Programa Nº23

Bienvenidos y bienvenidas a una nueva entrada de Rock en Cadena. Viajamos hasta la vieja Europa de la mano de una de las bandas mas grandes del Hard Rock de todos los tiempos, ellos son Scorpions. Comenzamos.

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Banda formada en 1965 por el guitarrista Rudolph Schenker en Hannover (Alemania). Al principio, la banda tenía influencias beat y el propio Schenker se encargaba de las voces. Las cosas empezaron a cambiar en 1970 cuando el hermano menor de Schenker, Michael, y el vocalista Klaus Meine se unieron a la banda. Con esta formación ganaron un concurso de música en 1972 y grabaron dos canciones para un sencillo que nunca fue lanzado, posteriormente aparecieron en diferentes álbumes recopilatorios. En 1972, el grupo grabó y lanzó su álbum debut “Lonesome Crow”, con Lothar Heimberg al bajo y Wolfgang Dziony a la batería. Durante la gira los Scorpions abrieron para la banda británica UFO. Apunto de finalizar la gira, el guitarrista Michael Schenker aceptó una oferta de UFO. Uli Jon Roth, un amigo de Michael, fue presentado a la banda y los ayudó a terminar la gira. La salida de Michael Schenker provocó la ruptura de la banda. En 1973, a Uli Jon Roth se le ofreció el papel de guitarrista principal, pero rechazó la oferta permaneciendo en su banda Dawn Road. Rudolf Schenker finalmente decidió que quería trabajar con Roth, pero no quería resucitar la última alineación de los Scorpions. Asistió a algunos de los ensayos de Dawn Road y finalmente decidió unirse a la banda, que estaba formada por Roth, Francis Buchholz (bajo), Achim Kirschning (teclados) y Jürgen Rosenthal(bateria). Uli Roth y Buchholz persuadieron a Rudolf Schenker para que invitara a Klaus Meine a unirse a la voz. Si bien había más miembros de Dawn Road que de Scorpions en la banda, decidieron usar el nombre de Scorpions porque era muy conocido en la escena del hard rock alemán y se había lanzado un álbum con ese nombre.

(de iz.a dch.) Francis Buchholz, Klaus Meine, Rudolf Schenker, Uli Roth y Jürgen Rosenthal. Scorpions. 1973.

En 1974, la nueva formación lanzó “Fly to the Rainbow”. Tres canciones fueron coescritas con el guitarrista Michael Schenker como parte de un acuerdo con los Scorpions para dejarlos y unirse a UFO. Achim Kirschning decidió irse después de las grabaciones. Poco después, Jürgen Rosenthal tuvo que dejar el grupo cuando fue reclutado por el ejército siendo reemplazado en julio de 1974 por Jürgen Fechter. En 1975, Rudy Lenners se convirtió en el nuevo batería de Scorpions. Ese año, la banda lanzó “In Trance”, que marcó el comienzo de su larga colaboración con el productor alemán Dieter Dierks. El álbum fue un gran paso adelante para los Scorpions dejando atrás el sonido Psicodélico/progresivo de sus anteriores trabajos, acercándose a un sonido mas cercano al heavy metal lo que hizo que su numero de seguidores aumentase.

Primera portada (de muchas) controvertida.

“In Trance” es el primer álbum de la banda que contiene el ahora famoso logo. La versión original de la portada del álbum fue censurada por mostrar el pecho de la modelo de portada. Los lanzamientos posteriores oscurecieron el pecho para que no fuera visible.

En 1976, los Scorpions lanzaron “Virgin Killer”, primer álbum de la banda en llamar la atención fuera de Europa, sobre todo en Japón. El álbum fue otro paso en el cambio de la banda de la música psicodélica al hard rock. La portada original del álbum mostraba a una niña de diez años desnuda, con un efecto de cristal roto oscureciendo sus genitales. La portada generó controversia: el álbum solo se podía vender sellado en plástico negro en varios países siendo reemplazada en otros por una portada alternativa que representaba a los miembros de la banda.

Dos portadas diferentes para una época …diferente.

Al año siguiente, Rudy Lenners renunció por razones personales y fue reemplazado por Herman Rarebell, un músico experimentado que había grabado con varias bandas en Alemania. “Taken by Force” fue el quinto álbum de estudio de la banda alemana Scorpions, lanzado en 1977. Este fue el primer álbum de Scorpions con el batería Herman Rarebell y el último álbum de estudio con el guitarrista Uli Jon Roth, quien dejó la banda en 1978 tras el final de la gira del álbum, descontento con la dirección comercial que estaba tomando la banda. Precisamente de esa gira salió el siguiente trabajo del grupo, un doble álbum en directo titulado “Tokyo Tapes” lanzado en Estados Unidos y Europa (con portada diferente) seis meses después de su lanzamiento en Japón en 1978. A mediados de ese año, después de audicionar a unos 140 guitarristas, los Scorpions reclutaron a Matthias Jabs además, la banda abandonó RCA por Mercury Records en los Estados Unidos y Harvest/EMI Electrola en todo el mundo.

El puritanismo estadounidense tiene estas cosas…

Apenas unas semanas después de dejar UFO, Michael Schenker regresó al grupo lo que hizo que en la grabación de su siguiente trabajo “Lovedrive” (1979) aparecieran tres guitarristas. “Lovedrive” fue un álbum que impulso carrera de Scorpions, donde se cimentó la “fórmula Scorpions” de canciones de hard rock mezcladas con baladas melódicas. La portada, que de nuevo generó controversia, fue cambiada en Estados Unidos. Después de la finalización y el lanzamiento del álbum, la banda decidió retener a Michael en el grupo, lo que obligó a Jabs a irse. Sin embargo, en abril de 1979, durante su gira por Francia, Michael renunció y Jabs fue contratado permanentemente para reemplazarlo.

Sin duda la formación mas conocida de Scorpions.

En 1980, la banda lanzó Animal Magnetism, nuevamente con una portada provocativa, esta vez mostrando a una niña arrodillada y un Doberman sentado frente a un hombre, aunque esta vez la portada no tuvo que ser reemplazada por una portada alternativa. Poco después del lanzamiento del álbum, Meine comenzó a experimentar problemas de garganta. Necesitó cirugía en sus cuerdas vocales y surgieron dudas acerca de si volvería a cantar. Las demos para el álbum se grabaron con el cantante Don Dokken como cantante principal, quien aparece acreditado en los coros. Blackout fue lanzado en 1982 y rápidamente se convirtió en el álbum más vendido de la banda hasta la fecha, llegando al platino ese mismo año y el oro dos años después.

El álbum de 1984 “Love at First Sting” consolidó el estatus de los Scorpions como una banda internacionalmente popular. Las sesiones iniciales tuvieron lugar en los Polar Studios de Estocolmo en el verano de 1983 con los ex miembros de Rainbow Jimmy Bain en el bajo y Bobby Rondinelli en la batería, aunque en principio se negó su participación en el álbum, Jimmy y Bobby siempre declararon que fueron ellos quienes grabaron el álbum. Impulsado por el sencillo “Rock You Like a Hurricane”, el álbum escaló las listas y obtuvo el doble platino en los Estados Unidos unos meses después de su lanzamiento. MTV dio a los videos del álbum un tiempo de emisión significativo lo que contribuyó en gran medida al éxito del álbum. “Love at First Sting” fue uno de los primeros discos de hard rock grabados digitalmente.La banda realizó una extensa gira y lanzó su segundo álbum en vivo, “World Wide Live” en 1985. Grabado durante una gira mundial de un año y lanzado en el apogeo de su popularidad, el álbum fue otro éxito para la banda, alcanzando el de Nº14 en las listas de éxitos en los Estados Unidos y Nº18 en el Reino Unido.

“Savage Amusement” es el décimo álbum de estudio de la banda, fue lanzado en 1988, cuatro años después de su anterior álbum de estudio, alcanzando el puesto número 5 en los EE.UU. fue certificado platino meses después de su lanzamiento. Este trabajo representaba un sonido más pulido y maduro similar al estilo con el que Def Leppard había tenido éxito. El álbum se vendió bien, pero fue considerado una decepción por la crítica. Fue el último disco de Scorpions producido por Dieter Dierks. En la gira de 1988, los Scorpions se convirtieron en el segundo grupo occidental (no estadounidense) en tocar en la Unión Soviética. En 1989, Scorpions lanzó el álbum recopilatorio “Best of Rockers ‘n’ Ballads”, único álbum recopilatorio de la banda certificado platino en los Estados Unidos, que, además de los éxitos de la banda de 1979 a 1988, incluía varias pistas raras o inéditas. “Crazy World”, de 1990, mostró un sonido menos pulido y es considerado como el último álbum “clásico” de Scorpions. En el Reino Unido, sigue siendo el único álbum del grupo en obtener en noviembre de 1991 la certificación Silver (60.000 unidades vendidas). En los Estados Unidos, es el segundo álbum más vendido de la banda detrás de “Love at First Sting”, y el último álbum de la banda en recibir la certificación de oro o platino en los Estados. El álbum fue impulsado en gran parte por el éxito de la balada “Wind of Change”. La canción reflexiona sobre los cambios sociopolíticos que estaban ocurriendo en Europa del Este y otras partes del mundo al final de la Guerra Fría. Después de la gira el bajista Francis Buchholz dejó el grupo.

Ralph Rieckermann (1º drch) entra en escena.

En 1993, los Scorpions lanzaron “Face the Heat”, con un éxito moderado. El bajo estuvo a cargo de Ralph Rieckermann. El sonido del álbum era más metálico que melódico y ni el single ni la balada de turno estuvieron cerca de igualar el éxito de “Wind of Change”. En 1995 , se produjo un nuevo álbum, “Live Bites”. El disco documentó actuaciones en vivo de 1988 hasta 1994. Antes de grabar su decimotercer álbum de estudio, “Pure Instinct” de 1996 , el batería Herman Rarebell dejó la banda. Curt Cress se hizo cargo de las baquetas del álbum antes de que James Kottak (ex Kingdom Come) se hiciera cargo de forma permanente del puesto de batería. El album recibió bastantes criticas, al contar con mas baladas que temas “movidos”. La portada del álbum fue reemplazada por una portada alternativa en algunos paises debido a la desnudez de la portada original.

1999 vio el lanzamiento de “Eye II Eye” y un cambio significativo en el estilo de la banda, mezclando elementos de pop y techno. Este cambio no fue visto con buenos ojos por la gran mayoría de sus fans. Por primera vez (y, hasta ahora, única), Scorpions lanzó una canción grabada en gran parte en alemán, “Du bist so schmutzig” (“Eres tan sucio”). Es el primer álbum de estudio de Scorpions que presenta a James Kottak en la batería y el último álbum de Ralph Rieckermann en el bajo. Al año siguiente, los Scorpions colaboraron con la Filarmónica de Berlín, de lo que salió un álbum llamado “Moment of Glory”. El álbum contribuyó en gran medida a reconstruir la reputación de la banda después de las duras críticas de “Eye II Eye”, sin embargo, los críticos los acusaron de seguir la línea de la colaboración similar de Metallica ( S&M ) con la Sinfónica de San Francisco que había sido lanzada el año anterior. En 2001, los Scorpions lanzaron “Acoustica”, un álbum en vivo que presenta reelaboraciones acústicas de los mayores éxitos de la banda, además de nuevas pistas. Aunque apreciado por los fans, la falta de un nuevo álbum de estudio fue frustrante para algunos, y “Acoustica” hizo poco para que la banda volviera a ser el centro de atención.

Entrando en el nuevo milenio con nueva formación.

En 2004, la banda lanzó “Unbreakable” , un álbum que fue aclamado por los críticos como un esperado regreso a la formula que tanto éxito dio a la banda. El álbum era el más pesado que la banda había lanzado desde Face the Heat . Ya sea como resultado de una mala promoción por parte del sello de la banda o del largo tiempo entre lanzamientos de estudio, “Unbreakable” recibió poca difusión y no llegó a las listas. Este fue el primer álbum con Paweł Mąciwoda al bajo. A principios de 2006, lanzaron el DVD “1 Night in Vienna” con pistas en vivo y un documental.

“Humanity: Hour I”, lanzado en 2007, fue un álbum conceptual basado en una historia de Desmond Child y Liam Carl, que predice un mundo destrozado por una guerra civil entre humanos y robots. El álbum fue producido por James Michael y Desmond Child. También es de destacar el logotipo de la banda en la portada del álbum: la fuente del texto es similar a sus dos primeros álbumes, a diferencia del logotipo más famoso de la banda. Esta es solo la tercera vez en la carrera de la banda (y la primera vez en 33 años) que se utiliza una fuente menos familiar. Sin embargo, si uno mira de cerca, su logotipo más familiar se puede ver en la parte posterior del cuello del humanoide. “Sting in the Tail” fue lanzado en 2010. En ese momento era el álbum de despedida, lanzado antes de su gira de despedida. El sonido del álbum era similar al de los lanzamientos clásicos de los 80, pero con un toque moderno. En principio el álbum se llamaría “Humanity: Hour II”, pero finalmente se descartó. El álbum debutó en la posición Nº 23 en la lista Billboard 200, siendo el debut más alto de la banda en más de 20 años. “Comeblack”, de 2011 fue pensado como un álbum de regreso, tras su gira de despedida. La mitad del álbum presenta versiones regrabadas de sus propias canciones clásicas y la otra mitad versiones de canciones populares de rock de los años 60 y principios de los 70.

Versiones, versiones, versiones…

En 2013, la banda lanzó el álbum “MTV Unplugged in Athens”. El álbum incluía canciones clásicas interpretadas acústicamente, además de actuaciones en vivo de canciones no tan conocidas del repertorio de Scorpions. “Return to Forever”, decimoctavo álbum de estudio de la banda, fue lanzado en 2015, y contenía, además de alguna canción nueva, canciones inacabadas de “Blackout”, “Love at First Sting”, “Savage Amusement” y “Crazy World”. El batería James Kottak, que dejó la banda en mayo de 2014 para entrar en rehabilitación, volvió a tocar en este álbum. El 28 de abril de 2016, se anunció que el batería de Motörhead, Mikkey Dee, reemplazaría a James Kottak y tocaría la batería en 12 fechas en Norteamérica. El 12 de septiembre de 2016, Dee fue anunciado oficialmente como el nuevo batería de la banda.

Scorpions sigue dando guerra.

Scorpions ha vendido más de 110 millones de discos en total. Han lanzado 18 álbumes de estudio, 27 álbumes recopilatorios y 74 sencillos. Seis de sus singles han alcanzado el número uno en las listas de éxitos en diferentes países. Sus álbumes, singles, compilaciones y lanzamientos de videos han alcanzado el estatus de oro, platino y multiplatino 200 veces en diferentes países. Su música ha inspirado a grupos de muy diferentes estilos, desde el hard rock al black metal pasando por el thrash metal o el power metal. Vamos a continuar con uno de esos músicos que “grabó” su famoso “Love at First Sting”, el batería Bobby Rondinelli y la banda que lleva su nombre, Rondinelli.

Ray Gillen, Boby y Teddy Robdinelli y James Lomenzo.

Banda formada en 1984 por el experimentado batería Bobby Rondinelli, junto a su hermano Teddy a las guitarras, con un sonido Hard Rock típico de la época. Poco antes de comenzar este proyecto, Rondinelli grabó el álbum “Love at First Sting” de Scorpions. En 1985 los hermanos completaron formación con el bajista James Lomenzo y el cantante Ray Gillen. El grupo ganó cierta popularidad en todo el circuito de la costa este, despertando el intereses de compañías importantes. Como resultado, se grabó una demo a finales de 1985, poco después Lomenzo dejó el grupo para ir a White Lion, siendo reemplazado por Tommy Hendrikson. Esta formación duró hasta marzo de 1986, cuando Black Sabbath se puso en contacto con Gillen para reemplazar a Glenn Hughes. El proyecto se disolvió cuando Hendrikson se unió a los alemanes Warlock. En 1996 se editó esa primera demo con el añadido de cuatro temas en directo, al parecer como homenaje al recientemente fallecido Ray Gillen. En 2002 Rondinelli publico un segundo álbum, “Our Cross-Our Sins”, de nuevo con su hermano Teddy a las guitarras al que se sumó su tambien hermano Robert Rondinelli en los teclados, y los ex Black Sabbath Tony Martin a la voz y Neil Murray al bajo. Pero vamos a continuar con uno de los músicos que grabaron este álbum, el bajista James Lomenzo y la banda a la que fue tras abandonar a Bobby Rondinelli, White Lion.

Banda formada en Nueva York en 1983 por el vocalista danés Mike Tramp y el guitarrista estadounidense Vito Bratta. Junto al al batería Nicki Capozzi y al bajista Felix Robinson (ex Angel) grabaron en 1984 su álbum debut “Fight to Survive”, pero la compañía no contenta con la grabación se negó a lanzar el álbum rescindiendo el contrato de la banda. El álbum fue finalmente lanzado en Japón en 1985 y en Estados Unidos al año siguiente. Tras la grabación de su primer trabajo, Felix Robinson se fue y fue reemplazado por el bajista Dave Spitz (hermano del guitarrista de Anthrax, Dan Spitz). Dave Spitz se fue a finales de 1985 para unirse a Black Sabbath, y fue reemplazado por James LoMenzo. Nicki Capozzi fue posteriormente despedido y reemplazado por el ex batería de Anthrax Greg D’Angelo. Su segundo álbum, “Pride” de 1987, alcanzó el puesto número 11 en Billboard 200 y permaneció en el durante un año completo, vendiendo dos millones de copias solo en los EE.UU. consiguiendo el doble platino. La banda continuó su éxito con su tercer álbum, “Big Game” (1989) que alcanzó el estatus de Oro. Su cuarto álbum de 1991 “Mane Attraction”, fue bien recibido por los fans, pero desafortunadamente, el álbum no logró llegar al top 20 como los dos últimos álbumes. Recibiendo poco apoyo debido a la reciente explosión del grunge. Greg D’Angelo y James Lomenzo dejaron la banda poco después del lanzamiento del álbum, citando “diferencias musicales”, pero White Lion continuó con el bajista Tommy “T-Bone” Caradonna y el batería Jimmy DeGrasso. Después de una breve gira, Tramp y Bratta decidieron dar por terminado White Lion en 1992. Poco después su primer álbum recopilatorio, “The Best of White Lion” fue lanzado. Y con el bajista Dave Spitz, del que ya hemos hablado en otros episodios, continuamos, y su paso por esta banda de estilo similar a White Lion, los también norteamericanos Great White.

Formada en Los Ángeles en 1977 por el guitarrista Mark Kendall y el vocalista Jack Russell como Dante Fox para mas tarde convertirse en Great White. La banda se hizo popular en 1987 cuando lanzaron “Once Bitten…”, llegando al platino en abril de 1988. La banda siguió con “…Twice Shy” en 1989, álbum que fue certificado platino en julio y doble platino en septiembre. Ya en los 90 Great White grabó “Hooked” en 1991, que fue certificado oro, y Psycho City un año después. Capitol publicó el recopilatorio “The Best of Great White: 1986-1992” en 1993, cuando Great White ya había dejado el sello. La banda continuó lanzando material nuevo en la década de 1990, aunque ninguno de sus materiales llegó a las listas de Estados Unidos, disolviéndose en 2001. Poco después, el vocalista Jack Russell comenzó a hacer giras como Jack Russell’s Great White, un grupo que no incluía al guitarrista y cofundador de la banda, Mark Kendall.

Así quedó la sala tras el incendio.

La banda volvió a ser noticia el 20 de febrero de 2003. Al comienzo de una actuación en el club nocturno “The Station” en Rhode Island, la pirotecnia utilizada por el equipo de la banda creó una lluvia de chispas que encendieron el material de espuma que insonorizaba el techo. Cien personas, incluido el guitarrista Ty Longley, murieron en el incendio. Aproximadamente 115 supervivientes resultaron gravemente quemados, mutilados y desfigurados de forma permanente. Aunque la banda estaba actuando oficialmente bajo el sobrenombre de Jack Russell’s Great White en el momento del incidente los medios se refirieron a ellos como Great White. La banda se reformó en 2006, y en 2011, Russell dejó la banda y comenzó a realizar giras de nuevo como Jack Russell’s Great White. Tras varios problemas legales Great White continuo con el vocalista Terry Ilous (XYZ) grabando en 2012 “Elation”, duodécimo álbum de estudio de la banda, y “He Saw It Comin'” en 2017, antes de ser reemplazado en 2018 por Mitch Malloy. Con su vocalista original continuamos, y su participación el este álbum de Herman Rarebell, batería de la banda protagonista de este episodio.

En 1982 Rarebell decidió comenzar un proyecto en solitario, y más tarde ese año lanzó el álbum titulado “Nip In the Bud”. El álbum se volvió a grabar en 1985 con el nombre cambiado a “Herman Ze German & Friends” y contó con músicos como Jack Russell (Great White), Stephen Marriott (Small Faces), Juan Crucier (Ratt), Charlie Huhn (Victory) y Don Dokken (Dokken), quien se encargó de la mayoría de las voces. Hasta el día de hoy sigue siendo el único miembro de Scorpions que ha lanzado un proyecto en solitario cuando todavía era miembro de la banda. Con uno de los vocalistas que aparecen en este álbum continuamos, Don Dokken y su banda Dokken.

Dokken fueron los protagonistas del primer podcast de Rock en cadena así como de la primera entrada publicada de este blog https://rockencadena.home.blog/2018/12/02/programa-no1/ así que vamos a centrarnos en su segundo álbum de 1984 “Tooth and Nail”. Después del lanzamiento de su álbum debut de 1981, Dokken firmó un contrato con Elektra Records y finalmente lanzó el álbum en su país de origen en 1983, pero la reedición remezclada fue un fracaso comercial, y Elektra meditó en dejarlos. La agencia de managers del grupo convenció al sello para que financiara el lanzamiento de otro álbum. Mientras tanto, el bajista Juan Croucier había dejado Dokken para unirse a Ratt y el guitarrista George Lynch había renunciado y vuelto a unirse varias veces. Fue evidente desde el principio una manifiesta incompatibilidad de carácter entre Lynch y el vocalista Don Dokken, lo que les impidió trabajar juntos y más de una vez se intensificó en abierta hostilidad. Durante las idas y venidas de Lynch, Dokken probó a otros guitarristas, incluido Warren DeMartini de Ratt. Lynch audicionó para la banda de Ozzy Osbourne como reemplazo del difunto Randy Rhoads, pero no fue seleccionado, volviendo con Dokken después del lanzamiento de su primer álbum en los Estados Unidos. Jeff Pilson, se unió a la banda como bajista en 1984.

Lynch, Don, Pilson y Brown en 1984.

Antes de que comenzara la preproducción, Don Dokken propuso como productor a su amigo alemán Michael Wagener, productor de su primer trabajo. Como era de esperar, la amistad de Wagener con Dokken y la insatisfacción de Lynch por el sonido de su álbum debut llevó al rechazo de la propuesta del cantante por parte del resto de la banda. Elektra Records seleccionó al experto Tom Werman para producir el álbum, quien estuvo presente en los ensayos y ayudó a seleccionar y arreglar las canciones antes de que comenzara la producción con el veterano ingeniero de sonido Geoff Workman, cuya personalidad y comportamiento errático no encajaba fácilmente con la dirección de Werman. Esta relación problemática solo se sumó al creciente choque de egos entre Lynch y Dokken, que se vio agravado aún más por el abuso de cocaína y alcohol por parte de músicos y técnicos. Werman estableció el horario de trabajo para evitar la presencia del guitarrista y vocalista en el estudio, con el primero grabando con el resto de la banda a última hora de la mañana y por la tarde y el segundo por la noche. Este arreglo se mantuvo durante toda la grabación, ya que Lynch y Dokken nunca trabajaron juntos en el estudio de grabación.

Michael y Don…amigos para siempre.

Después de unas semanas de trabajo, la situación explotó cuando Lynch rechazó violentamente el consejo de Werman para algunos de sus solos de guitarra y se negó a trabajar de nuevo con el productor. Werman renunció, con Don Dokken solicitando nuevamente la contratación de Michael Wagener para completar las grabaciones y mezclar las pistas, algo que el resto de la banda continuó rechazando, poniendo en peligro el lanzamiento del álbum. Elektra cumplió con la petición de Dokken, pero contrató también al productor británico Roy Thomas Baker, famoso por su trabajo con Queen y por su estilo de vida algo mas relajada y permisiva, su tarea principal era mantener a la banda bajo control y ocupada mientras Wagener grababa la voz principal por la noche y mezclaba el álbum, con la ayuda, en secreto, de Dokken. “Tooth and Nail” recibió críticas positivas, pero las ventas fueron lentas, alcanzando el Nº 49 en la lista de álbumes Billboard 200 de EE.UU. y el Oro más de diez meses después de su lanzamiento, tras el éxito del sencillo “Alone Again” (tema inicialmente rechazado por Lynch) y del video musical que lo acompaña. El álbum fue certificado Platino en 1989, después de que tanto “Under Lock and Key” (1985) como “Back for the Attack” (1987) hubieran alcanzado tal estatus. El “polémico” Lynch nos lleva a la siguiente banda formada a dúo con otro grande de los 80, el Stryper Michael Sweet y este proyecto llamada Sweet & Lynch.

Sweet & Lynch, otra idea de Serafino Perugino, Presidente de la discográfica italiana Frontiers Records, que tanto bien hace a los amantes del Hard rock, quien une la voz de Stryper a las indiscutibles habilidades del maestro Lynch, ex Dokken. En 2015 se publicó su primer trabajo titulado “Only to Rise” lleno de temas con ese aire “ochentero” pero con una producción y un sonido acorde con los tiempos que corren. “Unified” de 2017, ofrece otro álbum repleto de riffs melódicos y ritmos pesados dando un paso mas dentro del hard rock. Además de los “protagonistas” del dúo Sweet & Lynch se acompañan del ex Megadeth y ex White Lion, James Lomenzo al bajo, y Brian Tichy, ex Whitesnake, a la batería, quien también fuera miembro de esta banda llamada China Rain.

Banda de Randy Jackson (Randy Jackson´s China Rain) mas conocido por su papel como líder de la banda Zebra. Su primer y único álbum fue editado en 1991 bajo el nombre de “Bed of Nails”, en un intento de “engancharse” al hard rock que había dominado el mercado a mediados y finales de los 80, Randy se acompaño en las composiciones por gente como Jack Ponti, Dave Sabo y Rachel Bolan de Skid Row o Mark Slaughter de Slaughter, pero un sonido demasiado cercano al AOR acompañado del auge del grunge en esos días hicieron del álbum un fracaso comercial. La banda, además de Randy a la guitarra y la voz, estaba compuesta por Ronnie Snow a la guitarra, Brian Tichy a la batería y Teddy Cook al bajo, musico que posteriormente grabó y giró como miembro de la banda del grandísimo Dio.

El genial Ronnie James Dio, quien en 1990 lanzaba su álbum “Lock Up the Wolves” con un cambio completo de músicos con respecto al anterior álbum, incluyendo al guitarrista de dieciocho años de edad, Rowan Robertson, el ex Yngwie, Jens Johansson a los teclados, Simon Wright a la batería, que había tocado con AC/DC desde 1983 hasta 1989 y el bajista Teddy Cook. “Lock Up the Wolves” mostró un aspecto diferenciado en su conjunto con trabajos anteriores. El álbum obviamente carece de un clásico (épico) como los de anteriores trabajos, pero aún así, contiene buenos temas, junto a otros en la que la “formula” que tantos éxitos le dieron en el pasado aquí aparecen repetitivos y aburridos. El álbum no tuvo éxito y terminó siendo dejado de lado por los críticos y por gran parte de sus fans. Entre las composiciones de “Lock Up the Wolves” aparecían dos temas firmados por el amigo y mítico bajista de Dio Jimmy Bain, quien como recordareis “participó” en la grabación de “Love at First Sting”, álbum de los protagonistas de este episodio, Scorpions, con los que me despido. Un saludo, te espero en el próximo episodio, y recuerda…Sube el volumen y disfruta!!!

Programa Nº22

Bienvenid@s a otra entrada mas del blog dedicado al podcast Rock en Cadena. Cambiamos radicalmente de estilo y nos vamos con uno de los “Big Four” del Thrash Metal, los neoyorkinos Anthrax. Comenzamos.

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Formados en Queens , Nueva York, en 1981 por el guitarrista Scott Ian y (por aquellos días también guitarrista) Dan Lilker. La banda lleva el nombre de la enfermedad del mismo nombre que Ian vio en un libro de texto de biología, elegida porque sonaba “suficientemente malvada”. La formación inicial de Anthrax estaba compuesta por el cantante John Connelly, el batería Dave Weiss y el bajista Paul Kahn. Kahn fue reemplazado brevemente por el bajista Kenny Kushner antes de que Lilker se hiciera cargo del bajo y Greg Walls se uniera como guitarrista principal. Weiss fue reemplazado por Greg D’Angelo. El hermano menor de Scott Ian, Jason Rosenfeld, fue vocalista temporal hasta que el ex compañero de escuela de Ian, Neil Turbin, se unió a la banda a finales de agosto de 1982. En esos días la banda grabó su primera demo. El guitarrista Greg Walls dejó Anthrax en el verano del 83 y fue reemplazado por Bob Berry, quien pronto fue reemplazado por Dan Spitz, quien anteriormente fue miembro de la banda de thrash de Nueva Jersey Overkill. Poco después se grabó una segunda demo. El bateria Charlie Benante reemplazó a D’Angelo (más tarde de White Lion) en septiembre de 1983.

“1983, con Turbin y Lilker”

A finales de 1983, el sello discográfico “Megaforce Records” de Jon Zazula, (quien había lanzado recientemente el álbum debut de Metallica, “Kill ‘Em All”, con gran éxito), accedió a firmar con Anthrax y la banda grabó el single “Soldiers of Metal”, producido por Ross the Boss (Manowar). El lado B era la canción “Howling Furies” rescatada de una demo anterior con Greg D’Angelo en la batería (su única grabación con ellos). Anthrax lanzó su álbum debut “Fistful of Metal” en enero de 1984. Sin embargo, las tensiones aumentaron entre Lilker y el resto de la banda, quienes argumentaron su “poca destreza con el bajo”, lo que finalmente llevó a la banda a despedir a Lilker, siendo reemplazado por el sobrino y roadie de Benante, Frank Bello.

En agosto de 1984, Neil Turbin y Anthrax tomaron caminos separados, Turbin había contribuido con ideas de canciones, letras, títulos y arreglos a la mayoría de las canciones del álbum, pero Ian y Benante sentían que necesitaban un control más estricto de la composición, yTurbin se vio obligado a dejar la banda. El periodista musical Eddie Trunk declaró años mas tarde que presionó a Zazula y Anthrax para que despidieran a Turbin de la banda. El cantante Matt Fallon fue contratado brevemente a finales de 1984, pero él y la banda pronto se separaron. Los miembros restantes decidieron tocar en vivo como un cuarteto anunciado como The Diseased, con Scott Ian en la voz, interpretando versiones de hardcore punk hasta que se pudiera encontrar un cantante permanente. En 1985, Joey Belladonna, quien no estaba demasiado familiarizado con el thrash metal, fue elegido como nuevo vocalista. El E.P. “Armed and Dangerous” marcó el debut discográfico de Belladonna ( y el de Frank Bello) a pesar de que incluía dos pistas en vivo de 1984 y las dos canciones del single “Soldiers of Metal” que tenían a Neil Turbin como vocalista.

“Spitz, Benante, Belladonna, Ian y Bello, sin duda los verdaderos Anthrax”

El segundo álbum de Anthrax, “Spreading the Disease”, fue lanzado en octubre de 1985. Este fue el último álbum de Anthrax que incluyó la composición de canciones de Turbin, ademas de ser el primero en presentar la composición del bajista Dan Lilker después de su salida de la banda. En 1986 Anthrax realizó una gira por Europa con Metallica, la gira se suspendió tras el accidente de autobús en el que murió al bajista de Metallica Cliff Burton.

El tercer trabajo de la banda “Among the Living” apareció en marzo de 1987, logrando el status de Oro en 1990. El álbum mostraba “el lado humorístico” y experimental de la banda, comenzando una tendencia lírica centrada en películas, cómics y novelas de Stephen King. “Among the Living” se basa en la novela de Stephen King “The Stand” (Apocalipsis en España), “I Am the Law” es un tributo al héroe del cómic Judge Dredd, numerosos personajes, escenarios y elementos de la historia del universo ficticio de Dredd se mencionan en la letra de la canción, siendo el título el eslogan del personaje. “Efilnikufesin (NFL)” (“nise fukin life” escrito al revés y traducido como “buena vida de mierda”) trata sobre la adicción a las drogas y la muerte del comediante John Belushi, así como “A Skeleton in the Closet” se basa en la novela de Stephen King “Apt Pupil” de la colección “Different Seasons”. El álbum estaba dedicado a la memoria de Cliff Burton. “I Am the Law” se publicó como sencillo respaldado por “I’m the Man”, un híbrido entre rap y metal.

“Y Belladonna dijo adios”

Anthrax regresó en 1988 con su cuarto álbum “State of Euphoria”, que alcanzó el número 30 en la lista Billboard 200 ademas de ser certificado Oro en 1989. El álbum continua con su linea de utilizar referencias de novelas/cine, con temas basados en novelas de Stephen King y películas de David Lynch, así como critica social. En 1990 Anthrax lanzó “Persistence of Time”, su trabajo mas “serio”, que superó el éxito de su trabajo anterior siendo más oscuro, más técnico y más progresivo, abandonando el “humor” y las referencias a los cómics/novelas/cine que eran comunes en sus álbumes anteriores. “Persistence of Time” llegó al Nº24 en la lista Billboard 200 y fue certificado oro en 1991. El álbum fue nominado en 1991 al Grammy en la categoría de Mejor Interpretación de Metal. Durante la composición del disco, el local de ensayo de la banda sufrió un incendio perdiendo mas de 100.000 dolares en equipo.

“buenos tiempos para el rap-metal”

En 1991, Anthrax colaboró ​​con Public Enemy en una versión de “Bring the Noise”. “Attack of the Killer B’s”, un álbum recopilatorio de caras B , versiones y rarezas, fue lanzado ese mismo año y contó con tres pistas de su E.P. “Penikufesin” de 1989, una nueva versión de “I’m the Man” y una versión de “Bring the Noise” en la que Ian hizo algunas voces. A finales de 1992, el cantante Joey Belladonna fue despedido de Anthrax por diferencias creativas y estilísticas.

