonista del episodio, Yngwie Malmsteen, ya que como sabéis fue vocalista del virtuoso sueco de 2008 a 2010.

Y hasta aquí el episodio número 49, espero que hayáis disfrutado con la lectura. nos vemos en unos meses con una nueva entrada. Sube el volumen y disfruta!!…Un saludo.