Después de despedir a Belladonna, los miembros restantes de Anthrax audicionaron a varios vocalistas, John Bush, vocalista de Armored Saint, fue el elegido, de hecho, había sido presentado como un posible reemplazo de Belladonna unos años antes debido al abuso de drogas y alcohol por parte de este. La banda firmó con “Elektra”, lanzando “Sound of White Noise” en 1993, lo que significo un cambio con el trabajo anterior de Anthrax, con un sonido mas oscuro influenciado por el rock alternativo, a pesar de ello el álbum recibió críticas en su mayoría positivas, debutando en el puesto número 7 en las listas de Billboard 200, la posición más alta de Anthrax en las listas, ademas de alcanzar el oro. Después de “Sound of White Noise”, el guitarrista Dan Spitz dejó la banda, dejando a Anthrax como cuarteto durante dos años.

“Live: The Island Years” lanzado en 1994, fue el primer álbum en vivo de Anthrax, cuyo lanzamiento se debió a obligaciones contractuales restantes con su anterior compañía discográfica, tras la firma de la banda con “Elektra”. Como tal, la lista de canciones está elaborada a partir de dos fuentes dispares: la banda sonora del anterior vídeo casero de la banda “Live Noize”, grabado en 1991 y cintas de un concierto grabado en 1992 .El álbum presenta al vocalista Joey Belladonna, quien había sido reemplazado por John Bush dos años antes.

“Bush entra en escena…el cantante, no el presidente de U.S.A.”

En 1995, Anthrax lanzó su séptimo álbum de estudio “Stomp 442” (único álbum que no presenta el logotipo tradicional de la banda), en el que Charlie Benante interpretó la mayoría de las partes de la guitarra principal siendo asistido por Dimebag Darrell de Pantera y Paul Crook, quien más tarde se convirtió en el guitarrista principal de gira de la banda durante varios años. Debido a la escasa promoción del álbum, este tuvo menos éxito comercial que su predecesor, lo que hizo que Anthrax rompiera sus vínculos con el sello. La banda lanzo “Volumen 8: The Threat Is Real” en 1998, un trabajo con un sonido cercano al creciente Nu Metal. Al igual que en su anterior trabajo, Benante interpretó partes de guitarra principal junto con Crook y Darrell. Un año mas tarde se publicó el álbum de grandes éxitos “Return of the Killer A’s” que contiene la versión de “Ball of Confusion” (The Temptations) siendo la primera grabación de Anthrax con el ex cantante Joey Belladonna desde 1991, y la primera con el ex bajista Dan Lilker desde 1984. Ninguno de los dos permanecería con la banda después de la grabación de esa canción. Se planteó una gira con los dos vocalistas, Belladonna y Bush, pero Belladonna decidió no participar en el último minuto.

“No vamos a cambiar nuestro nombre”

A pesar de las dificultades y los enredos legales sobre los derechos del álbum, Anthrax continuó y en 2001, Rob Caggiano, guitarrista/productor se unió a la banda como guitarra solista. Durante los ataques de ántrax de 2001 en los Estados Unidos, la banda cambió su sitio web y bromeo sobre la posibilidad de cambiar el nombre de la banda. En 2003, la banda lanzó su noveno álbum de estudio, “We Come for You All” que a pesar de reactivar la banda de nuevo, no llego a ser un álbum “vendedor”.

En 2004, aparece “The Greater of Two Evils”, con canciones originalmente cantadas por Neil Turbin y Joey Belladona regrabadas por la alineación de Anthrax en esos días y “Music of Mass Destruction” segundo álbum en vivo de Anthrax que aparecio tanto en CD como en DVD. El bajista Frank Bello anunció poco después que dejaría la banda para unirse a Helmet, reemplazado por el miembro de Fates Warning y Armored Saint Joey Vera. En abril de 2005, se anunció que la formación “clásica” de Anthrax (Scott Ian, Charlie Benante, Dan Spitz, Joey Belladonna y Frank Bello) se reuniria para una gira. Aunque se esperaba que la formación grabara un nuevo álbum después de la gira, tanto Belladonna como después Bush, declinaron la oferta, lo que si se publicó fue “Alive 2”, tercer álbum en vivo y segundo DVD en vivo de la banda que incluye al entonces ex vocalista Joey Belladonna y al ex guitarrista Dan Spitz.

“Breve paso el de Dan Nelson -segundo izd- por la banda”

En diciembre de 2007, se anunció que el nuevo vocalista de la banda sería Dan Nelson y que Rob Caggiano regresaría como guitarrista principal. En julio, el manager de la banda confirmó la salida de Dan Nelson debido a una enfermedad. Nelson lo negó, diciendo que fue despedido. Todas las actuaciones posteriores fueron canceladas excepto el Festival Sonisphere del Reino Unido (y otras cinco en 2010), que contó con John Bush como vocalista.

A finales de 2009, Anthrax confirmó su participación en varios conciertos de los “Big Four” con Metallica, Megadeth y Slayer como parte de las fechas del Festival Sonisphere 2010 en Europa. John Bush decidió que no quería comprometerse con la banda a tiempo completo y dejó Anthrax por segunda vez, con Joey Belladonna regresando a la banda a principios de 2010. Uno de los shows de la gira (Sogia, Bulgaria), fue transmitido en cines y luego lanzado en DVD y Blu-ray.

“Worship music” fue lanzado el 12 de septiembre de 2011 y debutó en el puesto número 12 en las listas de álbumes Billboard Top 200, su posición más alta desde “Sound of White Noise” en 1993. Este trabajo fue calificado como una vuelta a las raíces de la banda. En enero de 2013, Anthrax anunció que el guitarrista principal Rob Caggiano había dejado la banda para unirse a Volbeat. Poco después se anunció que Jonathan Donais de Shadows Fall había sido contratado como guitarrista principal de gira de la banda, entrando como miembro oficial en agosto de ese año. En marzo, Anthrax lanzó el E.P. “Anthems” con versiones de rock de la década de 1970, así como dos nuevas versiones de la canción “Crawl” de “Worship Music”. Un año después se publicó un DVD en vivo, “Chile on Hellen” que contó con la actuación de la banda en 2013 en el Teatro Caupolican en Santiago, Chile. La banda lanzó en 2016 su undécimo álbum de estudio titulado “For All Kings”, ingresando en el número 9 en la lista Billboard 200, marcando la primera vez que la banda ha tenido un álbum en el top 10 de la lista desde “Sound of White Noise”, que fue lanzado en 1993 y debutó en el número 7. Sin duda un álbum con un sonido y una producción mas acorde con los tiempos que corren. En 2018 se publicó el DVD en vivo “Kings Among Scotland” grabado durante su gira de 2017 en Escocia.

“Ultima formación con Bello, Ian, Belladonna, Benante y Donais”

El grupo es considerado uno de los líderes de la escena thrash metal de los 80 y ademas de ser una de las primeras bandas del genero (junto con Overkill y Nuclear Assault) en emerger de la costa este. La banda ha lanzado 11 álbumes de estudio y 26 sencillos, vendiendo 2,5 millones de discos en los Estados Unidos de 1991 a 2004, con ventas mundiales de 10 millones. En sus primeros álbumes exhibía un sonido típico de thrash-metal y era conocido por el humor y las referencias a los cómics en las letras, distinguiendo a la banda de sus contemporáneos. En 1993 con la publicación de “Sound of White Noise” (el primer trabajo con el cantante John Bush), el grupo incorporó influencias del grunge y el metal alternativo en una linea más oscura, con un sonido más alternativo y groove metal. Desde la vuelta del cantante Joey Belladonna la banda ha vuelto a sus orígenes con un sonido mas refinado, así como producciones mas pesadas. Y con uno de sus miembros “originales” seguimos, el guitarrista Dan Spitz y su banda Red Lamb.

En 1995, Spitz dejó Anthrax para seguir una carrera en la relojería suiza de lujo, asistiendo a la escuela de relojería suiza “WOSTEP” con una beca completa. Fue certificado como Especialista en Complicaciones Mecánicas, obtuvo títulos suizos en ingeniería micro-mecánica y abrió su propio servicio de relojes de lujo para las operaciones norteamericanas de la empresa de relojes suizos “Chopard”. Spitz se regresó a Anthrax para una gira de reunión en 2005, apareciendo en el DVD “Alive 2”, dejando la banda nuevamente en 2008 para volver a su carrera como relojero. En 2010, Spitz formó una nueva banda de rock/metal cristiano, Red Lamb, nacida de las cenizas de su anterior banda DeuxMonkey, junto al vocalista Wade Black (Crimson Glory, Seven Witches), el bajista Peter Baltes (Accept) y el batería Patrick Johansson (Yngwie Malmsteen, W.A.S.P.), pero Black dejó la banda y el proyecto se transformó en Red Lamb. El álbum debut homónimo de Red Lamb fue lanzado en febrero de 2012 coproducido por Spitz junto a Dave Mustaine (Megadeth) quien escribió junto a Spitz las letras del álbum. La canción “Puzzle Box”, trata sobre el autismo, enfermedad que se diagnosticó a sus dos hijos gemelos a los 16 meses de edad. Desde entonces Spitz es un ferviente activista en la lucha contra esta enfermedad. El primer trabajo de Red Lamb ademas de contar con Spitz en las guitarras, contaba con el vocalista Don Chaffin, Chris Vrenna a los teclados, el bajista Randy Coven y el batería Patrick Johansson, este ultimo miembro, entre otras bandas, de este grupo Sueco/Esdadounidense llamado NorthTale.

Grupo de power metal formado a finales de 2017 por el guitarrista brasileño Bill Hudson, inicialmente como un proyecto en solitario mientras estaba de gira con UDO. Hudson reclutó a Christian Eriksson (Twilight Force) como vocalista y al batería de Yngwie Malmsteen Patrick Johansson. Los tres se conocían de coincidir en giras conjuntas con sus respectivas bandas. Para completar la banda, Eriksson contrató a su compañero sueco Mikael Planefeldt y a Jimmy Pitts como teclista. Su primer trabajo “Welcome to Paradise” se publicó en 2019. En junio de 2020, NorthTale anunció la marcha de Christian Eriksson, por diferencias musicales con respecto a su segundo álbum. Para ser sinceros el grupo no tiene nada nuevo que ofrecer, ya que el sonido y las composiciones del álbum no abandona el rol del Power Metal con temas rápidos y grandilocuentes tan típicos de este estilo, lo mas destacable sin duda es su guitarrista y creador Bill Hudson quien trabajó con la Trans-Siberian Orchestra, con las bandas alemanas de heavy metal UDO y Dirkschneider, ambas lideradas por el ex vocalista de Accept Udo Dirkschneider, la banda estadounidense de death metal I Am Morbid, con el ex líder de Morbid Angel, David Vincent, así como con Savatage, Jon Oliva’s Pain, Power Quest y esta buenisima banda con la que continuamos, Circle II Circle.

Circle II Circle es una banda estadounidense formada en 2001 por el ex vocalista de Savatage, Zachary Stevens. La banda se distingue por tocar géneros variados de metal, como el heavy metal tradicional, power metal y metal progresivo. Desde 2003 hasta hoy Circle II Circle ha lanzado siete álbumes de estudio, en los dos primeros contaba con la participación del ex cantante de Savatage Jon Oliva y el guitarrista Chris Caffery tanto en la composición como tocando en ellos. El grupo ha pasado por innumerables cambios de miembros, sin llegar a tener una base solida duradera. Y ya que el nombre de Savatage ha aparecido varias veces que mejor que continuar con ellos.

Banda de la que ya hablamos en anteriores episodios y que sin duda es considera como un miembro importante del movimiento de heavy metal estadounidense de principios y mediados de la década de 1980, ademas de ser una influencia clave en muchos géneros, como power metal, metal progresivo, speed metal, thrash metal, death metal y metal sinfónico. A pesar de todo ello, como ya dijimos en otro episodio, Savatage no ha sido una banda demasiado importante dentro del heavy metal, teniendo en cuenta la calidad tanto de sus composiciones como de su directo, todo ello acompañado de unos músicos de una calidad indiscutible como sus fundadores, los hermanos Oliva (Jon y Chris, voz/teclado y guitarra respectivamente), el vocalista Zachary Stevens, y los guitarristas Chris Caffery, Al Pitrelli y Alex Skolnick, este ultimo mas conocido por su trabajo en la banda que viene a continuación, Testament.

Banda estadounidense de thrash metal formada en 1983 bajo el nombre de Legacy. Testament es sin duda una de las bandas más populares e influyentes de la escena del thrash metal, así como uno de los líderes de la segunda ola del género de finales de los 80. Después de firmar con Atlantic Records en 1986, y cambiar su nombre de Legacy a Testament, lanzaron su álbum debut “The Legacy” en 1987, seguido un año después por “The New Order”. Sus siguientes cuatro álbumes de estudio: “Practice What You Preach” (1989), “Souls of Black” (1990), “The Ritual” (1992) y “Low” (1994) continuaron con el éxito de la banda, llegando el primero de los tres a entrar en el Top 100 de la lista Billboard 200. A lo largo de su carrera, Testament ha experimentado varios resurgimientos de popularidad, con sus dos últimos álbumes de estudio, “Dark Roots of Earth” (2012) y “Brotherhood of the Snake” (2016), entrando en el Top 20 en el Billboard 200. La banda lanzó su último álbum de estudio, “Titans of Creation”, el 3 de abril de 2020. La formación actual de la banda está formada por los guitarristas Eric Peterson y Alex Skolnick, el vocalista Chuck Billy, el batería Gene Hoglan y el bajista Steve Di Giorgio quien nos lleva a nuestra siguiente banda, bueno, en este caso solista.

Sebastian Philip Bierk, conocido profesionalmente como Sebastian Bach, es un cantante canadiense que alcanzó el éxito como líder de la banda de heavy metal Skid Row de 1987 a 1996. Mas tarde, actuó en Broadway ademas de realizar apariciones en cine y televisión. Tras ser despedido de Skid Row en 1996, Bach formó The Last Hard Men, con el guitarrista de Frogs Jimmy Flemion, el guitarrista de Breeders contratado para tocar el bajo Kelley Deal y el bateria de Smashing Pumpkins Jimmy Chamberlin . El grupo grabó un álbum homónimo de larga duración para Atlantic Records , que luego optó por no publicarlo, lanzándose en 1998 en una edición muy limitada y sin apoyo por parte de otra compañía. En 1999, Bach lanzó su álbum debut en solitario “Bring ‘Em Bach Alive!”, un álbum en vivo de canciones de Skid Row ademas de cinco nuevas grabaciones de estudio. Entre 2000 y 2003, Bach comenzó a actuar en producciones de Broadway (Jekyll & Hyde, The Rocky Horror Show y Jesus Christ Superstar). En 2007 publica “Angel Down” primer lanzamiento que presenta todo el material original grabado en estudio y donde aparece el bajista Steve DeGiorgio. “Kicking & Screaming” se lanzó en 2011 debutando en el Billboard Top 200 Album Chart en el puesto 73. “Give ‘Em Hell”, su “tercer” trabajo con material original apareció en 2014 y contaba con la participación de Duff McKagan (Guns & Roses) al bajo y los guitarristas Steve Stevens (Billy Idol) y John 5 (Marilyn Manson). En 2019, Bach realizó una gira con motivo del 30 aniversario del álbum debut homónimo de Skid Row, tocándolo en vivo en su totalidad. Otro de los músicos que lleva mucho tiempo colaborando con Bach seguimos, el batería Bobby Jarzombek, miembro entre otros de bandas como Riot, Halford, Iced Earth y actualmente miembro de la banda de metal progresivo Fates Warning.

Fates Warning es una banda estadounidense de metal progresivo formada en 1982 por el vocalista John Arch, los guitarristas Jim Matheos y Victor Arduini, el bajista Joe DiBiase y el batería Steve Zimmerman. Grupo pionero del movimiento de metal progresivo, Fates Warning es uno de los llamados “Tres Grandes” del género, junto con Queensrÿche y Dream Theater, bandas responsables de la creación, desarrollo y popularización del metal progresivo. Su trabajo inicial, influenciado por la nueva ola de heavy metal británico, también fue importante en el desarrollo del power metal estadounidense. Fates Warning ha lanzado doce álbumes de estudio, dos álbumes en vivo, un álbum recopilatorio, y tres DVDs (todos ellos en vivo). La banda experimentó un gran éxito comercial en EE.UU con el lanzamiento en 1986 de su tercer álbum de estudio, “Awaken the Guardian”, que alcanzó el puesto 191 en el Billboard 200, convirtiendose en el primer álbum lanzado en Metal Blade en entrar en esa lista. Sus siguientes tres álbumes, “No Exit” (1988), “Perfect Symmetry” (1989) y “Parallels” (1991), también alcanzaron cierto éxito. Fates Warning ha experimentado numerosos cambios de alineación, de 1982 a 1996, y temporalmente en 2010, Matheos y DiBiase fueron los únicos miembros originales restantes de la banda, siendo el primero el único miembro constante. Su formación actual está formada por el guitarrista Jim Matheos, el vocalista Ray Alder, el batería Bobby Jarzombekel y bajista Joey Vera, otro musico de lujo que entre su curriculum aparece esta banda llamada Armored Saint.

Formada en 1982, por los hermanos Phil Sandoval (guitarra principal) y Gonzo Sandoval (batería) con el guitarrista Dave Prichard a los que mas tarde se les unió John Bush a la voz y Joey Vera al bajo. Armored Saint lanzó su álbum debut “March of the Saint” en 1984 seguido por “Delirious Nomad” de 1985, momento en el que el guitarrista Phil Sandoval dejó el grupo. Su tercer álbum lanzado en 1987 “Raising Fear”, fue grabado por los cuatro miembros restantes. Poco después del lanzamiento de su primer álbum en vivo “Saints Will Conquer” y una formación de corta duración que incluía a Alan Barlam (entonces guitarrista de Hellion), Armored Saint agregó a Jeff Duncan (Odin), como guitarrista rítmico, mientras que Gonzo Sandoval dejó brevemente la banda siendo reemplazado por Eddie Livingston. El guitarrista Dave Prichard murió de leucemia el 27 de febrero de 1990, poco antes de que comenzaran las sesiones de grabación de “Symbol of Salvation”, lanzado en 1991 con bastante éxito. Después de una breve pausa, los hermanos Sandoval regresaron a la banda. En 1992, la banda contribuyó con la canción “Hanging Judge” a la banda sonora de Hellraiser III: Hell on Earth , incluida una breve aparición en la película. Varios meses después, a John Bush le ofrecieron el puesto de vocalista en Anthrax, inseguro del futuro de Armored Saint, Bush aceptó el trabajo. Los hermanos Sandoval intentaron audicionar a nuevos miembros para continuar con la banda, pero después de muchos intentos fallidos, Armored Saint se disolvió oficialmente. En 1999, con Anthrax en pausa temporal, John Bush y Joey Vera decidieron reformar Armored Saint. Toda la formación de “Symbol of Salvation” regresó al estudio, y en 2000 se lanzó el álbum “Revelation”. Al año siguiente, la banda lanzó “Nod to the Old School”, una colección de rarezas, demos y tomas descartadas (muchas de los años de Prichard), además de algunas pistas nuevas. La banda lanzó su sexto álbum titulado “La Raza” en 2010 seguido de “Win Hands Down” en 2015 y de su primer álbum en vivo en 29 años, “Carpe Noctum” publicado en 2017. Y de esta manera su cantante John Bush nos lleva a los protagonistas de este episodio, Anthrax. Espero que hayáis disfrutado de la lectura. Un saludo y recuerda…Sube el volumen y disfruta!!!

Programa Nº21

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Bienvenidos a una nueva entrada de Rock en Cadena. Volvemos a los años 80 con una de las bandas británicas mas importantes de esa década, una banda “llena estadios” con unas cifras de ventas de discos envidiables, ellos son Def Leppard. Comenzamos.

La banda, llamada originalmente Atomic Mass, estaba compuesta por Pete Willis en la guitarra, Rick Savage en el bajo y Tony Kenning en la batería, corría el año 1977. Con solo 18 años en ese momento, Joe Elliott hizo una prueba para la banda como guitarrista tras un encuentro casual con Willis después de perder un autobús en noviembre de 1977. Durante su audición se decidió que era más adecuado para ser el cantante principal. Elliott propuso el nombre “Deaf Leopard”, nombre que originalmente pensó mientras diseñaba carteles de bandas en la clase de arte. A sugerencia de Kenning, la ortografía se modificó ligeramente para que el nombre se pareciera menos al de una banda punk. En enero de 1978, Steve Clark se unió a la banda.

“Todo tiene un principio”

En noviembre, justo antes de las sesiones de grabación de lo que sería un lanzamiento de tres canciones conocido como “The Def Leppard E.P.”, Kenning abandonó la banda, siendo reemplazado para esas sesiones por Frank Noon. A finales de mes, Rick Allen , que entonces solo tenía 15 años, se unió a la banda como nuevo batería. Las ventas del E.P. se dispararon gracias al tema “Getcha Rocks Off” emitido repetidamente por el famoso DJ de BBC Radio 1, John Peel.

A lo largo de 1979, la banda consiguió una legión de fans entre los fanáticos del hard rock y el heavy metal británicos y fueron encumbrados entre los líderes de la nueva ola del movimiento de heavy metal británico. Su creciente popularidad les llevó a un contrato discográfico con el principal sello Phonogram/Vertigo (Mercury Records en los Estados Unidos). El álbum debut de Def Leppard, “On Through the Night”, fue lanzado el 14 de marzo de 1980. Aunque el álbum alcanzó el Top 15 en el Reino Unido, muchos de los primeros fans se decepcionaron tras intuir que la banda estaba tratando de atraer demasiado a las audiencias estadounidenses grabando canciones como “Hello America” ​​y haciendo más giras en los Estados Unidos (como apoyo a Pat Travers, AC/DC y Ted Nugent).

Durante una actuación en el Festival de Reading en agosto de ese mismo año se vio empañada cuando la audiencia expresó su descontento al arrojar a la banda latas de cerveza y botellas llenas de orina. Este incidente se atribuyó parcialmente a una portada de la revista Sounds, en la que se leía: “¿Ha cambiado Leppard de sito?”, acusando a la banda de venderse en el mercado estadounidense.

“Insert de High n´Dry”

Para entonces, la banda había llamado la atención del productor de AC/DC, Robert John “Mutt” Lange , quien aceptó trabajar en su segundo álbum, “High ‘n’ Dry”, lanzado el 6 de julio de 1981. El enfoque meticuloso de Lange en el estudio les ayudó a comenzar a definir su sonido. A pesar de las bajas cifras de ventas del álbum, el vídeo de la banda para ” Bringin ‘On the Heartbreak ” se convirtió en uno de los primeros vídeos de metal reproducidos en MTV en 1982, lo que le dio a la banda una mayor visibilidad en los Estados Unidos. Después del lanzamiento del álbum, siguieron las giras europeas y americanas.

Hacia el final de las sesiones de grabación de su tercer álbum, “Pyromania”, lanzado el 20 de enero de 1983 y también producido por Lange, Willis, fue despedido por abuso excesivo de alcohol y fue reemplazado por el guitarrista Phil Collen, quien contribuyó con algunos solos de guitarra y partes de guitarra adicionales que aún no habían sido grabadas por Willis. El sencillo principal, “Photograph”, convirtió a Def Leppard en un grupo popular, reemplazando a “Beat It” de Michael Jackson como el vídeo más solicitado en MTV. El álbum fue un cambio de las raíces tradicionales del heavy metal de la banda hacia un glam metal y hard rock más “comercial”

“Phil Collen ya aparece en los vídeos”

“Pyromania” vendió seis millones de copias en 1983 (más de 100.000 copias cada semana en ese año) y se mantuvo en la cima de las listas de éxitos de EE.UU. sólo eclipsados por “Thriller” de Michael Jackson . El éxito del álbum, fue el catalizador del movimiento “pop-metal” de los 80. En 2004, “Pyromania” obtuvo la certificación Diamante y vendió más de 10 millones de copias en Estados Unidos. En 1983 y tras su gran éxito, la banda comenzó a escribir un nuevo album. Mutt Lange se unió inicialmente a las sesiones de composición de canciones, pero luego de repente se negó a regresar como productor debido al agotamiento. Jim Steinman (productor del “Bat Out of Hell” de Meat Loaf) fue contratado. Sin embargo, Steinman trabajó brevemente con la banda.

“Monsters of Rock 1986”

El 31 de diciembre de 1984, el batería Rick Allen perdió el brazo izquierdo en un accidente automovilístico. Allen conducía con su novia holandesa, Miriam Barendsen, cuando su Corvette se salió de la carretera en una curva cerrada y atravesó un muro de piedra. A pesar de la gravedad del accidente, Allen se comprometió a continuar con su papel como batería de Def Leppard, usando sus piernas para hacer parte del trabajo de batería que antes hacía con los brazos. Trabajó con la compañia Simmons para diseñar una batería electrónica personalizada. Los otros miembros de la banda apoyaron la recuperación de Allen y nunca buscaron un reemplazo. Durante este período, Mutt Lange regresó como productor. Def Leppard trajo a Jeff Rich, batería de Status Quo, en agosto de 1986 para tocar junto a Allen durante la mini gira de calentamiento de Def Leppard por Irlanda hasta que Allen pudiera tocar solo. El regreso de Allen se selló en Monsters of Rock de 1986.

Después de más de tres años de grabación, el cuarto álbum de Def Leppard, “Hysteria” , fue lanzado el 3 de agosto de 1987. Uno de los primeros sencillos del álbum, “Animal”, se convirtió en el primer Top 10 de la banda en el Reino Unido, alcanzando el Nº6 en la lista de singles del Reino Unido. “Animal” también comenzó su racha de diez sencillos consecutivos en el Top 40 del Billboard Hot 100 de EE.UU.” Hysteria” encabezó inmediatamente las listas de álbumes del Reino Unido en su primera semana de lanzamiento, pasando 105 semanas en la lista. Las ventas iniciales en Estados Unidos fueron relativamente bajas (en comparación con “Pyromania”) hasta el lanzamiento del cuarto single, “Pour Some Sugar on Me”. La canción alcanzó el número 2, e “Hysteria” finalmente alcanzó la cima del Billboard 200 de EE.UU. en julio de 1988.

“Hysteria” es uno de los pocos álbumes que tiene siete sencillos o más en el Hot 100 de EE.UU.: “Women” (#80), “Animal” (#19), “Hysteria” (#10), “Pour Some Sugar on Me “(# 2),” Love Bites “(# 1),” Armageddon It “(# 3) y” Rocket “(# 12). Permaneció en las listas durante tres años y ha vendido más de 25 millones de copias en todo el mundo. Igualmente de exitosa fue la gira de acompañamiento de 16 meses, en la que la banda actuaba en un escenario circular.

“Su famoso escenario circular, también usado en la gira de “Adrenalize”.

Después de “Hysteria”, la banda se dispuso rápidamente a trabajar en su quinto álbum, con la esperanza de evitar otra brecha prolongada. El alcoholismo de Steve Clark empeoró hasta el punto de que constantemente entraba y salía de rehabilitación. Las sesiones de grabación sufrieron esta distracción y, a mediados de 1990, se le concedió a Clark un “permiso” de seis meses fuera de la banda. Clark murió en su casa de Londres a causa de una mezcla de medicamentos recetados y alcohol el 8 de enero de 1991. Los miembros restantes de la banda decidieron continuar y grabaron el álbum como un cuarteto. El quinto álbum de Def Leppard, “Adrenalize” , fue finalmente lanzado el 31 de marzo de 1992. El álbum entró simultáneamente en el número uno en las listas de álbumes del Reino Unido y Estados Unidos, permaneciendo en este último durante cinco semanas. Entre finales de 1991 y principios de 1992, comenzaron las audiciones para otro guitarrista. Entre los guitarristas que audicionaron se encontraban Adrian Smith, John Sykes y Gary Hoey. Al final, la banda eligió a Vivian Campbell (Dio y Whitesnake). En abril de 1992, Def Leppard apareció en el concierto tributo a Freddie Mercury en el estadio de Wembley, interpretando tres canciones, “Animal”, “Let’s Get Rocked” y ” Now I’m Here ” de Queen con el guitarrista Brian May . Joe Elliott interpretó más tarde “Tie Your Mother Down” con los miembros restantes de Queen y el guitarrista de Guns N ‘Roses, Slash. Ese concierto sirvió como presentación del nuevo guitarrista. La banda se embarcó en una nueva gira mundial pero la suerte de la banda comenzó a verse afectada por el auge del grunge.

Una colección de caras B y pistas inéditas grabadas entre 1984 y 1993, llamada “Retro Active”, fue lanzada en octubre de 1993, precedida por el éxito de la balada acústica “Two Steps Behind” (de la película Last Action Hero de Arnold Schwarzenegger). “Retro Active” ha vendido 3 millones de copias en todo el mundo hasta la fecha. En 1995, Def Leppard publicó su primera colección de grandes éxitos, “Vault: Def Leppard Greatest Hits (1980-1995)”, que alcanzó el número 3 en el Reino Unido y vendió más de 5 millones de copias en los Estados Unidos. El álbum incluyó una nueva pista, la balada “When Love & Hate Collide”, que se convirtió en su mayor éxito en el Reino Unido, alcanzando el nº 2 en la lista de singles de ese país.

“Malos tiempos para el hard rock. ¿Adaptarse o morir?”

El 23 de octubre de 1995, la banda ingresó en el Libro Guinness de los Récords al realizar tres conciertos en tres continentes en un día (Tánger, Marruecos; Sheffield, Inglaterra; y Vancouver, Canadá).Su siguiente album, “Slang”, lanzado en mayo de 1996, marcó un cambio musical drástico para la banda al presentar letras más oscuras y un toque de rock alternativo. La recepción de la audiencia estadounidense para Slang y su gira posterior significo un descenso importante de éxito con respecto a la década anterior.

Tras un repunte de popularidad en USA, Def Leppard volvió a su sonido clásico con el álbum de 1999 “Euphoria”. El primer sencillo, “Promises”, reunió a la banda con Mutt Lange (ayudando en la composicion) llegando al #1 en las listas de Mainstream Rock de Estados Unidos durante tres semanas. En 2001, VH1 produjo y emitió “Hysteria – The Def Leppard Story”, una película biográfica que narraba la historia de la banda entre 1977 y 1986. El octavo álbum de Def Leppard, “X” , vio como la dirección musical de la banda se movia más hacia el pop y se alejaba de las raíces del hard rock de la banda. El álbum se convirtió en el menos exitoso de la banda, llegando al nº 11 en los EE.UU. y al nº 14 en las listas británicas. El 23 de mayo de 2006, Def Leppard lanzó un álbum de versiones titulado “Yeah!” . El disco era un homenaje a las canciones de rock clásico de su infancia, originalmente grabadas por Blondie, The Kinks, Sweet, ELO y Badfinger entre otros. Debutó en el número 16 en los EE.UU., siendo su décimo álbum Top 20 consecutivo. El 25 de abril de 2008, Def Leppard lanzó su primer álbum con nuevo material de estudio en seis años, “Songs from the Sparkle Lounge”. El álbum debutó en el número 5 del Billboard 200 en los EE.UU.

“En Las Vegas, a lo Sinatra”

En 2011, la banda lanzó su primer álbum en directo titulado “Mirror Ball – Live & More”, un álbum en vivo de dos discos, con tres nuevas pistas de estudio. El año siguiente, Def Leppard realizó una residencia de once espectáculos en el Hard Rock Hotel and Casino en Las Vegas, Nevada, del 22 de marzo al 13 de abril de 2013. La residencia, conocida como “Viva! Hysteria”, contó con un espectáculo de dos partes, con la primera mitad con Def Leppard abriendo para ellos, bajo el alias “Ded Flatbird“, (en broma llamada la mejor banda de covers de Def Leppard en el mundo), cuando luego tocaban canciones rara vez interpretadas en vivo. El set de apertura varió cada noche, desde tocar los mejores éxitos de álbumes como “On Through the Night”, “Slang” y “Euphoria”, a ser toda la primera mitad de High ‘n’ Dry. La segunda mitad, y “evento principal” fue Def Leppard, interpretando ellos mismos su álbum más vendido, “Hysteria” , de principio a fin. Un álbum en vivo, también titulado “Viva! Hysteria” fue lanzado el 22 de octubre de 2013.

En junio de 2013, Vivian Campbell anunció que había desarrollado linfoma de Hodgkin, una forma maligna de cáncer que afecta a las células de Reed-Sternberg, ubicadas en los ganglios linfáticos. Continuó actuando con Def Leppard, y no se cancelaron ni reprogramaron espectáculos. La sola idea de cancelar cualquier programa y no hacer nada disgustó a Campbell, creyendo que actuar sería la mejor “terapia” ante la enfermedad. En noviembre de 2013, anunció que estaba en remisión . Sin embargo, el cáncer resurgió y volvió a recibir quimioterapia. El undécimo álbum de estudio, titulado “Def Leppard” se lanzó el 30 de octubre de 2015. El álbum fue grabado en el estudio casero de Elliot, llamado Joe’s Garage, en Dublín , Irlanda.

Durante el descanso que siguió a su gira de 2015, Def Leppard dirigió el crucero de conciertos “Hysteria on the High Seas” a bordo del MSC Divina en enero de 2016. Joe Elliott enfermó de laringitis la noche de su actuación en el crucero. Esto llevó a la banda a actuar sin Elliott por primera vez en su historia. Vivian Campbell y Phil Collen cantaron como voces principales en dos canciones (de las siete que tocaron), además de dos canciones con la voz de Andrew Freeman y dos más con Eric Martin y Kip Winger . Además de esto el ex bajista de Dio y compañero de Campbell y Freeman en Last in Line, murió de cáncer de pulmón a bordo del barco esa misma noche, lo que provocó que Last in Line cancelara su actuación del día siguiente.

“Def Leppard surcando los mares”

El 10 de febrero de 2017, la banda lanzó “And There Will be a Next Time … Live from Detroit”, un doble álbum en vivo y vídeo del concierto. El 30 de noviembre de 2018, la banda lanzó una nueva recopilación de 2 discos, titulada “The Story So Far – The Best Of” . Además de 34 de los grandes éxitos de Def Leppard, la colección incluía una versión de la banda del éxito de Depeche Mode “Personal Jesus”, la nueva canción navideña “We All Need Christmas”, y el nuevo remix de “Rock On”. Entre el 24 de agosto y el 9 de septiembre de 2019, la banda realizo una segunda residencia en Las Vegas titulada “Def Leppard Hits Vegas — The Sin City Residency”. La formación actual de la banda, junto con los miembros anteriores Pete Willis y Steve Clark, fueron incluidos en el Salón de la Fama del Rock and Roll el 29 de marzo de 2019.

Def Leppard estuvo entre los grupos más exitosos de la nueva ola de bandas de heavy metal británicas a principios de la década de 1980. Combinaban el poder puro del metal con un énfasis pop en la melodía, ganchos pegadizos y armonías vocales que, sobre todo más adelante, contrastaban con las bandas de punk y metal contemporáneo más duras. La música de Def Leppard es una mezcla de hard rock, AOR , pop y elementos de heavy metal, con voces de múltiples armónicas y riffs de guitarra melódicos, algo que han tenido en comun los cuatro guitarristas que han pasado por la banda. Y con el “ultimo” en entrar en la banda continuamos, el gran Vivian Campbell que ademas de ser parte de bandas tan grandes como Whitesnake y Dio, forma parte de esta banda llamada Last in Line.

Banda de rock británico-estadounidense formada en Los Ángeles, California en 2012 por ex miembros de la formación original de Dio. El nombre de la banda proviene del álbum de Dio de 1984 “The Last in Line”. Después de la muerte de Ronnie James Dio en 2010, Vivian Campbell puso en marcha la idea de reunir a los miembros originales de Dio por primera vez desde su salida de la banda en 1986. La idea se hizo realidad cuando se unió a Appice, Bain y Schnell para una jam session con el vocalista Andrew Freeman en febrero de 2012. El 10 de noviembre de 2015, se anunció que Schnell ya no sería parte de la banda, ya que querían volver a la época en que grabaron como un cuarteto “Holy Diver”, antes de que Schnell se convirtiera en parte de Dio.

“Sin duda, uno de los grandes. D.E.P.”

“Heavy Crown”, lanzado en 2016 fu el álbum debut del grupo. El álbum fue producido por el bajista Jeff Pilson (Dokken, Foreigner). Este fue el último álbum en el que Jimmy Bain tocó el bajo antes de su muerte el 23 de enero de 2016 (de la que os he hablado anteriormente). Tras su muerte, la banda reclutó a Phil Soussan como su nuevo bajista, quien junto al resto de la banda grabó “II”, segundo álbum de la banda, lanzado en 2019 y producido por ellos mismos junto a Jeff Pilson. Con Soussan continuamos y su paso por la banda de otro de los grandes del Heavy, el loco Ozzy.

Soussan, tocó en el álbum de Ozzy Osbourne de 1986 “The Ultimate Sin” y coescribió el sencillo “Shot in the Dark”. Como Ozzy ya apareció en programas anteriores (y es muy probable que tenga el suyo propio), vamos a centrarnos en este álbum. “The Ultimate Sin” fue el cuarto álbum de estudio de Ozzy Osbourne lanzado el 22 de febrero de 1986. Es el segundo y último de los álbumes de Osbourne que presenta al guitarrista principal Jake E. Lee, y el primero con el batería Randy Castillo y el bajista Phil Soussan. El álbum llegó al platino en mayo de 1986 y fue galardonado con el estatus de doble platino en octubre de 1994. La mayoría de las letras del álbum fueron escritas por el bajista y letrista de Osbourne Bob Daisley, quien dejó la banda antes de grabar tras un desacuerdo con Osbourne, lo que provocó la contratación de un desconocido bajista llamado Phil Soussan. El futuro batería de Y&T y Megadeth, Jimmy DeGrasso, trabajó con Lee y Daisley en demos para el álbum, pero esta versión de la banda se vino abajo debido al compromiso de Osbourne con el concierto de reunión de Black Sabbath para el Live Aid en el verano de 1985. Castillo y Soussan finalmente reemplazaron a DeGrasso y Daisley una vez que comenzó la grabación. El título provisional del álbum fue “Killer of Giants” (cancion que aparece en el álbum). Osbourne optó por cambiar el título a “The Ultimate Sin” en el último momento. En 1987, después de que concluyeron las diversas giras en apoyo del álbum, el guitarrista Lee fue despedido inesperadamente por la esposa y manager de Osbourne, Sharon. La justificación específica para el despido de Lee sigue siendo desconocida. El bajista Soussan también se fue, con Bob Daisley entrando una vez más en la banda. Y ya que la cosa va de bajista continuamos con Mike Inez, quien fuera bajista de Ozzy años mas tarde y que ademas de pertenecer a Alice in Chains grabó para otro “grande” del rock, el guitarrista Slash y su proyecto llamado Slash’s Snakepit.

Slash’s Snakepit, banda formada por el guitarrista de Guns N’ Roses Slash en 1993. Aunque a menudo se describe como un proyecto en solitario o un proyecto, Slash afirmó que era una banda donde todos los miembros contribuían por igual. Después de la gira mundial de “Use Your Illusion I” y “Use Your Illusion II”, Slash construyó un pequeño estudio casero, apodado The Snakepit, sobre su garaje y comenzó a trabajar en demos de las canciones que había escrito durante la gira. Slash trabajó en las demos con el bateria y compañero de banda de Matt Sorum, más tarde se les unió el guitarrista Gilby Clarke y el bajista Mike Inez. Slash tocó los demos al cantante de Guns N ‘Roses, Axl Rose, quien rechazó el material, aunque más tarde querría usarlos para el próximo álbum de Guns N’ Roses. Slash decidió grabar las demos de Snakepit con Sorum, Clarke e Inez, añadiendo más tarde al ex guitarrista de Jellyfish en directo Eric Dover como vocalista principal. La decisión de grabar con Dover llevó a un desacuerdo entre Slash y Sorum, debido a que Slash no buscó la aprobación de Sorum antes de contratar a Dover. Su primer álbum, titulado “It’s Five O’Clock Somewhere”, fue lanzado en 1995. Ante la insistencia del sello discográfico, el álbum fue lanzado bajo el nombre de Slash’s Snakepit, en lugar de The Snakepit, a pesar de que Slash no quería que se usara su nombre. Durante la mitad de la gira la compañía retiro el apoyo financiero para la banda y Slash’s Snakepit se disolvió poco después con Slash volviendo a Guns N´Roses. Tras su salida de Guns N ‘Roses en 1996, Slash formó la banda de covers Slash’s Blues Ball. Después de una gira en 1997, Slash y el bajista de la banda, Johnny Griparic, formaron una nueva formación de Slash’s Snakepit formada por Slash, Griparic, el cantante Rod Jackson, el guitarrista Ryan Roxie y el batería Matt Laug (Roxie y Laug eran ex miembros de la banda solista de Alice Cooper). Grabaron y lanzaron un segundo álbum titulado “Ain’t Life Grand” en 2000. Para la gira, Keri Kelli se unió al grupo en lugar de Ryan Roxie, quien se fue tras la finalización del álbum. Sin embargo, después del ultimo show de la gira, Slash disolvió la banda debido a la falta de compromiso por parte de los otros miembros del grupo. Y ya que estamos con Slash seria imperdonable no recordar a su banda de siempre…Guns N´Roses.

Como la banda ya tuvo su programa https://rockencadena.home.blog/2019/01/07/programa-no3/, vamos a centrarnos en este directo llamado “Appetite for Democracy 3D”. El 13 de agosto de 2012, la banda anunció una residencia en The Joint en Las Vegas titulada “Appetite for Democracy”, celebrando el 25 aniversario del álbum debut de la banda, “Appetite for Destruction”, y el cuarto aniversario del álbum “Chinese Democracy”. El 21 de noviembre de 2012, la actuación de la banda en Las Vegas se grabó en 3D y se proyectó en los cines en 2014 antes de ser lanzada como “Appetite for Democracy 3D” el 1 de julio de 2014. Este es el primer lanzamiento en vivo en DVD de Guns N ‘Roses desde “Use Your Illusion I” y “Use Your Illusion II” en 1992. La portada presenta parte de la portada original prohibida de “Appetite For Destruction”.

El DVD vendió 4.800 copias en los Estados Unidos en su primera semana, y debutó # 1 en la lista de ventas de vídeos musicales de Billboard, vendiendo 6.400 copias en sus primeras dos semanas. En esos días la banda estaba compuesta por AXL a la voz, Dizzy Reed (quien participó en el primer álbum de Slash’s Snakepit a los teclados y piano) Chris Pitman a los teclados, Tommy Stinson al bajo, Frank Ferrer a la batería y los guitarristas Ron “Bumblefoot” Thal, Richard Fortus y DJ Ashba, conocido por su trabajo con bandas de hard rock como BulletBoys o Beautiful Creatures ademas de haber trabajado con varios artistas como Mötley Crüe, Drowning Pool, y Neil Diamond. Actualmente es el guitarrista principal de Sixx: AM, banda con la que continuamos.

Banda formada en 2007 por Nikki Sixx como un proyecto paralelo de este, quien en ese momento también era bajista de Mötley Crüe, ademas de contar con el guitarrista DJ Ashba y el vocalista James Michael. El nombre Sixx: AM es una combinación de todos los apellidos de los miembros ( Sixx, A shba, M ichael). La banda debutó en 2007 con “The Heroin Diaries Soundtrack” , que se basa en la autobiografía de Sixx, “The Heroin Diaries: A Year in the Life of a Shattered Rock Star”. El álbum no tenía batería “fisico” porque el cantante principal y guitarrista rítmico James Michael programó todas las baterías. El ex batería de Beautiful Creatures, Glen Sobel, fue el elegido para los directos. En 2008 editan dos E.P., uno en vivo titulado “Live is Beautiful” y grabado durante el Crüe Fest de Mötley Crüe en el verano de ese año, (con Tony Palermo como batería) y “X-Mas In Hell” solo en descarga digital. En 2011 aparece su segundo trabajo “This Is Gonna Hurt”, como el primer álbum que sirvió como banda sonora del primer libro de Nikki Sixx, este álbum es un complemento de su segundo libro del mismo nombre compuesto básicamente por fotografías, también se editó ne descarga digital su tercer E.P. “7” con siete temas acústicos de sus dos primeros trabajos. “Modern Vintage” su tercer álbum publicado en 2014 incorpora al batería Jeff Fabb y es el primero de la banda en no basarse en ningún libro. “Prayers for the Damned” (denominado “Prayers for the Damned, Vol. 1 en la portada del álbum) es el cuarto álbum de estudio de Sixx: AM. Es la primera mitad del álbum doble “Prayers for the Damned / Blessed”. Siete meses después apareció la segunda mitad, “Prayers for the Blessed”, para los dos trabajos Dustin Steinke fue el encargado de las baterías. Con Nikki Sixx y su banda “de verdad” continuamos…Mötley Crüe.

Al igual que sus “amigos” de Guns N´Roses, Mötley ya tuvo su programa https://rockencadena.home.blog/2019/09/05/programa-no10/ así que nos volvemos a centrar en el álbum donde aparece el vídeo anterior “Decade of Decadence 81-91” álbum recopilatorio de grandes éxitos publicado el 19 de octubre de 1991 que alcanzó el número 2 en Billboard 200 de los EE.UU. llegando al doble platino. Fue el sexto álbum de la banda en general y el primero de muchas recopilaciones de grandes éxitos. El álbum ahora está agotado, después de haber sido reemplazado por “Greatest Hits” en 1998 y por una reedición en 2009. La última recompilación presentaba un orden de canciones diferente, incluido material inédito. Las canciones, “Teaser”, “Rock ‘n’ Roll Junkie”, “Primal Scream”, “Angela” y “Anarchy in the UK” fueron reeditadas en la recompilación “Supersonic and Demonic Relics” en 1999, y los remixes de “Live Wire”,”Piece of Your Action”,”Home Sweet Home” y la versión en vivo de “Kickstart My Heart” fueron reeditadas en “Music to Crash Your Car para: Vol. 2” otro recopilatorio de Mötley. “Rock n ‘Roll Junkie” apareció en la película de Andrew Dice Clay, Las aventuras de Ford Fairlane, que contó con un cameo de Vince Neil. Con otro artista cuyo tema aparecía en esa misma banda sonora continuamos, Billy Idol.

Músico, cantante, compositor y actor inglés que posee la doble ciudadanía británica y estadounidense. Comenzó su carrera en la década de 1970en la escena punk londinense como miembro del grupo Generation X. Posteriormente, se embarcó en una carrera en solitario que lo llevó al reconocimiento internacional y convirtió a Idol en uno de los referentes de la llamada “segunda invasión británica”. Su debut en solitario, “Billy Idol” (1982), fue un éxito comercial, convirtiendo a Idol en un elemento básico de la entonces recién establecida MTV. “Rebel Yell” (1983), su segundo trabajo, siguió el mismo camino que el anterior llegando al doble platino en USA. En 1986, lanzó “Whiplash Smile”, en 1988 un recopilatorio titulado “Idol Songs: 11 of the Best”, siendo platino en el Reino Unido. Ya en los 90 publica, “Charmed Life”, lanzado en 1990, el sencillo principal, “Cradle of Love”, apareció en la banda sonora de Las aventuras de Ford Fairlane. La canción era famosa por su vídeo, que ganó el premio MTV Video Music Award de 1990 al “Mejor vídeo de una película”. El 6 de febrero de 1990, Idol estuvo involucrado en un grave accidente de motocicleta, que casi le costó una pierna. Una noche, mientras volvía a casa desde el estudio, fue atropellado por un automóvil cuando se salto un Stop, lo que requirió que le colocaran una barra de acero en la pierna. Poco antes de esto, el director de cine Oliver Stone había elegido a Idol para un papel en su película “The Doors”, pero el accidente le impidió participar de manera importante y el papel de Idol se redujo a una pequeña aparición. Idol interpretó al amigo bebedor de Jim Morrison, Cat. Tambien fue la primera elección de James Cameron para el papel del villano T-1000 en “Terminator 2: el juicio final” el papel se re escribió por completo como resultado del accidente, ademas fue propuesto para el papel del villano Jacob Kell en “Highlander: Endgame”, pero Bruce Payne fue elegido.”Charmed Life” fue el cuarto álbum de estudio de Idol lanzado en 1990, en contra del consejo de sus médicos, logró hacer apariciones para promover el álbum. En 1993 publicó Cyberpunk para después alejarse de la opinión publica centrándose en su vida personal. Una sobredosis de esteroides hizo que se centrase mas en su familia. Tras esto hizo un regreso musical con el lanzamiento de “Devil’s Playground” (2005) y nuevamente con “Kings & Queens of the Underground” (2014). Uno de sus músicos mas allegados, el guitarrista y compositor Steve Stevens, nos lleva a la siguiente banda, Atomic Playboys.

Atomic Playboys, banda formada por el guitarrista y compositor estadounidense Steve Stevens, conocido principalmente como el guitarrista y colaborador de composición de Billy Idol, ademas de haber tocado para Michael Jackson y Robert Palmer entre muchos otros. En 1987 ganó un Grammy a la Mejor interpretación instrumental pop por el tema de Top Gun “Top Gun Anthem”. El primer y único álbum homónimo de la banda se edito en 1989 con un sonido hard americano de la época, la portada fue diseñada por el mismísimo H.R. Giger el que creó el Alien de Ridley Scott para su peli de 1979. La banda contaba con la voz de Perry McCarty (ex Warrior), y los músicos de sesión Anton Fig y Thommy Price a las baterías y Kasim Sulton al bajo en tan solo una pista ya que el propio Stevens se hizo cargo del bajo en el resto de temas. Precisamente uno de los temas del álbum era una versión de los británicos Slade de su tema “Action”, tema que también versionaron los protagonistas de este blog en su álbum de “rarezas” “Retro Active”.

De esta forma llegamos a nuestros protagonistas Def Leppard, espero que hayáis disfrutado, nos vemos en la próxima. Y recuerda, “Sube el volumen y disfruta!!”.

Programa Nº20

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Bienvenid@s al blog del podcast Rock en Cadena. Esta vez dejamos atrás a los legendarios grupos de los 80, y nos sumergimos en los “no tan añorados” 90, y lo hacemos con una de las bandas mas representativas del llamado metal progresivo. Ellos son Dream Theater. Comenzamos.

Dream Theater se formó en Massachusetts en 1985 cuando el guitarrista John Petrucci, el bajista John Myung y el batería Mike Portnoy decidieron formar una banda mientras asistían al Berklee College of Music. LO hicieron bajo el nombre de Majesty. Según el documental de “The Score So Far…”, estaban esperando en la cola para comprar entradas para un concierto de Rush en el Berklee Performance Center mientras escuchaban a la banda. Portnoy comentó que el final de la canción “Bastille Day” sonaba “majestuoso”. Entonces se decidió que Majesty sería el nombre de la banda. Petrucci le pidió a su compañero de banda de la escuela secundaria Kevin Moore que tocara el teclado. Después de aceptar el puesto, otro amigo, Chris Collins entró como vocalista. Durante este tiempo, los horarios tan apretados de Portnoy, Petrucci y Myung los obligaron a abandonar sus estudios para concentrarse en su música, ya que sentían que no podían aprender más en la universidad. Moore también dejó su universidad, para centrarse en la banda.

“Majestic”

En los primeros meses de 1986 la banda grabó una colección de demos titulada “The Majesty Demos”, las 100 copias se agotaron rápidamente, las copias dobladas del cassette se hicieron populares dentro de la escena progresiva del metal. En noviembre de 1986, Chris Collins fue despedido.

Tras un año buscando reemplazo, Charlie Dominici, (15 años mayor que el resto de la banda y con más experiencia) consiguió el puesto. Esto les condujo a una estabilidad como banda que se vio reflejado en un aumento de conciertos y popularidad. Poco después de contratar a Dominici, se encontraron con que otra banda tenia el nombre de Majestic registrado, lo que les hizo tener que buscar otro nombre para la banda. Se propusieron y probaron varias posibilidades, entre ellas Glasser, Magus y M1. Finalmente, el padre de Portnoy sugirió el nombre Dream Theater, el nombre de un pequeño teatro en Monterey, California, convirtiéndose en el nuevo nombre de la banda.

“Charlie Dominici, vocalista de su primer trabajo”

Dream Theater firmó su primer contrato discográfico con Mechanic Records, una división de MCA, el 23 de junio de 1988 y se dispuso a grabar su álbum debut. “Dream and Day Unite” se lanzó en 1989 con mucho menos apoyo del esperado. Mechanic terminó rompiendo la mayoría de las promesas financieras que habían hecho a Dream Theater antes de firmar su contrato, por lo que la banda se limitó a tocar en la ciudad de Nueva York. La gira promocional del álbum consistió en solo cinco conciertos, todos los cuales fueron relativamente locales. Después del cuarto show, Charlie Dominici fue despedido porque la banda estaba empezando a sentir las limitaciones de su voz en función del estilo vocal que querían, sin embargo poco después, la banda Marillion le pidió a Dream Theater que les abriera en un concierto en el Ritz de Nueva York, por lo que Dominici tuvo la oportunidad de presentarse por última vez. Pasarían otros dos años antes de que Dream Theater tuviera un vocalista de reemplazo.

Después de la partida de Dominici, Dream Theater luchó con éxito para ser liberado de su contrato con Mechanic, durante ese tiempo la banda audicionó una gran cantidad de cantantes (entre ellas el ex líder de Fates Warning, John Arch), con alguno de ellos llego a realizar algún concierto, tocando la mayoría de temas de forma instrumental, incluso se presentaron bajo el nombre de YtseJam realizando conciertos instrumentales. En enero de 1991, el grupo recibió una demo de Kevin James LaBrie, de la banda de hard rock Winter Rose, quedando impresionados, reclutaron inmediatamente a LaBrie, quien “cambió” su nombre a James LaBrie para no “coincidir” con el otro Kevin. Durante los siguientes meses, la banda volvió a tocar shows en vivo (aún principalmente en Nueva York), Atco Records (ahora East West ), una división de Elektra Records , trtas escuchar una demo de tres temas, firmó a Dream Theater con un contrato de siete álbumes.

“La formación que “empezó” todo”

El primer álbum que se grabó bajo su nuevo contrato discográfico fue “Images and Words” (1992), llegando al Oro en EE.UU. y al platino en Japón. Un año mas tarde, dentro de su gira europea, la banda grabó su primer directo “Live at the Marquee”. Además, se lanzó una compilación de vídeos de sus conciertos japoneses (mezclados con imágenes fuera del escenario) como “Images and Words: Live in Tokyo”.

El tercer álbum de estudio de Dream Theater, “Awake” fue lanzado en 1994 en medio de una tormenta de controversias entre los fanáticos. Poco antes de que el álbum se mezclara, Moore había anunciado al resto de la banda que abandonaría Dream Theater, la banda tuvo que buscar un teclista de reemplazo antes de salir de gira. El ex de Yngwie Malmsteen/Dio, Jens Johansson, estaba entre los nombres más importantes para la audición, pero los miembros de la banda estaban ansiosos por ocupar el puesto con el teclista Jordan Rudess, invitandolo a tocar en un concierto de prueba con la banda en el Concrete Foundations Forum en Burbank, California. Aunque el espectáculo fue un éxito, y se le pidió a Rudess que ocupara el puesto permanentemente, optó por hacer una gira con The Dixie Dregs en su lugar, ya que le otorgó más libertad personal. Dream Theater contrató a su ex alumno de Berklee, Derek Sherinian, quien previamente había girado y grabado con Alice Cooper y KISS. Al final de la gira, la banda decidió tomar a Sherinian como reemplazo de Moore.

Con Sherinian en la banda se lanzó en 1995 “A Change of Seasons” un E.P. junto con una colección de canciones de un show en vivo grabado en Londres a principios de ese año. El contacto principal de la banda dentro del sello fue despedido y la compañía decidió pedir al grupo un sonido mas asequible para las emisoras de radio, incluso se reclutó al compositor/productor Desmond Child para “pulir” el sonido de Dream Theater. La banda tenía suficiente material para un álbum doble, pero se le pidio que lo redujera a un disco por razones de presupuesto, el resultado fue “Falling into Infinity” de 1997, en general, el álbum fue una decepción crítica y comercial, con unos fans decepcionados más familiarizados con el sonido anterior de la banda. Ademas surgieron los primeros conflictos creativos, con John Petrucci aceptando la petición de cambio de la etiqueta, todo lo contrario que Mike Portnoy. Durante la etapa europea de la gira mundial, se grabaron dos shows para un álbum en vivo titulado “Once in a LIVEtime”.

Tras acabar la gira Derek Sherinian abandonó el grupo, lo que hizo que de nuevo Portnoy y Petrucci “tanteasen” una vez más a Rudess para unirse a Dream Theater. En 1999, aceptó una oferta para convertirse en el tercer teclista de Dream Theater. En 1999, “Metropolis Pt. 2: Scenes from a Memory” fue lanzado con gran éxito de crítica, siendo elogiado como la obra maestra de la banda, a pesar de alcanzar el número 73 en la lista de álbumes de EE.UU. Como resultado de un ultimátum de Portnoy, el sello le dio a la banda un control creativo completo. La banda comenzó revisitando la continuación de “Metropolis – Part I”, que se había escrito parcialmente durante las sesiones de “Falling into Infinity” pero que no se había completado ni utilizado en ese álbum. Decidieron expandir la canción de 21 minutos en un álbum conceptual completo, con una historia que gira en torno a temas como la reencarnación, el asesinato y la traición.

“Con Rudess se completa la formación mas duradera y reconocida”

Para la última fecha de la gira norteamericana, en el Roseland Ballroom en la ciudad de Nueva York, se contrataron actores para interpretar a los personajes de la historia, ademas de un coro de gospel en algunas secciones de la actuación. El concierto fue filmado y finalmente lanzado a principios de 2001 como el primer lanzamiento de DVD de la banda, “Metropolis 2000: Scenes from New York”, que recibió la certificación de Oro en los Estados Unidos un año después. La banda también lanzó el cd “Live Scenes from New York”. La portada original representaba uno de los primeros logotipos de Dream Theater (el corazón ardiente de “Images and Words”, modelado en el Sagrado Corazón de Cristo) modificado para mostrar una manzana (como “la gran manzana”) en lugar del corazón, con Nueva York en el horizonte, incluidas las torres gemelas del World Trade Center, en llamas. En una desafortunada coincidencia, el álbum fue lanzado en la misma fecha que los ataques del 11 de septiembre. El álbum fue rápidamente retirado por la banda y fue relanzado por ilustraciones diferentes, aunque las pocas copias que se vendieron con la obra de arte original se han convertido en objeto de colección.

“La portada de la controversia”

Cuatro años después de que solicitaron a East West que les permitiera lanzar un álbum doble, finalmente tuvieron su oportunidad con “Six Degrees of Inner Turbulence” (2002). El primer disco consistió en cinco pistas de 7 a 13 minutos de duración, y el segundo disco se dedicó por completo a la pista del título de 42 minutos, que sigue siendo hasta la fecha la canción más larga que Dream Theater ha escrito. El album fue muy bien recibido por la crítica y los fans, debutando en las listas de Billboard en el número 46 y en las listas de Billboard Internet en el número 1.

Con “Train of Thought” (2003), la banda tenía como objetivo escribir un álbum más orientado a las canciones. Aunque fue un éxito de critica, su sonido de metal más directo enajenó a muchos de los fans del grupo, quienes habían sido atraídos por las raíces de rock progresivo de la banda. Durante la gira se registró “Live at Budokan”, lanzado en 2004, siendo un año mas tarde certificado como platino en los Estados Unidos. “Octavarium” fue lanzado en 2005 y llevó el sonido de la banda en otra nueva dirección. Sus ocho canciones incluyeron una continuación de la saga “12 pasos” de Portnoy (“The Root of All Evil”, pasos 6–7 en el plan de 12 pasos para la desintoxicación de su alcoholismo), así como la canción principal, “A Change of Seasons”, de 24 minutos. “Octavarium” recibió críticas mixtas por parte de los fans. En 2006 se lanzó “Score” con canciones de toda la historia de la banda, así como una segunda mitad acompañada por una orquesta sinfónica completa (la “Orquesta Octavarium”). Este lanzamiento fue el tercer DVD en vivo de la banda en ser certificado platino en los Estados Unidos. El noveno álbum de estudio de Dream Theater, “Systematic Chaos”, fue lanzado en 2007 llegando al número 19 en el Billboard 200. En 2008, la banda lanzó un álbum recopilatorio de dos discos titulado “Greatest Hit (… y 21 Other Pretty Cool Songs)”, el título hace referencia (en tono de broma) a la canción “Pull Me Under”, único éxito significativo de radio de la banda. También se lanzó un DVD llamado “Chaos in Motion 2007–2008”, con canciones grabadas en varios shows durante la gira.

Su décimo álbum, “Black Clouds & Silver Linings”, fue lanzado en 2009, debutando en el numero 6 en la lista de álbumes Top 200 de Billboard, con un total de 40,285 ventas en la primera semana, haciendo su entrada más alta en la lista. El álbum presentaba “The Shattered Fortress”, la última de la serie de canciones de Mike Portnoy sobre su recuperación en 12 pasos del alcoholismo. El 8 de septiembre de 2010, Mike Portnoy anunció que dejaría Dream Theater, citando como razones sus mejores relaciones en otros proyectos, agotamiento y su deseo de un descanso. Más tarde Petrucci reveló que originalmente, Portnoy no quería abandonar la banda; solo quería tomarse un descanso de cinco años. Finalmente redujo este número a alrededor de un año, solo después de que el resto de la banda rechazó su propuesta, Portnoy decidió renunciar. Después de que Portnoy dejó Dream Theater, las relaciones entre él y sus ex compañeros de banda se tensaron, aun así Portnoy esta dispuesto a volver cuando se lo pidan, pero al parecer LaBrie es quien a tomado los mandos de la nave y no parece añorar los tiempos con Portnoy.

Poco más de un mes después de la partida de Portnoy, Dream Theater comenzó a audicionar a futuros candidatos, estos fueron Mike Mangini, Derek Roddy, Thomas Lang, Virgil Donati, Marco Minnemann, Aquiles Priester y Peter Wildoer. El batería de Fates Warning, Bobby Jarzombek, también fue invitado a una audición, pero tuvo que rechazar la oferta debido a problemas de agenda. Los resultados de la audición no se hicieron públicos hasta abril de 2011 a través de una serie documental de tres partes de YouTube llamada “The Spirit Carries On”. En el último episodio de la serie, se reveló que Mangini era el seleccionado. Más tarde, Petrucci explicó que Portnoy se les acercó para reunirse después de haber seleccionado a Mangini; Para entonces, Mangini había dejado su trabajo como profesor en Berklee y se había comprometido con Dream Theater, por lo que la oferta de Portnoy fue rechazada.

Su siguiente álbum, “A Dramatic Turn of Events”, lanzado en 2001, debutó en el número uno en algunos países y alcanzó el octavo puesto en el Billboard 200. Aunque el álbum recibió críticas mixtas, ganó numerosos premios de publicaciones musicales y su sencillo principal, “On the Backs of Angels”, fue nominado a Mejor Interpretación de Hard Rock/Metal en los Premios Grammy 2012 , convirtiéndose en la primera nominación al Grammy de la banda. En 2013 apareció el duodécimo álbum homónimo de la banda, llegando al numero 7 en la lista Billboard 200 (tercer álbum consecutivo entre los 10 mejores). Además, el álbum ocupó el top 10 en 24 países, incluidos Japón, Alemania, Argentina, Países Bajos, Finlandia, Italia, Suiza, Canadá, Dinamarca, Noruega, Austria, Australia y Reino Unido. El séptimo álbum en vivo de Dream Theater, “Live at Luna Park”, grabado durante su anterior gira, fue lanzado ese mismo año.

“Los actuales DT”

Dream Theater lanzó en 2014 su octavo álbum en vivo en formato BlueRay, “Breaking the Fourth Wall”, grabado en vivo en The Boston Opera House. The Astonishing, un álbum conceptual ambientado en una sociedad futura distópica desprovista de música real, centrada en un conflicto entre un grupo de rebeldes y un imperio opresivo, fue lanzado en 2016, seguido en 2019 por “Distance over Time”, convirtiéndose en álbum más exitoso de la banda hasta la fecha, ocupando los 10 primeros puestos en 19 países (incluido el número uno en Alemania y Suiza). “Distance over Time” es el primer álbum de estudio de Dream Theater con un tiempo de ejecución de menos de una hora desde “Images and Words” de 1992, y el más corto desde el debut de la banda, “When Dream and Day Unite” de 1989.

Sin duda Dream Theater es una de las bandas mas grandes del metal progresivo (si no la mejor), la calidad y el virtuosismo de sus miembros es algo indiscutible que no solo se ve reflejado en Dream Theater, también en los innumerables proyectos en los que los miembros de la banda están o estuvieron involucrados, como este en el que su batería y fundador Mike Portnoy esta inmerso, The Winery Dogs.

La idea de la banda comenzó como un proyecto de Mike Portnoy y el bajista Billy Sheehan, con el objetivo de formar un power trio rock junto a un vocalista/guitarrista. Después de un proyecto fallido, llamado Bad Apple, con el guitarrista/vocalista John Sykes, el presentador del programa de entrevistas Eddie Trunk se enteró y sugirió que Richie Kotzen, quien previamente había tocado con Sheehan en la banda Mr. Big, fuera el elegido. El álbum debut homónimo de la banda fue lanzado en 2013 y en 2015 su segundo trabajo titulado “Hot Streak”. El sonido de The Winery Dogs esta claramente influenciado por un sonido de rock clasico como el de Led Zeppelin, Cream o Jimi Hendrix, así como artistas más nuevos como Soundgarden, The Black Crowes o Lenny Kravitz. Todo esto añadido al curriculum de sus tres componentes hacen de la banda un grandisimo grupo. Y con uno de ellos continuamos, el gran Billy Sheehan y su paso por la banda de este mítico y carismático vocalista, David Lee Roth.

A finales de 1985, Roth formó una virtuosa banda de acompañamiento compuesta por el guitarrista Steve Vai, el bajista Billy Sheehan y el bateria Gregg Bissonette. Con la producción del veterano productor de Van Halen, Ted Templeman, Roth lanzó su L.P. debut en solitario, “Eat ‘Em and Smile” en 1986, incorporando algunos de sus gustos musicales más eclécticos, como el jazz y el blues. El disco fue un éxito comercial y crítico generalizado, situándose en el número 4 en el Billboard Top 200, vendiendo más de 2 millones de copias solo en los EE.UU. Skyscraper fue el segundo álbum de estudio de David Lee Roth lanzado en 1988, producido por el propio Roth y Steve Vai. Skyscraper alcanzó el puesto número 6 en la lista de álbumes de Billboard y finalmente vendió dos millones de copias en los Estados Unidos. Poco después de su lanzamiento, Sheehan dejó la banda de Roth debido a diferencias musicales, siendo reemplazado a tiempo para la gira por el bajista Matt Bissonette, (hermano del batería Gregg Bissonette). La gira internacional fue una producción importante que presentó, en diferentes puntos durante cada concierto, a Roth surfeando sobre la audiencia en una tabla de surf suspendida de las vigas de los recintos, y bajando al centro del escenario en un ring de boxeo. El show también presentaba a la banda en una parte tocando tambores de acero caribeños y en un “acustico” donde la banda realizaba versiones acústicas de algunos clásicos del rock and roll. Después de la gira, Vai dejó la banda de Roth para seguir una carrera en solitario y grabar y hacer una gira con Whitesnake. Años mas tarde Vai formaría su propia banda llamada como el, Vai.

Vai dejó Whitesnake en 1990 para perseguir sus propios caminos musicales y formó una banda que incluía a Devin Townsend en la voz, T.M. Stevens en el bajo y Terry Bozzio en la batería. El grupo lanzó “Sex & Religion” en 1993, que se describió como de naturaleza visceral, combinando una sección de ritmo de metal compositivo y progresivo con los arreglos vocales de Devin Townsend. El álbum alcanzó el número 48 en el Billboard 200 de los Estados Unidos, el número 17 en la lista de álbumes del Reino Unido y también se ubicó entre los 60 principales en otros cuatro países. Durante la grabación surgieron bastantes conflictos entre los músicos implicados en el proyecto, dejando a Vai como único responsable de todo, esto hizo que la banda se separase después de acabar el álbum. Vai posteriormente realizó una gira solo con Townsend y varios baterías y bajistas de sesión. Con uno de los miembros de la banda que si grabaron el disco seguimos, el bajista T.M. Stevens, músico que ha girado y grabado con infinidad de solistas y grupos, como este proyecto llamado Mojo Bros.

Proyecto creado por Al Pitrelli y Joey Franco, guitarra y batería respectivamente, quienes estuvieron acompañados por Danny Miranda y T.M. Stevens al bajo, Derek Sherinian a los teclados, ademas de Joe Lynn Turner colaborando en los coros en uno de los dos únicos temas cantados en el álbum, y Burt Carey quien puso las voces en el otro tema. Tan solo editaron un trabajo en 1995, con 13 temas, (11 instrumentales) donde la pareja de músicos deja volar toda su creatividad. Estos dos músicos Neoyorquinos ya habían colaborado juntos en otra banda llamada Widowmaker.

Banda formada por el líder de Twisted Sister Dee Snider quien tras su fallido proyecto llamado Desperado, reclutó al bajista de estos, Marc Russel, al guitarrista Al Pitrelli y a Joey Franco, quien fuera compañero de Snider en el ultimo álbum de Twisted Sister, para formar Widowmaker, banda con un sonido algo mas duro (incluida la imagen) al que nos tenia acostumbrados en su anterior banda, aunque es cierto que recuerda a los inicios de Twisted Sister. Un primer trabajo, “Blood and Bullets” de 1992 que aun contenía algunos “descartes” de Desperado y que aun así sonaba mas crudo y “Stand by for Pain” de 1994 con un sonido mas cercano al grunge y que como la mayoría de bandas del hard de los 80 no supo adaptarse a ese estilo. La banda se disolvió engullido por el grunge que arraso con todo vestigio de tiempos pasados. Continuamos con Joey Franco, veterano batería que también colaboró con otro gran cantante de otra gran banda, el es Steve Walsh.

Steve Walsh, vocalista y teclista de los grandisimos Kansas, una de las bandas de culto de nuestros protagonistas del programa. Durante el tiempo de Walsh con la banda, grabó dos álbumes de gran éxito, “Leftoverture” de 1976 y “Point of Know Return” de 1977, ademas de grabar 12 álbumes de estudio, seis álbumes en vivo y numerosos singles. En 1978 fue invitado, así como el batería de Kansas Phil Ehart, a tocar en el segundo álbum en solitario de Steve Hackett (Yes), “Please Don’t Touch”. Cantó en dos de las canciones del L.P, “Narnia” y “Racing in A”. Hackett lanzó “Narnia” como sencillo, pero no antes de que la agencia de management de Walsh insistiera en que Hackett volviera a grabar la pista con otro vocalista para no confundir a los fanáticos de Kansas y hacerles creer que la canción era un nuevo lanzamiento de estos. John Perry, un cantante relativamente desconocido, fue contratado para grabar la voz de “Narnia” para el single. Walsh dejó Kansas en 1981 debido a diferencias creativas con el compositor principal de la banda Kerry Livgren. A principios de 1980, lanzó su primer álbum en solitario, “Schemer-Dreamer”. En 1982 formó una banda de rock llamada Streets, que lanzó los álbumes, “1st” en 1983 y “Crimes in Mind” en 1985 antes de disolverse. Kansas se separó en 1984, pero se reformó en 1985 con Walsh nuevamente a bordo. en 2000 Walsh lanzó su segundo álbum en solitario, titulado “Glossolalia”. En 2003 unió fuerzas con Daniele Liverani para formar la banda Khymera, donde cantó las voces principales en su primer álbum homónimo.En 2005 apareció su tercer álbum en solitario, “Shadowman”. En 2017, Walsh lanzó un álbum “en solitario” junto a Tommy Denander. El 30 de junio de 2014, Walsh anunció que se retiraría de Kansas después de 41 años, grupo con el que continuamos.

Banda de rock estadounidense que se hizo popular en la década de los 70 con exitosos como “Carry On Wayward Son” y “Dust in the Wind”. La banda ha producido nueve álbumes de oro, tres álbumes multiplatino, otro álbum de estudio de platino, un álbum doble de platino en vivo, y un sencillo de un millón de ventas, “Dust in the Wind”. Kansas estuvo en las listas de éxitos durante más de 200 semanas en las décadas de 1970 y 1980, ademas de giras con entradas agotadas en América del Norte, Europa y Japón. “Carry On Wayward Son” fue la segunda canción más escuchada en la radio estadounidense de rock clásico en 1995 y la número 1 en 1997. Debido a diferencias creativas sobre la dirección del grupo, su cantante principal Steve Walsh se fue en octubre de 1981. Fue reemplazado por el vocalista/ teclista/guitarrista John Elefante, quien encajaba perfectamente en el giro hacia el rock cristiano que pretendía el otro líder de la banda, el guitarrista Kerry Livgren, quien por esa época se había “reconvertido” al cristianismo. Elefante fue elegido entre más de 200 candidatos, tales como Sammy Hagar, Doug Pinnick o Ted Neeley (quien interpretó al personaje principal en la película Jesus Christ Superstar). Después de tan solo dos álbumes con la banda, Kansas se separó, volviendo en 1986 con Walsh de nuevo a las voces ademas del guitarrista de Dixie Dregs, Steve Morse, actual guitarrista de los legendarios Deep Purple, y que también participa en esta super banda de virtuosos llamada Flying Colors.

El objetivo de la banda, creada por el productor ejecutivo Bill Evans, es combinar música compleja con composiciones accesibles, o mas “comerciales”. Flying Colors esta formado por Neal Morse (Spock’s Beard), Dave LaRue (Dixie Dregs, Steve Morse Band, Joe Satriani, Steve Vai), Steve Morse (Steve Morse Band, Dixie Dregs, Deep Purple, Kansas) y Mike Portnoy (Dream Theater, Adrenaline Mob), lo que hace que el objetivo de “música compleja ” se cumpla, con el añadido del vocalista Casey McPherson. El álbum debut homónimo se lanzó en 2012., y debutó en el número 9 en la lista de Hard Rock de Billboard. “Live in Europe” fue su segundo trabajo, grabado en vivo durante su primera gira por Europa en 2012, dos años mas tarde, en 2014, lanzarían su álbum de estudio “Second Nature”, seguido en 2015 de otro directo titulado “Second Flight: Live at the Z7”, donde la banda “experimentó” con nueva tecnología de audio y vídeo en este lanzamiento. Uno de esos “experimentos” permitia a los oyentes moverse entre dos lugares en la sala mientras miraban el concierto, cada uno con su propia mezcla envolvente. Otra característica era una mezcla de audio en 3D para auriculares, donde cada fuente de sonido se colocaba en una ubicación específica alrededor del oyente. Los críticos lo sitúan entre los álbumes en vivo con mejor sonido jamás creados. “Third Degree” es el tercer álbum de Flying Colors, lanzado en 2019.

Y acabamos como empezamos, con Mike Portnoy, sin duda el “alma” de la banda a la que dedicamos este blog y el podcast de Rock en Cadena, Dream Theater. Espero que halláis disfrutado de la lectura. Hasta la próxima, y no lo olvides, sube el volumen y disfruta!!.

Programa Nº19

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Bienvenidos a una nueva entrada del blog dedicado al podcast Rock en Cadena. Esta vez volvemos con uno de los grupos míticos del hard rock, liderado por otro mítico (y polémico) guitarrista. Señoras y señores…RAINBOW

En 1973, Blackmore había dirigido Deep Purple a través de un cambio significativo de personal, con Ian Gillan y Roger Glover siendo reemplazados por David Coverdale y Glenn Hughes. Sin embargo, los nuevos miembros estaban ansiosos por agregar nuevos estilos musicales y Blackmore vio como la banda rechazaba “Black Sheep of the Family” (un tema de Quatermass) y “Sixteenth Century Greensleeves”. Blackmore decidió grabar la canción con Ronnie J. Dio a al voz, usando la banda de Dio Elf como músicos. Satisfecho con los resultados Blackmore decidió grabar un álbum completo, presentándolo como “Ritchie Blackmore’s Rainbow”, grabado entre febrero y marzo de 1975 en Musicland Studios en Munich, Alemania. El nombre de la banda fue tomado del Rainbow Bar and Grill en West Hollywood, California.

Blackmore, Dio y “los ELF”

La música de Rainbow se inspiró en parte en la música clásica descubierta por Blackmore cuando este comenzó a tocar el violonchelo para ayudarlo a construir progresiones de acordes interesantes, y en las letras sobre temas medievales que Dio escribía. Dio poseía un rango vocal potente y versátil que abarcaba desde el hard rock hasta las baladas.

Blackmore no estaba contento con llevar la alineación de Elf en vivo, asi que, poco después de que se grabara el álbum el guitarrista despidió a todos, excepto a Dio. Blackmore reclutó al bajista Jimmy Bain, el teclista estadounidense Tony Carey y el batería Cozy Powell. Esta formación también comenzó la primera gira mundial de la banda. La pieza central de la presentación en vivo de la banda fue un arco iris controlado por computadora que incluía 3.000 bombillas, que se extendían 40 pies a través del escenario. Un segundo álbum, “Rising”, fue grabado en 1976.

“Rainbow 1977…Mark III??”

En agosto de 1976, Blackmore decidió despedir a Carey, alegando que su estilo de tocar era demasiado complicado para la banda. Incapaz de encontrar un reemplazo inmediato, Carey fue reincorporado de nuevo, pero a medida que la gira mundial avanzaba, Carey se convirtio en el blanco de las bromas y el “humor” de Blackmore. Mas tarde Blackmore decidió que el bajista Bain no era no suficientemente bueno y lo despidió en enero de 1977. Poco después Carey siguió el mismo destino que el bajista. Blackmore, sin embargo, tuvo dificultades para encontrar reemplazos que le gustaran. En los teclados, después de audicionar a varios artistas de alto nivel, como Mark Stein de Vanilla Fudge, Matthew Fishery de Procol Harum y Eddie Jobson de Roxy Music, Blackmore finalmente seleccionó al canadiense David Stone, de la banda poco conocida Symphonic Slam. Para el bajo, Blackmore originalmente eligió a Mark Clarke, (ex Uriah Heep), pero una vez en el estudio para la grabación del siguiente disco, “Long Rock Live ‘n’ Roll”, Blackmore disgustado con el método de digitación de Clarke lo despidió en el acto y tocó el bajo en todas las canciones menos cuatro: la canción principal del álbum, “Gates of Babylon”, “Kill the King” y “Sensitive to Light”. El bajista de Widowmaker Bob Daisley fue contratado para grabar estas pistas, completando una nueva formación de la banda. Los primeros trabajos de Rainbow presentaban principalmente letras místicas con un estilo neoclásico de metal. Después del lanzamiento y la extensa gira mundial en 1977-1978, Blackmore decidió que quería llevar a la banda en una nueva dirección comercial lejos del tema “espada y brujería”. Dio no estuvo de acuerdo con este cambio y dejó Rainbow.

“El photoshop de la época”

La funda interior presenta una foto de doble página con lo que a priori parece una gran multitud en un concierto en vivo de Rainbow. Sin embargo, es una imagen de la multitud en un concierto de Rush con el lema del grupo cambiado por el título del álbum ademas de oscurecer las camisetas de Rush con las que aparecen sus fans.

Blackmore le pidió a su ex compañero en Purple Ian Gillan que reemplazara a Dio, pero Gillan lo rechazó. Después de una serie de audiciones, Graham Bonnet, ex cantante/guitarrista de The Marbles, fue el elegido. Powell se quedó, pero Daisley fue despedido y David Stone dejó la banda para ser reemplazado por el teclista Don Airey. Al principio, la banda audicionó a varios bajistas, pero a sugerencia de Cozy Powell, Blackmore contrató a otro ex miembro de Deep Purple, Roger Glover, como productor, bajista y letrista. El primer álbum de la nueva formación, “Down to Earth”, dio los primeros éxitos de la banda en las principales listas de singles , “All Night Long ” y el tema compuesto por Russ Ballard “Since you been gone “.

“Glover, Airey y Bonnet entran en acción”

En 1980, la banda encabezó el festival inaugural Monsters of Rock en Castle Donington en Inglaterra. Sin embargo, este fue el último concierto de Powell con Rainbow, quien ya había anunciado su intención de abandonar la banda, dado que no le gustaba la dirección cada vez más pop rock de Blackmore. Bonnet también renunció para seguir en solitario.

Para el siguiente álbum, “Difficult to Cure” (1981), Bonnet y Powell fueron reemplazados por los estadounidenses Joe Lynn Turner y Bobby Rondinelli, respectivamente. La canción principal del álbum era una versión de la Novena Sinfonía de Beethoven. El álbum dio a la banda su sencillo con más éxito en el Reino Unido, “I Surrender” (otra canción de Ballard), que alcanzó el Nº3. Después de la gira, Don Airey renunció por diferencias musicales y fue reemplazado por el también estadounidense David Rosenthal.

“El E.P lanzado en USA, ¿de que me suena la portada?”

Rainbow sonó con asiduidad en las estaciones de radio en los EE.UU dedicadas al AOR con el tema “Jealous Lover”, alcanzando el Nº13 en la lista de Rock Tracks de la revista Billboard. El tema fue publicado como el lado B de “Can’t Happen Here”, “Jealous Lover” se convirtió posteriormente en la canción principal de un E.P lanzado en los EE.UU. con una portada similar a “Difficult to Cure”.

El siguiente álbum de estudio de Rainbow fue “Straight Between the Eyes” publicado en 1982. El álbum tuvo más éxito en los Estados Unidos que su anterior trabajo. La banda comenzo a captar a un tipo de publico mas cercano al AOR. El sencillo “Stone Cold” fue una balada que tuvo cierto éxito en las listas (Nº1 en la lista de Rock Tracks de la revista Billboard) y su vídeo recibió mucha difusión en MTV. La exitosa gira de apoyo se saltó el Reino Unido por completo y se centró en el mercado estadounidense. Se filmó una fecha en San Antonio, Texas, el resultado fue el directo “Live Between the Eyes” también emitido repetidas veces en MTV. En 1983 Rainbow publica “Bent Out of Shape”, un álbum especialmente dirigido al mercado estadounidense, incluso el título es una frase utilizada mas en el ingles estadounidense que en el británico. El batería Bobby Rondinelli fue despedido en favor del ex batería de Balance Chuck Burgi. El álbum presentó el sencillo “Street of Dreams”. Blackmore afirmó en su sitio web que el vídeo de la canción fue prohibido por MTV por sus imágenes de “hipnotismo”, el Dr. Thomas Radecki de la Coalición Nacional sobre Violencia de Televisión criticó a MTV por transmitir el vídeo, contradiciendo la afirmación de Blackmore. La gira resultante vio a Rainbow regresar al Reino Unido, y también a Japón en marzo de 1984, donde la banda interpretó “Difficult to Cure” con una orquesta completa. El concierto también fue filmado.

“Ya me diréis si habéis sido hipnotizados”

En 1984 Deep Purple volvió a reunirme y Rainbow se disolvió. El grupo se despidió ese mismo año con el álbum “Finyl Vinyl”, compuesto a partir de pistas en vivo y lados B de singles. En 1993, Blackmore dejó Deep Purple permanentemente debido a “diferencias creativas” con otros miembros, y reformó Rainbow con miembros completamente nuevos, con el cantante escoces Doogie White, Paul Morris a los teclados, Greg Smith al bajo y John O’Reilly a la batería. La banda lanzó “Stranger in Us All” en 1995, y se embarcó en una extensa y exitosa gira mundial. El batería John O’Reilly fue reemplazado para la gira por Chuck Burgi quien ya habia sido miembro de la banda. John Miceli (Meat Loaf) se unió a la banda para los espectáculos de Estados Unidos, de febrero a mayo de 1997, más uno en Dinamarca.

“Unos reformados Rainbow”

El concierto de Düsseldorf, Alemania, fue filmado de manera profesional para el programa de televisión Rockpalast. Este show, inicialmente lanzado como bootleg (y considerado por muchos coleccionistas como el mejor de la carrera de Rainbow), fue oficialmente lanzado en 2013 por Eagle Records en CD y DVD como “Black Masquerade”. Los shows en vivo presentaron cambios frecuentes en el set list e improvisaciones musicales que resultaron populares entre los “coleccionistas” siendo muchos espectáculos buscados más de una década después. A pesar de todo, Blackmore dirigió su atención a su antigua pasión musical, la música renacentista y medieval. Rainbow fue disuelto una vez más en 1997. Blackmore, junto con su compañera Candice Night como vocalista, formaron Blackmore’s Night, banda influenciada por la música “renacentista”.

En 2015, Blackmore anunció que tocaría en el verano de 2016 conciertos “solo de rock” bajo el nombre de Ritchie Blackmore’s Rainbow, sus primeros shows de rock desde 1997. La nueva “alineacion” de Rainbow se anunció el 6 de noviembre de 2015, con el cantante hispano/chileno de Lords of Black, Ronnie Romero, el teclista de Stratovarius Jens Johansson, el batería de Blackmore’s Night David Keith y el bajista Bob Nouveau (Bob Curiano). A pesar de que Blackmore no tenia previsto lanzar nueva música, este reveló en una entrevista que Rainbow estaba en el estudio grabando dos nuevas pistas, una nueva canción, y también una “de las viejas”. “En lugar de hacer un álbum, podemos lanzar singles”, declaró. Rainbow lanzó el álbum en vivo “Memories in Rock II (Live)” en 2018, con el añadido de la canción final, “Waiting for a Sign”, grabada con la formación actual de la banda, siendo la primera canción de Rainbow en 23 años. También se publicó el tema “The Storm”, una auto-versión de Blackmore’s Night.

Sin ninguna duda Rainbow es considerada una de la bandas mas influyentes dentro del rock, ademas nadie puede discutir que Richie Blackmore es considerado uno de los más grandes guitarristas de la historia del rock y sin duda uno de los más influyentes. Es padre, junto a otros guitarristas de la época, de lo que luego sería llamado como “hard rock” y sobre todo, por su trabajo en Rainbow, impulsor de la aparición del rock con marcadas influencias “clásicas”, llamado mas tarde “metal neoclásico” o incluso power metal en las últimas décadas.

“La ¿ultima? formación de Rainbow”

La banda ha vendido más de 28 millones de discos en todo el mundo, a pesar de los continuos cambios de personal, con cada álbum de estudio grabado con una formación diferente, y dejando a Blackmore como el único miembro constante de la banda. Y con uno de eso músicos que iban y venían continuamos, el vocalista Grahan Bonnet quien tras su breve paso por la banda y la grabación de un disco en solitario se vio tentado por el ex UFO Michael Schenker para formar parte de Michael Schenker Group.

Michael Schenker, otro de músico que ya había sonado anteriormente en Rock en Cadena y que tras regresar de Japón en agosto de 1981, después de haber grabado el álbum en vivo “One Night at Budokan”, Schenker y su banda realizaron una breve gira por el Reino Unido. Después de la gira, Cozy Powell y Peter Mensch (manager de Michael Schenker Group) querían un mejor cantante para la banda y sugirieron a David Coverdale, pero Schenker quería a Graham Bonnet. Después de algunos desacuerdos, Mensch y la banda dejaron de trabajar juntos y Bonnet se unió al grupo en febrero de 1982. Mientras tanto, Powell y Paul Raymond abandonaron la banda por motivos personales y fueron reemplazados por el batería Ted McKenna y el teclista de sesión Tommy Eyre. Después de cuatro meses, la banda se fue a Francia para comenzar a grabar el álbum que se convertiría en “Assault Attack”. Sin embargo, Bonnet fue despedido del grupo después de un solo concierto, en el Politécnico Sheffield (ahora llamado Universidad Sheffield Hallam), cuando salio borracho al escenario. Uno de los músicos que grabó ese álbum que acompanó y acompaña a Michael Schenker nos lleva a la siguiente y poco conocida banda, GMT.

GMT fue una banda de los 80 llamada, formada por Mcauley tras abandonar Grand Prix y que contaba con Chris Glenn al bajo, el ex batería de Motörhead en esos días Phill Taylor, y el guitarrista alemán Marcus Schleicher. En principio Mcauley grabó unas demos con el ex guitarrista de Thin Lizzy y Motörhead Brian Robertson, quien renunció poco antes de la marcha del grupo a Alemania, donde se grabó el álbum. Al parecer una mala gestión del grupo y un escaso apoyo por la discográfica hicieron que tan solo se editara un mini L.P. en 1985 bajo el título de “Wargames”, con muy poca repercusión. Uno de los temas de ese mini L.P. apareció en la banda sonora de una película llamada Class of Nuke em high, de la productora “friki” Troma Entertainment compañía estadounidense de producción y distribución de películas independientes especializada en películas de bajo presupuesto, principalmente del género de terror, con elementos de comedia, parodia, gore y mucha sangre.Y con esa misma B.S.O. donde aparecen GMT continuamos ya que también aparece esta otra banda británica también poco conocida llamada Stratus.

“El hard rock y sus problemas para triunfar en U.K”

Banda británica formada por el ex batería de Iron Maiden Clive Burr, los hermanos Chris y Tino Troy de Praying Mantis (banda que en ese momento estaba inactiva), el teclista Alan Nelson y el ex cantante de Grand Prix Bernie Shaw. Originalmente se llamaban Clive Burr’s Escape, ya que grabaron algunas sesiones de estudio bajo ese apodo, y antes de establecerse como Stratus, se les conocía como Tygon y Stratas. La banda se alejaba bastante del enfoque utilizado por otras bandas de la New Wave Of British Heavy Metal, empleando un uso extensivo de teclados y armonías vocales con múltiples partes. Hicieron un solo álbum, “Throwing Shapes” en 1985, pero la historia salió mal y la banda se separó poco después de su lanzamiento. Los miembros de la banda siguieron con sus carreras, como los hermanos Troy, quienes retomaron su antigua banda con la cual continuamos, Praying Mantis.


Banda formada en 1973 (mucho antes de la aparición del NWOBHM) por los hermanos Troy. En 1980 la popularidad del grupo creció gracias a ser teloneros de Iron Maiden y Gamma, banda del guitarrista Ronnie Montrose. Uno de sus temas se incluyó en el recopilatorio “Metal for Muthas” lo que les valió un contrato discográfico con Arista Records publicando “Time Tells No Lies” en 1981. La inestabilidad del sello debilitó su éxito y Arista decidió no grabar un segundo trabajo. Al año siguiente firmaron para Jet Records, grabando dos singles que no tuvieron el éxito deseado y la banda se retiró. Durante la grabación de “Time Tells No Lies”, Praying Mantis grabó una versión de la canción “I Surrender” escrita por Russ Ballard, curiosamente Rainbow se adelantó con su versión convirtiendose en un éxito mundial, por el contrario, Praying Mantis lanzó “Cheated”, que alcanzó el número 69 en el UK Singles Chart en enero de 1981. Aunque formaban parte de la nueva ola de la escena británica de heavy metal, Praying Mantis se decantaron por una dirección musical más melódica y con sonido mas AOR que sus contemporáneos, lo que sin duda les hizo perder fuerza ante bandas como Saxon, Iron Maiden, Diamond Head o Raven.

“¿A quien le damos la autoria del disco?”

La banda mantuvo una fuerte base de admiradores en Japón y cuando los hermanos Troy reformaron temporalmente Praying Mantis para una gira de nostalgia de NWOBHM en 1990, la respuesta los alentó a resucitar a la banda. Su trabajo en vivo fue lanzado como “Live at Last” un álbum que contiene canciones de su primer álbum “Time Tells No Lies”, en realidad solo tiene seis pistas en el álbum de las catorce, siete de las cuales son canciones de Iron Maiden cantadas por su ex cantante, Paul Di’Anno, ademas de un tema de Lionheart, banda de otro ex Maiden, Dennis Stratton, quien mas tarde formaría parte de Praying Mantis de manera oficial.

Y con el mítico Paul Di´Anno continuamos, y esta banda llamada Battlezone.

Después de la ruptura de su banda homónima, Di’Anno formó Strike con DeeRal (guitarra) el batería Bob Falck y los hermanos Hurley, John (guitarra) y Chaz (bajo). El proyecto finalmente se llamó Battlezone. Mas tarde la formación paso a estar compuesta por Di’Anno, los guitarristas John Wiggins y John Hurley, el bajista Laurence Kessler y Adam Parsons en la batería. Sin embargo, Parsons se fue poco después y Falck reapareció a tiempo para grabar el primer álbum de la banda “Fighting Back” (1986). Battlezone realizó en 1987 una gira por clubes de EE.UU. pero las diferencias musicales y las peleas (físicas) dentro de la banda acabaron con la salida de John Hurley y Bob Falck al acabar la gira, siendo sustituidos por Graham Bath y Steve Hopgood (guitarra y batería). El segundo álbum del grupo se tituló “Children of Madness” alcanzando un considerable éxito comercial. El guitarrista Graham Bath, fue reemplazo por Alf Batz, quien se unió justo a tiempo a la banda en Nueva York para la filmación del vídeo “I Don’t Wanna Know” emitido con asiduidad en la MTV estadounidense. Las drogas y las luchas internas nuevamente golpearon a la banda. Hacia el final de la gira, la mayoría de los miembros habían dejado a Di’Anno quien tuvo que completar la gira con una banda de apoyo para cumplir con su contrato. A finales de 1989 la banda se disolvió. Y de nuevo un miembro de Battlezone nos lleva a nuestro siguiente grupo, el guitarrista John Hurley esta otra banda de la NWOBHM llamada Tokyo Blade.

Banda formada a finales de la década de 1970 bajo el nombre de White Diamond, que luego cambió a Killer en 1981 para mas tarde volver a cambiarse a Genghis Khan. La banda cambió su nombre nuevamente, firmando con un sello discográfico independiente grabando su primer álbum. Este álbum fue homónimo en todo el mundo, excepto en los Estados Unidos y Canadá, donde salió bajo el título de “Midnight Rendezvous” en 1984. De hecho, fue una recompilación de 4 grabaciones anteriores cuando se llamaron Genghis Khan y 4 canciones del álbum original. Cuando se lanzó el siguiente álbum, el vocalista Alan Marsh fue reemplazado por Vic Wright. El álbum “Night of the Blade” fue publicado en 1984 con Wright en la voz. Sin embargo, en 1998, una edición del álbum con la voz original de Marsh fue lanzada como “Night of the Blade … The Night Before”. El tercer disco de la banda, “Black Hearts & Jaded Spades” fue lanzado en 1985 por el propio sello de la banda en Europa y disponible en los Estados Unidos solo como importación. A finales de año, Tokyo Blade se disolvió. El guitarrista original Andy Boulton continuó grabando bajo el nombre de Andy Boulton’s Tokyo Blade, con una formación completamente nueva. Esta nueva encarnación de Tokyo Blade lanzó el álbum “Ain’t Misbehavin´” en 1987 y “No Remorse (con otra formación) en 1988, pero Tokyo Blade nuevamente se disolvió. A mediados de los 90 la banda volvió, grabando algunos álbumes con muy poca repercusión y apareciendo en festivales mas por “nostalgia” que por numero de fans. Tokyo Blade pasó por muchos cambios de formación, a menudo cambiando su estilo musical durante los años de actividad. Sin embargo, la banda todavía está activa hoy, con la mayoría de los miembros originales en la alineación. Uno de los que no esta es su segundo vocalista Vick Wright (Vicki James Wright) quien tras la disolución del grupo probó suerte cruzando el atlántico y formando esta banda llamada Johnny Crash.

Banda formada en 1985 por el ex cantante de Tokyo Blade Vick Wright (Vicki James Wright). Una banda con un sonido que en su día se comparó a AC/DC e incluso a sus contemporáneos Junkyard, Rhino Bucket o The Four Horsemen. En 1990, la banda lanzó su primer álbum, “Neighborhood Threat”, con Vicki James Wright (voz), August Worchell (guitarra), Christopher Stewart (guitarra), Stephen “Punky” Adamo (batería) y Terry Nails (bajo). El sencillo “Hey Kid” obtuvo cierto éxito y su vídeo recibió cierta notoriedad en MTV. El guitarrista JJ Bolt y los futuros miembros de Guns N ‘Roses, Dizzy Reed y Matt Sorum, se unieron a la banda para reemplazar a Worchell y Adamo. Sin embargo, antes de que se pudiera lanzar el segundo álbum, Johnny Crash fue eliminado por su sello discográfico, en ese momento Stewart sugirió mudarse a Europa, James Wright no estuvo de acuerdo y la banda se separó. En 1992, el bajista Andy Rogers murió de una sobredosis de heroína. En 2008 se publicó el álbum inédito “Unfinished Business”. Vicki James Wright , quien volvió a su nombre original, Vick Wright, se dedico al mundo cinematográfico como director de cine. Johnny Crash apareció en un C.D recopilatorio de la revista Metal Hammer titulado “Hammer Rocks” con su tema “Cruisin’ For A Bruisin”, donde también aparecían bandas como Love/Hate, Pink Cream 69, Suicidal Tendencies, Shark Island y esta buenísima banda danesa, que además compartió gira con Johnny Crash, llamados Pretty Maids.

Banda danesa de hard rock/heavy metal formada en 1981 por Ronnie Atkins y Ken Hammer. En 1983, la banda lanzó su primer E.P. titulado “Pretty Maids”, la buena aceptación de su trabajo les llevo a una gira por el Reino Unido ese mismo año. En 1984 la banda firmó con CBS Records, que remezclaron y relanzaron su E.P. homónimo con una portada diferente. En 1984, la banda lanzó su álbum debut “Red, Hot and Heavy” que fue un éxito. Su segundo álbum “Future World” , lanzado en 1987, fue grabado en la ciudad de Nueva York con el reconocido productor Eddie Kramer. Este álbum define el sonido de la banda, con temas “cañeros” mezclados con momentos más melódicos y comerciales, lo que podríamos definir como “metal melódico”. “Jump the Gun” de 1990 ofreció más de lo mismo, pero a pesar de que el sello discográfico hizo todo lo posible para romper las listas mundiales con este disco, nunca despegó, excepto en Japón. Se desconoce si fue falta de hits, marketing o simplemente fueron otra víctima mas de la música grunge, pero el disco no estuvo a la altura de las expectativas. La banda se separó, dejando solo a los miembros fundadores Ron Atkins y Ken Hammer. Precisamente “Jump the Gun” estaba producido por Roger Glover, bajista de Deep Purple y de la banda a al cual dedicamos el podcast de Rock en Cadena y este blog, Rainbow. Espero que hayáis disfrutado, nos vemos en otra entrada!!..y recuerda, sube el volumen y disfruta!!

Programa Nº18

Sed bienvenidos a un nuevo blog del potcast Rock en Cadena. Llega el verano, el calor y que mejor que hacerlo con este grupo que “subió” la temperatura de muchas (y muchos) fans allá por el 86. Una banda que rompió las listas de éxitos de muchos países. Mas famosos que sus compatriotas ABBA, ellos son Europe. Comenzamos.

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Formados en Estocolmo en 1979, como Force, integrada por el vocalista Joey Tempest, el guitarrista John Norum, el bajista Peter Olsson y el batería Tony Reno. La banda envió varios demos a compañías discográficas, pero se les dijo que para ser publicados tenían que cortarse el pelo y cantar en sueco. Dos años después, Olsson dejó la banda y fue reemplazado por John Levén. Un par de meses después, Levén se unió a la banda Rising Force de Yngwie Malmsteen, y el ex bajista de Malmsteen, Marcel Jacob, se unió a Force. Sin embargo, esto solo duró tres meses, al parecer, Levén tuvo problemas con Malmsteen, por lo que él y Jacob cambiaron de lugar nuevamente. En 1982, la novia de Tempest inscribió a Force en el concurso sueco de talentos del rock Rock-SM. Compitiendo contra 4.000 bandas, ganaron el concurso gracias a dos canciones, “In the Future to Come” y “The King Will Return”. La recompensa fue un contrato discográfico con Hot Records . Tempest ganó el premio individual al Mejor cantante principal , y Norum ganó el premio al Mejor guitarrista. Justo antes del concurso, Force cambió su nombre a Europe.

Europe 1982. El bigote de Tempest no tiene precio.

El álbum debut homónimo se lanzó al año siguiente y se vendió bien tanto en Suecia como en Japón. El álbum se ubicó en el número 8 en el país de origen de la banda y el sencillo “Seven Doors Hotel” se convirtió en un éxito Top 10 en Japón. En 1984 se publico su segundo trabajo, “Wings of Tomorrow”. El álbum obtuvo interés de CBS Records, que les ofreció un contrato internacional en 1985.

El teclista Mic Michaeli fue reclutado para tocar en conciertos en vivo, y se convirtió en miembro oficial de la banda poco después. Al mismo tiempo, Tony Reno fue despedido por su falta de motivación y presunto retraso en los ensayos. El bajista Peter Olsson afirmó que Reno fue reemplazado en los álbumes por una caja de ritmos. Su reemplazo fue Ian Haugland.

En 1985, Europe grabaron “Rock the Night” para la banda sonora de la película “On the Loose”. Varios meses después se le pidió a Joey Tempest que escribiera una canción para el proyecto de caridad “Swedish Metal Aid”. Escribió “Give a Helping Hand”, un tema que contó con las estrellas más importantes del rock y el metal sueco. Los ingresos de las ventas del single, producido por el guitarrista de Easy Action Kee Marcello , fueron donados para paliar el hambre en Etiopía.

Nunca hubo tanta laca reunida en una misma habitación.

Europe comenzó la grabación de su próximo álbum con el productor de Journey Kevin Elson. El resultado fue “The Final Countdown”. Lanzado el 26 de mayo de 1986, el álbum le dio a la banda su avance internacional, fue certificado Triple Platino en los Estados Unidos y alcanzó el número 8 en la lista Billboard 200. La canción principal, que se basó en un riff de teclado compuesto por Tempest ya en 1981-82, fue lanzado como el primer sencillo y se convirtió en un éxito mundial, llegando al número 1 en 25 países, como el Reino Unido, Francia, España y Alemania. El single “Rock the Night” estaba en el top 10 de las listas de países europeos, mientras que la “power balad” “Carrie” ” alcanzó el número 3 en la lista Billboard Hot 100.

Disgustado con la dirección que estaba tomando la banda, ademas de no estar conforme con el “protagonismo” del teclado en el nuevo álbum, unido a varios desencuentros con el manager del grupo, John Norum decidió abandonar Europe en noviembre de 1986 para seguir una carrera en solitario. Se le pidió a Kee Marcello que lo reemplazara, y después de considerarlo, decidió unirse a la banda, uniéndose a la banda en su apogeo comercial.

Kee Marcello, en el momento gusto, en el sitio correcto.

No menos de tres sencillos de “The Final Countdown” alcanzaron el Top 30 en los Estados Unidos. 1987 incluyó exitosas giras por Europa y los Estados Unidos. El siguiente album se tituló “Out of This World” y fue lanzado en 1988. El mayor éxito del álbum fue “Superstitious”, que alcanzó el número 31 en el Billboard Hot 100 y el número 9 en Mainstream Rock Tracks. “Superstitious” sería la última canción de Europe en aparecer en los Estados Unidos. El álbum fue certificado platino en los Estados Unidos y alcanzó el número 19 en la lista Billboard 200.

En septiembre de 1989, Europe dio un concierto en el club Whiskey a Go Go en West Hollywood, California, bajo el seudónimo de Le Baron Boys. Ese nombre luego se usaría como título para un bootleg de Europe muy conocido, que contenía grabaciones de demos de 1989-90. Dos años después, se lanzó el álbum “Prisoners in Paradise”, pero recibió poca atención de los medios debido al “boom” del movimiento grunge. Aunque las ventas fueron bajas en comparación con los álbumes anteriores, el sencillo “I’ll Cry for You” logró alcanzar el número 28 en las listas del Reino Unido. Después de diez años de vivir, grabar y salir de gira juntos, Europe decidió tomar un descanso al final de la gira de 1992. En ese tiempo, Tempest, Norum y Marcello lanzaron álbumes en solitario, mientras que los otros miembros participaron en varios proyectos y bandas diferentes. A pesar de eso Europe fue eliminada de Epic Records.

Los miembros de la banda comenzaron a discutir la posibilidad de una reunión de Europe en 1998. Para las celebraciones del milenio de 2000, se le pidió a Europe que hiciera un concierto en Estocolmo en la víspera de Año Nuevo de 1999. Ese sería el primer concierto del grupo y, hasta la fecha, el único con sus dos guitarristas principales, ya que John Norum y Kee Marcello había aceptado la oferta de tocar esa noche con el resto del grupo. Tocaron “Rock the Night” y “The Final Countdown”.

El 2 de octubre de 2003 se hizo oficial: Europe anunció planes para un nuevo álbum y una gira mundial. La banda volvió a la alineación de “The Final Countdown”, con John Norum como único guitarrista. Kee Marcello afirmó que estaba demasiado ocupado con sus propios proyectos como para involucrarse en un nuevo álbum del grupo.

Europe 2004. Y aun seguían guapos…

En el verano de 2004, Europe realizó una gira de festivales por el continente europeo. El álbum “Start from the Dark” fue lanzado el 22 de septiembre de 2004, el mismo día en que John Norum se convirtió en padre. Un trabajo con un sonido más moderno en comparación con los álbumes anteriores, vendiendo más de 600.000 copias en todo el mundo.

Europe lanzó su séptimo álbum, “Secret Society”, en 2006, continuando con la linea de su trabajo anterior, alejándose del sonido “ochentero” que tantos éxitos les dio. El 26 de enero de 2008, Europe hizo un concierto semi-acústico en vivo, llamado “Almost Unplugged”. La banda estuvo acompañada por un cuarteto de cuerda y tocó versiones reelaboradas de sus propias canciones, así como versiones de canciones de bandas que han influido en el sonido de Europe a lo largo de los años: Pink Floyd, UFO, Led Zeppelin y Thin Lizzy. El programa fue transmitido en vivo por Internet en el sitio web oficial de Europe. Fue lanzado en CD el 17 de septiembre de 2008 y en DVD el 19 de agosto de 2009.

El octavo álbum de estudio de Europe, “Last Look at Eden”, fue lanzado en 2009, con un sonido mas cercano a las raices del grupo, con mucha influencia de bandas de los 70, como Thin Lizzy o Whitesnake. En 2012 se publica “Bag of Bones”, en linea con su anterior trabajo, debutando en el número 2 en la lista de álbumes suecos, siendo certificado Oro en Suecia. La banda tocó en el 30 aniversario del Sweden Rock Festival en 2013, grabando su actuación para un doble CD, DVD y disco blu-ray , que se lanzó en 2013. El décimo álbum de estudio de Europe, “War of Kings”, fue lanzado en 2015, ese mismo año el grupo participó en una importante campaña publicitaria de televisión por cable de GEICO que se emitió en los Estados Unidos, aparecieron cantando “The Final Countdown” en un horno microondas cocinando un burrito. Aunque suene “a broma”, la banda consiguió un repunte de popularidad en los estados Unidos. Europe lanzó su undécimo álbum de estudio, titulado Walk the Earth.

Desde su formación, Europe ha lanzado once álbumes de estudio, tres álbumes en vivo, tres recopilatorios y veinticuatro vídeos musicales. Europe ha vendido más de 25 millones de discos en todo el mundo. La banda ha tenido dos de los 20 mejores álbumes en la lista Billboard 200 (“The Final Countdown” y “Out of This World”) y tres singles en el top 30 en la lista Billboard Hot 100 de singles (“The Final Countdown”, “Rock the Night” y “Carrie”. La banda está influenciada principalmente por Whitesnake, Deep Purple, Rainbow, Led Zeppelin, Thin Lizzy, UFO y Michael Schenker Group.

Arrancamos con uno de los primeros miembros de Force, Marcel Jacob, y su banda llamada Talisman.

Grupo formado por el bajista Marcel Jacob, quien previamente había tocado con (entre otros) Rising Force, John Norum y Power. Mientras Jacob tocaba con John Norum, comenzó a trabajar en temas que pensó que terminarían en el segundo álbum en solitario de Norum. El cantante en esas demos fue Göran Edman, también en el grupo de John Norum en ese momento. Norum rechazó las canciones y, mientras tanto, le ofrecieron a Göran la oportunidad de unirse a la banda de Yngwie Malmsteen. Jacob se encontró con un interés discográfico pero sin banda. Marcel contactó a Jeff Scott Soto, compañero suyo durante su época con Yngwie Malmsteen. Marcel cambió el nombre de su proyecto en solitario, Guitars On Fire por Talisman. El primer álbum lo gravaron Soto a las voces, Christopher Ståhl (Power) y Mats Lindfors (Norum, Grand Slam) en las guitarras, Peter Hermansson (220 Volt, Norum) tocando la batería en algunas pistas y Mats Olausson ( Yngwie Malmsteen) en los teclados. Jacob programó el resto de la batería y tocó todas las guitarras rítmicas. Elektra, con quien Jacob había firmado contrato, se declaró en quiebra y se retrasó el lanzamiento del álbum. Un empleado de Elektra se mudó a una nueva discográfica comprando los masters del primer álbum.

Un grandisimo músico.

“Talisman”, como se tituló el álbum, se lanzó en 1990. El primer sencillo “I’ll Be Waiting” alcanzó el número 2 en la lista de singles de Suecia y 33,000 copias del álbum se vendieron en dos meses en Suecia. En vivo, la banda contó con Jason Bieler en la guitarra (Saigon Kick), Jakob “Jake Samuel” Samuelsson en la batería y Thomas Vikström (Talk of the town, Candlemass) en teclados y coros. Desgraciadamente, el 21 de julio de 2009 Marcel se quitó la vida después de muchos años de problemas personales y de salud. Tenia 45 años.

Uno de esos primeros músicos de directo nos lleva a nuestra siguiente banda, The Poodles, donde Jakob “Jake Samuel” Samuelsson cambió las baquetas por la voz.

Formada por el cantante Jakob Samuel (también conocido como Jake Samuels), el bajista Pontus Egberg, guitarrista Pontus Norgren y el batería, Christian Lundqvist. Antes de la formación de The Poodles, Norgren y Samuel fueron miembros de Talisman, ademas de tocar juntos en un trío de power metal con temático de “El señor de los anillos” llamado The Ring. En 2006, se le pidió a Jakob Samuel que cantara la canción “Night of Passion” para el Melodifestivalen 2006 (festival para representar a Suecia en Eurovision) uniéndose a el Christian Lundqvist como batería, posteriormente se unieron a ellos el bajista Pontus Egberg (anteriormente de Lion’s Share) y Norgren para interpretar la canción como The Poodles. El grupo quedó en cuarto lugar. Ese mismo año se lanzó su álbum debut “Metal Will Stand Tall”. El 20 de diciembre de 2018, la banda anunció su disolución, debido a otros proyectos musicales. Diez años antes, en 2008 el guitarrista Pontus Norgren dejó la banda para unirse a HammerFall, siendo reemplazado por Henrik Bergqvist.

Un Pontus Norgren que ademas de guitarrista y productor es ingeniero de sonido en vivo, trabajando para gente como Thin Lizzy durante la gira de la banda en 2000, sirviendo de manera similar a Europe y Yngwie J. Malmsteen. Antes de formar parte de Hammerfall Norgren tocó con bandas como Talisman, Humanimal, The Ring, Zan Clan y esta banda con la que continuamos llamada Great King Rat.

Formada por la “flor y nata” de la escena escandinava del Hard Rock melódico de finales de los 80 y principios de los 90, Great King Rat se formó en 1989 y contaba con el vocalista Leif Sundin (Michael Schenker Group, Treat), el guitarrista Pontus Norgren (Talisman, The Poodles), el batería Tomas Broman (Humanimal) y el bajista Mikael Hoglund. En 1990 debutaron con un álbum homónimo, lleno de hard rock con toques melódicos y de blues rock, dignos de cualquier banda grande de los Estados Unidos. Esto los convirtió en una banda joven y prometedora con numerosas y favorables criticas en revistas de rock de primer nivel. No pasó mucho tiempo antes de que los gerentes y representantes de varias etiquetas importantes de todo el mundo fueran volando a Estocolmo, Suecia, para ver de qué se trataba el rumor. Pero todos los cuentos de hadas no tienen finales felices, y la banda se disolvió en 1993. Su segundo álbum, “Out Of The Can”, fue lanzado físicamente en 1998. Debido a su estado de “banda de culto” y la demanda popular, se le pidió a Great King Rat que hiciera un espectáculo exclusivo en el Sweden Rock Festival de 2017 para celebrar el 25 aniversario de su álbum debut. Cuando la banda se disolvió los miembros continuaron ocupados con bandas/artistas como Glenn Hughes, Joe Lynn Turner, Michael Schenker, John Norum, Electric Boys, Hammerfall, The Poodles y Thunder, banda que “fichó” al bajista de Great King Rat en 1993.

Thunder, otra buenísima banda de hard rock de la que ya hablamos en otro programa (https://rockencadena.home.blog/2019/12/05/programa-no13/), así que nos centraremos en el único trabajo en el que apareció Mikael Höglund, quien en 1993 sustituyo al bajista original de la banda Mark “Snake “Luckhurst, despedido del grupo debido a un incidente en el que el bajista arrojó un pastel de cumpleaños al fotógrafo Ross Halfin, después de que este pidiera hacer fotos solo de Morley y Bowes juntos. “Behind Closed Doors”, tercer álbum en estudio de la banda, no se lanzó en Estados Unidos, aun así alcanzó el número 5 en el Reino Unido y generó tres sencillos en el top 40 de ese país, alcanzando también los cinco primeros puestos de la lista de singles de rock y metal del Reino Unido. Mikael Höglund, quien no participo en las grabaciones del siguiente álbum debido a “compromisos familiares”, anunció que dejaría Thunder justo antes de la publicación del álbum. Uno de los fundadores de Thunder, su batería Gary James, actualmente pertenece a este “supergrupo” británico llamado Snakecharmer.

Snakechamer se formó en 2011 por el guitarrista Micky Moody y el bajista Neil Murray, dos ex miembros de Whitesnake. La pareja reclutó una formación estelar que incluyó al batería de Thunder y Magnum Harry James, el ex guitarrista de Wishbone Ash Laurie Wisefield, el teclista de Ozzy Osbourne/Black Sabbath Adam Wakeman (hijo del mítico Rick Wakeman) y el vocalista de Heartland Chris Ousey. Como era de esperar, Snakecharmer comenzó como un proyecto para que Moody y Murray volvieran a tocar los viejos clásicos de Whitesnake, pero pronto comenzaron a incorporar sus propias canciones en los sets en vivo. El álbum debut homónimo de la banda, lanzado en 2013, los hizo combinar el clásico sonido rock-blues de Whitesnake con el hard rock melódico. Después de la salida amistosa de Moody en 2016, Snakecharmer reclutó a Simon McBride, y con el a bordo, la banda grabó en 2017 su segundo y ultimo álbum hasta la fecha llamado “Second Skin”. El mitico bajista Neil Murray nos sirve como hilo conductor para continuar con nuestro siguiente protagonista, el gran Brian May.

A raíz de la muerte de Mercury en noviembre de 1991, May eligió lidiar con su dolor comprometiéndose lo más posible a trabajar, primero terminando su álbum en solitario, “Back to the Light”, y luego viajando por todo el mundo para promoverlo. A finales de 1992, se formó oficialmente Brian May Band, banda que se creo originalmente en octubre de 1991 para la actuación en el festival de guitarra Guitar Legends en Sevilla, España. La sección rítmica de la banda era Cozy Powell y Neil Murray, quienes habían trabajado juntos anteriormente en Black Sabbath y Whitesnake, añadiéndose Spike Edney, quien fuera teclista de gira de Queen entre 1984 y 1986, Jamie Moses a la guitarra y dos impresionantes vocalistas para los coros, Catherine Porter y Shelley Preston. Con esta formación giró a lo largo de 1993, editándose un año después “Live at the Brixton Academy” único trabajo bajo el nombre de The Brian May Band. En 1998 May lanzó su segundo trabajo de estudio titulado “Another World” que contó entre muchos otros, con los miembros de The Brian May Band.

Uno de los grandes.

Desgraciadamente El 5 de abril de 1998, Cozy Powell murió en un accidente automovilístico. Esto causó una interrupción en la próxima gira de The Brian May Band, Steve Ferrone fue contratado para ayudar a May a terminar de grabar las pistas de batería y unirse a la banda. Después de la gira promocional, Eric Singer lo reemplazó para la gira mundial de 1998. Antes de su muerte Powell sufrió una lesión en un accidente de motocicleta lo que hizo que tuviera que retirarse de los ensayos de la gira con Yngwie Malmsteen, músico sueco (que casualidad!!) con el que continuamos.

Cozy Powell grabó “Facing the Animal”, décimo álbum del virtuoso guitarrista Yngwie Malmsteen lanzado en 1997 y que contaba con Mats Levén a la voz, Mats Olausson a los teclados y Barry Dunaway al bajo. Este trabajo contiene temas como “Air on a Theme” que es un arreglo del segundo movimiento (Largo) del “Concierto para Piccolo en do mayor (RV443)” de Antonio Vivaldi , “Braveheart” que contiene el riff de “Over the Hills and Far Away” de Gary Moore y “Poison in your veins” que comienza con el riff del inicio de “Road Racin” de los americanos Riot. A pesar de ello los temas viene acreditados por el propio Malmsteen. Para cuando apareció este trabajo la popularidad de Yngwie estaba en caída libre, atrás quedaron tiempos mejores pare el y el estilo neoclasico que tanta fama le dio. A pesar de su “ego” el virtuoso sueco ha sabido rodearse de lo mejor del panorama musical, sobretodo en lo referente a los vocalistas, contó entre otros con un jovencisimo Jeff Scott Soto, quien con los años se convertiría en uno de los grandes vocalistas del panorama mundial, con Joe Lynn Turner, cantante que lo fuera de Rainbow y Purple, bandas de su admiradisimo Richie Blackmoore y Goran Edman uno de los vocalistas con mas reconocimiento en Suecia y que tambien fue cantante de otro gran guitarrista llamado John Norum.

John Norum, guitarrista de origen noruego quien se mudó siendo niño a Estocolmo, Suecia, donde creció y pasó la mayor parte de su vida. Y donde fundó Force, el embrión de Europe, banda a la cual dedicamos este blog. Después de haber dejado Europe, Norum firmó un contrato en solitario para 3 álbumes de estudio con el sello Epic. Su debut en solitario, “Total Control”, fue lanzado en 1987. Norum cantó en casi todas las canciones, mientras que Goran Edman cantó tan solo en tres. El álbum tuvo éxito en Suecia , llegando al numero 4 en las listas de ese país, obteniendo el status de platino. Norum ganó todos los premios de música del año en el país en 1988. El talento de John Norum, despertó el interés del vocalista Don Dokken de la banda estadounidense Dokken, quien contó con el para su primer trabajo en solitario “Up From The Ashes” de 1990. Ese mismo año Norum lanzó un mini EP en vivo, grabado en 1988, titulado “Live In Stockholm”. En 1992, se lanzó el álbum “Face The Truth”. El álbum fue un donde Glenn Hughes cantaba prácticamente todas las canciones. Joey Tempest paarecio en un dueto con el propio Norum. “Another Destination”, de 1995 fue su último lanzamiento para Epic Records, el vocalista Kelly Keeling (Baton Rouge) se hizo cargo de las voces al igual que en su siguiente trabajo de 1996 “Worlds Away”. Al año siguiente, se grabó un espectáculo en Japón (con el nuevo cantante, Leif Sundin), que se lanzó como “Face It Live”. A finales de 1997, John Norum realizó 15 shows con Dokken en los Estados Unidos , reemplazando a George Lynch quien una vez más había dejado la banda. En 1999 publicó “Slipped Into Tomorrow”, con él en la voz. En 2001, Norum se unió a Dokken como miembro oficial, grabando el álbum “Long Way Home”, pero durante la gira por Europa, no satisfecho con el temperamento de Don Dokken, decidió abandonar la banda. Ese mismo año, Norum rechazó una oferta de UFO antes de unirse a Europe (Norum ya los había rechazado en 1996). Mientras continuaba en Europe, Norum lanzó otro sexto y séptimo álbum en solitario, “Optimus” en 2005 y “Play Yard Blues” en 2010, cantando en ambos álbumes.

Norum y Michelle Meldrum.

Norum es el hermano mayor del cantante Tone Norum y su padrastro es Thomas Witt, un ex productor discográfico, ejecutivo de Columbia y batería de Eddie Meduza (un cantante seco de rockabilly). Norum vivió durante un tiempo en los Estados Unidos, donde conoció y se casó con Michelle Meldrum en 1995, fundadora y guitarrista principal de la banda de rock duro Phantom Blue y la banda de metal sueca Meldrum. El 21 de mayo de 2008, Michelle murió a consecuencia de un quiste en su cerebro.

Y con John Norum volvemos a la banda del principio, Europe. Espero que os haya gustado el blog y el podcasd, no olvidéis dejar vuestro comentario y como… Sube el volumen y disfruta!!..Chao!!

Programa Nº17

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Bienvenidos a una nueva entrada de Rock en Cadena. Esta vez viajamos al Reino Unido para encontrarnos con una banda pionera dentro del hard rock y el heavy metal (junto a Zeppelin y Sabbath). Considerados como una de las bandas mas influyentes dentro del rock, con más de 100 millones de copias vendidas de sus álbumes en todo el mundo aun hoy continúan dando guerra. Ellos son Deep Purple. Comenzamos!!

Los orígenes de la banda se remontan a 1967-68, cuando Jon Lord (teclista) Richie Blackmore (guitarra), Ian Paice (batería), Nick Simper (bajo) y Rod Evans (vocalista) coincidieron en una banda llamada Roundabout. Durante una breve gira por Dinamarca y Suecia en abril de 1968, en la que todavía se los anunciaba como Roundabout, Blackmore sugirió un nuevo nombre: “Deep Purple”, que lleva el nombre de la canción favorita de su abuela. El grupo había decidido elegir un nombre después de que todos hubieran escrito uno en un tablero en el ensayo. El segundo nombre elegido fue “Concrete God”, pero la banda pensó que era demasiado duro. En mayo de 1968, la banda se mudó a Londres para grabar su álbum debut, “Shades of Deep Purple” , que fue lanzado en julio por el sello estadounidense Tetragrammaton , y en septiembre por el sello británico EMI. El grupo tuvo éxito en Norteamérica con una versión de “Hush” de Joe South.

Los primeros Purple (1968).

El segundo álbum de la banda, “The Book of Taliesyn”, se grabó rápidamente y se lanzó en Norteamérica en octubre de 1968 para coincidir con la gira. El álbum incluía otra versión, “Kentucky Woman” de Neil Diamond. Aunque las ventas del álbum no fueron tan fuertes, este no se lanzaría en el país de origen de la banda hasta el año siguiente y, al igual que su predecesor, no tuvo mucho impacto en la lista de álbumes del Reino Unido.

En marzo de 1969 la banda había completado la grabación de su tercer álbum, “Deep Purple”, pero el sello discográfico norteamericano de Deep Purple, retrasó la producción del álbum hasta que la banda no terminó la gira estadounidense. Esto, además de la pobre promoción del sello casi en quiebra, hizo que el álbum se vendiera mal. Poco después del lanzamiento del tercer álbum, la discográfica cerró, dejando a la banda sin dinero y con un futuro desalentador. Durante la gira estadounidense de 1969, Lord y Blackmore se reunieron con Paice para discutir su deseo de llevar a la banda en una dirección más pesada, dejando atrás el rock psicodelico y progresivo de sus primeros trabajos. Sintiendo que Evans y Simper no encajarían bien con un estilo de rock pesado, ambos fueron reemplazados ese verano. Tras el intento fallido de contratar a Terry Reid (un joven cantante que prefirió seguir con su carrera en solitario) la banda puso su mirada en el cantante Ian Gillan de Episode Six, una banda que había lanzado varios singles en el Reino Unido sin lograr ningún gran éxito comercial. En su momento, Nick Simper tanteo a Gillan cuando Deep Purple se estaba formando por primera vez, pero este pensó que no llegarían muy lejos. Un viejo compañero de Blackmore presentó a la banda a Gillan y al bajista Roger Glover. Según Blackmore, solo estaban interesados en Gillan y no en Glover, pero fue contratado por recomendacion de Ian Paice.

Jon Lord, Ian Paice, Ian Gillan, Ritchie Blackmore, Roger Glover. La nueva formación y la mas clásica.

El primer lanzamiento de la nueva formación fue una canción de Roger Greenaway y Roger Cook titulada “Hallelujah”. En el momento de su grabación Nick Simper todavía pensaba que estaba en la banda, mas tarde descubrió que la canción ya había sido grabada con Glover en el bajo. Los demás miembros pidieron a su manager que informara a Simper de que había sido reemplazado oficialmente. A pesar de las apariciones en televisión para promocionar el sencillo en el Reino Unido, la canción fracasó.

La banda ganó popularidad en septiembre de 1969 gracias a su trabajo “Concerto for Group and Orchestra”, una epopeya de tres movimientos compuesto por Jon Lord (como un proyecto en solitario) , con letra escrita por Ian Gillan. Primero fue interpretado por Deep Purple y The Royal Philharmonic Orchestra dirigida por Malcolm Arnold el 24 de septiembre de 1969 y lanzado en vinilo en diciembre de 1969. Este álbum en vivo se convirtió en su primer lanzamiento con cualquier tipo de éxito en las listas en el Reino Unido. Gillan y Blackmore vieron en este lanzamiento una distracción que se interpondría en el desarrollo del estilo rockero deseado. Lord también escribiría a finales de 1970 “Gemini Suite”, esta vez con la Orchestra of the Light Music Society, que contó con cinco movimientos para los miembros individuales de la banda, incluida una pieza de guitarra de Blackmore. Años mas tarde Blackmore declaró que “Gemini Suite” le parecía horrible.

¿No queda mejor así el monte Rushmore?

La publicación en 1970 de “In Rock” colocó a Deep Purple en el Top Ten del Reino Unido. Los duelos entre la guitarra de Blackmore y el órgano distorsionado de Lord, junto con la poderosa y amplia voz de Gillan y la sección rítmica de Glover y Paice, hicieron al grupo adquirir una identidad única que separó a la banda de sus álbumes anteriores. Junto con “Led Zeppelin II” de Zeppelin y “Paranoid” de Sabbath , “In Rock” asentó las bases incipiente género de heavy metal. Además de aumentar las ventas en el Reino Unido (alcanzó el número 4), la banda se estaba haciendo un nombre como banda de directo, debido al gran volumen de sus espectáculos y las habilidades de improvisación de Blackmore y Lord. Su segundo álbum, “Fireball”, fue publicado en 1971, alcanzando el número 1 en la lista de álbumes del Reino Unido.

Smoke on the water, and fire in the sky.

A principios de diciembre de 1971, la banda viajó a Suiza para grabar “Machine Head”. El álbum debía grabarse en el Casino de Montreux usando el estudio móvil Rolling Stones , pero un incendio durante un concierto de Frank Zappa and The Mothers of Invention, causado por un hombre que disparó una pistola de bengalas en el techo, quemó el Casino. Este incidente inspiró la canción “Smoke on the Water”. El álbum fue grabado más tarde en un pasillo en el cercano Grand Hôtel de Territet que se encontraba vacío, con la excepción de la pista de música para “Smoke on the Water”. Eso fue grabado en un teatro vacío llamado The Pavillon, antes de que la policía pidiera a la banda que se fuera de allí. Según Blackmore todo se hizo en aproximadamente cuatro tomas.

“Machine Head” fue lanzado a finales de marzo de 1972 y se convirtió en uno de los lanzamientos más famosos de la banda. Fue el segundo álbum número 1 de la banda en el Reino Unido, mientras que los restableció en Norteamérica, alcanzando el número 7 en los Estados Unidos y el número 1 en Canadá. El álbum incluía temas que se convirtieron en clásicos en vivo, como “Highway Star”, “Space Truckin'”, “Lazy” y “Smoke on the Water”. El grupo llevaba junto tan solo tres años y medio. En enero de 1972, la banda volvió a recorrer los Estados Unidos una vez más, Blackmore contrajo hepatitis, y la banda intentó dar un show sin guitarrista. El guitarrista de Spirit, Randy California tocó un show con el grupo, pero el resto de la gira se canceló. Tras una gira por Japón en agosto de ese año el grupo lanzó el doble vinilo en vivo, “Made in Japan”. Originalmente pensado como un disco solo para Japón, su lanzamiento mundial vio el doble L.P. convertirse en un éxito instantáneo. Aun hoy sigue siendo una de las grabaciones de conciertos en vivo más populares y de mayor venta de la música rock. Deep Purple continuó funcionando y lanzó el álbum “Who Do We Think We Are” en 1973. El álbum alcanzó el número 4 en las listas del Reino Unido y el número 15 en la lista de los Estados Unidos, al tiempo que alcanzó el estado de oro más rápido que cualquier álbum de Deep Purple lanzado hasta ese momento. Pero las tensiones internas y el agotamiento fueron más notables que nunca. Tras los éxitos de “Machine Head” y “Made in Japan” , la incorporación de “Who Do We Think We Are” convirtió a Deep Purple en los artistas más vendidos de 1973 en los Estados Unidos.

Joya entre las joyas.

La filial de Warner en Japón estaba interesada en lanzar un disco en directo del grupo. Aunque la banda no estaba convencida de ello, acabaron aceptando poniendo sus propias condiciones, como emplear su propio ingeniero de sonido, Martin Birch y tener la ultima palabra en el desarrollo del álbum. Una gira por Japón condujo a un lanzamiento en vivo, el doble vinilo, “Made in Japan”. Las canciones se registraron los días 15 y 16 de agosto de 1972 en Osaka y el 17 en Tokio Originalmente pensado como un disco solo para Japón, su lanzamiento mundial vio el doble L.P. convertirse en un éxito inmediato. Aun hoy sigue siendo una de las grabaciones de conciertos en vivo más populares y de mayor venta de la música rock. La mayoría de las canciones del álbum pertenecen a la segunda noche en Osaka. Durante la primera actuación en cansancio de la banda fue evidente y, a pesar de que el tercer concierto fue el mejor, la acústica falló y con ello la calidad de la grabación. No obstante “Smoke on the water” se sacó del primer concierto, por algo muy simple, las demás noches Blackmore falló con el riff mas famoso de la historia del rock. Lo del suicidio y el sonido de un disparo durante “Child in time” lo dejaremos como una leyenda mas, ¿otra?.

Los tipos sexis entran el acción.

Gillan admitió en una entrevista de 1984 que la banda fue presionada por la compañía de manager para completar el álbum “Who Do We Think We Are” a tiempo y salir de gira, aunque necesitaban un descanso. Los “malos rollos”, incluidas las tensiones con Blackmore, culminaron con la salida de Gillan después de su segunda gira por Japón en el verano de 1973, seguido del despido de Glover, ante la “insistencia” de Blackmore. La banda contrató al bajista/vocalista Glenn Hughes, anteriormente en el grupo Trapeze. Después de contratar a Hughes, debatieron continuar como cuarteto, con Hughes como bajista y vocalista principal. El ex Free Paul Rodgers fue tanteado para el puesto, cosa que rechazó para centrarse en su nuevo proyecto, Bad Company. Se realizaron audiciones para reemplazos vocales principales, decidiendose por un cantante desconocido, David Coverdale, principalmente porque a Blackmore le gustaba su voz blusera y masculina.

El primer álbum de estudio de esta alineación, titulado “Burn” (1974), fue todo un éxito, alcanzando el número 3 en el Reino Unido y el número 9 en los Estados Unidos. El álbum mostró el virtuosismo de todos los miembros y particularmente la destreza con la guitarra de influencia clásica de Blackmore, mientras que Hughes y Coverdale proporcionaron armonías vocales y elementos de funk y blues, respectivamente, a la música, un sonido que fue aún más evidente en el lanzamiento de “Stormbringer” a finales de 1974. La radio dio buena cuenta de los singles del álbum, Sin embargo, a Blackmore no le gustaba ni el álbum ni los elementos funky y soul, como resultado, dejó la banda el 21 de junio de 1975 para formar su propia banda con Ronnie James Dio de Elf, llamada Ritchie Blackmore’s Rainbow, acortada a Rainbow después del primer álbum.

Tommy Bolin. Nunca sabremos que le hubiera deparado la vida.

Con la partida de Blackmore, Purple tuvo que llenar una de las vacantes más grandes en la música rock. A pesar de esto, la banda se negó a detenerse y anunció un reemplazo: el estadounidense Tommy Bolin. Antes de que Bolin fuera reclutado, se pensó en Clem Clempson (Colosseum, Humble Pie), Zal Cleminson (The Sensational Alex Harvey Band), Mick Ronson (The Spiders From Mars) y Rory Gallagher. Según el propio Bolin acudió a la audición siguiendo una recomendación de Blackmore, Bolin había sido miembro de muchas bandas olvidadas de finales de la década de 1960. Cuando aceptó la invitación para unirse a Deep Purple Bolin estaba trabajando en su primer álbum en solitario, “Teaser”.

“Come Taste the Band”, fue lanzado en octubre de 1975, un mes antes del álbum “Teaser” de Bolin. A pesar de recibir criticas tanto buenas como malas y de tener unas ventas discretas, este álbum revitalizó a la banda una vez más, aportando un nuevo toque funk a su sonido hard rock. La influencia de Bolin fue crucial, y con el aliento de Hughes y Coverdale, el guitarrista desarrolló gran parte del material del álbum. A pesar del talento de Bolin, sus problemas con las drogas duras comenzaron a manifestarse. Durante la gira muchos fans abuchearon abiertamente la incapacidad de Bolin para interpretar solos como Ritchie Blackmore, sin darse cuenta de que Bolin estaba físicamente obstaculizado por su adicción. Al mismo tiempo, Hughes padecía una adicción a la cocaína. Después de varios conciertos con un rendimiento bastante bajo, la banda se encontraba en peligro.

El final llegó en la gira por Inglaterra el 15 de marzo de 1976 en el Liverpool Empire Theatre. En palabras de Lord, Paice y el eran los únicos que mantenían el tipo, mientras que Hughes y Bolin seguían con sus adiciones, unido al pobre rendimiento de Coverdale a la hora de cantar. Según el propio Lord, Coverdale anuncio a Paice y Lord que abandonaba la banda, cuando estos ya habían decidido disolverla. La ruptura finalmente se hizo pública en julio de 1976, con el manager de entonces emitiendo la simple declaración: “la banda no volverá a grabar ni actuará como Deep Purple“. A finales de año, Bolin acababa de terminar de grabar su segundo álbum en solitario, “Private Eyes”, cuando, el 4 de diciembre de 1976, ocurrió la tragedia. En una habitación de hotel de Miami, durante una gira de apoyo a Jeff Beck, Bolin fue encontrado inconsciente por su novia y compañeros de banda. Incapaz de despertarlo, llamó a una ambulancia, pero ya era demasiado tarde. La causa oficial de muerte fue la intoxicación por múltiples drogas. Bolin tenía 25 años.

En 1980, una versión de gira de la banda surgió con Rod Evans como el único miembro que había estado en Deep Purple, finalmente terminó en una demanda por parte de los abogados de Deep Purple por el uso no autorizado del nombre. A Evans se le ordenó pagar daños por valor de 672.000 dolares, por usar el nombre de la banda sin permiso.

Poderoso caballero Don Dinero.

En abril de 1984, ocho años después de la desaparición de Deep Purple, tuvo lugar una reunión con la alineación “clásica” de principios de la década de 1970: Gillan, Lord, Blackmore, Glover y Paice. El álbum “Perfect Strangers” se lanzó en octubre de 1984, con bastante éxito comercial se convirtió en el segundo álbum de estudio de Deep Purple en convertirse en platino en los Estados Unidos, después de “Machine Head”. En los Estados Unidos, la gira de 1985 superó a todos los demás artistas, excepto a Bruce Springsteen. La formación continuó, lanzando “The House of Blue Light” en 1987, y otro álbum en vivo, “Nobody’s Perfect” (1988). En el Reino Unido se lanzó una nueva versión de “Hush” (con Gillan en la voz principal) para conmemorar los 20 años de la banda.

Joe Lynn Turner (en el centro). Pocos cantantes pueden presumir de haber estado en Rainbow y Purple.

Gillan fue despedido en 1989; sus relaciones con Blackmore se habían agriado nuevamente, y sus diferencias musicales habían divergido demasiado. Originalmente, la banda tenía la intención de reclutar al líder de Survivor, Jimi Jamison, pero esto fracasó debido a complicaciones con el sello discográfico de Jamison. Finalmente, después de audicionar a varios candidatos , incluidos Brian Howe (White Spirit, Ted Nugent, Bad Company), Doug Pinnick (King’s X), los australianos Jimmy Barnes (Cold Chisel) y John Farnham (Little River Band), Terry Brock (Strangeways, Giant) y Norman “Kal” Swan (Tytan , Lion , Bad Moon Rising), el ex vocalista de Rainbow Joe Lynn Turner fue el elegido. Esta formación grabó solo un álbum, “Slaves and Masters” (1990), con no demasiado éxito de ventas, ademas algunos fans lo vieron como poco más que un álbum clon de Foreigner.

¿Os suena a Foreigner?

Con la gira completada, Turner fue expulsado, ya que Lord, Paice y Glover (y la compañía discográfica) querían que Gillan volviera al redil por el 25 aniversario. Blackmore cedió a regañadientes, tras solicitar y eventualmente recibir 250.000 dólares en su cuenta bancaria. La alineación clásica grabó “The Battle Rages On…” en 1993. Sin embargo, Gillan reelaboró ​​gran parte del material existente que había sido escrito con Turner para el álbum, como resultado, Blackmore se enfureció con lo que consideraba elementos no melódicos.

Steve Morse y Joe Satriani, tienen buen ojo los Purple para buscar guitarristas

Durante una exitosa gira europea, Blackmore abandonó en 1993, para siempre, después de un espectáculo el 17 de noviembre en Helsinki, Finlandia. Joe Satriani fue reclutado para completar las fechas japonesas en diciembre y se quedó para una gira de verano europea en 1994. Se le pidió que se uniera permanentemente, pero sus compromisos con su contrato con Epic Records lo impidieron. La banda eligió por unanimidad al guitarrista de Dixie Dregs y Kansas Steve Morse para convertirse en el sucesor de Satriani.

La llegada de Morse revitalizó la banda de manera creativa, y en 1996 se lanzó un nuevo álbum titulado “Purpendicular” , que muestra una amplia variedad de estilos musicales, aunque nunca tuvo éxito en las listas. Mas tarde se lanzó un nuevo álbum en vivo “Live at The Olympia ’96” en 1997.Las copias iniciales del lanzamiento tienen una pegatina redonda en la parte frontal del estuche del C.D, que dice ‘Official Bootleg’, no está claro si esto fue porque la banda tuvo algunos problemas con la calidad del sonido. Deep Purple disfrutó de exitosas giras durante el resto de la década de 1990, lanzando “Abandon” en 1998, con un sonido algo más duro.

En 1999, Lord, con la ayuda de un fan holandés, que también era musicólogo y compositor, Marco de Goeij, recreó minuciosamente “Concerto for group and Orchestra”, ya que la partitura original se perdió en 1970. Una vez más se realizó en el Royal Albert Hall en septiembre de 1999, esta vez con la Orquesta Sinfónica de Londres dirigida por Paul Mann. El concierto también incluyó canciones de las carreras en solitario de cada miembro, así como un corto set de Deep Purple. La ocasión fue conmemorada en el álbum de 2000 “In Concert with The London Symphony Orchestra”.

Genio.

En 2002, Lord (quien, junto con Paice, fue el único miembro en todas las encarnaciones de la banda) anunció su retiro amigable de la banda para perseguir proyectos personales (especialmente trabajo orquestal). Lord dejó su órgano Hammond para su reemplazo, el veterano Don Airey, quien ya sustituyo a Lord en 2001 tras una lesión de rodilla.

En 2003, Deep Purple lanzó su primer álbum de estudio en cinco años, “Bananas”. EMI Records rechazó una extensión de contrato con Deep Purple, posiblemente debido a ventas inferiores a las esperadas. En realidad, el concierto con la Orquesta Sinfónica de Londres vendió más que “Bananas”. En 2005 se lanzó “Rapture of the Deep”, que al igual que su antecesor, recibió críticas generalmente positivas de críticos y fans. En febrero de 2007, Gillan pidió a los fans que no compraran el álbum en vivo “Come Hell o High Water” lanzado por Sony BMG. Esta fue una grabación de 1993, publicadas sin la ayuda de Gillan o de cualquier otro miembro de la banda. En 2013, Deep Purple publicó su decimonoveno álbum de estudio titulado “Now What ?!” y en 2017 “Infinite”, embarcándose en lo que podría ser “la última gran gira” de la banda. En febrero de 2020, se anuncio el 21º álbum de estudio de la banda titulado “Whoosh!” y se lanzó adelanto en forma de video. Estaba previsto lanzar el álbum completo en junio, pero se pospuso hasta agosto de 2020 debido a la pandemia de coronavirus.

Deep Purple 2020. Airey, Morse, Gillan, Paice y Glover. Los viejos rockeros nunca mueren.

Sin ningún genero de dudas, Deep Purple ha sido una influencia muy grande para bandas de hard y heavy metal, tales como Metallica, Def Leppard, Rammstein o Europe, de igual manera sus componentes ha sido “idolatrados” por jóvenes que mas tarde se convertirían en estrellas del rock. Y con uno de ellos continuamos, el único miembro de la banda que a permanecido en ella desde sus inicios. El gran Ian Paice que tras el “parón” de Purple, se enroló en las filas de otro grandisimo guitarrista, el Irlandés Gary Moore.

En noviembre de 1982, Paice se unió a Gary Moore para el álbum “Corridors of Power”, grabando mas tarde el directo “Rockin ‘Every Night – Live in Japan”, grabado en 1983, durante la gira “Corridors of Power”. A pesar de haber sido lanzado en Japón ese mismo año, se lanzó en Europa hasta 1986. En 1983 Gary Moore graba “Victims of the Future”, donde Paice aparece en cuatro de las ocho canciones del álbum, último en presentar a Ian Paice en la batería, antes de “retomar” Deep Purple en 1984.”Victims” también fue el primer álbum del guitarrista/teclista Neil Carter (ex UFO), músico que nos lleva a una “desconocida” banda inglesa de finales de los 70 llamados Wild Horses.

Wild Horses se formó en el verano de 1978 por el ex guitarrista de Thin Lizzy Brian Robertson y el ex bajista de Rainbow Jimmy Bain, a los que mas tarde se les añadió el batería Clive Edwards (ex Pat Travers, Uli Roth) y guitarrista/teclista Neil Carter (ex-Wilder, Gilbert O’Sullivan). Esta formación grabó el álbum homónimo lanzado en 1980 por EMI, que fichó a la banda después de su aparición en el Festival de Reading de 1979. Carter dejó la banda en agosto de 1980 para unirse a UFO y mas tarde a Gary Moore. Su reemplazo fue el guitarrista John Lockton (ex Next Band, Red Alert) quien grabó el álbum “Stand Your Ground” en 1981. Mas tarde, Robertson y Edwards abandonaron Wild Horses, Robertson se unió a Motörhead un año después. Bain reunió una nueva formación de Wild Horses pero unos meses después la banda se disolvió, con Bain uniéndose a su ex compañero de Rainbow Ronnie James Dio en su carrera como solista. Jimmy Bain murió el 23 de enero de 2016. Un miembro de Wild Horses, Brian Robertson, nos lleva a nuestro siguiente grupo, banda que sin duda le hizo grande, Thin Lizzy.

Ya que en su día dedicamos un programa a Thin Lizzy (https://rockencadena.home.blog/2019/10/05/programa-no11/) vamos a centrarnos en Brian Robertson quien se unió a Thin Lizzy en 1974, con tan solo 18 años junto con Scott Gorham en la otra guitarra principal. Phil Lynott le dio el apodo de “Robbo” para distinguirlo del batería Brian Downey. Los dos guitarristas principales proporcionaron el sonido característico de Thin Lizzy. Durante su tiempo en la banda, Robertson grabó cinco álbumes de estudio: “Nightlife” (1974), “Fighting” (1975), “Jailbreak” (1976), “Johnny the Fox (1976), “Bad Reputation” (1977) y álbum en directo Live and Dangerous”(1978). “Nightlife” y “Bad Reputation” fueron los únicos discos que no incluyeron su composición y solo participó en algunas pistas del último álbum.

Brian Robertson.

Robertson tuvo problemas para lidiar con la fama de Lizzy. A finales de 1976 comenzó a beber mucho,teniendo incluso que suspender una gira por EE.UU debido a una pelea en la que Brian Robertson sufrió una lesión en la mano sufriendo daños en las arterias y los nervios, no sin antes romper la pierna a un tipo, la clavícula a otro hombre y golpear en la cabeza a otro, antes de ser golpeado el en la cabeza con una botella, dejándolo inconsciente. Robertson sostiene que, contrario a los informes de la época, no estaba borracho. Lynott estaba enojado y reemplazó a Robertson por Gary Moore para otra gira por los Estados Unidos en enero-marzo de 1977. Mientras Robertson se recuperaba de su lesión, la banda grabó “Bad Reputation”, cuyas partes de guitarra fueron grabadas en su mayoría por Gorham. Sin embargo, ante la insistencia de Gorham, Lynott permitió que Robertson se uniera a la banda, siendo “re-incorporado” lo que restaba de 1977 y 1978, durante el cual la mayoría de las cintas para el conocido doble L.P. “Live and Dangerous” fueron grabados. En julio de 1978, Robertson finalmente dejó la banda para siempre, debido a que sus hábitos de bebida volvieron a estar fuera de control, así como a las diferencias irreconciliables con Lynott, y fue nuevamente reemplazado por Gary Moore, quien formó de nuevo tandem con Scott Gorham, actualmente guitarrista de Black Star Riders.

Black Star Riders se formó en 2012 cuando los miembros de la formación más reciente de Thin Lizzy decidieron grabar nuevo material pero según Gorham “por respeto a Phil Lynott y al legado que creó” se usaría un nuevo nombre, sacado por Ricky Warwick (voz/guitarra) del western de 1993 “Tombstone”, aun así el sonido de la banda es muy cercano al de Lizzy. Inicialmente, la banda estaba compuesta por Scott Gorham y Damon Johnson (Brother Cane) a las guitarras, Marco Mendoza en bajo (Blue Murder, The Dead Daisies) Ricky Warwick (The Almighty) como vocalista y guitarrista ocasional y Jimmy DeGrasso (Alice Cooper, Megadeth) a la batería. El primer álbum de la banda, “All Hell Breaks Loose” , fue lanzado en 2013, “The Killer Instinct” en 2015, “Heavy Fire”, en 2017, y “Another State of Grace” el primer álbum de Black Star Riders en contar con el nuevo guitarrista Christian Martucci y el batería Chad Szeliga. En 2014 Robbie Crane (Ratt, Lynch Mob) reemplazo a Marco Mendoza, músico que ya había tocado con otro ex Lizzy, John Sykes, no solo en Blue Murder también es sus trabajos en solitario.

En los años posteriores a Blue Murder, Sykes grabó varios álbumes en solitario: “Out of My Tree” (1995), “Loveland” (1997), “20th Century” (1997) y “Nuclear Cowboy” (2000). En 2004, se lanzó el álbum en vivo “Bad Boy Live!” grabado por en abril de ese año durante una gira en solitario en Japón, país donde Sykes goza de gran popularidad. El album cuenta con una serie de “grandes éxitos” de Thin Lizzy, Whitesnake, Blue Murder y su trabajo en solitario. Para este álbum Sykes contó con Marco Mendoza en el bajo, Derek Sherinian en los teclados y Tommy Aldridge en la batería, quien nos lleva a nuestro siguiente protagonista, el “príncipe de las tinieblas” Mr. Ozzy Osbourne.

Aldridge participo en “Speak of the Devil” un doble álbum en vivo, publicado el 27 de noviembre de 1982, compuesto enteramente de versiones en vivo de canciones grabadas originalmente por la anterior banda de Osbourne, Black Sabbath. En el Reino Unido el álbum fue titulado “Talk of the Devil”, modismo mas utilizado allí.

Portada con el titulo cambiado para un mejor entendimiento del publico británico.

A principios de febrero de 1982, la dirección y el sello discográfico de Osbourne tomaron la decisión de grabar un álbum en vivo que enteramente de canciones que había grabado con Black Sabbath en la década de 1970. Varios factores llevaron a esta decisión. El acuerdo editorial de Sabbath con su administración anterior había expirado recientemente; Al volver a grabar estas canciones, todos los compositores (incluido Osbourne) se beneficiarían de los derechos de autor. Los miembros de la banda no vieron esto con buenos ojos, ya que pensaban que como músicos de estudio seria un paso atrás el grabar temas de otra banda. Osbourne no se lo tomó nada bien, enfrentándose a ellos, incluido su gran amigo Randy Rhoads. Al final aceptaron, pero todo se vino abajo con la muerte de Randy el 19 de marzo de 1982.

Amigos para siempre.

Tras su muerte, la banda continuo con el guitarrista Bernie Tormé, pero la cosa no funcionó y se contrató a Brad Gillis como nuevo guitarra. Los ensayos para los conciertos que debían grabarse fueron caóticos, con el propio Ozzy desaparecido hasta el día antes del primer show, siendo incapaz de recordar algunas de las canciones, actuando durante algunas noches con las letras puestas sobre una silla en mitad del escenario. Según el productor del álbum, se grabó un set entero sin publico después de los dos shows de donde se sacó la grabación para en caso de que esas grabaciones no fueran validas poder sacar algún tema. El álbum presenta tres canciones de esa actuación con el ruido de la multitud que luego se agregó en la postproducción, una pista, Sabbath bloody Sabbath no se tocó en ninguno de los dos shows de la grabación.

“Speak of the Devil” es el primer álbum de Osbourne que presenta al bajista Rudy Sarzo y al bateria Tommy Aldridge. El dúo había sido acreditado en el álbum “Diary of a Madman” de 1981, pero en realidad no tocaron en él. Aldridge tocó en un álbum mas de Ozzy, mientras que Sarzo dejo la banda tras la gira uniéndose de manera oficial a Quiet Riot, mientras que Gillis hacia lo mismo formando su banda de siempre Night Ranger.

Banda de San Francisco que en principio se llamo Ranger, nombre que tuvo que cambiar a Night Ranger ya que otra banda de country tenia registrado el nombre. El grupo lo formaban Jack Blades al bajo y la voz, los guitarras Brad Gillis y Jeff Watson, el teclista Alan Fitzgerald y el batería y tambien vocalista Kelli Keagy. Sus tres primeros trabajos, “Dawn Patrol” (1982), “Midnight Madness” (1983), y “7 Wishes” (1985) consiguieron el platino en EE.UU. Entre 1984 y 1987, Night Ranger se “especializó en bandas sonoras, grabando o contribuyendo con canciones para varias películas orientadas a adolescentes. Después de que su éxito disminuyó a finales de la década de 1980, la banda se separó en 1989 y sus miembros siguieron otros caminos, tanto grupales como solistas. Uno de sus miembros, el guitarrista Jeff Watson perteneció a este super grupo llamado Mother´s Army.

Watson, Turner, Daisley y Appice.

Formados en 1993 cuentan con Joe Lynn Turner (Rainbow, Deep Purple) a la voz, Jeff Watson (Night Ranger) a la guitarra, Bob Daisley (Gary Moore, Rainbow) al bajo y Carmine Appice (King Kobra, Vanilla Fudge) a la batería quien fue reemplazado por Aynsley Dunbar (Journey, Jefferson Starship) a principios de 1998. La banda se separaó en 1998 debido a otras obligaciones de los miembros de la banda en otras bandas o proyectos o debido a su deseo de seguir sus carreras en solitario. A lo largo de los cinco años de su existencia, Mother’s Army ha lanzado tres álbumes de estudio, “Mother’s Army” (1993), “Planet Earth” (1997) y “Fire on the Moon” (1998). Desgraciadamente la banda siempre fue tomada como un proyecto de estudio por todos sus miembros. Nunca tuvieron mucha actividad en vivo y entre discos todos hicieron otras cosas en el mundo musical. Tal vez el aparecer en medio del apogeo del grunge no fue la mejor idea para un grupo con un sonido de hard rock melódico, a pesar de contar con verdaderas estrellas de rock, precisamente una de ellas nos lleva hasta los protagonistas de este blog, Joe lynn Turner, quien puede presumir de ademas de ser uno de los cantantes mas reconocidos dentro del hard rock, haber sido vocalista de Rainbow y Deep Purple. Espero que os haya gustado este blog y como no su podcast. No olvidéis dar like y comentar. Un saludo a tos y todas.Hasta la próxima. Sube el volumen y disfruta!!

Programa Nº16

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Bienvenidos un mes mas al blog del podcast Rock en Cadena, volvemos después de nuestro segundo especial dedicado a las mujeres en el rock para centrarnos en la banda “mas caliente del planeta”. You Wanted the Best, You Got the Best!!..KISS.

Kiss nace de Wicked Lester, una banda de rock de Nueva York liderada por Gene Simmons y Paul Stanley. La banda grabó un álbum, que fue archivado por Epic Records, y tocaron un puñado de shows en vivo. Simmons y Stanley, sintiendo que se necesitaba una nueva dirección musical, abandonaron Wicked Lester en 1972 y comenzaron a formar un nuevo grupo. Simmons y Stanley se encontraron con un anuncio en la revista Rolling Stone colocado por Peter Criss, un batería que ademas cantaba. Después de escuchar a Criss cantar, pensaron que debería estar en la nueva banda que estaban formando. El trío se centró en un estilo de rock mucho más duro que el practicado por Wicked Lester. También comenzaron a experimentar con su imagen, usando maquillaje y varios atuendos. En noviembre de 1972, el trío presentó una demo al director de A&R de Epic Records, Don Ellis, en un esfuerzo por asegurar un contrato discográfico. Aunque la actuación salió bien, a Ellis no le gustaba la imagen y la música del grupo.

Kiss en 1972, con el primer maquillaje de Paul Stanley.

A principios de enero de 1973, el grupo agregó al guitarrista principal Ace Frehley. Unas semanas después, la formación clásica se solidificó como Kiss. A Stanley se le ocurrió el nombre mientras que Frehley creó el logotipo ahora icónico, haciendo que las “SS” parecieran relámpagos. Más tarde, Stanley diseñó el logotipo (la inclinación y ángulos de las “SS” son diferentes por lo que geométricamente no son idénticas). Cuando firmaron su primer contrato discográfico, el departamento de arte preguntó si querían rediseñarlo para que fuera perfecto, a lo que Stanley contestó: “si nos ha traído hasta aquí, vamos a dejarlo tal y como está”.

Logo usado en Alemania.

Las letras parecían similares a las insignias de las SS nazis, un símbolo que está prohibido en Alemania por su codigo penal. Sin embargo, Simmons y Stanley, ambos judíos, han negado cualquier similitud intencionada con el simbolismo nazi en el logotipo. Desde 1979, la mayoría de las portadas de álbumes y productos de la banda en Alemania han usado un logotipo alternativo, en el que las letras “SS” se parecen a las letras “ZZ” al revés. Este logotipo también se usa en Austria , Suiza , Polonia , Lituania , Hungría e Israel para evitar controversias.

En noviembre de 1973 la banda firma su primer contrato discográfico con Casablanca Records.  El álbum debut homónimo de la banda fue lanzado el 8 de febrero de 1974. A pesar de la publicidad y las giras constantes, Kiss inicialmente vendió solo 75.000 copias. Mientras tanto, el grupo y Casablanca Records perdiendo dinero rápidamente. La banda (mientras estaba de gira) se detuvo en Los Ángeles en agosto de 1974 para comenzar a grabar su segundo álbum, “Hotter Than Hell”, que fue lanzado el 22 de octubre de 1974. El único sencillo, “Let Me Go, Rock ‘n’ Roll”, no entró en listas, y el álbum se estancó en el número 100. Con “Hotter Than Hell” cayendo de las listas, Kiss fue sacado de su gira para grabar rápidamente un nuevo álbum. El jefe de Casablanca, Bogart, intervino para producir el próximo álbum, cambiando el sonido turbio y distorsionado de “Hotter Than Hell” por un sonido más limpio y ligeramente más pop. “Dressed to Kill” , lanzado el 19 de marzo de 1975, tuvo un mejor desempeño comercial que “Hotter Than Hell”. También contenía lo que más tarde se convirtió en la canción característica de la banda, “Rock and Roll All Nite”. Aunque los álbumes de Kiss no habían demostrado ser grandes vendedores, la banda rápidamente se estaba haciendo famosa por sus actuaciones en vivo. Los conciertos incluían espectáculos como Simmons escupiendo “sangre” (un efecto hecho principalmente de claras de huevo crudas, jarabe de fresa y colorante rojo de alimentos) y “lanzando fuego” (escupiendo líquido inflamable en una antorcha), Frehley hacia algún solo mientras su guitarra estallaba en llamas (bombas de luz y humo colocadas dentro de la guitarra), el elevador de batería de Criss que emitía chispas, el estallido de guitarra al estilo “Townshend” de Stanley y la pirotecnia durante todo el espectáculo.

Su primer “Alive”…¿y la salvación del grupo?

A mediados de 1975, Casablanca estaba casi en bancarrota, y Kiss estaba en peligro de perder su contrato discográfico. Ambas partes necesitaban desesperadamente un avance comercial para sobrevivir. Ese avance se produjo en una forma poco probable: un álbum “doble en vivo”. El 10 de septiembre de 1975 se lanzó “Alive!”, una mezcla de los conciertos de Detroit, Cleveland y Wildwood, NJ, alcanzando el estatus de Oro y generando el primer single de los 40 mejores de Kiss: una versión en vivo de “Rock and Roll All Nite”. Fue la primera versión de la canción con un solo de guitarra. En los últimos años, la banda admitió que se había agregado ruido adicional de la audiencia al álbum, así como sobregrabaciones en puntos seleccionados de guitarra y voz, no para engañar a los fanáticos, sino para agregar más “emoción y realismo” al disco.

El éxito de “Alive!” No solo le dio a Kiss el avance que habían estado buscando, sino que posiblemente salvó a Casablanca, que estaba cerca de la bancarrota. Después de este éxito, Kiss publicó “Destroyer” el 15 de marzo de 1976, con una producción bastante compleja (utilizando una orquesta, coro y numerosos efectos de cinta), fue un alejamiento del sonido crudo de los primeros tres álbumes de estudio. Si bien el álbum se vendió bien inicialmente y se convirtió en el segundo álbum de oro del grupo, rápidamente cayó en las listas. Solo cuando la balada ” Beth “, el lado B del sencillo ” Detroit Rock City “, comenzó a ganar más difusión en la radio FM, las ventas del álbum repuntaron. El single fue reeditado posteriormente con los lados A y B invertidos. “Beth” alcanzó el número 7 en el Billboard Hot 100 , y su éxito condujo a un aumento en las ventas tanto del álbum (que alcanzó el estatus de platino a fines de 1976) como de las entradas para conciertos. Solo cuando la balada “Beth “, el lado B del sencillo “Detroit Rock City”, comenzó a ganar más difusión en la radio, las ventas del álbum repuntaron. El single fue reeditado posteriormente con los lados A y B invertidos. “Beth” alcanzó el número 7 en el Billboard Hot 100, y su éxito condujo a un aumento en las ventas tanto del álbum (que alcanzó el estatus de platino a finales de 1976) como de las entradas para conciertos.

Se lanzaron dos álbumes de estudio en menos de un año: “Rock and Roll Over” (11 de noviembre de 1976) y “Love Gun” (30 de junio de 1977). Un segundo álbum en vivo, “Alive II”, fue lanzado el 14 de octubre de 1977. Los tres álbumes fueron certificados platino poco después de su lanzamiento. Entre 1976 y 1978, Kiss ganó 17,7 millones de dolares con su musica. En Japón, Kiss realizó cinco shows con entradas agotadas en el Budokan Hall de Tokio , rompiendo el récord anterior de cuatro noches de los Beatles. El primer álbum recopilatorio de Kiss, “Double Platinum” , se publicó el 2 de abril de 1978. Este álbum doble incluía muchas versiones remezcladas de sus éxitos, así como “Strutter ’78”, una versión regrabada de una canción del primer álbum del grupo. Durante este período, la mercancía de Kiss se convirtió en una fuente sustancial de ingresos para el grupo. Algunos de los productos lanzados incluyeron un par de cómics emitidos por Marvel (el primero contenía tinta mezclada con sangre real donada por el grupo), una máquina de pinball, muñecas, kits de “Kiss Your Face Makeup”, máscaras de Halloween, juegos de mesa, tarteras, cartas coleccionables y muchas otras piezas de recuerdo. El numero de socios en el Kiss Army, el club de fans de la banda, estaba en las seis cifras. Entre 1977 y 1979, las ventas mundiales de mercancías (en la tienda y en gira) alcanzaron un estimado de 100 millones de dolares.

Las portadas de sus trabajos en solitario.

El grupo, junto con el manager Bill Aucoin, trató de llevar a la banda al siguiente nivel de popularidad. Con ese fin, se diseñó una estrategia ambiciosa y doble para 1978. La primera parte implicó el lanzamiento simultáneo de cuatro álbumes en solitario de los miembros de Kiss. Aunque Kiss ha afirmado que los álbumes en solitario tenían la intención de aliviar las crecientes tensiones dentro de la banda, su contrato discográfico de 1976 en realidad requería cuatro discos en solitario, y cada uno de ellos contaba como medio álbum para el compromiso de cinco discos del grupo. Cada álbum fue un producto en solitario (ninguno del grupo apareció en el álbum de otro), y todos fueron lanzados y comercializados como álbumes de Kiss (con caratulas e inserciones de póster similares). Era la primera vez que todos los miembros actuales de una banda de rock habían lanzado álbumes en solitario el mismo día.

Para los miembros de la banda, fue una oportunidad para mostrar sus estilos musicales individuales y sus gustos fuera de Kiss, y en algunos casos para colaborar con artistas contemporáneos. Los álbumes de Stanley y Frehley eran más similares al estilo hard rock de Kiss, mientras que el álbum de Criss presentaba un estilo R&B con múltiples baladas. Simmons fue el más diverso de los cuatro, presentando hard rock, baladas, pop influenciado por los Beatles y una versión de “When You Wish upon a Star ” de la película de Disney “Pinocho”. Simmons contó con muchos colaboradores como Joe Perry (Aerosmith), Rick Nielsen (Cheap Trick) , Jeff “Skunk” Baxter, Donna Summer, Bob Seger, y su entonces novia Cher .

Portada argentina de su…¿película?

La segunda parte del plan de Kiss y Aucoin requería que la banda apareciera en una película que consolidaría su imagen como superhéroes del rock and roll. La filmación comenzó en la primavera de 1978. Aunque el proyecto se propuso a la banda como un cruce entre “A Hard Day’s Night” y “Star Wars”, el resultado final estuvo muy por debajo de esas expectativas. El guion sufrió numerosas reescrituras, y la banda (particularmente Criss y Frehley) se sintió cada vez más frustrada con el proceso de filmación. El producto final, “Kiss Meets the Phantom of the Park” , debutó el 28 de octubre de 1978. Fue lanzado después de muchos cambios, fuera de los EE.UU en 1979, bajo el título “Attack of the Phantoms”. Los miembros de la banda no estaban contentos con la película terminada, en entrevistas posteriores hablarían sobre su experiencia cinematográfica con una mezcla de vergüenza humorística y arrepentimiento. Sintieron que la película los retrataba más como payasos que como superhéroes. El fracaso artístico de la película provocó una grieta entre la banda y su manager Bill Aucoin.

El primer álbum de Kiss de material nuevo en dos años, “Dynasty” (22 de mayo de 1979), continuó su racha de platino. El single “I Was Made for Lovin ‘You”, con sabor a disco, se convirtió en uno de los singles más exitosos de la banda hasta la fecha, llegando al número 11. El batería de sesión Anton Fig grabó casi todas las partes de batería del álbum mientras Criss se recuperaba de un accidente automovilístico. La única canción que presentó la batería de Criss fue “Dirty Livin'”, en la que también cantó. Al final de la gira, en diciembre de 1979, las tensiones entre Criss y el resto de la banda estaban en su punto más alto. Sus habilidades como batería se habían erosionado notablemente, e incluso disminuyó la velocidad intencionalmente, o dejó de tocar por completo, durante algunos conciertos. El espectáculo final de la gira (16 de diciembre de 1979) fue la última vez que Criss actuó con el grupo durante casi 17 años, aunque siguió siendo miembro oficial durante casi seis meses más. De nuevo el batería de sesión, Anton Fig, tocó toda la batería en el siguiente álbum, “Unmasked” , aunque no fue acreditado, mientras que Peter Criss apareció en la portada. Lanzado el 20 de mayo de 1980, tuvo la dudosa distinción de ser el primer álbum de Kiss desde “Dressed to Kill” en no lograr ventas de platino. Poco después del lanzamiento del álbum, se anunció oficialmente la partida de Criss. Anton Fig, considerado miembro de Kiss por un día después de la partida de Criss, fue despedido por Stanley y Simmons, quienes sintieron que no era un buen candidato para la banda.

Eric Carr entra en escena.

La banda audicionó docenas de reemplazos para Criss en junio de 1980. Uno de los muchos que audicionó fue Tico Torres (quien más tarde estaría con Bon Jovi). Finalmente se decidieron por un desconocido batería-guitarrista-pianista-teclista-cantante de Brooklyn llamado Paul Charles Caravello, que adoptó el nombre artístico de Eric Carr. Su primer diseño de maquillaje fue modelado sobre un halcón, aunque fue rechazado ya que Stanley sintió que se parecía más a un pollo. Carr finalmente se decidió por el personaje de “Fox” (zorro).

En 1981 publican “Music from The Elder”, un álbum conceptual con cuernos medievales, cuerdas, arpas y sintetizadores. El álbum se presentó como una banda sonora de una película que nunca se hizo, lo que dificultó seguir la historia. Para empeorar las cosas, después de recibir comentarios negativos después de la vista previa del álbum por parte de su compañía discográfica, Kiss alteró la secuencia de la pista del disco en la mayoría de los países para enfatizar los posibles singles “The Oath” y “A World Without Heroes”, que prácticamente garantizaban la incapacidad de oyentes para entender la historia ya confusa. Una vez editado, la reacción de los fanáticos a “The Elder” fue dura; no logró el estado de oro y alcanzó el puesto número 75 en la lista de álbumes de Billboard. Frehley, molesto con la decisión de la banda de grabar “The Elder”, no participó activamente en la creación del álbum, proporcionando voces principales para una sola canción, “Dark Light”. No apareció en un concierto especial en Studio 54 en la ciudad de Nueva York, dejando a Kiss actuar como un trío. Grabó sus partes de guitarra en el estudio de su casa y se los envió por correo al productor. Otra fuente de frustración para Frehley fue la partida de Criss. En junio de 1982, se negoció la salida de Frehley de la banda, aunque no se fue oficialmente hasta diciembre, y siguió siendo un socio comercial con Simmons y Stanley hasta 1985.

Simmons declaró en su autobiografía “Kiss and Make-Up” que Eddie Van Halen quería llenar el lugar de Frehley. Simmons y el hermano de Eddie, Alex, convencieron a Eddie para que se quedara con Van Halen. Eddie estaba ansioso por romper Van Halen debido a las tensiones con el cantante David Lee Roth, quien dejó la banda poco después. Otros músicos que audicionaron para la banda fueron Punky Meadows de Angel, Doug Aldrich de Whitesnake y Dio, Richie Sambora de Bon Jovi e Yngwie Malmsteen. Poco después, Kiss realizó cambios importantes en sus negocios: el principal de ellos fue cortar los lazos con su manager de siempre, Bill Aucoin. Aunque Frehley ya había decidido abandonar la banda, apareció en las portadas de “Killers” y “Creatures of the Night” de 1982 , aunque no participó en la grabación de ninguno de los álbumes. “Creatures of the Night” (13 de octubre de 1982) fue el álbum más pesado de Kiss hasta la fecha, y aunque le fue mejor que a “The Elder”, solo alcanzó el número 45 en las listas y no fue certificado oro hasta 1994. En la ausencia de Frehley, Kiss utilizó a varios guitarristas para la grabación del álbum, incluido Vinnie Vincent.

La última aparición de Frehley con la banda (hasta la reunión de 1996) fue en el vídeo musical del sencillo “I Love It Loud”, que fue co-escrito por Vincent. Frehley también apareció en la portada de las ilustraciones originales del álbum Creatures of the Night. Cuando el álbum fue remezclado y relanzado en 1985 con una versión sin maquillaje y un orden de canciones ligeramente diferente, para reflejar el cambio en la lista de la banda y el abandono de su maquillaje y vestuario, Vincent volvió a estar ausente de la cubierta del álbum, el entonces guitarrista de la banda, Bruce Kulick , apareció en su lugar.

Vincent reemplazó oficialmente a Frehley como guitarrista principal en diciembre de 1982, cuando la banda se embarcó en su décima gira de aniversario. Vincent originalmente quería usar su nombre de nacimiento en la banda (Vincent John Cusano) , pero esto fue vetado por Simmons con el argumento de que sonaba “demasiado étnico”. Específicamente, según Simmons, “sonaba como un vendedor de frutas”. Vincent sugirió el nombre “Mick Fury”, pero esto también fue rechazado. Simmons más tarde sugirió el cambio de nombre a “Vinnie Vincent”. Vincent comenzó a presionar para unirse a Kiss como miembro de pleno derecho. A pesar de las dudas que tanto Simmons como Stanley albergaban sobre su personalidad, Vincent fue incluido en la banda. Stanley diseñó un personaje para Vincent, “The Wiz”, también conocido como “The Egyptian Warrior”o Ankh. Según la biografía oficial autorizada de Kiss, “El guerrero egipcio Ankh” se refiere al maquillaje y la personalidad de Vincent, mientras que el apodo “The Wiz” se refiere a su virtuosismo como guitarrista. Según la autobiografía de Simmons “Kiss and Make-Up” , el personaje de Vincent en Kiss era únicamente “The Wiz”. De 1982 a 1983, la nueva alineación de Kiss se convirtió en Simmons (el Demonio), Stanley (el chico de las estrella), Eric Carr (el zorro) y Vincent (El guerrero egipcio o el fenomeno). Esta alineación de Kiss fue la última de la era del maquillaje original. El trabajo de Vincent en “Creatures of the Night” no fue reconocido oficialmente hasta que el álbum fue remasterizado en 1997. Más tarde, Vincent fue utilizado por Kiss como compositor en el álbum “Revenge” de 1992, contribuyendo en algunas canciones. En poco tiempo, Vincent se peleó con Simmons y Stanley por tercera vez, y nuevamente cortaron sus lazos musicales.

El señor Cusano (Vinnie Vincent) entra en Kiss.

La personalidad de Vincent no encajaba bien con Stanley y Simmons, y fue despedido de Kiss al final de la gira de “Creatures”. Siendo reincorporado antes de que comenzara la grabación de “Lick It Up” ya que Simmons y Stanley no pudieron encontrar un nuevo guitarra solista en tan poco tiempo. Vincent apareció en la portada de “Lick It Up” y fue acreditado como el guitarrista principal. Sintiendo que era hora de un cambio, Kiss tomó la decisión de abandonar su maquillaje y vestuario característicos.

Desenmascarados!!!

La banda apareció oficialmente en público sin maquillaje por primera vez en una aparición del 18 de septiembre de 1983 en MTV, que coincidió con el lanzamiento de “Lick It Up”. La gira para promocionar el nuevo álbum y los miembros de la banda desenmascarados comenzó en Lisboa, Portugal, el 11 de octubre de 1983, su primer concierto sin maquillaje desde principios de 1973. “Lick It Up” se convirtió en el primer disco de oro de Kiss en tres años, pero la gira fue aún más escasa que la anterior. Vincent no se llevaba bien con Simmons y Stanley, y dejó la banda al finalizar la gira en marzo de 1984. El reemplazo de Vincent fue Mark St. John, un músico de sesión y profesor de guitarra.

St. John y su efímero paso por Kiss.

Con St. John, Kiss lanzó en 1984 el álbum “Animalize”, siguiendo el éxito de “Lick It Up” debido en parte a la constante reproducción de MTV para el video “Heaven’s on Fire”. “Animalize” fue el disco más vendido de la banda en América durante la década, con más de dos millones de álbumes vendidos. Con el éxito del álbum y la gira posterior, Kiss había recuperado algo de su gloria anterior (aunque no al nivel de su apogeo de la década de 1970). St. John, sin embargo, contrajo artritis reactiva durante los ensayos de la gira, y solo se presentó en un puñado de espectáculos. St. John fue relevado de sus deberes de Kiss en diciembre de 1984 y fue reemplazado por Kulick, convirtiéndose en el cuarto guitarrista principal de Kiss en menos de tres años, permaneciendo con la banda 12 años. Kulick fue uno de los miembros más antiguos de la banda, con la permanencia más larga y continua de cualquier otra persona que no sea Simmons y Stanley, pero nunca usó el maquillaje icónico de la banda.

Carr, Kulick, Stanley y Simmons…¿tal vez la mejor formación de Kiss?

La alineación de Stanley, Simmons, Carr y Kulick resultó ser la más estable desde la original. Durante el resto de la década de 1980, Kiss lanzó una serie de álbumes de platino: “Asylum” de 1985, “Crazy Nights” de 1987 y la recopilación de grandes éxitos de 1988 “Smashes , Thrashes & Hits”, terminando la década con “Hot in the Shade” de 1989. Aunque el álbum no logró el estatus de platino, generó la exitosa balada “Forever”, coescrita por Michael Bolton. Alcanzando el puesto número 8 en los EE.UU., siendo el sencillo más alto del grupo desde “Beth” y fue el segundo sencillo del Top 10 de la banda.

Eric Carr. 1954-1991. Un duro golpe para Kiss.

Durante este tiempo, Kiss luchó con su identidad y su base de fans. Simmons, posiblemente la fuerza impulsora en Kiss durante la década de 1970, se involucró menos con el grupo en la década de 1980 mientras perseguía intereses externos, especialmente una carrera cinematográfica. Como resultado Stanley tomó un papel más destacado. En febrero de 1991, la banda comenzó la grabación de su próximo álbum. Antes de comenzar, la tragedia golpeó al grupo. En marzo de 1991, se descubrió que Carr tenía un tumor en el corazón. Se eliminó con éxito el mes siguiente, pero pronto se descubrieron más tumores en sus pulmones. Carr recibió quimioterapia y fue declarado libre de cáncer en julio. Sin embargo, en septiembre sufrió la primera de dos hemorragias cerebrales. Murió el 24 de noviembre de 1991, a la edad de 41 años. Casualmente, el mismo día que murió Freddie Mercury.

Eric Singer, un batería con un curriculum envidiable.

A pesar de la trágica pérdida de un miembro de toda la vida, Kiss continuó, presentando a Eric Singer como nuevo batería. En 1992 se lanzó “Revenge” con un sonido más refinado y “duro”. El álbum debutó en el Top 10 y se convirtió en oro. La gira se documentó en el álbum “Alive III”, lanzado en 1993. En 1995, el grupo lanzó el libro “Kisstory”, una crónica detallada de 440 páginas con la historia del grupo hasta ese momento. Ese mismo año, la banda se embarcó en un único y bien recibido “Worldwide Kiss Convention Tour”. Las convenciones fueron eventos de todo el día, con exhibiciones de atuendos, instrumentos y objetos de recuerdo antiguos de Kiss; actuaciones de bandas de covers de Kiss; y distribuidores que venden productos de Kiss de todas las etapas de la carrera de la banda. El grupo apareció en vivo en las convenciones, realizó sesiones de preguntas y respuestas, firmando autógrafos y realizando un set acústico de dos horas compuesto principalmente por solicitudes espontáneas de los fans. En la primera cita estadounidense (17 de junio de 1995), Criss apareció en el escenario con Kiss para cantar “Hard Luck Woman” y “Nothin ‘to Lose”. Fue la primera vez que Criss actuó públicamente con la banda en casi 16 años.

El 9 de agosto de 1995, Kiss se unió a la larga lista de músicos para actuar en MTV Unplugged. La banda contactó a Criss y Frehley y los invitó a participar en el evento. Ambos se unieron a Kiss en el escenario para varias canciones al final del set: “Beth”, “2000 Man”, “Nothin ‘to Lose” y “Rock and Roll All Nite”. La aparición desencadenó meses de especulación de que se estaba preparando una posible reunión de la alineación original de Kiss. Sin embargo, en las semanas posteriores al concierto, la banda (con Kulick y Singer) regresó al estudio por primera vez en tres años para grabar “Carnival of Souls: The Final Sessions”, acabándolo en febrero de 1996, pero su lanzamiento se retrasó casi dos años, aun así las copias piratas del álbum circularon entre los fans. Mientras que Kiss continuó existiendo públicamente como Simmons, Stanley, Kulick y Singer, los preparativos para una reunión de la alineación original estaban en proceso. Culminándose en la entrega de los Grammy de 1996, poco después anunciaron sus planes para una gira de reunión completa.

Reunión!!!

El grupo dio 192 espectáculos en el transcurso de un año y ganó 43,6 millones de dolares, lo que convirtió a Kiss en el grupo que mas dinero ganó en directo de 1996. El promedio de asistencia fue de 13.737, el más alto en la historia del grupo. En septiembre de 1998, se publicó “Psycho Circus”. Aunque fue el primer álbum con la alineación original desde “Dinasty” (1979), las contribuciones de Frehley y Criss fueron mínimas. Si bien las imágenes de Frehley y Criss se presentan de manera destacada en el álbum, la mayor parte del trabajo de guitarra principal (revelado posteriormente) fue interpretado por Tommy Thayer , futuro miembro de la banda. El ex miembro Kulick hizo una aparición en la introducción de la canción “Within”. La mayoría de las partes de batería fueron grabadas por el músico de sesión Kevin Valentine. A pesar de la controversia, el álbum logró debutar en el número 3 en la lista, la posición más alta para un álbum de Kiss hasta ese momento.

De rubio a moreno…todo por la pasta!!
Tommy de “Spaceman”, quien la sigue la consigue.

Kiss comenzó su US Farewell Tour (Tour de despedida) en marzo de 2000. El 31 de enero de 2001, en la víspera de la etapa japonesa y australiana de la gira, Criss dejó repentinamente la banda una vez más, al no llegar con la banda a un acuerdo con su salario contractual. En su lugar, el anterior batería de Kiss, Singer, quien, en un movimiento no bien visto por los fans de toda la vida, asumió la personalidad de Criss (“Cat”) mientras continuaba la gira de despedida. En febrero de 2002, Kiss (con Singer en la batería y Frehley en la guitarra solista) se presentaron durante la ceremonia de clausura de los Juegos Olímpicos de Invierno de 2002 en Salt Lake City, Utah. Esta fue la última actuación de Frehley como miembro de Kiss. Fue reemplazado por Tommy Thayer, usando el maquillaje y el disfraz de Spaceman de Frehley.

A pesar de las afirmaciones hechas antes de la gira de despedida de que sería la última del grupo, Kiss realizó una gira con Aerosmith en 2003. Frehley anunció que su salida de la banda era permanente, afirmando que creía que la gira de despedida sería la última de Kiss y que no quería abrir para Aerosmith. Thayer lo reemplazó permanentemente, ya que Kiss entró en una fase posterior a la reunión con una nueva alineación, presentando permanentemente a Thayer como “Spaceman” y a Singer como “The Catman”. En esta gira, que todavía contaba con Criss, el grupo ganó en la gira más de 64 millones de dolares (el séptimo lugar en 2003). Simmons y Stanley no renovaron el contrato de Criss cuando expiró en marzo de 2004. Durante el verano de 2004, Kiss encabezó la gira mundial Rock the Nation, y en 2008 Kiss Alive/35 World Tour. En abril de 2007, el ex guitarrista de Kiss, St. John murió de una hemorragia cerebral a los 51 años.

En octubre de 2009 , se lanzó un nuevo álbum de estudio, titulado “Sonic Boom”, más de 10 años después de su último álbum de estudio. El álbum debutó en el número 2 del Billboard 200 (su mejor posición), vendiendo 108.000 copias en su primera semana de lanzamiento. El 10 de abril de 2014, Kiss fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll. Los cuatro miembros originales (Simmons, Stanley, Frehley y Criss) se presentaron en la ceremonia, aunque no actuaron. El 15 de septiembre de 2015, la RIAA (Asociación de Industria Discográfica de Estados Unidos) anunció que la banda había obtenido más discos de oro que cualquier otra banda estadounidense en los 63 años de historia de la asociación, con un total de 30 premios de álbumes de oro (incluidos los cuatro álbumes solistas de la banda en 1978).

En 2016, Kiss realizó una gira de verano, titulada Freedom to Rock Tour, tocando en ciudades menos frecuentadas y en lugares más pequeños. El 19 de septiembre de 2018, Kiss anunció que terminarían su carrera con el End of the Road World Tour en 2019. La gira final de la banda comenzó el 31 de enero y actualmente cuenta con 186 fechas adicionales que se extenderán hasta el 3 de octubre de 2020. Durante la primera etapa de la gira mundial End of the Road, Kiss fue acusado por los fans de usar playback y pistas de acompañamiento. Tres años antes, Simmons había criticado a las bandas que usaban pistas de acompañamiento en shows en vivo. Stanley no confirmó ni negó la noticia, argumentando que estaba cuidando su voz. El 14 de noviembre de 2019, la banda anunció que sus espectáculos en Australia y Nueva Zelanda habían sido cancelados debido a problemas de salud de Stanley. Kiss realizará su último show el 17 de julio de 2021 en la ciudad de Nueva York, (¿¿¿seguro???).

La música de Kiss se han clasificado como rock duro, shock rock y heavy metal. La mayoría de sus álbumes de los años 70, particularmente los primeros seis lanzados entre 1974 y 1977, así como los de principio de los , presentaban un estilo hard rock o heavy metal tradicional. “Dynasty” de 1979 y “Unmasked” de 1980 presentaron un sonido más disco/pop rock, en 1981 “The Elder” vio a la banda incursionando en el rock progresivo. En 1983, comenzando con “Lick It Up” y la eliminación de su maquillaje característico, la banda comenzó a incorporar elementos de glam metal en su imagen sonora y visual. Más tarde, a principios de la década de 1990, su sonido se hizo más pesado y abandonó el sonido glam metal. A mediados de la década de 1990, la banda volvió a su sonido original. Kiss fue fuertemente influenciado por Alice Cooper y los New York Dolls, ademas de Beatles y el trío de guitarristas de rock Jimmy Page , Eric Clapton y Jeff Beck.

Continuamos con uno de los miembros menos conocidos de Kiss, Mark St. John y la banda que formó tras “abandonar” a Kiss, White Tiger.

White Tiger

Banda formada por el ex guitarrista de Kiss Mark St. John y el vocalista de David Donato, junto con el hermano menor de St. John, Michael Norton en el bajo, quien fuera técnico de guitarra de este durante su estancia en Kiss, y el batería Brian James Fox. La banda cuya imagen y sonido glam metal era algo similar al de Kiss de la década de los 80, fue eliminada de su sello discográfico a finales de 1986 después de que los ejecutivos no vieran potenciales éxitos en su álbum debut homónimo. La banda grabó una demo de 7 pistas en 1988 con la misma formación, con la intención de grabar un segundo álbum pero la banda se separó antes de que pudieran completar el álbum. Su cantante David Donato es conocido por su participación en Black Sabbath, con quien grabó varias demos y ensayó unos días durante 1984 y 1985 (https://rockencadena.home.blog/2019/03/27/programa-no5/). El 5 de abril de 2007, Mark St. John murió en extrañas circunstancias de una hemorragia cerebral a los 51 años.

St. John en 2005, en una de sus ultimas fotos y no con muy buena cara.

En septiembre de 2006, St. John fue encarcelado durante varios días en la cárcel, acusado de posesión de drogas, intento de destrucción de pruebas y resistencia al arresto. Inicialmente fue alojado en un dormitorio de seguridad media para delincuentes no violentos. Más tarde fue trasladado a otro modulo después de decirle a los guardias que había robado galletas de la caja de propiedades de otro interno y temía por su seguridad. Uno de los guardias supuestamente alentó a un grupo de presos para que St. john fuera agredido por el robo, y posteriormente un grupo de hasta 20 presos golpeó brutalmente y apuñaló con lápices a St.John. Mas tarde, el guardia fue arrestado en espera de una investigación sobre este y otros incidentes violentos dentro de la cárcel. Su novia, quien dijo que estaba irreconocible después de la brutal paliza, creía que el incidente fue directamente responsable de su prematura muerte varios meses después. Un par de días antes del incidente, St. John le dijo que había “engañado” a un traficante de drogas años antes, y que creía que seguramente lo atacarían si los demás internos se enteraban.

Durante los siguientes meses después de salir de la cárcel St. John sufrió fuertes dolores de cabeza y dolores en el cuerpo y muchas veces le dijo a su novia que las dolencias crónicas eran consecuencia de la paliza. Si bien no se sabe qué atención médica recibió dentro de la cárcel, después de su liberación, se negó a ver a un médico debido a que no tenía seguro médico y, por lo tanto, su salud se deterioró. St. John murió el 5 de abril de 2007, debido a lo que el forense describió como una hemorragia cerebral provocada por una sobredosis accidental de metanfetaminas. Su novia estaba con él la noche antes de que muriera e insistió en que no estaba tomando drogas, refutando el fallo oficial del forense, convencida de su muerte fue causada por su asalto en la cárcel varios meses antes. Los amigos de St. John afirmaron que nunca fue el mismo después de la paliza y que después de ser liberado cayó en una fuerte depresión ademas de su adicción a las drogas, vendiendo todos sus pertenencias y cortando césped para permitirse su hábito de drogas.

Siguiendo con White Tiger, su batería Brian James Fox y la banda a la cual perteneció tras la ruptura de Silent Rage.

Silent Rage se formó en 1985 en Los Ángeles, su debut discográfico tuvo lugar en 1987 con el álbum “Shattered Hearts”, producido por Paul Sabu , quien también contribuyó a la composición de algunas pistas. Después de los éxitos moderados del debut, el grupo llamó la atención del líder (y caza talentos) de Kiss Gene Simmons, quien los convenció de firmar un contrato para su sello, Simmons Records (distribuido por RCA ) en agosto de 1988. El segundo álbum, “Don’t Touch Me There” lanzado en 1990 (cuya portada representaba el torso de Damon) fue producido, por consejo de Simmons, nuevamente por Paul Sabu. El álbum también alcanzó el primer lugar en las listas de importación en Europa. Después de que RCA rompió acuerdos con Simmons Records, Silent Rage se separó. Después de más de una década de silencio, Silent Rage se reformó en 2001 y anunció planes para lanzar dos álbumes, “Still Alive”, lanzado en 2002 y “Four Letter Word” en 2008. Los dos primeros álbumes contaban con Jesse Damon (Timmy James Reilly, en el primer álbum) a la voz y a la guitarra, Brian James Fox a la batería, Mark Hawkins a la guitarra rítmica y E.J Curse ( mas tarde conocido como E.J Curcio) al bajo, precisamente este ultimo siguió bajo las “ordenes” de Simmons al grabar el segundo álbum de la cantante alemana Doro.

“Doro” lanzado en 1990 es el segundo álbum en solitario de la cantante alemana Doro Pesch, siendo más un esfuerzo en solitario que una producción como banda. De hecho, la cantante alemana eligió para sí misma una nueva dirección musical. La direccion del álbum fue puesta en manos del bajista de Kiss Gene Simmons, el ídolo de la infancia de Doro. Simmons dio a Tommy Thayer de la banda Black ‘n Blue (otra banda producida por Simmons) la oportunidad de brillar como coproductor del álbum, junto con Pat Regan. “Doro”, con un sonido mas cercano al hard rock, no tuvo el éxito esperado a pesar del dinero invertido, compositores que intervienen en el y los músicos en “nomina” de Simmons, como: los bajistas E.J Curse, Todd Jensen y Chuck Wright, el batería Kevin Valentine, el teclista Paul Morris, o los guitarristas Tommy Thayer y Lanny Cordola, este ultimo haciéndose cargo de todos los solos del álbum, músico que pertenecía a otro banda del “emporio” Simmons, House of Lords.

El hard rock es para guapos.

Banda formada en 1987 por el teclista y ex miembro de Angel y Gregg Giuffria tras su proyecto en solitario llamado Giuffria. Después de escuchar demos, originalmente destinadas al tercer disco de Giuffria, se negoció un contrato discográfico con la compañía Simmons Records de Gene Simmons , con dos condiciones: una, que se cambiara el nombre de la banda (a house of Lords) y dos, que se reclutara un nuevo cantante (dejando fuera a David Glen Eisley). James Christian fue el elegido, completando la banda con Chuck Wright al bajo y Ken Mary a la batería, junto a los mencionados Guiffria y Cordola. El debut homónimo de House of Lords se lanzó en 1988, con un sonido más pesado y con menos protagonismo de los teclados. Después de una gira, el guitarrista original Lanny Cordola se fue en 1990, reemplazado por Michael Guy, ex Shark Island. En 1990 publicaron “Sahara” y otra vez tras la gira, el bajista Chuck Wright y el batería Ken Mary dejaron la banda.

Para su lanzamiento de 1992 “Demons Down” Christian y Giuffria, contaron con un nuevo batería Tommy Aldridge, un nuevo bajista, Sean McNabb (ex Quiet Riot) y un nuevo guitarrista, Dennis Chick. A pesar de ser un buen álbum la llegada del grunge hizo mella y la banda se disolvió en 1993. Después de temas legales sobre los derechos del nombre de la banda, el grupo se reformó en 2000. Tras esto la banda ha publicado diez álbumes con diferentes músicos, siempre con James Christian a la voz, pero sin su líder y fundador Gregg Guiffria, quien como decíamos antes “cambió” su banda por House of Lords, y con Guiffria y su banda Guiffria continuamos.

Giuffria se formó en 1981 como un proyecto paralelo de Gregg Giuffria tras su partida de Angel. Al principio, Giuffria tenía la intención de forjar este proyecto bajo el nombre de Angel, hasta que varios miembros de la desaparecida banda pusieran una demanda. La formación clásica de la banda consistió en Gregg Giuffria en los teclados, David Glen Eisley (vocalista principal), Craig Goldy (guitarra), Chuck Wright (bajo) y Alan Krigger (batería). Curiosamente Tom Quinton tocó la batería durante varios meses en 1983-84, pero fue sustituido por el batería de sesión Alan Krigger, quien se consideró que tenía una mejor imagen que Quinton. La banda grabó dos álbumes antes de disolverse en 1987, poco después de grabar demos para un tercer álbum, lo que mas tarde seria House of Lords. Para su segundo álbum Goldy se había unido a Dio y fue reemplazado por el guitarrista Lanny Cordola (mas tarde miembro de House of Lords) , mientras que Wright regresó a Quiet Riot siendo reemplazado por Rick Bozzo y mas tarde por David Sikes. Pero nos centramos en su primer guitarrista, Craig Goldy y una de sus bandas, Resurrection Kings.

En 2011, Goldy le pidió al cantante Chas West (ex Bonham y ex Tribe of Gypsies ) que se juntaran para escribir y grabar. Después de escuchar unas demos, el presidente de Frontiers Records Serafino Perugino, le pidió a Goldy que creara una banda, reclutando a Sean McNabb (Lynch Mob, Dokken y Quiet Riot), como bajista, y su compañero de banda en Dio Vinny Appice, como batería. Alessandro Del Vecchio, compositor y productor interno de Frontiers, escribió y co-escribió con Goldy algunas pistas, grabando en 2016 su álbum homónimo. Y ya que Sean McNabb ha aparecido varias veces vamos a continuar con la banda en la que debutó con tan solo 21 años, Quiet Riot.

Un único álbum…una única decepción.

Quiet Riot, mítica banda americana que en 1988 publico su sexto álbum de estudio “QR” (también conocido como “Quiet Riot”, “Quiet Riot IV”, o “QR IV”). El álbum presentó un cambio de formación importante, el cantante y miembro fundador Kevin Dubrow había sido despedido antes de que comenzaran las sesiones de grabación, siendo reemplazado por el vocalista de Rough Cutt Paul Shortino. La banda había despedido a DuBrow principalmente debido a los comentarios que estaba haciendo a la prensa sobre la supuesta superioridad de Quiet Riot sobre otras bandas, lo que tensaba la amistad que los miembros de Quiet Riot tenían con esas bandas. La contratación de Shortino no fue el único cambio de formación, ya que Chuck Wright había dejado la banda y fue reemplazado por Sean McNabb. Esto dejó el álbum con la distinción de ser el único lanzamiento de Quiet Riot sin DuBrow en la voz, o cualquier otro miembro original (hasta su trabajo de 1993 “Terrified”). La reacción al álbum en ese momento fue tibia, pero logró atraer un poco más de interés que el álbum anterior. Shortino carecía del carisma de Dubrow, ademas de ser un álbum bastante flojo el disco muestra a un grupo de rock que alguna vez fue popular tratando de conservar sus días de gloria. Por el momento no hablaremos mas de la banda ya que es posible que hagamos un especial sobre ellos, pero nos centraremos en otro de sus míticos componentes, Frankie Banali y esta banda de la cual formó parte en los 90, Blackthorne.

Proyecto estadounidense de hard rock, que contaba con Bob Kulick en la guitarra, Graham Bonnet en la voz, Frankie Banali en la batería, Jimmy Waldo en el teclado y Chuck Wright en el bajo. El grupo lanzó el álbum “Afterlife” en 1993, pero luego no sucedió mucho. La banda nunca hizo ninguna gira importante, solo Kulick, Waldo y Bonnet hicieron algunas actuaciones acústicas, incluida una visita a Japón, para promocionar el álbum. Bonnet, Kulick y Waldo hicieron grabaciones para un segundo álbum que se publicó en 2016 titulado “Don’t Kill the Thrill”, siendo básicamente demos remasterizadas. Blackthorne podría haber hecho algo grande, tenían todos los ingredientes: pedigrí, fans de bandas anteriores, grandes músicos, grandes canciones, etc. El tiempo podría haber sido el problema, a principios de los 90, la gente había cambiado y estaba ocupada escuchando grunge. Bob Kulick, uno de sus miembros, nos lleva hasta los protagonistas de este Rock en Cadena, ya que ademas de ser el hermano mayor de Bruce Kulick guitarrista de Kiss, a finales de 1972 audicionó para el puesto de guitarra principal en una banda entonces nueva llamada Kiss. La banda, con Gene Simmons , Paul Stanley y Peter Criss , quedó muy impresionado por su actuación, pero fue el deslumbrante Ace Frehley (que audicionó inmediatamente después de él) quien fue elegido para llenar el lugar. Más tarde Bob tocó (sin acreditar) en cuatro álbumes de Kiss: “Alive II” (tres de las cinco pistas de estudio), “Unmasked” (tocó la guitarra principal en “Naked City”), “Killers” (las cuatro nuevas pistas de estudio) y algunos temas en “Creatures of the Night”. También tocó en el álbum de Paul Stanley de 1978 álbum y en su gira en solitario de 1989. Y con Kiss terminamos, espero que os haya gustado el blog de este mes, no olvidéis dejar vuestros comentario y como no, escuchar el programa. Sube el volumen y disfruta!!

Programa Nº 15

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Bienvenidos a un nuevo blog del podcast de Rock en Cadena. No podíamos dejar atrás a unos de los padres del Heavy Metal, iconos del estilo no solo por su música si no también por su imagen, con una pareja de guitarrista fácilmente reconocibles por su estilo y su sonido y con uno de los mejores cantantes apodado “Metal God”, dedicamos este blog y el podcast a los Británicos Judas Priest.

Judas Priest se formó en 1969 en el industrial West Bromwich, Inglaterra, en el llamada Black Country, por el vocalista Al Atkins y el bajista Brian “Bruno” Stapenhill, quien sacó el nombre de Judas Priest de la canción de Bob Dylan “The Ballad of Frankie Lee and Judas Priest. Ningún miembro de esa formación inicial duró lo suficiente como para tocar en las grabaciones de la banda, aunque varias canciones co-escritas por Atkins aparecieron en sus dos primeros álbumes. La banda obtuvo un contrato de grabación de tres álbumes con el sello Inmediato a finales de 1969, pero el sello cerró antes de que se pudiera grabar un álbum, y la banda se separó en 1970. A finales de año, Atkins encontró una banda sin cantante, compuesta por K.K. Downing a la guitarra, su amigo de la infancia Ian “Skull” Hill en el bajo y el batería John Ellis. Se unió a ellos, y tomaron el nombre de la banda desaparecida de Atkins. Ellis renunció más tarde y fue reemplazado por Alan Moore, pero Moore tambien abandonó siendo reemplazado por Christopher Louis “Congo” Campbell, en ese periodo de tiempo la banda se unió a la agencia de gestión del guitarrista de Black Sabbath Tony Iommi , (Iommi Management Agency). Atkins continuó escribiendo material para la banda, incluida “Whisky Woman”, que se convirtió en la base para el clásico de Judas Priest “Victim of Changes”, pero como el dinero no llegaba y tenía una familia que mantener, Atkins dejó la banda. Campbell se fue poco después, y la banda alistó a el batería John Hinch y al vocalista Rob Halford, el hermano de la novia de Hill.

Ian Hill, K.K. Downing, “Bruno” Stapenhill y Al Atkins en 1972.

Judas Priest realizó su primera gira por Europa a principios de 1974 y regresó a Inglaterra en abril para firmar un contrato de grabación con el sello Gull . La compañía sugirió agregar un quinto miembro para completar el sonido de la banda; apareciendo como el segundo guitarrista principal Glenn Tipton.

Judas Priest entró al estudio en 1974 con el productor de Black Sabbath Rodger Bain, poco después se edito su primer álbum “Rocka Rolla”. Los problemas técnicos durante la grabación contribuyeron a la mala calidad de sonido del disco. Rodger Bain dominó la producción del álbum y tomó decisiones con las cuales la banda no estuvo de acuerdo, dejando fuera del disco temas como “Tyrant”, “Genocide” y ” The Ripper “, y cortó la canción “Caviar and Meths” de una canción de 10 minutos. hasta un instrumental de 2 minutos. El álbum fracasó con el lanzamiento, dejando a Priest en una situación financiera grave. Rocka Rolla ha sido “olvidado” en su mayor parte por la banda y ninguna de sus canciones se tocó en vivo después de 1976 excepto “Never Satisfied”, que se incluyo durante el Epitaph Tour en 2011.

Si, Halford tuvo pelo.

Hinch dejó la banda y fue reemplazado por Alan Moore. La banda grabó Sad Wings of Destiny durante dos semanas en noviembre y diciembre de 1975, la portada muestra a un ángel luchando, rodeado de llamas y con la cruz de tres puntas del diablo, que se convirtió en el símbolo de la banda. El álbum fue lanzado en marzo de 1976, con un intento, al igual que en su primer álbum, de mezclar rock duro con rock progresivo. El álbum tuvo poco éxito comercial al principio y tuvo dificultades debido al auge del punk rock , aun así alcanzó el número 48 en el Reino Unido. Sad Wings of Destiny llamó la atención de CBS Records, y la banda firmó con ellos recibiendo 60,000 libras de presupuesto para su próximo álbum. La firma requirió romper su contrato con Gull, lo que resultó que los derechos de los dos primeros álbumes y todas las grabaciones relacionadas, incluidas las demos, se convirtieran en propiedad de Gull (¿Os suena el álbum “Hero, Hero”?).

Judas Priest grabó su debut con CBS en enero de 1977, con el bajista de Deep Purple, Roger Glover, como productor. Moore se fue durante las sesiones de grabación y fue reemplazado por el batería Simon Phillips. El álbum presenta desarrollos significativos en la técnica de heavy metal, en particular el uso del doble bombo en la batería, en pistas como “Dissident Aggressor”, el disco también incluye una versión de “Diamonds & Rust” de la cantante folk Joan Baez . Sin After Sin apareció en abril de 1977 y fue el primero de once álbumes consecutivos en ser certificados Oro o superior. Phillips declinó convertirse en miembro permanente de Judas Priest, por lo que la banda contrató a Les Binks por recomendación de Glover. Con el grabaron Stained Class y Killing Machine (lanzado en Estados Unidos como Hell Bent for Leather ) ambos editados en 1978, así como en “Unleashed in the East” (1979), que fue grabado en vivo en Japón durante la gira de “Killing Machine”, siendo el primero de muchos álbumes de Judas Priest en llegar a platino.

Las tachuelas y el cuero empiezan a aparecer.

Mientras que sus primeros tres álbumes tenían influencias considerables de Black Sabbath, Led Zeppelin y Deep Purple, “Killing Machine” fue el primer guiño a un sonido más comercial, con canciones más simples. Casi al mismo tiempo, los miembros de la banda adoptaron su ahora famosa imagen de “cuero y tachuelas”. Les Binks dejó la banda a finales de 1979 siendo sustituido por Dave Holland. Con esta formación, Judas Priest grabó seis álbumes de estudio y uno en vivo.Les Binks dejó la banda a finales de 1979 siendo sustituido por Dave Holland. Con esta formación, Judas Priest grabó seis álbumes de estudio y uno en vivo.

La formacion clasica de los 80.

En 1980, la banda lanzó “British Steel” con canciones más cortas y con más gancho para las radios convencionales, pero conservaban la esencia del heavy metal. El siguiente lanzamiento, “Point of Entry” de 1981, siguió la misma fórmula. El álbum de 1982 “Screaming for Vengeance” se convirtió en un gran éxito de radio en los Estados Unidos. El álbum llegó doble platino. “Defenders of the Faith” fue lanzado al año siguiente, con una gran similitud musical con el álbum anterior. “Turbo” en 1986, donde la banda adoptó un aspecto de escenario más colorido y le dio a su música una sensación más convencional al agregar sintetizadores de guitarra. El álbum también fue Platino y tuvo una exitosa gira con 100 conciertos en Norteamérica, Europa y Japón en 1986. El álbum en vivo grabado en la gira, titulado “Priest … Live!”, fue lanzado al año siguiente. En 1988, se lanzó “Ram It Down”, con varias canciones descartadas de Turbo, además de nuevas canciones. La banda grabó tres pistas con los productores de pop Stock-Aitken-Waterman aunque finalmente no se incluyeron en el álbum debido a una decisión administrativa. “Ram It Down” fue una evolución a nivel de sonido en un intento de la banda de deshacerse del enfoque del sintetizador tecnológico y regresar al metal tradicional haciendo sus temas mas rápidos y pesados, siendo su seña de identidad durante muchos años después. En 1989, el batería Dave Holland dejó la banda.

En 1990, Judas Priest reclutó a el batería Scott Travis (anteriormente en Racer X) editando “Painkiller” . La entrada de Travis dio a la banda un sonido más “rápido” gracias a su uso de pedales dobles y ritmos explosivos. Ese mismo año, Judas Priest fue demandado en los Estados Unidos por el suicidio de dos chicos en Sparks, Nevada, en 1985, en el que James Vance, de 20 años, y Raymond Belknap, de 18 años, se dispararon en la cabeza. En la noche del 23 de diciembre de 1985, Vance y Belknap fueron a un patio de recreo en una iglesia cercana con una escopeta de calibre 12 con el propósito de suicidarse. Esa noche ambos habían consumido cantidades considerables de alcohol y marihuana . La demanda alegaba que la pareja había estado escuchando el álbum de 1978 de Judas Priest “Stained Class” esa noche, y que la canción “Better by You, Better than Me “influyó en su decisión de terminar con sus vidas. Belknap fue el primero en colocar la escopeta debajo de la barbilla, y murió instantáneamente después de apretar el gatillo. Después, Vance se disparó, pero solo consiguió volar la mitad inferior de su rostro. Vance sobrevivió pero murió tres años más tarde por complicaciones de las lesiones autoinfligidas que sufrió esa noche.

Juicio al Metal!!!

Los abogados que representaban a las familias alegaron que un mensaje subliminal (hazlo) había sido incrustado en la canción “Better by You, Better than Me”, una versión de una canción de Spooky Tooth de 1969 que la banda había grabado en su álbum “Stained Class” y que eso había desencadenado el intento de suicidio. El juicio de tres semanas fue seguido de cerca por la industria de la música. En una moción previa al juicio, el juez dictaminó que los mensajes subliminales no podían protegerse bajo la Primera Enmienda de la Constitución de los Estados Unidos, ya que, por definición, no eran perceptibles y por lo tanto, no podían formar parte de un diálogo. El caso fue desestimado, con el hallazgo de que cualquier mensaje subliminal dentro de la grabación, si realmente existiera, no era responsable de los suicidios. La demanda le costó a la banda aproximadamente 250,000 dolares en costos legales y el juez ordenó a CBS pagar 40,000 dolares a la fiscalía, ya que la etiqueta no proporcionó cintas maestras de “Stained Class” a los abogados de la acusación.

Después de la gira de “Painkiller” en 1991, Halford dejó Judas Priest. Al parecer por tensiones internas dentro de la banda. Halford pasó a formar un grupo de thrash metal de estilo urbano llamado Fight, con Scott Travis en la batería para las sesiones de grabación. Formó esta banda para explorar un nuevo territorio musical, pero debido a obligaciones contractuales, permaneció con Judas Priest hasta mayo de 1992. Halford colaboró ​​con el grupo en el lanzamiento de un álbum recopilatorio titulado “Metal Works ’73 –’93” para conmemorar su vigésimo aniversario. También apareció en un vídeo con el mismo título, documentando su historia. Su salida de la banda se anunció oficialmente más tarde ese año. En una entrevista de febrero de 1998 en MTV, Halford anuncio su condición de gay.

“Ripper” fue un sustituto de lo mas acertado.

Tim “Ripper” Owens, que había cantado previamente en una banda tributo a Judas Priest llamada British Steel, fue contratado en 1996 como nuevo cantante. Esta alineación lanzó dos álbumes, uno cercano al groove metal – “Jugulator” (1997) y uno al nu metal “Demolition” (2001), así como dos álbumes dobles en vivo , “’98 Live Meltdown” (1998) y “Live in London” (2003), este ultimo editado también en DVD. Aunque “Jugulator” se vendió relativamente bien, recibió críticas en uno y otro sentido. “Demolition” recibió críticas más pobres y se vendió menos que lanzamientos anteriores.

Después de once años y ante una demanda cada vez mayor de una reunión, Judas Priest y Rob Halford anunciaron que se reunirían en julio de 2003, para coincidir con el lanzamiento de la caja recopilatorio “Metalogy”. Judas Priest y “Ripper” Owens se separaron amigablemente un año después. En 2005 se lanzó un nuevo álbum de estudio, “Angel of Retribution” , con gran éxito crítico y comercial. En 2008 editaron su primer álbum conceptual, “Nostradamus”. En 2009, Judas Priest lanzó un nuevo álbum en vivo, con temas de las giras mundiales de 2005 y 2008, titulado “A Touch of Evil: Live”. El tema “Dissident Aggressor” ganó el premio Grammy 2010 a la mejor interpretación de metal. El 20 de abril de 2011, se anunció que K.K. Downing abandonaba la banda. Downing citó diferencias con la banda y la agencia de management, ademas de un “colapso” en su relación. Richie Faulkner, guitarrista de la banda de Lauren Harris, fue anunciado como su reemplazo. El retiro de Downing dejó al bajista Ian Hill como el único miembro fundador aun en la banda. “Redeemer of Souls” se lanzó en 2014. Vendió alrededor de 32.000 copias en los Estados Unidos en su primera semana de lanzamiento para aterrizar en el puesto número 6 en la lista Billboard 200, siendo el primer álbum de la banda en el top 10 en los Estados Unidos. “The Redeemer of Souls Tour” condujo al sexto álbum en vivo “Battle Cry”, que fue lanzado en 2016 después de ser grabado en el Festival Wacken Open Air en Alemania el 1 de agosto de 2015.

Richie Faulkner y Andy Sneap. Os aseguro que en directo si cierras los ojos son Downing y Tipton.

El décimo octavo álbum de la banda, “Firepower”, apareció en 2018, un trabajo con una vuelta al sonido que les hizo grandes en los 80. Meses antes Glenn Tipton reveló que tenía la enfermedad de Parkinson y que dejaría de realizar giras, Tipton declaró que todavía era miembro de la banda a pesar de su diagnóstico y no descartó futuras apariciones en el escenario. Andy Sneap (quien produjo el ultimo álbum del grupo) fue anunciado como su reemplazo para la gira. El ex guitarrista K.K. Downing insinuó que las contribuciones de Sneap en “Firepower” eran más que solo ser un productor, dada la idea de que Sneap cubría las partes de guitarra de Tipton y no el mismo Tipton. Downing luego aclaró que solo quería decir que Sneap no solo produjo, sino que probablemente “contribuyó con ideas de canciones, riffs y licks, ideas de letras, etc.”

De entre los “ex Judas” nos quedamos con quien tuvo la difícil tarea de sustituir (y muy bien por cierto) al “Metal God” Rob Halford, el norteamericano Tim Owens quien de entre sus muchos proyectos destacamos este llamada Spirits of Fire.

Spirits of Fire es un supergrupo estadounidense formado por el ex vocalista de Judas Priest Tim “Ripper” Owens (ex Iced Earth, ex Yngwie Malmsteen’s Rising Force), Chris Caffery guitarrista de Savatage y Transiberian Orchestra, el bajista de Testament Steve Di Giorgio (ex Death , ex Iced Earth) y el ex Fates Warning Mark Zonder a la batería. La banda fue creada en 2017 por el guitarrista y productor Roy Z (Bruce Dickinson, Halford, Tribe of Gypsies). Su primer y único álbum, homónimo, fue lanzado en 2019 por el sello italiano Frontiers Records. Producido por el guitarrista Roy Z. Los teclados fueron tocados por el multiinstrumentista italiano Alessandro Del Vecchio (Hardline). Uno de sus miembros nos lleva a al siguiente banda, el guitarrista Criss Caffery y su banda de siempre, Savatage.

Banda fundada por los hermanos Jon y Criss Oliva en 1979, Savatage es considera una de las bandas mas importantes del movimiento estadounidense de heavy metal de principios y mediados de la década de 1980, ademas de ser una influencia clave en muchos géneros como el power metal, metal progresivo, speed metal, thrash metal, death metal y metal sinfónico. El 17 de octubre de 1993, el guitarrista Criss Oliva murió en un accidente automovilístico. Otro coche, conducido por un conductor ebrio, cruzó la mediana y golpeó el coche de Oliva de frente quien murió al instante. El conductor ebrio, que tenía siete condenas previas por conducir ebrio, sobrevivió con heridas leves y luego fue declarado culpable y cumplió 18 meses de prisión por una condena de cinco años. Después de su muerte, Jon decidió continuar Savatage en memoria de su hermano. La banda no se ha presentado en vivo desde su aparición en 2015 en el Wacken Open Air Festival, ni ha publicado una declaración oficial sobre su futuro. De entre los muchos músicos que han pasado por la banda nos centramos en Al Pitrelli quien entró en “Dead Winter Dead” al parecer por “sugerencia” del sello discográfico al sentir la necesidad de contar con un guitarrista de renombre. Al Pitrelli ha trabajado con grann variedad de grupos y solistas, como esta banda, grande entre los grandes de Trash Metal, Megadeth.

Banda de la que ya hablamos en el programa dedicado a Metallica https://rockencadena.home.blog/2019/06/05/programa-no8/ y que, quien sabe, tal vez dediquemos un programa. “The World Needs a Hero” es el noveno álbum de estudio de Megadeth, publicado en 2001 y el primero tras abandonar Capitol records. Tras el fracaso de su anterior trabajo, calificado por muchos criticos y fans como “flojo” en un intento de llegar a mas publico, sin duda provocado por la obsesión de Mustaine hacia Metallica y su incontestable popularidad, este álbum representa una vuelta a sus raíces mas Trashers. La portada del álbum muestra a la mascota Vic Rattlehead saliendo del cuerpo de Mustaine, quien aparece en la portada de un álbum de Megadeth por primera vez desde “Rust in Peace” (1990). “The World Needs a Hero” fue el último álbum con el bajista original David Ellefson hasta su regreso al grupo en 2010, también fue el único en presentar a Al Pitrelli en la guitarra principal y el último de los dos álbumes de estudio con el batería Jimmy DeGrasso, músico que al igual que Pitrelli cuenta en su curriculum con numerosa bandas, una de ellas en las antípodas de Megadeth, los también Norteamericanos Y&T.

Y&T (originalmente conocida como Yesterday & Today ) es una banda estadounidense de hard rock/heavy metal formada en 1974. La banda lanzó dos álbumes de estudio como Yesterday & Today en la década de 1970, antes de acortar su nombre a Y&T. Desde entonces han vendido más de 4 millones de álbumes en todo el mundo. Dave Meniketti, guitarrista y cantante, es el único miembro original de la banda tras la muerte del bajista Phill Kennemore, el batería Leonard Haze y el guitarrista Joey Alves. En 1986, Haze fue despedido debido al abuso de drogas y fue reemplazado por Jimmy DeGrasso, décadas después, cuando fue entrevistado para el documental “Y&T: On With the Show”, Haze dijo: “Yo también me habría despedido”. En 1989, Alves también fue despedido por abuso de drogas y fue reemplazado por Stef Burns. DeGrasso y Burns coincidieron más tarde en la banda de Alice Cooper en la década de 1990, con quien continuamos.

Alice Cooper, otro icono del rock que sin duda merece un programa para el solito, de momento nos centraremos en “The Last Temptation”, decimotercero de Alice Cooper, lanzado en 1994, su primer álbum conceptual desde “DaDa”. y que narra la historia de un niño llamado Steven (también el nombre del protagonista en el trabajo anterior de Cooper, “Welcome to My Nightmare”), y un misterioso showman con aparentes habilidades sobrenaturales, que con engaños intenta persuadir a Steven para unirse a su espectáculo itinerante, “The Theatre of the Real” donde “nunca crecería”. El álbum aborde temas como la fe, la tentación y las frustraciones de la vida moderna. Simultáneamente con el lanzamiento de “The Last Temptation” apareció una serie de cómics de tres partes que desarrolla la historia del álbum. Este sería el último álbum de Cooper con Epic Records, y su último lanzamiento de estudio durante seis años, aunque durante ese período se editó el álbum en vivo “A Fistful of Alice”. Para este trabajo Cooper contó como siempre con grandes músicos, Stef Burn a la guitarra, Greg Smith al bajo, David Uosikkinen a la batería y un joven teclista llamado Derek Sherinian, mas conocido por ser miembro de Dream Theater, ademas de participar en numerosos proyectos y bandas como esta llamada Sons of Apollo.

Supergrupo de metal progresivo estadounidense formado en 2017 y compuesto por el bateria Mike Portnoy (Dream Teather, The Winnery Dogs), el bajista Billy Sheehan (Mr. Big, The Winnery Dogs), el teclista Derek Sherinian (Dream Theater, Black Country Communion) , el vocalista Jeff Scott Soto (Yngwie Malmsteen, Soto) y el guitarrista Ron “Bumblefoot” Thal (Guns and Roses, Asia). Los miembros del grupo han insistido en múltiples entrevistas que el supergrupo es una banda a tiempo completo, y no solo un proyecto paralelo. El nombre de la banda fue propuesto por Sherinian después de que revisara una lista de sugerencias de Portnoy y viera la palabra “Apollo” entre ellos. Fue elegido debido a que Apollo es el dios de la música en la mitología griega. Pero debido a que la banda sospechaba que podría haber otra banda llamada Apollo, pensaron en posibles variaciones y así fue como se eligió su nombre. Su álbum debut, “Psychotic Symphony”, fue producido por Portnoy y Sherinian (como “The Del Fuvio Brothers”) y lanzado en 2017. En agosto de 2019, la banda lanzó su primer álbum en vivo “Live with the Plovdiv Psychotic Symphony”, filmado en el teatro romano de Plovdiv (Plovdiv, Bulgaria). Su segundo álbum MMXX se lanzó el 17 de enero de 2020. Si tuviéramos que destacar a alguno de estos “virtuosos” que forman la banda nos quedaríamos con Mike Portnoy no solo por su calidad técnica si no por la cantidad de proyectos y bandas de varios estilos en las que ha participado desde que abandonó Dream Teather allá por 2010. Esta fue una de las primeras los norteamericanos Avenged Sevenfold.

Banda estadounidense formada en 1999 con un sonido de metalcore en el debut de la banda “Sounding the Seventh Trumpet” y en su segundo álbum “Waking the Fallen”. Sin embargo, el estilo de Avenged Sevenfold había evolucionado con el tercer álbum de la banda y el primer lanzamiento con un gran sello, “City of Evil”, con un estilo mas cercano al heavy metal y al hard rock. La banda continuó explorando nuevos sonidos con su lanzamiento homónimo y disfrutó de años de éxito antes de que su batería, James “The Rev” Sullivan, muriese en 2009. A pesar de su muerte, Avenged Sevenfold continuó con la ayuda del batería Mike Portnoy (Dream Theater), y lanzó y realizó una gira en apoyo de su quinto álbum “Nightmare” en 2010, que debutó en el primer puesto del Billboard 200 , primer número uno de la banda. En 2011, el batería Arin Ilejay se unió a la banda en giras y grabaciones. El sexto álbum de estudio de Avenged Sevenfold, “Hail to the King”, que se lanzó en 2013, marcó el único álbum de con Arin Ilejay. A finales de 2014, Ilejay dejó la banda y fue reemplazado por el ex batería de Bad Religion Brooks Wackerman, quien fuera batería de la formación adolescente de Hard Rock Bad4Good, “apadrinada” por Steve Vai, mas adelante grabó para uno de los miembros de la banda a la que dedicamos el blog, Judas Priest, nos referimos a su guitarrista Glen Tipton.

Glenn Tipton en su época “moderna”.

“Baptizm of Fire” es el álbum debut en solitario del guitarrista de Judas Priest Glenn Tipton lanzado en 1997. Fue grabado entre los años 1994 y 1996. El disco muestra una amplia gama de estilos: el blues, el alternativo, el thrash y el metal británico tradicional se unen en este álbum, y Tipton (que también canta) se pone a trabajar en formatos no comunes a Priest, que mas tarde si serian señal de identidad en los dos siguientes álbumes de la banda, como la interpretación punk de “Paint It Black” y la majestuosa canción instrumental del título. Incluso termina el álbum tocando un banjo. “Baptizm of Fire” fue reeditado en 2006 con los bonus track “Himalaya” y “New Breed”. Tipton se arropó de una gran variedad de músicos de primera linea como Robert Trujillo (Metallica), Billy Sheehan (Mr. Big), Neil Murray (Whitesnake) o Cozy Powel (Whitesnake, Rainbow) y John Entwistle (The Who) con quienes grabó “Edge of the World” un álbum que consta de pistas que no fueron lanzadas en “Baptizm of Fire”. El álbum se lanzó en 2006 en memoria de Entwistle y Powell. Todas las ganancias de las ventas se destinaron al Teenage Cancer Trust. Y con la banda de Tipton acabamos el blog de este mes. Espero que que os haya gustado. Un saludo a todos y a todas.

Programa Nº14

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Bienvenidos al primer blog del año de Rock en Cadena. Comenzamos con una de las bandas mas controvertidas de la década de los 80, los norteamericanos W.A.S.P. Con Blackie Lawless como fundador y líder de la banda supieron combinar como nadie provocación y heavy metal a partes iguales lo que les llevo a ser blanco fácil del PMRC. No te puedes perder su historia y la de los demás grupos que suenen en el programa. Sube el volumen y disfruta.

1984. Piper, Lawless, Richards y Holmes.

W.A.S.P. comenzó después de la desaparición de Circus Circus, una banda de Los Ángeles que contaba con Blackie Lawless y Randy Piper. La formación original de W.A.S.P. se formó en Los Ángeles, California en 1982 por Lawless, Piper, Rik Fox y Tony Richards. La banda se hizo famosa por sus espectáculos en vivo obscenos e impactantes. Lawless era conocido por atar modelos semidesnudas a un estante de tortura y también por arrojar carne cruda a la audiencia. La primera formación no duró mucho, ya que Rik Fox fue despedido siendo reemplazado por Don Costa, el bajista de la antigua banda de Richards, Dante Fox (que más tarde se convirtió en Great White). Poco después, Don Costa también dejó la banda y su posición en el bajo fue ocupada por Brayden Parker. Al mismo tiempo, el guitarrista Chris Holmes se unió a la banda, con Parker despedido y Lawless encargándose del bajo, la formación queda completada. A finales de 1983, el manager de Iron Maiden, Rod Smallwood, fue a ver a la banda, impresionado con la música y las escandalosas actuaciones en vivo decidió involucrarse con el grupo. Se firmó un contrato de grabación con Capitol Records a principios de 1984 y la banda comenzó a grabar su álbum debut “W.A.S.P.”, en un principio planeado para ser lanzado con el título “Winged Assassins”.

Single de autentico coleccionista.

El primer sencillo de la banda “Animal (fuck like a beast)” no se incluyó en el álbum, ya que habría significado su prohibición en las principales cadenas de tiendas del pais. Capitol planeó lanzarlo como un single solo en Europa, en una bolsa de plástico negra con una pegatina que advirtiera de las letras ofensivas. En el último minuto, Capitol retrocede y el sencillo se rescata cuando W.A.S.P. llega a un acuerdo con Music For Nations, que lo lanzó en su funda original en abril de 1984. Poco después, la banda apareció en la película de 1984 “The Dungeonmaster” (El Amo del Calabozo en España).

Justo antes del comienzo de su gira británica, Tony Richards decide abandonar la banda (el asegura que fue despedido), y es reemplazado por el ex batería de Keel Steve Riley, grabando el segundo álbum de la banda “The Last Command” (1985), con el que alcanzaron el número 47 en la lista de álbumes de Billboard. Después de la gira, el guitarrista Randy Piper dejó la banda y es reemplazado por el bajista Johnny Rod (King Kobra). Esto permite a Blackie volver a tocar la guitarra. Con los cambios de formación realizados, grabaron su tercer álbum lanzado en 1986 y titulado “Inside the Electric Circus”. El álbum fue un gran éxito entre los fans del grupo, los críticos, por otro lado, lo tacharon como “rock de tercera”. El propio Blackie Lawless, reconoció que “Inside the Electric Circus” fue “un disco aburrido de una banda cansada”. Finalmente, Lawless se tomó un tiempo libre para reconsiderar la dirección creativa de la banda.

Inside the Electric Circus, con Johnny Rod en la banda.

Durante esa época W.A.S.P. se convirtió en objetivo del Parents Music Resource Center (PMRC), una organización dirigida por Tipper Gore (esposa del senador Al Gore) quien junto a otras esposa de senadores se dedicaron a oponerse a la música con letras consideradas violentas o de contenido sexual. Esto redujo la reputación de la banda hasta el punto de que las salas de conciertos recibían amenazas de bomba, los miembros de la banda amenazas de muerte e incluso el cantante Blackie Lawless recibió tres disparos (aunque no fue alcanzado). La controversia generó valiosa publicidad para la banda.

En 1987, W.A.S.P. incluyó la canción “Scream Until You Like It” en la banda sonora de la película “Ghoulies 2”. El mismo año, se grabaron algunas fechas durante la gira de “Inside the Electric Circus” y el 27 de noviembre de 1987, el concierto de Long Beach se lanzó como el álbum “Live … In the Raw”. En este momento, Steve Riley abandonó el grupo para unirse a L.A Guns. La banda recluto a varios baterías (desconocidos) antes de decidirse por Kelly Martella quien apareció en Donington y una actuación de Top of the Pops interpretando “Scream Until You Like It” en la BBC. Kelly Martella se unió a la banda Silent Rage en 1988.

Frankie Banali (2º izq) “Estar pero no ser”.

El cuarto álbum de estudio de W.A.S.P. “The Headless Children”, fue lanzado un año después y fue su primer álbum sin incluir canciones explícitamente sexuales. También fue su primer álbum en venderse bastante mal, sin embargo, alcanzó la posición más alta de la banda con el número 48 en el Billboard 200 antes de caer de las listas 13 semanas después. Sin embargo, sería el trabajo más aclamado por la crítica hasta ese momento. Las baterías para el álbum fueron grabadas por el batería de Quiet Riot Frankie Banali (aunque giró y colaboró con la banda muchos mas años nunca llegó a ser parte de W.A.S.P.). El disco tenia mejor sonido que sus predecesores, tal vez debido a que Ken Hensley (Uriah Heep) ayudó en teclados y arreglos de cuerdas que se utilizaron en ciertas pistas.

¿Es Jonathan Steel el alter ego de Lawlless ?

Chris Holmes dejó la banda en agosto de 1989, afirmando que quería “divertirse”. Lawless respondió con sarcasmo sobre el hecho de que “algunos hombres quieren quedarse en casa y usar delantales”, insinuando la naturaleza de la relación de Chris Holmes con su nueva esposa, Lita Ford. La banda se disolvió unos meses más tarde con Blackie Lawless emprendiendo una corta carrera en solitario. Como dato curioso decir que en aquella época se pensó en Lawless para interpretar al terminador T-1000 en la película “Terminator 2: Judgment Day”, no siendo elegido después de que Arnold Schwarzenegger considerara a Lawless “demasiado alto” (1.93m). En marzo de 1992, se publica el single “Chainsaw Charlie” (el primer sencillo en tres años) seguido del álbum “The Crinsom Idol” en junio, una ópera rock que cuenta la historia del ascenso y la caída de una estrella de rock ficticia llamada Jonathan Steel. “The Crimson Idol” (se tardaron casi tres años en completarse) se grabó originalmente como un álbum en solitario de Blackie Lawless, pero ante la presión de los fans se lanzó bajo el nombre de W.A.S.P. Banalli dejó la banda durante las sesiones de grabación y Stet Howland se hizo cargo de la batería, también Johnny Rod que no toca en el álbum, es reclutado de nuevo para la gira. Bob Kullick se hizo cargo de la guitarra solista en el estudio. La alineación de la gira incluyó a Blackie, Johnny Rod, Stret Howland y Doug Blair (guitarrista). En 1993, se publica el álbum recopilatorio “First Blood…Last Cuts”, fue la primera vez que la canción “Animal (Fuck Like a Beast)”, que anteriormente solo se lanzó como sencillo en 1984, se lanzó en un álbum. Este trabajo incluyó dos nuevas canciones, “Sunset and Babylon” y “Rock and Roll to Death”, esta ultima fue lanzada más tarde en su siguiente álbum “Still Not Black Enough”. Este recopilatorio fue el resultado de que Blackie Lawless y W.A.S.P. abandonaron Capitol Records y se lanzó como una obligación contractual con el sello. Ese mismo año, Blackie declara que ha disuelto W.A.S.P. para seguir con su carrera en solitario.

Su siguiente álbum “Still Not Black Enough” (1995), que curiosamente también estaba programado para ser lanzado como un álbum en solitario de Blackie Lawless, fue una colección de canciones oscuras e introspectivas que extendió la mitología de “The Crimson Idol”. Esta vez, en lugar de “esconderse” detrás del alter ego de Jonathan Steele, Lawless habló directamente sobre sus propios sentimientos (como se indica en las notas). Si bien el álbum carecía de la cohesión de su predecesor, las letras aún exploran temas similares a “Crimson Idol”: ser un inadaptado, las presiones de la fama y la sociedad, la búsqueda del amor, ademas de temas relacionados con la muerte de su madre y crisis personales justo después de la gira mundial de “The Crimson Idol”. En el estudio volvió a contar con Frankie Banali y Bob Kullick.

Howland, Lawless, Duda, Holmes (1996-2001).

Chris Holmes regresó a W.A.S.P. en 1996 grabando “Kill.Fuck.Die” (1997), con un sonido aun mas oscuro, casi industrial y “Helldorado” (1999). También grabaron dos álbumes en vivo de estas giras, “Double Live Assassins” y “The Sting”, respectivamente. El CD y DVD de “The Sting” fueron tomados directamente de un webcast experimental sobre lo que Lawless afirma no haber tenido control. Este lanzamiento lo enfureció porque no estaba contento con el sonido y la calidad de la imagen. La sección rítmica de estos trabajos estuvo formada por Mike Duda al bajo y Stet Howland a la batería. En Febrero de 2000, se edita un CD recopitatorio titulado “The Best Of The Best” que incluía canciones clásicas ademas de dos pistas adicionales en el CD, una versión del éxito de Elton John “Saturday Nights Alright For Fighting” y una nueva canción titulada “Unreal”.

La banda continuó con el álbum “Unholy Terror” en 2001. Chris Holmes dejó la banda una vez más ese mismo año, afirmando que quería “tocar blues”, también declaró no haber tocado en su ultimo trabajo con W.A.S.P. De nuevo Frankie Banali grabo parte de las baterías del álbum así como Roy Z las guitarras en otros temas. Con una formación que incluía a Blackie Lawless, Frankie Banali, Mike Duda y el recién llegado Darrell Roberts a las guitarras (quien se unió a la banda justo antes del Unholy Terror US Tour), se publicó en 2002 “Dying For The World” escrito y grabado en menos de un año, lo que es muy rápido para los estándares perfeccionistas de Lawless. El álbum se inspiró en cartas recibidas de las tropas que lucharon en la Guerra del Golfo. En 2004, W.A.S.P. lanzó la primera parte de “The Neon God”, subtitulada “The Rise”, un álbum conceptual sobre un niño huérfano que sufre abusos y que descubre que tiene la capacidad de leer el pensamiento y manipular a las personas. La segunda parte, “The Demise”, se lanzó también ese mismo año.

La enésima formación de W.A.S.P

A principios de 2006, la alineación aparentemente estable se desmoronó. Stet Howland, el batería de los últimos años se fue (en términos amigables), mas tarde se anunció la partida del guitarrista Darrell Roberts y el nuevo guitarrista Mark Zavon fue presentado varios días antes de la primera fecha de la gira. El mismo comunicado de prensa confirmó que Mike Dupke sería el nuevo batería, dos días después, Zavon estaba fuera de escena, siendo Doug Blair el nuevo guitarrista de la banda. El álbum “Dominator” se lanzó en abril de 2007 y se basa en las políticas exteriores estadounidenses de esos días. A finales de 2009 editan “Babylon”. En septiembre de 2011, W.A.S.P. anunció la gira “30 Year of Thunder”, que en 2012 conducirá a los 30 años del grupo siendo el 12 de septiembre de 2012 el aniversario de su primer show en el Troubadour. El décimo quinto álbum de estudio de W.A.S.P. “Golgotha”, fue lanzado en 2015. El álbum tardó cuatro años en materializarse. La banda realizó una gira en 2017 para conmemorar el 25 aniversario del lanzamiento de “The Crimson Idol”. Para coincidir con este aniversario, se lanzó “Reidolized (The Soundtrack to the Crimson Idol)” en 2018, que vino con la película original de “The Crimson Idol” en DVD y Blu-ray, e incluye seis pistas que originalmente estaban destinadas a ser parte de la versión original del álbum. Hace ya bastante años, que la banda de Blackie Lawless no cuenta con un batería a tiempo completo. Mike Dupke abandonó la formación en 2015, después de formar parte de la banda durante nueve años. Fue reemplazado por Patrick Johansson (Yngwie Malmsteen), pero poco después, fue sustituido por Randy Black (Primal Fear). Aquiles Priester (Angra) formó parte de la gira del 25 aniversario de “Crimson”. En 2018 fue el compositor y multi-instrumentalista Brian Tichy (Whitesnake, Foreigner) el encargado de las baquetas en los conciertos de W.A.S.P.

“1984 to Headless” es el nombre del esperadísimo tour mundial de W.A.S.P para 2020 donde interpretaran hits de los primeros cuatro discos de la banda, temas que nunca han sido interpretados juntos en un mismo set en directo. Y con uno de los músicos de los primeros álbumes continuamos, el bajista Johnny Rod, con la banda de la cual provenía antes de unirse a Lawless y los suyos, King Kobra.

Nada como la formación original.

Banda de hard rock fundada en 1983 por el batería Carmine Appice (Ozzy, Vanilla Fudge). En sus primeros dos álbumes, la banda incluía a cuatro músicos relativamente desconocidos que incluían a la vocalista Mark Free, (después de aceptar su disforia de género en 1993, ahora se la conoce como Marcie Free), los guitarristas David Michael-Philips y Mick Sweda y el bajista Johnny Rod. Esta formación grabaría los álbumes “Ready to Strike” (1985) y “Thrill of a Lifetime” (1986) En 1988 publican de forma independiente “King Kobra III”, reclutando al cantante Johnny Edwards (que terminaría en Foreigner), el bajista Larry Hart y el guitarrista Jeff Northrup, el sonido ya no era tan fresco como el de sus dos primeros discos y mostraba una madurez que gran parte de su público no supo apreciar y Appice decidió disolver la banda. En 2001 lanzan “Hollywood Thrash” un álbum que es un fracaso absoluto a nivel de ventas ademas de ser musicalmente mediocre, el álbum contaba esta vez con el vocalista Kelly Keeling (que se encargaría del bajo), Steve Fister a la guitarra y Mike Sweda también a la guitarra, ademas del propio Appice. En 2010, surgió un “nuevo” King Kobra, con Carmine Appice en la batería, Paul Shortino (Quiet Riot) asumiendo las tareas vocales, Mick Sweda en la guitarra, David Henzerling (también conocido como David Michael-Philips) en la guitarra y Johnny Rod en el bajo. Esta alineación lanzó un álbum homónimo, “King Kobra” en 2011 y otro en 2013 titulado “King Kobra II”.

En 2018 publican su directo “Sweden Rock Live”. Grabado en 2016 en el Sweden Rock Festival, el álbum presenta a los miembros originales Appice, Johnny Rod , David Michael Phillips (David Henzerling) y el vocalista Paul Shortino (en King Kobra desde 2010). Para reemplazar a Mick Sweda, que no pudo asistir al festival debido a compromisos previos, está Jordan Ziff en la guitarra. El tema “Iron Eagle (Never Say Die)” que se incluyó en su segundo álbum apareció en la banda sonora de la película de 1986 “Iron Eagle” (“Aguilas de Acero” en España), también en su primer L.P. aparece “Hunger”, escrito por Kick Axe (acreditados como Spectre General), y que apareció en “The Transformers: The Movie” (1986), ademas de ser incluido en el álbum de la banda sonora.

Kick Axe es una banda canadiense de heavy metal con un éxito comercial moderado a mediados de la década de 1980. Su álbum debut “Vices” fue lanzado en 1984, una versión de “30 Days in the Hole” de Humble Pie apareció en la banda sonora de la película de 1984 “Up the Creek” (“Los albóndigas en remojo” en España). “Welcome to the Club” fue lanzado en 1985 y se apartó de sus himnos de rock para obtener un sonido más comercial. El grupo apareció en la banda sonora de “Transformers: The Movie” bajo el nombre de Specter General, el cambio de nombre se debe a complicaciones legales. Grabaron dos canciones con ese nombre: “Hunger” (más tarde versionada por King Kobra en su álbum de 1985 “Ready to Strike”) y “Nothin’s Gonna Stand in Our Way” (una versión de una canción de John Farnham de la película “Savage Streets”, (titulada en España “Calles Salvajes”) que se incluyeron en la banda sonora. Después del lanzamiento de su álbum de 1986 “Rock the World”, Kick Axe se disolvió y permaneció en pausa durante muchos años. En 2004, resurgieron con el álbum “Kick Axe IV”. Actualmente continúan tocando por Canadá así como en festivales de rock de todo el mundo. Continuando con la banda sonora de “The Transformes” nos quedamos con la banda que interpretaba la canción que daba titulo a la película, la banda norteamericana Lion.

Lion.

La banda, originalmente llamada Lyon, se formó en Los Ángeles en 1983 después de que el ex vocalista de Tytan Kal Swan y el ex guitarrista de Lone Star Tony Smith se mudaron de Gran Bretaña y se unieran con el bajista Alex Campbell y el batería Mark Edwards. Después de comenzar a trabajar en una demo, Swan y Edwards reclutaron al guitarrista Doug Aldrich y al bajista Jerry Best para completar la formación de Lion. En 1984, el grupo debutó con “Love Is A Lie”, una canción que aparece en la banda sonora de “Viernes 13: El capítulo final”. En 1985, Lion regresó con “Power Love”, un E.P. de seis canciones lanzado solo en Japón. Después de grabar el título de la película animada “Transformers” y otros dos temas mas que aparecen en la película de 1986 “The Wraith” (“El Aparecido”), lanzaron su primer álbum de larga duración, “Dangerous Attraction” de 1987. Su siguiente disco, “Trouble in Angel City”, lanzado en 1989 contenía regrabaciones de las canciones del E.P. “Power Love”, una versión de la canción de Slade “Lock Up Your Daughters” y varias pistas nuevas. En septiembre de ese año, Edwards sufrió una fractura en el cuello después de caerse de un acantilado mientras competía en una carrera de motos. Lion se disolvió un mes después. Y precisamente con Edwards, su batería continuamos y con la banda a la que pertenecía antes de Lion, Steeler.

Un jovencisimo Yngwie (2º dch.) con Steeler a su llegada a los USA.

Steeler fue una banda estadounidense de heavy metal de principios de la década de 1980 conocida principalmente por contar con el virtuoso guitarrista sueco Yngwie Malmsteen a su llegada a los Estados Unidos. La banda fue fundada en 1981 en Nashville, Tennessee por el vocalista Ron Keel. En 1983 graban su primer y único álbum de la banda llamado como ellos, “Steeler”. Ron Keel a la voz, Rik Fox al bajo (quien fuera bajista de unos primerizos W.A.S.P.), Mark Edwards a la batería e Yngwie a la guitarra fueron los encargados de grabar ese álbum. Cuatro meses y 9 shows después Malmsteen abandonaría al grupo, tras esto y debido al cambio constante en los miembros de la banda, Steeler perdió su impulso y nunca firmó con un sello discográfico importante. Ron Keel decidió romper la banda y comenzar de nuevo bajo su propio nombre, formando Keel. Como casi todas sabréis Yngwie se unió a esta fantástica banda llamada Alcatrazz.

Alcatrazz es una banda de heavy metal inglés-estadounidense formada en 1983. La formación inicial de la banda consistió en el ex vocalista de Rainbow, Graham Bonnet, el joven guitarrista sueco Yngwie Malmsteen, Gary Shea y Jimmy Waldo de New England y Clive Burr de Iron Maiden. Burr solo estuvo en la banda durante una semana, y se fue al descubrir que la banda se establecería en los Estados Unidos, a diferencia de su Inglaterra natal, siendo reemplazado por el ex batería de Iron Butterfly Jan Uvena, quien acababa de abandonar a Alice Cooper. Shea apodó al grupo Alcatrazz. El álbum debut de la banda, “No Parole de Rock ‘n’ Roll”, fue lanzado a finales de 1983. Un año después se publicó “Live Sentence”, un directo con canciones de ambos conciertos de la reciente gira por Japón en el Nakano Sun Plaza en Tokio el 28 de enero de 1984. Descontento con las cualidades sonoras de la grabación, Malmsteen trató de evitar el lanzamiento del álbum pero falló. Durante este período, la agitación interna comenzó a surgir dentro de la banda, entre Malmsteen y Bonnet, lo que acabó con el sueco fuera de la banda con otro virtuoso de la guitarra entrando en su lugar, Steve Vai. La banda lanzó “Disturbing the Peace” en 1985. Steve Vai se fue para unirse a la banda solista de David Lee Roth en 1986. Fue reemplazado por el guitarrista Danny Johnson, quien grabó lo que se convirtió en el último álbum de estudio de Alcatrazz, “Dangerous Games” (1986). Después de separarse en 1987 y reunirse para presentaciones ocasionales en vivo entre 2006 y 2017, Alcatrazz se reformó una vez más en 2019 con Bonnet y Waldo. Un Jimmy Waldo que en los años 90 formó parte de este grupo llamado Murderer´s Row.

Murderer’s Row, una buenísima banda de hard rock potente que desgraciadamente duró poco y que tan solo grabó un álbum en 1996. La banda estaba compuesta por David Glen Eisley (Guiffria) a la voz, Jimmy Waldo (Alcatrazz) a los teclados, Chuck Wright (House of Lords) al bajo,  Jay Schellen (Hurricane) a la batería y Bob Kulick a la guitarra, musico con un curriculum impresionante, (Kiss, Lou Reed, Michael Bolton, W.A.S.P. Meat Loaf) ademas de dos álbumes con Balance a principios de los 80. En la década de 1990, grabó con Blackthorne junto al ex vocalista de Rainbow y Alcatrazz Graham Bonnet, así como con el grupo de hard rock, Skull.

Bobby Rock, Kjell Benner, Dennis St. James y abajo Bob Kulick.

Skull tan solo publicó un álbum titulado  “No bones about it” en 1991 con un sonido hard heavy americano bastante comercial. Ademas de Bob Kulick a las guitarras la banda estaba compuesta por Dennis St. James a la voz, Kjell Benner al bajo y Bobyy Rock a la batería quien fuera músico de Vinnie Vincent Invasion, Nelson y esta banda llamada Nitro.

Banda estadounidense de heavy metal de Hollywood, California. Formado en 1988, el grupo originalmente contó con el vocalista Jim Gillette, el guitarrista Michael Angelo Batio, el bajista T.J. Racer y el batería Bobby Rock. Nitro lanzó su álbum debut “OFR” en 1989, que alcanzó el número 140 en el Billboard 200 de EE.UU. Rock fue reemplazado por K.C. Comet para la gira del álbum y Racer dejaría la banda a partir de entonces. “Nitro II: HWDWS”, lanzado en 1992, presentó a Ralph Carter en el bajo y Johnny Thunder en la batería. Nitro se separó en 1993, con una serie de grabaciones inéditas que aparecen en el álbum de 1999 “Gunnin’ for Glory”. Su vocalista Jim Gillette fue marido de Lita Ford quien a principios de la década de 1990 estuvo casada con Chris Holmes mítico miembro de la banda a la cual dedicamos en blog de este mes y con la que terminamos. No olvidéis dar like y suscribiros al blog, así como pasar por el podcast del programa. Un saludo a todos y a todas. Sube el volumen y disfruta!!.